Por primera vez el talentoso diseñador mexicano exhibe su trabajo en un museo, y es para celebrar una década de trayectoria
18. MÚSICA
CAROLINA DURANTE
Hablamos con la banda madrileña sobre su crecimiento en México y su paso por Coachella
22. ENTRETENIMIENTO MALCOLM IN THE MIDDLE
Tres actores del reparto original de la icónica serie estuvieron en la CDMX y nos contaron qué extrañan de su pasado, así como de su regreso a la pantalla
28. ÍCONO
JERRY VELÁZQUEZ
A punto de terminar temporada en Siete veces adiós, el actor y cantante reconoce que ya no tiene miedo a ser vulnerable
DIRECTOR DE MODA RAFAEL TARACENA rtaracena@estilodf.tv
EDITORA DE BELLEZA NANCY ESTRADA nestrada@estilodf.tv
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33. VIAJES
SOUTH PARK & GOLDEN HILL
San Diego es un paraíso foodie. Te mostramos dos barrios abundantes en sabor
EN PORTADA JUCA/NISSAN
Head of Editorial Content: Alexis Finkler
Editorial Coordinator: Rodrigo Araiza, Head of Editorial Design: Manu Plascencia
Photography: Serch Ramírez, Fashion Styling: Rafael Taracena, Fashion Assistant: María Sánchez
Grooming: Dani Casillas y Esthela Morales, Location: Kartódromo KBR
Agradecemos a Kartódromo KBR por todas las atenciones durante la producción de esta portada
Look: Ocelote, Brazalete: Tten
JUCA NISSAN
La evolución automotriz apuesta por el control y la precisión, pero hay algo que escapa a la lógica. El creador de contenido conecta con ese lado irracional que transforma cada trayecto en una experiencia
Por Rodrigo Araiza P.
La tecnología está presente en casi todos los aspectos de la vida diaria, y la industria automotriz no se escapa, incluso apuesta cada vez más con objetivos concretos como la seguridd y eficiencia. Bajo este concepto surge una pregunta inevitable: ¿qué tanto espacio queda para la emoción?
En este sentido, Nissan Sentra pone sobre la mesa una dualidad interesante bajo el concepto de “lado irracional”, ese impulso que conecta con el placer de conducir, con la adrenalina, con lo que no siempre se puede explicar, pero sí sentir.
Frente a él convive su contraparte lógica, el racional: un vehículo equipado con herramientas diseñadas para facilitar la experiencia, reducir riesgos y ofrecer mayor control al conductor.
En ese punto de encuentro entre razón y emoción, la voz de JUCA resulta especialmente relevante. Con una comunidad sólida y una trayectoria construida a partir de su pasión genuina por los autos, su perspectiva va más allá de la ficha técnica: entiende los vehículos como experiencias, como extensiones de la personalidad, como historias en movimiento.
Para él, manejar no es solo trasladarse de un punto A a un punto B, sino una forma de conectar con algo más instintivo. En esta conversación, el creador de contenido reflexiona sobre su relación con los autos, el papel de la tecnología en la conducción moderna y cómo, incluso en una era dominada por asistentes inteligentes, sigue existiendo un espacio para lo impredecible, para lo emocional, para ese lado irracional que hace que todo cobre sentido.
¿Antes de tu gusto por los autos hubo algo que te apasionara de igual forma?
No, lo que más me ha apasionado siempre han sido los coches. Hubo una etapa en la que el fut me apasionaba, pero no más que los coches, eso siempre ha sido así: el líder de lo que me apasiona.
¿Invertir tiempo y dinero en los productos que haces te da una perspectiva distinta del mundo automotor?
Sí, porque al invertir tiempo y dinero en los coches, al modificarlos, no solamente tenerlos, puedes entender de diferentes formas el funcionamiento de las cosas: te da un entendimiento tanto de cómo están hechos como de su capacidad.
¿Hay algún tipo de metáfora entre tu relación con los vehículos y la vida misma?
Claro. Mi relación con los vehículos, literalmente, se traduce a como yo creo que es la vida, o sea, está llena de altibajos, decepciones, alegrías, retos, triunfos. He tenido una historia diferente con cada coche y producto: cada uno me ha enseñado diferentes cosas que se aplican a todo en la vida.
¿Qué sensaciones o emociones te genera la velocidad que no encuentras en ningún otro ámbito?
La velocidad, lo que genera: cierto nerviosismo, cierto miedo, cierta forma de inseguridad, como el hecho de que el ser humano pueda ir tan rápido, o sea, el ser humano no está diseñado para ir a más de lo que podemos correr. Entonces, tener vehículos, creaciones que puedan llevarte a ir mucho más rápido de lo que fuiste diseñado, se siente muy bien.
¿Alguna mala experiencia ha puesto en riesgo tu relación con los vehículos o las pistas?
No, no diría que he puesto en riesgo, pero sí afectado. Es como la vida misma, es como si alguna mala experiencia que hayas tenido pusiera en riesgo la relación que tienes con la vida. O sea, no es como que un día digas: “Ah, odio la vida”. Hay días más difíciles que otros y es normal. En cualquier camino siempre habrá momentos difíciles, que son luego los que te hacen crecer, aprender y apreciar de mayor forma los momentos bonitos.
