La firma británica celebra un estilo timeless con su nueva colección The Journey of a Man
22. LIFESTYLE
HOGAR, DULCE HOGAR
Iniciar una vida en pareja es una aventura que se disfruta de la mano de IKEA, donde encontrarás todo para tu nueva casa
34. TEATRO
EL MANIPULADOR DE MENTES
La tragedia a veces da risa, y la versión mexicana del espectáculo Magic Goes Wrong es el ejemplo perfecto
38.
VALLADOLID
Cocina tradicional, construcciones históricas y una casona del siglo XVII convertida en un acogedor hotel son algunas de las atracciones que encontrarás en este destino de Yucatán
16. BEAUTY
SKIN PREP
La piel necesita respirar para lucir radiante; un buen look inicia mucho antes de la base
Tiempo: Publicación Semanal, del 20 al 26 de marzo de 2026. Editor Responsable: Simón Mercado Cheja Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nac onal del Derecho de Autor: 04-2019-012110475800-101. Número de Certificado de Licitud de Título: 15159. Número de Certificado de Licitud de Contenido 15159. Domicilio de la publicación: Boulevard Adolfo López Mateos 1817 Piso 9 Col. Merced Gómez C.P. 01600
Imprenta: Litográfica Ingramex, S.A. de C.V, Centeno 195, Col. Valle del Sur, C.P. 09819, Iztapalapa, CDMX. Distribución: MARKETING PEOPLE S.A. DE C.V. Rómulo O’farril No. 434 Col. Olivar de los Padres C.P. 01780. www.marketingpeople.com.mx. Publicación registrada en el Padrón Nacional de Med os Impresos. Titular de la publicación Grupo Simjor, S C www estilodf tv
VIAJES
EN PORTADA ARIADNE DÍAZ
Head of Editorial Content: Alexis Finkler
Editorial Coordinator: Rodrigo Araiza, Head of Editorial Design: Manu Plascencia
Photography: Serch Ramírez, Styling: Rafael Taracena, Fashion Assistant: María Sánchez
Hair & Makeup: Vico Guadarrama, Location: Be Grand Reforma
Agradecemos a Be Grand Reforma por todas las atenciones durante la producción de esta portada
EL MEJOR MOMENTO NO LLEGA, SE CONSTRUYE
ARIADNE DÍAZ
Por Rodrigo Araiza P.
En un momento donde la industria del entretenimiento exige reinvención constante, Ariadne Díaz atraviesa una etapa que combina madurez profesional y plenitud personal. Con una trayectoria consolidada en televisión y un instinto cada vez más afinado para elegir proyectos, la actriz inicia un nuevo ciclo marcado por la transformación, la intuición y la apertura a explorar facetas distintas dentro de su carrera.
Lejos del vértigo que suele acompañar a la fama, Ariadne ha construido un equilibrio entre su vida pública y privada. Su refugio está en lo cotidiano: el tiempo en casa, la familia y la playa.
Esa estabilidad se refleja también en su forma de entender el trabajo: ya no desde la prisa, sino desde la conciencia y el disfrute, eligiendo historias que conecten con sus valores y evitando aquellas que no resuenan con su visión personal.
Con energía renovada, nuevo look y desafíos inéditos por delante es como la actriz encara un ciclo del que nos habla.
Look: Marella, Aretes: Yellow Piña, Anillos: Taia Jewelry y Alizka, Zapatos: Steve Madden
¿Cómo inició tu 2026?
Mi 2026 comenzó en Río de Janeiro, o sea, con muy buen augurio para este año. La verdad es que empezó en un lugar hermoso, con la energía de muchos cambios y muchas cosas nuevas en mi carrera. Como pueden ver, desde el cambio de look y todo, entonces creo que este es un año transformador en mi vida.
¿Hay nuevos desafíos?
Muchísimos. Hay uno en particular del que todavía no les puedo contar, porque yo misma estoy en ese momento justo antes de meterte al agua fría, que dices: “Ay, ¿me meto? ¿No? ¿Sí? ¿No?”. Y ya una vez que te metes dices: “Está delicioso”. Yo estoy todavía antes. Es algo que estamos trabajando con mi agencia y espero que todo se cierre para poder platicarlo; sería una nueva faceta en mi carrera completamente.
Cuando no estás en un proyecto de actuación, ¿qué te gusta hacer?
Me encanta estar en mi casa, soy muy hogareña. Marcus y yo, siempre a la gente le da risa, pero es real, somos muy aburridos y está padrísimo. Somos muy felices en casa viendo películas. Me encanta perderme leyendo un libro mientras mi hijo juega en el jardín y Marcus está en sus cosas. De verdad nos gusta mucho estar en casa.
¿Cuáles serían tus límites para hacer un papel?
Tal vez subir o bajar de peso no lo haría, pero más por cuestiones de salud. Raparme o hacer cambios físicos así, sin problema. El límite tendría más que ver con el contenido. Por ejemplo, lo más cercano que he hecho relacionado con narcotráfico fue Estela Carrillo, pero no era una historia que hiciera apología, todo lo contrario. Ese tipo de proyectos donde se hace apología, cada vez que he tenido oportunidad de hacer casting digo: “Gracias, no”.
"TENGO UNA MENTE MUY ÁGIL, PERO A VECES ESO JUEGA EN CONTRA"
Look: Weekend-Max Mara, Lentes: Tom Ford, Aretes: Yellow Piña, Anillos: Phi Stores y Taia, Zapatos: Steve Madden
“CREO QUE TENGO UN POCO DE NOSTALGIA POR LA VIDA ANTES DE LAS FOTOS Y LA EXPOSICIÓN CONSTANTE”
¿Qué no disfrutas tanto de la fama?
No disfruto que, aunque me siento una persona completamente normal, la gente te trate diferente. Agradezco muchísimo el cariño, el respeto y la admiración, pero a veces sí me gustaría pasar desapercibida. Me gusta mucho ir a Playa de los Muertos, en Puerto Vallarta, y me encantaría que nadie me volteara a ver: meterme al mar, salir, comprarme mi brocheta de camarón y que nadie me pele. Creo que tengo un poco de nostalgia por la vida antes de las fotos y la exposición constante.
¿Cuál es tu lugar seguro cuando necesitas alejarte de todo?
