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NÚMERO 249 OCTUBRE 2026. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

MATTHEW RHYS

EN SU MEJOR MOMENTO ESPECIAL ESTILO

GUÍA DEL HOMBRE DE NEGOCIOS MODA OTOÑAL + TRAJES DE CINE

LAS CURVAS DEL NUEVO DISEÑO

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PRESIDENTE EJECUTIVO

Pedro Miguel Casado Casero

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DIRECTOR GENERAL Y EDITOR EJECUTIVO

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(milán, italia). ladies® es una marca registrada por milano finanza,

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Fotografía de portada: Inez & Vinoodh / Netflix EDITA: LUXURY MEDIA SL. DEPÓSITO LEGAL M-39147-2003 / ISSN 1696-7186

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Departamento de suscripciones: suscripciones@gentleman-es.com Controlada por OJD.

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EDITORIAL

EL VERDADERO ESTILO EL VERDADERO ESTILO tiene más que ver con una forma de mirar, de elegir y de rodearse de objetos capaces de hablar de nosotros sin necesidad de hacerlo elevando la voz, de mostrarlo en exceso. Eso que ahora conocemos como lujo silencioso es tan antiguo como la elegancia. Nada impostado nos puede transmitir estilo; generar clones en nuestra apariencia y en nuestra vida no es estilo, es una realidad que surge de las tendencias y que se ha desarrollado erróneamente en los tiempos en los que todo parecía una cuestión de dinero, lo que hace tiempo afortunadamente ya no es lo más importante. Por eso, el estilo ha virado hacia lo auténtico, donde lo artesanal ha cobrado una nueva fuerza y la calidad se convierte en un ejercicio obligatorio. Es donde cobran importancia pensamientos como los que ha exhibido John Pawson a lo largo de su carrera. La filosofía de trabajo del arquitecto británico se ha centrado en lo esencial, en desechar todo lo accesorio. Un ‘equilibrio mínimo’ donde solo se busca tener lo necesario pero donde tampoco debe faltar nada importante. Equilibrio es quizás la palabra que mejor definen los nuevos tiempos; el exceso no es sinónimo

de nada, y además queda retratado como un ejemplo de lo contrario al estilo. Por eso, en la moda se ha retornado a criterios que a veces habían quedado arrinconados –que no olvidados– y que hablan por sí mismos de elegancia. Apostamos así por prendas de cortes impecables –la importancia sartorial–, tejidos nobles y colores serenos. Una americana de buena construcción, unos zapatos de calidad o un reloj de diseño reconocible para quien sabe observar. Son objetos que no buscan demostrar su valor, sino acompañar nuestro libro de estilo durante años. La misma filosofía está transformando la forma de entender la vivienda. El verdadero lujo ya no se mide únicamente en el tamaño, sino en una arquitectura eficiente, donde cobran importancia la luz natural, el silencio y la privacidad... en definitiva, la calidad se impone sobre cualquier elemento que ahora nos parece superfluo. Algo que también se traslada a la decoración, a todo aquello de lo que nos rodeamos. Eso es el equilibrio, algo que también está presente en los dos personajes cinematográficos que nos acompañan en esta edición. Empecemos por Matthew Rhys, convertido en el primer actor en conquistar dos premios Emmy el mismo año con dos series diferentes. confirmando un talento para nadar entre el drama y la comedia, capaz de ‘crear’ personajes extrovertidos y sociables, o convertirlos en tipos oscuros y serios. Y cerramos con Theo James, el protagonista de The Gentleman, convertido hoy en actor de éxito quien también como el anterior tuvo su fase de duda actorial, pero que hoy nos deja una frase que hacemos nuestra en esta revista: “Un caballero es alguien que posee fortaleza moral y se mantiene firme en sus propias convicciones”. Es perfecto para entender el verdadero estilo. Ricardo Balbontín. Director

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CONTENIDOS 10.2026

G-MANÍA Texto María Rosa / Juan Parra

EXPOSICIÓN: SCHIAPARELLI LA MODA CREATIVA

APERTURAS: ZEGNA EL OASIS CONTEMPORÁNEO

CON FIRMA 28

REAL ESTATE 30

DISEÑO LA RECTITUD DE LAS CURVAS Texto Ana Domínguez Siemens

DREAME TECHNOLOGY TIEMPO PARA NOSOTROS Texto María Rosa

FAIRMONT RESIDENCES LA HACIENDA EL ICONO RESIDENCIAL DEL LUJO Texto Juan Parra

NOMBRES PROPIOS 16

JUAN MORA ROMERO EL VALOR DE UN APRETÓN DE MANOS Texto Juan Luis Gallego Fotografía José A. Puertas

SANTIAGO Y GONZALO SAAVEDRA LA MEMORIA DEL ARTE Texto Juan Luis Gallego Fotografía Jacobo Medrano

MANSIONES Texto Fernando Schwartz Ilustración Jacobo Pérez-Enciso

22 JOHN PAWSON: HABITAR EL VACÍO El arquitecto inglés ha trasladado su concepción casi monacal de la vida –“no tener más de lo necesario”– a una obra personal que encuentra en la ausencia de ornamentos su razón de ser. Texto Rubín de Celis

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CONTENIDOS 10.2026

PORTADA 38

MATTHEW RHYS UN GALÉS EN AMÉRICA Texto Begoña Piña Fotografía Inez & Vinoodh / Netflix

ESPECIAL ESTILO 42

MODA JEANS STORIES Producción y estilismo Stefano Spinetta Fotografía Simone Battistoni

MOTOR 68

CHANTILLY ARTS & ELEGANCE UNA CLASE DE ESTILO Texto Ricardo Balbontín Fotografía Peter Auto CUPRA: GAMECHANGERS EL PÁDEL DEL FUTURO Texto Juan Parra

ÁUREA PALACIO DE CORREOS UN REFUGIO PARA AMANTES DEL VINO Texto Juan Parra

TOTAL LOOKS ESTILO DE CINE Texto María Rosa

AGENDA NACIONAL E INTERNACIONAL Texto Luis Ini / Natalia Erice

Texto Ricardo Balbontín

THEO JAMES UN CABALLERO AMBICIOSO Texto Irene Crespo Fotografía Danny Kasirye / Netflix

LA FLOR DE COPÁN MEDIO SIGLO DE MAESTRÍA Texto Juan Parra

SECCIONES 94

RELOJES 76

TAG HEUER UN CRONO PARA MARCAR EL TIEMPO DE UNA BELLA HISTORIA ROLEX ENTRE LA CIENCIA Y LA TRADICIÓN

HABANOS 93

HOTELES 74

ACCESORIOS TOCADOS POR LA ELEGANCIA Texto Rubín de Celis APPAREL ETIQUETA PROFESIONAL Texto Abraham de Amézaga Ilustraciones Sofía Archilla

CARTIER TIEMPO EN MOVIMIENTO PATEK PHILIPPE UNIVERSO RELOJERO AUDEMARS PIGUET LOS LÍMITES DE LA PINTURA HERMÈS TEJIENDO SU PROPIA HISTORIA BELL & ROSS UN LEGADO DEL ESPACIO

HARRY HOUDINI Texto Luis Ini

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G-MANÍA EXPOSICION

| SECCIÓN M. ROSA / J. PARRA

ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS + EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA

1. Detalle de vestido, con corpiño de cordones frontales, expuesto en el Museo Victoria & Albert de Londres. (Fotografía: Jamie Stoker).

