Glocal 89 | Visionarias del espacio

Visionarias del espacio

Pensamiento, materia y poder constructivo 15 arquitectas. 15 voces que están redefiniendo el gremio creativo

MUEBLES DE BAÑO

Una trilogía esencial para el baño contemporáneo: grifería, sanitario y tina que se integran a la oferta premium de la línea ESSEN. Esta propuesta se concibe como una solución integral para proyectos residenciales y comerciales, donde cada pieza responde a las exigencias de diseño, funcionalidad y durabilidad, reafirmando el compromiso con la más alta calidad y tecnología

De venta exclusiva en: Conoce los nuevos lanzamientos

Ed.89

Editora Fundadora

CEO

Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx

Coordinadora General

Caly Pérez caly.perez@glocal.mx

Directora Editorial

Martha Lydia Anaya martha@glocal.mx

Diseño Maestro Gensler México

Diseño de Edición

Sandra Montiel

Editor Jr

Manuel Pineda

Coordinadora de contenido especial Monserrat Navarro Canadilla montse.navarro@glocal.mx

Colaboradores

José Margale

Jimena Estíbaliz

Prince Lauder

Corrección de Estilo

Silvia Sánchez Flores

Consejo Editorial

Consejeros Honorarios

Gina Diez Barroso

Miguel Ángel Aragonés

Jorge Arditti

Arturo Arditti

Juan Carlos Baumgartner

Fernando Camacho Nieto

Carmen Cordera

Juan Manuel Lemus

Beata Nowicka

Carlos Pascal

Gerard Pascal

Ariel Rojo

Sagrario Saraid

Contabilidad

Víctor Villareal

Contacto glocal.mx info@glocal.mx

Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Teléfono 52(55) 5533 6818

Portada

Arte Prince Láuder @princelauder

Fotos José Margale @ josemargale

Portada

Arte Jimena Estíbaliz @ jimena.estibaliz

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C. V. Revista Bimestral junio-julio de 2026. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, Ciudad de México, México. Impresa en: Smartpress Vision, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, Del. Benito Juárez, C.P. 03910, Ciudad de México. Tel. 55 5611 7420.

La experiencia de editar desde la visión Glocal

Hay ediciones que documentan el presente. Y hay otras —más escasas— que lo interpretan, lo tensionan y lo proyectan hacia el futuro. Esta pertenece, sin duda, a la segunda categoría.

Durante los últimos meses, desde Glocal Design hemos asumido una premisa clara: construir una edición que no solo reúna voces relevantes, sino que articule una conversación compleja, diversa y profundamente contemporánea sobre el estado del diseño, la arquitectura y el interiorismo. El resultado es un número que se despliega en múltiples capas: editorial, digital, experiencial y, finalmente, coleccionable.

El eje central de esta edición es: Visionarias del Espacio. Pensamiento, materia y poder constructivo, un

especial que reúne a 15 arquitectas e interioristas que hoy están redefiniendo el panorama creativo en México. No se trata únicamente de visibilizar talento — eso sería insuficiente—, sino de entender cómo sus aproximaciones dialogan con contextos locales, culturales y materiales profundamente distintos. Aquí, la arquitectura deja de ser objeto para convertirse en pensamiento, en postura y en capacidad de transformación. Este cuerpo editorial convive con una serie de entrevistas y coberturas que trazan un mapa internacional del diseño contemporáneo: desde Salone del Mobile y el fenómeno expandido del Fuori Salone, hasta la mirada institucional de los iF Design Awards y la plataforma comercial y cultural que representa ICFF. En conjunto, estas voces no solo informan: construyen criterio, posicionan discursos y revelan hacia dónde se está moviendo realmente la industria. Pero esta edición también plantea un cambio estratégico en nuestra

manera de comunicar. Por primera vez, el contenido se activa inicialmente en el entorno digital. El 90% de las entrevistas vive, respira y se expande en nuestros canales, generando una conversación previa, abierta y en tiempo real. La revista impresa —que hoy tienes en las manos o estás por descubrir— se convierte entonces en otra cosa: un objeto de síntesis, de curaduría y de permanencia. Una pieza editorial diseñada para ser conservada. En paralelo, esta edición trasciende el formato para convertirse en experiencia. Las mesas redondas que se llevaron a cabo en el Museo Franz Mayer no son un evento complementario, son, ante todo una extensión natural del contenido: un espacio donde las ideas se confrontan, se afinan y se proyectan colectivamente. Ahí, las arquitectas de esta edición y los participantes del especial de sostenibilidad cruzaron perspectivas sobre su quehacer en un momento que entendemos como fundamental para la construcción de comunidad. A este entramado se suma una intervención artística que encapsula el espíritu de la edición: el collage realizado por Prince Lauder a partir de los retratos de las arquitectas. Más que una pieza visual, es una declaración: la suma de individualidades como fuerza colectiva, la diversidad como lenguaje y la imagen como territorio de reinterpretación. Esta edición de Glocal Design no busca respuestas definitivas. Busca algo más relevante: formular mejores preguntas, abrir nuevas líneas de pensamiento y, sobre todo, consolidar una plataforma donde el diseño no solo se observa, sino se entiende como una herramienta crítica para leer y transformar nuestro tiempo. Bienvenidos a una edición que no se limita a documentar el presente, sino que decide intervenirlo.

06 / Arte & Ferias

Salone del Mobile.Milano 2026. P.26. Mexicanos en MDW 2026. P.30. iF Design 2026. P.34. ICFF Nueva York 2026. P.42

P74.

07 / Voces

Ege Carpets. P46. Analissa Rosso. P. 50 Formafantasma. P54. Poltrona Frau. P. 58 Louis Vuitton. P. 62 Luca Nichetto. P66. Tom Dixon. P. 70 Laura

08 / Especial

Visionarias del Espacio. Pensamiento, Materia y Poder Constructivo P. 78

P172. Fernanda Rionda. P. 174 Javier Gutiérrez. P. 175

de la

/

01 / Agenda

Exposiciones artísticas imperdibles.

01.

Remedios Varo. Habitantes de lo insólito

Museo de Arte Moderno

CDMX

Hasta 5 de julio 2026

Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, primera sección, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo, CDMX

Entre pintura, bocetos y archivos personales, la muestra revela el universo simbólico de Remedios Varo, donde ciencia, misticismo e imaginación convergen en escena.

mam.inba.gob.mx

Agenda

02.

Disputar la mirada. Imaginarios visuales de las mujeres indígenas

Museo Nacional de Arte CDMX

Hasta 5 de julio 2026

Tacuba 8, Centro Histórico, Cuauhtémoc, CDMX

A partir de distintas representaciones históricas, la muestra revisa cómo se ha construido la imagen de la mujer indígena, cuestionando estereotipos y abriendo nuevas lecturas desde el arte contemporáneo.

munal.mx

03.

Relatos modernos. Obras emblemáticas de la colección Gelman Santander Museo de Arte Moderno CDMX

Hasta 19 de julio 2026

Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, primera sección, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo, CDMX

Un recorrido entre pintura y cine articula la colección Gelman, donde las obras establecen vínculos entre artistas y contextos, con Frida Kahlo como eje simbólico de lectura.

mam.inba.gob.mx

04.

Futbol y Arte: Esa misma emoción

Museo Jumex CDMX

Hasta 26 de julio 2026

Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada, Miguel Hidalgo, CDMX

Arte contemporáneo y futbol convergen en una muestra que explora su dimensión estética y social, donde imagen, identidad y comunidad se articulan desde la cultura visual global.

fundacionjumex.org

05.

El gesto y lo invisible

Museo Tamayo de Arte

Contemporáneo

CDMX

Hasta 26 de julio 2026

Paseo de la Reforma 51, primera sección, Bosque de Chapultepec, Miguel Hidalgo, CDMX

La exposición colectiva enfatiza la potencia del movimiento como acción vital y como generador de sinergia colectiva. Reúne obras de trece artistas mexicanos y extranjeros de distintas generaciones que exploran los límites entre lo visible y lo intangible, el gesto mínimo y la materialidad de la obra.

museotamayo.org

06.

Constelaciones y derivas: arte de América

Latina desde la colección

FEMSA

Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MTY

Hasta 9 de agosto 2026

Juan Zuazua y Padre Raymundo Jardón, Centro, Monterrey, N.L.

La Colección FEMSA se despliega como un mapa en movimiento: obras que trazan relaciones entre territorio, historia e identidad en la construcción del arte latinoamericano.

marco.org.mx

07.

Futbol: Diseñando una pasión

Museo Franz Mayer CDMX

Hasta 16 de agosto 2026

Av. Hidalgo 45, Centro Histórico, Cuauhtémoc, CDMX

Entre balones, grá ca y archivo, la exposición activa la memoria del futbol como lenguaje visual, donde el diseño articula emoción, identidad y territorio.

franzmayer.org.mx

08.

Biodiseño MX: Territorios vivos

Museo Franz Mayer CDMX

Hasta 11 de octubre 2026

Av. Hidalgo 45, Centro Histórico, Cuauhtémoc, CDMX

Una muestra que explora el biodiseño desde el Sur global, integrando organismos vivos, tecnología y conocimiento ancestral para replantear la relación entre diseño, sostenibilidad y entorno.

franzmayer.org.mx

El empuje de estar Northjuntos:America Night 2026

En Masse: la noche en que la comunidad global de diseño se reunió en Milán.

Mientras las calles de Milán se animaban con la energía de una de las semanas más in uyentes para la industria creativa global, un grupo muy nutrido de diseñadores, arquitectos, creativos y líderes de opinión cruzaba las puertas del histórico Palazzo Litta en el Centro Histórico de la ciudad para compartir algo más que una celebración.

Entre charlas que se mezclaban en distintos idiomas, instalaciones inmersivas y encuentros inesperados, la cuarta edición de North America Night convirtió una discreta noche de Milan Design Week en una experiencia colectiva donde las conexiones humanas ocuparon el centro de la escena. Bajo el concepto En Masse, Novità Communications reunió a más de 700 invitados para rendir homenaje al poder de crear, pensar y celebrar juntos.

La cuarta edición del encuentro tuvo lugar en el histórico Teatro Litta, el teatro en activo más antiguo de Milán, un escenario cargado de simbolismo para una noche dedicada a celebrar el poder de la creatividad colectiva. Inspirado en la expresión francesa que signi ca «todos juntos», el tema de este año invitó a re exionar sobre la importancia de la colaboración, el intercambio de ideas y las relaciones que continúan dando forma al ecosistema global del diseño.

Desde su creación, North America Night se ha consolidado como una de las citas más esperadas de la semana del diseño, reuniendo a arquitectos, diseñadores, marcas, medios de comunicación y líderes de opinión provenientes de distintas partes del mundo. Más que una esta, el evento funciona como una plataforma donde convergen disciplinas, culturas y perspectivas diversas, generando conversaciones que muchas veces se convierten en futuras colaboraciones.

La experiencia de 2026 fue concebida por el diseñador Mzwakhe «Muzi» Ndlovu, el creativo y curador Giona Maiarelli y la escritora Amélie Alexandre, quienes desarrollaron una propuesta inmersiva centrada en conceptos como el ritmo compartido, el sentido de comunidad y la celebración colectiva. A través de intervenciones visuales, elementos poéticos y una destacada presentación del colectivo de danza Collettivo Emae, los asistentes fueron invitados a participar de una narrativa común en la que el diseño se entendió como una herramienta para conectar personas.

La atmósfera del evento se extendió más allá de la programación artística. En los distintos espacios del teatro, los invitados disfrutaron de una cuidada selección gastronómica que incluyó gelato artesanal, panes elaborados por Ambrogia Bakery y especialidades tradicionales italianas.

La edición de este año tuvo además un signi cado especial para Novità Communications, pues el equipo está celebrando su 30 Aniversario en 2026. Fundada por Chris Abbate, la agencia se ha consolidado como una de las rmas de comunicación más in uyentes dentro de las industrias del diseño, la arquitectura y la cultura, construyendo puentes entre marcas, instituciones y líderes creativos a nivel internacional.

En una semana marcada por lanzamientos, tendencias e innovación, En Masse recordó que el verdadero valor del diseño reside en su capacidad para reunir personas, generar diálogo y construir comunidad. Un mensaje que resonó con fuerza entre los invitados y que con rma el papel de North America Night como uno de los encuentros más relevantes y auténticos de la escena global del diseño.

novitapr.com

03 /

showroom La comoplatahilo narrativo de identidad

Fotos Jaime Navarro Soto

Pocas marcas en México han construido una relación tan profunda con un material, como TANE con la plata. Con más de ocho décadas de historia, la rma ha transformado el o cio en un lenguaje propio, reconocible y atemporal. Sin embargo, ese universo material necesitaba un espacio que tradujera su solidez en una experiencia arquitectónica coherente con el lujo contemporáneo. A partir de este reto, MATERIA + Gustavo Carmona desarrolló un nuevo concepto de marca que reinterpreta el legado de la rma desde la arquitectura interior. El objetivo no fue representar lo mexicano de forma literal, sino construir una identidad sutil, precisa y enraizada en su contexto, elevando la experiencia hacia el discurso de alto lujo internacional.

A través de una estrategia precisa de atmósferas, materiales y recorridos, este showroom articula pasado y futuro en una misma continuidad, situando a TANE dentro del discurso del lujo global, sin perder su raíz artesanal.

El espacio gira en torno al «Corazón TANE», una pieza central que organiza el recorrido y articula la narrativa. Este elemento funciona como núcleo simbólico donde convergen colecciones e historia. Su materialidad narra un proceso: parte de una base pétrea que evoca el origen mineral de la plata, atraviesa el rojo emblemático de la marca y asciende hacia una luminosidad metálica que sugiere su estado más puro. La experiencia espacial se construye entre densidad y ligereza. Piedra, concreto y madera establecen una base táctil y contenida, mientras la luz modela los límites y guía la mirada. La plata no aparece solo como objeto, sino como idea rectora que estructura todo el discurso del proyecto.

En esta narrativa, el «Marco Legado» se vuelve clave: una vitrina inspirada en la placa original de TANE Orfebre de 1942, que resigni ca la historia de la marca y la proyecta hacia nuevos contextos. Más que un elemento expositivo, actúa como puente entre memoria y contemporaneidad. El recorrido invita a la pausa. La iluminación calibrada y la disposición de las piezas transforman la visita en una experiencia sensorial y contemplativa. En ciertos momentos, el espacio adquiere una sonomía museográ ca, donde la joyería trasciende su capacidad comercial para convertirse en objeto de observación.

Finalmente, el proyecto establece una diferencia primordial entre joyería y orfebrería a través del Estudio TANE, un espacio de escala íntima que evoca lo doméstico y la idea de colección personal. Con ello, la marca se inserta en el lenguaje del lujo contemporáneo sin perder su origen, proyectando un cambio natural hacia el futuro.

materiarq.com tane.com

/Nuevos talentos Narrar el mundo a través de imágenes

Texto Martha Lydia Anaya

Aunque Jimena Estíbaliz suele de nirse simplemente como ilustradora y dibujante —y a veces artista—, su trabajo ha ido mucho más allá de las etiquetas. A lo largo de los últimos años ha desarrollado un lenguaje grá co propio que le ha permitido transitar con naturalidad entre proyectos culturales, editoriales, comerciales y musicales, siempre con una intención clara: generar una conexión genuina con quien observa su obra.

Formada en Diseño y Comunicación

Visual por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, Jimena encontró en la ilustración un espacio donde podía unir narrativa, sensibilidad y experimentación técnica. Desde nales de 2017 trabaja de manera independiente desarrollando proyectos ilustrados y de diseño grá co que exploran distintos formatos y posibilidades visuales. En todos ellos existe un hilo conductor: la metáfora como herramienta para interpretar la realidad.

«Lo que más me apasiona de mi trabajo es la posibilidad de traducir emociones, ideas o conceptos complejos en imágenes que puedan sentirse cercanas y abiertas a distintas interpretaciones», comparte. «Me interesa mucho trabajar desde la metáfora y construir narrativas visuales que no sean literales, sino que permitan que cada persona conecte desde su propia experiencia. También disfruto mucho el proceso de investigación y observación que hay detrás de cada pieza.»

Algunos artistas dibujan escenas y otros logran construir universos completos. Para Jimena Estíbaliz, cada ilustración funciona como una conversación silenciosa entre lo cotidiano, la emoción y la metáfora visual.

Su trayectoria incluye colaboraciones con instituciones y medios como la Secretaría de Cultura, la Secretaría de Educación Pública, Penguin Random House, Letras Libres, El Washington Post y No Depression Magazine. También ha trabajado con marcas como Nike, C&A, Clase Azul y The Service Course, además de participar en diversos proyectos vinculados con la música. Pero más allá de los nombres y reconocimientos, el camino de Jimena comenzó mucho antes de publicar o exponer. «Dibujar —cuenta— siempre fue parte de mi vida. Durante la universidad decidí especializarme en ilustración y más tarde trabajé como asistente del ilustrador Juan Palomino, experiencia que terminó por ampliar mi visión sobre las posibilidades narrativas del dibujo.»

Con el tiempo, el trabajo de Jimena ha evolucionado de manera natural. Si en sus inicios predominaban las referencias externas, hoy sus imágenes hablan más claramente de ella misma. Su estilo se caracteriza por la exploración de herramientas análogas y digitales, el uso de texturas y color, y una mirada sensible hacia escenas cotidianas transformadas en símbolos y metáforas visuales.

Para la portada Num. 89 de Glocal Design, Jimena buscó construir una imagen que dialogara tanto con la individualidad como con la fuerza de lo colectivo. «El reto principal fue construir una imagen que hablara del trabajo individual y personal de las mujeres, pero también de la fuerza que existe

en lo colectivo», explica. «Decidí trabajar una misma gura femenina repetida varias veces, variando únicamente los colores, para crear una composición que transmitiera comunidad y acompañamiento.»

La estructura visual de la portada también retoma elementos característicos de su lenguaje grá co. «Como en mi trabajo utilizo muchos elementos geométricos, pensé la imagen casi como una estructura sólida donde cada mujer embona con las demás y ayuda a sostener el conjunto», señala. Hoy, Jimena continúa expandiendo su práctica artística hacia nuevos formatos. Aunque la ilustración editorial sigue siendo parte esencial de su trabajo, también explora disciplinas como la pintura, el grabado y la dirección de arte. «A largo plazo, me gustaría seguir construyendo una práctica artística cada vez más libre y sólida, donde puedan convivir la ilustración, la pintura, la dirección de arte y proyectos más personales”, comenta.

También le interesa desarrollar proyectos que conecten con temas culturales y humanos desde un lugar sensible y experimental, además de seguir colaborando con personas y espacios que valoren los procesos creativos y la exploración visual. Para ella, salir de su zona de confort signi ca mantener viva la curiosidad que impulsó todo desde el inicio: encontrar nuevas maneras de contar historias a través de las imágenes.

@jimena.estibaliz

En esta portada, Jimena Estíbaliz traslada su característico estilo gráfico a una composición donde la geometría no es solo estética, sino funcional. Al concebir la imagen como una «estructura sólida», la artista logra que las figuras femeninas dejen de ser elementos aislados para convertirse en piezas que embonan perfectamente entre sí.

Del Librero

Explora la arquitectura desde una mirada femenina con estos títulos que muestran cómo muchas mujeres no solo diseñan espacios, sino que también impulsan cambios sociales, culturales y profesionales.

Interiorismo

Covadonga Hernández

AM Editores Diseño en femenino. México presente

Ana Elena Mallet y Pilar Obeso

100 Women: Architects in Practice

Harriet Harriss, Naomi House, Monika Parrinder y Tom Ravenscroft

La cerámica de alta temperatura y su diseño a través del tiempo

Laura Ledesma Álvarez del Castillo

En Interiorismo, Covadonga Hernández comparte una mirada donde sensibilidad, intuición y precisión de nen la manera de habitar. A través de espacios pensados para acompañar los ciclos de vida, la diseñadora construye atmósferas serenas y atemporales, en las que arquitectura, diseño y arte encuentran un equilibrio sutil, profundo y lleno de signi cado.

Este volumen recorre cuatro generaciones de diseñadoras en México, trazando una lectura que entrelaza trayectorias, posturas y redes profesionales. A través de más de cien voces, el libro amplía la comprensión del diseño desde un enfoque de género y visibiliza aportaciones que han de nido —y siguen transformando— el panorama contemporáneo.

Este libro reúne el trabajo de 100 arquitectas de 78 países, trazando una cartografía contemporánea de la práctica global. A través de entrevistas y proyectos, la obra visibiliza tanto guras consolidadas como otras voces emergentes, articulando una lectura amplia sobre diversidad, contexto y ejercicio profesional desde distintas latitudes.

Un recorrido histórico por la evolución de la cerámica de alta temperatura, desde sus orígenes en el Neolítico hasta sus aplicaciones contemporáneas. De Oriente a Europa y Mesoamérica, explora cómo los avances técnicos y materiales transformaron su producción. También revela su vigencia en el siglo XXI, donde sus propiedades la posicionan como un material clave en el diseño.

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Cuentas que nos inspiran: una selección de perfiles de arte, arte objeto, arquitectura y fotografía que despiertan la creatividad.

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Soundtrack

Mariana Valero

Fundadora y directora de AMASS &

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Cosentino Materia y calidez en equilibrio

La propuesta de Cosentino va más allá de lo visual. Amazonik y Nomak permiten construir cocinas y baños donde la materia acompaña la vida diaria con naturalidad, combinando calidez y serenidad. Una visión donde el diseño no solo se observa, sino que se experimenta a lo largo del tiempo.

Amazonik y Nomak, de Cosentino, redenen el diseño interior con super cies que combinan resistencia, estética atemporal y una nueva sensibilidad: desde la calidez orgánica de la madera reinterpretada hasta la serenidad de una paleta que privilegia la armonía visual.

En el universo del diseño contemporáneo, las super cies han dejado de ser un elemento secundario para convertirse en protagonistas. Con Amazonik y Nomak, dentro de la línea Dekton, la materia adquiere un nuevo lenguaje que equilibra estética, innovación y durabilidad en espacios como cocinas y baños.

Amazonik: calidez de la madera, reinterpretada

Amazonik traduce la esencia de la madera a una super cie de alto rendimiento que mantiene su riqueza visual intacta. Vetados, nudos y texturas se recrean con precisión para generar atmósferas acogedoras sin renunciar a la resistencia que demandan los espacios de uso intensivo.

En cocinas, su aplicación en encimeras, islas y salpicaderos permite crear ambientes cálidos que contrastan con electrodomésticos y acabados más técnicos, sin preocuparse por humedad, manchas o calor. También funciona en suelos, donde los formatos tipo listón reproducen la percepción de la madera natural con una durabilidad superior, ideal para zonas de alto tránsito.

En baños, Amazonik aporta una sensación de spa al integrarse en revestimientos, muebles de lavabo o incluso zonas de ducha, donde la estética orgánica se combina con una super cie que no requiere mantenimiento constante. Tonos como Kedar y Zira permiten jugar con la luz y la amplitud, adaptándose tanto a espacios íntimos como a propuestas más abiertas.

Nomak: estética de la calma

En contraste, Nomak apuesta por una narrativa más silenciosa. Sus vetas sutiles y su paleta contenida construyen espacios donde predomina la armonía visual. Diseñada para grandes super cies, esta colección responde a una tendencia clara: interiores que uyen sin interrupciones, donde cada elemento se integra con naturalidad.

En cocinas, Nomak se convierte en una base perfecta para lograr continuidad visual en encimeras, muros y pisos, creando composiciones limpias y so sticadas. Sus tonos claros y grises suaves ampli can la luz natural, favoreciendo espacios abiertos y ordenados, donde la estética minimalista cobra protagonismo.

En baños, su capacidad para uni car planos permite diseñar ambientes relajantes y elegantes, desde lavabos integrados hasta muros completos y regaderas. EVOK, KEENA y THALA funcionan como un lienzo que aporta serenidad, ideal para proyectos donde se busca una atmósfera de bienestar sin estridencias.

cosentino.com

Más allá de su propuesta estética, ambas colecciones (Amazonik y Nomak) las convierte en soluciones ideales para espacios donde la funcionalidad es tan importante como el diseño.

Arquitectura distraída

La visita del arquitecto chileno Smiljan Radi ć Clarke a la UNAM, tras recibir el Premio Pritzker en el Castillo de Chapultepec, deja una reflexión profunda sobre el sentido contemporáneo de la arquitectura.

Por Dra. Mónica Cejudo Collera, directora de la Facultad de Arquitectura (FA) de la UNAM.

«Las ideas habitan las cosas, siempre he intentado crear entornos donde otros puedan descubrir ideas emergentes».

—Smiljan Radić Clarke.

El arquitecto chileno Smiljan Radić Clarke, Premio Pritzker 2026, fue galardonado en el Castillo de Chapultepec de la Ciudad de México y posteriormente presentó la conferencia titulada: Arquitectura distraída en el Auditorio Estefanía Chávez Barragán de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

El jurado del premio apuntó que «describir con palabras las cualidades de su obra arquitectónica resulta intrínsecamente difícil, pues en sus diseños trabaja con dimensiones de la experiencia que son inmediatamente palpables pero que escapan a la verbalización, como la percepción del tiempo mismo».

Radić pertenece a una generación de arquitectos chilenos cuya presencia tuvo proyección global. Cuando describe sus obras suele hablar de las ideas alrededor del ejercicio proyectual, siendo valioso el aprendizaje que se nutre de otras disciplinas y colegas entre lósofos, matemáticos, diseñadores y escultores. Con motivo de la entrega del Pritzker, en la Facultad de Arquitectura presentó una narrativa de grá ca de ideas con base en el discurso de la ceremonia y, además, sumó una bitácora de viaje con fotografías y aforismos que retrataron su intrínseca vocación por la curiosidad para diseñar.