Justamente Vallarta. Tengo la suerte de tener un departamento muy lindo en la zona romántica y voy ahí físicamente, pero si no puedo, voy en mi mente. Cuando estoy muy abrumada imagino una alberca en el séptimo piso que da hacia el mar y las montañas. Siento que me sumerjo ahí y todo está bien.
¿Cuál es el miedo más grande que has vencido?
Suena un poco tonto, pero los elevadores. Es algo muy simbólico. Hubo un momento en mi vida en el que me sentí muy aprisionada entre un proyecto y el hecho de haber sido mamá, sin mucha autonomía para decidir mis tiempos. Un día me subí a un elevador y me dio un ataque de pánico. Lo trabajé mucho en terapia y entendí que tenía que ver con esa sensación de no poder decidir o escapar. Hoy es una prueba superada: estamos en el piso 46 y subo y bajo sin problema. Estos miedos “irracionales” tienen más que ver con lo que representan en tu vida. Para mí, el elevador simbolizaba eso, y hoy en 2026 siento que todo eso ya cambió.
¿Te consideras una persona aprensiva?
Súper aprensiva. Trabajo en ello todo el tiempo. Tengo una mente muy ágil, pero a veces eso juega en contra: así como ves soluciones, también ves problemas donde no los hay. He trabajado mucho con respiración, con estar en el presente. También considero que es importante limitar el uso de redes sociales; hay demasiada información y la mente no puede con todo.
¿Te gustaría trabajar con Marcus en algún proyecto?
Lo hemos platicado muchas veces. Una novela sería complicado: son 12 horas diarias y luego llegar a casa a hablar de lo mismo, no sé de qué hablaríamos. Además, con nuestro hijo sería complicado coordinar tiempos. Curiosamente, cuando uno tiene llamado, el otro no, y eso ha funcionado muy bien. Aunque pensándolo mejor, podríamos hacer teatro juntos, Marcus es un apasionado y me daría mucha seguridad. Sería interesante compartir esa experiencia con él.
Look: Marella, Aretes: Kinto Elemento, Collar: Tego Design, Anillos: Paulina Meza y Mand8rla, Zapatos: Steve Madden
ELEGANCIA SIN PRISA, ESTILO SIN DESTINO
Hackett London
Por Rafael Taracena
La firma británica Hackett London presenta a David Gandy como embajador de su campaña global Primavera/Verano 2026. Bajo el concepto The Journey of a Man, la marca propone una visión contemporánea de la masculinidad: un hombre definido no por su destino, sino por el camino que recorre.
Fotografiada por Mariano Vivanco en el desierto de Al Qudra, a las afueras de Dubái, la campaña combina paisajes abiertos con una elegancia relajada que refleja el ADN de Hackett.
La colección reinterpreta la sastrería ligera con blazers de construcción suave, overshirts de lino texturizado y piezas pensadas para viajar, confeccionadas en tejidos transpirables y versátiles.
La línea Nº14 Savile Row destaca con camisas ultraligeras, pantalones de caída natural y una paleta que mezcla azules profundos, tonos costeros y matices cálidos inspirados en el paisaje.
El resultado: una propuesta que celebra el estilo que se construye con el tiempo.
JUNG KOOK Y LA NUEVA ERA DE HUBLOT
ALTA RELOJERÍA,
ENERGÍA POP
Por Rafael Taracena
Hublot vuelve a cruzar los límites entre cultura, lujo y precisión con el anuncio de Jung Kook como nuevo embajador mundial de la Maison.
El artista global y miembro de BTS encarna una generación que entiende el tiempo no solo como medida, sino como actitud: evolución constante, instinto creativo y una estética que se redefine en cada escenario.
La alianza no es casualidad. Desde su revolucionario espíritu de Art of Fusion, la firma suiza ha transformado la relojería contemporánea mezclando materiales, tecnología y diseño disruptivo. Jung Kook comparte esa misma filosofía: construir identidad capa a capa, ritmo a ritmo, sin miedo a reinventar el futuro.
El símbolo de esta nueva etapa es el Big Bang Original Unico, una pieza que celebra más de dos décadas de innovación y que, en la muñeca del artista, se convierte en algo más que un reloj: una declaración de originalidad.
Porque cuando el lujo se encuentra con la cultura pop global, el tiempo deja de contarse… y empieza a marcar tendencia.
EL RITUAL SILENCIOSO QUE ESTÁ REDEFINIENDO EL MAQUILLAJE
En 2026, el verdadero lujo ya no está en cubrir la piel, sino en prepararla. La conversación cambió: ahora el maquillaje más sofisticado no se siente pesado ni pretende borrar el rostro, sino acompañarlo. Brumas, hidratación por capas, masaje facial, barrera cutánea, máscaras LED y fórmulas que dejan respirar la textura real de la piel están marcando una nueva era
Por Nancy Estrada
Hubo un momento en que el maquillaje parecía medirse por su capacidad de transformar. Más cobertura, más corrección, más perfección. Hoy, en cambio, la aspiración va por otro lado: una piel viva, luminosa, flexible, que conserve su identidad incluso bajo una capa de producto. Esa es la razón por la que el skin prep se volvió la obsesión silenciosa de las editoras, maquillistas y amantes de la belleza que entienden que un buen look empieza mucho antes de la base.
La piel ya no se corrige, se acompaña
La gran sofisticación del maquillaje actual está en saber leer la piel: si está deshidratada, sensibilizada o saturada. Por eso la preparación dejó de ser un gesto secundario para convertirse en la parte más estratégica del proceso. Una bruma bien elegida, un suero que refuerce la barrera cutánea y una crema que aporte agua sin asfixiar pueden cambiar por completo el acabado del maquillaje. Ahí reside el nuevo lujo: en trabajar con la textura real del rostro, no contra ella. Productos como Charlotte Tilbury Magic Cream o Embryolisse
Lait-Crème Concentré siguen siendo favoritos de backstage por esa capacidad de suavizar y devolver elasticidad sin dejar sensación pesada. La piel, cuando está cómoda, lo dice todo.
