Fotografía: Serch Ramírez, Styling: Rafael Taracena
Asistente de Moda: María Sánchez, Grooming: Dani Casillas Locación: The Alest Hotel
Agradecemos a The Alest Hotel por todas las atenciones durante la producción de esta portada
APRENDIZAJE EN MOMENTOS DE ADVERSIDAD Y SIN ARREPENTIMIENTOS
Por Rodrigo Araiza P.
Entre bromas, frases de doble sentido y confesiones de gustos culinarios culposos, Mauricio Ochmann se deja ver como la persona detrás del actor reconocido. No es la primera vez que coincidimos, y esa familiaridad genera un ambiente relajado y de confianza.
El protagonista de la película Familia a la deriva, recién estrenada en cines, habla abiertamente sobre su paternidad y cómo esta fue un factor determinante para cambiar radicalmente su vida.
Su nociva experiencia con las adicciones lo enfrentó a un panorama poco alentador y, aunque lo recuerda como uno de los episodios más duros de su historia personal, hoy agradece poder contarlo.
Mientras algunas celebridades evaden temas tan delicados como las adicciones, la salud mental o los procesos de rehabilitación, para Mauricio, externarlo resulta fundamental. Aunque su sensibilidad es evidente al hablar del tema, también lo es el coraje con el que lo enfrenta, cualidad que despierta admiración.
Familia a la deriva se convierte así en el pretexto perfecto para reflexionar sobre los lazos que construimos día a día con nuestros seres queridos, el paso del tiempo y la manera en que enfrentamos nuestros miedos.
Me hubiera gustado llegar antes a la rehabilitación, pero aun así agradezco todo lo que viví
Suéter: Cos Pantalón: Calderoni Lentes: Valtra Anillos: Karizia y Rego Botas: Christian Louboutin
Cuéntanos de este proyecto, tu personaje y qué fue lo que te llamó la atención…
La película se llama Familia a la deriva. Mi personaje es Gonzalo, un papá un poco desobligado en términos emocionales. Está muy enfocado en el trabajo, en pagar colegiaturas y cumplir responsabilidades, pero el vínculo con sus hijos está bastante roto. Para intentar recuperarlo se le ocurre rentar un barco y llevarse a todos a convivir, sin contar con que naufragan y terminan perdidos en una isla. A partir de ahí él aprovecha la situación para intentar reconectar con ellos.
¿Cuál ha sido el mejor y el peor viaje de tu vida?
El mejor viaje de mi vida está por suceder. Voy a llevar a mis dos hijas a navegar por el Mar de Cortés. Eso me hace muchísima ilusión. El peor viaje fue uno que hice a Marruecos, donde la pasé muy mal; creo que ya es bastante conocido.
¿Has tenido la sensación de invertir tiempo y esfuerzo en algo que no valió la pena?
No. Siempre trato de ver el aprendizaje, incluso en los momentos de adversidad. No me arrepiento de nada de lo que he vivido. Quizá me hubiera gustado llegar antes a la rehabilitación, pero aun así agradezco todo lo que viví, porque todo trae un mensaje.
Con el tiempo y la madurez, ¿qué has aprendido a valorar más?
El tiempo y la calidad del mismo, y con quién lo comparto. Eso es lo más importante hoy.
¿Te arrepientes de no haber dicho o hecho algo por miedo?
En general, no, porque siempre enfrento las cosas con honestidad. Pero sí me arrepiento de no haberle dicho más veces “papá” a mi primer papá adoptivo. Cuando falleció me quedó esa espinita.
Viajas mucho y haces vuelos largos, ¿qué hacks recomiendas para trayectos de más de ocho horas?
Siempre llevo meditaciones, música instrumental o sonidos de la naturaleza, libros —sobre todo de crecimiento personal— y, de vez en cuando, veo películas.
¿Qué no puede faltar en tu carry on?
Una buena sudadera, cepillo de dientes y calzones.
¿Qué música te transporta sin moverte del lugar?
Los sonidos de la naturaleza: lluvia, mar, cascadas. Cierro los ojos y me llevan a otro lugar.
¿Qué te recuerda tu peor viaje?
La música de mi hermana… me ponía muy grave de adolescente.
CAROLINA CROWLEY
DISEÑA DESDE LA EXPERIENCIA, NO DESDE LA TENDENCIA
Por Rafael Taracena
Sus bolsos nacen del cuerpo, del uso real y de la memoria cotidiana, concebidos como acompañantes silenciosos de la vida diaria, más que como objetos aspiracionales.
Cada pieza responde a una relación íntima con la piel, el movimiento y el tiempo: flecos que siguen el andar, herrajes pensados para el equilibrio, acabados que evolucionan con quien los lleva.
En sintonía con la conversación global de la Primavera-Verano 2026, donde el cuero vuelve al centro, Crowley no sigue la moda: la habita. Para ella, la piel es tacto, transformación y memoria. Por eso, sus accesorios no envejecen: maduran. Sin estridencias ni exceso, su propuesta encarna un lujo sereno y honesto, recordándonos que el verdadero estilo no impone: acompaña.