Ante más de 400 invitados entre comunidad docente y estudiantil, así como con la presencia de los miembros del jurado, integrado por Alejandro Aravena, Barry Bergdoll, Deborah Clarke, André Arancha, Anne Lacaron, Hashim Sarkins y Kazuyo Sejima, así como de Francis Kéré y Liu Jakium, el arquitecto chileno realizó una presentación muy singular.

El martes 3 de junio de 1980, el arquitecto Luis Barragán Morfín envió su discurso para ser leído en la ceremonia del Premio Pritzker de ese año. Barragán es el único mexicano que ha sido distinguido con este valioso galardón, y en ese entonces, re rió lo siguiente: «Tengo plena conciencia que el premio que se me otorga es un acto de reconocimiento de la universalidad de la cultura y, en particular, de la cultura de mi patria. Pero como nunca nadie se debe todo a sí mismo, sería mezquino no recordar en este momento la colaboración, la ayuda y el estímulo que he recibido a lo largo de mi vida por parte de colegas, dibujantes, fotógrafos, escritores, periodistas y personales amigos que han tenido la bondad de interesarse en mis trabajos».

Barragán enviaría una serie de pensamientos para expresar la ideología de su trabajo con base en 11 principios muy signi cativos en su obra: religión y mito; belleza; silencio; soledad; serenidad; alegría; muerte; jardines; fuentes; arquitectura; el arte de ver y la nostalgia.

Cuarenta y seis años después, el arquitecto chileno ahora Premio Pritzker, compartió un ideario de pensamientos lleno de signi cados y a nidades electivas despertando la emoción, curiosidad, crítica y reexión más allá del estudio del objeto arquitectónico.

Al igual que su arquitectura, las capas de la vida de Smiljan Radić conforman una historia de nomadismo. Nacido en Santiago de Chile, en el seno de una familia inmigrante proveniente de Croacia y el Reino Unido, Radić creó sus propias raíces para explorar la libertad.

«Para limpiar un armario debemos convertirlo en ruina. La ruina es necesaria para demostrar al otro que aquí ha ocurrido algo. Es lo extremo necesario para la nueva construcción» dice Radić en Cada tanto aparece un perro que habla y otros ensayos (2018). Smiljan no sólo reconstruyó su trayectoria profesional sino una vida de aprendizajes e inspiraciones. Agradeció momentos, lugares, arquitecturas, afectos y compañías.

Relató su primer viaje a México en los años noventa para una conferencia en Querétaro y recordó su primera visita a la Casa Estudio de Luis Barragán destacando la materialidad y presencia de los jarrones de barro que se apropian del patio: «Al recuerdo de unas vasijas hinchadas como peces globos, ahogadas en el agua turbia de una pileta a ras de suelo en la casa de Barragán en Ciudad de México en 1998».

«La arquitectura existe entre formas grandes, macizas y perdurables —estructuras que permanecen bajo el sol durante siglos, esperando nuestra visita— y construcciones más pequeñas y frágiles —efímeras como la vida de una mosca, a menudo sin un destino claro bajo la luz convencional. Dentro de esta tensión de tiempos dispares, nos esforzamos por crear experiencias que transmitan una profunda emoción, animando a las personas a detenerse y reconsiderar un mundo que con tanta frecuencia pasa de largo sin que les dé cuenta», señala el galardonado. Es la primera vez que México recibe la conferencia del recién galardonado con el Premio Pritzker con la presencia de seis arquitectos premiados anteriormente con la mayor distinción para la arquitectura en el mundo. Entre colegas, profesores y estudiantes, compartimos el orgullo y emoción desde la Facultad de Arquitectura. ¡Felicidades Smiljan Radić!

arquitectura.unam.mx unam.mx

/Arte & Ferias

¿Qué desvela el diseño en Milán?

No todo en la Milan Design Week se captura en imágenes ni se resume en tendencias. La experiencia real se filtra entre lo impresionante y aquello que todavía logra quebrar la superficie. Más allá de los objetos pulidos y las fotografías impecables, este recorrido por el Salone del Mobile.Milano 2026 y el Fuorisalone se detiene en esas grietas donde el diseño aún conserva capacidad de sorpresa.

Texto y crónica de cobertura por Greta Arcila y Martha Lydia Anaya, enviadas a Milán, Italia.

Hay ferias que se recorren con prisa y otras que se atraviesan con el cuerpo entero. Milán pertenece a la segunda categoría. Durante una semana, la ciudad se transforma en un mecanismo donde conviven industria, cultura, arquitectura efímera, redes sociales y estrategias globales de posicionamiento de marketing.

La edición 2026 del Salone del Mobile. Milano reunió a 316,342 visitantes provenientes de 167 países y más de 1,900 marcas de 32 naciones. Las cifras no solo con rman la dimensión global del evento: evidencian cómo el diseño contemporáneo se ha convertido en una herramienta cultural y económica capaz de conectar industrias enteras.

Sin embargo, lo más interesante ocurre en la tensión constante entre el Salone y el Fuorisalone. Mientras el primero continúa funcionando como la gran estructura internacional del negocio del diseño —el lugar donde suceden alianzas, negociaciones y decisiones estratégicas para la industria del mobiliario—, el Fuorisalone opera desde otra lógica: la de la experiencia inmediata, cultural y emocional.

La ciudad completa se convierte en una escenografía expandida. Patios renacentistas, galerías, edi cios históricos y espacios industriales alojan instalaciones inmersivas, activaciones efímeras y experiencias diseñadas para circular instantáneamente en el ecosistema digital. El visitante también cambió. Antes, Milán era recorrida principalmente por arquitectos, fabricantes y prensa especializada. Hoy conviven también creadores de contenido, turistas culturales y nuevas audiencias acostumbradas a consumir diseño a través de imágenes que duran apenas segundos en una pantalla. A medida que uno avanza entre pabellones y distritos —de Fiera Milano Rho a Brera, Tortona o Alcova— la acumulación de formas, colores y conceptos comienza a convertirse en una especie de ruido blanco visual. Todo parece cuidadosamente distinto, aunque al mismo tiempo familiar. Curvas orgánicas, tonos terrosos, materiales táctiles y referencias artesanales reaparecen una y otra vez hasta construir un lenguaje colectivo reconocible.

Entre los puntos más destacados de esta edición 2026 apareció Metamorphosis in Motion, la instalación de la arquitecta Lina Ghotmeh para el Palazzo Litta, concebida como un laberinto sensorial donde arquitectura histórica y transformación dialogaban a través del movimiento. En Palazzo Serbelloni, Louis Vuitton presentó Objets Nomades, una intervención inmersiva inspirada en el legado Art Déco de Pierre Legrain. Mientras tanto, L’Appartamento by Artemest reinterpretó la tradición artesanal italiana desde el interiorismo contemporáneo.

También destacaron propuestas como Ooooh, that’s EpiQ!, presentada por Škoda y Ricardo Orts en Palazzo del Senato, o When Apricots Blossom, una monumental yurta deconstruida instalada en Palazzo Citterio para re exionar sobre sostenibilidad y sequía.

Fuera de los circuitos más visibles apareció otro ritmo. En Alcova —que este año regresó a Milán retomando espacios como el antiguo Hospital Militar de Baggio y Villa Pestarini— el diseño recuperó parte de su esencia experimental. Materiales en estado crudo, procesos abiertos y prototipos alejados de la perfección comercial devolvían al diseño algo de búsqueda genuina.

Pero quizá una de las transformaciones más interesantes fue emocional. Este año muchos espacios parecían alejarse del exceso visual para construir una belleza mucho más silenciosa. El booth de B&B Italia diseñado por Formafantasma obligaba a desacelerar la mirada: la arquitectura no competía con las piezas, las acompañaba. Algo similar sucedía con el trabajo de Sabine Marcelis, cuyas piezas exploraban

En medio de una época dominada por la hiperestimulación digital, el diseño parece estar buscando nuevamente la pausa, la atmósfera y la permanencia.

Detrás del ruido mediático, el Salone del Mobile sigue siendo el motor profesional que sostiene a la industria global del diseño.

materiales translúcidos y técnicamente complejos sin necesidad de imponerse desde el espectáculo.

Tal vez ahí se encuentre una de las re exiones más relevantes del diseño contemporáneo: las propuestas más so sticadas ya no buscan dominar visualmente, sino convivir con una elegancia contenida, casi contemplativa.

Aun así, reducir Milán a una experiencia super cial sería un error. Detrás del ruido mediático, el Salone sigue siendo el motor profesional que sostiene a la industria global del diseño. Ahí continúan produciéndose conversaciones estratégicas, vínculos comerciales y decisiones que marcarán el futuro del sector. La presencia internacional con rmó además nuevas dinámicas globales: China volvió a liderar la asistencia, mientras que países como Alemania, España, Estados Unidos y México registraron un crecimiento importante de visitantes.

La ciudad, mientras tanto, sostenía otra coreografía paralela: las interminables, calles congestionadas, agendas imposibles y una fatiga física que aparecía antes que el cansancio visual. Hubo un momento inevitable en que todo comenzó a mezclarse. Y quizá ahí reside otra de las paradojas de Milán: en su intento permanente por mostrar lo nuevo, también corre el riesgo de producir repetición.

Sin embargo, entre esa saturación todavía sobreviven momentos capaces de resistir la inercia. Un objeto discreto. Conversaciones breves con diseñadores como Luca Nichetto, Christophe Pillet, Konstantin Grcic, Yves Béjar, y So a Lagerkvist y Anna Lindgren, fundadoras de Front, entre otras voces. Un material trabajado con honestidad. Una instalación estudiantil como la de Università degli Studi di Milano. Pequeñas pausas que lograron abrir una grieta dentro del gran evento.

Porque en medio de una época dominada por la hiperestimulación digital, el diseño parece estar buscando nuevamente la pausa, la atmósfera y la permanencia. Para nosotras, esa sigue siendo la verdadera relevancia de Milán: recordarnos que, más allá de la velocidad de las imágenes y del consumo inmediato, el diseño todavía puede construir experiencias capaces de permanecer en la memoria mucho después de abandonar la pantalla.

/Arte & Ferias Diseño mexicano en clave global

Durante la Milan Design Week 2026, la participación mexicana reunió proyectos que activaron símbolos, materiales y rituales desde una mirada contemporánea.

En Milan Design Week 2026, México apareció desde una presencia plural, distribuida por distintos escenarios de la ciudad y reunida por una sensibilidad común: mirar hacia gestos cotidianos, o cios y memorias que dan forma a la cultura material. Entre pabellones, departamentos, capillas e instalaciones, cada proyecto propuso una lectura ante una audiencia internacional.

La casa abrió este recorrido en Food for Thought, instalación de IKEA sobre diseño, comida y vida cotidiana. Maye Ruiz (@mayeruz @maye_estudio) colaboró con la chef Rosio Sanchez (@sanchezrosio) en Party at Your Place, una sala doméstica inspirada en Guanajuato, el Bajío y el papel de las monjas en la cocina mexicana. Color, textura, objetos y menú compartieron raíz.

La esta tomó otra forma con Dulcería Salone, presentada en SaloneSatellite por la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño del Tecnológico de Monterrey (@eaad.tec). La colección reunió 12 objetos que reinterpretan la piñata mexicana. El gesto de descubrir dulces en cada pieza llevó la esta popular hacia una experiencia íntima y sensorial.

La materia encontró una expresión silenciosa en Manos Manus (@manos.manus) práctica con raíz en Oaxaca liderada por Diego Manzano y Andrea Perales Covarrubias. Sus piezas, también en SaloneSatellite, exploraron el pliegue, la unión y la tensión estructural como formas de escuchar al material. En ellas, la luz revela texturas y muestra cómo el cuidado se traduce en forma.

El sonido se convirtió en herramienta de diseño en The Chairs We Heard, de Marcelo Guajardo Dávila (@marcelo_guajardod), presentado con Comune + Spazio IVY. A partir de sesiones colectivas de escucha y dibujo libre, el proyecto tradujo ritmo, emoción e intensidad sonora en dos sillas in uidas por el metal y el rock progresivo.

En Fuorisalone, Fernando Laposse (@fernandolaposse) presentó Pane e Circo que se incluye en la muestra When Apricots Blossom. La pieza coloca el pan al centro de una estructura inspirada en el bazar Chorsu, el mobiliario de madera y la modularidad de las yurtas.

La memoria ancestral encontró otro lenguaje en A letter about Codices, de Balmaceda Studio (@ balmaceda_studio @josemariabalmaceda), mediante un montaje de Luis Úrculo en San Vittore. Fue una intervención site-speci c creada para la marca mexicana, cuya obra funcionó como una narrativa que convertía el espacio doméstico en un viaje a través de la casa imaginada de un arqueólogo invisible.

En Alcova, Sten Studio (@sten.studio) invitó a vivir The Wedding, una instalación escultórica inmersiva y de carácter ritual ubicada en una capilla abandonada de la Villa Pestarini. La obra, que conectó a Italia y México, combinó candelabros, formas minerales y elementos naturales preservados.

Por su parte, Chuch Estudio (@chuch_estudio) — dirigido por la diseñadora Cinthia García y basado en Mérida— destacó por su presencia en la muestra RoCollectible, donde expuso piezas centradas en el diseño con identidad, herencia, color y alegría, utilizando materiales locales. El enfoque de su colección priorizó: la ternura (traducción de «chuch» en maya).

salonemilano.it fuorisalone.it

El diseño como fuerza estratégica

En un mundo donde la tecnología avanza a un ritmo acelerado, los iF Design Award 2026 se consolidaron como un punto de encuentro global para repensar el papel del diseño como un motor de cambio y de nuevas realidades.

Crónica de cobertura por Greta Arcila y Martha Lydia Anaya, enviadas a Berlín, Alemania.

Cientos de ideas que nacieron en estudios creativos, laboratorios tecnológicos, universidades y marcas globales coincidieron en un mismo escenario para responder una pregunta cada vez más urgente: ¿qué papel juega el diseño en el mundo que estamos construyendo?

En ese estrado fueron los iF Design Award 2026 que reunieron más de 10,000 proyectos provenientes de 68 países y sumaron distintas maneras de imaginar el futuro.

Desde su génesis y organización en 1953 en Alemania por el iF International Forum Design, los iF Design Award se han convertido en uno de los galardones de diseño más prestigiosos, antiguos e inuyentes del mundo. Más que premiar objetos bellos o soluciones innovadoras, reconocen la excelencia en diversas disciplinas, incluyendo producto, empaque, arquitectura y comunicación. Hoy funcionan como un termómetro global capaz de detectar hacia dónde se mueve la creatividad contemporánea. Dicho en otras palabras: obtener uno de estos premios signi ca ser parte del diálogo internacional en donde el diseño impacta negocios, tecnología, cultura y experiencias humanas.

Desde su génesis y organización en 1953 en Alemania por el iF International Forum Design, los iF Design Award se han convertido en uno de los galardones de diseño más prestigiosos, antiguos e influyentes del mundo.

Esa visión quedó clara en la edición 2026. Más de 130 expertos internacionales analizaron proyectos que ya no buscaban únicamente destacar por su estética, sino por su capacidad de transformar realidades. Porque el diseño actual ya no vive solo en la forma: coexiste en la manera en que simpli ca procesos, conecta personas, integra tecnología y responde a desafíos sociales y ambientales.

«Lo que estamos viendo es un cambio profundo», dijo Uwe Cremering, CEO de iF Design, sin dejar de hacer hincapié en que «el diseño ha dejado de ser un resultado estético para convertirse en una herramienta estratégica que conecta innovación con signicado humano». Y fue justo esa idea la que atravesó todas las premiaciones.

La iF Design Award Night 2026 se llevó a cabo en el emblemático Friedrichstadt-Palast. Más de 2,000 invitados de 42 países llegamos a uno de los escenarios teatrales más espectaculares del centro de Berlín para compartir algo más que una ceremonia: una noche donde creatividad, industria y visión de futuro convivieron en el mismo espacio.

Entre los proyectos ganadores —incluidos los 74 premios Gold, los más codiciados de la noche— apareció una narrativa común: el diseño como puente entre tecnología y humanidad. Soluciones sostenibles, sistemas modulares, inteligencia arti cial aplicada a experiencias más intuitivas y propuestas centradas en el usuario dejaron ver que las grandes tendencias ya no avanzan por separado; hoy se reúnen en una misma conversación global.

La ceremonia se sintió menos como una premiación tradicional y más como un punto de encuentro para quienes hoy estamos de niendo los estándares globales del diseño. Entre networking y festejos, quedó claro por qué los iF Design Awards mantienen una relevancia tan fuerte dentro de la industria.

«Estos espacios no solo celebran logros; construyen dirección. Aquí es donde el diseño se convierte en un lenguaje compartido», enfatizó Cremering, quien dejó sobre la mesa una de las re exiones más relevantes de la ceremonia al subrayar el papel estratégico del diseño frente a la acelerada adopción de las tecnologías emergentes: «La Inteligencia Arti cial (IA) jamás sustituirá al diseño. Sin diseño, la IA es mediocre; solo con un diseño sólido, se convierte en un activo estratégico».

Su declaración tuvo una resonancia signi cativa. En un escenario global de nido por las dinámicas automatizadas y el progreso de los modelos productivos, iF Design posiciona al diseño como una disciplina estratégica para impulsar la innovación, optimizar recursos y garantizar que la tecnología se despliegue al servicio de las personas.

El despacho mexicano ByShift (@byshift), que logró tres premios en su primera participación en los iF Design Award.

Los iF Design Award 2026 reunieron más de 10,000 proyectos provenientes de 68 países.

ByShift: presencia mexicana en el escenario global

En este panorama internacional, destacó la presencia del despacho mexicano ByShift (@byshift), que logró tres premios en su primera participación en los iF Design Award. Sus proyectos premiados fueron: North —diseño de packaging e identidad visual; Orbit Lamp —diseño de producto— y Chillin (marca de dulces con sede en Miami) dentro de la categoría de comunicación visual.

Este galardón no solo posiciona a ByShift —con sede en Monterrey y fundado por David Zedan, Óscar Carrales y Alfonso González— dentro del mapa global del diseño, sino que evidencia el estatus consolidado de una nueva generación de rostros y estudios mexicanos de diseño integral (grá co, industrial, de interiores y consultoría de diseño) capaces de competir al más alto nivel internacional.

Su reconocimiento se suma a una tendencia más amplia: el creciente protagonismo de América Latina en plataformas históricamente dominadas por Europa y Asia.

Oriundos de Monterrey, Nuevo León, los tres jóvenes: Zedan, Carrales y González son egresados de la carrera de Diseño Industrial por parte del TEC de Monterrey. Fundaron su despacho de diseño en el 2012, cuyo nombre lo dice todo sobre su técnica y estilo: shift que signi ca cambio.

Apoyados en el fundamento de que «el diseño puede cambiar el mundo», el equipo de ByShift ha creado desde piezas de mobiliario hasta ambientes, los cuales comparten en común una alta dosis de innovación y creatividad. «Vemos el diseño como una herramienta de progreso, es por ello que cada uno de nuestros proyectos surge tras considerar aspectos sociales, económicos y, por supuesto, ambientales», dicen los jóvenes talentos.

Con entradas agotadas y cerca de 500 asistentes, el ambiente de la iF Design Trend Conference desveló una necesidad genuina de entender hacia dónde se dirige la creatividad humana.

«La Inteligencia Artificial (IA) jamás sustituirá al diseño. Sin diseño, la IA es mediocre; solo con un diseño sólido, se convierte en un activo estratégico».

Hacia la nueva era del diseño

Aún con las emociones a or de piel, Berlín volvió a ser escenario de re exión un día después de la entrega de premios con la tercera edición de la iF Design Trend Conference, celebrada en el centro de congresos y convenciones AXICA, junto a la Puerta de Brandeburgo.

Diseñado por el arquitecto Frank O. Gehry y conocido por su arquitectura deconstructivista, AXICA es un edi cio que destaca por su atrio con techo de vidrio y plenum, un espacio futurista para eventos empresariales y sociales de alto nivel.

Con entradas agotadas y cerca de 500 asistentes, el ambiente de la iF Design Trend Conference desveló una necesidad genuina de entender hacia dónde se dirige la creatividad humana en tiempos de automatización acelerada.

El programa reunió voces in uyentes y provocadoras del diseño contemporáneo. Branko Lukic abrió el conversatorio explorando el valor de la imperfección

humana en la era de la inteligencia arti cial. Después, Borja Martínez Pérez defendió la relevancia de la creatividad analógica en un mundo completamente digitalizado.

La mirada se amplió aún más con Mouna Andraos y Melissa Mongiat, quienes compartieron nuevas formas de rede nir el espacio público y las interacciones humanas para el siglo XXI. Al nal, Robert Hodgin cerró con una re exión poderosa sobre el papel de la creatividad en una era marcada por la automatización creciente.

A lo largo de la jornada, una idea se hizo evidente: en medio del avance imparable de la IA, el verdadero diferencial del diseño no estará únicamente en la tecnología, sino en aquello que las máquinas aún no pueden replicar: sensibilidad, intuición e imperfección humana.

ifdesign.com

Campos Polanco La visión para ser hotel de lujo

Ubicado en una de las colonias más emblemáticas de la Ciudad de México, Campos Polanco combina restauración, diseño contemporáneo e interiorismo narrativo para dar vida a un espacio que equilibra memoria, funcionalidad y emoción.

Campos Polanco es el resultado de un esfuerzo compartido entre distintos equipos que sumaron sus distintos puntos de vista para transformar un edi cio con historia en una experiencia contemporánea única. Para All Arquitectura, que estuvo a cargo de la restauración del inmueble, el edi cio era originalmente un «diamante en bruto»: un antiguo edi cio de los años 50, que se encontraba en desuso en ese momento y sin mantenimiento.

Considerando su ubicación privilegiada en la calle de Campos Elíseos en Polanco, entre el Parque Lincoln y el Parque Lìbano propusieron una remodelación integral.

En su historia el edi cio albergó departamentos, antes de rede nirse como un hotel boutique. El cambio implicó reorganizar los espacios para hacerlos más exibles y confortables, se dividieron unidades incorporando ex spaces y se diseñaron conexiones que permiten adaptar las residencias según las necesidades del usuario.

En paralelo, la intervención arquitectónica se centró en preservar los elementos más valiosos del inmueble: su estructura, la escalera central con su barandal de latón Art Déco original y los pisos de terrazo, todos cuidadosamente restaurados. Se incorporaron nuevos elementos —como la

celosía de latón, un elevador y una fachada más contemporánea que respetaba el sentido arquitectónico original del inmueble. Sobre esta base, el trabajo de interiorismo conceptualizado por la rma internacional AvRoko e implementado por Mariana Valero, fundadora y directora de AMASS & G, introdujeron una nueva propuesta: integrar un concepto de «estilo mexicano internacional» inspirado en las décadas de los años 40 y 50, en diálogo con las intervenciones Art Déco ya existentes. El diseño se articuló en torno a tres ejes conceptuales: un diseño internacional mexicano, residencias para el coleccionista viajero y el arte urbano mexicano. La estrategia consistió en crear un lenguaje ecléctico a través de capas, combinando materiales como madera, latón, terrazo y concreto con enlucidos en tonos verdes y grises, mobiliario mid-century y textiles geométricos que se equilibran mutuamente.

Las condiciones del edi cio —alturas bajas, trabes visibles y geometrías comple -

jas— se transformaron en oportunidades para generar encuadres, profundidad y una atmósfera íntima pero so sticada.

Más allá de lo f ísico, el objetivo fue crear una experiencia emocional: espacios que inviten a la contemplación, despierten curiosidad y generen conexión. Un ejemplo es La Azotea, donde sl mural y sus jardinerías se complementan y fusionan con las vistas del Parque Líbano.

Campos Polanco no solo revitaliza un edi cio histórico, sino que se consolida como un referente de diseño y hospitalidad en la Ciudad de México, así como un hito en la trayectoria de los equipos involucrados.

campospolanco.com amassandg.com all-arquitectura.mx

La reinvención emocional de ICFF 2026

Entrevista,

En medio del agotamiento colectivo que hoy atraviesa la industria creativa global, International Contemporary Furniture Fair 2026 decidió hacer algo distinto: detenerse a pensar cómo se siente una feria. El resultado fue una edición curada, donde la narrativa y la construcción de comunidad redefinieron la experiencia del diseño contemporáneo.

Las puertas se van cerrando de poco a poco, arrancan los desmontajes que llevaron semanas in nitas de diseño y, quizá, el espíritu más poderoso detrás de la más reciente edición de la International Contemporary Furniture Fair (ICFF) 2026 en Nueva York, EU., son las re exiones que nos invita a pensar sobre lo que es el verdadero lujo.

Entre decenas de conversaciones sobre agotamiento creativo, burnout y la velocidad con la que hoy se consume el diseño, lo que surgió fue un análisis profundamente humano y objetivo: ¿cómo construir una feria internacional que no solo sea visualmente impactante, sino emocionalmente habitable?

La respuesta parece encontrarse en el trabajo de Rodolfo Agrella, arquitecto y director creativo venezolano radicado entre Nueva York e Italia, quien desde hace cinco años ha ayudado a rede nir la experiencia de ICFF junto a Claire Pijoulat y Odile Hainaut, directoras de marca e impulsoras de WantedDesign.

«Hoy el verdadero espíritu de una feria no es solamente vender producto», comparte Agrella. «El verdadero espíritu es que la gente se conozca, genere comunidad y quiera quedarse». Así se sintió ICFF 2026: lejos de la frialdad tradicional de muchas ferias comerciales, esta vez ICFF se transformó en un ecosistema vivo con escenarios cuidadosamente

iluminados, lounges que invitaban a permanecer, espacios editoriales pensados desde la experiencia y una narrativa visual coherente que conectaba desde la tipografía hasta el ritmo del recorrido.

«Como recinto ferial, el Centro de Convenciones Jacob K. Javits siempre fue esta caja enorme y fría», explica Rodolfo. «Nuestra intención era convertirlo en un lugar donde quisieras pasar todo el día”.

