Tiempo: Publicación Semanal del 30 de marzo al 2 de abril de 2026. Editor Responsable: Simón Mercado Cheja Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nac onal del Derecho de Autor: 04-2019-012110475800-101. Número de Certificado de Licitud de Título: 15159. Número de Certificado de Licitud de Contenido 15159. Domicilio de la publicación: Boulevard Adolfo López Mateos 1817 Piso 9 Col. Merced Gómez C.P. 01600
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Total look: Metrópolis
EN PORTADA AZUL GUAITA
Head of Editorial Content: Alexis Finkler
Editorial Coordinator: Rodrigo Araiza, Head of Editorial Design: Manu Plascencia
Photography: Serch Ramírez, Fashion Styling: Rafael Taracena, Fashion Assistant: María Sánchez Hair: BL Agency, Makeup: Ariel Peinbert, Location: Casa Rosa Polanco
Agradecemos a Casa Rosa Polanco por todas las atenciones durante la producción de esta portada
Vestido: Iann Dey, Joyería: Pandora
AZUL GUAITA
DEL FUEGO LENTO AL HERVOR EMOCIONAL
Por Olman Castro
Hay relatos que se resisten al paso del tiempo porque hablan de lo imperecedero: el amor prohibido, la represión de emociones, la libertad, las decisiones que marcan la vida. Y hay actrices capaces de habitar personajes con una sensibilidad única que los acerca a nuevas generaciones. Azul Guaita es una de ellas.
Su interpretación de Tita en la serie Como agua para chocolate (HBO Max), adaptación de una de las novelas más emblemáticas de la literatura mexicana, autoría de Laura Esquivel, la coloca en el centro de una historia donde la pasión, los mandatos familiares y la búsqueda de identidad se entrelazan con la fuerza de lo cotidiano y el arte culinario.
Entre sets de grabación, clases de actuación y el vértigo de una industria que evoluciona al ritmo del streaming, Azul transita por un momento clave en su carrera: uno donde el talento se combina con curiosidad, disciplina y una mirada abierta al aprendizaje.
ENTREVISTA
Chaleco y pantalón:
Traje de baño y sandalias:
Hace unas semanas se estrenó la segunda temporada de Como agua para chocolate, ¿qué nos puedes comentar de esta nueva entrega?, obviamente sin hacer spoiler…
Estoy muy emocionada, salió la segunda temporada, que también será la última, lamentablemente. Pero, ¿sabes?, solo he visto el primer capítulo, entonces me voy a emocionar igual que ustedes cuando la vean.
Estoy abierta a que me sorprenda la serie.
¿Cómo percibes a Tita en esta continuación?
En esta segunda temporada Tita es una persona más madura, justo pasa un tiempo importante de la primera a la segunda entrega. Creo que lo manejamos como que pasó dos semanas en el psiquiátrico, entonces en ese tiempo ella aprendió muchísimas cosas, creció. Tocó fondo, literal. Y al empezar a grabar la segunda temporada un año después yo crecí también con ella. No fue como que se pausó a Tita, sino simplemente siguió y creció al mismo tiempo que Azul. Las dos llegamos con diferentes herramientas a esta nueva entrega.
Vestido: Iván Ávalos, Joyería: Pandora, Zapatos: Steve Madden
Vestido: Iván Ávalos, Joyería: Pandora
“LAS PERSONAS ESTÁN PASANDO POR LOS MISMOS PROCESOS QUE TITA. ESPERO QUE TAMBIÉN APRENDAN”
¿Cómo sentiste la química ahora en este reencuentro sabiendo que también era el final de la serie?
Extrañaba muchísimo a todos, creo que pude ver a algunos en fotos en sus redes o en diferentes eventos sociales, pero hay gente que definitivamente no había visto. El crew casi no cambió. Entonces fue como una reunión de generación de high school.
¿Qué crees que aporta la serie a las nuevas generaciones, porque esta novela fue publicada a finales de los 80?
Esta historia no envejece, creo que son los mismos temas. Al final, por ejemplo, esto que vive Tita de no saber si irse con el amor tóxico pasional o el amor sano. Creo que todos hemos estado en ese momento en nuestras vidas. También esto de querer librar, seguir tu corazón y hacer lo que tú quieres, pero al mismo tiempo hacer lo que está impuesto por la sociedad, por tu familia o lo que tú misma te impones. Entonces no es como que ya no pase. Las personas están pasando por los mismos procesos que Tita. Espero que también aprendan con ella.
¿Antes de participar en la serie tenías gusto por la gastronomía?