2. La exposición muestra más de 400 piezas, incluyendo diseños de Schiaparell de vestidos, perfumes y accesorios, así como obras de arte relacionadas con las creaciones de la firma. (Fotografía: Jamie Stoker).

3. Skeleton dress, diseñado por Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí en 1938, una de las piezas que se pueden encontrar en la exposición. (Fotografía: Jamie Stoker).

4. Imagen del ‘bebé-robot’, diseñado por Daniel Roseberry, con el que la firma acompañó su desfile en la Semana de la Alta Costura de París en 2024. (Fotografía: Jamie Stoker).

5. Elsa Schiaparelli, con vestido negro de seda, collar de croché y turbante diseñados por ella misma. La instantánea fue tomada en 1940. (Fotografía: Fredich Baker).

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LA MODA CREATIVA El Museo Victoria & Albert de Londres dedica la primera gran exposición a la diseñadora italiana Elsa Schiaparelli, cuyo legado audaz y en ocasiones rompedor pervive en todo su esplendor.

ELSA SCHIAPARELLI REDEFINIÓ LOS ESTÁNDARES DE ESTILO en la primera mitad del siglo XX. Si su coetánea Coco Chanel –conectadas ambas por una rivalidad profesional que amenazaba con derivar en lo personal– proponía una elegancia sobria, rigurosa y reflexiva, minimalista incluso, la diseñadora italiana (Roma, 1890) sorprendía a sus clientas con diseños experimentales en los que imperaban la ironía, el efectismo y hasta la teatralización. Fue, de hecho, pionera en la apuesta por alianzas estratégicas con artistas como Salvador Dalí (quien diseñó dos modelos para la casa) y Alberto Giacometti y actrices como Mae West y Marlene Dietrich. No es extraño que Sonnet Stanfill, comisaria de la exposición Schiaparelli: Fashion Becomes Art en el Museo Victoria & Albert de Londres, afirme de ella que fue “la primera directora creativa de la industria mucho antes de que ese concepto existiera”. La exposición (hasta el 8 de noviembre) muestra unos 400 objetos, incluyendo diseños icónicos como el vestido Skeleton (esqueleto) o Tears (lágrimas), y recorre la historia de la marca desde los años veinte del siglo pasado hasta nuestros días, bajo la batuta del actual director creativo, Daniel Roseberry.

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G-APERTURAS

La fachada traslada la textura del tejido a la arquitectura mediante un patrón entrelazado y vertical. Las formas curvas y fluidas definen el espacio, con techos suspendidos y de aspecto escultórico. El mármol travertino y la madera de fresno y nogal aportan calidez a un diseño limpio y elegante. ZEGNA Calle de José Ortega y Gasset, 16 Madrid.

EL OASIS CONTEMPORÁNEO La firma de moda ZEGNA convierte su nuevo Negozio en el corazón en Madrid en una elegante oda al diseño italiano y el respeto a los materiales que caracterizan a la marca.

ZEGNA, LÍDER MUNDIAL EN MODA MASCULINA DE LUJO, abre un nuevo Negozio en Madrid, un paso más en la consolidación de la presencia de la marca en España. Situado en una de las calles más distinguidas de la ciudad, el nuevo Negozio expresa la identidad de ZEGNA a través de la arquitectura, el diseño italiano y el conocimiento de los materiales. Fundada en 1910 en los Alpes de Biella, en el norte de Italia, ZEGNA ha contribuido a definir la moda masculina a través de más de un siglo de experiencia en el sector textil y una excepcional maestría artesanal. Este legado vivo comenzó en Il Lanificio y

se extiende hasta Oasi Zegna, el territorio natural creado por el fundador Ermenegildo Zegna y hogar de los valores de la marca. El Negozio de Ortega y Gasset refleja la dirección marcada por el director artístico, Alessandro Sartori, que une diseño contemporáneo, versatilidad y sastrería en un guardarropa adaptado a la vida del hombre contemporáneo. Incluye, además, algunos de los iconos de ZEGNA, como la chaqueta Il Conte, el calzado Triple StitchTM y el Mocassin, junto con las nuevas fragancias Memorie. Un espacio definido por la atención a la materia, la creación y la elegancia que caracteriza a la marca desde 1910.

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NOMBRES PROPIOS

JUAN MORA ROMERO

CEO DE GRUPO JAMSA

El valor de un apretón de manos La vuelta a las esencias, tanto en el trato con el cliente como en la fisonomía de las viviendas, inspira a esta promotora que exhibe, como valor añadido que evita imprevistos, contar con su propia constructora. TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA JOSÉ A. PUERTAS

EL DATO PODRÍA FUNCIONAR COMO SELLO DE GARANTÍA: en sus casi 60 años de actividad, Grupo Jamsa ha entregado más de 5.500 viviendas de unas 80 promociones. Y tiene otras 28 en marcha en estos momentos. De muy diversa tipología: en el centro de Valladolid, por ejemplo, en la plaza de Portugalete; o en la milla de oro de Marbella, con precios que oscilan entre los 200.000 o 300.000 euros y los cuatro o cinco millones. El secreto, a grandes rasgos: una ubicación privilegiada, un análisis certero de la demanda y el mercado y una cuidada atención al cliente. Y otro elemento absolutamente diferenciador: Grupo Jamsa es, además de promotor, constructor, lo que garantiza un seguimiento del proyecto 360º o, en términos más de andar por casa, que cumple, porque no depende de otros. Juan Mora es el CEO del Grupo Jamsa, segunda generación al mando de un negocio que abrió su padre en una época muy distinta, cuando el país crecía y construía sin fin para satisfacer la imparable demanda de vivienda. Las cosas, obviamente, han cambiado –más profesionalización, mejor tecnología, análisis más certeros–; también la empre-

sa –si entonces eran seis personas, ahora se acercan a los 70, con sede en Madrid y delegaciones en Santander, Valladolid, Córdoba, Huelva y Marbella–, pero las pautas de comportamiento que compartió el fundador continúan vigentes: “Ser una persona honrada; la mano que se da siempre va a misa, la despensa siempre llena y guardar para cuando no haya”, resume Juan Mora a modo de guía. ¿En qué se traduce eso? Por ejemplo, en un grado de atención al cliente que acaba forjando una relación de confianza tal que prácticamente anula la postventa –esa embarazosa revisión final en la que se acumulan las quejas por defectos e incumplimientos– o que hace depositario al personal de la empresa de esa segunda lleva que siempre conviene guardar en buenas manos. Obviamente, nadie compra una vivienda porque está Jamsa detrás, pero, cuando se sabe, la decisión se afianza. Y en eso tiene mucho que ver esa doble condición de promotora-constructora, con arquitectos, decoradores y operarios in-house, que minimiza riesgos, evita desviaciones de tiempo y presupuesto y que, en palabras de Mora, supone un auténtico “filón” diferenciador para la firma.