La transformación no ocurrió de manera accidental. Desde 2023, cuando Claire y Odile asumieron la dirección de la feria, comenzó una reinvención profunda de la identidad de ICFF. WantedDesign permaneció como una plataforma clave dentro del show, mientras nuevas áreas como Bespoke, Oasis y Main Stage comenzaron a funcionar como verdaderos puntos de encuentro culturales.

Rodolfo describe el proceso como una “acupuntura de diseño»: pequeñas intervenciones estratégicas capaces de alterar completamente la percepción emocional del espacio.

«La feria se podía recorrer en dos horas si querías», dice. «Pero la gente se quedaba hasta más de medio día porque conoció a alguien tomando café, porque apareció una conversación inesperada, porque el espacio la hizo sentir bien y quería explorarlo aún más», señala Rodolfo.

Ese enfoque fue evidente en cada detalle. Desde la curaduría de diseñadores emergentes y universidades hasta la integración orgánica de marcas patrocinadoras dentro de ambientes cálidos y so sticados, todo parecía responder a una sola intención: crear experiencia antes que espectáculo.

«Aprendimos que vendemos mejor cuando no estamos tratando de vender», a rma Agrella entre risas. «Lo que realmente se vende es una experiencia».

Parte de esa sensibilidad proviene de su propia historia. Formado entre Venezuela e Italia, Agrella reconoce que su mirada creativa nació de aprender a resolver desde la escasez.

«Los diseñadores latinoamericanos desarrollamos un músculo creativo muy especial», explica. «Somos atletas de alto rendimiento en adaptabilidad».

Esa mezcla entre visión arquitectónica, sensibilidad emocional y estrategia comercial se convirtió en una de las grandes fortalezas del nuevo ICFF. Cada espacio debía sentirse «intencional», una palabra que —según cuentan dentro del equipo— Agrella repite constantemente en cada reunión.

«Nada puede sentirse forzado», explica Agrella. «Todo debe tener una razón de existir». Quizá por eso la edición 2026 dejó una sensación distinta entre visitantes y expositores. Más cercana. Más humana. Más conectada.

«A mí lo que más me llena no es solamente que los espacios se vean bellos», con esa. «Es ver a la gente abrazándose, conversando, sintiendo que pertenece».

En una ciudad como Nueva York —donde muchas veces el ritmo obliga a la distancia— ICFF logró algo inusual: crear intimidad dentro de una feria internacional. «Yo diría que ICFF logró conectar a las personas en múltiples capas desde la emoción», dice Agrella. La conversación sobre el futuro de la feria también reveló una decisión importante: el cambio de fechas hacia noviembre. Una estrategia pensada precisamente para responder al agotamiento acumulado que hoy vive la industria global del diseño después de semanas como Milán o Nueva York.

«Todo el mundo está agotado», reconoce el director creativo. «Queríamos abrir la posibilidad de una experiencia más presente, más consciente y con mayor participación internacional».

Por ello, con la mirada puesta en 2027, el equipo ya trabaja en una nueva evolución del show, apostando por una experiencia aún más curada, artística y comunitaria.

«Yo diseño ICFF para mí», dice Agrella nalmente. «Soy diseñador y soy parte del público al que va dirigido esta gran feria. Si yo me siento feliz estando ahí, entonces sé que vamos por el camino correcto». Esa será sea la verdadera diferencia hacia el mediano y largo plazo: cuando una feria deja de sentirse como una plataforma comercial y comienza a comportarse como una comunidad.

ic .com

En ICFF 2026, Bespoke, Oasis y Main Stage fueron espacios interactivos clave diseñados para fomentar la educación, el networking y la exposición de las nuevas corrientes del diseño.

Su epicentro fue el Bespoke Salon, una zona de descanso y exhibición diseñada por Post Company (inspirada en el estudio de un archivero), donde se presentaron técnicas de fabricación y acabados de alta gama.

A veces el diseño más tradicional es el más adecuado cuando se trata de crear ambientes acogedores.

Dentro de ambientes cálidos y sofisticados, todo parecía responder a una sola intención: crear experiencia antes que espectáculo.

La sofisticación alcanzó en ICFF 2026 un nivel superior.

Ege Carpets en ICFF 2026: innovación con propósito

En la edición 2026 de la International Contemporary Furniture Fair (ICFF) en Nueva York, Ege Carpets reafirmó su posición como una de las firmas más visionarias del diseño textil contemporáneo.

Entrevista Greta Arcila, enviada a Nueva York, Estados Unidos

En una ciudad como Nueva York, donde todo sucede al mismo tiempo y el diseño compite constantemente por captar atención, hay marcas que no solo exhiben productos: presentan una visión. Durante la reciente ICFF 2026 celebrada en el Javits Center de Nueva York, Ege Carpets demostró por qué continúa siendo una de las compañías más innovadoras dentro de la industria textil y del diseño contemporáneo.

Liderada en la actualidad por Alex Lerian, director general de Ege Carpet Americas, la compañía danesa llegó a la feria con una propuesta que resume su losofía. En palabras del propio Lerian, «el diseño no es solo estética; es una herramienta para construir espacios que mejoran la forma en que vivimos y trabajamos». Bajo esa premisa, la presencia de la marca en ICFF se articuló en torno a diseño audaz, innovaciones tecnológicas y responsabilidad ambiental.

La protagonista de dicho foro fue la exposición interactiva Material Innovations with Ancient Roots, una muestra que exploró futuros de diseño climáticamente positivos mediante el uso de materiales naturales y técnicas de economía circular. Compuesta por sus losetas de alfombra Super ex-Marble que utilizan materiales naturales o reciclados, la instalación exploró cómo el diseño puede regenerar, reparar, reutilizar y reducir, basándose tanto en prácticas probadas en el tiempo como en innovaciones emergentes en materiales biogénicos, biofabricados y biodegradables.

ALEX LERIAN

En ICFF 2026, entre cientos de propuestas y tendencias, Ege dejó resonando una idea clara: el futuro del diseño no solo debe verse bien. Debe sentirse correcto

La exposición no solo contó con materiales regenerativos, vegetales y minerales de la colección y biblioteca Healthy Materials Lab de la Parsons School of Design sino que también destacó el uso de procesos textiles que reducen la dependencia de bras vírgenes, fomentando sistemas de recuperación y diseño regenerativo.

Dicha muestra se sumó a Common Ground, presentada durante Milan Design Week 2026 y cuya una colección fue desarrollada junto con la diseñadora Gabriella Khalil. En esta serie, el lenguaje de la moda, el arte y la arquitectura convergen en una experiencia eminentemente sensorial. Inspirada en una paleta de tonos cálidos y terrosos —desde cremas suaves hasta intensos chocolates— esta colección presentó composiciones geométricas capaces de aportar profundidad, textura y ritmo visual a cualquier entorno interior.

Las piezas, tituladas Ribbon, Imprint, Swell y Maze, fueron concebidas más allá de super cies textiles, son elementos arquitectónicos capaces de transformar la percepción espacial. Además, esta propuesta destacó por su versatilidad, presentándose en múltiples formatos: alfombras de área, soluciones wall-to-wall (broadloom), losetas modulares y piezas completamente personalizadas.

Detrás de la estética de dichas piezas, existe un diálogo mucho más profundo. Alex Lerian ha señalado que «la verdadera innovación no está en lo que se ve, sino en lo que permanece después del uso del producto», subrayando el enfoque de la compañía hacia la circularidad y el diseño responsable.

Y es que más allá de las tendencias o del discurso habitual sobre el enfoque sustentable, el equipo de Ege deja claro que la responsabilidad ambiental no es una campaña de marketing, sino una manera de construir empresa, comunidad y futuro.

Mientras gran parte de la industria sigue preguntándose qué ocurre con los materiales al nal de su uso, Ege ha desarrollado sistemas donde cada componente puede separarse y volver a su estado original. Desde bras reciclables hasta backing elaborado con botellas plásticas reutilizadas, la compañía ha logrado algo poco común: transformar un metro cuadrado de alfombra en un nuevo metro cuadrado de alfombra.

Sin embargo, lo más interesante no recae únicamente en la tecnología. Es la losofía detrás de ella.

Para Ege, la sustentabilidad no comienza cuando un producto se recicla; comienza desde que se diseña para durar. Sus colecciones están creadas para permanecer en excelentes condiciones durante años, permitiendo que los materiales encuentren nuevas vidas en otros espacios antes de necesitar ser reciclados.

Esa misma losofía se re eja en su vínculo con artistas, arquitectos e interioristas. Lejos de limitar la creatividad, la marca impulsa colaboraciones que desafían las fronteras entre arte, moda, textiles y arquitectura. Su trabajo con Gabriella Khalil es un ejemplo claro de cómo Ege entiende el diseño mediante una plataforma abierta para la experimentación creativa.

En ICFF, esa energía magni có su resonancia. Alex Lerian destacó durante el evento que «las ferias como ICFF son esenciales porque permiten el encuentro directo entre ideas, materiales y personas; ahí es donde realmente ocurre la innovación».

Ege Carpets concibe que el diseño debe ser algo que supere lo que se observa. Sus textiles están pensados para tocarse, recorrerse, sentirse y experimentarse físicamente. Porque una alfombra más que un acabado: es una atmósfera, una narrativa y muchas veces el punto emocional de un espacio.

Entre los aspectos más poderosos de la marca destaca su dimensión humana. A través de iniciativas como Ege Go to Work, la empresa integra activamente a personas con di cultades para incorporarse al ámbito laboral, creando oportunidades reales de inclusión y crecimiento.

Y mientras el mundo habla de inteligencia articial, procesos automatizados y nuevas tecnologías, la marca mantiene una postura clara: la innovación debe potenciar la creatividad humana, nunca reemplazarla. La tecnología acelera los procedimientos, pero las mejores ideas siguen naciendo de las conversaciones, del ejercicio colaborativo y de la sensibilidad humana. En un momento en el que muchas marcas buscan ser «verdes», Ege Carpets propone algo más profundo: vivir realmente los valores que comunican. Desde la producción hasta la experiencia del usuario, desde el diseño hasta el impacto social, la compañía ha construido una identidad donde creatividad y responsabilidad avanzan juntas.

egecarpets.com

Para Ege Carpets, el diseño trasciende lo visual para convertirse en una narrativa táctil y emocional. En el marco de ICFF, Alex Lerian enfatizó el valor de estos encuentros directos entre ideas y personas, consolidando a la firma como un referente donde el revestimiento se transforma en la atmósfera misma del espacio contemporáneo.

La simplicidad magistral del diseño contemporáneo

Entre instalaciones, galerías, coleccionistas, prensa especializada y una industria que sigue redefiniendo su lenguaje en Salone del Mobile.Milano, conversamos con Annalisa Rosso, una de las figuras clave en la articulación contemporánea del discurso del diseño italiano.

Entrevista Greta Arcila, enviada especial a Milán, Italia.

Texto Manuel Pineda

Bajo el cielo de un Milán que respira diseño, el Salone del Mobile.Milano 2026 no es solo una feria; es un mani esto vivo. Este año, caminar por sus pabellones implica enfrentarse a una conversación que oscila entre la nostalgia de la artesanía más pura y la urgencia de un presente convulso. En el centro de esta efervescencia, las voces de los creadores se elevan para explicar que un mueble ya no es solo un objeto funcional, sino una respuesta emocional al caos exterior.

Hablar con Annalisa Rosso en el contexto del Salone signi ca conversar con una profesional que ha transitado prácticamente todos los frentes del diseño contemporáneo: la crítica, la edición, la curaduría, la estrategia cultural y la construcción institucional de narrativas para una industria en constante cambio. Su trayectoria explica buena parte de la claridad con la que hoy piensa el diseño. Antes de asumir el mando editorial y cultural del Salone del Mobile.Milano, Rosso fue editora en jefe de Icon Design, encabezó la plataforma digital de Domus y consolidó una práctica curatorial de amplio alcance.

ANNALISA ROSSO

Desde el Salone ha impulsado iniciativas que ampliaron el perímetro tradicional de la feria: Library of Light, la intervención cinética de Es Devlin; A Thinking Room con David Lynch; o The Orbit’s Orbit de Matilde Cassani. Ha incorporado pensamiento crítico con voces de Shigeru Ban o Hans Ulrich Obrist, abriendo nuevas capas de lectura sobre qué signi ca hoy exhibir diseño. Ese proceso encuentra en 2026 una nueva expresión con Salone Raritas, proyecto que Rosso ayudó a concebir como una plataforma donde convergen collectible design, tradición material y experimentación.

En una charla que uye con la misma naturalidad que los materiales que describe, el diálogo se detiene en la estética de lo industrial. Hay algo profundamente honesto –dice Rosso– en las paredes que muestran sus elementos de funcionalidad sin pudor, una tipicidad que nos recuerda que el diseño, en su esencia, es estructura. Rosso destaca cómo el enfoque curatorial ha evolucionado hacia una «audacia irónica» que permite procesar la realidad.

«Algo que sea evocador del diseño industrial porque, al nal, las paredes con los elementos de funcionalidad son algo muy típico. El enfoque es muy interesante porque, de esta manera irónica y muy audaz, atrapan todos los elementos difíciles de los días que estamos viviendo ahora. Las explosiones, el peligro por el que estamos pasando», señala.

Esta capacidad de atrapar el peligro se personi ca en la labor de Maria Cristina Didero para Morumbi Design Edition. Pero el Salone 2026 también es un tributo a la memoria táctil. Rosso nos conduce hacia la reinterpretación del cristal, donde Sabine Marcelis y el dúo Dragon Dorèl, radicado en Como, han logrado lo impensable: devolverle al vidrio de Murano una vibración contemporánea basada en la transparencia y el color.

Sin embargo, el corazón del debate matérico late con más fuerza en la metalurgia. La remembranza a Fonderia Artistica Battaglia nos sitúa en el núcleo de la herencia artesanal italiana. Con base en una de las fundiciones de mayor historia, su legado se entrelaza con los grandes maestros: Pomodoro, Fontana y tantos otros que han dado forma al arte del siglo XX. Annalisa se detiene con especial entusiasmo en la nueva colección rmada por Francesco Pacina. «Francesco Pacina diseñó todos los elementos... elementos de diseño arquetípicos. El vacío en bronce. Es un material muy valioso, cultural y económicamente hablando, y aquí todas las piezas hablan ese lenguaje:

el lenguaje de la madera, los diferentes colores de la oxidación natural. Todo es natural, hecho con la tradición», expresa.

El proceso que describe Rosso es casi poético: todo comienza con un simple tablón de madera, un elemento orgánico que espera ser transformado. El resultado es «el vacío en bronce». No hay arti cios en el acabado; se busca la honestidad de la oxidación natural, el brillo del metal que dialoga con la calidez de la madera. Es un diseño que respeta el tiempo, permitiendo que el vidriado natural de los materiales cuente su propia historia de envejecimiento y nobleza.

En este recorrido llegamos a Paradiso Terrestre, un espacio que Rosso con rma como uno de los bastiones más importantes del diseño italiano actual. Aquí, la mezcla de piezas históricas de la colección Martha convive con la vanguardia británica de 1882 Ltd., donde el talento de Laura Wood y Max Lamb inyecta una frescura inusitada a la cerámica. «Están dando tanta vida a esto», nos dice Annalisa, quien subraya a su vez ese contrapposto perfecto entre lo antiguo y lo nuevo. Esta capacidad de procesar el presente nos lleva a paradas experimentales. Es el caso de la galería Max Protetch, un bastión de radicalismo que pone el foco en artesanos y diseñadores jóvenes exclusivamente del Reino Unido. Es un espacio de riesgo, donde lo emergente es una actitud política frente a la manufactura tradicional.

Pero la geografía se expande más allá de Europa. Rosso también destaca la incursión de Arabia Saudita. «Estamos muy contentos de tenerlos aquí». Una colección con diseñadores internacionales que traduce la inmensidad del desierto en formas tangibles, evocando el paisaje natural de las dunas. «Estoy muy apegada a este proyecto», con esa.

En última instancia Salone Raritas no es solo una nueva faceta, sino el síntoma de una madurez institucional. Bajo la guía de Analissa Rosso, este foro ha logrado legitimar el diseño coleccionable no como un lujo estético, sino en una herramienta del pensamiento. Al integrar la experimentación radical con la tradición de las fundiciones y los talleres históricos, Raritas se consolida como el puente necesario entre el objeto de arte y la industria, devolviéndole al artista contemporáneo su papel de alquimista de nuestra realidad material.

salonemilano.it @lisarosso

01. Mouromtsev Design Editions | Job Smeets para Mouromtsev Design Editions

02. Studio Sabine Marcelis | PLUME

03. Paradisoterrestre | Matta the collector

04. Studio Francesco Faccin x Fonderia Artistica Battaglia | Serial Planks

05. Pav. 9 - Fiera Milano, Rho | Outer shell

Conversar de diseño en medio del ruido

En el corazón del Salone del Mobile.Milano 2026, Formafantasma —con

Andrea Trimarchi y Simone Farresin al frente— plantea una pregunta que atraviesa el alma del diseño contemporáneo: en una época dominada por el espectáculo, ¿queda espacio para escuchar?

Entrevista Greta Arcila, enviada especial a Milán, Italia.

Texto Manuel Pineda

Durante una semana cada primavera, Milán entra en una dimensión paralela. La ciudad se convierte en una geografía expandida del diseño: patios renacentistas intervenidos por instalaciones temporales, antiguas fábricas reconvertidas en galerías efímeras, conversaciones improvisadas entre arquitectos, editores, galeristas y diseñadores que llegan desde todas partes del mundo, y un ujo continuo de visitantes que hace de la ciudad un organismo cultural en movimiento.

En paralelo, dentro de Fiera Milano, el Salone del Mobile continúa siendo el gran eje de esa conversación global: el escaparate industrial más importante del diseño y, al mismo tiempo, un termómetro que permite leer hacia dónde se mueve la disciplina.

En ese proceso de cambio, pocas voces han tenido un papel tan relevante como Formafantasma. Fundado por Andrea Trimarchi y Simone Farresin, el estudio —establecido entre Milán, Italia y Róterdam, Países Bajos— ha establecido una práctica que cruza diseño, investigación, museografía, cultura material y re exión crítica sobre los sistemas de producción contemporáneos. Proyectos como Cambio, desarrollado junto con Artek, o el simposio multidisciplinario Prada Frames, han permitido consolidar a Andrea y Simone adjudicándose el papel de interlocutores centrales en el diálogo internacional sobre diseño,

no únicamente por lo que producen, sino por las preguntas que ponen sobre la mesa.

Su relación con el Salone comenzó durante la pandemia, un momento en el que, incluso, las grandes ferias internacionales se vieron obligadas a replantear su papel. «Todas las ferias del mundo están sufriendo por la crisis económica. Pero lo que admiro del Salone —que sigue siendo la feria más grande e importante del mundo— es que cada año intenta empujar sus propios límites», recuerda Trimarchi.

Desde entonces, ese empuje colaborativo ha ido creciendo: primero diseñaron la biblioteca y la arena de conversación; después participaron en una muestra dedicada al diseño italiano; y este año ayudaron a dar forma a Salone Raritas, la nueva plataforma curatorial impulsada por el Salone bajo la dirección cultural de Annalisa Rosso, concebida como un espacio donde el diseño coleccionable, las galerías y el pensamiento crítico pudieran encontrarse bajo una lógica distinta a la del escaparate comercial tradicional. En medio de esa experiencia surgió una idea que resume buena parte de su lectura sobre el momento actual de la disciplina. «Los productos ya no son su cientes», dice Farresin al hablar del nuevo papel que deben asumir plataformas como el Salone. Su reexión toca un punto sensible: durante años, la con-

El

ha convertido a Formafantasma en uno de los estudios más influyentes del diseño actual, cruzando diseño, ecología, investigación y discurso cultural.

Con una aproximación sensible a los materiales, la circulación y la luz, las instalaciones de Formafantasma transformaron el recorrido ferial en una experiencia más humana y contemplativa.

FORMAFANTASMA

Incluso en uno de los escenarios más intensos del diseño global —como lo es el Salone del Mobile—, todavía es posible abrir un espacio para la conversación pausada, para la escucha atenta y para esa dimensión más humana.

versación sobre diseño fue desplazándose del objeto hacia la espectacularidad, privilegiando instalaciones monumentales, montajes concebidos para circular en redes sociales y experiencias visuales inmediatas que, en muchos casos, terminaron por sustituir la discusión de fondo sobre materiales, procesos, industria y cultura.

Andrea lo recordó con claridad al hablar de una tarde libre, cuando caminaba por Brera, durante la semana del diseño: «Todo mundo gritaba; había tanto ruido alrededor que terminamos perdiendo algo esencial: sentarnos a hablar, discutir y escucharnos». Ese impacto de saturación dio paso a una re exión más amplia. «Extrañamos la gracia, extrañamos la ligereza, extrañamos la amabilidad», añade. Más que una crítica nostálgica, en sus palabras hay una observación sobre la velocidad con la que hoy consumimos imágenes, ideas y experiencias, muchas veces sin detenernos realmente a procesarlas.

La hora de desenchufarse

Esa postura atraviesa los proyectos que Formafantasma desarrolla dentro y fuera del circuito ferial. Tanto en Prada Frames como en Salone Raritas, el estudio insiste en crear condiciones para que la conversación ocurra de manera genuina. De ahí la decisión de eliminar pantallas digitales, sustituir presentaciones saturadas de imágenes por materiales impresos, privilegiar la música en vivo y diseñar espacios donde la gente pueda permanecer, sentarse y hablar. «Se trata de escuchar; de colocarnos nuevamente en la posición de ser escuchados y de escuchar», explican, planteando la escucha como una herramienta cultural tan importante puesta al nivel de cualquier objeto exhibido.

La charla también derivó hacia una contradicción inevitable: el diseño contemporáneo opera dentro de un sistema económico que con frecuencia alimenta aquello mismo que cuestiona. Formafantasma no esquiva esa complejidad. Andrea admite que recorrer los grandes pasillos del Salone puede resultar abrumador: kilómetros de producto, una maquinaria industrial inmensa, exceso visual y una presión constante por producir novedad. Pero también reconoce otra cara del panorama: «Luego veo productores, artesanos, colaboradores y diseñadores… y entonces todo se vuelve profundamente bello. Hay horror, sí, pero también hay mucha belleza», señala. En esa convivencia entre tensión y admiración se encuentra buena parte de la honestidad intelectual con la que Andrea y Simone observan su propia disciplina.

Hacia el nal de la plática, mientras el espacio que imaginaron comienza a llenarse de visitantes que no solo recorren una instalación, sino que permanecen en ella, conversan y hacen suyo el lugar, Trimarchi reconoce una satisfacción poco habitual en quienes viven inmersos en la exigencia constante del trabajo creativo: «Estoy feliz… y creo que también estoy orgulloso».

Más allá de la escala del proyecto o de su recepción dentro del Salone, la verdadera recompensa se perlaba en haber demostrado que, incluso en uno de los escenarios más intensos del diseño global, todavía es posible abrir un espacio para la conversación pausada, para la escucha atenta y para esa dimensión más humana que, al nal, sigue siendo el núcleo de toda cultura material.

salonemilano.it formafantasma.com

Las manos sobre la máquina

Entre cuero, silencio y oficio, el CEO de Poltrona Frau, Nicola Coropulis, habló sobre identidad, permanencia y el futuro de una marca que lleva más de un siglo defendiendo la idea del objeto bien hecho.

Entrevista Greta Arcila, enviada especial a Milán, Italia. Texto Manuel Pineda

En medio de una semana dominada por instalaciones monumentales, activaciones efímeras y una sobreestimulación visual que parece multiplicarse cada año en Milán, entrar al universo de Poltrona Frau implica otra velocidad. La experiencia comienza con algo casi elemental: tocar el material. «El cuero tiene que hablar por sí mismo», comenta Nicola Coropulis, CEO de la rma italiana, mientras muestra una de las nuevas pieles desarrolladas por la marca para esta edición 2026 del Salone. Un cuero suave, profundo, trabajado bajo procesos libres de cromo y pensado para envejecer con dignidad. «Queríamos recuperar algo del sabor del pasado, pero hacerlo contemporáneo y sostenible».

Fundada en 1912, Poltrona Frau es una de las grandes instituciones del diseño italiano. Su historia atraviesa buena parte de la evolución del mobiliario moderno europeo: desde los interiores de automóviles y yates hasta espacios corporativos, auditorios, museos y residencias privadas.

La marca ha construido su prestigio alrededor del trabajo artesanal del cuero, pero también de una idea más amplia de permanencia cultural.

Esa visión aparece de manera constante durante la charla. Coropulis habla de una inquietud creciente frente a lo que de nió como «una regulación global del gusto», donde muchas marcas comienzan a parecerse entre sí. «Uno de los peligros actuales es que estamos creando un lenguaje homogéneo. Hoy recorres algunas exhibiciones y ya no encuentras esa diferenciación que caracterizaba al diseño italiano de los ochenta, noventa o incluso de hace pocos años».

Para el ejecutivo, defender una identidad italiana no implica nostalgia, sino claridad. «Nuestra responsabilidad es recordar por qué somos diferentes, no por qué somos similares».

La plática avanza inevitablemente hacia el papel de la artesanía en un contexto dominado por lo digital. Coropulis no niega la tecnología; de hecho, reconoce que la industria contemporánea depende de ella. Pero establece una diferencia clara entre automatizar procesos y reemplazar conocimiento humano.

«Somos industriales en nuestros procesos, no en la ejecución», explica. «La tecnología debe hacer el trabajo más preciso y e ciente, pero nunca sustituir las manos. Porque si perdemos el valor del o cio, entonces perdemos también aquello que hace signicativa a la marca».