Hidratación por capas, no por exceso
La preparación inteligente no significa aplicar demasiado, sino aplicar mejor. En lugar de una crema gruesa que lo resuelva todo, la tendencia apuesta por capas ligeras: una esencia o bruma, un sérum hidratante y una crema que selle. El resultado es una piel rellena, pero no saturada. Fresca, no brillosa. Fórmulas como Laneige Water Bank, Rhode Glazing Milk o el Vitamin Enriched Face Base de Bobbi Brown responden a esta necesidad de humedad equilibrada. Para el contorno de ojos, donde el maquillaje suele quebrarse primero, los eye patches se han vuelto aliados inmediatos. Los On Ice de Patchology o los Find Comfort Under Eye Patch Kit de Rare Beauty ayudan a desinflamar, refrescar y dejar la zona lista para recibir corrector sin pliegues innecesarios.
Tecnología y gesto: el nuevo binomio
La belleza de 2026 también entiende que el resultado no depende solo del producto, sino de la forma en que se usa. El masaje facial breve antes de maquillarse —con las manos, un rodillo frío o una herramienta de microcorriente— activa la circulación, relaja facciones y mejora el tono general del rostro. No es casualidad que cada vez más maquillistas sumen este momento a su rutina.
A esto se añade el auge de las máscaras LED, que dejaron de parecer futuristas para instalarse como parte del lenguaje cotidiano del cuidado de la piel. Opciones como la Shark™ CryoGlow™ se han convertido en referentes para quienes buscan mejorar luminosidad y uniformidad con constancia. Y en los días en que la piel pide contención inmediata, una mascarilla —como la nueva Caffeine Reset de Rhode o la Summer Fridays Jet Lag Mask— puede devolver al rostro ese efecto descansado que ningún iluminador logra por sí solo.
Broncear, iluminar, revelar
Curiosamente, esta nueva obsesión por preparar mejor la piel también cambió la manera de maquillarla. Los productos de color ya no buscan tapar, sino revelar. Por eso los protectores solares ligeros, bronceadores en crema, los tintes ligeros y los iluminadores fluidos viven su mejor momento: se funden mejor sobre una piel bien trabajada y dejan un acabado mucho más creíble. Productos que también ayudan a la piel a verse bien con el tiempo, ya que contienen tratamiento, como el Protector Solar Anti-Aging Face SPF 50 de Orlane, que combina protección con la acción antiarrugas de un tratamiento antiedad avanzado.
La verdadera sofisticación de esta nueva era no consiste en que nadie note el maquillaje, sino en que todos perciban que la piel se ve extraordinariamente bien. Y para lograrlo, el secreto ya no está solo en lo que se pone encima, sino en todo lo que sucede antes. Ahí, justamente ahí, empieza el futuro del maquillaje.
DISEÑAR LA VIDA EN PAREJA NUNCA FUE TAN DIVERTIDO
Hogar, dulce hogar
Mudarse juntos es una de esas decisiones que marcan el inicio de una nueva etapa. Entre cajas, muebles por armar y la emoción de compartir el mismo espacio, aparece también una pregunta inevitable: ¿cómo convertir ese lugar en un verdadero hogar para dos?
La respuesta muchas veces está en los pequeños detalles. Un sofá donde ver series juntos, una mesa donde compartir la cena después de un día largo, o soluciones de almacenamiento que ayuden a mantener el orden cuando el espacio es limitado. Porque vivir en pareja también implica aprender a convivir, negociar estilos y encontrar ese punto medio donde ambos se sientan en casa.
Ahí es donde entra la propuesta de IKEA: soluciones accesibles, prácticas y bien diseñadas que ayudan a transformar cualquier espacio en un hogar funcional y lleno de personalidad. Desde muebles que aprovechan mejor cada metro cuadrado hasta accesorios que hacen la vida diaria más sencilla, la marca apuesta por crear ambientes pensados para la vida real.
Para muchas parejas jóvenes, mudarse juntos significa empezar desde cero: quizás el primer departamento compartido, tal vez un espacio pequeño que necesita ingenio para funcionar bien. Pero eso también abre la oportunidad de construir un hogar paso a paso, eligiendo piezas que reflejen quiénes son y cómo quieren vivir.
La filosofía de IKEA es simple: cuando tu hogar funciona mejor para ti, tus días también cambian. Un espacio más organizado puede hacer la rutina más ligera; una sala cómoda puede convertirse en el lugar favorito para pasar la tarde; una cocina bien equipada puede invitar a cocinar juntos por primera vez.
Porque al final, compartir casa no sólo se trata de dividir gastos o espacio, sino de crear momentos. Y a veces, una pequeña transformación —una lámpara nueva, una estantería que ordena el caos o una mesa donde caben las conversaciones largas— puede hacer una gran diferencia.
Empezar una vida en pareja es también empezar a diseñar el lugar donde esa historia va a suceder. Y con las soluciones adecuadas, convertir ese espacio en un hogar puede ser tan emocionante como la etapa que están comenzando juntos.
SABOR ES POLANCO
12 AÑOS DEL GRAN FESTÍN CULINARIO DE LA CDMX
Fotos: Sergio Ramírez
La duodécima edición de Sabor es Polanco se llevó a cabo con gran éxito, consolidándose una vez más como uno de los encuentros más importantes de la capital mexicana. Durante dos días, chefs, restauranteros, productores y amantes de la buena mesa se dieron cita para celebrar la riqueza culinaria de México y del mundo, en un ambiente donde la comida, el vino y la música fueron protagonistas.
Los pasados 14 y 15 de marzo, Campo Marte albergó el evento gastronómico más esperado del año. Sin embargo, antes del inicio del festival se llevó a cabo la tradicional Mesa de Gala, una cena especial en la que se rindió homenaje a la chef Martha Ortiz, quien se mostró profundamente agradecida por el reconocimiento de la industria y de sus colegas.
“Dedico este premio a todas las mujeres que me han acompañado esta noche”, expresó la ovacionada chef, quien, junto a Mariana Valencia y Ricardo Muñoz Zurita, diseñó un menú a seis manos especialmente para la ocasión.
Con este reconocimiento a Martha Ortiz -una de las figuras más prominentes de la cocina mexicana, cuyo talento ha llevado la gastronomía nacional a los más altos niveles- dieron inicio oficialmente las actividades de Sabor es Polanco 2026.