Has realizado muchos de tus sueños, pero trabajas para cumplir otros más, ¿qué le dirías a tu yo del pasado que quizá quería tirar la toalla?
Le diría que gracias por no tirarla. Y seguramente le diría lo mismo a mi yo del futuro porque, sí, la verdad es que ya he cumplido bastantes de mis sueños, pero tengo muy claro que me faltan muchísimos más por cumplir. Tengo mucho más que entregar todavía. La clave del juego será la paciencia, la determinación, y entender que la curva de aprendizaje es una y toca seguirle. Pero lo más importante es disfrutar todo el trayecto.
¿Cuál es la lección que todos los conductores deberían aprender antes de estar detrás de un volante?
Que el coche es una máquina, o la moto, lo que sea. Cualquier vehículo que vayas a conducir es una máquina y hará lo que tú le digas. Lo más importante es saber que nosotros estamos en control, y tenemos que entender el vehículo y las capacidades que tiene, lo que puede y no puede hacer, para poder aliarnos con él y lograr nuestro objetivo. También es entender la responsabilidad que tenemos y el objeto que tenemos para cumplirla.
¿Cómo has notado la inclusión de la tecnología en los nuevos lanzamientos?
Me parece algo muy interesante porque siento que en los últimos tal vez cinco a 10 años ha habido un boom gigantesco de tecnología en el mundo automotriz. Es interesante porque hay unas que ya no siguen porque no eran tan necesarias, pero hay otras que se han perfeccionado y que serán para toda la vida, como las cámaras de reversa o cosas que de verdad a todo mundo le sirven. Entonces me parece muy interesante porque es una exploración de cómo se puede hacer más fácil y más grata la experiencia de manejo para el usuario. Siento que no hay límites, o sea, como ya hay tanta tecnología disponible, ver cómo aplicarla y traducirla a cosas útiles es un gran reto para las marcas.
¿De qué manera la tecnología aplicada en el vehículo te ayuda a tener mejor control?
Eliminando distracciones. Eso es lo más importante. Una buena conectividad con el CarPlay, el mapa, es que quede bien visible todo para que no tengas que estar checando tu celular. Las asistencias de manejo, las muy básicas, pero bien llevadas, por ejemplo, las cámaras de reversa. Mientras más tengan, pero útiles, es mejor. Todo lo que pueda ayudarte a hacer lo que tienes que hacer, sí o sí, más fácil.
Te notas emocionado cuando entras a una pista o cuando tienes un primer acercamiento con un auto, ¿qué expectativas tienes de este día?
Mi expectativa es divertirme y conocer este nuevo Nissan Sentra, que es un flagship de Nissan. Me acuerdo de los primeros modelos de Sentra, mi tía tenía uno. Siempre ha sido como un coche muy icónico en México. Entonces, ver que ha ido evolucionando tanto es muy cañón, y sirve también como referencia de qué lejos puede llegar uno y cuánto puede evolucionar.
¿Cuáles son las cualidades o características que más te gustaron a simple vista del nuevo Nissan Sentra?
A simple vista, y justo por eso fue lo primero que pedí, la conectividad. Conectarse fácil a un coche es lo que todas las marcas deberían de destinarle sus mayores recursos a que eso suceda. Nissan siempre tiene muy bien eso, y este no fue la excepción. También el sistema de sonido es bastante bueno. Y otra cosa importantísima que a muchas marcas se les va: que nos gustan los botones. No todo tiene que ser pantalla, porque entonces son cientos de menús que se traducen en distracción. Este tiene los botones que tiene que llevar. El volumen perilla, clima o aire acondicionado en un apartado específico. Muy bien, Nissan.
Con el Nissan Sentra, ¿cuál sería el plan ideal?
El plan ideal, pues, mira, está espacioso y tiene buena conectividad. Lo que pensaría ahorita, y es algo que no hago hace mucho tiempo, irme a echar el wakeboard con unos panas, pasar todo el día por allá, buen ejercicio, y disfrutar de la vida.
CUESTIÓN DE ESTILO
¿Top 3 de autos favoritos del cine?
Esa pregunta está muy difícil, pero a ver, sin duda alguna Eleanor, de mi película favorita 60 segundos. El Aston Martin, de Casino Royale, y el BMW Serie 7 de El mañana nunca muere o de El Transportador
¿Qué piloto de F1 elegirías como copiloto en una carrera?
Probablemente al Checo porque no habría barrera de lenguaje y nos podríamos comunicar mejor, podríamos ir cotorreando muy a gusto, y pues es un jefazo.
¿Cuál es tu música favorita para un roadtrip?
Todas, porque depende de cuánto dure el roadtrip: si dura lo suficiente tienes que irte por todos los géneros musicales; si dura poco, creo que un house acá, rico. Pero si te empieza a dar sueñito ya te revientas un hip hop.
FLORECER, RECORDAR, TRASCENDER
Por Rafael Taracena
En un momento donde la moda busca profundidad, Carlos Pineda celebra 10 años de trayectoria con Florecer: La Memoria, una exposición que trasciende la ropa para convertirse en manifiesto artístico del diseñador mexicano.