Hay una querencia por las “esencias” en el discurso de Juan Mora que tiene su reflejo, también, en el tipo de viviendas que construye Grupo Jamsa: más allá de las líneas rectas y estructuras cuadriculadas que dicta la moda, sigue apostando en su villas por la teja árabe y el ladrillo como reflejos de la “esencia pura del pueblo mediterráneo”. Y con suficiente personalidad para redefinir el lujo: en su porfolio exhiben villas residenciales ajardinadas al alcance de muy pocos bolsillos –la urbanización Lomas del Rey, en Marbella, por ejemplo–. “Pero también hacemos viviendas de 400.000 o 500.000 euros que, para mí, son un lujo: por la ubicación, por los amenities que tienen, por el cariño con el que hemos hecho las cosas, por los materiales utilizados... y, por el trato al cliente”, insiste Mora, quien no disimula un cierto orgullo por el trabajo bien hecho: “Al final, el suelo se acaba y las localizaciones son las que son. Así que, hacer una promoción en una determinada zona, también tiene algo de ‘esto va a quedar aquí para la posteridad y lo hemos hecho nosotros”. En la página siguiente, Juan Mora posa para Gentleman en el hotel Santo Mauro de Madrid.

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NOMBRES PROPIOS

SANTIAGO Y GONZALO SAAVEDRA

FUNDADOR Y DIRECTOR DE EDICIONES EL VISO

La memoria del arte Especializada en libros ilustrados de arte, fotografía, arquitectura y diseño, la firma fundada en 1981 ha lanzado más de 2.500 títulos, precisa y preciosamente acabados, para museos de todo el mundo. TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

EN 1990, EL MUSEO DEL PRADO DE MADRID celebró la que ha pasado a la historia como la gran exposición de Diego Velázquez, un hito cultural que recibió más de medio millón de visitas para admirar unas 80 obras del pintor sevillano procedentes de colecciones de todo el mundo. Las ventas del catálogo editado para la ocasión alcanzaron un récord mundial, unos 315.000 ejemplares que, dada la evidente e imparable digitalización del universo entero y el progresivo destierro del papel, difícilmente será batido. Aquella publicación fue creada por Ediciones El Viso. Desde el punto de vista periodístico, el catálogo Velázquez –y la dinámica febril que lo acompañó, con impresiones contrarreloj aprovechando los lunes, día de cierre del museo, para atender tanta demanda– cumple a la perfección la misión de ilustrar la dimensión del trabajo que desarrolla la editorial. Pero, aunque significativa, no es más que una anécdota en una trayectoria que ha permitido a la editorial trabajar con prestigiosas instituciones culturales

del mundo, los más importantes museos y muchos grandes artistas y creadores de diversas disciplinas. En total, más de 2.500 títulos publicados en 45 años de vida gracias a una labor que tiene mucho de artesanal, también de exquisita técnica y conocimiento especializado, y a la que no le falta un destacado componente de afanada investigación casi detectivesca. Dos ejemplos lo ilustran. Uno, ya pasado: la reedición del Shahnama (El Libro de los Reyes), encargada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que obligó al equipo de El Viso a tratar de localizar por todo el mundo –especialmente en Irán– las páginas y láminas desmembradas del ejemplar original, reproducirlas y editarlas con minuciosa y preciosa precisión a tiempo de acompañar la inauguración de las galerías de Arte Islámica de la institución. El otro ejemplo está en estos momentos en marcha: la edición del catálogo razonado de todas las pinturas de Joaquín Sorolla, basado en el trabajo durante tres décadas de Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del

En la página siguiente, Santiago (izquierda) y Gonzalo Saavedra posan para Gentleman en la sede de Ediciones El Viso, en Madrid.

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NOMBRES PROPIOS

A la izquierda: Padre e hijo ante algunas de las publicaciones y pruebas de color con las que la editorial trabaja a diario. Con sedes en Madrid, París y Ciudad de México, El Viso distribuye sus títulos a través de 8.000 librerías situadas en 19 países y vende online a todo el mundo a través de su página web.

artista. Son, en total, cuatro volúmenes –el primero, ya a la venta; los otros tres, en proceso– con miles de ilustraciones y todo lo que ello implica, como localizar a los poseedores de tanta obra, tratar de fotografiarla y reproducirla de la forma más fiel al original posible y documentar la vida y trayectoria de cada una de ellas, por cierto, para una doble edición, en español e inglés. El ‘padre’ de toda esta aventura tiene, en principio, poco que ver con los libros. Se llama Santiago Saavedra y es físico de formación, pero también un apasionado de la fotografía de naturaleza que llegó a crear una revista sobre el tema. Su inquietud editorial entroncó entonces con la coyuntura que vivía el país: comenzaba la década de los 80 y la todavía naciente

democracia vivía un activo y productivo despertar cultural en el que –valga de referencia– el Ministerio de Cultura multiplicó por 300 su presupuesto. Así que Saavedra se lanzó por su cuenta a la creación, en 1981, de Ediciones El Viso, decisión avalada pronto por encargos, entre otros, del entonces flamante e igualmente activo Museo Reina Sofía de Madrid o para acompañar la presencia española de artistas como Antonio López o Eduardo Chillida en foros internacionales como Europalia. La lista de clientes se hizo pronto interminable, y la incorporación a la editorial de Gonzalo Saavedra, el hijo, sirvió, además, para internacionalizarla. Licenciado en Empresariales, su padre le ‘invitó’ a reforzar su formación en otros

proyectos antes de incorporarse a la firma, pero cuando lo hizo, en 2008, abrió a El Viso mercados como Estados Unidos, México –donde vivió tres años para consolidar el negocio– y Francia que ahora ocupan un porcentaje destacado de las producciones de la editorial. Ediciones El Viso crea también títulos propios, como la serie de Obras Maestras que lanza periódicamente en varios idiomas; así como monografías de autores y creadores tan variados como el interiorista y decorador Lorenzo Castillo; la diseñadora de moda Sybilla; el arquitecto Joaquín Torres-García; o el fotógrafo Fernando Mansó. Varios de sus libros han sido reconocidos por el Ministerio de Cultura como el mejor editado del año.

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El elefante en la habitación: es esa situación de la que mejor no se habla. Por ejemplo, la posibilidad de un impago. Seguro de crédito. Que no falte en esa habitación.

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ARQUITECTURA

H A BI TA R

VA C Í O

El arquitecto inglés John Pawson ha trasladado su concepción casi monacal de la vida –“no tener más de lo necesario”– a una obra única que encuentra en la ausencia de ornamentos su razón de ser. TEXTO RUBÍN DE CELIS FOTOGRAFÍA MARK ANTHONY FOX

DICEN QUE EL CARÁCTER de la gente de Yorkshire, en el norte de Inglaterra –tanto que un poco más y se está, de repente, en Escocia–, es el de su té: intenso, franco, potente, inconfundible. Y es cierto que, como sus paisanos, John Pawson (Halifax, Gran Bretaña, 1949) habla sin rodeos; aplica a su visión arquitectónica la perífrasis down-to-earth (aquí diríamos ‘con los pies en la tierra’), que tan bien les define; y ha hecho de esa frugalidad que vale a los yorkshiremen fama semejante a la de sus vecinos caledonios un sello personal. A lo largo de una agradable conversación –frente a una taza de té, por supuesto– expresa el proverbial orgullo regional de quienes consideran su tierra God’s own country (‘la propia tierra de Dios’ en una traducción libre a la altura del ditirambo) refiriéndose al histórico condado cerca de una docena de veces.