Por Rafael Taracena
Por Rafael Taracena
La mezclilla entra en una nueva era donde la comodidad y el estilo conviven sin esfuerzo. Esta temporada, los jeans se liberan de estructuras rígidas para dar paso a siluetas baggy, cargo, carpenter, loose y barrel que reflejan una forma más auténtica y fluida de vestir. Más que una tendencia es una declaración: moverse con libertad también es sinónimo de cool.
American Eagle se posiciona como referente de este cambio al proponer fits pensados para la vida real, capaces de adaptarse a todos los cuerpos, estilos y rutinas. Piezas versátiles que funcionan igual con básicos relajados que con prendas más pulidas, y que confirman que el denim no impone reglas: acompaña, evoluciona y se vive a tu manera.
Porque en este 2026 los jeans no solo se usan: se sienten.
AMERICAN EAGLE
LOOSE RULES: EL NUEVO LENGUAJE
DEL DENIM EN ESTE 2026
ENERO
PUEDE SENTIRSE COMO DOS
CIUDADES
EN UNA: MAÑANAS FRÍAS, TARDES TIBIAS, AIRE SECO Y CAMBIOS DE TEMPERATURA QUE DESORDENAN LA PIEL. LA SOLUCIÓN NO ES COMPRAR MÁS, SINO APRENDER A LEER EL
CLIMA
Y ADAPTAR TEXTURAS, CAPAS Y ACTIVOS PARA QUE TU RUTINA TRABAJE CONTIGO, NO CONTRA TI.
Por Nancy Estrada
La regla base: cambia la textura, no tu identidad de piel
“Soy piel grasa” o “soy piel seca” ya no explica todo. Muchas veces no cambias tú: cambia el entorno. En clima seco (frío, viento, calefacción, aire acondicionado), incluso una piel mixta puede sentirse tirante, con zonas que se descaman y brillo extraño a mediodía. En clima húmedo, lo contrario: se satura, se congestiona y aparecen granitos pequeños que no son “acné” clásico, sino una mezcla de sudor, oclusión y fricción.
La regla climate-adaptive se resume así: si el clima reseca, sube hidratación y refuerzo de barrera; si el clima humedece, baja densidad y prioriza ligereza y control de sebo. La meta es sostener la barrera para que no reaccione con sensibilidad, brotes o manchas.
Clima seco: “sándwich” de hidratación sin saturar
Cuando el aire está seco, tu piel pierde agua más rápido. Aquí manda la estrategia por capas:
-Limpieza: Cambia a un limpiador suave que no deje la piel “tirante”. Piensa en fórmulas tipo crema o gel amables (por ejemplo, Atoderm Crema Ultra de Bioderma ).
-Hidratación inteligente: Aplica un sérum humectante sobre piel ligeramente húmeda (glicerina, pantenol, ácido hialurónico). Opciones discretas y efectivas: b-hydra™ intensive hydration serum de Drunk Elephant o The Ordinary Hyaluronic Acid 2% + B5.
-Sellado: Remata con una crema de textura media con lípidos reparadores (ceramidas, escualano, mantecas en dosis moderada). Si necesitas un “comodín” de barrera: CeraVe Moisturizing Cream, La Roche-Posay Cicaplast Baume B5+ o Bioderma Atoderm , usando menos cantidad en la zona T si eres mixta.
-Protector solar: En seco, un SPF con sensación hidratante evita parches y maquillaje cuarteado (ISDIN Fusion Water, La Roche-Posay Anthelios en textura fluida, o Eucerin Oil Control si buscas balance).
Tip: Si notas ardor al aplicar cualquier cosa , pausa exfoliantes y retinoides 3-5 noches. A veces tu piel no necesita más activos: necesita recuperación.
Clima húmedo: menos capas, más precisión
La humedad (o el calor con prisa) cambia cómo se comporta tu rutina. Aquí gana el minimalismo estratégico:
-Limpieza: Gel suave que retire protector y sudor sin castigar. Si hay congestión, una doble limpieza ocasional (bálsamo/aceite + gel) puede ayudar, siempre que no irrite. El Aceite Limpiador Hyper Real Fresh Canvas de MAC es una gran opción.
-Hidratación: Cambia cremas densas por gel-crema o lociones ligeras (White lucent brightening gel cream de Shiseido , Bioderma Sébium Hydra si te resecan los tratamientos, o una hidratante ligera tipo La Roche-Posay Effaclar H Iso-Biome en piel con brotes).
-Activos: Si tiendes a granitos, poros dilatados o textura irregular, ve por ingredientes que regulen sin “incendiar” la piel. La niacinamida puede ser un buen básico (The Ordinary Niacinamide 10% + Zinc 1% en poca cantidad si la toleras). Si buscas un efecto renovador nocturno sin complicarte, un micropeeling leave-on como Orlane Micro Peeling Concentré (con AHA + PHA y enfoque suave) ayuda a mejorar tono apagado, manchas y textura, respetando la barrera. Ideal para usar con frecuencia moderada en temporadas de humedad.
-Protector solar: Busca texturas fluidas, oil-control o acabado natural. Si tu SPF se siente como capa de plástico, terminarás tocándote la cara y eso empeora todo. Una muy buena opción es Emotions Labs Protector Solar facial en Barra Confianza. Cuenta con una protección de 360° por su amplio espectro (UV, IR y luz azul), es resistente al agua y mantiene tu piel libre de rojeces causadas por el sol.