Presentada en la Pinacoteca de la Universidad de Colima, la muestra marca su primera incursión individual en un museo y lo hace con la fuerza de quien ha construido un lenguaje propio.
La narrativa se teje a través de volantes dramáticos, texturas exuberantes y estampados en diálogo constante, sellos distintivos de su estética maximalista.
Aquí, las flores no son ornamento: son símbolo de resiliencia, identidad y memoria. Cada pieza revela una sensibilidad profundamente mexicana, reinterpretada desde una mirada contemporánea y emocional.
Más que una retrospectiva es una experiencia sensorial donde la moda se eleva a arte vivo, recordándonos que vestir también es narrar quiénes somos.
NEW FASHION CAPITAL?
Brownie Says Mexico City
Por Rafael Taracena
Hay ciudades que inspiran, y otras que transforman el curso de la moda. Esta temporada, Brownie fija la mirada en la Ciudad de México para reescribir su narrativa con Edit Distrito Brownie, una colección SS26 que late al ritmo de una metrópoli magnética, caótica y profundamente cool.
Aquí, el street style no es referencia: es manifiesto. La colección se despliega entre siluetas relajadas y tejidos ligeros que fluyen con naturalidad, capturando esa elegancia despreocupada que define a una nueva generación. Vestidos etéreos, sets coordinados y denim de actitud versátil construyen un guardarropa que no sigue tendencias: las habita.
La paleta de blancos solares, neutros cálidos, destellos de rosa empolvado y rojos que arden traduce la luz y la intensidad de la ciudad en un código visual sofisticado. Mientras tanto, los accesorios, entre sandalias lace-up y bolsos tejidos, introducen un diálogo sutil con lo artesanal, elevando lo cotidiano a objeto de deseo.
Pero el verdadero statement va más allá de la estética: México se consolida como epicentro creativo en la visión de Brownie. No es solo escenario. Es motor. Es identidad. Es futuro.
Edit Distrito Brownie no documenta una ciudad: la convierte en lenguaje. Y en ese lenguaje, el verano 2026 encuentra su nueva voz global.
Por Rafael Taracena
En una temporada donde los vínculos se celebran con estilo, Galilea Montijo se une a SHEIN para presentar una colección que redefine el matching look entre mamá e hija.
SHEIN x Galilea Montijo es una oda a la complicidad, al juego y a la moda como lenguaje compartido. La propuesta navega entre lo funcional y lo emocional, invitando a crear momentos memorables a través del vestir.
UN VÍNCULO, MIL LOOKS
SHEIN x Galilea Montijo
La colección se articula en cuatro universos clave: desde la frescura effortless de Picnic Natural, pasando por el dinamismo urbano de City Walk, hasta la narrativa íntima de Momentos de Fantasía y la elegancia sutil de Celebración Especial Cada cápsula responde a distintos escenarios, pero con un mismo hilo conductor: la conexión.
Más que looks coordinados, esta colaboración propone una experiencia: jugar, explorar y construir recuerdos con estilo entre generaciones.
En una época obsesionada con lo nuevo, la belleza también está encontrando valor en aquello que despierta memoria. Texturas, aromas y gestos que no solo embellecen: también nos regresan a momentos, personas y versiones de nosotras mismas que creíamos lejanas
Por Nancy Estrada
La belleza siempre ha tenido algo de ritual, pero hoy ese vínculo emocional se siente más visible que nunca. Ya no se trata solo de elegir un suero por sus ingredientes o un labial por su color exacto, sino de reconocer qué nos hace sentir. Hay cremas que remiten al tocador de una madre o una abuela, perfumes que recuerdan una salida importante, y bálsamos que, con apenas abrirse, activan una memoria completa. En un mundo saturado de lanzamientos, esa conexión íntima se ha vuelto una forma de lujo silencioso.
El poder invisible del aroma
Si hay un territorio donde la nostalgia opera con fuerza, es el perfume. El olfato tiene una capacidad única para detonar escenas enteras: una casa, una estación del año, una persona, una despedida. Por eso hoy la conversación alrededor de la belleza también se mueve hacia fragancias con alma, menos pensadas para impresionar y más para acompañar. Propuestas como PHLUR Missing Person Eau de Parfum , que es una fragancia pura, provocativa e innegablemente familiar. Incluso un gesto más cotidiano como aplicar un bálsamo con aroma suave, como el de Vaseline , o abrir una latita de Nivea Creme , inevitablemente ligada a muchas rutinas de belleza de nuestras mamás, nos recuerdan que la belleza no siempre entra por los ojos.
Texturas que consuelan
También hay nostalgia en la sensación. En la espuma densa de un limpiador, en la suavidad de una crema espesa, en el polvo compacto que remite a los cosméticos clásicos, esos que parecían tener más ceremonia que prisa. Frente a fórmulas cada vez más técnicas hay una nueva apreciación por productos que ofrecen confort. Un ejemplo es La Mer Crème de La Mer, cuya textura rica y envolvente conecta con esa idea de cuidado pausado, casi íntimo, donde la belleza vuelve a sentirse como un ritual y no como una carrera por probarlo todo.