No, pero aprendí mucho de cocina con este proyecto, si no es que todo lo que sé de eso es por Tita. Antes, lo único que me hacía era el desayuno, y me defendía; o sea, hacía mi huevito con jamón, mis hot cakes y ya. Y ahora después de tantas clases de cocina porque, claro, no simplemente es fingir que lo haces. Hicimos todas las recetas desde cero, no es tan fácil, pero sí lo disfrutas mucho. Es muy terapéutico, la verdad. A mí me encantó y hasta ahora trato de cocinar todos los días cada vez que puedo.
¿Hay platillos que te recuerdan a personas o momentos especiales?
Creo que la cocina de mamá nunca se olvida. A mí me preparaba lentejas, me encantan. Le pedí la receta. Se siente como un apapacho al corazón. Literal, es como si tu mamá te hubiera cocinado. Ella está en República Dominicana, no vive conmigo, entonces mínimo le digo que me pase la receta para imaginar que está cerquita de mí.
¿Hay algún platillo mexicano que te recuerde algo especial?
Creo que sería el chile en nogada, es algo que no había probado hasta esta serie y me recuerda mucho a Como agua para chocolate. Van a ver el capítulo pronto, pero estar todos juntos, comiendo chile en nogada y bailando, es un momento muy top que tuvimos en la serie.
En temas de romance, ¿hay algún platillo que te recuerde a alguien?
Sí, hay un platillo que me encanta mucho, lo prepara para mí una persona muy especial, que es la carbonara. Le queda deliciosa. Le pedí la receta, pero no me sale igual, creo que me está pasando mal la receta.
Llegaste a México de República Dominicana a los 17 años, ¿cómo enfrentaste ese cambio y qué les puedes decir a las personas que quieren hacer una aventura así?
Vine a México sin mi mamá ni mi papá. Tengo familia acá, pero no es lo mismo estar sin tus papás. Cualquier cambio da miedo, y no porque dé miedo significa que esté mal o va a ser algo peligroso necesariamente. Salir de tu zona de confort siempre da miedo, pero una vez que lo enfrentas se hace chiquito. Ahí es cuando te abres a la posibilidad de disfrutar cosas nuevas y de ser feliz en otro aspecto.
Look: Iván Ávalos, Joyería: Pandora, Zapatos: Steve Madden
CUESTIÓN DE ESTILO
¿Qué te parecieron los looks?
¿Cómo es tu estilo en la vida diaria?
¿Dónde aprendiste a modelar?
Ay, me encantan, creo que son como muy alternativos, pero muy fashion. Este de ositos me encantó.
La verdad soy muy básica, en mi vida no me sé vestir. Entonces me encanta trabajar en esto porque puedo probarme diferentes estilos e ir viendo cuáles me quedan mejor o me gustan más. La verdad es que no me identifico solo con uno, me pongo literalmente lo primero que veo.
Ayuda mucho el tema de la actuación, justo he tomado cursos como The Lucid Body, que es para aprender a manejar tu cuerpo. Pero literal viendo tiktoks y YouTube de cómo posar.
Llevar una sola fragancia empieza a sentirse casi tan limitado como tener un solo labial. La nueva conversación olfativa no gira alrededor de una firma fija, sino de una selección más íntima, más flexible y más inteligente: perfumes para la mañana, para una cena, para el pelo, para reaplicar en movimiento o para cambiar el tono de un día entero
PERFUME WARDROBE
BEAUTY
Por Nancy Estrada
Durante años nos vendieron la idea del “perfume de autor” como si la elegancia dependiera de una sola estela reconocible. Pero algo cambió. La fragancia se está entendiendo más como un accesorio que como una identidad inamovible: algo que acompaña el humor, la agenda, la temperatura y hasta la textura de la ropa. Esa lógica de juego y reinvención está marcando la conversación actual en perfumería, donde el layering y la rotación de aromas se leen cada vez más como parte del estilo personal.
Por eso hablar de perfume wardrobe tiene sentido. Así como no nos vestimos igual para un desayuno de trabajo que para una cena tardía, tampoco tendría por qué acompañarnos el mismo olor en todos los escenarios. Hay días que piden algo limpio, casi transparente; otros reclaman una nota mineral, una rosa luminosa o un fondo más cálido que permanezca cerca de la piel. El verdadero lujo, ahora, está en tener opciones y en saber editarlas.