Devota metodista, su madre quiso para él la vida entregada sin reservas del misionero; su padre, gentleman sibarita y pragmático industrial, que contribuyera con no menor entrega a una saga textil de la que debía ser la cuarta generación al frente. Cumpliría con ambos, a su manera. Seis años de trabajo, entre Halifax y Newcastle, le dio a la compañía familiar, especializada en confección femenina. Mientras que, en Japón, decidido a ingresar como monje en Eihei-ji, un templo zen de las bellísimas montañas de Fukui, pasó una sola noche a modo de novicio. Otra vocación, de lenta sedimentación, se había formado en él: “De adolescente había descubierto a Mies van der Rohe y, después, la revista Domus; y en Japón cayó en mis manos un libro sobre Shirō Kuramata y su obra. Nunca imaginé acabar convirtiéndome en arquitecto. Era

En la página siguiente: John Pawson, fotografiado en su casa de Londres, construida en un edificio antiguo con fachada de estuco protegida por la normativa urbanística.

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ARQUITECTURA

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La remodelación de la casa abrió la parte trasera en la primera planta y añadió una pared de cristal en el sótano que funde la encimera con el jardín.

algo que me interesaba, sí, pero hasta que conocí a Kuramata no comprendí que era lo que quería hacer”. Llegados a este trascendental punto, surge, como en tantas otras ocasiones, una cuestión de fondo en la que debemos detenernos, por mucho que no pueda ser sino brevemente: ¿Qué hace de un perfil periodístico como el que se empeñan en dibujar estas líneas un texto significativo y disfrutable? El personaje, desde luego, debe resultar vívidamente reconocible, pero ¿y los lectores no iniciados? ¿Debemos ofrecerles hechos y logros, análisis y conclusiones vistiendo una sólida estructura? ¿Revelar, ya sea en filigrana, su personalidad, como la figura de la alfombra?

¿Iluminar las zonas de sombra que toda vida y obra que merezcan la pena tienen? ¿Exponer sus contradicciones? ¿En qué medidas deben combinarse en él habilidad, rigor, agudeza, profundidad y concisión? ¿Y cuánta literatura es aceptable? Por desgracia, no hay reglas de oro ni fórmulas que funcionen. Y, en el caso de Pawson, además, el centro mismo del retrato debe ocuparlo ¡una idea metafísica! Planteada en forma de paradoja –menos es más–, sin duda la manera más efectiva y deslumbrante de expresar la complejidad de la realidad –dada la obstinada insistencia de las verdades profundas en escapar a la lógica–, pero, con todo, una grieta en el pensamiento. Un desafío.

Para empezar por el principio, es necesario aclarar que Pawson no es, como a menudo se dice de él, ‘un arquitecto minimalista’. Es mucho más que eso, pues lo más poderoso de su concepción está en que supera la arquitectura para convertirse en toda una filosofía de vida. Y, así, su propuesta no queda contenida en sus edificios, sino que los desborda, extendiéndose a todos los ámbitos de nuestra actividad cotidiana. Él mismo ha explicado en numerosas ocasiones que “no se trata de vivir sin nada, sino de no tener más de lo necesario”. Por primera vez regresamos mentalmente a Yorkshire para sumar al fervoroso rechazo materno de toda ostentación el descubrimien-

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ARQUITECTURA

su vida personal. Se trata de centrarse en lo esencial y desechar todo lo accesorio. Es una especie de ‘equilibrio mínimo’: no hay nada imprescindible a lo que no hayas atendido y tampoco se le puede quitar nada sin perjudicar el resultado”. Silencio y reflexión frente a tanto ruido

to de un placer insólito en viajar ligero de equipaje camino del internado en el que estudió, y de vuelta a casa. Con el tiempo y la experiencia, ese binomio acabaría convertido en ecuación al sumar términos como la espartana racionalidad de Mies; el concepto japonés del espacio vacío (Ma), que subraya el valor de las cosas cuando dejan de competir entre sí; o la trascendencia del diseño, aprendida del sensei Kuramata con una inesperada colleja. Él la ha planteado de la siguiente manera: “Creo que a la arquitectura y al diseño se les pueden aplicar las mismas reglas que uno ha marcado para

Y, así, en su universo creativo no hay lugar para gestos gratuitos –y egocéntricos, por tanto– ni ornamento alguno que distraiga la atención: todo, del contenedor al objeto, tiene su razón para existir. Frente al ruido visual –y ético– del mundo contemporáneo, Pawson propone silencio y reflexión; frente a su superficialidad, trascendencia; economía del deseo en lugar de consumo compulsivo; y un ánimo contemplativo como antídoto a la frustración de la cultura de la inmediatez. Sus espacios pueden parecer vacíos para el ojo profano, pero jamás lo están. En ellos, una pared impolutamente blanca adquiere dimensión, profundidad, gracias al impacto de la luz sobre ella, una ventana encuadra el paisaje como si se tratase de la pintura que no está y las vetas de la madera de una solitaria butaca establecen un diálogo fraterno con sus hermanas de una superficie de piedra. La ausencia se torna pura materialidad para cargar de intensas emociones el juego con masas, volúmenes y proporciones. Y lo mismo sucede, cambiando de escala, cuando diseña una silla, una mesa de comedor, una lámpara, una bandeja o un jarrón. Tan reconocible como amplia, su obra exige una categoría propia. De la mítica flagship store de Calvin Klein en Madison

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Avenue que hizo despegar su carrera a comienzos de los 90, al monasterio de Nuestra Señora de Nový Dvůr, en la República Checa, según él mismo el proyecto de su vida; del Museo del Diseño de Londres a la Feuerle Collection en Berlín, donde nos conocimos; de las villas en St. Tropez, Paros, Mallorca e Ibiza o Luzón a sus propias casas-manifiesto en Notting Hill y los Cotswolds; y, por supuesto, en sus hoteles, en todas hay placer, belleza, comodidad y sentido en su idea de la vida mínima. También en su colección de muebles para la editora danesa Dinesen o la familia Draft, producida por Herman Miller; en sus exquisitos textiles para Tekla, Oyuna o nuestra Teixidors, que traen de vuelta recuerdos familiares; las lámparas para WonderGlass y Wästberg, algunas de las cuales iluminan su estudio londinense; y hasta las tazas de nuestro té de Yorkshire. Mención aparte merecen sus numerosos libros —de arquitectura y diseño, fotografía o gastronomía–, la aparición del último de los cuales, John Pawson: The Minimal Home (Phaidon), motiva este perfil. Escrito por su buen amigo Deyan Sudjic, arquitecto, exdirector del Museo del Diseño de Londres, curador y divulgador experto en ambas disciplinas, el dúo ha organizado el volumen en seis capítulos que reflexionan sobre los patrones de uso del hogar moderno –vivir, cocinar, comer, lavarse, dormir y trabajar– de acuerdo con el credo pawsoniano. También desde su experiencia, pues, además de documentar un buen número de proyectos propios, incluye valiosas evocaciones de una visita a la Casa Farnsworth –Mies

van der Rohe de nuevo–, el tiempo compartido con el artista Donald Judd en su refugio de Marfa (Texas), los rituales en los baños termales de Japón, un retiro en la abadía cisterciense de Le Thoronet, en la Provenza, o la casa familiar en Halifax, germen de su concepción del hogar. Cuatro décadas y media de pensamiento y práctica esencialistas que han sobrevivido a los caprichos de modas y tendencias. ¿Por qué? Porque lo que John Pawson propone no tiene nada que ver con la pesadilla de habitar una estética, y sí con la dicha de aprender a distinguir lo trascendente de lo superfluo.