Volver a ti también es una forma de tendencia
Quizá por eso la nostalgia ha dejado de ser solo una estética para convertirse en una sensibilidad. No se trata de vivir mirando al pasado, sino de entender que ciertos gestos de belleza nos ayudan a volver al centro. Un labial satinado, una fragancia empolvada, una rutina nocturna pequeña pero constante: detalles que parecen mínimos, pero que reconstruyen una sensación de pertenencia.
En tiempos de velocidad, este momento propone algo distinto: no correr detrás de cada novedad, sino quedarnos un instante con aquello que nos hace sentir en casa.
Hay prendas que no están hechas para verse, pero sí para sentirse. La ropa interior es una de ellas. Es el primer layer, el más cercano, el que define -sin hacer ruido- cómo se construye todo lo demás.
Porque aunque pocas veces se diga, es una realidad: cuando un brasier no se siente bien, todo se desacomoda. No es solo una prenda: es la base sobre la que empieza el día.
Hoy, el lujo ha cambiado de lugar. Ya no vive únicamente en lo visible, sino en la experiencia: en cómo una prenda acompaña el movimiento, se adapta al cuerpo y se vuelve parte de ti.
Bajo esta visión, OSCARHACKMAN propone una selección de piezas que se integran con naturalidad a la rutina, elevando lo cotidiano desde lo esencial a través de sus colecciones clave.
La línea Lia redefine el básico diario con una suavidad ligera y adaptable que acompaña sin interrumpir. Magnolia, por su parte, apuesta por una estética más delicada y femenina, pensada para momentos en los que el detalle también importa. Mientras que Dalia ofrece estructura y soporte con una sensación de seguridad que se mantiene a lo largo del día, sin sacrificar comodidad.
Más allá del diseño, el material marca la diferencia. El algodón -especialmente el Pima- ofrece una suavidad superior, mejor transpirabilidad y una sensación más natural sobre la piel, redefiniendo lo que significa sentirse cómoda.
Porque, al final, el verdadero lujo no siempre se ve: se siente. Y muchas veces todo comienza con algo tan simple -y tan poderoso- como elegir bien tu primera capa.
QUE TRANSFORMA TU DÍA DESDE ADENTRO
“JODERSE LA VIDA ES LO MÁS DIVERTIDO”
CAROLINA DURANTE
Por Rodrigo Araiza P.
La melancolía de lo que ya fue y lo que no será cobra fuerza a través de Carolina Durante, una de las bandas españolas más interesantes de los últimos años. Si bien ya son profetas en su tierra, en México su consolidación todavía no se da, pero ya sentó bases.
Convertido, quizá sin querer, en emblema de una generación, el grupo madrileño inyecta vitalidad a la escena indie y demuestra que la autenticidad vale más que apegarse a las fórmulas.
Tras su visita a la CDMX con su gira Fin de la Aventura, Diego, Martín, Juan y Mario lograron la hazaña de actuar en Coachella, uno de los festivales más importantes de la industria, experiencia muy singular de la que nos hablaron sin ánimos de presumir, pero sí con orgullo.
Tres álbumes y un cuarto en camino dictan el pulso musical de Carolina Durante, que con un discurso coloquial y nada rebuscado ha conectado con escuchas, a veces carentes de sentido y esperanza, pero con ánimo de reconstruir lo que no rompieron.
¿Cómo afrontan Coachella?
Con muchas ganas. Es nuestro primer festival. No es la primera vez que tocamos en Estados Unidos, lo hicimos en Seattle en una cosa de KEXP. Pero estamos muy emocionados tanto por tocar como por ir al festival, por estar en Los Ángeles. Hay muchas ganas de hacer cosas por ahí. Además, el concierto es como de 40 minutos, va a ser como un pildorazo. Y a gozarse el festival, que son dos fines de semana.
Hace un par de semanas estuvieron en la Ciudad de México, ¿cómo han notado su evolución en nuestro país y qué ha representado para el proyecto crecer aquí?
Para nosotros es la hostia, lo estamos viendo con mucha ilusión. Para toda la banda es importante ese crecimiento en México y en Latinoamérica. México es como el epicentro de la música en Latinoamérica y es importante para nosotros que nos vaya bien ahí, porque nos gusta mucho ir. Siempre encontramos mucha conexión con el público y nos gustaría que fuese a más para poder ir más y ofrecer un mejor show.
Su álbum Elige tu propia aventura es considerado un emblema generacional, ¿por qué creen que conectó tanto?
Creo que ha conectado sobre todo desde la lírica, desde lo emocional. Hay un sentimiento de pérdida o apatía, y unas ganas de ver la luz. Eso es lo que más ha conectado con la gente. Luego, que sea generacional o no, eso lo dirá el tiempo.
“HAY UN SENTIMIENTO DE PÉRDIDA O APATÍA, Y UNAS GANAS DE VER LA LUZ. ESO ES LO QUE MÁS HA CONECTADO CON LA GENTE”
Cuando están componiendo, ¿qué tanto piensan en ese discurso?
No te preocupas tanto por el discurso, sino por escribir una canción que te haga sentir, que cuando la cantes te emocione. Ese es el único discurso de la banda. El discurso viene a posteriori. Es componer de la manera más honesta, hablar entre nosotros de lo que nos apetece hacer a nivel sonoro. La lírica viene del estado en el que esté escribiendo las canciones y luego vemos los puntos en común y la vibra general del disco.