Un casting completo, no una sola protagonista
Pensar el perfume como guardarropa obliga a dejar atrás la idea de acumulación y acercarse a una noción más curada. No se trata de tener 20 botellas, sino de construir un pequeño casting bien elegido. Una fragancia fresca para el día, una más envolvente para la noche, un formato portátil para retoques y quizás una versión para el cabello que deje rastro sin invadir.
Ahí está una de las claves más interesantes del momento: la perfumería ya no vive solo en el frasco clásico. Hoy conviven perfumes sólidos, aceites roll-on y hair mists que hacen más versátil la experiencia. Dior, por ejemplo, ha empujado esta conversación con Miss Dior Mini Miss, un perfume sólido sin alcohol enriquecido con cera de rosa; OUAI mantiene en su universo propuestas como Hair & Body Fragrance Mist, una bruma para cabello y cuerpo que envuelve la piel con sus icónicas fragancias, y Givenchy ofrece formatos como Irresistible Eau de Parfum Roll On, pensado justo para reaplicar sobre la marcha.
Ese cambio de formato modifica también la manera en que usamos el perfume. Ya no es solo el gesto final antes de salir de casa: puede aparecer a media tarde, después de una comida, antes de entrar a una reunión o al caer la noche, cuando el día necesita otro tono.
Cómo se arma un guardarropa olfativo
La mejor manera de construirlo no es por familias olfativas rígidas, sino por escenas. Uno para sentirte limpia. Otro para verte más cálida. Otro que funcione como segunda piel. Otro que aporte presencia sin necesidad de levantar la voz. Ahí la elección se vuelve mucho más personal y menos aspiracional en el mal sentido.
Si hubiera que recomendar algunos nombres realmente buenos para empezar, pensaría en piezas que sí tienen identidad y a la vez son fáciles de vivir. Guerlain Absolus Allegoria Florabloom Eau de Parfum es una gran elección para quien busca una fragancia floral con más misterio y profundidad. El nardo aparece aquí de forma más sensual, acompañado por un acorde de bella de noche, mientras el sándalo y el pachulí le dan una estela cálida, amaderada y envolvente que resulta especialmente atractiva al caer la tarde. Además la plantea como una fragancia pensada para combinarse con otras.
Para quien busca una estela más envolvente y reconocible, Baccarat Rouge 540 de Maison Francis Kurkdjian continúa siendo una referencia por su perfil floral, ambarino y amaderado. La marca incluso lo extiende a una versión de hair perfume para llevar esa firma al cabello.
Si lo que se quiere es algo elegante pero menos obvio, Glossier You Solid Perfume, disponible en perfume sólido recargable, tiene esa vibra sofisticada que no necesita hacerse notar de inmediato para quedarse en la memoria. Su versión sólida retoma notas como pimienta rosa, ambrette e iris. Y si buscas algo diferente pero a un mejor precio, Essencial Único de Natura, que en su composición, donde el jazmín egipcio se entrelaza con la copaiba, crea un contraste profundo que permanece sin imponerse, dejando una estela sofisticada.
Oler bien ya no es repetir: es editar
Quizá lo más interesante de la selección de perfumes es que se parece más a la vida real. Hay mañanas minimalistas, tardes caóticas, cenas improvisadas y fines de semana que merecen un aroma distinto al de los días productivos. Tener un casting completo no es frivolidad: es una forma más fina de narrarse. Al final, la sofisticación no siempre está en encontrar “tu perfume”, sino en saber cuál de todos entra a escena en el momento correcto. Y tal vez ahí, justo ahí, empieza la verdadera firma personal.
HILOS, CÓDIGOS Y DESEO EL NUEVO MANIFIESTO DE SIMORRA
Por Rafael Taracena
En el universo de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, SIMORRA eleva su discurso con TEXERE, una colección Otoño/Invierno 26/27 que transforma la moda en un ejercicio de narrativa sensorial.
Aquí, el tejido deja de ser soporte para convertirse en lenguaje. Inspirada en el gesto ancestral de tejer antes incluso de escribir, la propuesta traza un puente entre tradición y modernidad, evocando la precisión casi poética de Joseph Marie Jacquard y Charles Babbage.
Sobre la pasarela de IFEMA Madrid, las siluetas se vuelven manifiesto: líneas depuradas, capas que dialogan, superficies intervenidas con bordados que parecen susurros, microcaracteres metálicos y textos que se descubren en movimiento. Es moda que se lee, se siente y se descifra.
La presencia magnética de Claudia Álvarez aporta una dimensión aún más poderosa: femenina, sofisticada y absolutamente contemporánea. Su aparición no solo viste la colección: la encarna.