Ese vínculo entre mano, tiempo y permanencia aparece también en su concepto de lujo. Frente a una industria que durante años asoció el lujo con visibilidad y exceso, Coropulis de ende una postura mucho más íntima. «El lujo no tiene que gritar. Para nosotros signi ca equilibrio, materiales nobles, duración. Un objeto que puede pasar de una generación a otra tiene valor real».

NICOLA COROPULIS

El Salone del Mobile continúa siendo un escenario indispensable para Poltrona Frau; no solo por negocio, sino por visibilidad cultural.

El valor de lo humano

Más adelante recuerda una conferencia en el British Museum dedicada a la historia cultural del lujo. Ahí —dice— comprendió que desde la antigüedad el verdadero valor siempre estuvo asociado al trabajo manual y al cuidado humano detrás de los objetos. «Todo aquello hecho a mano, desde tiempos antiguos, ha sido entendido como algo precioso».

A lo largo de más de un siglo, Poltrona Frau ha colaborado con nombres fundamentales del diseño contemporáneo. Coropulis menciona relaciones de largo plazo con guras emblemáticas que se han mantenido con Jean-Marie Massaud, Roberto Lazzeroni o GamFratesi, pero también habla de una nueva generación de diseñadores que han comenzado a dialogar con la marca.

«Nos interesan los diseñadores capaces de entender nuestra losofía y nuestra identidad. La relación con ellos funciona como cualquier relación humana: necesita tiempo, con anza y evolución», señala el empresario.

Más que producir piezas aisladas, Poltrona Frau parece interesada en construir un ecosistema cultural alrededor del habitar. De ahí también sus colaboraciones recientes con artistas contemporáneos de la talla de Felipe Pantone o Shepard Fairey, explorando territorios híbridos entre arte y diseño. «Ya no estamos únicamente en la era de los íconos. Hoy hablamos de sistemas más complejos, más integrados».

En ese sentido, el Salone del Mobile continúa siendo un escenario indispensable para la rma; no solo por negocio, sino por visibilidad cultural.

«Milán sigue siendo el lugar donde todo el mundo se encuentra», a rma. «Aquí vemos productores, diseñadores, arquitectos, clientes, colaboradores. El trabajo real ocurre durante el resto del año, pero esta semana sirve para decir: estamos aquí y seguimos siendo parte importante de esta conversación», enfatiza el directivo.

Hacia el nal de la entrevista, Coropulis habla también sobre la correspondencia de la marca con México, un mercado que considera cercano y estratégico para el crecimiento de la rma. «Tenemos una relación muy fuerte con México y queremos seguir desarrollando nuevos proyectos ahí».

Mientras —afuera—, el Salone se mantenía dinámico con la fuerza de una maquinaria inagotable de imágenes y lanzamientos, la charla con Poltrona Frau dejaba otra impresión: la de una empresa que todavía entiende el diseño como una práctica ligada al tiempo, a la memoria material y al valor de las cosas hechas para durar.

poltronafrau.com

@poltronafrauo cial

El nuevo lujo según Louis Vuitton

En una época donde la velocidad domina la creatividad

y la inteligencia

artificial promete resultados instantáneos, sobresalen diseñadores que defienden algo mucho más complejo: el tiempo, la intuición y la experiencia humana detrás de cada objeto.

Entrevistas y texto Greta Arcila y Martha Lydia Anaya, enviadas a Milán, Italia

Durante la Milan Design Week 2026, Louis Vuitton reunió distintas voces que hoy están rede niendo el signi cado del lujo contemporáneo. Entre ellas, Raw Edges y Franck Genser coincidieron en una idea potente: el verdadero lujo ya no solo vive en los materiales o en el estatus, sino en la libertad de desarrollar ideas difíciles, emocionales y profundamente humanas.

En Milán, el diseño dejó de sentirse como una disciplina estética para convertirse en un diálogo sobre tiempo, emoción y cultura. Por un lado, estaba Raw Edges, el estudio fundado por Yael Mer y Shay Alkalay, quienes comenzaron su historia en Jerusalén antes de mudarse a Londres para estudiar en el Royal College of Art. Del otro, Franck Genser, diseñador y escultor francés convencido de que la materia tiene memoria y de que la intuición muchas veces entiende más que la lógica.

Aunque sus procesos son distintos, ambos llegaron a una misma conclusión junto a Louis Vuitton: las mejores piezas nacen cuando se abraza la complejidad.

La esencia colaborativa entre Raw Edges y Louis Vuitton comenzó hace más de una década dentro de Objets Nomades, la serie experimental de la maison enfocada en diseño contemporáneo. Lo que inició como una exploración inspirada en el viaje evolu-

cionó de forma gradual hacia objetos mucho más escultóricos y sensoriales.

Las primeras piezas —como la colección Concertina— hablaban del movimiento: sillas plegables, tumbonas y mesas inspiradas en la experiencia de desplazarse. Pero detrás de esas formas ligeras existía un desarrollo obsesivo y detallado. Una sola silla podía tardar hasta cuatro años en resolverse. Para el estudio, el tiempo nunca fue un problema; era parte del diseño. Esa losofía alcanzó un nuevo nivel durante la Milan Design Week 2026 con un sillón experimental que terminó convirtiéndose en una de las piezas protagonistas del Salone. De forma peculiar, todo comenzó con una pequeña caja de madera. Louis Vuitton vio potencial en aquella geometría y lanzó una pregunta inesperada: «¿Y si esto se convierte en una silla?».

La idea parecía simple, pero ejecutarla implicó uno de los procesos más complejos del estudio. El reto consistía en transformar patrones bidimensionales en una super cie tridimensional llena de curvas. Desde arriba, las líneas del sillón parecen perfectamente rectas; sin embargo, al adaptarse a la forma «burbujeante» de la pieza, el patrón se distorsiona y genera una ilusión visual dinámica, casi caótica.

Justo, ahí estaba la narrativa del objeto: demostrar cómo un material puede alterar por completo

Durante la Milan Design Week 2026, Louis Vuitton reunió distintas voces que hoy están rede niendo el signi cado del lujo contemporáneo.

RAW EDGES + FRANCK GENSER

Muchas de las piezas más memorables de la Milan Design Week 2026 no fueron necesariamente las más

espectaculares, sino las más humanas.

nuestra percepción. Para lograrlo, el equipo tuvo que experimentar durante meses con textiles capaces de adaptarse a curvas complejas sin perder continuidad visual. La búsqueda dejó de ser únicamente estética; también debía existir comodidad, textura y una experiencia táctil rica y placentera. En otras palabras, el objeto tenía que sentirse tan bien como se veía.

Fue en ese proceso donde apareció una de las ideas más importantes de toda la plática: para Raw Edges, el verdadero lujo no es un acabado ni una etiqueta. Es trabajar con una marca dispuesta a invertir tiempo, talento y soluciones técnicas para proteger una idea compleja en lugar de simpli carla.

De manera curiosa, esa misma visión apareció también en la charla sostenida con el diseñador y escultor francés Franck Genser.

Mientras Raw Edges exploraba el vínculo entre geometría y percepción, Genser hablaba del diseño casi como un fenómeno emocional. Para él, los objetos no deben limitarse a resolver funciones prácticas; deben provocar sensaciones, incluso antes de ser utilizados. México apareció inesperadamente dentro de esa narrativa mediante una experiencia personal relacionada al mundo ecuestre, a Monterrey, al Club Hípico

La Silla y a la arquitectura emocional de Casa Barragán. Genser entiende los lugares viviéndolos, no solo observándolos. Y esa sensibilidad es la que termina ltrándose en todo lo que diseña.

Esa misma intuición marcó uno de los momentos clave de su carrera. Durante meses intentó desarrollar un escritorio presidencial desde una lógica funcional. Produjo cerca de treinta versiones y ninguna transmitía lo que buscaba. El problema no era técnico: el objeto no tenía presencia.

La respuesta apareció mientras trabajaba en una escultura de piedra.

La energía emocional que proyectaba aquella pieza le reveló algo fundamental: a veces, la forma debe aparecer antes que la función. Escaneó la escultura, transformó esa geometría en escritorio y al nal encontró la autoridad que el objeto necesitaba transmitir.

«La mano sabe más que la mente», explica Genser. Esa losofía terminó materializándose en Aqua Table, la pieza creada para Objets Nomades 2026 y presentada por Louis Vuitton en el Palazzo Serbelloni. La mesa, elaborada en mármol y madera, parece uir como agua sólida: curvas orgánicas, super cies suaves y una tensión constante entre peso y ligereza visual.

Pero detrás de la pieza aparecía de nuevo el mismo desafío: resistir el deseo de simpli car. Genser lo resume con una metáfora contundente: muchas veces el diseñador imagina un avión y la producción termina entregando una bicicleta, porque fabricar algo simple siempre es más fácil que sostener una idea compleja. En este caso, Louis Vuitton decidió proteger la visión original, incluso, al momento en que el proceso comenzó a volverse técnicamente difícil.

Es entonces cuando aparece la verdadera denición de lujo: el tiempo invertido en la precisión artesanal y en la voluntad de mantener intacta una idea hasta volverla realidad.

Así, en medio de una industria acelerada por imágenes digitales y conceptos generados en segundos, tanto Raw Edges como Franck Genser coinciden en algo esencial: la tecnología puede visualizar objetos, pero el diseño real todavía ocurre en los talleres. Sigue dependiendo del cuerpo, del tacto, de la materia y de las personas capaces de entender cómo se siente un objeto, incluso antes de terminarlo.

Quizá por eso muchas de las piezas más memorables de la Milan Design Week 2026 no fueron necesariamente las más espectaculares, sino las más humanas. Objetos que conservaron dentro de sí algo difícil de fabricar: intención, memoria y emoción. Porque al nal, el nuevo lujo no consiste en tener más cosas sino en crear piezas que permanezcan en la memoria mucho tiempo después de haberlas visto.

louisvuitton.com raw-edges.com franckgenser.com

En el futuro, el lujo buscará ser mucho más humano

Durante la Milan Design Week 2026, entre instalaciones inmersivas, exploraciones materiales y charlas sobre inteligencia artificial, Luca Nichetto planteó una pregunta esencial para el futuro del diseño: ¿cómo innovar sin perder humanidad?

Entrevista Greta Arcila, enviada especial a Milán, Italia.

En el universo contemporáneo del diseño, donde la so sticación suele confundirse con exceso visual o exclusividad inaccesible, el diseñador Luca Nichetto propone una de nición distinta del lujo. Mucho más precisa. Mucho más humana. «El lujo es el límite de lo que la humanidad es capaz de hacer en un momento especí co. Es decir, no aquello que imaginamos, sino aquello que realmente podemos ejecutar con maestría».

La re exión apareció en el contexto de la Milan Design Week 2026, una edición marcada por una conversación recurrente: el regreso a la materialidad, al o cio y a las narrativas emocionales frente a la aceleración tecnológica que atraviesa la industria creativa global. Entre el Salone del Mobile y las intervenciones de Fuorisalone, Milán dejó de hablar únicamente de objetos para concentrarse en algo más profundo: cómo preservar identidad y signi cado en una época dominada por la automatización y la hiperproducción visual.

En ese escenario, Nichetto se convirtió en una de las voces más relevantes de la semana. Uno de los momentos clave ocurrió con la presentación de Chapter 1, instalación de Barovier & Toso presentada en su showroom de Via Durini. El proyecto representó el inicio de una nueva etapa para la histórica casa de vidrio veneciano bajo la dirección creativa de Nichetto, nombrado director artístico de la rma en 2025.

LUCA NICHETTO

Desde sus nuevas colaboraciones con Barovier & Toso hasta su reflexión sobre el lujo contemporáneo, Nichetto propone una visión donde la tecnología y la artesanía no se oponen, sino que dialogan para preservar memoria, identidad y permanencia.

Concebida por el estudio de Nichetto como una especie de cofre escenográ co, la instalación utilizó paneles de madera natural, cortinas blancas y una iluminación tenue para construir una atmósfera silenciosa donde el vidrio se entendía no sólo como objeto decorativo, sino como memoria material. «Ser de Murano implica cargar con un conocimiento instintivo del vidrio, pero también con el peso de su historia. La ambición no es celebrar el pasado de forma nostálgica, sino preguntarnos cómo puede evolucionar», explica el diseñador durante la semana de diseño y en entrevista exclusiva con Glocal Design

La instalación sirvió además como plataforma para presentar nuevas piezas diseñadas por Nichetto para la rma. Entre ellas destacó Pro lo, una lámpara suspendida formada por discos superpuestos de vidrio centrifugado que producen siluetas geométricas y una luz difusa mediante espirales opalinas. También apareció Etime, un volumen cúbico de vidrio soplado que explora la tensión entre círculo y cuadrado como metáfora visual del tiempo, así como Aurora, reinterpretación contemporánea de las antiguas lámparas de aceite venecianas.

El proyecto dejó ver una constante en el pensamiento del diseñador: la necesidad de construir puentes entre memoria e innovación. Una idea que atraviesa tanto sus exploraciones con piedra natural como su investigación sobre el vidrio de Murano.

En Milán, esa conversación fue especialmente relevante. Después de años dominados por super cies impecables, neutralidad cromática y minimalismo globalizado, varias de las propuestas más comentadas de 2026 apostaron por recuperar imperfecciones, técnicas manuales y materiales capaces de transmitir permanencia. El lujo ya no parecía vincularse únicamente al precio o la rareza, sino a la capacidad de preservar tiempo, o cio y signi cado cultural.

Nichetto lo resume con claridad. Durante los últimos quince años, a rma, el diseño internacional —particularmente el asociado al lujo italiano— ha perfeccionado un lenguaje elegante y técnicamente impecable. El problema —dice— es que se ha vuelto demasiado familiar. «Demasiado seguro. Como comer el mismo plato todos los días durante años».

La pregunta entonces es inevitable: ¿qué sigue?

Para Nichetto, esa respuesta vendrá de la inteligencia arti cial, una herramienta que ya está transformando la manera en que las personas producen, observan y entienden el mundo. Sin embargo, advierte que el diseño todavía no ha conseguido traducir completamen-

te esa revolución tecnológica en un nuevo lenguaje expresivo. Existe innovación técnica, sí, pero aún falta una nueva sensibilidad estética capaz de acompañarla.

¿Cómo avanzar hacia nuevas formas de diseño sin perder aquello que hace humano al objeto? Para Nichetto, el equilibrio está en incorporar innovación sin renunciar a la permanencia, al tacto y a la memoria material que sólo la artesanía puede ofrecer.

Más allá de Milán, el mensaje también resuena en otras geografías creativas, incluido México. Frente a una industria cada vez más homogénea, Luca Nichetto insiste en la importancia de proteger las particularidades culturales y las identidades locales. Porque, al nal, lo que mantiene vivo al diseño no es la uniformidad global, sino la diferencia. «El futuro del lujo probablemente no será el objeto más costoso ni el más tecnológico, sino aquel capaz de preservar algo profundamente humano en medio de un mundo cada vez más automatizado.»

barovier.com @lucanichetto salonemilano.it

Versus el ruido del diseño

En medio del caos creativo de Milan Design Week, Tom Dixon decidió alejarse un poco para construir algo inesperado: un hotel temporal dentro de una antigua fábrica industrial. Más que una instalación, el espacio se convirtió en una reflexión sobre la necesidad de recuperar conversaciones reales en una industria cada vez más acelerada.

Entrevista Greta Arcila, enviada especial a Milán, Italia.

Entre agendas imposibles, encontrar un espacio para conversar con los diseñadores —protagonistas de las instalaciones, obras y colecciones presentadas durante la semana más intensa del diseño en Milán—, se ha convertido casi en un lujo. Aun así, la charla con Tom Dixon ocurrió justo en el lugar perfecto: un antiguo edi cio industrial transformado en hotel temporal, lejos del ruido del centro, pero aún dentro del corazón creativo de la ciudad.

«Mi historia para la prensa», dice entre risas, «es que no encontré habitación en Milán, así que tuve que construir mi propio hotel». La frase resume perfectamente el espíritu de este proyecto: una mezcla de ironía, visión empresarial y una necesidad genuina de crear experiencias más humanas dentro del Salone del Mobile.

Durante años, Dixon cuestionó el enorme gasto que implica construir instalaciones efímeras para después desmontarlas en cuestión de días. Por eso, hace cinco años decidió apostar por espacios permanentes, comenzando con el restaurante Manzoni. Sin embargo, la idea de crear un hotel llevaba tiempo rondando en su cabeza. La oportunidad apareció cuando conoció a una heredera siciliana que acababa de recibir este edi cio industrial en Milán y soñaba con convertirlo en residencia artística. Dixon vio inmediatamente el potencial.

«Le dije: déjamelo para el Salone y yo te devuelvo un hotel». El resultado fue una experiencia inmersiva con una estética cinematográ ca que, según él mismo admite, terminó teniendo «un aire a película de Wes Anderson». Durante el día, el sol entra por enormes ventanas industriales; por la noche, la atmósfera se vuelve íntima y teatral. Para Dixon, ese diálogo con la

luz natural, los sonidos de los pájaros y el ritmo real de la ciudad era imposible de recrear dentro de una feria tradicional.

Más allá de la espectacularidad visual, el diseñador insiste en algo que considera esencial: recuperar el tiempo para conversar. «Muchas veces pensamos que un evento es exitoso porque está lleno de gente, pero lo importante es que sea la gente correcta y poder sentarse a hablar con ellos».

La conversación inevitablemente deriva hacia el presente del diseño y las nuevas generaciones. Dixon reconoce que el panorama ha cambiado radicalmente gracias a las redes sociales y las herramientas digitales. Hoy, un diseñador joven puede conectar directamente con audiencias globales sin depender de grandes compañías o estructuras tradicionales.

«Antes necesitabas una disquera, distribución y tiendas. Ahora puedes pasar de tu computadora en tu habitación directamente al público. Lo mismo está pasando con el diseño». Sin embargo, también advierte sobre el riesgo de esta hiperaccesibilidad. Para él, el problema ya no es la falta de oportunidades, sino el exceso de información y producción. «Ahora todos son fotógrafos. Y con la inteligencia arti cial, todos serán diseñadores».

Aun así, mantiene una mirada optimista sobre la evolución de los materiales y los procesos industriales. Más que nuevos materiales, lo que realmente ha cambiado —explica— son las herramientas digitales que permiten trabajar de forma más directa y experimental. Hoy, un diseñador puede enviar un archivo a una fábrica en China y recibir un prototipo en cuestión de días, algo impensable cuando él comenzó su carrera.

TOM DIXON

La colección de mesas AXIS, diseñada por Tom Dixon en colaboración con Cosentino, destaca por sus bases modulares de celosía metálica que sostienen superficies de piedra e ingeniería mineral, complementada por las nuevas luminarias portátiles BELL en el patio neoclásico de Casa Manzoni.

Esa visión experimental también se re eja en sus colaboraciones, como la realizada este año con Cosentino. En lugar de intentar imitar la piedra natural, Dixon se interesó por explorar precisamente aquello que hace diferente al material industrializado: su resistencia, consistencia y posibilidades estructurales. Su objetivo fue demostrar que estos materiales pueden ir mucho más allá de cocinas y baños, convirtiéndose en piezas de mobiliario y objetos arquitectónicos.

Aunque hoy Tom Dixon es una marca global, él sigue de niéndose como alguien incómodo con la estabilidad. Ha pasado por talleres pequeños, fábricas propias, corporativos internacionales y nalmente por construir una rma con un modelo híbrido entre diseño y moda. «Me gusta un poco el caos», admite. «Me gusta reinventarme».

Milán también ocupa un lugar especial en esa historia. La primera vez que visitó el Salone del Mobile quedó completamente abrumado. «Pensé: hay demasiadas cosas, no debería existir una más». Pero poco después descubrió que en Italia el diseño no solo era una disciplina creativa, sino una fuerza cultural e industrial profundamente respetada.

Hoy, observa cómo las grandes corporaciones han convertido Milán en una competencia de palacios, presupuestos millonarios y experiencias espectaculares. Por eso decidió alejarse del centro y crear un espacio más íntimo, más silencioso y más humano. «Cuando todos los palacios empiezan a parecer iguales, el edi cio termina siendo más importante que lo que estás mostrando».

Hacia el nal de la conversación, el tono se vuelve más personal. México aparece naturalmente en la charla. Dixon sonríe mientras cuenta que recientemente se convirtió en abuelo de un niño con nacionalidad mexicana. «Ahora soy casi mexicano», bromea.

Pero detrás de la ocurrencia hay una observación genuina sobre cómo ha cambiado el país en los últimos años. Recuerda que en sus primeras visitas los mexicanos parecían disculparse constantemente: por el trá co, por el caos o por no ser su cientemente internacionales. Hoy, en cambio, percibe algo completamente distinto. «Ahora te dicen: ‘voy a llevarte por los mejores tacos’. Ya no se disculpan. Hay orgullo».

Por eso, mientras la entrevista termina entre invitaciones, fotografías y conversaciones pendientes, queda claro que el diseño, al nal, sigue tratando de lo mismo: construir lugares donde las personas puedan encontrarse, hablar y reconocerse unas a otras.

salonemilano.it tomdixon.net cosentino.com

«No encontré hotel en Milán, así que construí uno»:

la historia detrás del proyecto más comentado de Tom Dixon en Salone del Mobile.

Diseño, naturaleza y legado en Milán

Rodeada por una instalación que celebraba la belleza de los materiales, la naturaleza y el bienestar, Laura Kohler reflexionó sobre el valor del legado, la sostenibilidad y el poder del diseño para crear experiencias que trascienden el tiempo.

Entrevista Greta Arcila, enviada especial a Milán, Italia.

En medio del bullicio que envolvió la Semana del Diseño de Milán 2026, un jardín de ores silvestres emergió inesperadamente. Aromas botánicos, luz ltrada a través de vitrales monumentales y el resplandor de cientos de velas crearon el espacio en el que Kohler y Flamingo Estate presentaron una de las instalaciones más evocadoras del Fuorisalone: The Flamingo Estate Bathhouse by Kohler.

Ubicada en el patio del Padiglione d’Arte Contemporanea (PAC), la experiencia inmersiva invitaba a los visitantes a contemplar y reconectar con la naturaleza a través del diseño. Concebida junto a Richard Christiansen, fundador de Flamingo Estate, la instalación reinterpretó la icónica casa de baños situada en las colinas de California, transformándola en un santuario contemporáneo donde arquitectura, paisaje y bienestar convivían como una sola experiencia.

En este escenario, Laura Kohler –embajadora global de negocios de Kohler Co., tras haber sido directora de vida sostenible y haber ocupado cargos ejecutivos en recursos humanos y comunicaciones– compartió la visión detrás de una colaboración que trasciende el diseño de producto para convertirse en una re exión sobre sostenibilidad, artesanía y legado.

«Amamos este lugar porque nos permite expresar nuestra creatividad, nuestra innovación y nuestras alianzas», explicó Laura. «Estar al aire libre, rodeados de arte y naturaleza, multiplica el impacto de esta colaboración con Flamingo Estate y de la historia que queremos contar».

La elección de Flamingo Estate surgió de una anidad profunda entre ambas marcas. Más allá de la estética, comparten una misma losofía: la convicción de que el bienestar y la belleza nacen de una relación respetuosa con el entorno.

«Tenemos un ethos (costumbre) compartido», señaló. «Creemos en cultivar la tierra, cuidar el medio

Una colaboración de alta gama que transforma el baño en un oasis místico y botánico, donde el rigor tecnológico de Kohler se funde con la exuberancia orgánica y la sofisticada materialidad de Flamingo Estate.

ambiente y crear cosas hermosas a partir de materiales naturales. Estamos rodeados por la naturaleza y Flamingo Estate nos ayuda a ampli car ese mensaje». Esa visión estaba presente en cada rincón de la instalación. Una casa de baños brutalista parecía emerger orgánicamente de una pradera indómita de ores silvestres, como si hubiera crecido desde la tierra misma. La propuesta invitaba a reconsiderar el baño no solo como un espacio funcional, sino como un ritual restaurador capaz de desacelerar el cuerpo, calmar la mente y despertar la conciencia sobre la luz, el agua y los materiales.

De hecho, entre los temas centrales de la plática con Laura surgió, sin duda, hablar del hierro fundido, un material con más de un siglo de historia y que curiosamente ha sido emblemático en la historia de Kohler.

Laura recordó que fue su bisabuelo, John Michael Kohler, quien creó los primeros productos de hierro fundido de la compañía hace más de un siglo. Hoy, esa herencia continúa evolucionando.

«(El hierro fundido) es uno de nuestros materiales originales», explicó. «Contiene aproximadamente un

80% de material reciclado, es increíblemente durable y puede subsistir más de cien años. Lo que estamos haciendo es reinterpretarlo a través de nuevas formas, acabados y colores contemporáneos».

En Milán, esa reinterpretación tomó forma en la nueva bañera Reverie, presentada como la pieza central de la instalación. Fabricada en hierro fundido esmaltado y revestida con una auténtica cubierta de cobre, la pieza se convirtió en el corazón luminoso del espacio. Su super cie metálica capturaba la luz natural que atravesaba los vitrales monumentales, mientras más de 200 velas de Flamingo Estate intensicaban la atmósfera de calma y contemplación.

La bañera simboliza la unión entre 153 años de artesanía de Kohler y una nueva exploración en innovación de materiales, donde técnicas tradicionales de moldeado, soldadura y acabado manual dialogan con el diseño contemporáneo.

Cabe destacar que uno de los elementos más singulares de la instalación fueron los cuatro baños para polinizadores distribuidos entre el jardín silvestre. Ideados por Richard Christiansen, diseñados por Kohler y fundidos en la histórica fundición de Wis-

Richard Christiansen, fundador de Flamingo Estate, concibe el diseño como una experiencia puramente sensorial y orgánica, donde la naturaleza indómita se eleva a través de un romanticismo sofisticado y una profunda devoción por la tierra.

consin, estas piezas escultóricas funcionaban como refugios para aves, abejas y otros polinizadores. Cada recipiente presentaba una forma única y extendía la narrativa central de la instalación: la idea de reciprocidad entre el trabajo humano y el mundo natural.