¿Se sienten parte de una generación? Si es así, ¿qué la caracteriza?
Creo que uno de los problemas generales de nuestra generación tiene que ver con la dificultad de pagar un alquiler o encontrar uno asequible, y conseguir un trabajo que te permita sostener tu vida. Se nos vendió la idea de que si estudiabas y hacías las cosas bien te iba a ir bien. Mucha gente lo ha hecho y aun así no encuentra oportunidades. Las generaciones más jóvenes se han encontrado con lo mismo, pero sin ese discurso previo. Hay una sensación de pérdida, de desamparo y de vivir el presente sin mucha perspectiva de futuro a largo plazo. Ese es el sentimiento general.
Diego, en escena tienes una energía muy particular, eres una mezcla entre Mick Jagger e Ian Curtis ¿siempre fue así?
Fue a más, luego a menos porque me lesioné la rodilla, y ahora vuelve a ir a más. Ojalá tuviese la mitad de Mick Jagger o de Ian Curtis. Encantado con la comparación.
¿La energía del show cambia cuando crecen las audiencias?
Va a más. En una sala ves a 800 personas cantar, y en Madrid ves a 16 mil. Es lo mismo, solo que más impresionante porque lo hace más gente. La energía está más comprimida en salas pequeñas, pero no cambia. También he aprendido que no pasa nada por estar quieto un momento, porque luego se disfruta más cuando vuelves a moverte. Con el crecimiento hemos tenido que pensar más en el diseño del show: luces, sonido, pantallas. Cómo transmitir la energía a alguien que está en las últimas filas. Eso nos ha obligado a cuidar más todos los elementos.
Después de Coachella, ¿qué sigue?
Descanso no hay. Estamos componiendo ya el cuarto disco. Va bastante avanzado. Nos gustaría grabarlo antes de cerrar la gira.
¿LA VIDA SIGUE SIENDO INJUSTA?
Por Rodrigo Araiza P.
Hay historias que no envejecen: evolucionan. Malcolm in the Middle pertenece a esa rara categoría de ficciones que no solo definieron una época, sino que lograron capturar la esencia caótica, entrañable y profundamente humana de la familia.
Hoy, más de dos décadas después de su estreno, ese universo regresa con Malcolm in the Middle: La vida sigue siendo injusta, una miniserie de cuatro episodios que retoma la vida de sus personajes desde un lugar distinto, pero con la misma honestidad incómoda que la convirtió en un clásico.
En esta nueva entrega disponible en Disney+, Malcolm, quien durante años se ha mantenido distante de su familia y de su propia hija, se ve obligado a volver a ese núcleo del que alguna vez quiso escapar. La razón es tan sencilla como inevitable: Hal y Lois celebran su 40 aniversario y exigen su presencia.
Lo que parece una reunión familiar más, pronto se convierte en un recordatorio de que, sin importar cuánto cambien las circunstancias, hay dinámicas que permanecen intactas… y emociones que nunca terminan de resolverse.
Y para dimensionar la magnitud del fenómeno que representa la icónica serie en nuestro país, platicamos con Frankie Muniz, Christopher Masterson y Justin Berfield, quienes interpretan a Malcolm, Francis y Reese, respectivamente.
Los tres actores del reparto original reflexionan sobre el presente de sus personajes, así como el impacto que tuvo el proyecto en su vida personal. Y es que si algo deja claro este revival, es que tanto los fans como los involucrados en la serie abrazan la nostalgia que los conecta con una sensación de confort familiar.
ENTRETENIMIENTO
La nostalgia se ha convertido en industria: regresan series, películas, música. En este sentido, ¿qué es lo que más extrañan del pasado y qué les gustaría traer de vuelta al presente?
Christopher: Una cosa que se me ocurre… sería interesante recuperar la ausencia de muchas cosas que hoy me encantan, como los celulares o el streaming. Son muy importantes en mi vida, pero también había elementos que eran mejores antes de que existieran. Había más tiempo para simplemente disfrutar el momento, y eso me da mucha nostalgia.
Frankie: Estoy 100% de acuerdo. Sería interesante volver a los tiempos antes del internet, aunque ahora sería difícil porque estamos muy acostumbrados. Recuerdo que incluso para moverte en Los Ángeles tenías que usar mapas y planear cada giro. Había algo muy especial en eso. Hoy solo ingresas una dirección y sigues la ruta.
Al retomar sus personajes muchos años después, ¿los encuentran en el futuro que imaginaban para ellos?
Frankie: Me gusta mucho en dónde está Malcolm. Me gusta el viaje que tiene en estos episodios. Claro que las posibilidades para los personajes son infinitas después de tantos años, pero me hizo muy feliz ver dónde está cuando leí el guion.
Christopher: En el caso de Francis, creo que estaría orgulloso en quién se ha convertido. Sigue casado y feliz, quiere un trabajo “normal” como el de su papá, y además está a punto de ser padre. En resumen, es un muy buen momento en su vida.
Justin: Con Reese, no estaba seguro de dónde iba a terminar. Es un personaje muy particular. Cuando leí el guion pensé por un momento que quizás había cambiado, que sería más respetuoso, pero Reese no piensa a largo plazo. Su forma de sobrevivir es ir resolviendo, creando cosas para ganar dinero, y mientras pueda pagar la siguiente cuenta es feliz.