La paleta rojo editorial, negros profundos, marrones densos y azules nublados intensifica esta narrativa, mientras los accesorios, entre relicarios y formas escultóricas, guardan secretos como pequeñas piezas de archivo emocional.
Con TEXERE, SIMORRA no solo diseña prendas: escribe historias sobre la piel. Porque hoy el verdadero lujo no es solo vestir: es tener algo que decir.
FLORECER, BRILLAR, DOMINAR
SS26 POR
CHRISTIAN LOUBOUTIN
Por Rafael Taracena
La temporada Spring/Summer 2026 de Christian Louboutin se construye bajo una idea clara: el florecimiento emocional como lenguaje estético.
La colección explora un diálogo refinado entre texturas, bordados y siluetas que equilibran ligereza y estructura.
En womenswear destacan propuestas que redefinen la feminidad contemporánea: las sandalias Affabula introducen un giro lúdico con tacones inspirados en scrunchies, mientras la línea Fanny reinterpreta el pump clásico con una arquitectura moderna.
La sneaker Mara, ultraligera y de espíritu danzante, aporta un aire dinámico y sofisticado. Íconos como Miss Z y el mule Mulazee refuerzan una elegancia sensual y precisa.
En menswear, la inspiración en la danza se traduce en una sastrería del calzado más suave y refinada. Modelos como Orlando y Diopic actualizan los códigos clásicos con detalles artesanales y una sensibilidad contemporánea.
El resultado es una colección que fusiona artesanía, movimiento y emoción en cada paso.
NEW GUESS ENERGY
Por Rafael Taracena
GUESS inaugura una nueva narrativa con Chiara Ferragni como rostro de su campaña Primavera/Verano 2026: una declaración donde la feminidad se vuelve audaz, libre y radicalmente contemporánea.
Bajo el lente cinematográfico de Morelli Brothers, la estética se redefine con una sofisticación moderna que reinterpreta el ADN icónico de la firma. El resultado es una mujer effortless, segura y magnética.
La colección se construye desde la dualidad: siluetas delicadas que dialogan con acentos bold, mientras los accesorios —aretes estructurados, collares en caída y anillos metálicos— elevan cada look con una fuerza pulida y precisa.
Entre líneas orgánicas y layering sutil emerge una feminidad que no necesita exagerar para imponerse. Ferragni lo deja claro: la moda como libertad. Y en esta nueva era, GUESS no solo se lleva: se afirma.
HOWELL
JAY
PUNKS GIT CUT
“Los Simpson era mi programa favorito de niño, nunca imaginé que yo podría trabajar en algo así”
Por Rodrigo Araiza P.
A lo largo de seis décadas, Vans ha trascendido el ámbito de la moda y el skateboarding para permear en el arte y cultura pop en general. Es ahí donde personalidades como Jay Howell tienen un espacio propio.
En este 60 aniversario, Vans continúa con la búsqueda de impulsar nuevas formas de expresión, por lo que Howell, talentoso caricaturista de Bob’s Burgers, estuvo en la CDMX para inaugurar Punks Git Cut, exposición que estará abierta al público todo abril en House of Vans.
La alianza entre Jay y Vans inició en 2012 como una colaboración de bolsas, t-shirts y calzado, y escaló rápidamente hacia la narrativa animada con Vans Classic Tales. Ahora se renueva con la retrospectiva Punks Git Cut, una exhibición que recopila la obra de Howell desde 2012 hasta 2025.
Esta muestra es un testimonio de cómo la amistad y el trabajo colaborativo generan una estética propia que sigue vigente y se proyecta con fuerza hacia los próximos años.
El trabajo de Jay Howell es el ejemplo perfecto de que la constancia y el riesgo son las llaves del mañana. Formado en la cultura punk y el DIY, Howell pasó de autopublicar fanzines y regalarlos en una cafetería a diseñar los personajes de las icónicas series Bob's Burgers y Sanjay and Craig
Para Jay, vivir del arte implica aceptar la incertidumbre y disfrutar el riesgo de que todo se pueda transformar en cualquier minuto. Es ese tipo de audacia la que define esta celebración: una apuesta total por el talento, los sueños y lo que está por venir.
SELF-PORTRAIT
Cuando era más joven estaba muy enfocado en los gráficos de skate, en todos los clásicos, ya sabes, como John Lasseter, Tony Hawk y todo lo de Powell Peralta. Casi me gustaban más los gráficos que el skate en sí. Pero bueno, crecí patinando, así que estaba completamente fascinado con ese mundo.