La belleza climate-adaptive no es una tendencia: es una forma de cuidar la piel con inteligencia. Porque la rutina perfecta no es la que tiene más pasos, sino la que entiende el clima en el que vives y se adapta contigo.
EL COMEBACK MÁS GRANDE
DEL K-POP
La espera terminó. BTS, la realeza indiscutible del pop global, confirmó su esperado regreso a los escenarios con una gira mundial que se extenderá de 2026 a 2027 y que ya es considerada la más grande en la historia del K-pop. Con 79 conciertos en 34 regiones, el tour marcará un nuevo capítulo para el grupo y para su poderosa comunidad global de fans: ARMY.
Promovida por Live Nation, la gira arrancará el 9 de abril con tres noches consecutivas en Goyang, Corea del Sur, antes de continuar por Tokio y llegar a Norteamérica. Entre sus paradas destacan ciudades como CDMX, Las Vegas, Londres, París, Toronto, Chicago y Los Ángeles, con múltiples fechas en estadios emblemáticos.
En otoño, el tour llegará a Latinoamérica y Asia, incluyendo presentaciones históricas por primera vez en Bogotá, Buenos Aires y Kaohsiung, para después cerrar en Australia: Melbourne y Sídney.
El espectáculo contará con un escenario de 360 grados, diseñado para crear una experiencia inmersiva que coloca al público en el centro del show y eleva la conexión entre BTS y sus fans.
Además, la gira sumará hitos inéditos: debut del grupo en Madrid y Bruselas, su primera vez en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres y conciertos de K-pop por primera ocasión en recintos como Gillette Stadium y Sun Bowl Stadium.
Estos conciertos marcarán las primeras presentaciones principales de BTS como grupo desde Permission to Dance on Stage (2021–2022). Con nueva música prevista para la primavera de 2026, BTS no solo regresa: redefine, una vez más, los límites del pop contemporáneo.
SHOWS CDMX
Foro: Estadio Seguros GNP
Fechas: 7, 9 y 10 de mayo
“La película habla de vernos sin máscaras, de hablarnos de frente, con lo bueno y con lo malo”
FAMILIA A LA DERIVA
EL
CINE COMO ACTO DE RECONCILIACIÓN
Por Rodrigo Araiza P.
Con un tono ligero y una pizca de comedia, Familia a la deriva se estrenó en cines bajo la dirección de Alfonso Pineda Ulloa, quien plasma una historia profundamente personal y la convierte en un ejercicio catártico: “Sané cosas que nunca pude sanar en la vida real”.
Para el cineasta mexicano, “la película habla de vernos sin máscaras, de hablarnos de frente, con lo bueno y con lo malo”, algo que quedó de manifiesto en esta breve pero reveladora entrevista.
¿Qué te llamó la atención de esta historia para llevarla a la pantalla grande?
Lo que más me llamó la atención de Familia a la deriva es que trata de un padre ausente que, tras sufrir un accidente y quedar hospitalizado, se da cuenta de que ninguno de sus cuatro hijos va a visitarlo. A partir de ahí comienza a cuestionarse por qué sucede eso y descubre que hay una razón: si no estás presente en la vida de tus hijos, no puedes esperar que ellos estén ahí para ti. Para mí fue muy personal porque tuve un padre ausente. En terapia me di cuenta de que muchas de las cosas que cargo desde mi infancia tienen que ver con eso. Fue una oportunidad para retratar cómo me hubiera gustado que mi papá fuera y, de alguna manera, sanar esa parte de mí.
“Aprendí que si pude hacerlo en una película, también puedo hacerlo en la vida real”
Además de la paternidad, ¿qué otros temas pone sobre la mesa la película?
No solo habla de la paternidad, también de conocernos a nosotros mismos. Ver a un niño de 13 años soltar el celular y enfrentarse a la selva lo lleva a descubrir quién es y aprender a sobrevivir con pocos recursos. Los niños aprenden a valerse por sí solos, hacer cosas reales y no solo verlas en el teléfono. También está el tema de la unión entre hermanos, incluso en familias modernas y separadas. Tengo medios hermanos y sé lo importante que es convivir, conocerse y crear vínculos. La palabra clave aquí es unión familiar.
Es un tema muy personal, ¿por qué te sentiste preparado para hacerlo en este momento?
Llevo más de seis o siete años en terapia y he ido aceptando que muchas de mis deficiencias vienen de ahí. Me sentía listo. Además, Mauricio también ha vivido procesos importantes en su vida y teníamos razones personales para contar esta historia. Nos permitimos ser vulnerables y explorar el tema a fondo. Mientras te ríes, la película te lleva a reflexionar: quizá vale la pena hablarle a tu papá o irte de vacaciones con tu familia. Hubo escenas que me hicieron reír mucho y otras que me movieron profundamente; mientras filmaba, también iba sanando.
¿Crees que hay un antes y un después para ti con esta película?
Completamente. Para mí es un parteaguas y espero que también lo sea para el público mexicano. No es un reclamo hacia mi padre; para mí fue como irme de vacaciones con él. Sané cosas que nunca pude sanar en la vida real.