¿Guardan algún secreto que nadie conozca?
Frankie: No creo que tenga muchos secretos, para bien o para mal. Siempre he sido más abierto de lo que debería. A veces comparto demasiado, incluso cosas que siento o atravieso. Quizá lo que he aprendido es que debería callarme más seguido.
Justin: Yo tampoco creo tener secretos. Sobre todo creciendo como actor infantil, la gente ya sabe mucho de ti por entrevistas, incluso cosas que tú mismo olvidas y luego te las recuerdan años después. Pero no, no creo tener secretos.
Más allá del impacto profesional, ¿qué les dejó este proyecto a nivel personal?
Justin: Para mí fue poder compartir esto con mis hijos. Mostrarles lo que hacía, llevarlos al set, enseñarles el proceso de maquillaje, todo. Eso fue lo más emocionante a nivel personal.
Frankie: A mí me encantó volver al personaje y a la serie que, literalmente, cambió mi vida. Ahora tengo una apreciación mucho mayor de lo que hicimos. Antes lo disfrutábamos, pero no dimensionábamos el impacto que tuvo. Regresar 20 años después con esa perspectiva, y darlo todo otra vez, fue muy especial.
Christopher: En la vida haces muchas cosas, pero solo con el tiempo entiendes cuáles fueron realmente importantes. Para todos nosotros, Malcolm fue eso: algo monumental. Y que te digan años después: “¿Quieres volver a hacerlo?”, con toda esa perspectiva, es increíble.
HACK
Los 151 episodios de Malcolm in the Middle están disponibles en Disney+
La obra original de Shanley se traslada del Bronx a Tamaulipas para dialogar con el entorno de violencia que se vive en el norte de nuestro país y convertirse en una invitación a reflexionar sobre la necesidad existencial de conexión humana
Por Rodrigo Araiza P.
En la noche, los miedos se acentúan, las inseguridades cobran fuerza y la esperanza está en peligro de extinción. Pero en Dani y el profundo mar azul , cuando la luz se ausenta, dos personas aprenden a amar y ser amadas.
Entre sombras, desilusiones, violencia y fragilidad, Roberta y Dani coinciden en un contexto donde aparentemente el afecto no tiene cabida. Pero en un vaivén de anécdotas brotan las cicatrices de cada uno y al mismo tiempo salpican ilusiones que prometen ser tan reales como la salida del sol al amanecer.
Cristian Magaloni dirige la puesta en escena protagonizada por Xavier García y Samantha Coronel, actriz que habita los personajes desde la vulnerabilidad del ser humano y los convierte en referencias tangibles para el espectador.
Con sensatez y sensibilidad, Coronel nos cuenta la experiencia de encarnar una historia tan intensa como emotiva.
La obra, aunque es breve, es muy intensa. ¿Cómo la describirías?
Es una historia muy corta porque todo sucede en una noche y al amanecer del día siguiente. La leí primero en inglés. Originalmente sucede en el Bronx en los 80, y acá la norteñizamos. Desde la primera lectura me encantó. Pensé: “¿Cómo se va a hacer esto?”. Sentía que tenía algo de comedia, aunque podría parecer más densa, pero me pareció muy divertida y quise estar en el proyecto.
Hay momentos de humor ácido, pero también mucha emoción. ¿Qué implica para ti a nivel físico y emocional?
Sobre todo el final es muy cansado físicamente. Ya no puedo ni hablar, se me va el aire. El cuerpo está cansado porque el corazón también lo está. Ahí conectas con lo emocional. Todo ese viaje ayuda desde el principio: llega enojada, pero no quiere decir nada. Hay mucho subtexto. Tienes que negociar con tu cerebro, tu corazón y tu cuerpo. Ese es el reto, porque así lo hacemos en la vida.
¿Te confrontó como persona?
Sí. Uno quiere pensar que ya es una mejor versión, pero los personajes llegan a decirte: “Tú también eres esto”.
Hay un contraste interesante entre la noche y el amanecer…
No lo había pensado así, pero en la noche te quitas el disfraz. Eres quien realmente eres. En el día regresa la realidad.
¿Con cuál personaje conectas más?
Cada vez entiendo más a Roberta. Tiene mucho amor y fragilidad. Yo también doy la batalla por perdida antes de perderla. Empatizo mucho con eso.
¿Qué te enseñó la obra?
La empatía. Ver al otro con ternura, incluso cuando parece violento o brusco. También aprender a perdonarse una misma.
Hay una constante necesidad de ser amado, pero también dificultad para recibir amor…
Sí. Es fácil decir: “Yo amo y doy todo”, pero recibirlo es el verdadero reto.
¿En qué momento de tu vida te encontró este proyecto?
Me llegó cuando acepté y perdoné mis raíces. Hubo un tiempo en que me daba vergüenza de dónde venía. Cuando llegó el texto y decidimos hacerlo norteño fue como probarme que ya acepté quién soy.
¿Qué herida personal reconoces en ti?
Siempre pensé que sentir mucho era una debilidad. Mi carrera me ha demostrado que es mi mayor herramienta.
¿Qué preguntas te ha dejado esta obra?