Toda mi vida quise dedicarme a eso, así que lo intenté una y otra vez. Fui a la escuela de arte en San Francisco durante dos meses, en 1994. No funcionó muy bien, así que renuncié y decidí intentarlo por mi cuenta. Y tomó mucho tiempo.
Quería hacer gráficos para skateboards, y eventualmente me mudé a San Francisco, me empecé a involucrar con la gente de la escena y comencé a hacer ese tipo de trabajo. En cuanto empecé a diseñar, todo se aceleró un poco porque la gente en internet ya estaba más avanzada, así que me lanzaron directo a proyectos más grandes.
Pero durante ese tiempo también trabajaba en una cafetería en San Francisco mientras intentaba ser artista. Allí había un tipo que vivía a la vuelta, se llamaba Loren Bouchard, que venía todas las mañanas. Yo sabía que había hecho algunos dibujos animados antes, como un show de nombre Home Movies y otro llamado Dr. Katz, programas de comedia en Estados Unidos.
Sabía que era caricaturista, así que le preguntaba cómo se metía uno en ese mundo. Yo le hacía su café y le dejaba zines o cómics que yo mismo hacía, totalmente DIY, sobre el mostrador. Así nos hicimos amigos. Como un año después yo tenía una pequeña exposición en San Francisco y él llegó con su esposa.
Me dijo: “Oye, ¿alguna vez has pensado en hacer caricaturas?”. Y yo: “No, nunca”. Y me dijo: “Tu trabajo se ve como si pudiera moverse. Deberías intentarlo”. Luego me contó: “Tengo una idea sobre una familia de caníbales que vive junto a una funeraria, roban cuerpos y hacen hamburguesas. Se va a llamar Bob’s Burgers”. Y yo: “Wow, suena increíble”.
Al día siguiente fui en bicicleta a su oficina y empezamos a trabajar en el show. Después cambió mucho —ya no se trataba de robar cuerpos—, pero así fue como empecé en la animación.
Cuando tuve la oportunidad de dibujar para Bob’s Burgers pensé: “Esto es”. Como que sentí que era mi gran oportunidad para que mi trabajo fuera visto a gran escala. Entonces me pregunté: ¿Cómo haces un personaje memorable? ¿Cómo creas algo con lo que la gente conecte de inmediato?
Y lo único que se me venía a la mente eran referencias como Garfield, Hello Kitty y, sobre todo, Los Simpson Los Simpson era mi programa favorito de niño, nunca imaginé que yo podría trabajar en algo así.
Entonces pensé: “¿Cómo lo hizo Matt Groening? ¿Cómo creó personajes tan icónicos?”. Me puse a buscar entrevistas, a leer todo lo que encontraba. Y encontré una frase suya donde decía que si apagas las luces en Springfield, el lugar donde viven Los Simpson, puedes reconocer a cada personaje solo por su silueta. Y eso me voló la cabeza. Pensé: “Claro, eso es exactamente lo que quiero lograr”.
MÚSICA ORGÁNICA COMO REMEDIO PARA LA MELANCOLÍA
NATION OF LANGUAGE
Por Rodrigo Araiza P. Fotos: Ebru Yildiz
El synthpop se renueva constantemente y Nation of Language es uno de los proyectos de mayor profundidad y elegancia que ha dado el género en la última década. Con sonidos arraigados en el post-punk y new wave, el trío neoyorquino presentará en México su cuarto álbum de estudio, Dance Called Memory.
El próximo 11 de abril Ian Richard, Aidan Noell y Alex MacKay impregnarán el Foro Indie Rocks! con su caracerístico estilo melódico con una íntima presentación. Pero antes de que eso suceda platicamos con ellos sobre su evolución y el panorama de la música electrónica.
Su sonido ha evolucionado desde una fase DIY hasta firmar con Sub Pop y trabajar con Nick Millhiser. ¿Qué elementos de aquellos primeros días en Brooklyn siguen siendo el núcleo de Nation of Language?
Crecí yendo a shows de punk y a conciertos DIY (Do It Yourself) de todo tipo. Siento que ese espíritu sigue presente en la forma en que nos manejamos. Claro, es increíble estar firmados con un sello tan legendario como Sub Pop, pero seguimos cargando con esa mentalidad de “hazlo tú mismo” en muchos aspectos de la banda.
Dance Called Memory sugiere una relación profundamente personal entre la música y la nostalgia.
¿Cómo influyen tus recuerdos en el universo sonoro de este álbum?