En la parte superior de la casa, una abertura acristalada permite que la luz natural ilumine la nueva escalera de triple altura. Sobre estas líneas, Pawson en la cocina de su vivienda.

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CON FIRMA

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Mansiones La revolución del decorado empezó por la luz, dejando atrás la asociación de la opulencia con la oscuridad de las paredes. Las bibliotecas han salido perdiendo. TEXTO FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ-ENCISO

HACE ALGÚN TIEMPO me referí en estas mismas páginas a una serie de castillos, unos setenta, que bordean las orillas de un bellísimo y caudaloso río, el Loira, en el centro de Francia. El secreto de su belleza y civilidad reside, explicaba, en el paisaje que los rodea: el agua abundante de sus meandros, la riqueza y el verdor de sus campos, la discreta belleza de las poblaciones en las que se asientan. Nada que ver con la árida e implacable belleza de las fortalezas castellanas y andaluzas o de lo excepcional que resultan algunos palacios escondidos en lugares inesperados: La Granja, Aranjuez, sobre todo la Alhambra. Y luego, claro, los dos de Sevilla. Y algunos enormes hospitales para peregrinos en las ciudades de paso en el Camino de Santiago. Y eso que no he hablado de las villas italianas de la Umbría. En Francia y en Inglaterra y en Italia, la naturaleza de tales mansiones se asienta en el paisaje rural. No hay paisaje rural en España; hay paisaje urbano (en Italia hay de las dos cosas). Es la razón por la que en los más inesperados rincones de ciudades, pueblos y villorrios de por aquí aparecen de pronto viejas casonas llenas de belleza e incomodidad (siendo excepción alguna villa romana asentada en las viejas fincas de trigo en tierra de Campos, en las que descubrir asombrosos mosaicos aún intactos), con artesonados y tablas medievales, y mobiliario antiguo, muchas veces oscuro y recargado. Son todas depositarias de una nobleza que habla de historia e imperio. Nada en verdad cómodo. Pero sí, que cau-

san impresión, escondidas, como están, a la sombra de catedrales góticas o de solemnes templos barrocos, de callejas estrechas y oscuras, en cortijos y cigarrales. Estos edificios heredados de generación en generación o vendidos en el último siglo a gente con frecuencia llena de buen gusto han cambiado la fisonomía de nuestras ciudades y de nuestros campos. Y de nuestras casas. Durante un tiempo largo, se asociaba la opulencia de los salones con la oscuridad de las paredes y de los ambientes, con las lámparas cubiertas con abat-jours de pergamino, con cortinajes de terciopelo y alfombras recargadas y castellanas. De las paredes colgaban lienzos de grandes maestros de la pintura y siempre había muebles en madera oscura y calderos de cobre bruñido. Y algún gran tapiz de la Real Fábrica. La revolución del decorado empezó por la luz. Una lenta evolución burguesa (la burguesía del régimen) ocurrida a lo largo de los años 50 del siglo pasado con nuevas casas-habitación, sólidos edificios de ladrillo de ocho o diez pisos y ventanas por fin amplias y luminosas. Aparecieron los parqués y, con frecuencia, las moquetas, y desaparecieron decenas de arañas de techo, sustituidas ahora por lámparas de pie y bombillas de 100 vatios. Aparecieron los decoradores. No pretendo criticarlos ni sugerir que sus clientes tenían escaso gusto y que necesitaban de las opiniones sabedoras de los profesionales. Es más bien que las gentes no tenían el convencimiento de con qué querían rodearse para vivir inmersos en belleza y

comodidad. Más pereza que mal gusto. Pero, en mi caso, me gusta aclarar que ni una cosa ni otra: a mediados de los años 80 fui a vivir a la embajada de España en La Haya, un sólido palacete del XVIII que se caía a pedazos. Convencí a mis autoridades de la necesidad de hacerle una gran obra de recuperación; y así se hizo sin que nadie interviniera en los planos y en la decoración. Quedó espléndida y me enorgullezco de ello. No estoy muy seguro de cuándo cambió la tendencia: de la solemnidad a lo luminoso. Un momento importante ocurre ahora: han surgido las urbanizaciones del siglo XXI, colocadas generalmente en las lindes de las grandes ciudades. Son agrupaciones de edificios no muy altos, blancos y llenos de cristaleras, abiertos a la luz y a los jardines. Eso sí, con una gran piscina en medio de todo. Y niños revoloteando cerca del agua. Los interiores, a los que se accede por ascensores ultramodernos e inteligentes (inteligentes, Dios mío: ¡la IA en marcha por su cuenta!), han consagrado la necesidad de integrar cocinas y comedores, salones y salas de televisión. No hay muchas bibliotecas, me entristece decirlo. Conocí a una persona que aseguraba: “Hay dinero, pero no quedan cocineras”. Lo decía de los palacios de Roma, pero todo ello es ahora aplicable a los nuevos extrarradios españoles. Claro que, en realidad, prefiero una isla árida rodeada de Mediterráneo y con una terraza blanca que se despeña hacia el mar azul. Y hay parras y buganvillas de color morado y rojo intenso.

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DISEÑO

LA RECTITUD DE LAS

CURVAS

Las tendencias en decoración se difuminan en beneficio de la personalidad. Pero algunas se imponen: como las formas sinuosas, los colores llamativos en pequeñas dosis y las texturas en contraste. TEXTO ANA DOMÍNGUEZ SIEMENS

DE TODOS ES SABIDO QUE YA HACE AÑOS que las tendencias dejaron de ser unívocas, estrictas y dominantes. Estamos en tiempos en los que prima la idea de distinguirse de las corrientes, de buscar un vocabulario estético o conceptual que hable de cada uno de nosotros en la vertiente más personal. Nuestras casas transmiten quiénes somos, son expresión de nuestro gusto, pero también de nuestra personalidad. Y aún así, cuando asistimos a los eventos relacionados con la industria del diseño, siempre advertimos tendencias, con frecuencia opuestas entre sí, pero que son un lugar refugio para quienes no se sienten seguros de su propio criterio y

se dejan llevar por las directrices que les dictan las modas, aunque, por suerte, tienen mucho donde elegir. Últimamente, se ha evolucionado hacia interiores que priman lo táctil y sensorial, un modo sutil y discreto de expresar el lujo que deja de depender tanto de las apariencias de riqueza que implican los materiales preciosos, la abundancia de brillos y las formas excesivamente ornamentadas. Estamos en la era de la imperfección, que aporta un toque natural y la huella del ser humano a los espacios que habitamos. Se eligen piedras con vetas visibles, cerámicas irregulares, maderas con nudos, metales envejecidos…

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En está página y en la anterior, lámpara de techo Serpentine, inspirada en los dobleces del papel, un diseño de Front para la firma holandesa Moooi.

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DISEÑO

Cama y asientos Sedona, de marcados perfiles sinuosos, diseño de la española Patricia Urquiola para la firma Moroso.