SIRĀT
Por Rodrigo Araiza P.
Reconocimientos como el Globo de Oro a Mejor Película en Lengua No Inglesa, el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y un par de Premios Goya, incluido Mejor Película, avalan el impacto cinematográfico del trabajo más reciente de Óliver Laxe.
El largometraje trasciende el entretenimiento para convertirse en un viaje donde la esperanza y la tragedia conviven en un mismo plano. Sirāt: Trance en el desierto nos confronta con la resiliencia y, al mismo tiempo, nos recuerda la fragilidad de la vida.
Óliver Laxe, creador del filme, concibe esta obra como una necesidad de “experimentar mi propia muerte”.
¿Alguna experiencia personal detonó esta historia, o qué te llevó a hacer Sirāt?
Más que una experiencia personal fue la ausencia de ellas. La ausencia de experiencias cercanas a la muerte. Soy un habitante de un país occidental que ha huido de la muerte y de cualquier ceremonia en torno a ella. Precisamente por esa ausencia sentí la necesidad de experimentar mi propia muerte haciendo esta película e invitar al espectador a experimentar la suya.
CINE VISCERAL SIN COMPLACENCIAS
En la película hay un camino, un puente entre el paraíso y el infierno. Hay pérdidas constantes, pero también encuentros.
¿Hay espacio para el duelo?
La vida es duelo, es pérdida, pero también es encuentro. Esta película invita a trabajar cierta aceptación. Los personajes —y los propios ravers— evocan esa aceptación en sus rostros. Muchos están mutilados, tienen heridas visibles y, aun así, siguen adelante, siguen celebrando la vida, siguen bailando la herida. Sirāt es una expresión de mi mirada sobre la vida: ese mecanismo tan bello y tan duro que es la crisis, que nos hace crecer.
Los personajes atraviesan montañas, ríos y paisajes extremos, pero también un viaje interior…
Sí, es una película de aventuras, hay una intensidad física muy fuerte, pero sobre todo es un viaje hacia adentro. La vida no les da lo que buscan, les da lo que necesitan. Y eso nos pasa a todos: estamos identificados con lo que creemos querer, pero la vida nos está diciendo otra cosa. A veces nos frustramos, pero en el fondo nos está regalando algo, casi siempre de una manera inesperada.
Elegiste el desierto como escenario, un lugar que suele asociarse con la ausencia de vida. ¿Es un personaje más?
Yo no filmo la naturaleza porque sea bonita. La filmo porque manifiesta algo, porque te pone a prueba, porque te habla. La naturaleza obliga a trascender al autor: es la vida queriendo hacer la película a pesar de ti. El desierto te obliga a mirar adentro: no hay árboles, no hay distracciones, no hay dónde esconderse. Te obliga a mirarte a ti mismo y a mirar el cielo. No es casualidad que muchos grandes místicos provengan del desierto; es ahí donde el ser humano, al llegar a su límite, ha expresado lo más bello de sí mismo.
La experiencia de Sirāt es profundamente visceral. Muchos espectadores dicen que tarda en digerirse…
Me gusta hablar de la película como un masaje. Un masaje que encuentra el punto donde duele y no te suelta. Te obliga a trabajar ese dolor. Al terminar puedes decir: “No entiendo nada, me duele el cuerpo”. Incluso dan ganas de matar al masajista. Pero al día siguiente la relación con la película cambia. Dos días después es otra cosa. El cine tiene que trabajar ahí.
No es un cine complaciente…
Si quisiera ser complaciente sería fácil. Ser claro hoy es muy fácil, todo el mundo lo es. Ser ligero, también. Pero si quieres ser profundo tienes que asumir todas las consecuencias.
¿Le temes a la muerte?
Claro que le temo. Pero Sirāt me ha ayudado a tenerle menos miedo. El otro día estaba en un avión con mucha turbulencia y me asusté. Incluso vi a los azafatos nerviosos. En un momento me dije: “Para, eres el director de Sirāt, no puedes tener miedo ahora”. Y funcionó. Pensé: “Que sea lo que la vida quiera. Si tengo que morir aquí, está escrito. Por algo será. Vamos a celebrarlo”.
SINOPSIS
Un padre (Sergi López) y su hijo llegan a una rave en las montañas del sur de Marruecos en busca de Mar —hija y hermana—, desaparecida meses atrás. Entre música electrónica y una libertad desconocida, reparten su foto mientras la esperanza se diluye. Siguen a un grupo de ravers hacia una última fiesta en el desierto, donde el viaje los enfrenta a sus propios límites.
UNA CANCIÓN sobre LO QUE SEA
José Luis Isoard Arrubarrena dirige este dramedy donde Elena es el hilo conductor de la historia. Ella graba audiolibros motivacionales para sobrevivir, aunque su verdadero sueño es hacer música. Tiene una sola canción y grabarla profesionalmente es un lujo que no puede pagar.
En su intento por hacerlo realidad, vuelve a contactar a Carla, una vieja amiga con dinero de sobra y emociones pendientes. Entre favores, expectativas y una rola en juego, la historia se pregunta —con humor y honestidad— qué tan desinteresada es la amistad cuando el dinero entra en escena.