Encuentro de grandes chefs
El afamado evento también contó con la presencia del reconocido chef argentino Gonzalo Aramburu, una de las figuras más influyentes de la alta cocina latinoamericana. Su filosofía culinaria se centra en el respeto absoluto por el producto y el uso de ingredientes locales, con el objetivo de reconectarse con la historia de la tierra y fortalecer la relación con los productores.
Bajo esta visión, Aramburu ha construido una propuesta que busca estimular todos los sentidos, en la que la experiencia se completa con el ambiente, la hospitalidad y el cuidado de cada detalle. Su restaurante, Aramburu Restaurante, se ha consolidado como una referencia del fine dining argentino y ha hecho historia al convertirse en el primer y único establecimiento del país en recibir dos estrellas de la prestigiosa Guía Michelin.
Un brindis por la tradición
La edición 2026 del festival también fue escenario para celebrar el centenario de la Denominación de Origen Calificada Rioja, cuyo reconocimiento oficial se estableció en junio de 1925, convirtiéndose en la primera denominación de origen en España.
A lo largo de un siglo, Rioja ha construido una reputación de prestigio y calidad que hoy la posiciona como uno de los nombres más reconocidos en el mundo del vino, con presencia en más de 130 países.
Este aniversario representa también el trabajo de más de 13 mil viticultores y cerca de 600 bodegas que han mantenido vivas las tradiciones de esta histórica región vitivinícola, consolidando un legado que continúa marcando la pauta en la industria.
Sabores con historia
Dentro de las celebraciones también destacó la participación del restaurante The Palm Polanco, ubicado en el Hotel Presidente InterContinental Mexico City. Este emblemático espacio celebró 100 años de tradición culinaria. Aunque su llegada a México ocurrió en 1995, su historia comenzó en 1926 en Nueva York, donde rápidamente se convirtió en un referente por sus cortes Prime y su clásica langosta.
En México, bajo el liderazgo del chef José Luis Sánchez Ronquillo, el restaurante se ha posicionado como un referente del steak & lobster de estilo americano.
Otra institución que celebró un siglo de historia fue el emblemático Salón Tenampa, símbolo de la música tradicional mexicana ubicado en la famosa Plaza Garibaldi. Fundado en 1925 por Juan I. Hernández Ibarra, este espacio comenzó como una cantina donde, por primera vez, grupos de mariachi interpretaron música en vivo, marcando el inicio de una tradición que con el tiempo se convirtió en parte fundamental de la cultura popular mexicana.
Gastronomía con ritmo
La música también fue parte esencial de la experiencia durante el fin de semana. Los actos de clausura estuvieron a cargo de Playa Limbo, el sábado, y de DLD, el domingo, quienes pusieron el broche de oro a dos jornadas en las que la comida, el vino y el entretenimiento convivieron en un mismo espacio.
Con esta edición, Sabor es Polanco reafirmó su papel como una plataforma que reúne a grandes exponentes de la cocina, reconoce trayectorias destacadas y celebra la diversidad culinaria.
REDEFINE LA EXPERIENCIA DE LA MÚSICA
En un panorama donde los festivales musicales compiten por volumen y espectacularidad, HUMAN Festival apuesta por lo contrario: la profundidad de la experiencia.
Lejos de ser un evento masivo, HUMAN se posiciona como un festival boutique que prioriza la conexión. Presentado por Vivo Sessions, este encuentro propone una narrativa distinta: aquí no se trata únicamente de escuchar, sino de sentir colectivamente. Cada elemento está diseñado para integrarse en una experiencia orgánica donde la música se convierte en el pulso que articula todo lo demás.
A lo largo de 15 horas continuas de música, cuatro escenarios cuidadosamente curados darán vida a una programación que combina nombres internacionales con talento nacional. Figuras como Dave Seaman y Anthony Pappa encabezan un cartel que también incluye propuestas clave de la escena mexicana como The Wookies, Sussie 4 y Clubz, consolidando un equilibrio entre legado y actualidad.
Más allá de la música, HUMAN se expande hacia una experiencia integral. Un food market con propuestas gourmet, catas de vino, espacios de diseño y artesanía, así como una zona dedicada al wellness —con actividades como yoga y meditación—, construyen un recorrido que invita a explorar con todos los sentidos. A esto se suman una pool party exclusiva e intervenciones artísticas que dialogan con el entorno.
Programado para el 28 de marzo, HUMAN Festival no busca ser multitudinario, sino significativo. Es un encuentro donde cada detalle suma a una experiencia irrepetible, pensada para quienes entienden que el verdadero lujo está en vivir el momento con intensidad y conciencia.
UBICACIÓN
Viñedos El Sueño
Carretera México km 120, Tunas Blancas, Ezequiel Montes, Querétaro
THRILLER PSICOLÓGICO HECHO EN MÉXICO
PSICÓPATA: EL ASESINO DEL CONEJO BLANCO
Por Rodrigo Araiza P.
El thriller psicológico mexicano Psicópata: El asesino del conejo blanco apuesta por una mirada distinta al cine de asesinos seriales: una historia que combina tensión policiaca, exploración psicológica y simbolismo visual para adentrarse en las zonas más complejas de la mente humana. Lejos del sensacionalismo que suele rodear este tipo de relatos, la película propone un enfoque más reflexivo sobre el trauma, la identidad y las motivaciones detrás de la violencia.
La historia sigue a Nora Sierra, interpretada por Adriana Llabrés, una agente de psicología criminal que vive con trastorno de identidad disociativo, una condición que surge a partir de experiencias traumáticas en la infancia. A pesar de ello, Nora no se define desde la vulnerabilidad, sino desde la acción: decide involucrarse en la investigación para capturar a Ariel Hoffman, un asesino serial interpretado por Hoze Meléndez. En esta peligrosa búsqueda la acompaña el agente Eder Ballesteros, personaje encarnado por Andrés Almeida.
Para el escritor y productor Fernando Barreda Luna, la intención fue construir una historia que además de generar tensión invitara a reflexionar sobre la complejidad de la mente criminal.
“Lo que queríamos era hacer una película que tuviera la estructura de un thriller psicológico emocionante, pero que también hablara de cómo sería tratar de entender la mente de un criminal”, explica. “En particular, la de un asesino serial que presenta distintos trastornos mentales: psicopatía, síndrome de Estocolmo, esquizofrenia”.