Más que objetos decorativos, eran una declaración de principios sobre cómo el diseño puede contribuir activamente a la biodiversidad y al bienestar de los ecosistemas.

La conversación con Laura Kohler derivó naturalmente hacia el valor de las tradiciones artesanales, un tema especialmente relevante para mercados como México. Ella recordó cómo nació Artisans in industry, un programa impulsado por su padre hace más de cuatro décadas, invitando a artistas a intervenir piezas directamente dentro de las fábricas de Kohler. «Comenzamos trabajando con artistas que decoraban lavabos y otras piezas», explicó. «Después pensamos: ¿por qué no llevar esas creaciones al mercado? Así nació una colección que hoy sigue creciendo». Actualmente, la línea Artisans Traditions reúne colaboraciones internacionales y mantiene vínculos con artistas de distintos países, incluyendo México, donde la riqueza artesanal y el trabajo manual continúan siendo una fuente de inspiración para la marca. Al hablar de la región, Laura destacó la reciente apertura del nuevo Kohler Experience Center en Ciudad de México. Más que un showroom, el espacio fue concebido como una experiencia inmersiva de bienestar. Entre sus principales atractivos se encuen-

tran un spa funcional, sauna, vapor, salas de masaje y una experiencia de contraste térmico que permite experimentar los productos en condiciones reales. «Es un lugar muy especial», comentó. «Queremos que arquitectos, diseñadores y clientes puedan vivir la experiencia completa, entender cómo funcionan nuestros productos y descubrir cómo forman parte de los rituales cotidianos de bienestar».

Para Laura Kohler, la Semana del Diseño de Milán sigue siendo uno de los momentos más importantes para construir puentes entre culturas creativas. «Traemos personas de todo el mundo para que experimenten todo lo que Milán tiene para ofrecer», explicó. «La inspiración que encuentran aquí regresa con ellos a sus estudios, a sus proyectos y a sus comunidades».

La instalación creada junto a Flamingo Estate materializó precisamente esa idea: un espacio donde el diseño se convierte en una herramienta para reconectar con la naturaleza, valorar la artesanía y repensar el bienestar desde una perspectiva más consciente.

Fue así que entre ores silvestres, cobre, hierro fundido, luz natural y rituales de contemplación, The Flamingo Estate Bathhouse by Kohler demostró que el futuro del diseño puede construirse a partir de los mismos elementos que han inspirado a la humanidad durante siglos: la tierra, el agua, la belleza y el tiempo.

la.kohler.com flamingoestate.com

Mujeres que construyen puentes de empatía

Quince arquitectas. Quince trayectorias. Las voces de mujeres que han trazado caminos en una industria históricamente marcada por una brecha de género estructural.

Proyecto conceptual Greta Arcila Entrevistas y textos

Greta Arcila, Martha Lydia Anaya y Manuel Pineda Retratos José Margale

Presentado por:

Durante

años, la arquitectura pareció solo contarse desde una sola perspectiva. Hoy, 15 arquitectas están cambiando esa narrativa desde su trayectoria, obras y decisiones de liderazgo.

A través de conversaciones íntimas y profesionales, arquitectas de la talla de Cristina Grappin, fundadora de Estudio Cristina Grappin, comparte cómo el diseño puede convertirse en una experiencia emocional y sensorial; mientras Michelle Garmendia, desde Legorreta Arquitectos, re exiona sobre el reto de mantener vivo un legado arquitectónico dentro de una industria en constante cambio. La visión colaborativa y humana aparece en voces como la de Marina Leboreiro, cofundadora de Faci Leboreiro, quien aborda la arquitectura desde la investigación y el impacto urbano; del mismo modo, Penélope de la Madrid, directora de ABACA Interiores, explora el vínculo entre interiorismo, bienestar y experiencia cotidiana. Asimismo, el especial da espacio a nuevas generaciones que han construido modelos de trabajo multidisciplinarios. Melissa Falcón y Saraí Noguez, fundadoras de AmoATO, comparten cómo han logrado consolidar un despacho creativo apostando por una arquitectura cercana, experimental y profundamente conectada con las personas.

Por su parte, Susana García, de Serrano Arquitectos, y Alejandra Tornel, cofundadora de HEMAA, hablan sobre los desafíos de liderar equipos, negociar proyectos y abrirse camino dentro de un entorno altamente competitivo donde la presencia femenina aún enfrenta múltiples barreras.

Desde una perspectiva enfocada en el diseño de interiores y la sensibilidad estética, Bibiana Huber, al frente de Huber Design Studio, y Mónica Suberville, socia de Landa + Suberville, comparten cómo han logrado construir rmas con identidad propia, equilibrando creatividad, estrategia y visión empresarial.

La plática continúa con Claudina Flores, fundadora de Estudio Claudina Flores, quien re exiona sobre el papel de la arquitectura emocional y la importancia de diseñar espacios con signi cado.

Por su parte, Marisabel Gómez Vázquez aporta su experiencia en arquitectura de interiores, al destacar la evolución del diseño hacia propuestas más humanas y funcionales.

En el ámbito urbano y social, Loreta Castro, cofundadora de Taller Capital, comparte su visión sobre infraestructura, ciudad y espacio público, y demuestra cómo la arquitectura puede convertirse en una herramienta de cambio colectivo. A su vez, Andrea Maldonado, codirectora de REIMS502, habla sobre innovación, liderazgo femenino y la necesidad de abrir más espacios para nuevas voces dentro de la profesión.

El especial integra también las perspectivas de Mariana Valero y Beatriz Peschard, quienes desde sus respectivas trayectorias re exionan sobre resiliencia, creatividad y el desafío constante de encontrar equilibrio entre la vida profesional, personal y empresarial.

Más allá de hablar sobre arquitectura, estas conversaciones revelan historias de perseverancia, adaptación y visión. Nuestras entrevistadas comparten experiencias sobre la brecha de género, la di cultad de acceder a posiciones de liderazgo, el trato y las negociaciones con clientes e inversionistas, así como la importancia de construir redes de apoyo entre mujeres dentro del ecosistema creativo.

Cada testimonio muestra cómo los desafíos han sido transformados en oportunidades para innovar, colaborar y replantear el papel de la arquitectura contemporánea. Hoy, estas arquitectas no solo diseñan espacios: diseñan nuevas formas de liderazgo, empresa y comunidad.

El resultado es un retrato colectivo de una generación que está cambiando la manera de entender la arquitectura en México y Latinoamérica. Un diálogo honesto sobre talento, sensibilidad, negocio y transformación, donde las mujeres participan y rede nen la industria.

Agradecemos las facilidades prestadas para la realización del shooting a:

Casa Piacere Pedregal. Obra del arquitecto Francisco Artigas

Maquillaje Dannyel Kovoz

Diseño de imagen Glocal Design

Joyería TANE

Cristina Grappin

Estudio Cristina Grappin

¿Qué pasa antes de trazar la primera línea en un plano, previo al render, antes incluso del cliente? Para la arquitecta e interiorista, todo empieza en otro lugar: en la observación silenciosa de cómo vivimos.

Es el ambiente bohemio de las calles de la colonia San Miguel Chapultepec en la Ciudad de México donde se encuentra el Estudio Cristina Grappin, un espacio que entrelaza la pasión por la arquitectura y el diseño con el compromiso de crear atmósferas que narren experiencias. Cristina Grappin, su fundadora y directora, es una arquitecta cuyas raíces se extienden desde el Instituto Tecnológico de Monterrey hasta la Scuola Lorenzo dei Medici en Florencia, Italia. Aunque, su más grande escuela ha sido el mundo mismo: un país, una cultura, una comunidad que han dejado huella muy marcada en su losofía de diseño.

Cristina siempre ha creído que la arquitectura debe ser un re ejo de la identidad de su entorno. Desde pequeña, su búsqueda por entender el espacio la llevó a explorar no solo la estética, sino también cómo cada edi cio, inmueble o casa pueden in uir en la convivencia humana.

Con cada uno de sus trazos y líneas sobre los planos, ella busca adentrarse en la vida de quienes habitarán esos espacios, escuchando historias que, de otro modo, quedarían ocultas tras la pared de un diseño genérico. Es ahí, en ese cruce entre lo social y lo estético, donde ha ido descubriendo los pormenores de su verdadera vocación.

Sin embargo, en esa tarea de ir explorando su camino también le ha tocado sortear la adversidad, sobre todo en un gremio predominantemente masculino en el que los prejuicios han puesto a prueba su determinación. Han sido sus agallas, inteligencia emocional y resiliencia como mujer emprendedora lo que le ha enseñado que, en ocasiones, es necesario ir más allá de lo esperado. «Desde que comencé, sentí la presión de demostrar mi valía y de abrir puertas en lugar de esperar a que se me ofrecieran», enfatiza.

Y ha sido ese ánimo y coraje lo que ha contribuido a que el trabajo de Cristina trascienda fronteras. Así es como ha llevado su enfoque a proyectos en Estados Unidos, España y Arabia Saudita, cada uno de los cuales ha enriquecido su visión con nuevas perspectivas culturales y rituales sociales. De tal modo que, a medida que sus proyectos han ido creciendo en paralelo, también se ha fortalecido su deseo por comprender las capas que componen un espacio.

En particular recuerda un proyecto en Arabia Saudita donde diseñar una casa se convierte en un verdadero desafío cultural: «El tamaño de las áreas sociales debía adaptarse a reuniones familiares que podían abarcar hasta cincuenta personas. Era un mundo nuevo, pero increíblemente fascinante». De hecho, desde el punto de vista cultural implica segregar áreas sociales para hombres y mujeres, usar patios interiores para luz y ventilación, y mantener fachadas ciegas o con celosías para proteger la intimidad familiar, agrega.

¿Quién es Cristina Grappin?

Arquitecta y diseñadora. Se graduó con honores en Arquitectura por el Tecnológico de Monterrey (ITESM) en Monterrey, cuenta con estudios complementarios de Diseño de Interiores en la Scuola Lorenzo de’ Medici en Florencia, Italia. Su firma actual, Estudio Cristina Grappin, es un referente de la arquitectura contemporánea.

Aún con dichas especi caciones, la esencia de Cristina Grappin está presente en cada uno de sus diseños. En su estudio, el aspecto colaborativo es la piedra angular. Trabaja codo a codo con su equipo, comunicándose de forma constante para asegurar que cada detalle, desde elegir los materiales hasta el acomodo de los muebles, con la nalidad de que todo se concentre en crear un ambiente que hable de su entorno. «La iluminación, la altura, la ventilación, todo es parte de una historia», comparte. Para ella, la arquitectura es una danza entre el espacio y sus ocupantes, un diálogo que debe ser cuidadosamente orquestado.

Pero la historia de Cristina no se trata solo de proyectos bellos o de ponderar lo estético. Su decisión de abrir su propio estudio marcó un hito en su vida. «Fue un paso aterrador, pero necesario», con esa. Ser empresaria trae consigo retos únicos, y mientras lidia con la administración y los aspectos operativos de su taller, nunca pierde de vista su objetivo: hacer de la arquitectura un campo más inclusivo, donde más mujeres puedan ocupar roles de liderazgo. «Cada vez que escucho que una mujer está liderando un proyecto, siento que estamos avanzando», dice con un brillo en los ojos. Ser independiente y romper el vínculo profesional de muchos años con su colega Ezequiel Farca se tradujo en una decisión natural en el crecimiento de sus trayectorias individuales. Tras varios años de colaboración fructífera, ambos decidieron tomar caminos distintos para explorar nuevas inquietudes creativas y profesionales. Grappin ha enfatizado que este cambio no representa una ruptura negativa, sino una oportunidad para rede nir su visión y asumir proyectos de manera más personal. Esta nueva etapa le ha permitido experimentar con mayor libertad y rea rmar su identidad dentro del panorama arquitectónico contemporáneo.

Actualmente, Cristina trabaja en un museo cultural en Veracruz, un proyecto que incorpora talleres de participación ciudadana y asistencia con expertos internacionales. A través de este proyecto, espera no solo contribuir al desarrollo de nuevos espacios culturales, sino también inspirar a las generaciones venideras de arquitectas para que se atrevan a soñar en grande.

En los últimos años, Grappin ha consolidado una práctica arquitectónica que destaca por su enfoque sensible hacia el contexto y el usuario. Sus proyectos recientes exploran la correspondencia entre la materialidad y la luz natural, integrando elementos que dialogan con el entorno sin imponer una presencia dominante. Desde residencias privadas hasta espacios comerciales, su trabajo se caracteriza por generar experiencias espaciales que inviten a la contemplación y al bienestar.

cristinagrappin.com

«Más que diseñar espacios, hay que pensar qué le van a provocar a las personas».

Alejandra Tornel

Ceder es fácil, lo difícil en arquitectura es sostener una idea cuando todo empuja en sentido contrario: el cliente, el presupuesto, los tiempos, el ruido...

La arquitecta Alejandra Tornel dice tajante «arranqué mi carrera en obra. Recuerdo perfecto la primera vez que llegué a un sitio de construcción: casco puesto, botas nuevas y una mezcla de emoción e inseguridad difícil de disimular. Era joven y claramente no encajaba en la imagen tradicional de quien da las órdenes. Más de uno dudó cuando empecé a hablar. Pero entendí algo muy rápido: no se trataba de imponer, sino de hacer que las cosas sucedieran a través de las personas», platica Alejandra Tornel, en retrospectiva de su trabajo y trayectoria como socia fundadora del estudio de arquitectura y desarrollo HEMAA.

Ahí descubrió —continúa— que la arquitectura no se trata solo de diseñar espacios, sino de coordinar voluntades, construir con anza y alinear a un equipo completo hacia una misma visión. Y esa lección, con el tiempo, se volvió el eje de todo.

Con los años —y ya emprendiendo— entendió que uno de los músculos más importantes que desarrollas como arquitecta y empresaria es el de construir equipos. «No basta con tener una buena idea; necesitas que otros la entiendan, la crean y la ejecuten contigo. Y para eso, la claridad lo es todo: claridad en la visión, en las decisiones y en el rumbo».

También aprendió algo que parece obvio, pero que muchas veces se pasa por alto: las expectativas mal alineadas son una receta segura para el fracaso. Si un cliente imagina algo distinto a lo que puedes ofrecer, el proyecto nace con fricción. Por eso, una parte esencial de su trabajo no es solo diseñar, sino comunicar —y comunicar bien— desde el inicio.

En el camino, la paciencia se ha vuelto una aliada indispensable en el quehacer de Alejandra, en conjunto con el equipo de HEMAA. «Hoy vivimos en una cultura de inmediatez donde todo parece suceder rápido, pero la realidad es otra: un despacho se construye con tiempo. Hay momentos en los que los proyectos orecen, pero el negocio aún no despega; otros en los que el negocio crece, pero los procesos internos siguen ajustándose». Aprender a convivir con ese desfase ha sido parte de su proceso de aprendizaje y crecimiento.

Recuerda de manera muy especial un consejo que la marcó profundamente en uno de los primeros proyectos importantes en HEMAA. Fue el arquitecto Benjamín Romano quien le dijo algo muy simple: «Don’t compromise». «No comprometan el proyecto, frase con la que nos advirtió que encontraríamos obstáculos, presiones, momentos de duda. Y tenía mucha razón. Pero aferrarnos a esa idea —a no soltar la esencia del proyecto— fue lo que nos permitió llegar al resultado que imaginábamos», señala la arquitecta.

Pabellón De La Reserva. Un volumen de

discreción sobre el terreno,

¿Quién es Alejandra Tornel?

Es socia y arquitecta cofundadora del estudio HEMAA, con sede en Ciudad de México. Junto a José Miguel Fainsod y Santiago Hernández Matos, en 2011 fundó el despacho, enfocándose en la integración de arquitectura con su contexto, en la atención meticulosa al detalle y en crear atmósferas habitables. Estudió arquitectura en la Universidad Iberoamericana (UIA) de la Ciudad de México, donde cursó sus estudios entre los años 2000 y 2005.

Otro aprendizaje clave llegó en la pandemia. En medio de la incertidumbre, entendieron que no todo es producir y avanzar: también hay que hacer pausas. Para el despacho, eso se tradujo en rituales cotidianos: ejercicio, lectura, momentos de silencio. «Además, instauramos algo que hoy es inamovible: cada lunes hacemos un ejercicio de planeación. Nos obligamos a hacer zoom out, a recordar hacia dónde vamos. Porque cuando te enfocas solo en los problemas inmediatos, es fácil perderte; pero cuando ves el panorama completo, todo cobra sentido».

Ser mujer en la arquitectura ha sido, sin duda, un camino particular para Alejandra. En la época en que decidió estudiar esta carrera, todavía era común que preguntaran «si había muchas mujeres ahí». Hoy, afortunadamente, el panorama es distinto. Cada vez vemos más mujeres que lideran despachos, toman decisiones y transforman ciudades», menciona.

Para Alejandra esto no es casualidad: «Creo que las mujeres aportamos una sensibilidad especial a los espacios: una manera de pensar en cómo se habitan, cómo se sienten, cómo acompañan la vida cotidiana. No es mejor ni peor, es distinta. Y esa diferencia ha enriquecido profundamente la arquitectura contemporánea».

A quienes van empezando —sobre todo a las jóvenes arquitectas y emprendedoras— la profesional dice que les diría algo muy concreto: confíen en su intuición. «Esa voz interna que te dice que algo no está bien, aunque alguien con más experiencia diga lo contrario, es valiosa. Aprendan a escucharla y, sobre todo, a expresarla».

Agrega que también les diría que no tengan miedo de alzar la voz. MPues se cree que, a veces, por ser las más jóvenes o las menos experimentadas deben guardar silencio. «Pero la realidad es que una buena idea puede venir de cualquier lugar, y muchas veces esa mirada fresca es la que aporta equilibrio al proyecto».

Hoy, después de años de práctica, la arquitecta señala que si tuviera que resumir su losofía en una idea sería: «buscamos hacer arquitectura que sea, antes que nada, buena. Espacios bien pensados, bien construidos, que envejezcan con dignidad y dialoguen con su contexto. No importa si es un gran edi cio o un espacio pequeño; al nal, siempre diseñamos para personas».

Y en ese proceso, dice Alejandra, hay algo que sigue siendo fundamental y que a veces olvidamos: escuchar. «Escuchar al cliente, al equipo, al contexto. Porque muchas veces, escuchar bien es más importante que dibujar rápido».

Al nal del día, construir arquitectura es también construir historias. Y cada proyecto, cada equipo y cada decisión forman parte de la misma: una historia que, con tiempo, paciencia y convicción, va tomando forma.

hemaa.mx

Pag. izquierda: Casa Rancho Avandaro. Una reinterpretación contemporánea de la tipología campestre, donde los techos a dos aguas y la piedra local entablan un diálogo silencioso con el entorno boscoso de Avándaro. Pag. derecha: EdificioFerrocarril Un volumen que destaca por su sobriedad geométrica y el respeto a la escala preexistente, logrando una pieza residencial y de usos mixtos que enriquece el tejido histórico circundante.

Andrea Maldonado

Desde sus primeros pasos en la universidad hasta su rol actual como socia en REIMS502, Andrea ha construido un camino que combina curiosidad, disciplina y una profunda sensibilidad.

«Recuerdo perfectamente ese día. Estaba todavía en la universidad, con esa mezcla de emoción y nervios de quien sabe que está a punto de entrar —aunque sea un poco de manera informal— al mundo profesional». Así comienza Andrea Maldonado a mirar hacia atrás su historia en REIMS502, un camino que no empezó con un contrato formal, inició con un concurso de arquitectura en el que participó mientras aún estudiaba la carrera.

Fue ahí, entre planos, ideas y la guía de uno de sus profesores, donde conoció a Eduardo Reims y al despacho homónimo que, sin saberlo entonces, se convertiría en su espacio de crecimiento profesional por los siguientes años.

«Todo se dio de manera muy orgánica», cuenta Andrea. «Primero fue el concurso, luego empecé a colaborar, y después ya me quedé de manera ja en el despacho. Pero en cada proyecto me daba cuenta de algo: de todo lo que me faltaba por aprender».

Como muchas arquitectas jóvenes, ella vivió ese momento clave en el que la teoría de la escuela se enfrenta a la complejidad real de la práctica profesional. «La transición de la escuela al despacho es un golpe de realidad muy fuerte. Te das cuenta de que diseñar no es solo una idea bonita, sino un proceso complejo, con tiempos, equipos, decisiones y mucha responsabilidad».

En ese proceso, más que frustración, encontró curiosidad. Entendió que su camino no era «saberlo todo», lo primordial era aprender a observar, cuestionar y construir criterio dentro de un entorno real. Ese aprendizaje constante fue marcando su permanencia en REIMS502.

Desde su perspectiva, uno de los puntos que más ha de nido su trayectoria no fue un proyecto en especí co, fue algo menos visible, pero fundamental en su quehacer diario: establecer mecanismos internos dentro del despacho.

«Creo que mi participación se consolidó mucho cuando empezamos a estructurar procesos y manuales de trabajo. Más allá de los proyectos arquitectónicos, nos enfocamos en el back o ce, en cómo organizamos la o cina».

Casa Pukkun logra una perfecta mímesis con el paisaje local a través de una paleta material honesta y una volumetría limpia que prioriza la conexión interior-exterior.

¿Quién

es Andrea Maldonado?

Es arquitecta egresada de la Universidad Anáhuac Querétaro, con más de cinco años de experiencia aplicando herramientas gráficas al mundo de la arquitectura. Actualmente lidera proyectos en el despacho REIMS 502, uno de los estudios más reconocidos en el país por su enfoque innovador en proyectos de alta especialización. Con sede principal de operaciones en Querétaro, el despacho busca la densificación urbana y la reactivación de centros existentes a través de un diseño consciente y sensible al contexto.

«Ese trabajo —explica— no solo trajo orden, sino una forma más consciente de ejercer la arquitectura. No se trataba de repetir proyectos, sino de repetir procesos que nos permitieran ser más e cientes, más claros, más asertivos. Y eso, al nal, liberaba tiempo y energía para lo más importante: pensar mejor la arquitectura».

En ese equilibrio entre rigor y sensibilidad se encuentra una de las bases de la losofía del despacho: una arquitectura que nace de la investigación, la observación y el contexto, más que de fórmulas prefabricadas.

En ese entorno, hablar de su trayectoria como mujer arquitecta no la lleva a un discurso de confrontación, sino a una re exión más matizada sobre esta perspectiva.

«Yo he sido muy afortunada. Desde la escuela hasta la práctica profesional he estado en entornos de respeto, donde mi trabajo ha sido valorado». Sin embargo, reconoce que ese no ha sido siempre el caso en la industria: «La arquitectura es una disciplina aún dominada por hombres, y aunque eso está cambiando, todavía hay momentos en los que ser mujer implica demostrar constantemente tu criterio».

En su caso, la experiencia ha sido distinta, incluso desde la universidad. Recuerda que su generación era pequeña, pero con una presencia femenina signi cativa, algo que contrastaba con la narrativa tradicional de la arquitectura. «En mi generación éramos muy pocas personas, pero la mayoría éramos mujeres. Y muchas de ellas eran muy comprometidas, muy talentosas. Algunas, incluso terminaron destacando más que sus compañeros». Años después, al volver como profesora, de nuevo vio el cambio: generaciones más equilibradas, con mujeres cada vez más presentes y competitivas en el campo profesional.

Con los años, Andrea ha comprendido que uno de los mayores retos de la arquitectura no está en el diseño, sino en las personas. «El reto más importante —a rma— siempre es el factor humano: en cómo consolidar equipos de trabajo.

«Tener procesos claros nos permite que, sin importar quién esté dibujando o desarrollando un proyecto, haya una coherencia en el resultado. Eso da estabilidad al equipo», señala.

Hoy, como socia de REIMS502, su rol ha evolucionado hacia la toma de decisiones más estratégicas, tanto en diseño como en la operación del despacho. Aunque reconoce que sigue en un proceso de aprendizaje, también destaca la importancia del trabajo en equipo y la experiencia compartida. Al respecto señala que «Eduardo tiene muchísima más experiencia que yo en esta parte, así que sigo aprendiendo todos los días. Pero el intercambio de ideas hace que las decisiones sean más completas».

Andrea mira hacia adelante con una re exión sobre el momento actual de la arquitectura, marcado por la tecnología y la Inteligencia Arti cial (IA). «El reto más grande es no perder la capacidad de observar. El riesgo no está en las herramientas digitales en sí, sino en lo que podrían reemplazar si no se usan con conciencia.

«Me gustaría que las nuevas generaciones no pierdan el pensamiento crítico ni la sensibilidad. La arquitectura no es solo e ciencia o velocidad, es impacto en las personas, en las ciudades, en la vida. La arquitectura tiene la capacidad de transformar realidades. Y eso es algo que nunca deberíamos olvidar».

reims502.com

Claudina Flores

Estudio Claudina Flores

En una industria que durante años ha privilegiado las especializaciones rígidas, Claudina ha construido una trayectoria que desafía las categorías tradicionales.

Desde muy temprano en su carrera, Claudina Flores entendió que su camino no sería lineal. Recuerda esos primeros años —hace más de 15— como una etapa profundamente retadora: moverse entre el diseño industrial, el interiorismo y la arquitectura no era bien recibido en una industria marcada por estructuras rígidas. Hubo momentos en los que sintió que debía demostrar el doble para ser tomada en serio. Y lo hizo. Si había que entregar dos propuestas, entregaba cuatro. Si una idea debía sostenerse, la defendía con preparación, creatividad y una visión clara. Aquellos retos, lejos de frenarla, se convirtieron en el impulso que dio forma a su voz profesional. Hoy, esa disciplina que alguna vez le generó dudas es la esencia de su práctica. Claudina no se de ne por una sola etiqueta: no es arquitecta, ni interiorista, ni diseñadora; es la convergencia de todas. Con el tiempo, entendió que el verdadero valor no estaba en encajar, sino en construir una identidad propia dentro del o cio y potenciarla.