Eso sí, todo lo que implique una curva exagerada es celebrado, desde paredes o elementos divisorios (como biombos) sinuosos hasta piezas de mobiliario de todo tipo; desde sofás ondulados hasta mesas de perfil serpenteante o butacas de suaves curvaturas. Este tema se acentúa con volúmenes rotundos, macizos y, en algunos casos, incluso pesados; en ese sentido, los muebles pequeños, como las butacas, son su mejor exponente, pequeñas y compac-

tas, con un aire escultórico que les aporta una decidida presencia en un interior. Sin olvidarnos de la importancia y protagonismo que van adquiriendo las grandes luminarias de techo que flotan en un ambiente como si de aéreas esculturas de definidos volúmenes se tratase. La combinación de estos elementos curvados y envolventes en un espacio de paredes enyesadas, de ladrillo visto o de suelos de microcemento es lo que se ha

dado en llamar soft brutalism, una etiqueta que es leitmotiv de buena parte de la decoración contemporánea. En este contexto, las texturas adquieren una relevancia significativa: maderas cepilladas, piedras de acabado rugoso, vidrios texturizados, cueros envejecidos, tejidos con cuerpo como el terciopelo o el mohair… Se trata de contraponerlos, de que resalten unos frente a otros por sus evidentes diferencias en sus sensaciones palpables; el contraste es el objetivo principal porque aporta sorpresa e interés. Así, adquieren protagonismo elementos de factura artesanal, con esos acabados irregulares e imperfectos, como las cerámicas de gran tamaño o los vidrios coloridos de superficie rugosa. Curiosamente, esto no está reñido con los avances en tecnología, sino que esta se suma con inteligencia a lo artesanal, algo que se ve particularmente en el modo

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solo para los que escuchan la

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DISEÑO

en que se diseñan las cocinas, combinando los últimos avances técnicos con acabados y materiales que dan la impresión de estar hechos a mano, un acierto a la hora de integrarlas en salones, comedores o terrazas de un modo fluido, compartiendo no solo espacio sino materiales y estética con el resto de ambientes, de modo que la cocina como espacio aislado y diferenciado desaparezca para formar parte de una idea mas amplia y unificada del interiorismo total. Pero, al tiempo que la tecnología se hace cada vez más relevante, también desaparece de la vista, integrando detalles como son los interruptores, televisores, altavoces o la iluminación con la arquitectura de un modo discreto y eficaz. Los colores se adaptan a esa inclinación por la calidez y lo natural, de modo que quedan atrás los blancos puros y los grises fríos para dar paso a tonalidades te-

Lámparas y asientos de colores vivos de la Sowden Collection, diseñada por George Sowden para la firma británica SCP.

rrosas que nos acercan a una sensación de cercanía a la naturaleza. Triunfan los tonos marrones, ocres, mantequilla, caramelo y arenosos, pero se les añade potencia combinándolos con inesperadas tonalidades de azules claros, rosados arcilla, con algunos burdeos o con el que mucho ven como el color estrella, el verde jade. Para las pequeñas dosis, se suman los colores vivos sin que dominen el espacio y que pueden aportarse en cojines, mantas, ob-

jetos e incluso en un mueble pequeño que ponga el acento en un ambiente neutro. Merece también mención la importancia cada día mayor que adquieren las piezas de coleccionismo, muebles y objetos únicos o de ediciones limitadas, en la frontera entre el diseño y el arte, que están tomando un protagonismo inesperado en los interiores contemporáneos. Una declaración de intenciones que demuestra conocimiento y cultura del diseño.

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La visión mediante IA mejorada, impulsada por el sistema AstroVision y la navegación Versalift, permite al robot Aqua20 Pro Ultra Roller X Complete percibir su entorno con una precisión similar a la humana. Además, mientras limpia, reacciona ante objetivos en movimiento y replantea su ruta en tiempo real.

TIEMPO PARA NOSOTROS Dreame Technology crea el primer robot aspirador con tecnología de vapor y una mopa extensible 8 cm para llegar a todos los rincones. Se llama Aqua20 Pro Ultra Roller X Complet e inaugura una nueva era en la tecnología de limpieza del hogar.

DICEN EN DREAME TECHNOLOGY, LÍDER EN SOLUCIONES DE HOGAR INTELIGENTE, que su compromiso es liberar a las personas de las tareas cotidianas para que puedan dedicar más tiempo a disfrutar de la vida. Su último robot aspirador es la mejor prueba de ello. Se llama Aqua20 Pro Ultra Roller X Complet y es el primero de la marca con tecnología de vapor. Con un funcionamiento tan sofisticado como efectivo: el robot convierte agua en un potente chorro de vapor que se libera, a través de cuatro salidas, a una temperatura de 180º C, lo que ayuda a eliminar las manchas más difíciles y secas. Luego, un fregado con agua caliente borra las manchas previamente reblandecidas. El resultado es una tasa de eliminación de bacterias del 99,999%. Además, para una cobertura más precisa de las esquinas, la última tecnología permite extender la mopa del rodillo hasta 8 cm hacia el exterior (el doble que su antecesor). Esta novedad, unida a una visión mediante IA mejorada, un avanzado sistema que permite identificar más de 320 tipos de objetos o detectar obstáculos de tan solo 10 mm o la tecnología de autolimpieza de la mopa a 100º, convierte al Aqua20 Pro Ultra Roller X Complet en el mejor aliado para redefinir el concepto de hogar inteligente. María Rosa

El Dreame Aqua20 Pro Ultra Roller X Complete está disponible al precio de 1.499 €, con una oferta de lanzamiento de 300 € de descuento durante las dos primeras semanas, disponible en la web de Dreame en España, Amazon, Worten y El Corte Inglés.

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REAL ESTATE

Las villas Fairmont Residences La Hacienda proponen una forma de vivir sofisticada y discreta, profundamente conectada con su entorno y rodeada de belleza natural. Un proyecto high end que garantiza privacidad y confort y una hospitalidad cinco estrellas.

Luz natural y vistas al mar y al campo de golf acompañan un diseño en el que cada elemento está inspirado en la naturaleza, integrando texturas cálidas que dan vida a espacios auténticos y sofisticados. El interiorismo transmite armonía y un equilibro entre el detalle y la artesanía local, con materiales que evocan herencia y prestigio, distintivos de la firma Fairmont.

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Al del di

EL ICONO RESIDENCIAL DEL LUJO

UN ENCLAVE MEDITERRÁNEO EXCEPCIONAL, la elegancia serena del estilo de vida andaluz contemporáneo y el sello inconfundible de Fairmont Hotels & Resorts, una de las firmas más prestigiosas de la hospitalidad internacional. De la unión de estos tres universos nacen las primeras branded residences de Fairmont en Europa, concebidas para redefinir el lujo residencial. La máxima expresión del quiet luxury se materializa en una colección exclusiva de 31 villas privadas, situadas en uno de los rincones más singulares de la Costa del Sol, a 15 minutos de Sotogrande, en primera línea de playa, junto al campo de golf y rodeadas de suaves colinas y vegetación. Un oasis excepcional en el que, con la firma de dAAR Arquitectura e Ibu Studio, cada vivienda ha sido diseñada como una extensión natural del paisaje: dos amplios niveles inundados de luz natural que incorporan, además, jardín paisajístico, piscina privada y terrazas con espectaculares vistas sobre el mar. Los propietarios de Fairmont Residences La Hacienda disfrutarán, además, de excepcionales servicios premium, que incluyen fitness center 24 horas, espacio de bienestar, zona de aguas y termal y acceso preferente a la cuidada y selecta oferta gastronómica del resort, entre otros muchos beneficios. La fórmula incluye también posibilidades para rentabilizar la inversión dejando en manos de Fairmont Hotel & Resorts la gestión profesional de la vivienda como residencia vacacional. Juan Parra

Fairmont Hotels & Resorts lleva sus primeras villas en Europa a un nuevo nivel: a 15 minutos de Sotogrande y con acceso directo a la playa. Y, además, con gestión y mantenimiento profesionales.