Barreda señala que el interés del proyecto no solo estaba en el asesino, sino también en quienes intentan detenerlo. “También queríamos ponernos en los zapatos de los detectives que intentan atraparlo, porque ellos también padecen sus propios conflictos emocionales, físicos y psicológicos”, comenta. “Esa estructura de personajes rotos, enfrentados a una misión casi imposible, me parecía fascinante y creo que eso es lo que va a atrapar al público, además de invitarlo a reflexionar”
Uno de los elementos centrales del filme es el tratamiento del trastorno de identidad disociativo de la protagonista. Para Adriana Llabrés, el mayor reto fue abordar este tema con sensibilidad y realismo.
“Para mí lo más desafiante fue interpretar a un personaje con trastorno de identidad disociativo sin llevarlo a lo sensacionalista”, detalla la actriz. “Quería hacerlo desde el realismo. Para lograrlo investigué muchísimo y me apoyé en una psiquiatra que trabaja con pacientes que tienen este trastorno”
El proceso de preparación implicó comprender la condición desde su raíz emocional. “Intenté comprenderlo desde el fondo, porque el instinto podría llevarte a algo más superficial o más exagerado”, añade. “En cambio, la construcción del personaje vino desde la comprensión real del trastorno, y eso fue algo muy desafiante y nuevo para mí”
Del otro lado de la historia se encuentra Ariel Hoffman, un personaje profundamente perturbador al que da vida Hoze Meléndez. Para el actor, el desafío consistió en encontrar la humanidad dentro de alguien capaz de cometer actos atroces.
“En mi caso, el reto más grande fue tratar de humanizar a un personaje que, en muchos sentidos, es muy inhumano”, expresa. “Es un personaje que atraviesa lugares muy oscuros y comete actos terribles. Como actor, mi tarea era entender el contexto de por qué hace lo que hace, sin justificarlo”
El actor también reconoce que interpretar a alguien tan distante emocionalmente fue un proceso complejo. “Me considero una persona muy empática, así que interpretar a alguien que ha renunciado a esa empatía fue complicado”, señala. “Es un personaje que por su infancia -marcada por abandono, abuso y carencias- aprendió a desconectarse emocionalmente”
Para construir la psicología del personaje, Meléndez realizó una investigación exhaustiva sobre asesinos seriales reales. Entre sus referentes estuvo el caso de Issei Sagawa, cuya historia le permitió explorar la lógica mental de este tipo de criminales. “Intenté encontrar un referente concreto para estudiar. Elegí analizar el caso de Issei Sagawa porque existe mucha información sobre él, incluso textos escritos por él mismo”, dice. “En esos escritos habla sobre el placer que le generaba imaginar, desde muy joven, quitarle la vida a alguien”
El actor también buscó referencias en el contexto mexicano. “Encontré el libro Asesinos seriales en México, del investigador Filiberto Cruz Monroy” , destaca. “Tuve la oportunidad de leerlo, escribirle y conversar con él sobre la psicología de estos criminales en el país. Eso me ayudó mucho a construir psicológicamente al personaje de Ariel dentro del contexto mexicano”
Para Andrés Almeida, la película no solo explora la violencia, sino también la fragilidad humana que atraviesa a todos los personajes.
“Creo que todos los personajes hablan de fragilidad. Incluso los personajes más pequeños están construidos desde sus virtudes y desde sus miedos”, refiere el actor. “Eso es lo interesante del proyecto: el universo en el que conviven permite reflexionar sobre la realidad”
Esa cercanía con lo cotidiano es parte del impacto que busca generar la historia. “Aunque es una historia de ficción, está muy cercana a cosas que conocemos o leemos en los periódicos”, agrega. “El espectador puede reconocer rasgos de sí mismo o de alguien cercano en alguno de los personajes. Creo que esa identificación invita a reflexionar sobre el miedo y sobre cómo enfrentarlo”.
En la misma línea, Llabrés considera que la película plantea una reflexión más amplia sobre la responsabilidad colectiva frente a la violencia.
“También creo que la película plantea que nada existe de manera aislada. Hay todo un engranaje: quien observa, quien actúa, quien es culpable”, comenta. “Verlo desde la distancia que permite la ficción puede hacernos reflexionar sobre nuestro propio lugar dentro de ese engranaje social”
Otro de los elementos distintivos del filme es su universo visual, cargado de simbolismos inspirados en Alice's Adventures in Wonderland. Estas referencias funcionan como pistas narrativas y metáforas sobre la identidad y la percepción.
“Las referencias a Alice’s Adventures in Wonderland tienen muchas capas que el espectador podrá descubrir por sí mismo”, resalta Llabrés. “Hay varios ‘huevos de Pascua’ o detalles ocultos que invitan a ver la película más de una vez”
Barreda coincide en que estos elementos visuales tienen un propósito narrativo claro. “A nivel visual, los simbolismos representan cómo funciona la mente perversa del psicópata”, afirma. “Cuando el asesino deja pistas, en realidad está marcando su sello personal. Es una forma de provocar a los detectives, de decirles: ‘Sí, fui yo y aún no me atrapas’”
El guionista añade que la referencia al clásico literario no es solo estética. “Es un libro que ha sido estudiado psicológicamente por sus simbolismos y por cómo aborda la construcción de la identidad”, puntualiza. “Por eso nos interesaba incorporarlo, especialmente en relación con el trastorno de identidad disociativo del personaje”.
Dirigida por J. Xavier Velasco y filmada en locaciones de la Ciudad de México y el Estado de México, la cinta -ya disponible en cinesbusca sumergir al espectador en una historia inquietante que, más allá del suspenso, invita a mirar de frente las grietas de la mente humana.
LA AVENTURA DE SOBREVIVIR A LA OFICINA
ELENA DEL RÍO
Por Rodrigo Araiza P.
La Oficina ya se estrenó, el trabajo está hecho y el público mantiene opiniones divididas, sobre todo entre los seguidores de la franquicia de la icónica serie de comedia The Office. Sin embargo, esta atmósfera de misterio e incertidumbre no incomoda a Elena del Río, una de las actrices que protagonizan el proyecto.
No obstante, el ambiente de corrección política se ha convertido en uno de los principales retos para la comedia actual; aun así, contenidos de este tipo apuestan por abordar temas ríspidos de manera inteligente.