¿Por qué hacer esta película?
Creo que mantener una amistad a veces es un trabajo difícil y triste. Esa gente a la que hace mucho no ves, cuando te reencuentras es casi como volver a empezar porque no sabes si esa persona es la misma, cómo ha cambiado. Quería explorar eso, sobre todo. Aunque a lo largo del proceso otros temas empiezan a invadir la historia y se vuelven parte del universo, creo que en el fondo sigue siendo sobre la amistad.
Hacer cine es una hazaña, pero hacer cine independiente es aún más, ¿qué retos implica una producción de este nivel?
Creo que hay que ser muy humanos, muy agradecidos, porque el mayor recurso en una película de este tipo es el trabajo de la gente que no está cobrando. A diferencia de un set más robusto, tenemos que cumplir varios roles. El fotógrafo también ayuda a ambientar; a mí, como director, me tocaba hacer el manejo de data; Camila, la protagonista, también era productora.
¿La audiencia mexicana está ávida de cine independiente o sólo un nicho?
Imagino que es solo un nicho, pero tampoco es una pregunta fácil porque el cine independiente puede ser tan variado en géneros como el cine comercial, por lo tanto, creo que los nichos se cruzan e interseccionan. La batalla es encontrar al público que conecte con tu película. La nuestra es una comedia incómoda que tiene muchas cosas que decir sobre la amistad y la frustración. (Por Rodrigo Araiza P.)
PAULINA GAITÁN
MUJER CHINGONA; PERSONAJES POTENTES
Por Rodrigo Araiza P. Fotos: Sergio Ramírez
Expresiva, directa y honesta. Es lo primero que notas cuando estás delante de Paulina Gaitán, actriz con más de 20 años de trayectoria. Recientemente lució en la serie de Netflix Las muertas, donde interpretó a Serafina, una mujer dura que la enfrentó con lugares oscuros.
Esos son los personajes que despiertan su interés, algo que la desafíe, que la encare con nuevos retos y la cuestione como ser humano. Y aunque ser actriz es su mayor pasión, no niega que hay épocas donde el trabajo escasea. Por fortuna este año, dice, “ya está agarrando ritmo”.
¿Te has acostumbrado a este ritmo irregular de trabajo, a terminar un proyecto sin saber qué viene después?
Tuve una racha de mucha suerte: estuve casi siete años trabajando sin parar. Entonces llegó 2025 y dije: “¿Qué está pasando?”. Se sintió raro, pero ya está retomando, estamos volviendo a la normalidad. Además, esta profesión no es constante.
¿Ya eres más resistente a los “no”?
No, sigue doliendo. Hay proyectos que deseas mucho y cuando llega el “no”, claro que duele. Pero también aprendes que no depende de ti: del perfil, del momento, de muchas cosas. Yo sí creo que el sol sale para todos; a veces simplemente ese personaje no era para mí.
Tu debut en cine fue en 2004 con Voces inocentes. ¿Fue tu primera película?
Sí, fue la primera. Hace poco estuvimos en la Cineteca de Chapultepec porque se cumplieron más de 20 años. Nos reencontramos varios actores. Fue muy emotivo.
Después de más de dos décadas de carrera, ¿cómo ves ese recorrido?
Veo mucho crecimiento, y algo que me emociona mucho: no le he perdido el amor a esto. Trabajar me alimenta el alma. Empecé tan joven que al principio el trabajo era mi hobby. Luego se volvió mi vida entera.
¿Qué proyectos han sido parteaguas en tu carrera?
Varios. Narcos me abrió un horizonte nuevo y me dio mucha confianza. Sin nombre me marcó emocionalmente. Y Las muertas, con Serafina Baladro, ha sido un regalo: un personaje intenso, complejo, muy retador.
“Me juzgo demasiado y a veces no disfruto el camino”
¿Qué fue lo más complicado de interpretar a Serafina?
Su locura, llegar a lugares muy oscuros. Luis Estrada tiene todo muy claro y eso ayuda muchísimo. No titubeas: lo que él dice es lo que se hace.
¿Ya habías trabajado con Luis Estrada?
No, fue la primera vez. Antes hablé con Joaquín Cosío y me dijo: “Aférrate al texto, no cambies ni una coma”. Estudié todos los episodios antes de empezar y eso me ayudó a ganarme su confianza.
A pesar de la experiencia acumulada, ¿lidias con el síndrome del impostor?
Sí, todo el tiempo. Me juzgo demasiado y a veces no disfruto el camino. Eso es algo que trabajo constantemente: aprender a disfrutar el proceso.
¿Has notado cambios en las narrativas que se hacen en México?
Sí, cada vez hay más calidad y más peso en las historias. Yo busco proyectos que muevan al público, que dejen algo.
¿Y en cuanto a los personajes femeninos?
Estamos en otro lugar. Hoy los personajes femeninos son fuertes y entrañables. Me da mucho gusto ver ese cambio; la balanza está cada vez más pareja.
¿Te interesa escribir, producir o dirigir?
Sí. Ya dirigí un corto, La niña del lago, aunque me ha costado mostrarlo. También produje una película con mi esposo. Hacer cine independiente es difícil, pero me llena mucho crear historias propias.