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PORTADA

GALÉS AMÉRICA EN

Orgulloso de su origen, desde que llegó a EE.UU., Matthew Rhys ha demostrado su talento hasta convertirse en el primer actor en conquistar dos premios Emmy el mismo año.

HEREDERO DE UNA PODEROSA FAMILIA con negocios inmobiliarios en Nueva York, Nile Jarvis es un tipo misterioso que, aunque puede resultar encantador, es un manipulador peligroso y violento. Cuando los creadores de La bestia en mí (2025, Netflix) llamaron a Matthew Rhys para que participara en la serie, un thriller cargado de suspense y tensión, el actor galés pensó que le estaban ofreciendo el papel del agente Brian Abbott y no el del protagonista, el inquietante Jarvis. “No me ofrecen este tipo de papeles”, dijo. Poco después recogía un premio Emmy por este trabajo. Esa misma noche, la del 14 de septiembre, subió de nuevo al escenario como mejor actor protagonista en una serie de comedia, La maldición de Widow’s Bay. Y así, este intérprete se convirtió en el primero en conquistar dos galardones por papeles principales en un mismo año, además de ser también la primera persona que tiene tres Emmy como prota-

En la página siguiente: Matthew Rhys se convirtió el pasado 14 de septiembre en el primer actor en conquistar dos Emmys el mismo año: por las serie La bestia en mí y La maldición de Widow’s Bay.

Fotografía: NETFLIX

TEXTO BEGOÑA PIÑA FOTOGRAFÍA INEZ & VINOODH

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PORTADA

El éxito de la serie ha llevado a Netflix a anunciar una segunda temporada de La bestia en mí, en esta ocasión sin Rhys, pero en la que repite Claire Danes (Homeland).

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gonista en las tres categorías (en 2018 lo logró en drama con The Americans). El éxito del actor en estos galardones, que reconocen la excelencia en la televisión estadounidense, y los Emmy de Artes Creativas a la mejor composición musical para una miniserie o serie antológica para La bestia en mí, han animado a Netflix a renovar por una segunda temporada, en la que Claire Danes repetirá, aunque sin Matthew Rhys.

Rhys, un galés (de Cardif ) de pura cepa, de 51 años, disfruta de su gran e inesperado momento de gloria. Tras tres décadas en cine, televisión y teatro, vivió un momento crítico cuando, al terminar junto a Kathleen Turner la adaptación teatral de El graduado en 2000, pasó año y medio sin encontrar trabajo. Desencantado, decidió cambiar de vida. Su extravagante apuesta fue ingresar en el ejército británico, pero también fue rechazado.

Así que tuvo que vencer el desaliento para recuperar el entusiasmo y la fascinación por la interpretación que había descubierto a los 17 años dando vida a Elvis Presley en un musical escolar. Aquella función le animó a ingresar en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA) de Londres. Lo siguiente fueron tiempos de trabajo duro en papeles secundarios hasta que llegó a sus manos el personaje de jovial abogado gay en la serie Cinco hermanos (2006). Su interpretación en este drama familiar le abrió las puertas de EE.UU. y provocó un cambio radical en su carrera. Y el papel del agente de la KGB protagonista de The Americans (2013-2018) transformó, además, su vida: en el rodaje de la serie conoció a la coprotagonista, Keri Russell, se enamoró y desde entonces son pareja y tienen un hijo de 10 años. Rhys se ha forjado desde entonces un prestigio que le ha valido para que su nombre esté en las mesas de las productoras americanas, llegando a trabajar nada menos que con Steven Spielberg en Los archivos del Pentágono. Peldaño a peldaño, ha ido ascendiendo, y confirmando un talento especial para nadar entre el drama y la comedia, para meterse en personajes extrovertidos y sociables, en tipos oscuros y serios… Cualidades que le han servido para devolver a la pantalla al legendario abogado defensor Perry Mason en una serie de HBO, a acompañar a Tom Hanks en El amigo inesperado, a ser el gran poeta galés Dylan Thomas en El límite del amor o el vengativo Demetrius en la adaptación de Shakespeare Titus, entre otros. Hoy, Rhys, que ha dado también pasos en guion, producción y en la dirección de unos cuantos episodios de series, tiene pendientes de rodaje y estreno varios trabajos como actor, entre ellos el de Wyrd, donde será un extraterrestre; Silent River, donde compartirá reparto con John Krasinski, o Dragon Slayers, miniserie en la que interpretará al editor de The Sunday Times, Harry Evans. Mientras, mantiene su compromiso con Gales, por su independencia y la supervivencia de su lengua. Como demostró en los Emmy: “Para la gente buena y grande de Gales. Somos una nación pequeña pero poderosa”.

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ESPECIAL ESTILO + MODA

Junto a estas líneas: Abrigo de cachemir y lana; traje de lana con chaqueta de doble botonadura y camisa de algodón, todo de KITON. Corbata de seda, de FUMAGALLI 1891. En la página siguiente: Izquierda: Chaqueta y pantalón de cachemir y camisa en denim con botones a presión, ambos de BRUNELLO CUCINELLI. Derecha: Cazadora vaquera, de ROY ROGER’S; camisa vaquera, de PIOMBO en OVS; y pantalón vaquero de cinco bolsillos y gorra de algodón, ambos de POLO BY RALPH LAUREN.

JEANS

STORIES

Precisión sartorial pero actitud desenfadada. Este otoño, el traje clásico rompe las reglas e incorpora camisas, pantalones e incluso chaquetas en denim. Y también, por qué no, mocasines. PRODUCCIÓN Y ESTILISMO STEFANO SPINETTA FOTOGRAFÍA SIMONE BATTISTONI

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ESPECIAL ESTILO + MODA

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Sobre estas líneas: Traje con chaqueta de botonadura sencilla en mezcla de cachemir y lana y camisa de algodón, todo de ZEGNA. Corbata de seda, de BRUNELLO CUCINELLI.

En la página anterior: Izquierda: Gabardina con solapas de pico; traje de lana con chaqueta de botonadura sencilla; camisa de algodón y corbata de seda, todo de BRIONI. Mocasines de piel, de FRATELLI ROSSETTI. Calcetines de algodón, de GALLO. Derecha: Traje con chaqueta de lana de botonadura sencilla, de ETRO. Camisa de algodón y cinturón de piel, de CANALI. Gafas de sol, de RAYBAN. Mocasines de piel, de SEBAGO. Calcetines de algodón, de GALLO. Maletín, de VALEXTRA.

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ESPECIAL ESTILO + MODA

Sobre estas líneas: Traje de lana con chaqueta de botonadura sencilla, de HERMÈS. Camisa vaquera con botones de presión, de POLO BY RALPH LAUREN.