Totalmente. Diría que lo moldean por completo. El disco trata sobre la dificultad de lidiar con los recuerdos, con la culpa y con la duda de si realmente estás recordando las cosas como fueron. Todas las letras están atravesadas por esa sensación de haber tenido algo —o a alguien— que significaba mucho para ti… y que ya no está.
Sus influencias —de Orchestral Manoeuvres in the Dark a LCD Soundsystem— son evidentes, pero han construido una identidad propia. ¿En qué momento sintieron que encontraron su voz?
Creo que siempre estamos en ese proceso de descubrir cuál es nuestra voz, creciendo un poco más con cada disco. En el primero, y también en el segundo, el sonido estaba muy enfocado en mostrar claramente nuestras influencias. Con el tiempo dejas de sentir la necesidad de subrayarlas tanto y simplemente permites que fluyan de forma más natural.
Hay una carga emocional fuerte en su synthpop que va más allá de lo bailable. ¿Cómo equilibran la melancolía y la energía al componer?
No estoy del todo seguro, pero para mí esas cosas están muy conectadas. Cuando me siento melancólico muchas veces lo que más me ayuda es estar en un concierto, cantar y bailar con otras personas. Entonces en cierto sentido la música es la respuesta a esa melancolía. Dicho eso, en este disco también hay espacio para otras formas de ese sentimiento. Por ejemplo, la última canción, “Nights of Weight”, es probablemente la más triste: lenta, íntima, más personal, no pensada para bailar. Es como una expansión hacia distintas facetas de la melancolía.
“INTENTAS AFERRARTE
A LO QUE QUEDA, PERO LA VIDA
SIGUE
Firmar con Sub Pop marca una nueva etapa.
¿Cómo ha impactado este cambio en su proceso creativo y en la forma en que imaginan su música a futuro?
Algo muy valioso de Sub Pop es que apoyan mucho la forma en que queremos hacer las cosas. Se siente muy bien tener ese respaldo desde el lado más “de negocio”. Pero al mismo tiempo ser parte de un sello tan legendario también me motiva a crear algo que esté a la altura, que sea digno de pertenecer a ese legado.
En un panorama donde la música electrónica suele apostar por la inmediatez, su trabajo se siente más atmosférico y reflexivo.
¿Qué papel juegan el tiempo y la paciencia en su proceso creativo?
Curiosamente con Dance Called Memory siento que es el disco donde hubo menos distancia entre la emoción y su expresión. En trabajos anteriores escribía sobre cosas con más perspectiva, con más tiempo de por medio. Aquí hubo cierta urgencia por sacar estas canciones, por exponer una parte de mí que necesitaba salir. De alguna forma hacer este disco fue casi como una medicina, algo que ayudó a procesar la melancolía.
Si tuvieras que describir Dance Called Memory como algo más que un álbum —un lugar, una sensación o incluso una escena—, ¿cómo lo definirías?
Para muchas de las canciones tenía una imagen mental muy clara: un paisaje árido, casi desértico, como un terreno vacío y desolado. Creo que esa sensación de aislamiento que viene con la melancolía me llevó a imaginar un mundo donde no hay nada a la vista, solo polvo. Sí, es un poco sombrío… pero así se siente.
LA PERFECCIÓN
A CUALQUIER COSTO
Por Rodrigo Araiza P.
El lujo, la familia y el poder se entrelazan en Polen, thriller psicológico más reciente de ViX. Protagonizada por Ana Brenda Contreras, Claudia Ramírez y Tiago Correa, la serie revela el lado más oscuro de una dinastía aparentemente perfecta donde un “accidente” desata una red de secretos, traiciones y ambiciones ocultas.
Cuando la poderosa matriarca Beatriz Zamudio muere en circunstancias sospechosas, lo que parecía un suicidio se transforma en un enigma letal: fue envenenada con polen. Así comienza una historia donde cada personaje tiene algo que esconder y la verdad puede ser más peligrosa que la mentira.
¿Qué fue lo primero que los atrapó cuando leyeron el guion de esta historia?
Ana Brenda Contreras: Creo que el género. Es un género que consumo, que me encanta, que disfruto. Si bien no lo hacemos mucho en México, cada vez está demostrando que lo podemos hacer más y mejor. Me emociona que existan estas oportunidades y estoy muy contenta de ser parte de este proyecto.
Claudia Ramírez: El personaje. Me encanta. Y ahora que ya veo el proyecto terminado… voy a dejar que mi ego se exprese un poco (risas). Hace muchos años que no estaba en una serie donde apareciera en el póster, y cuando vi la publicidad dije: “¡Qué bonito!”. Ahora me gusta más, de verdad.