Sin temor a ser encasillada y con la esperanza de que La Oficina tenga una larga vida, Elena nos habla sobre su experiencia como “godín” en un espacio donde el humor ácido es la materia prima.
Desde que se anunció La Oficina se dividieron opiniones y la expectativa fue creciendo hasta su estreno.
¿Te gusta ese misterio o ya estás ansiosa por que el público la vea?
Me gusta el misterio porque hace que la gente tenga más ganas de verla, pero al mismo tiempo quiero que el público ya la vea porque implica muchas cosas para mi carrera. Al principio no entendía muy bien la estrategia de generar tanto revuelo desde un año antes, pero ahora veo todo el esfuerzo que está haciendo Amazon y estoy muy agradecida por la campaña.
¿Te imaginas el impacto que podría tener esta serie en tu carrera?
La verdad es que no tengo ni idea. Mucha gente nos dice que puede ser algo muy grande o un parteaguas, pero hay muchos factores para que algo funcione. Ya vi varios episodios y confío mucho en el producto, pero realmente no sé qué va a pasar. Espero lo mejor, pero tampoco puedo asumir desde ahora que será algo enorme.
¿Eras fan del título?
Sí, soy muy fan de la versión estadounidense, la de Michael Scott. ¿Cómo fue construir tu personaje sin caer en la tentación de copiar lo que ya existe en otras versiones?
Cuando llega el casting de una adaptación, lo primero que haces es ver la versión original para entender qué están buscando. Pero desde el casting nos dijeron algo muy claro: “No copien otras versiones, hagan su propia idea”. Entonces lo que hice fue preguntarme cómo abordaría este personaje si fuera un proyecto completamente original. Intenté leer la escena sin imaginarme otras referencias y preguntarme simplemente ¿quién es esta persona? Además, los directores nos ayudaron mucho durante los ensayos y en el set. Hacíamos muchas actividades para descubrir qué hacía diferente a Sofi respecto a personajes similares de otras versiones.
¿Te preocupa que este personaje pueda marcar demasiado tu carrera?
La verdad, me encantaría que pasara eso. Sería el mejor escenario. Si llega a suceder, lo difícil será salir de ese papel después, pero sería un “problema feliz”. Al final también depende mucho del actor decidir qué proyectos toma después para construir otros caminos.
¿Cómo recuerdas tu primer día en el set?
Fue un día que funcionó como ensayo, pero ya con vestuario, maquillaje y luces… todo listo. Nos metieron al salón de juntas y, claro, yo tenía muy presente el referente de la versión estadounidense. De pronto me parecía irreal estar viviendo eso. Me sentía muy afortunada y pensaba: “Por favor, no te muevas porque igual te despiertas”.
Tus compañeros han contado que grabar la serie era muy divertido. ¿Hubo muchas tomas arruinadas por las risas?
Muchísimas. Creo que nunca había estado en un set donde fuera tan difícil aguantarse la risa. Además dejaban improvisar mucho. No era que supieras exactamente cuál sería el chiste porque lo habías leído en el guion. De pronto alguien decía algo inesperado y era imposible no reírse.
El formato de falso documental permite romper la cuarta pared. ¿Cómo fue para ti esa experiencia?
Fue muy interesante. Mi personaje no es el que hace los chistes, sino el que reacciona a comentarios muy incómodos o “funables”. En esos momentos, la mirada a la cámara se vuelve clave, porque el chiste no está en lo que se dice, sino en la reacción ante esas barbaridades. Para mí fue un espacio de mucha libertad creativa. Incluso tenías que construir una relación con el equipo detrás de cámara para que entendieran cuándo tu personaje volteaba a verlos y qué significaba esa mirada.
Hoy existe un ambiente muy sensible con ciertos temas. ¿Hubo autocensura al trabajar el humor de la serie?
Fue una conversación constante. Creo que también es importante mostrar que existen personajes que hacen comentarios misóginos, racistas o clasistas, porque esas personas existen en la vida real. La pregunta que siempre nos hacíamos era: ¿de qué nos estamos riendo? Era importante dejar claro que el chiste no es la discriminación, sino lo absurdo de quien hace esos comentarios. En algunos momentos sí nos detuvimos a hablarlo con los directores y con el equipo para asegurarnos de que el humor se entendiera correctamente.
EL MANIPULADOR DE MENTES UNA
Por Rodrigo Araiza P. Fotos: Carlos Alvar
La magia no siempre sale como se planea, y ahí es donde comienza la verdadera comedia. Eso es precisamente lo que propone El Manipulador de Mentes: Una noche de ilusión trágica.
La puesta marca el debut internacional en México de esta celebrada comedia creada por la compañía británica Mischief Theatre. Producida por Próspero Teatro, Camilla Brett y el director Jerónimo Best, llega por primera vez fuera de sus producciones originales de Londres y Nueva York.
Un mentalista que no siempre acierta
Creada en 2022 como un spin-off del espectáculo Magic Goes Wrong, la obra pone en el centro al personaje del Manipulador de Mentes, un mentalista ambicioso que está convencido de que sería el mejor del mundo si el público no arruinara constantemente su sthow.
El montaje funciona como una especie de oda al fracaso hilarante: un mago desesperado y sus asistentes intentan dejar al público boquiabierto a toda costa, aunque el resultado termine siendo una cadena de ilusiones fallidas, errores calculados y situaciones impredecibles donde el humor físico, la magia y el caos escénico se mezclan con el estilo característico de Mischief.
“La comedia de Mischief tiene una raíz muy clara en la comedia física y el clown, pero también en el humor verbal. Y aquí se suma el elemento de la magia, que genera un tipo de asombro muy particular”, explica Best.
Ese asombro es parte del encanto del espectáculo: algunos trucos fallan estrepitosamente, mientras que otros funcionan tan bien que dejan al público preguntándose cómo se lograron.
NOCHE DE ILUSIÓN TRÁGICA
La versión mexicana
La adaptación que se presenta en México cuenta con un elenco integrado por Daniel Haddad, Daniel Ortiz y Miguel Tercero.
La dirección residente y la traducción al español están a cargo de Best, quien asegura que el humor de la obra conecta con el público porque el protagonista es profundamente humano.
“Es un personaje del que podemos reírnos mucho, sobre todo por su vulnerabilidad. Está convencido de que el problema de su show es el público, no él. Ese mecanismo de defensa lo vuelve muy cómico y también muy entrañable”, comenta.