A lo largo de su trayectoria, ha desarrollado una visión del diseño que va mucho más allá de lo estético. Para ella, no se trata solo de crear espacios bellos, lo esencial es construir experiencias, relaciones y redes de colaboración que generen un impacto positivo. Cada proyecto es una oportunidad para incidir tanto en quienes habitan los espacios, y también en quienes los construyen, en los o cios involucrados y en las comunidades que forman parte del proceso.

Esa mirada integral también es lo que rede nió el concepto de su resultado. Para Claudina, el valor de un proyecto no radica solo en su entrega nal, consiste en reconocer todo lo que sucede en el camino: las personas que se integran, el talento que se impulsa y los procesos que se digni can. Su trabajo se sostiene en una práctica sensible, estratégica y profundamente humana, donde el diseño se convierte en una losofía que responde con empatía a la vida de las personas, al contexto y a la materia.

Emprender, en su caso, no fue una meta aislada, sino una consecuencia natural de su forma de ser. A su vocación creativa se suma una fuerte preferencia por la gestión, el trabajo colaborativo y la formación de equipos. Durante más de siete años como docente, ha trabajado con más de 500 alumnos, una experiencia que —asegura—, ha sido tan enriquecedora como su práctica profesional. Disfruta aprender de otros, rodearse de talento y generar espacios donde distintas disciplinas se encuentren.

En los momentos difíciles, encuentra sostén en dos pilares: la responsabilidad hacia quienes confían en ella —clientes, colaboradores y proveedores— y una vocación profunda por su o cio. Para ella, el diseño y la arquitectura no son solo una profesión, es una forma de pensar, imaginar y construir realidades. Esa convicción es la que le permite avanzar incluso en los contextos más complejos.

¿Quién es Claudina Flores?

Diseñadora y arquitecta mexicana cuya trayectoria se distingue por su constancia y pasión en la práctica de estas dos vertientes. Su formación académica abarca una Licenciatura en Diseño Industrial, en el Tecnológico de Monterrey (2009); una Maestría en Arquitectura y Diseño de Ambientes, en la University of New South Wales, en Sydney, Australia (2012), y un Posgrado en Iluminación Arquitectónica y del Objeto, en la Universidad Politécnica de Cataluña, Barcelona (2017).

Desde Estudio Claudina Flores, lidera hoy proyectos residenciales, comerciales y de hospitalidad dentro del segmento de lujo, siempre bajo una losofía que valora el proceso tanto como el resultado. Su enfoque privilegia la experimentación, el tiempo necesario para madurar las ideas y el desarrollo de metodologías que re ejan una manera consciente de hacer diseño.

Su trabajo se distingue por una mirada re exiva, atemporal y sostenible. Le interesa explorar nuevas formas de habitar los espacios, integrando materia, cultura, identidad mexicana y experiencia sensorial. La experimentación material —heredada de sus estudios profesionales en diseño industrial— es una constante en su proceso creativo, así como la curiosidad por descubrir nuevas posibilidades.

A esto se suma una convicción clara: el diseño debe ser consciente. Claudina apuesta por trabajar con materiales honestos, procesos responsables y talento mexicano, incorporando o cios que forman parte de la riqueza cultural del país. Más que seguir tendencias globales, su interés está en construir proyectos con identidad, permanencia y una profunda sensibilidad hacia el contexto.

Para las nuevas generaciones, su mensaje es claro: volver hacia adentro. En un mundo saturado de información, considera fundamental reconocer los propios talentos, desarrollarlos con profundidad y construir una voz auténtica. El ejercicio introspectivo, la curiosidad y el desarrollo de una sensibilidad propia son, desde su perspectiva, las herramientas más valiosas para quienes buscan abrirse camino en el ámbito creativo.

estudioclaudinaflores.com

Taller de Artes y Oficios es un santuario análogo que celebra el proceso creativo, envolviendo el espacio en piedra natural y tejidos de telar ancestrales.

Sin limitarse a una sola etiqueta, el trabajo de Claudina Flores integra

Loreta Castro

Taller Capital

Una mirada profunda a la trayectoria de la arquitecta que transformó la infraestructura hídrica en un manifiesto de diseño social y resiliencia urbana.

La arquitectura no es una disciplina que se ejerce en horarios cuadrados de 9am a 6pm; es una forma distinta y bastante multifacética de habitar el mundo, argumenta desde su visión la arquitecta Loreta Castro Reguera, cofundadora de Taller Capital junto a José Pablo Ambrosi en 2010. Formada en la UNAM, con estancias en la Academia de Mendrisio, en Suiza, y una maestría en Harvard, su percepción trasciende el objeto construido para enfocarse en una dualidad clara: la práctica inmobiliaria y la investigación urbana. En un entorno profesional donde los hombres suelen dictar las reglas, Loreta ha navegado con una estrategia distinta, una que ella de ne como «tejer», más que «imponer». Para ella, el arquitecto posee una responsabilidad casi metafísica que la apasiona: «A mí me encanta pensar la profesión así: como personas que tenemos el superpoder de imaginarnos el futuro y de que ese futuro se construya».

La losofía de Castro Reguera se aleja de la estética super cial. Para ella, el diseño urbano es una herramienta de gestión, especialmente en la Ciudad de México que mantiene una relación con ictiva con su propia cuenca. Su enfoque no ve al parque como un simple ornato verde, lo concibe como una pieza de infraestructura descentralizada capaz de manejar el agua de forma «suave» o sostenible. Esta perspectiva requiere una lectura que atraviesa el asfalto. «Nosotros vemos al espacio público no como una cubierta que cubre la super cie, sino como anclas que vinculan las capas más profundas con las superiores y nalmente con la atmósfera», explica. Esta capacidad de vincular lo invisible con lo cotidiano es lo que le ha permitido rehabilitar zonas donde el tejido urbano se considera «roto». Esta visión horizontal es, según su experiencia, una de las grandes virtudes de la sensibilidad femenina en el territorio. Mientras la tradición arquitectónica del siglo XX solía llegar al sitio con una idea predeterminada, Loreta propone un entendimiento de las capas sociales y ambientales antes de trazar la primera línea. Los proyectos en Taller Capital no surgen de un chispazo individual, emanan de una discusión abierta y rigurosa en la mesa de diseño. «Un proyecto bien planteado tiene mucha discusión. Normalmente se sintetiza en una oración que es el resultado de una pregunta que nos hacemos del sitio; respondemos a esa pregunta con una oración y a esa oración con un proyecto».

El Jardín de Agua Xolox es una obra de infraestructura pública y paisaje en Tecámac, Estado de México, concebida como un espacio recreativo que funciona simultáneamente como un embalse para capturar escurrimientos, mitigar inundaciones y almacenar agua de lluvia para la comunidad.

¿Quién es Loreta Castro Reguera?

Es una arquitecta y diseñadora urbana mexicana reconocida por su enfoque en el agua como infraestructura clave en las ciudades. Cofundadora de Taller Capital junto a José Pablo Ambrosi; ha desarrollado proyectos que integran espacio público y soluciones hídricas. Estudió en la UNAM, la Academia de Arquitectura de Mendrisio y cuenta con una maestría en Diseño Urbano por la Universidad de Harvard GSD. Su trabajo aborda desafíos como la escasez de agua, las inundaciones y la resiliencia urbana.

«El espacio público no es una cubierta super cial; son anclas que vinculan las capas más profundas de la tierra con la atmósfera».

En 15 años de trayectoria, el camino de la o cina ha enfrentado momentos críticos, incluyendo crisis nancieras que pusieron en duda la continuidad del despacho. Sin embargo, Loreta ha sabido diversi car su «red de seguridad» a través de la academia y su práctica investigativa, evitando poner todos los huevos en la misma canasta profesional.

Ser profesora en la Facultad de Arquitectura y en universidades internacionales como UCLA o Harvard no ha sido solo una labor docente, sino una estrategia de supervivencia y validación. Fue a través de la investigación académica que logró abrir puertas que el mercado profesional le cerraba. «Esa es una estrategia muy femenina: no estás compitiendo de frente en un camino masculino, sino que vas trabajando en paralelo y entras por otro lugar», re exiona.

Como madre, esposa y socia de su propio compañero de vida, la arquitectura se mezcla con la crianza y el arte. Para Loreta, el bordado no es solo un hobby, es en esencia una extensión de su pensamiento creativo, una pausa necesaria frente a la dureza técnica de la construcción. Admiradora de guras como Peter Zumthor —su mentor— y de la artista Louise Bourgeois, busca una vida con propósito donde el diseño sea, ante todo, útil.

Su meta no es la acumulación de metros cuadrados o de capital, sino satisfacer las condiciones de vida en los lugares donde interviene. «Mi objetivo es que lo que hagamos aquí sea de utilidad a la ciudad y poder enfocarnos en lo que nos gusta, que es diseñar esa ciudad que es mejor para muchos», concluye con la serenidad de quien sabe que su obra, al igual que sus bordados, se construyen puntada a puntada, con mucha paciencia y enfoque.

tallercapital.mx

«Mi estrategia femenina no es competir de frente en un camino masculino, sino tejer una red paralela y entrar por donde otros no ven la puerta».

Pag. izquierda: Palacio Municipal de Iguala

La Reconstrucción del Palacio Municipal de Iguala y la renovación de sus plazas centrales en Guerrero es un proyecto que sustituyó la antigua sede gubernamental destruida tras un incendio, erigiendo un nuevo edificio público y abierto que emplea una galería porticada modular e integra de forma accesible tres plazas cívicas peatonales con amplias áreas de ventilación natural.

Pag. derecha: Parque Represo Colosio en Nogales

Ganadora del premio internacional MCHAP Emerge, es un parque inundable mediante un sistema geométrico de muros de gavión, permitiendo mitigar inundaciones y limpiar el agua al tiempo que ofrece canchas, miradores y áreas recreativas.

Marisabel Gómez Vázquez

Arquitectura de Interiores

Lejos de entender el interiorismo como una práctica estética, Marisabel ha construido una filosofía que redefine la manera en que se conciben los espacios con visión empresarial, identidad cultural y funcionalidad.

El interiorismo del JW Marriott Guadalajara reinterpreta la elegancia contemporánea al fusionar texturas de lujo moderno con sutiles homenajes a la cultura jalisciense, integrando elementos inspirados en la charrería, el mariachi y la tradición tequilera en cada una de sus estancias.

El space planning y la operación del espacio son la base del diseño arquitectónico, priorizando la funcionalidad sobre la apariencia.

¿Quién es Marisabel Gómez Vázquez?

Fundadora de Arquitectura de Interiores (AI) en 1981, firma pionera en México especializada en hotelería de alta gama con más de 450 proyectos realizados. Es una estratega del space planning que integra la visión del inversionista, la operadora inmobiliaria y el huésped.

Para Marisabel Gómez Vázquez, el interiorismo especializado no es una cuestión de estética super cial ni de «vestir espacios», sino de una logística profunda y operativa. Desde la fundación en 1981 de su rma Arquitectura de Interiores, en Guadalajara, el enfoque ha sido disruptivo: crear el diseño arquitectónico partiendo desde el interior. «Vemos la logística, el funcionamiento, la operación... creamos el diseño arquitectónico desde el interior. Hacemos alianzas con los arquitectos de la estructura general, pero nosotros diseñamos el space planning, es decir, cómo funciona el espacio antes de decidir cómo luce», comparte.

Esta metodología implica entender que en cada proyecto coexisten tres —y a veces cuatro— clientes en uno solo. Primero, la visión del inversionista y su plan de negocios; segundo, la marca operadora y sus estándares globales; tercero, el huésped y su comportamiento. El cuarto pilar es la propia exigencia de calidad de la rma. «Diseñamos negocios, no una casa que haces a tu gusto o capricho. Aquí no hay divos ni hay caprichos; tomamos en cuenta datos duros. El inversionista te respeta cuando hablas en sus necesidades y le aseguras que su inversión va a envejecer con dignidad», enfatiza.

Dicha capacidad de hablar el lenguaje nanciero le permitió romper techos de cristal hace cuatro décadas. Marisabel recuerda con humor, pero con rmeza, los retos de ser mujer en un entorno dominado por hombres: «Alguna vez un gran señor me dijo: ‘A ver, niña, tú ponlo muy bonito, nada más que no me cueste más’. No me ofendió, pero vi una veta donde las mujeres aportamos una sensibilidad que los hombres a veces no tienen paciencia para entender».

Un rasgo distintivo de su trayectoria es lo que ella denomina el «GPS del proyecto» o la narrativa del diseño. Marisabel rechaza las imposiciones estéticas genéricas y aboga por un respeto profundo a la idiosincrasia de cada lugar. «Para las rmas extranjeras es difícil entender a México, y a nosotros no nos gusta que nos impongan un ‘cómo es México’ que no sentimos real. Incluimos la parte cultural de forma sutil; no es lo mismo diseñar en Cancún que en la Riviera Maya», señala.

Para ella, el éxito radica en conectar con el espíritu local sin caer en caricaturas. «El alma del proyecto se siente en los pequeños detalles. En México tenemos 62 lenguas y una riqueza maravillosa. Nuestro trabajo es que el huésped se lleve un pedacito de esa cultura, ya sea huichol o caribeña, de una manera tan sutil que le hable al espíritu, no solo a la vista». Esta losofía la llevó a recibir uno de sus mayores reconocimientos en La Habana, donde diseñadores locales elogiaron su trabajo diciendo: «Esto sí es Cuba». Para Marisabel, eso es conectar con el ADN local sin imponer una visión externa.

A lo largo de 45 años, Marisabel ha enfrentado crisis inmobiliarias y pandemias globales con una frase de cabecera: «No pasa nada». Para ella, los momentos difíciles son simplemente invitaciones a reconstruirse. «A veces vas en una zona de confort y te cambian la carretera. Hay que decir: se quitó la carretera, pero no me quité yo ni nuestros valores. Las oportunidades aparecen cuando estás en crisis; hay que vivir en tenis, ser exible y moldeable».

Hoy, ese legado trasciende a través de sus hijos y de un ecosistema de empresas que incluyen consultoría de arte y nuevas rmas de arquitectura como Arquiterra. Su enfoque de liderazgo se basa en crear comunidad y respetar los procesos de su equipo, algunos de los cuales la han acompañado por casi cuatro décadas.

A las nuevas generaciones, Marisabel las invita a la curiosidad constante y al respeto por el propósito. «Deténganse a buscar qué es lo que las mueve y para qué son buenas. El talento se desarrolla y las herramientas se aprenden, pero la pasión es lo que te distingue. Hay que interesarse en las cosas para hablarle con respeto tanto al cliente como al carpintero. Ese es el valor agregado que te hace valiosa como persona y como profesional».

ainteriores.mx

«La capacidad de adaptación a crisis y cambios ha sido clave para sostener y transformar nuestra práctica a lo largo del tiempo».

Marina Leboreiro

Faci Leboreiro

Marina ha construido un refugio creativo donde la arquitectura dialoga con la maternidad y la independencia económica. Una apuesta por el oficio y la sororidad como motores de transformación.

Para Marina Leboreiro, la arquitectura y el interiorismo no han sido solo disciplinas creativas, sino anclas vitales profundas. Fundadora de Faci Leboreiro hace 15 años junto a su «alma gemela» profesional, el arquitecto Carlos Faci, Marina ha trazado una trayectoria donde el espacio habitable se entrelaza con la experiencia humana más esencial.

En un gremio que apenas comenzaba a dar al interiorismo el peso que merece, ella supo ver en lo micro —desde el diseño de un lavabo— la oportunidad de construir una de las rmas más in uyentes de México. Hoy, su voz es indispensable no por su talento estético, sino por su valentía al hablar de la maternidad, la vulnerabilidad y la independencia económica como herramientas de poder femenino. Uno de los pilares que de nen a Marina es su identidad como «mamá arquitecta». Para ella, la maternidad no es un tema doméstico, sino una lente a través de la cual entiende el espacio. «Muchas veces me preguntan cómo le hago, y la verdad es que es un logro mezclar ambos mundos», con esa. Marina identi ca la culpa como uno de los mayores retos que enfrentan las mujeres en el medio, una carga que no se le impone a los hombres: «A ningún hombre, en una obra, le preguntan quién está cuidando a sus hijos. A nosotras sí».

El balance no es un estado de paz constante, es un trabajo de salud mental y apoyo colectivo. Reconoce en su socio, Carlos Faci, a un aliado fundamental que permite que la empresa sea un espacio exible donde la vida personal no es un obstáculo, sino un nutriente. «Este despacho funciona porque existe Carlos; hemos encontrado la manera de balancear las agendas para que yo pueda ser mamá y arquitecta sin que el negocio se descuide».

La historia de Faci Leboreiro comenzó de forma intuitiva, con mesas de plástico y laptops escolares, pero con una disciplina nanciera férrea heredada de familias de actuarios. Lo que empezó como una especialidad en interiores —un campo que entonces estaba «muy verde» en México— les permitió crecer con agilidad, interviniendo desde o cinas corporativas como las de ASICS hasta hitos de la hospitalidad como el hotel Presidente Intercontinental México en Polanco, y los restaurantes de Grupo Zeru, incluyendo el rediseño de Zeru (sucursal San Ángel y Lomas), caracterizados por un estilo mediterráneo con materiales cálidos. Su propuesta se enfoca en crear experiencias so sticadas, funcionales y profundamente humanas.

Ubicado en el pueblo costero de Troncones, Guerrero, Cuattro Casa de Café es un oasis de diseño biofílico por Faci Leboreiro que se articula con absoluta discreción y honestidad material alrededor de los árboles preexistentes del sitio, integrando una cafetería, restaurante, panadería y tienda artesanal bajo una atmósfera serena.

¿Quién es Marina Leboreiro?

Cofundadora de Faci Leboreiro, despacho con 15 años de trayectoria especializado en arquitectura e interiorismo de alto impacto, Marina es egresada de la Universidad Anáhuac con una especialidad en Diseño de Interiores. Su trabajo ha sido reconocido por su capacidad de fusionar la estética conceptual con la utilidad técnica en sectores residenciales, corporativos y de hospitalidad.

Pag. izquierda: Victoria Ámbar es una mística joyería de 40 metros cuadrados en San Cristóbal de las Casas, Chiapas, cuyo interiorismo rinde homenaje a los textiles de los Altos de Chiapas. Pag. derecha: Zagala es un restaurante de cocina española ubicado en una casona de los años 50 en las Lomas de Chapultepec, Ciudad de México; es un espacio que rinde homenaje a la vida campestre.

En la actualidad, esa línea entre el interiorismo y la arquitectura se ha borrado en proyectos como su obra en Troncones, Guerrero. «Es un proyecto muy poético donde ya fuimos más arquitectos. Amo México, amo el sol y ahí logramos un habitar que me llena de orgullo», explica. Su aportación femenina al despacho es una «maternidad instintiva» traducida en liderazgo: un vínculo horizontal con su equipo y una sensibilidad especial para intuir la personalidad de sus clientes, transformando la empatía en una herramienta de venta y creación.

Marina es franca al hablar de las tormentas personales: desde divorcios complejos hasta enfermedades familiares. En todos esos casos, su carrera fue su salvación. «Mi independencia económica fue una verdadera maravilla en momentos de crisis. El trabajo es lo que me hace sentir viva y feliz». Por ello, su mensaje para las nuevas generaciones de arquitectas es contundente: no abandonen. Ante la tasa de deserción de mujeres que el sistema patriarcal empuja hacia el hogar, Marina aboga por la profesionalización y el dominio del o cio. «Aprendan de paneles de yeso, de pintura, de obra. Empápense de la realidad del espacio. Las nuevas tecnologías no tienen sentido sin el sustento del o cio». Al día de hoy, Marina Leboreiro se encuentra en un momento de re exión y orgullo, rea rmando que la arquitectura es, por encima de todo, un compromiso con la vida misma.

facileboreiro.com @marinaleboreiro

Michelle Garmendia

Legorreta Arquitectos

Directora de Diseño de Interiores en Legorreta, Michelle Garmendia ha trazado una ruta de perseverancia y rigor, transformando la sensibilidad en una herramienta de alta dirección y respeto en la obra.

«Hacer las cosas bien desde el principio es lo que habla de tu calidad como persona y profesional».

Lo que comenzó como una posición de becaria recién egresada, se transformó, tras un breve paréntesis y un MBA, en una dirección de área. Así fue cómo la llegada de Michelle Garmendia a la rma de Legorreta Arquitectos marcó el inicio de una carrera que hoy suma casi 20 años. Hoy, siendo directora de Diseño de Interiores del despacho, Michelle no solo lidera proyectos de escala internacional, sino que encabeza un cambio generacional donde la presencia femenina en puestos de decisión es una realidad.

Egresada de la carrera de Arquitectura, su formación técnica se complementa con una visión estratégica que la llevó a fundar el primer diplomado de diseño de interiores en la UNAM. Para ella, la arquitectura ha dejado de ser una disciplina encajonada en el «proyecto y obra» para abrirse a un abanico donde disciplinas como el interiorismo y el paisajismo juegan roles protagónicos.

Bajo este nuevo panorama, Michelle identi ca una aportación femenina crucial: la minuciosidad. Según explica, la mujer suele ser más dedicada y detallista, capaz de otorgar confort y una sensación cozy (íntima, cálida y cómoda) a los espacios, algo que a menudo se pierde en la visión masculina de gran escala.

En un entorno que históricamente ha sido dominado por hombres, Michelle recuerda con claridad los retos de supervisar obras de gran magnitud, como el complejo de usos mixtos Miyana, ubicado en el barrio Nuevo Polanco en la Ciudad de México. En estos espacios, donde la mano de obra masculina siempre ha predominado, el desafío principal ha sido establecer una línea de respeto sin perder la amabilidad, pero manteniendo una rmeza absoluta.

Al respecto, ella recuerda anécdotas donde su juventud y género eran puestos a prueba por los trabajadores. Fue entonces cuando la actitud: «Me lo entregas y de aquí no me voy», se convirtió en su consigna para asegurar que la calidad no se va a sacri car por la prisa o la falta de rigor. Con esa que «tratar con los hombres dentro de una obra ha sido un verdadero challenge (reto). Ganarse el respeto, sin ser grosera, pero sí marcando líneas para que valoren y reconozcan tu trabajo y tu autoridad es fundamental».

Esta autoridad también se ha extendido al trato con clientes, sobre todo los internacionales. En ciertas regiones donde la cultura aún privilegia la gura masculina, Michelle ha tenido que imponer su jerarquía. «Nos ha costado dar el golpe de ‘yo soy la directora del área, lo tienes que ver conmigo’», comenta sobre la resistencia con la que a veces se ha topado en el extranjero. Para ella, el equipo ideal es aquel que equilibra la estructura masculina con la empatía femenina.

¿Quién es Michelle Garmendia?

Es directora de Diseño de Interiores en Legorreta Arquitectos, firma donde ha forjado una trayectoria de 16 años. Arquitecta con un MBA y fundadora del primer diplomado en interiorismo de la UNAM, destaca por su liderazgo en obras de gran escala como Miyana. Además de su labor corporativa, es una emprendedora del sector mobiliario y una firme defensora del detalle y la equidad femenina en la arquitectura.

De manera paralela a su labor en el despacho, Michelle ha explorado su faceta como emprendedora-empresaria a través de su propia marca de mobiliario. «El emprendimiento –dice–, le ha enseñado la importancia de hacer comunidad». En un mercado competitivo, ella ha encontrado un sistema de apoyo en otras mujeres emprendedoras para intercambiar técnicas y estrategias.

En su opinión, la clave de la supervivencia de una empresa emergente radica en la constancia y en evitar la dispersión que a veces causan herramientas como las redes sociales. «El ser emprendedor no es para todos. Tienes que ir haciendo cosas que ni tú misma sabes que tienes que hacer. Si empiezas sin pies ni cabeza, es cuando cuesta trabajo. Muchas empresas mueren porque no tienen una ruta trazada», advierte.

Su consejo para quienes inician en dicha labor recaer en la claridad: marcar rutas con metas a corto, mediano y largo plazo y, sobre todo, mantener un orden impecable.

Sin embargo, Michelle reconoce que el equilibrio personal es el reto más difícil de conquistar. Con la madurez profesional ha llegado también la valoración del tiempo propio. Utiliza una analogía para describir este dilema: el trabajo es una pelota de goma que puede rebotar si cae, pero la familia es una pelota de cristal. Así pues, «la pelotita del trabajo la puedes aventar para abajo y sin duda rebotará. Pero la de la familia no; la lanzas e invariablemente se romperá», re exiona.

Por último, su mensaje para las nuevas generaciones de arquitectas se enfoca en que no le tengan miedo al empoderamiento real. Insta a las jóvenes a no detenerse ante las brechas salariales o los prejuicios, y a usar la calidad de su trabajo como el único lenguaje válido para ganar espacios. «No permitan nunca que algo mal hecho se vaya así, porque eso habla de su persona y de su calidad. El punto es ser perseverante. Usar la disciplina y rmeza para alcanzar metas o proyectos a largo plazo, a pesar del cansancio o la falta de motivación inmediata. El límite es el cielo», concluye.

legorreta.mx

El Hotel Grand Cleviá León (hoy Hyatt Centric León) es un majestuoso complejo en el desarrollo Puerta Bajío de Guanajuato, el cual destaca por su sello atemporal de estilo mexicano contemporáneo, estructurándose en dos naves principales sobre una base de piedra que albergan terrazas abiertas y zonas de convivencia para fusionar la hospitalidad premium con la luz y el color característicos del despacho.

«Hacer las cosas bien desde el principio es lo que habla de tu calidad como persona y profesional».

Penélope de la Madrid

Ábaka Interiores

Hay gestos que desde la intuición marcan el comienzo de algo más grande. Para Penélope, ese guiño se dio desde muy niña cuando cambiaba los muebles de su casa para que «se sintiera mejor».