Tiago Correa: A mí me atrapó que está muy bien escrita. Es una serie con muchos elementos que pueden enganchar al público. Cuando algo te mueve, hay que hacerlo. Además, cuando leí el argumento era tan sólido que prácticamente ya podías “ver” la serie. También el personaje me resultó muy atractivo desde lo actoral, sobre todo por su relación con su madre y su pasado. Sentí que era un reto, y uno siempre busca eso: desafiarse y hacer cosas distintas.
Claudia, Beatriz es un personaje que incluso después de su muerte marca el destino de los demás. ¿Cómo lo construiste?
Claudia: Es un personaje muy bien escrito. Tuvimos la oportunidad de trabajar muy de cerca con el director y el escritor. Ellos tenían muy claro de dónde venían los personajes. Cuando tienes esa información —el origen de la familia, las dinámicas, los vínculos— avanzas con mucha más claridad. Además estaban muy en sincronía en cómo dirigirnos y contar la historia, lo que hizo todo más fluido. Al final te pones el personaje, indagas cómo reaccionaría, cómo se comportaría… y poco a poco se va construyendo.
Ana, tu personaje representa de alguna forma la justicia en medio del caos.
¿Cómo se sostiene la ética en un entorno así?
Ana: Es interesante porque sí representa la justicia, pero también es una justicia rota, como ella. Se sostiene desde su pasión por el trabajo y su brújula moral, intentando encontrar la verdad. Lo que más me gusta es que es un personaje muy defectuoso. Desde ahí toma decisiones, y no siempre son las correctas. Eso la hace mucho más humana e interesante.
Tiago, Jacobo regresa con un choque de emociones dentro de su propia familia. ¿Cómo fue interpretarlo?
Tiago: Fue muy rico. Lo disfruté muchísimo. Es un personaje con muchos matices, con mucho de dónde nutrirse. Es alguien desarraigado que no sabe bien de dónde viene, pero al mismo tiempo es el hijo pródigo, el favorito. Se va a buscar su camino y regresa para saldar cuentas con su pasado. Pero en lugar de respuestas encuentra más dudas: la muerte de su madre, que era su gran referente. Eso lo impulsa a buscar la verdad, aunque eso signifique enfrentarse a una realidad que lo va a transformar por completo.
La serie utiliza el polen como símbolo: belleza, pero también peligro. ¿Cuál sería el “polen” en su vida?
Claudia: El medio ambiente (risas). En serio, vivimos en una ciudad muy contaminada. Cuando llega la primavera y se mezcla con el follaje, todo se vuelve más intenso. De niña tenía muchas alergias y un doctor me dijo: “Eres alérgica al medio ambiente”. Imagínate. Pero también, dentro de la serie el polen es algo imperceptible que se esparce y contamina. Creo que simboliza cómo la ambición, la mentira y el veneno se infiltran sin darnos cuenta.
Tiago: Sí, es como un sistema tóxico. No es solo una persona, es todo lo que rodea. Como cuando una fruta se pudre y empieza a afectar a las demás. Eso pasa en la serie: todos terminan contaminados por secretos y mentiras.
Ana: En la vida real… diría que la autoexigencia. Me ha ayudado a lograr muchas cosas, pero también puede ser muy tóxica. Ahora que soy madre me doy cuenta de que tengo que ser más indulgente conmigo.
UNA NARRATIVA GASTRONÓMICA
SOBRE LO EFÍMERO
EN
HANAMI SAKURA YOSHIMI
En Yoshimi, la cocina se entiende como un lenguaje. Uno que no solo se construye desde la técnica, sino desde la memoria, el origen y la sensibilidad. Con Hanami Sakura, el restaurante presenta un menú de temporada que se aleja de lo evidente para explorar una de las ideas más profundas de la cultura japonesa: la belleza de lo efímero.
Lejos de ser una interpretación literal, la propuesta se articula como una narrativa gastronómica donde cada tiempo responde a un concepto. Inspirado en el hanami —la contemplación de los cerezos en flor—, el menú traduce esta tradición en una experiencia que privilegia la sutileza, el equilibrio y la precisión en cada ejecución.
Bajo la dirección de la chef Miriam Moriyama, la cocina adquiere una dimensión autoral. Su enfoque se distingue por una lectura contemporánea de la tradición japonesa donde los ingredientes se trabajan con respeto absoluto, pero también con una intención clara de reinterpretación.
A esto se suma una carga emocional que atraviesa todo el menú: recuerdos de su infancia en la Patagonia que se manifiestan en notas ahumadas, contrastes marinos y una profundidad de sabor que va más allá de lo técnico.