¿Qué tipo de personajes sueñas interpretar?
Personajes potentes, mujeres chingonas. Me encantaría hacer algo tipo Marvel, y siempre he querido interpretar a Frida Kahlo.
¿Qué viene para ti en este 2026?
Vamos a estrenar El Mochaorejas. Y hay otros proyectos, pero luego les contaré.
Fuera de la ficción, ¿qué tan dramática eres?
La más. Soy muy emocional, siento todo a la máxima potencia. Creo que un buen actor es muy dramático.
¿Cómo cuidas tu salud mental?
Siempre voy a terapia y con el psiquiatra. Es fundamental cuidar la cabeza, el corazón y el cuerpo. Estoy completamente a favor de hablar de salud mental sin tabúes.
¿Tienes mascotas?
Muchas: perros, gato, víbora, camaleón, hurón, gecko, tortuga y peces. La mayoría son rescatados. No puedo salvar uno más, mi esposo ya me puso un alto.
EL PULSO DEL ARTE Y LA GASTRONOMÍA
OAKLAND
Por Rodrigo Araiza P. Foto: Vanessa Alvarado
A tan solo una hora de Santa Clara, California —sede del Super Bowl LX—, se encuentra Oakland, una ciudad con una personalidad muy particular donde el arte y la gastronomía son emblemas.
Para vivir una experiencia sin contratiempos, elegir el hospedaje adecuado es fundamental: buena ubicación y amenidades suficientes para una estancia cómoda. Todo eso se encuentra en Oakland Marriott City Center, una propiedad situada cerca de restaurantes de primer nivel, espacios culturales y opciones de entretenimiento, además de atractivos icónicos como Jack London Square y Oakland Arena.
Los atractivos de Oakland son muchos y se adaptan a todo tipo de visitantes. Sin embargo, hay algunos spots y actividades que resultan imperdibles.
Oakland Museum of California (OMCA)
OMCA es mucho más que un museo: es un jardín, un punto de encuentro y un espacio vivo donde se narran las historias que dan forma a California. Desde una mirada profundamente ligada a Oakland, reúne arte, historia y naturaleza para descubrir voces conocidas y otras que merecen ser escuchadas.
Su colección reúne más de 2 millones de objetos que cuentan la historia artística, cultural y natural del estado. Desde obras de artistas locales —con más de 90 mil piezas que abarcan del siglo XVIII a la actualidad— hasta fotografías, artefactos históricos y especímenes de ciencias naturales, el museo ofrece una mirada amplia y diversa de California.
Pinturas, textiles, objetos indígenas, maquinaria, grabaciones y medios digitales conviven en un acervo que refleja la riqueza biológica y cultural del estado, con alrededor de 4 mil piezas en exhibición permanente en sus galerías de Arte, Historia y Ciencias Naturales.
Parche
El sabor latino es la insignia de este recinto culinario inspirado en la gastronomía colombiana. El chef Paul Iglesias se encargó de diseñar un menú variado donde ingredientes como el plátano, el coco, la yuca y los productos del mar son protagonistas.
Una vez en el lugar, lo más complicado es elegir entre tantas opciones llenas de sabor y textura. Si buscas algo tradicional, las infalibles arepas son una apuesta segura; si prefieres arriesgarte, el Posta Negra Sando —un sándwich gourmet de costillas deshebradas con una salsa típica— es un verdadero placer para el paladar.
VIAJES
Art tour
La escena artística de Oakland es efervescente e incluyente en técnicas, materiales y creadores. Muestra de ello es Creative Growth, una galería que impulsa el talento de artistas con discapacidad en un espacio seguro e inspirador. Algunos de sus artistas han expuesto en SFMOMA, mientras que obras de otros forman parte de la colección del MoMA de Nueva York.
En talleres y galerías como Local Language, Manna Gallery, Werkshack Gallery & Studios y Johansson Projects se encuentra arte de todo tipo —desde industrial hasta decorativo—, siempre acompañado de historias de arduo trabajo, constancia y toneladas de creatividad.
Sobre Mesa
En toda buena reunión, la sobremesa es inevitable, y en este bar tipo lounge —creado por el chef Nelson German— la calidez afrolatina se percibe en cada detalle. Desde la música y la decoración hasta el ambiente y la atención personalizada, todo está cuidadosamente pensado.
En Sobre Mesa , tanto las bebidas como los platillos son protagonistas. Empanadas de carne, tapas con una amplia variedad de sabores y texturas, y un jugoso filete de costilla invitan a compartir la mesa.
La coctelería, por su parte, está diseñada para ofrecer una experiencia visual y sensorial completa, con combinaciones que incluyen tequila, vodka, ginebra, azafrán, licor de plátano, menta y jarabe de lavanda.
Glowfari
El Zoológico de Oakland cobra vida por la noche con miles de luces y animales a gran escala que iluminan cada rincón. Desde arrecifes de azul intenso hasta fascinantes insectos y reptiles, el recorrido nocturno de Glowfari es una experiencia única.