Hay relatos de vida que arrancan desde la intuición, como el de Penélope de la Madrid Garibaldi quien, curiosamente, empezó su camino profesional moviendo los muebles en la sala de su casa. Aún era una niña cuando decidió reorganizar el espacio familiar con la de idea de que «se sintiera mejor». No hablaba aún de diseño, ni de interiorismo, pero ya entendía algo esencial: los espacios también cuentan historias y pueden transformar la manera en que vivimos. Esa sensibilidad temprana fue creciendo con ella. Con el paso del tiempo, Penélope no solo desarrolló un gusto re nado por la estética, sino una profunda comprensión de cómo los entornos in uyen en las emociones, la productividad y el bienestar. Así, en 2001 nació Ábaka Interiores, un proyecto con sede en Puebla, que re eja su visión integral del diseño: crear espacios que no solo sean funcionales y armónicos, sino que conecten genuinamente con quienes los habitan.

Como fundadora, Penélope ha liderado el despacho con una mezcla de intuición creativa y disciplina empresarial. Es originaria de Culiacán, Sinaloa, pero desde hace varios años radica en Puebla, una ciudad que vive como un regalo visual, arquitectónico, gastronómico, de historia y de anécdotas. Claro que ella misma con esa que no tiene una única goegrafía con la que se identi que. «Entre más mundo conozco más me gustan la variedad y los contrastes. El orden y la tranquilidad de un museo o el armónico desorden sensorial de un mercado en cualquier parte del mundo», comparte.

Su trayectoria está marcada por la constante búsqueda de equilibrio entre lo estético y lo práctico, entre la innovación y la identidad de cada lugar y cliente. A lo largo de su carrera, ha participado en proyectos que van desde espacios residenciales hasta propuestas comerciales, siempre con un sello distintivo: la atención al detalle y la capacidad de traducir ideas en experiencias multisensoriales y conceptos ambientales. Entre los reconocimientos a su trabajo destacan: el hotel Casa Restauro, galardonado con un premio Prisma, y Señorita Caruso, un café de especialidad en el centro histórico de Puebla, cuyo diseño conceptualiza una historia de amor, integrando elementos históricos con un estilo poético y contemporáneo entre las paredes de un edi cio virreinal del siglo XVII. Sin embargo, el camino de De La Madrid no ha estado exento de retos. Como mujer emprendedora, Penélope ha enfrentado las complicaciones propias de abrirse paso en un entorno competitivo, que muchas veces le ha implicado aprender a tomar decisiones estratégicas, liderar equipos y adaptarse a un mercado en constante evolución. Cada contrariedad, lejos de detenerla, se ha convertido en una oportunidad para fortalecer su carácter y rede nir su propósito. Hoy, Penélope de la Madrid representa una nueva generación de mujeres arquitectas y diseñadoras que están transformando la industria creativa y empresarial. Su historia es también la de muchas otras colegas y amigas que apuestan por sus ideas, que construyen desde la pasión y que redescubren en las di cultades una plataforma de crecimiento.

A través de Ábaka Interiores continúa diseñando más que espacios: crea atmósferas que inspiran, acompañan y perduran. Su trayectoria es un testimonio de cómo la sensibilidad, la perseverancia y la visión pueden converger para dar forma a proyectos con alma. Entre los rasgos más distintivos de su quehacer creativo el que más resalta es su capacidad de escuchar. Para ella, cada proyecto inicia mucho antes de elegir materiales o de nir paletas de color: comienza entendiendo profundamente a las personas. Esta cercanía le ha permitido construir relaciones de con anza con sus clientes, quienes encuentran en ella no solo a una diseñadora, sino a una aliada que traduce sus necesidades y aspiraciones en espacios tangibles.

¿Quién es Penélope de la Madrid?

Es es egresada de la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana de Puebla, con especialidades en Mercadotecnia y Diseño de Interiores. Cuenta con más de dos décadas de trayectoria, y reconocida como pionera del interiorismo sensorial y el diseño de atmósferas narrativas en el país. Es la fundadora y directora creativa de Ábaka Interiores, un laboratorio multidisciplinario con el que ha transformado el sector comercial, residencial y hotelero.

En su progreso como empresaria, también ha sabido reconocer el valor de rodearse de talento. La construcción de equipos sólidos ha sido clave para el crecimiento de Ábaka Interiores, fomenta un ambiente colaborativo donde las ideas uyen y se enriquecen. Esta visión le ha permitido no solo expandir el alcance de sus proyectos, sino también consolidar una cultura de trabajo basada en el respeto, la creatividad y la excelencia.

Asimismo, Penélope ha entendido que el aprendizaje es un proceso continuo. Mantenerse actualizada en tendencias, materiales y tecnologías a través de viajes, conferencias, conversatorios, recorridos culturales, ferias de diseño internacionales y networking ha sido fundamental para estructurar propuestas innovadoras y relevantes. Esta apertura al cambio la ha conducido a adaptarse a nuevas formas de habitar y trabajar, lo que a su vez le ha permitido responder a las necesidades contemporáneas con soluciones frescas y funcionales. Mirar hacia el futuro, su enfoque se mantiene claro: seguir creciendo sin perder la esencia. La mujer y profesionista en la que hoy se ha convertido aquella niña que jugaba a reacomodar los muebles de su casa, continúa apostando por un diseño con propósito, donde cada espacio tenga signi cado y aporte valor a la vida de quienes lo experimentan. Así, la historia de Penélope de la Madrid se seguirá escribiendo no solo mediante los proyectos que ejecuta, sino también a través del impacto que deja en cada entorno que transforma.

abaka.com.mx

Mariana Valero

AMASS & G

Curiosa de nacimiento, Mariana escuchaba pláticas de adultos sobre esfuerzo y decisiones; sin saberlo, allí germinó su deseo de crear algo propio. Y hoy es capaz de convertir cada proyecto en un refugio sensorial.

Desde muy joven, Mariana Valero entendió que los sueños no siempre llegan en el momento perfecto. Recuerda con claridad una escena que, sin saberlo entonces, marcaría el inicio de su camino: sentada en la mesa familiar, escuchando conversaciones sobre esfuerzo, toma de decisiones y futuro. Fue ahí, en medio de esa cotidianidad, que nació una inquietud silenciosa pero persistente: algún día construiría algo propio, un espacio donde su voz tuviera forma y dirección.

Años más tarde, esa idea se transformó en hechos reales y ejecutados. Tras adquirir experiencia en el mundo de la hospitalidad trabajando para distintos despachos de arquitectura y diseño, Mariana comenzó a sentir una limitación difícil de ignorar: no tomar el control total de las decisiones creativas, operativas y estratégicas. A partir de ahí decidió fundar AMASS & G, impulsada por una necesidad profunda de autonomía creativa, liderazgo y autoexpresión. Ya no se trataba de convencer a un jefe, sino de generar una conexión directa con su propio equipo y con los clientes; de construir un punto de encuentro donde las ideas uyeran desde la confrontación, el análisis, la experiencia de los dibujos y trazos, y la coincidencia de ir hacia una visión clara del diseño.

Ese cambio rede nió su manera de trabajar. Así, para Mariana, el proceso creativo dejó de ser una lucha de validación para convertirse en un ejercicio de alineación genuina: formar y alimentar un equipo que en conjunto comprendiera la esencia del cliente y supiera traducirla en espacios que no solo se ven bien, sino que se sienten y se viven.

Con esa losofía surge su concepto de intellectual luxury, una propuesta que va más allá de la estética para crear refugios sensoriales. En AMASS & G, cada proyecto es concebido como una composición de capas culturales: una base sobria y elegante que se enriquece con arte, materiales y objetos cargados de simbolismo. El objetivo es lograr una so sticación silenciosa, donde la belleza dialogue con el pensamiento.

Pero su enfoque no se queda en lo visual. Valero diseña pensando en la experiencia completa del usuario: la comodidad, el recorrido, la luz, las texturas y los materiales naturales como la madera, el bronce o el cuero. Cada elemento cumple una función narrativa, genera espacios que invitan a permanecer, a conectar y a sentirse en calma. Lugares que, en sus propias palabras, funcionan como «portales de paz», capaces de relajar el sistema nervioso y mejorar la calidad de las decisiones humanas.

¿Quién es Mariana Valero?

Es una destacada diseñadora de interiores y empresaria mexicana, egresada de la Universidad Motolinía del Pedregal. Con una sólida experiencia previa como directora de Diseño FF&E en firmas globales, consolidó su carrera independiente al fundar y asumir la dirección ejecutiva de Amass & G, un taller especializado en transformar hoteles, restaurantes y residencias exclusivas en auténticos ecosistemas culturales.

«Cuando los equipos logran un diálogo abierto y honesto, las decisiones se convierten en soluciones colectivas».

Pag. izquierda: Thompson San Antonio en santuario urbano que entrelaza la herencia industrial de Texas con la elegancia mexicana contemporánea, utilizando ricos contrastes de cuero, latón y textiles artesanales para redefinir el lujo en el horizonte de San Antonio.

Pag. derecha: Restaurante Nana. Ubicado en las entrañas corporativas del icónico Edificio del Pantalón en la Ciudad de México, es una propuesta culinaria y espacial donde el interiorismo desafía la sobriedad ejecutiva mediante un sofisticado juego de texturas urbanas e iluminación estratégica que propicia una pausa dinámica dentro del ritmo financiero.

Pag. izquierda: Sempai es un íntimo santuario de sofisticación japonesa. El espacio rinde tributo a la penumbra y a la mística del concepto omakase, envolviendo a los comensales en una atmósfera de absoluto hermetismo.

Pag. derecha: Campos Polanco es una sofisticada residencia y social house en la Ciudad de México que rescata un edificio abandonado de herencia Art Déco de los años 40.

Un ejemplo claro de esta visión es el hotel boutique Campos Polanco, donde logró transformar una arquitectura compleja en una experiencia coherente y profundamente sensorial. A través de una cuidadosa planeación espacial, una mezcla estratégica de materiales y una curaduría detallada de mobiliario y arte, el proyecto se convirtió en una narrativa viva, alejada de tendencias y enfocada en la identidad.

Sin embargo, sus pasos no han estado exentos de algunos tropiezos signi cativos. De hecho, Mariana reconoce que en la industria hotelera el reto de proponer y crear diseño en sí mismo no la ha intimidado en lo más mínimo, pero sí ha percibido la ausencia de alineación entre los actores clave: operadores, constructores, diseñadores y equipos de marketing. «Esta falta de conexión puede diluir incluso las mejores ideas, afectando a largo plazo el valor de los proyectos», argumenta con seriedad.

Uno de los momentos más determinantes en su carrera surgió precisamente de esta problemática. Tras ser separada de un proyecto por cuestión de costos —a pesar de haber aprobado todas las fases de diseño—, Mariana decidió profundizar en el origen del con icto. Así nació la base de lo que hoy desarrolla: Hospitality Pro t Healing y su metodología de Spatial ROI Design, un enfoque que busca alinear a los equipos desde el inicio mediante valores compartidos, entendiendo la psicología detrás de la toma de decisiones y, a su vez, posicionar el diseño como una herramienta medible de rentabilidad.

Para ella, el verdadero reto está en lo humano. Los proyectos — a rma— no fracasan por falta de talento técnico, sino por la ausencia de conexión entre las personas. Bajo esta premisa, propone una idea poderosa: «intimidad es igual a conexión, y conexión es igual a expansión». Cuando los equipos logran un diálogo abierto y honesto, las decisiones dejan de ser individuales para convertirse en soluciones colectivas.

En este contexto, su experiencia como mujer emprendedora-empresaria también ha estado marcada por duros aprendizajes. Si bien reconoce el camino que otras mujeres han abierto en la arquitectura, aún existen brechas importantes, desde la valoración económica del trabajo creativo hasta prejuicios que persisten en el gremio. Aun así, Mariana ve en ello una oportunidad: posicionar el diseño no solo como un servicio técnico, sino como un arte capaz de transformar vidas, generar bienestar y construir identidad.

Hoy, al frente de AMASS & G, Mariana Valero no solo dirige un estudio, sino que impulsa una visión que busca rede nir la relación entre diseño, negocio y experiencia humana. Su apuesta a futuro se centra en proyectos boutique, lifestyle y de lujo donde pueda aplicar su metodología y demostrar, con métricas claras, el impacto real del diseño.

Quizá una de sus mayores fortalezas radica en algo menos tangible: su capacidad de descubrir aquello que el cliente no logra expresar. Como quien descifra un lenguaje silencioso, Mariana identi ca deseos ocultos —una emoción, una aspiración, una historia no contada— y los traduce en espacios que conectan profundamente.

Su historia es, en esencia, la de una mujer que decidió escuchar esa inquietud inicial y convertirla en un camino propio. Un recorrido donde la creatividad, la intuición y la conexión humana se entrelazan para demostrar que el diseño, cuando se hace desde el propósito y con pasos concretos, no solo transforma espacios: cambia la manera en que habitamos el mundo.

amassandg.com

Susana García

Serrano Arquitectos

Su visión se cimenta en la consolidación del oficio arquitectónico a través de la constancia y la colaboración multidisciplinaria.

«En el diseño no creo en visiones exclusivas; la vida es plural y los proyectos se enriquecen cuando el equipo es multidisciplinario y multigeneracional».

Ubicado en el emblemático Parque Fundidora en Monterrey, El Paseo de la Mujer es un proyecto que moldea la topografía para crear un recorrido escultórico y un espacio de reflexión que dialoga con la gran escala de la memoria industrial de la ciudad.

Conversar con Susana García Fuertes es adentrarse en una trayectoria marcada por la lealtad al o cio y una búsqueda constante de aprendizaje. Se incorporó al despacho Serrano y Nava a mitad de su carrera universitaria, donde comenzó a trabajar con el arquitecto Francisco Serrano cuando aún era estudiante. Fue una época en la que las horas de sus estudios se complementaban obligatoriamente con la práctica vespertina. «Entré casi doblando planos», relata con nostalgia, describiendo una escuela de rigor donde el dibujo a tinta y la fabricación de maquetas eran los únicos medios para dar vida a las ideas. Bajo la guía de Francisco Serrano Cacho y José Nava, Susana no solo aprendió a trazar, sino a entender la arquitectura como una responsabilidad social y técnica.

A diferencia de muchos de sus colegas contemporáneos que buscaron especializarse en el extranjero, Susana eligió el taller como su aula máxima. «Tomé la decisión de dedicarme al cien por ciento a mi quehacer porque me apasiona crear los espacios que viven las personas. En mi época, lo común eran los posgrados en urbanismo, pero yo decidí hacer mi posgrado trabajando. Siempre tuve la visión de que la arquitectura se aprende haciéndola, no yendo a estudiar a otra universidad o país».

Esta inmersión total la llevó a evolucionar de manera orgánica hasta convertirse en socia de la rma a partir del año 2002, ella ha colaborado codo a codo con Francisco Serrano en una simbiosis creativa donde las jerarquías se diluyen en favor del proyecto.

De hecho, Susana platica que, en el día a día del despacho, la discusión es el motor. «Con Francisco Serrano siempre es un estire y a oje; compartimos ideas, hacemos dibujos, cuestionamos materiales. A veces planteamos un triángulo y al día siguiente regresamos al rectángulo. Lo importante es que no gana uno u otro, sino que concluimos cuál es la mejor opción mezclando lo que cada uno aporta». Para ella, la arquitectura es un acto de pluralidad donde el género y la edad son secundarios ante la búsqueda de la excelencia espacial. Además, como docente con más de 40 años de experiencia, Susana también ha sido testigo privilegiado del cambio de paradigma en las aulas. Ha visto cómo las mujeres han pasado de ser una minoría entusiasta a convertirse en líderes con ambiciones monumentales. «Hoy mis alumnas ya no solo quieren hacer interiores o decoración; quieren ser emprendedoras, dueñas de un despacho, construir torres y edi cios de gran escala. Ya no ven el género como un límite, sino como una plataforma desde la cual liderar».

¿Quién es Susana García Fuertes?

Egresada de la Universidad Iberoamericana con más de cuatro décadas de trayectoria profesional y docente. Socia de Serrano Arquitectos, ha sido pieza clave en la ejecución de proyectos de gran escala, promoviendo una arquitectura colaborativa y multidisciplinaria.

«Hablar de cuestiones de género ya no es un límite; hoy las estudiantes no solo quieren colaborar, se visualizan y se preparan para ser las líderes que de nen el horizonte de nuestras ciudades».

El campus de la Prepa Ibero en el Municipio de Lerma, Estado de México, es un vanguardista complejo educativo de 21.89 hectáreas diseñado por Serrano Arquitectos; una estructura de cuatro niveles orientada estratégicamente para el confort térmico que distribuye sus aulas tecnificadas, laboratorios y talleres en los primeros pisos, coronando el edificio con un área recreativa (“Club”) y un gimnasio multifuncional con 9 metros de altura libre.

Sin embargo, su consejo para estas nuevas generaciones es mantener los pies en la tierra: para mandar, hay que saber hacer. «Yo les sugiero empezar desde abajo. Si se trata de ‘ir por las cocas’, pues se va y ya. Lo importante es conocer cómo se mueven los hilos de la gente que trabaja contigo para poder ser un buen líder. No solo es dar órdenes, se trata de entender la vida y los intereses de cada persona en la organización». El liderazgo se construye con respeto y empatía, reconociendo que la arquitectura es un trabajo de equipo multidisciplinario.

Finalmente, Susana subraya un componente vital que a menudo se olvida en la academia y en la práctica: la relación con el cliente. Para ella, el éxito de obras como lo fue ampliar el Hotel Cantalagua —donde transformaron un patio tradicional en un espejo de agua poético— radica en la complicidad. «El cliente tiene que ser un cómplice; debe estar involucrado para que comprenda por qué las formas son así. La arquitectura no es un pastel que vendes en una tienda; es la producción de un espacio que alguien va a vivir».

Con la mirada puesta siempre en el futuro y sin miedo a los cambios y a las ideas de las nuevas generaciones, Susana García Fuertes rea rma que, mientras exista la sensibilidad humana para idear soluciones, la arquitectura siempre encontrará su esencia muy a pesar de los avances tecnológicos, la Inteligencia Arti cial (IA) y la automatización en el diseño.

serranoarquitectos.mx

Melissa Falcón y Saraí Noguez

AmoATO Studio

Desde sus inicios, experimentando con papel hasta posicionarse en el sector de lujo, la historia de Melissa Falcón y Saraí Noguez refleja los retos y aprendizajes de emprender como mujeres en una industria exigente.

Desde sus primeros encuentros en la carrera de Diseño Industrial, Melissa Falcón y Saraí Noguez descubrieron que compartían algo más que aulas y proyectos: una a nidad creativa poco común. Fue precisamente en uno de esos trabajos universitarios donde la colaboración uyó con naturalidad, revelando una sinergia que más tarde se convertiría en el corazón de AmoATO Studio junto a su colega y amigo Raymundo Botello. Al egresar en 2009, lo que comenzó como una inquietud por emprender tomó forma concreta en 2010, momento clave en el que decidieron ingresar a una incubadora de empresas. Ese paso marcó el inicio de una visión compartida que combinaba intuición creativa con estrategia empresarial. En la búsqueda de un elemento distintivo, encontraron en el papel un territorio inexplorado. Lo que para muchos era un material frágil, ellas lo transformaron en un medio poderoso de expresión, capaz de sostener estructuras complejas y narrativas visuales únicas. Así nació no solo su propuesta estética, sino también el espíritu de AmoATO: un nombre lúdico inspirado en una canción infantil que encapsula su losofía de diseño, basada en escuchar, interpretar y responder creativamente a las necesidades de cada cliente.

El camino, sin embargo, no ha estado exento de desafíos. Emprender en un entorno donde la presencia femenina aún es limitada implicó enfrentar estereotipos y cuestionamientos constantes. La percepción de fragilidad —tanto del material con el que trabajaban y de su papel como mujeres empresarias— fue una barrera que decidieron romper con resultados efectivos. Proyecto a proyecto, demostraron que la creatividad, cuando se ejecuta con rigor, puede rede nir expectativas.

¿Quiénes son Melissa Falcón y Saraí Noguez?

Melissa Falcón

Diseñadora y creativa egresada del Tecnológico de Monterrey, cuya práctica destaca por una exploración rigurosa de la espacialidad y el interiorismo residencial y comercial. Cofundadora de amoATO Studio

Saraí Noguez

Egresada de la UNAM, con experiencia en el diseño de espacios corporativos, comerciales y residenciales de alta gama, se distingue por un manejo impecable de la escala, la iluminación y la identidad material.

En la Pop-Up de Carolina Herrera New York en El Palacio de Hierro Polanco, el diseño de interiores traduce el legado de sofisticación de la firma en una experiencia inmersiva, donde la pureza geométrica y el uso audaz del color institucional redefinen el retail de lujo.

En un entorno que muchas veces pone en duda la capacidad de las mujeres, Melissa y Saraí decidieron responder con proyectos que transforman materiales simples en experiencias memorables.

A estos retos se sumaron otros más personales y estructurales para Melissa. La conciliación entre la vida profesional y la maternidad exigió la construcción de sistemas de organización sólidos y redes de apoyo con ables. Asimismo, el acceso al nanciamiento representó un obstáculo inicial para el estudio, superado gracias a una combinación de perseverancia, apoyo institucional y una gestión nanciera estratégica. Estas experiencias no solo fortalecieron el negocio, también moldearon una cultura interna basada en la equidad, donde las oportunidades no dependen del género, sino del talento.

El posicionamiento de AmoATO Studio en un mercado competitivo ha sido el resultado de decisiones claras y consistentes. Su propuesta se sostiene sobre una mezcla distintiva de diseño industrial, arte y narrativa, que evolucionó desde esculturas en papel hasta experiencias de marca integrales. Hoy, su trabajo se mani esta en escaparates, instalaciones efímeras y espacios multisensoriales para rmas de lujo, donde cada detalle está pensado en generar una conexión emocional.

Detrás de este crecimiento hay también una estructura organizativa bien de nida. La claridad en los roles, la colaboración con per les multidisciplinarios y una cultura de comunicación abierta han sido clave para gestionar tanto la creatividad como las tensiones inherentes a cualquier sociedad. En este equilibrio, la dirección juega un papel fundamental al mediar entre la visión artística y las necesidades comerciales, lo que garantiza un entorno productivo y respetuoso.

Mirando hacia adelante, Melissa y Saraí identi can un panorama lleno de oportunidades. La evolución del diseño hacia experiencias más inmersivas, tecnológicas y personalizadas abre nuevas posibilidades para estudios como el suyo. En particular, el auge del retail experiencial y las marcas de lujo representa un terreno fértil para seguir innovando e integrar materiales, procesos y tecnologías que amplíen los límites de su disciplina.

Para otras mujeres que buscan emprender, su mensaje es claro: con ar en el propio talento, asumir riesgos y rodearse de aliados estratégicos. Más allá de los discursos, consideran que el verdadero cambio se construye a través del trabajo constante, la excelencia profesional y una comunicación basada en el respeto.

Con más de una década de trayectoria, el futuro de AmoATO Studio se per la ambicioso. Su visión es consolidarse como un referente latinoamericano en la creación de experiencias de lujo que integren sostenibilidad y tecnología, sin perder de vista aquello que las de ne desde el inicio: la capacidad de asombrar, de emocionar y de demostrar que en los detalles —por más delicados que parezcan— reside una fuerza extraordinaria.

amoatostudio.com

Pag. izquierda: El diseño para este pabellón en Obra Blanca 2025 destaca por su fluidez volumétrica, invitando al espectador a recorrer una experiencia sensorial completa que fusiona el rigor arquitectónico con las últimas tendencias de la industria del diseño y la construcción.

Pag. derecha: La propuesta interiorista para Agave World equilibra con destreza la funcionalidad de un espacio de alto flujo con una atmósfera exclusiva y contemporánea, invitando al viajero a sumergirse en una experiencia sensorial única antes de despegar.

Beatriz Peschard

Bernardi+Peschard Arquitectura

Detrás de cada espacio diseñado por Beatriz existe una visión que entiende la arquitectura como una experiencia profundamente humana.

Platicar con Beatriz Peschard es entender que la arquitectura no solo se diseña: también se vive. Cofundadora del despacho Bernardi+Peschard Arquitectura –junto con el arquitecto Alejandro Bernardi Gallo–, Beatriz ha construido una trayectoria donde la sensibilidad, el trabajo en equipo y la pasión por crear espacios humanos han sido tan importantes como la técnica o la estética.

A lo largo de más de tres décadas de trayectoria, Beatriz ha sido pieza clave en la consolidación de Bernardi+Peschard Arquitectura como uno de los despachos de arquitectura y diseño más reconocidos de México. Su trabajo se ha caracterizado por desarrollar proyectos que combinan elegancia, funcionalidad y una profunda atención a la experiencia de quienes habitan los espacios. Desde residencias privadas hasta proyectos de hospitalidad y desarrollo inmobiliario, su visión ha contribuido a crear una arquitectura atemporal y so sticada.

Más allá de los proyectos construidos, Beatriz ha impulsado una losofía de diseño centrada en las personas. Su sensibilidad estética y capacidad para entender las necesidades emocionales de cada cliente han sido un sello distintivo dentro del despacho. Para ella, la arquitectura no se trata únicamente de crear espacios visualmente atractivos, sino de generar bienestar, conexión y experiencias memorables. Esa mirada cercana y humana ha permitido que muchos de sus clientes encuentren en Bernardi+Peschard Arquitectura no solo un despacho de obras, sino un aliado creativo y de con anza.

Desde sus inicios, el camino no estuvo exento de retos. «Como en cualquier profesión, siendo mujer es más difícil ganarte la con anza de un cliente», comparte. Sin embargo, lejos de verlo como una limitante, encontró en ello una oportunidad para fortalecer una visión distinta de la arquitectura: una más cercana, empática y profundamente humana.