El recorrido de cinco tiempos revela una construcción precisa. La apertura, delicada y aromática, establece el tono con un caldo claro que privilegia la limpieza y la sutileza. A partir de ahí, la progresión se vuelve más compleja: combinaciones que exploran el umami desde distintas capas, texturas que dialogan entre lo suave y lo estructurado, y elementos que introducen tensión —ácidos, ahumados, especiados— sin perder armonía.
Destaca la capacidad del menú para construir puentes: entre mar y tierra, entre tradición japonesa y guiños locales, entre técnica depurada y emoción. Ingredientes como el miso, el shichimi o el shiso se integran con naturalidad en composiciones que evitan el exceso y privilegian la intención. Incluso los acentos mexicanos aparecen de forma sutil, aportando identidad sin romper el discurso culinario.
El cierre mantiene la misma línea: ligereza, precisión y estética. Un postre que no busca saturar, sino prolongar la experiencia desde lo etéreo, como una extensión natural del concepto.
Hanami Sakura no es un menú que se imponga: es uno que se descubre. Una propuesta que confirma a Yoshimi como un espacio donde la alta gastronomía se construye desde el detalle, el respeto por el ingrediente y una visión clara: cocinar también es una forma de contemplar.
DONDE EL TIEMPO SE DETIENE
LO SERENO
En la costa del Pacífico mexicano hay lugares que no solo se visitan: se sienten. Destinos que invitan a bajar el ritmo, a respirar distinto y a reconectar con lo esencial. En Troncones, donde la selva se encuentra con el mar y el tiempo parece expandirse, Lo Sereno, Casa de Playa, redefine el lujo desde un sitio más íntimo, más consciente, más humano.
Foto:
Mariola
El tiempo como verdadero protagonista
Lejos del ruido y de las agendas saturadas, la experiencia comienza con lo más simple: el sonido del viento entre las palmeras, la textura de la arena tibia bajo los pies y el vaivén constante del océano marcando el ritmo de los días.
Caminar descalzo al amanecer, practicar yoga frente al mar o simplemente contemplar el horizonte se convierten en rituales cotidianos que transforman la manera de habitar el espacio y el momento.
Rodeado de naturaleza virgen y con una privacidad difícil de encontrar, este enclave propone una desconexión real donde cada detalle está pensado para fluir sin esfuerzo. No hay prisa, no hay artificio: solo una invitación constante a estar presente.
La visión detrás de Lo Sereno nace de una conexión profunda con el paisaje. Su arquitectura contemporánea, de líneas limpias y materiales nobles, dialoga con el entorno de forma orgánica, generando una continuidad natural entre interior y exterior. Cada espacio —desde el lobby hasta la piscina infinita— está diseñado para enmarcar la vista, amplificar la luz y crear una atmósfera de calma absoluta.
Sus 10 suites, íntimas y cuidadosamente concebidas, se abren hacia el horizonte con terrazas privadas que invitan a vivir el exterior como una extensión del interior. Los baños, minimalistas y sensoriales, incorporan muros de cristal y duchas de lluvia al aire libre, convirtiendo lo cotidiano en una experiencia casi ritual.
Lo Sereno no solo se habita, también se saborea
Su propuesta gastronómica celebra la esencia del producto: ingredientes frescos, locales y de temporada que se transforman en platillos sencillos, pero profundamente memorables. Sin formalidades ni excesos, la experiencia culinaria se vive al aire libre, acompañada de coctelería ligera y atardeceres que pintan el cielo de tonos dorados y rosados, creando momentos que se quedan en la memoria.
Para quienes buscan explorar, Troncones ofrece una conexión auténtica con la naturaleza. Desde surf y paddle board hasta pesca, ciclismo de montaña o recorridos a caballo, cada actividad permite descubrir el destino desde una perspectiva activa, pero siempre en sintonía con su esencia tranquila y poco intervenida.
Parte del portafolio de Design Hotels, Lo Sereno destaca por su autenticidad, su arquitectura y una hospitalidad que privilegia lo genuino sobre lo ostentoso. Es un lugar que no busca impresionar, sino conectar.
Más que un destino, es una pausa consciente
Un refugio donde el diseño, la naturaleza y el bienestar se encuentran para recordarnos que el verdadero lujo no está en hacer más, sino en saber detenerse.
Porque, al final, Lo Sereno no se trata de escapar, sino de volver: a uno mismo, al presente y a todo aquello que realmente importa.