Y aunque el espectáculo tiene momentos de humor irreverente, está diseñado para que lo disfruten distintas generaciones. El montaje apuesta por un humor físico y situaciones absurdas que permiten que niños, jóvenes y adultos encuentren algo con qué reírse.
“Queremos que el espectador se divierta, pero también que salga transformado de alguna manera. El teatro puede ser entretenimiento puro, pero también una experiencia que te transporte a otra realidad”, señala Best.
FUNCIONES
Centro Cultural Helénico-Teatro Helénico
Viernes, 20:00 a 22:00
Sábado, 19:00 a 21:00
Domingo, 18:00 a 20:00
Hasta el 29 de marzo
FE Y CAOS EN COMEDIA MUSICAL
SORPRESAS A-MÉN
Por Rodrigo Araiza P.
La comedia musical Sorpresas A-mén , escrita por Dan Goggin, reúne a un elenco integrado por Juan Torres, Eduardo Ibarra, Enrique Maddox, Óscar Acosta y Ricardo Díaz, quienes dan vida a una peculiar congregación de religiosas que enfrentan una misión tan inesperada como divertida.
La historia sigue a las monjas de San-Tito, quienes deben organizar un festival para recaudar fondos con un objetivo urgente: dar sepultura a cuatro hermanas que fallecieron tras un envenenamiento masivo. A partir de esta premisa, el espectáculo se convierte en una cadena de situaciones absurdas, números musicales y enredos que mantienen al público entre la sorpresa y la risa.
“Estoy muy emocionado de que el público se divierta. No tienes una idea de lo mucho que me gusta que el público se la pase bien”, comenta el actor Ricardo Díaz. “Soy partidario de que la gente vaya al teatro a ver cosas que la despejen, que la inspiren y que salga diciendo: ‘Qué padre esto que fui a ver’”.
La trama, explica, “trata de un grupo de monjas que organizan un festival para recaudar fondos porque se les murieron cuatro hermanas envenenadas con una sopa de mariscos. Les prestan el teatro y ellas improvisan el espectáculo con lo que tienen a la mano. Hacen, literalmente, lo que Dios les da a entender para sacarlo adelante”.
Uno de los elementos más llamativos del montaje es que los personajes son interpretados por actores hombres. Sin embargo, el enfoque no busca la parodia. “No estamos interpretando a cinco mujeres ni hablando como mujeres”, resalta Díaz. “Somos cinco actores interpretando a cinco monjas. Eso es lo que lo vuelve divertido. No es una burla hacia las monjas ni tampoco un show drag”.
El actor y director señala que la clave del humor está en el timing y en la reacción del público. “Disfruto mucho tratar de entender dónde se ríe la gente, dónde hay que esperar y dónde se identifican. Hay mucha comedia y manejar ese timing es complicado, pero también es muy divertido”.
Destaca que la obra está pensada para todo tipo de espectadores. “Es un show para toda la familia. Es un humor fino donde no hay vulgaridades, pero sí muchas risas”, asegura. “La premisa es muy simpática: ver a cinco monjas en aprietos armando un showcito, cantando y bailando como Dios les dio a entender”.
FUNCIONES
Teatro Hidalgo Viernes, 20:30 Sábado, 18:00 y 20:30
Domingo, 18:00
“LA ACTUACIÓN VIENE DESPUÉS. PRIMERO ESTÁ LO HUMANO”
“La actuación es un espacio donde la gente se permite ser rara, diferente”
Por Rodrigo Araiza P. Fotos: Edu Cortés
Con una trayectoria que transita entre el teatro, el cine y la televisión, Adriana Llabrés ha construido una carrera guiada por la curiosidad y la búsqueda de historias que abran conversaciones.
Ganadora del Premio Ariel a Mejor Actriz, Adriana siempre tuvo clara su vocación actoral. Elegir este camino fue sencillo gracias a la influencia de su mamá, que la puso en contacto con el teatro y la ópera a temprana edad.
Convertida en una actriz y productora, Llabrés siempre encuentra el modo de contar historias, de saciar su creatividad y provocar emociones en todo aquel que ve su trabajo. Tal y como sucede con su proyecto más reciente: Psicópata: El asesino del conejo blanco.
¿Cómo descubriste tu vocación actoral?
Mi mamá siempre me llevaba al teatro y a la ópera. Creo que mi relación con el arte está muy vinculada a ella y a esa forma de apreciar la vida. Hace no mucho, un director con el que trabajé dijo algo que se me quedó muy grabado: que somos el sueño de nuestros abuelos, lo que a ellos les hubiera gustado hacer. A mi abuela le habría encantado ser actriz, pero en su época era algo muy mal visto. Entonces creo que hay algo familiar en todo esto. Recuerdo que cuando tenía 10 años vi El fantasma de la ópera en Nueva York y me conmovió muchísimo. Sentí algo muy profundo y pensé: “Esto es lo que quiero hacer cuando sea grande. Esto que estoy sintiendo es lo que quiero provocar en otras personas”.
¿Siempre tuviste claro que querías dedicarte a la actuación?
Intenté interesarme en otras cosas porque se decía mucho que era una carrera muy complicada. No sólo por la incertidumbre económica, sino porque había muchos abusos en la industria. A mi mamá eso le preocupaba mucho. Estuve muy cerca de estudiar psiquiatría. Pero un día, en el tráfico, mi mamá me preguntó: “Si pudieras poner a tus actores favoritos en una película, ¿a quién elegirías?”. Le dije: Alan Rickman, Gary Oldman… creo que también mencioné a Gael García Bernal. Entonces me preguntó qué tenían en común y me di cuenta de que todos habían estudiado en Londres. Me dijo: “¿Por qué no investigas escuelas?”. Ese era su estilo: no me iba a cortar las alas, pero tampoco iba a organizarlo por mí. Cuatro días después le llevé toda la información que había encontrado. A los seis meses ya estaba en Londres estudiando actuación.
Después de tantos años en la profesión, ¿alguna vez has dudado de haber elegido el camino correcto?