Familias enteras se dan cita para disfrutar de los distintos espacios que destacan por su colorido, diversidad de especies y áreas lúdicas pensadas para chicos y grandes. Aunque Glowfari se realiza de noviembre a finales de enero, estará disponible durante el fin de semana del Super Bowl LX, convirtiéndose en un imperdible durante la estancia en Oakland.
Low Bar
La vida nocturna también tiene sabor en Low Bar, un espacio donde la consigna es comer y beber bien. A diferencia de otros bares, su cocina permanece abierta hasta tarde, ofreciendo desde ensaladas y tostadas hasta ostras, tacos de pescado, nachos y hamburguesas.
La carta de bebidas incluye una amplia selección de cervezas artesanales y locales, además de vinos y coctelería bien ejecutada. Todo lo necesario para disfrutar de una velada relajada entre amigos.
GAMING SIN LÍMITES
ASUS Republic of Gamers vuelve a marcar tendencia con el lanzamiento de las ROG XREAL R1, las primeras gafas de gaming del mundo con pantallas micro-OLED Full HD a 240Hz, pensadas para llevar la experiencia de juego de gran formato a cualquier lugar. Desarrolladas en colaboración con XREAL, líder global en gafas de realidad aumentada, transforman el ADN visual de ROG en una pantalla espacial portátil.
Al colocarlas, el usuario accede a una pantalla virtual de hasta 171 pulgadas, con un amplio campo de visión de 57°, lo que crea una experiencia inmersiva ideal tanto para juegos intensos como para sesiones casuales. Gracias a su diseño ultraligero de solo 91 gramos, las ROG XREAL R1 están pensadas para jugar cómodamente incluso en movimiento.
Uno de sus grandes diferenciadores es su integración total con el ecosistema ROG. Mediante el ROG Control Dock, las gafas permiten conectarse fácilmente a PC y consolas a través de DisplayPort y HDMI, mientras que la conexión directa por USB-C con la ROG Ally ofrece una experiencia plug-and-play inmediata, sin configuraciones complicadas. Además, el usuario puede ajustar el tamaño y la distancia de la pantalla virtual con solo presionar un botón.
En el apartado visual, la fluidez es protagonista: una frecuencia de actualización de hasta 240Hz y una latencia mínima garantizan imágenes suaves y precisas. A esto se suman las lentes electrocrómicas, que ajustan automáticamente su transparencia según la luz del entorno, y el sistema Sound by Bose, que aporta un audio envolvente y tridimensional para una inmersión total.
Con las ROG XREAL R1, ASUS redefine el gaming de gran formato y lo convierte en una experiencia portátil, flexible y lista para disfrutarse en cualquier momento y lugar.
Nutri evoluciona
NUEVA IMAGEN, NUEVA FÓRMULA
Por Rodrigo Araiza P. Fotos: Sergio Ramírez
Un gran cambio merece una gran presentación, y ese fue el caso de Nutri, que además de renovar sus empaques realizó un cambio sustancial en su fórmula al evolucionar de Lacti-Pro a Lacti-Pro Max.
“Esta transformación viene acompañada de una fórmula mejorada; es parte del trabajo que hemos realizado en conjunto con el equipo de Investigación y Desarrollo. Lacti-Pro Max aporta 20% más de vitamina D, un nutriente clave que contribuye al fortalecimiento del sistema inmune”, indicó Tessy Botello, Directora de Marca Nutri y Leches Saborizadas de Grupo Lala.
El anuncio se llevó a cabo durante un evento realizado en el Papalote Museo del Niño, donde se habló del rediseño de esta marca icónica y de los aportes nutrimentales que han convertido a Nutri en uno de los productos favoritos de las familias mexicanas.
“Es una marca que ha pasado de generación en generación, y esa es la clave. Hoy presentamos una nueva estrategia con una imagen renovada, un mensaje de comunicación potente y una fórmula que refuerza las necesidades que el consumidor estaba buscando”, compartió Alejandra Patiño, Gerente de Marca Nutri.
Este paso representa un momento histórico para la marca, como lo enfatiza Carlos García, Gerente de Marca Nutri: “La nueva imagen fue todo un reto; es el cambio más importante que ha tenido la marca en más de 40 años dentro del mercado”.
Nutri es una marca que se preocupa y ocupa de sus consumidores, razón por la cual decidió actualizar su fórmula. Durante el evento de lanzamiento, especialistas en nutrición abordaron la relevancia de estos cambios, entre ellos Mary Carmen Mondragón , Directora de Nutrición de Grupo Lala.
Asimismo, Cynthia Rodríguez y la creadora de contenido Abue Angie realizaron una demostración de cocina utilizando Nutri como ingrediente principal, mostrando su versatilidad en recetas que van desde una deliciosa malteada hasta hot cakes de espinaca.
UN LUGAR QUE NO TE PUEDES PERDER
(Y QUE REDEFINE LA FORMA DE VIVIR LA CIUDAD)
Hay hoteles que funcionan como punto de partida. Y hay otros —pocos— que se convierten en destino. The Alest pertenece a esta última categoría. En medio del ritmo constante de Polanco, este hotel boutique propone algo cada vez más valioso: una pausa consciente, un refugio urbano donde el tiempo se siente distinto y la experiencia se construye desde la calma.