¿Cómo habito el presente y el no saber? ¿Cómo me dejo sorprender por mi compañero? ¿Qué busco en el otro que me hace falta a mí?
¿Cuándo fue la última vez que sentiste paz?
Después de una función que disfruté, cuando asumí que quería ser actriz, cuando descubrí la poesía. Nada es para siempre, ni lo bueno ni lo malo. Cuando me di cuenta de que amaba el teatro, cuando conocí la poesía en la secundaria, cuando iba a comer riquísimo. Va y viene, pero creo que son momentos muy sencillos. Hay altas y bajas, pero estaríamos equivocados si pensáramos que todo sería perfecto. Creo que también esas imperfecciones te hacen valorar cuando el camino va bien.
Dani y el profundo mar azul
La Teatrería (Sala A)
Tabasco 152, Roma Norte Miércoles 20:30 horas
Hasta el 13 de mayo
JERRY VELÁZQUEZ
El actor y cantante se adentra en uno de los retos más íntimos de su carrera: una obra que lo confronta, lo vulnera y lo conecta con el público desde un lugar profundamente honesto. Siete veces adiós es un viaje emocional y musical que ha conmovido tanto a sus protagonistas como a la audiencia
Luego de una temporada en la que Jerry coprotagonizó la versión “Él y Él” se despide con dos últimas funciones este 23 y 30 de abril en el Teatro Ramiro Jiménez.
Entre la actuación y la música, el actor reflexiona sobre el oficio, las emociones en escena y la importancia de encontrarse a sí mismo más allá de los personajes.
En escena, Jerry Velázquez confirma que la vulnerabilidad no es debilidad, sino una herramienta poderosa. Su tránsito entre la comedia, el drama y la música revela a un artista en constante evolución, dispuesto a incomodarse para crecer.
Hoy, más que interpretar busca habitar cada emoción con honestidad. Y en ese proceso encuentra algo más valioso que cualquier aplauso: una conexión genuina consigo mismo y con quienes lo miran desde la butaca.
Estás por concluir temporada de Siete veces adiós, ¿la obra supone un desgaste emocional?
Es curioso porque hay muchos actores que tienen esta idea de “termino drenado emocionalmente”, y para mí es diferente. Claro que hay un esfuerzo físico y emocional, pero se queda ahí. Es como cuando vas al gimnasio: sales cansado, pero es un buen ejercicio.
Han recibido comentarios muy emotivos del público y de colegas, ¿cómo te pasó a ti como espectador?
He visto la obra más de 10 veces y cada vez lloro. Tiene algo muy bien construido, es infalible. El final es súper poderoso y el mensaje es tan claro que te llega sí o sí. Aunque no llores, al menos dices: “Ya entendí” o “Qué lindo”. Es bonito hacer obras que van más allá de entretener.
¿Qué aspectos de la obra entiendes ahora como actor que antes no entendías como público?
Siempre estuve cerca del proceso de creación, así que tenía claridad. Pero como actor, algo que no tenía como público es la frustración de no poder cantar. Viniendo de musicales, eso me da hasta FOMO. Hay momentos donde sé que tengo el micrófono apagado y aprovecho para soltar la voz.
A lo largo de las temporadas se han formado también lazos muy fuertes, ¿por qué crees que la gente la ve más de una vez?
Tiene mucho que ver con la obra: es tan bella que quieres llevar a alguien más. A alguien que pasó por una ruptura, por ejemplo. Yo llevé a mi hermana cuando estaba dudando si regresar con su ex. Además, la rotación de elenco la hace muy interesante: un mismo personaje puede ser completamente distinto según el actor.
¿Cómo fue adentrarte en tu personaje, te puso en un lugar incómodo?
Ha sido bonito. La gente está acostumbrada a verme en comedia, pero aquí hay momentos muy duros, de mucha melancolía. Poder vulnerarme en escena es emocionante, y también fue un reto que al inicio me daba miedo. Pensaba: “¿Y si no lo logro?”. Afortunadamente me he sentido muy contento y respaldado por la producción.
Cada función es distinta porque el público también lo es… Sí, y es muy lindo identificar los momentos que más impactan. A veces el público reacciona como en una novela, alguien grita: “¡No!”. Eso es increíble: que la gente se olvide de que está en un teatro y se involucre así.
Hablando de música, tienes una relación muy cercana con ella, ¿recuerdas algún momento clave?
Empecé en esta carrera por el amor a cantar. Recuerdo escuchar “Salomé” de Chayanne en la radio y sentir algo muy fuerte. Fue la primera vez que me di cuenta de que me gustaba cantar. Luego entré al coro de la escuela, hice musicales y ahí nació también mi amor por la actuación.
¿Te consideras alguien que marca etapas de su vida con música?
Totalmente. Aunque procuro no revolcarme en la tristeza. Sé que a muchos les funciona, pero a mí me resulta muy fácil conectar con el llanto, así que prefiero poner música que me levante el ánimo.
¿Qué canción te recuerda tu primera ruptura amorosa?
Una de Camila, seguro. “Bésame”. Era muy dolorosa porque no hubo mentiras, todo estaba bien y de repente cambió. Pero ya lo tengo superado, fue a los 17.