No respecto a actuar, pero sí respecto a qué proyectos quiero hacer. Hubo un momento muy claro cuando me sacaron de una película porque “no era suficientemente famosa”. Fue doloroso porque de pronto te enfrentas con la parte industrial de este trabajo. Recuerdo que estaba con mi familia en Mérida en Año Nuevo y me puse a llorar. Mi hermana me preguntó si el proyecto era realmente importante para mí. Le dije que no tanto. Entonces me preguntó por qué lloraba. Y ahí entendí algo: no quería sufrir esta carrera.
La actuación implica enfrentarse constantemente al rechazo. ¿Cómo desarrollaste esa “piel gruesa”?
Creo que con el tiempo se fortalece. Duele, sobre todo, cuando ya estás muy cerca del proyecto y luego no sucede. Pero también encontré otra manera de sostener mi carrera: producir. Así hice Todo el silencio . Y también me involucro en teatro, consigo derechos, traduzco textos. Eso me da mucha tranquilidad porque sé que no me voy a quedar sin trabajo ni sin contar las historias que quiero contar.
¿Qué encuentras en la actuación que no existe en otros ámbitos?
La actuación es un espacio donde la gente se permite ser rara, diferente. Nos une el amor por el arte y por abrir conversaciones a través de las historias. Hay una libertad muy particular en este medio, una sensación de que podemos cuestionar las cosas y pensar cómo podría ser el mundo de otra manera.
¿Te sientes más cómoda en el teatro, el cine o la televisión?
El teatro tiene algo muy especial porque existe un diálogo inmediato con el público. Estás escuchando cómo la audiencia está reaccionando a lo que sucede en escena. Es una experiencia casi mágica. Sientes que hay una entidad que se forma entre quienes están en el escenario y quienes están en la sala. El cine se acerca un poco a eso cuando ves la película con público, pero es distinto. Y la televisión es otro ritmo completamente diferente: puedes hacer 30 escenas en un día y cada una exige un estado emocional distinto.
¿Has logrado las metas que te planteaste al inicio de tu carrera?
Hace poco encontré unas notas en mi teléfono donde escribía que quería producir Todo el silencio —que antes se llamaba Sonus — y ahí estaba lleno de signos de exclamación, como pidiéndole al universo que sucediera. Y sucedió. También soñaba con hacer teatro en Inglaterra. Aunque estudié allá, no había trabajado en Londres. Hace poco lo logré: hice una obra en Londres y en el festival de Edimburgo. Incluso interpretaba a una sirena, que también era un sueño mío.
¿Tienes algún mantra que guíe tu vida hoy?
Creo que mi prioridad es disfrutar la experiencia de estar en la Tierra. Y eso para mí significa estar cerca de mi familia, conectar con otras personas y contribuir de alguna manera. Si no hay conexión, si no hay comunidad, todo lo demás pierde sentido. La actuación viene después. Primero está lo humano.
VALLADOLID
Por Rodrigo Araiza P.
EL LUJO TAMBIÉN RESIDE EN LO AUTÉNTICO
Viajar nunca ha sido solo trasladarse de un punto a otro. En una época donde todo parece caber en una pantalla, la posibilidad de descubrir un destino con los sentidos sigue siendo un lujo irremplazable. Hay lugares que no se visitan: se viven, se saborean y se recorren con pausa.
México está lleno de esos rincones donde la etiqueta de “turístico” se queda corta. Espacios que son, en realidad, un mosaico de historias: en la cocina tradicional que viste las mesas, en la conversación cotidiana de su gente y en los escenarios naturales que parecen detenidos en el tiempo.
Uno de ellos se encuentra en Yucatán: Valladolid. Un destino al que se puede llegar desde Mérida o Cancún en poco más de dos horas, pero cuya esencia exige quedarse mucho más tiempo.
Punto de partida
Hospedarse en Valladolid no es un dilema, es una experiencia. Y Mesón del Marqués se posiciona como el punto ideal para comenzar. Instalado en una casona del siglo XVII frente a la plaza principal, este hotel combina historia, hospitalidad y una propuesta gastronómica que honra la tradición yucateca.
Aquí, el lujo no es ostentoso: es sensorial. Se percibe en cada detalle, desde la cocina del chef Elio Xicúm, que reinterpreta sabores locales con técnica contemporánea, hasta espacios como la Terraza Don Diablo, que regala una de las vistas más privilegiadas del centro.
Cuando cae la noche, el Almacén del Marqués se transforma en un refugio íntimo. Este speakeasy es el escenario perfecto para cerrar el día entre mixología de autor y una carta que dialoga entre lo clásico y lo experimental.
Mesón del Marqués no solo es hospedaje: es parte del viaje.
IMPERDIBLES
Convento de San Bernardino de Siena
El convento de San Bernardino de Siena, con su sobrio estilo franciscano e imponente estructura, resguarda siglos de memoria, desde su fundación como uno de los primeros complejos religiosos en Yucatán hasta su papel en el proceso de evangelización de los pueblos mayas.
En su interior, los detalles hablan por sí solos: murales que el tiempo ha ido desdibujando, una noria que conecta con un cenote y un retablo que remite a la riqueza del arte sacro. Cada rincón guarda una historia sin prisa. Calzada de los Frailes
Esta vía, construida en el siglo XVI, conecta el centro de Valladolid con el barrio de Sisal. Hoy es uno de los paseos más emblemáticos de la ciudad. Las fachadas coloridas, los detalles arquitectónicos rescatados y la iluminación tenue crean una atmósfera que evoca el pasado colonial. A lo largo del recorrido, boutiques, talleres artesanales, galerías y pequeños cafés invitan a detenerse, mirar y descubrir.
Iglesia de San Servacio
En pleno corazón de Valladolid se alza la iglesia de San Servacio, un edificio cuya historia es tan fascinante como compleja. Construida en el siglo XVI, su orientación actual no responde a un capricho arquitectónico, sino a un episodio histórico marcado por la violencia.
Tras el llamado Crimen de los Alcaldes en 1703 —un conflicto que incluso derramó sangre dentro del templo—, la iglesia fue parcialmente demolida y reconstruida con una nueva orientación como símbolo de castigo. Desde entonces su fachada no recibe el primer rayo del sol, convirtiéndose en un testimonio silencioso de su pasado.
Por las noches se proyecta un video mapping que reúne a locales y foráneos, que con marquesita en mano disfrutan del espectáculo de luz y sonido que narra la historia de la península de Yucatán.