Desde el primer momento, The Alest invita a mirar con otros ojos. La transición del exterior al interior es sutil pero contundente: el ruido se disuelve, la luz se suaviza y los materiales comienzan a contar una historia de elegancia discreta. Aquí no hay excesos ni fórmulas repetidas. El diseño se expresa en texturas acogedoras, en una paleta cromática serena y en espacios pensados para acompañar al visitante, no para imponerse. Todo está ahí por una razón, y se siente.
Las habitaciones refuerzan esa sensación de intimidad bien entendida. Son espacios que invitan al descanso real, a quedarse un poco más, a habitar sin prisa. Cada detalle —desde la iluminación hasta la distribución— está pensado para generar una experiencia cercana, casi personal, donde el lujo se traduce en comodidad, silencio y atención genuina. The Alest no busca impresionar de inmediato: prefiere conquistar con sutileza.
El pulso social del hotel se vive en 45 Bar & Restaurant, un espacio que entiende la gastronomía como un acto de encuentro. Su propuesta está cuidadosamente curada, con platos bien ejecutados que privilegian el sabor y una coctelería precisa que acompaña el ritmo del momento. Es un lugar pensado para conversaciones largas, para comidas que se alargan sin culpa y para cenas que fluyen de forma natural, siempre acompañadas por un servicio atento que sabe cuándo estar y cuándo desaparecer.
Más allá del hospedaje o la propuesta gastronómica, lo que distingue a The Alest es su manera de entender la hospitalidad. Aquí, todo sucede con una elegancia silenciosa que se agradece. No hay urgencia, no hay artificio. Solo la sensación de estar en el lugar correcto, en el momento adecuado. Un espacio que se adapta tanto a quienes visitan la ciudad como a quienes la habitan y buscan redescubrirla desde otro ángulo.
Visitar The Alest no es solo una recomendación: es una experiencia que vale la pena vivir. Un refugio urbano que confirma que el verdadero lujo hoy está en los detalles, en la calma y en la posibilidad de disfrutar la ciudad a otro ritmo. Un lugar al que llegas por curiosidad… y al que inevitablemente quieres volver.
ARTE PARA TODOS
Con la misión de seguir impulsando la democratización del arte, BADA México celebrará su sexta edición en el Campo Marte. Del 5 al 8 de febrero y en el marco de la Semana del Arte en la Ciudad de México, esta plataforma consolidada volverá a abrir sus puertas a talentos emergentes.
Leni Ibargüengoytia, directora artística y curadora de BADA México, nos habla sobre el impacto y la necesidad de este evento, así como de las actividades que albergará durante su celebración.
Por Rodrigo Araiza P.
¿Qué novedades tendrá esta edición?
Tendremos alrededor de 200 artistas, algo que sucede por primera vez. Todos son artistas independientes, cada uno con su propio proyecto. La artista invitada será Lourdes Almeida, una fotógrafa maravillosa y ampliamente reconocida en México durante décadas; nos honra tenerla en esta edición.
Además de los artistas, ¿qué activaciones destacarán este año?
Tenemos muchísimas. Participan la UNAM, la Facultad de Artes y Diseño, así como la Ibero. Regresa Mi Valedor, una organización que trabaja con personas que viven en situación de calle y las ayuda a reincorporarse a través del arte. También estará la asociación de pintores que pintan con la boca y los pies. Además contaremos con la presencia de IES Moda, una escuela muy importante en México, que realizará un desfile itinerante dentro de la feria, combinando arte y pasarela de una manera lúdica.
Este año también hay una subasta, ¿cómo será esta experiencia?
Es la primera vez que organizamos una subasta en BADA. Será para los artistas de la feria que deseen participar y tendrá un concepto muy divertido: arte contra máscara. Habrá lucha libre con luchadores reales, lo que promete ser un evento muy especial.
También presentan una exposición especial llamada Arte Futbol, ¿de qué se trata?
Con motivo del Mundial organizamos, junto con Banco Azteca, una exposición especial titulada Arte Futbol. Lanzamos una convocatoria y recibimos más de 800 propuestas. Cinco artistas fueron seleccionados y tendrán un stand dentro de la feria. Además, por primera vez habrá una exposición independiente en la entrada dedicada exclusivamente a este tema.
BADA también se ha convertido en una experiencia gastronómica y social, ¿cómo se vive esa parte?
Desde el año pasado contamos con una zona gastronómica muy sólida y este año la repetimos con un grupo de restauranteros destacados. Se ha convertido en un verdadero happening: hay restaurantes, bares, DJs, música, comida y tragos. Ya no es solo una feria de arte, sino un espacio para pasar el día completo. También seguimos siendo una feria incluyente y familiar. Mattel se encarga de los talleres para niños. Nos encanta que vengan familias completas, que coman rico, compren arte y que los niños se diviertan.
¿Por qué es importante que exista una feria como BADA en México?
Porque no existía una plataforma así. Hay muchísimo talento en México y muchos artistas necesitan un espacio para mostrarse. Las galerías no se dan abasto. BADA se convierte en una plataforma fundamental donde los artistas pueden exhibir su trabajo, rotar, crecer y acceder a nuevas oportunidades. Muchos comienzan aquí y luego son tomados por galerías u otras exposiciones.