Parte fundamental de esa historia ha sido la relación profesional con su socio y esposo. Lo que comenzó como un sueño universitario terminó convirtiéndose en uno de los despachos más reconocidos del país. «El sueño empezó desde la escuela. En ese momento eres un equipo para todo. Empezó con el deseo y la ilusión de ser ‘famosos’ y hacer la mejor arquitectura», recuerda entre risas.

Pag. izquierda: En Siari, a Ritz-Carlton Reserve, el diseño arquitectónico de alta gama rinde homenaje al paisaje de Nayarit, logrando una mimesis perfecta con la selva y el océano.

Pag. derecha: En Casa Ixtapa, la arquitectura se abre por completo al clima tropical a través de una planta libre y fluidas transiciones, donde las maderas locales y los tonos claros potencian la entrada de la brisa marina y la luz natural.

¿Quién es Beatriz Peschard?

Es una de las arquitectas más consolidadas en el diseño residencial de alta gama y corporativo en México. Egresada de la Universidad Iberoamericana, fundó en el año 2000 la firma Bernardi + Peschard Arquitectura, un taller que se distingue por crear atmósferas atemporales de una gran honestidad material. Obras emblemáticas como Casa AA o el Corporativo Central Park son testimonios de su maestría para difuminar los límites entre la arquitectura, el interiorismo y el paisaje.

Para Beatriz, gran parte del éxito de Bernardi+Peschard Arquitectura radica precisamente en esa ecuación compartida: la suma de perspectivas. «Siempre he creído que parte del éxito de B+P es el equipo», a rma. En especial, destaca el valor que aporta la mirada femenina dentro del proceso creativo. «La sensibilidad que aporta una mujer durante un proyecto hace que el proceso sea más humano, se disfrute más y se involucre toda la familia, especialmente en proyectos residenciales».

Ese mismo enfoque ha de nido también su estilo de liderazgo. Empatía, sensibilidad y conexión genuina tanto con clientes como con colaboradores son, para ella, cualidades indispensables dentro de una rma de arquitectura. Más allá de dirigir proyectos, se trata de construir relaciones y generar con anza.

En una industria altamente competitiva, Bernardi+Peschard ha logrado mantenerse vigente gracias a una losofía basada en la responsabilidad, el compromiso y la reinvención constante. «Mucho sacri cio, perfeccionismo, aprender de los errores y nunca dejar de reinventarse», resume Beatriz al hablar sobre las claves que les han permitido trascender tanto a nivel nacional como internacional.

Pero si hay algo que de ne su visión, es entender la arquitectura como una forma de vida. «Ser arquitecto no es un trabajo, es una pasión. Ves las cosas de otra manera; no dejas de ser arquitecto cuando sales del despacho», comparte. Y aunque reconoce que equilibrar la vida profesional y personal nunca es sencillo, especialmente en una profesión tan demandante, también habla desde la gratitud. Como madre, reconoce el ejemplo invaluable de su familia, especialmente de sus padres, como una pieza fundamental en su historia.

Hoy, la trayectoria de Beatriz Peschard es re ejo de una arquitectura que no solo busca crear espacios memorables, sino también experiencias profundamente humanas.

bparquitectura.com

«La arquitectura no se limita a construir espacios; se trata de crear emociones, vínculos y formas de habitar».

Mónica Suberville

A través de su visión transforma la práctica arquitectónica en un ejercicio de resistencia y colectividad, desafiando las estructuras tradicionales del gremio.

Galardonada en la Bienal de Arquitectura de Nuevo León, Casa del Bosque es una remodelación residencial en Monterrey donde fachadas verdes, muros de concreto modulados y sutiles juegos de luces y sombras se mimetizan de forma armónica con la naturaleza del entorno.

La carrera de Mónica Suberville es una serie de puntos de in exión. Tras titularse en la Parsons School of Design en 2005 y foguearse en despachos neoyorquinos de renombre como LTL Architects, Mónica volvió a México para colaborar con una de las guras más in uyentes del norte del país: Agustín Landa Ruiz Loba. Esta alianza evolucionó hasta la fundación de su propio taller, donde han dado vida a obras que dialogan con el entorno y la naturaleza, como la Casa del Desierto o la Casa del Bosque.

Sin embargo, ella considera que la arquitectura es también una herramienta para desaprender. Tras años de trabajar bajo referentes exclusivamente masculinos, su paso por el diplomado de Zaida Muxí fue el catalizador para entender que su labor iba más allá del ladrillo. «Nos encontramos rescatando lo que se vuelve a borrar», re exiona sobre la visibilidad de las mujeres en el sector. Esta inquietud fue la semilla que detonó la creación de Arquitectas.mx, una plataforma que fundó junto a su colega y amiga Laura Gómez y que hoy funciona como una red de apoyo vital para más de 200 profesionales.

Al preguntarle sobre las decisiones que han marcado su destino y carrera de vida tanto personal, como profesional, Mónica identi ca tres momentos críticos que de nen a la mujer, la empresaria y la arquitecta que es hoy.

«La primera fue cuando decidí independizarme... salirme de ahí para emprender por mi cuenta implica bastante: montar un despacho, dirigirlo. Luego, el volverme a unir a Agustín; pasaron varios años y nos volvimos a encontrar en el terreno laboral, pero ahora como socios. Y la tercera, que cambió mi vida radicalmente, fue cuando fundé Arquitectas.mx junto con Laura Gómez y otras colegas», señala.

Este último proyecto, Arquitectas.mx, nació de una necesidad compartida de visibilización en un gremio históricamente dominado por hombres. Lo que comenzó como una inquietud individual se transformó en una plataforma digital que hoy sostiene a cientos de mujeres en el sector.

A pesar de los avances, Suberville es muy realista sobre el momento que vive la mujer en la arquitectura. Inspirada por las «olas del feminismo», advierte sobre el peligro de la desmemoria. «Siento que hay avances, pero parece que vuelve a empezar. Estamos en un trabajo constante de rescatar lo que se vuelve a borrar... Nuestro trabajo es seguir rescatando a las ‘borradas’ de antes, porque pasa el tiempo y se olvida», menciona.

¿Quién es Mónica Suberville?

Arquitecta regiomontana egresada de Parsons School of Design (NY). Socia fundadora del despacho Landa Suberville y co-creadora de la plataforma Arquitectas.mx. Es académica de número de la Academia Nacional de Arquitectura Capítulo Monterrey y una voz clave en la promoción de la equidad de género en el gremio.

Para ella, la solución no es solo celebrar los logros actuales, sino in ltrar el cambio desde la academia. «En las escuelas tenemos que tener maestras, o que los mismos maestros se unan a la causa de poner a mujeres como referencia», señala, y recuerda que ella misma se graduó sin saber que había un mundo de arquitectura femenina que nadie le mencionó.

En la práctica, el reto ya no puede pasar desapercibido. La arquitectura no es solo diseño; es economía y política. Mónica aborda frontalmente las disparidades salariales y la responsabilidad de quienes ocupan posiciones de poder. «Una mujer, por hacer lo mismo que un hombre, gana 30% o 50% menos. Si tengo la oportunidad de ser empleadora, ¿cómo aplico para que eso no suceda bajo mi responsabilidad? Ese es el reto: no solo aprenderlo, sino llevarlo a la práctica. Como le decía a mi esposo: ya no puedo desver, ya no puedo desoír. Lo que aprendí ya me marcó».

Uno de los puntos más humanos de la entrevista surge al hablar del agotamiento. En un mundo que exige a la mujer ser multifacética (madre, empresaria, esposa, creativa, amiga), Mónica reconoce que la «fórmula» no es la perfección individual, sino la colectividad: «A veces se siente que cargo con mucho peso... pero la misma comunidad me vuelve a regresar el aliento. Existe esta sonoridad donde dices: ‘no estoy sola’. He aprendido a pedir ayuda. Tengo una crianza compartida con mi pareja porque no puedo cuidar el despacho, la plataforma, la casa y a mí misma sola. El tiempo es el mismo para todos», reconoce la interiorista.

El futuro de Mónica y de Arquitectas.mx apunta a una utopía tangible: la aplicación de la perspectiva de género en el urbanismo. No como una cuestión de «hombres contra mujeres», sino como una visión incluyente que hoy brilla por su ausencia en ciudades que suelen ser agresivas para todos.

Para las nuevas generaciones que vienen empujando con «otro chip», el gran consejo que sale desde su trinchera y visión –a la vez, una advertencia–: «No hay nada más peligroso que decir ‘así se ha hecho toda la vida’. A las jóvenes les digo: acérquense. Yo hubiera dado lo que fuera por tener una red de apoyo a los 20 años. Es valioso recibir, pero también es hermoso saber que estuviste ahí para alguien más», concluye.

@monicasuberville landasuberville.com

Casa del Parque es una obra residencial contemporánea de que destaca por su materialidad de ladrillo aparente y concreto, articulando de forma fluida una terraza tequilera, una alberca y patios interiores que conectan la vida cotidiana directamente con la naturaleza del lugar.

«No hay nada más peligroso que decir: ‘así se ha hecho toda la vida’».

Bibiana Huber

Huber Design Studio

En su forma de moldear los espacios, Bibiana construye experiencias en donde cada pieza guarda una historia que se siente antes de entenderse.

En su intervención para el hotel St. Regis Punta Mita, Bibiana Huber reinterpreta los códigos del ultra lujo hotelero a través de un interiorismo meticuloso, donde las texturas ricas y los destellos metálicos crean una atmósfera residencial de gran exclusividad.

¿Quién es Bibiana Huber?

Es una diseñadora industrial egresada del Tecnológico de Monterrey con estudios en Artes Plásticas en Florencia, Italia, cuya sensibilidad artística la ha consolidado como una figura clave en el interiorismo de hospitalidad de ultra lujo y residencial en México. Al frente de su firma Huber Design Estudio, con sede en Guadalajara, lidera la creación de atmósferas de gran riqueza textural y calidez artesanal, filosofía que se materializa en más de 50 proyectos de escala internacional.

Fotos Fernando Sánchez

La trayectoria de Bibiana Huber se arraiga en las raíces de una certeza temprana: el diseño no es solo una profesión, sino una forma de ver y comprender el mundo. Desde esa visión, su camino se ha guiado un poco más por la intuición, sin renunciar a la certeza de una estructura sólida, construida con disciplina, criterio y objetivos claros.

Formada entre las artes plásticas en Florencia y el diseño industrial en el Tecnológico de Monterrey, su camino comenzó a tomar forma, incluso antes de terminar la carrera. Concursos, exploraciones, una inquietud constante. Pero siempre hubo momentos a los que regresaba, casi como si ahí se hubiera de nido todo lo demás. «Ha habido varias etapas clave tanto en mi vida personal como profesional, pero una muy decisiva fue cuando, siendo muy joven, tuve la oportunidad de diseñar: Hotelito Desconocido. Ganar ese concurso frente a grandes rmas y desarrollar un proyecto de esa escala a los 22 años me hizo entender que podía construir mi propio camino. Fue el momento en que la intuición se convirtió en certeza».

Ese «lugar propio» no se construyó desde la tendencia ni desde la espectacularidad, sino a partir de algo más difícil de de nir: una relación emocional con el espacio. En Hotelito Desconocido, cada habitación (pala to) fue pensada como un «universo propio», muchas veces inspirado en imaginarios mexicanos como las cartas de la lotería mexicana que se usaron para crear ambientes narrativos más allá que solo habitaciones funcionales.

En ese equilibrio se mueve también Huber Design Studio, la rma que fundó con un equipo joven y multidisciplinario. Más que un despacho, funciona como una plataforma donde convergen disciplinas, o cios y sensibilidades.

A partir de ahí, aparece algo que atraviesa toda su práctica: la narrativa. «A veces el origen está en un material, en una técnica

artesanal o en una intención muy clara del cliente… y desde ahí construimos una historia que guía todo».

La palabra que utiliza Bibiana es precisa: alma. «El proceso es abierto, colaborativo. Buscamos que cada proyecto tenga alma» —puntualiza—. En ese sentido, la artesanía no aparece como un recurso estético, sino como una estructura conceptual. «La tradición, la artesanía y los materiales son un punto de partida constante. Nos interesa mirar la tradición desde una nueva perspectiva, transformar materiales y técnicas en algo contemporáneo».

A lo largo de más de 50 proyectos —hoteles, restaurantes, espacios comerciales y residenciales en México y el extranjero— su trabajo ha mantenido una constante: la búsqueda de identidad. «Desde el inicio entendí que crecer no debía signi car perder identidad». En una industria donde el diseño y el negocio suelen tensionarse, su postura ha sido encontrar equilibrio. «La creatividad necesita libertad, pero también estructura para materializarse».

Ese aprendizaje también ha implicado construir una forma propia de liderazgo. «El verdadero valor está en las personas. El equipo es el corazón del estudio. Cada proyecto es una construcción colectiva donde convergen distintas miradas». Liderar, en su caso, no es dirigir, sino acompañar. «Inspirar y con ar en el talento de los demás». Hoy, mientras desarrolla proyectos para rmas internacionales como Four Seasons y nuevos hoteles en Tulum y Costalegre, además de diseñar su propia línea de mobiliario ETNO, su práctica sigue en expansión. «Me entusiasma seguir explorando nuevos contextos, nuevas culturas… entender cada proyecto como una oportunidad para reinterpretar la tradición desde una lectura actual. El futuro lo veo como un espacio de evolución constante».

En un momento coyuntural en el que la arquitectura y el diseño en México atraviesan cambios profundos, la trayectoria de Bibiana Huber se presenta como parte de una generación que está redeniendo la manera de habitar.

huber.design

En la obra de Bibiana Huber, el diseño deja de ser forma para convertirse en resonancia emocional.

Pag. izquierda: En el Restaurante Sal, Bibiana Huber despliega un interiorismo sofisticado de tonos tierra y acabados orgánicos, logrando una atmósfera envolvente que estimula los sentidos y rinde homenaje a la cocina de origen. Pag. derecha: Casa Punta Ballena fusiona un interiorismo de alta gama con el paisaje marino, utilizando texturas naturales y maderas que capturan la luminosidad y la brisa de la costa.

Columnas Del habitar al algoritmo

Por Mtra. Arq. Mariana de la Fuente Obregón y Arq. Juan Carlos Baumgartner.

Reconocida por su especialización en arquitectura interior, Mariana de la Fuente es coordinadora de la especialización en Arquitectura

Interior en la Facultad de Arquitectura de la UNAM y editora del libro: Arquitectura interior como punto de partida

“Milan didn’t feel like a design week this year. It felt like a content factory.”

La frase del arquitecto Juan Carlos Baumgartner después de la Milan Design Week 2026 resume una transformación profunda del diseño contemporáneo: muchos espacios ya no parecen concebidos para ser habitados, sino para ser capturados y compartidos. El diseño deja de responder al cuerpo y comienza a responder a la lógica de la visibilidad.

El cambio más importante no está en los objetos, sino en el destinatario. El usuario ha sido desplazado por una nueva gura silenciosa: el algoritmo. Restaurantes, hoteles, tiendas e incluso espacios domésticos comienzan a proyectarse pensando en su circulación digital: el rincón fotogra able, la atmósfera reconocible, el gesto capaz de convertirse en contenido.

El algoritmo deja así de ser solo un medio de difusión para convertirse en un agente dentro del proceso proyectual. Y el diseñador participa también de esa lógica, porque la visibilidad se ha vuelto capital cultural, posicionamiento profesional y estrategia comercial.

Vivimos en una cultura saturada de estímulos donde la atención dura apenas segundos. En ese contexto, el diseño se adapta a la economía de la inmediatez: lo que no captura rápido desaparece.

El hospitality evidencia esta transformación con claridad. Muchos hoteles, cafés y restaurantes parecen diseñados más para producir evidencia visual de la experiencia que para generar experiencia en sí misma.

Sin embargo, el problema no es la tecnología. La misma tecnología que alimenta el algoritmo también ha permitido comprender mejor que nunca el impacto del espacio sobre la mente y el cuerpo.

La neurociencia, la cronobiología y los estudios sobre percepción multisensorial demuestran que el entorno modi ca emociones, memoria, concentración y bienestar. El espacio no es un fondo pasivo: in uye activamente en cómo pensamos y cómo sentimos.

Quienes trabajamos en interiorismo llevamos décadas intentando desplazar la idea del diseño interior como simple decoración hacia una comprensión más profunda: la del espacio como agente emocional, cognitivo y social. Pero la cultura visual parece devolvernos al punto de partida. La fotografía reemplaza la experiencia; la estética desplaza la inteligencia espacial.

El cambio más importante no está en los objetos, sino en el destinatario. El usuario ha sido desplazado por una nueva gura silenciosa: el algoritmo.

Como plantea Juhani Pallasmaa, la arquitectura signi cativa no se percibe solo con la vista, sino con el cuerpo entero. Habitamos con la piel, el oído, la memoria y el movimiento. Un espacio verdaderamente humano no puede explicarse por completo en una imagen. Exige presencia y tiempo. Y esa dimensión es precisamente la primera víctima de la lógica del contenido.

Frente a esto surge la línea de pensamiento desarrollada en el libro “Interiores del alma: Espacios para habitar lo humano” espacios que no solo resuelven funciones ni producen imágenes, sino que construyen vínculos entre la persona, la memoria y el entorno. Interiores donde la luz, la textura, el silencio y la escala participan en la construcción emocional de la experiencia humana. Diseñar desde ahí implica recuperar la sensibilidad como centro del o cio. La situación se vuelve todavía más compleja con la inteligencia arti cial. Hoy comienzan a producirse interiores pensados desde su impacto visual incluso antes

de existir físicamente: espacios optimizados para renderizarse bien y circular dentro de una estética digital homogénea. La pregunta ya no es solo cómo fotograamos el espacio, sino cómo el algoritmo empieza a condicionar la manera misma en que diseñamos.

Frente a esto, el desafío no puede ser únicamente crítico; debe ser humano. Diseñar interiores implica volver a poner en el centro al cuerpo, la emoción y la experiencia vivida. Crear espacios que no aspiren a ser virales, sino memorables.

Y entonces, la pregunta se vuelve inevitable: ¿seguiremos diseñando para ser vistos o volveremos a diseñar para ser vividos?

Porque quizá el futuro del diseño no dependa de producir más imágenes, sino de recuperar la capacidad de imaginar espacios donde el ser humano pueda volver a sentirse presente.

unam.mx arquitectura.unam.mx

Columnas

¿Quién piensa el espacio que habitamos?

Javier Gutiérrez Director de Proyectos y Desarrollos de JLL México.

Muchas veces la perspectiva femenina introduce matices que obligan a replantear decisiones aparentemente cerradas.

Hay decisiones que no se dibujan en los planos, pero terminan de niendo la vida de un espacio. En la práctica profesional, esas decisiones suelen aparecer en los momentos menos evidentes del proceso: una charla de obra, una revisión de layout, una pregunta que desplaza el enfoque técnico hacia la experiencia. Con el tiempo, he identi cado un patrón claro: muchas de esas in exiones provienen de la mirada de mujeres que participan, desde distintos frentes, en concebir y materializar los distintos proyectos.

Más que un tema de representación, se trata de una forma distinta de aproximarse al espacio. En entornos donde predominan métricas duras —densidad, e ciencia, retorno—, esa mirada introduce variables que no siempre están en el programa arquitectónico y, sin embargo, son determinantes. ¿Cómo se recorre un lugar? ¿Dónde

se pausa el cuerpo? ¿Qué tan intuitivo es habitarlo sin instrucciones? Son preguntas que, lejos de suavizar el discurso técnico, lo complejizan y lo hacen más preciso.

En proyectos corporativos, por ejemplo, el diseño suele partir de estructuras organizacionales que buscan traducirse en metros cuadrados. Sin embargo, cuando se incorporan otras perspectivas, el espacio comienza a responder a dinámicas más sutiles: encuentros espontáneos, momentos para concentrarse, transiciones necesarias entre lo público y lo privado. En una ocasión, durante la de nición de un esquema de o cinas, la plática giraba en torno a maximizar posiciones de trabajo. Fue gracias a que intervino una líder de equipo al evidenciar la ausencia de espacios intermedios —esas zonas ambiguas que no responden a un uso rígido—, pero que sostienen gran parte de las interacciones cotidianas.

Ajustar el proyecto a partir de esa lectura transformó no solo la distribución, sino la manera en que el espacio era vivido. Algo similar ocurre con la seguridad, entendida no solo como cumplimiento normativo, sino como percepción. La visibilidad, la iluminación, la correspondencia entre accesos y circulaciones adquieren otra dimensión cuando se integran experiencias diversas. Elementos que, en el plano parecen resueltos, en la práctica requieren una lectura más na, más situada. Es en ese cruce donde muchas veces la perspectiva femenina introduce matices que obligan a replantear decisiones aparentemente cerradas.

Hay también una constante en la forma de articular el espacio como un sistema integral. Mientras el proceso constructivo tiende a fragmentar —estructura, instalaciones, acabados—, este acercamiento conecta. La luz natural no es solo un dato técnico, sino un componente que dialoga con materiales, escalas y recorridos. El mobiliario no se limita a ocupar un lugar, sino que incide en la postura, en la interacción, en el tiempo de permanencia. Esta capacidad de vincular capas que suelen trabajarse de manera aislada enriquece el resultado nal y lo acerca a una experiencia más coherente.

Para quienes coordinamos proyectos, esto implica reconocer que el valor no está únicamente en la precisión técnica, sino en la amplitud de la conversación que se logra construir, y la diversidad de voces no es un atributo deseable; es un recurso operativo que impacta de forma directa en la calidad del espacio. En contextos como el mexicano, atravesados por realidades sociales complejas, esta apertura resulta aún más relevante. La manera en que se habitan los espacios está condicionada por factores culturales, económicos y de género que no siempre se explicitan en los brief iniciales.

En ese sentido, la participación de las mujeres en el proceso no solo amplía el espectro de variables consideradas, sino que introduce una lectura más cercana a la experiencia cotidiana. Desde ajustes menores —la altura de un elemento, el orden de servicios, la inclusión de áreas de cuidado— hasta decisiones de mayor escala, estas aportaciones con guran entornos más inclusivos y funcionales.

Al nal, los proyectos no se miden solo por su resolución formal o su e ciencia operativa, sino por la calidad de vida que habilitan. Incorporar la mirada de las mujeres en los procedimientos arquitectónicos no es una concesión ni una tendencia: es una condición para construir espacios más completos, más conscientes y, sobre todo, más habitables. jll.com

Arquitectura de paisaje y criterio

Fernanda Rionda

MBA, directora y fundadora de Fernanda Rionda Landscape Studio y presidente de la Sociedad de Arquitectos Paisajistas de México y del comité de la VI y la VII Bienal Latinoamericana de Arquitectura de Paisaje.

En América Latina, la arquitectura de paisaje tiene un nombre masculino grabado en la memoria colectiva: Roberto Burle Marx. Es justo, sin embargo, hay otro nombre, igualmente fundacional, que ha tardado demasiado en ocupar el lugar que le corresponde: Rosa Grena Kliass, nacida en 1932, en São Roque, Brasil, y aún viva para verlo.

Kliass se graduó de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de São Paulo en 1955, en una época en que la arquitectura de paisaje en Brasil era apenas un curso del último año. Conoció a Burle Marx siendo estudiante, se formó en la tradición moderna norteamericana (inspirándose en Thomas Church, Garrett Eckbo y Lawrence Halprin)

La mirada femenina está rede niendo lo que signi ca diseñar el espacio abierto en nuestro país.

y desarrolló una visión del espacio abierto como eje de la infraestructura social: un acto de justicia capaz de dar identidad a quienes lo habitan y reparar relaciones humanas rotas.

Sus proyectos lo demuestran. La reurbanización del Valle de Anhangabaú en São Paulo (1981) transformó un espacio degradado en el corazón cívico de la ciudad. El Parque da Juventude (2003) es quizá su obra más elocuente: casi 200,000 m² diseñados sobre el terreno del antiguo Complejo Penitenciario Carandiru, uno de los sitios más violentos de la historia brasileña. Convertir ese suelo en un lugar de deporte, cultura y convivencia fue un acto de resigni cación. La Bienal de Arquitectura de Quito lo premió en 2004. Harvard la reconoció en 2011 como una de las tres paisajistas modernas más importantes de las Américas.

Tan importante como su obra construida es lo que Kliass edi có institucionalmente. En 1976 fundó la Asociación Brasileña de Arquitectos Paisajistas (ABAP), fue su primera presidenta, y dedicó décadas a consolidar la disciplina como profesión reconocida. Ese trabajo no aparece en los planos, pero es la base sobre la cual se desarrolló la disciplina en su país.

Su legado resuena hoy en México. Desde Lilia Guzmán y García, fundadora de la primera licenciatura en Arquitectura de Paisaje en la UNAM, respiramos una genealogía femenina que no es casualidad: es el resultado de décadas de presencia real en proyectos, academia y política pública. La presencia femenina está rede niendo lo que signi ca diseñar el espacio abierto en nuestro país: con una mirada que no separa el espacio de quien lo habita.

Rosa Kliass lleva noventa y dos años demostrando que eso es posible.

fernandarionda.com

10 / Objeto Glocal

Cartesio

Piero Lissoni para Glas Italia

El rigor geométrico se vuelve poesía en Cartesio, la colección de mesas bajas y librerías modulares diseñada por Piero Lissoni para Glas Italia. Esta pieza magistral trasciende el mobiliario convencional para convertirse en una experiencia visual, articulada a través de un diálogo magnético entre opuestos. El diseño celebra la ligereza estructural mediante la purezza absoluta del cristal ex-

tralight, el cual contrasta de forma exquisita con un enigmático acabado de espejo matizado. El resultado es una super cie viva que captura el entorno, devolviendo re ejos difuminados, oníricos e inde nidos que transforman por completo la percepción del espacio contemporáneo. glasitalia.com/en

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