Además de la obra, ¿qué viene para ti este año?
Mi prioridad es la actuación, pero la música siempre ha sido parte de mí. Estoy trabajando en un EP de boleros y quiero hacer un concierto a mediados de año en México. Es importante para mí expresarme como Jerry, no desde un personaje.
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ES BONITO HACER OBRAS QUE VAN MÁS ALLÁ DE ENTRETENER”
FESTIVAL DE WAGYU TEPPAN GRILL
La experiencia culinaria elegante y sofisticada, junto con sus espacios de diseño minimalista, funcional y contemporáneo, lo han llevado a ser considerado uno de los restaurantes imprescindibles de la CDMX
En el corazón de Polanco, Teppan Grill —dentro de Hyatt Regency Mexico City— presenta una nueva edición de su Festival de Wagyu, disponible de abril a junio de 2026.
Más que un menú de temporada se trata de una experiencia que rinde homenaje a uno de los ingredientes más codiciados del mundo: una carne célebre por su marmoleo impecable, textura sedosa y un sabor profundo que se revela con elegancia en cada bocado.
Bajo la dirección de la chef Miriam Moriyama, la propuesta se inclina por la pureza del producto y una ejecución precisa donde cada detalle cuenta. El recorrido está diseñado para explorar las distintas expresiones del wagyu, desde sus notas más sutiles hasta sus matices más intensos, en un diálogo entre la tradición japonesa y una sensibilidad contemporánea.
La experiencia comienza con platos que equilibran frescura y profundidad, como el sunomono de wagyu, donde finas láminas selladas se combinan con pepino, jitomate cherry y una vinagreta de soya que realza su carácter.
El chirashi suma capas de sabor al integrar wagyu con king crab e ikura sobre arroz shari, mientras que la sopa de wagyu ofrece un momento reconfortante con un caldo claro que envuelve la carne junto a vegetales y tofu suave.
El punto culminante llega con el teppanyaki de wagyu donde la técnica a la plancha resalta la calidad excepcional de cortes como rib eye, New York y tenderloin, acompañados de vegetales y una salsa de curry que aporta profundidad.
El menú se completa con guiños contemporáneos como la galleta de arroz con chicharrón de wagyu, donde lo crujiente y lo umami se encuentran en un bocado inesperado.
Con certificación del JLEC que avala su origen y trazabilidad, este festival es una invitación a descubrir el wagyu desde nuevas perspectivas, en una experiencia que celebra el equilibrio entre técnica, producto y emoción.
UNA VENTANA AL PARAÍSO FOODIE DE SAN DIEGO
SOUTH PARK & GOLDEN HILL
Estos barrios no buscan impresionar, sino conectar. Son la prueba de que el verdadero lujo está en lo auténtico
Más allá de los circuitos más transitados de San Diego hay dos barrios que se descubren casi en susurro, pero se quedan en la memoria: South Park y Golden Hill. A pasos de Balboa Park, ambos trazan una ruta paralela —más íntima, más local— donde la creatividad, la historia y una escena gastronómica en plena efervescencia se entrelazan con naturalidad. Son, sin duda, el nuevo código secreto de los foodies que prefieren descubrir antes que seguir.
South Park: carácter, estética y sabor sin artificios
Con una vibra independiente que se siente en cada esquina, South Park es ese tipo de lugar que no necesita exagerar para destacar. Entre boutiques curadas, galerías y calles con ritmo propio, la oferta culinaria se despliega con una personalidad muy definida.
En este punto, Kindred rompe cualquier idea preconcebida de la cocina vegana con una propuesta audaz, envuelta en una estética punk con guiños góticos franceses y una mixología que eleva la experiencia. Muy cerca, Mothership propone un escape sensorial: un speakeasy inmersivo donde los sabores tropicales conviven con una atmósfera futurista digna de otra galaxia.
Para bajar el ritmo sin perder estilo, Station Tavern ofrece un mood relajado con comfort food bien ejecutada, opciones vegetarianas y un enfoque sustentable que se percibe incluso en su arquitectura. Y como todo barrio con identidad, la experiencia no estaría completa sin una parada en Vinyl Junkies Record Shack, donde los vinilos, la música en vivo y la cultura local marcan el pulso.
El mejor momento para recorrerlo es durante los South Park Walkabouts, cuando las calles se transforman en una celebración colectiva de arte, gastronomía y comunidad.
VIAJES
Golden Hill: elegancia relajada y hallazgos inesperados
A unos minutos del centro, Golden Hill ofrece otra cadencia: más pausada, más contemplativa. Sus calles arboladas, arquitectura victoriana y esencia de barrio bien preservada lo convierten en un refugio sofisticado sin pretensiones.
El corazón culinario late sobre la 25th Street, donde conviven clásicos y nuevas propuestas. Destaca Kingfisher, una cocina que entrelaza raíces vietnamitas, técnica francesa y sensibilidad californiana en platos llenos de matices. El recorrido continúa con íconos como Turf Supper Club, propuestas contemporáneas como Counterpoint, y paradas obligadas como Dark Horse Coffee Roasters o Pizzeria Luigi.
Más allá del plato, Golden Hill invita a moverse distinto. El Pershing Bikeway conecta el barrio con Balboa Park a través de un