En la página siguiente: Izquierda: Traja con chaqueta vaquera de doble botonadura, de CANALI. Camisa de algodón, de XACUS. Corbata de seda, de FUMAGALLI 1891. Paraguas, de AQUASCUTUM. Centro: Cazadora bomber acolchada, de FAY. Camisa de algodón, de BRUNELLO CUCINELLI. Pantalón de lana, de BERWICH. Gorra de algodón, de POLO RALPH LAUREN. Zapatos de piel, de STURLINI. Calcetines de algodón, de GALLO. Derecha: Traje de cachemir con chaqueta de botonadura sencilla, de LORO PIANA. Camisa vaquera con botones de presiión, de XACUS. Mocasines de piel, de DOUCAL’S. Calcetines de algodón, de GALLO.

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ESPECIAL ESTILO + MODA

Sobre estas líneas: Traje de lana con chaqueta de doble botonadura y camisa de algodón, todo de EMPORIO ARMANI. Zapatos de piel con cordones, de STURLINI. Calcetines de algodón, de GALLO.

En la página siguiente: Izquierda: Traje de lana con chaqueta de doble botonadura, de LATORRE. Camisa vaquera, de WOOLRICH. Corbata de seda, de BRIONI. Centro: Traje de lana con chaqueta de botonadura sencilla, camisa vaquera y mocasines de piel, todo de TOD’S. Calcetines de algodón, de GALLO. Derecha: Traje de lana con chaqueta de botonadura sencilla, de PAOLONI. Camisa de algodón con botones a presión, de BRUNELLO CUCINELLI.

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TOCADOS POR LA ELEGANCIA Tan popular en otros tiempos y más bien arrinconado hoy, el sombrero, más que un simple accesorio, es un clásico que nos demanda atrevimiento y carácter para darnos, a cambio, personalidad y distinción. TEXTO RUBÍN DE CELIS

CADA ÉPOCA POSEE UN GUSTO PROPIO y prefiere ciertos complementos a otros, accesorios mediante los cuales propone su estilo. Por ello, la sociología de la moda, a través de usos y costumbres determinados, de la pujanza de ciertas prendas, recuperándolos comprensivamente, aspira a recomponer el espíritu y la mentalidad de toda una era. Su manera de concebir el mundo y la vida, así como sus formas sociales. A lo largo del siglo XIX y hasta bien entrados los años 60 –al menos– del pasado, el sombrero masculino se usó de manera común y extensa en todo el mundo civilizado. Durante buena parte de los últimos cien años resultaba impensable ver a un hombre –elegante y de éxito– que no se cubriese con algún tipo de sombrero. De

hecho, en el trabajo o en las distintas escenas de la vida social, no se consideraba que estuviese completamente vestido si no usaba uno. A la vez que un complemento más o menos funcional, era sobre todo un signo de posición y de estatus social. No es extraño, por lo tanto, que en su influyente Teoría de la clase ociosa. el sociólogo y economista estadounidense Thorstein Veblen se refiera, entre otras prendas, al encanto del brillante sombrero de copa “que realza en tan gran medida la dignidad natural de un caballero”. El origen histórico del sombrero masculino es un asunto tan oscuro como remoto. Cronológicamente hablando, el primero confirmado es el que se halló junto a los restos óseos de Ötzi, el Hombre de Similaun, momia datada hacia

Solo una mujer con el carácter de Katharine Hepburn puede vestir tan bien un sombrero de hombre (aunque no fuera la única en Hollywood: Marlene Dietrich o Barbara Stanwyck los llevaron también con la cabeza bien alta). En esta imagen de estudio, la actriz posa con un estilismo andrógino que remarca una fortaleza y determinación comunes a la mayoría de los personajes que interpretó.

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ESPECIAL ESTILO + ACCESORIOS

Frank Sinatra, líder del célebre Rat Pack e icono de estilo masculino, lleva un fedora –sombrero flexible de origen italiano– de ala media. Modelo que, años más tarde y gracias a una célebre película de gángsters francesa, pasaría a conocerse como borsalino (el nombre de la compañía que lo inventó y patentó).

el 3255 antes de Cristo encontrada en los Alpes suizos en 1991. Se trata de un gorro de piel similar a los usados en los países escandinavos y Rusia para protegerse de los rigores del invierno. Y es que, en un primer momento, el uso del sombrero aparece unido a una función estricta y simple de protección y confort que, con el esplendor de los grandes imperios de la Antigüedad, fue adquiriendo, además, un matiz social de distinción, refinamiento y elegancia. Surgieron así distintos tocados en el Antiguo Egipto y la Grecia clásica: el célebre gorro Frigio, el píleo o el pétaso, el primero en incluir un borde o ala, elemento fundamental en los sombreros modernos. Desde entonces, su evolución ha dado lugar a una enorme variedad de estilos, morfologías, usos y tipos, casi tan amplia como

los significados que las distintas culturas alrededor del mundo le han otorgado históricamente: símbolo de poder, accesorio de lujo, elemento de uniformidad social, utensilio funcional, etc. El desfile de los prohombres

Una diversidad en la que cabe visualizar por igual a Napoleón Bonaparte, sable en mano y liderando a su Grand Armée, con su icónico chapeau de bras, más conocido fuera de Francia como bicornio; a Abraham Lincoln, quien acostumbrara a utilizar su sombrero de copa alta para guardar papeles y notas en su interior, a modo de archivador portátil; a Charlot, ladeando cuidadosamente su pequeño bombín con un gesto lleno de orgullo proletario; o a Humphrey Bogart, tocado con un fedora gris que se convirtió en el

sombrero de moda en los años 40, quien sintetizó su fidelidad a dicho accesorio en estos términos: “Lo único que todo hombre debería tener en su armario es un sombrero. Hay sombreros para el día a día, algunos para ocasiones especiales y otros que se adaptan a diferentes estados de ánimo. Un sombrero –añadía el actor en esta declaración casi de cabecera– es, sin duda, un sello distintivo, pero, sobre todo, es un salvavidas: salva al hombre del declive de las costumbres y de la pérdida progresiva de la elegancia”. Y si hay algo que identifica a los músicos de jazz de la era dorada es que todos llevan el sombrero con idéntica naturalidad y estilo. Ahí están Lester Young, Dizzie Gillespie o Duke Ellington –quien aparecía con un sombrero de copa en una fotografía promocional de 1934 para

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J U DE LAW X

SOLO EN

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EL CORTE INGLÉS, S.A. C/ Hermosilla 112, 28009 Madrid

ESPECIAL ESTILO + ACCESORIOS evocar, quizás, ese destello de nobleza de su propio nombre– y sus pork pies, trilbies o boinas de aspecto bohemio. Si bien es cierto que el sombrero es una prenda cuyo uso ha ido decreciendo progresivamente a lo largo de las últimas décadas del siglo XX, sustituido por gorras deportivas y, en invierno, por gorros de lana, las opciones para encontrar el tipo y modelo que más nos favorece siguen siendo casi infinitas. Modelos que la ficción resucita

La nostalgia de la ficción televisiva y cinematográfica, herramienta para generar empatía y una conexión emocional inmediata con el espectador, nos ha traído de vuelta las boinas de repartidor (baker cap o newsboy en inglés), ubicuas entre la familia Selby de la serie televisiva Peaky Blinders, o modelos clásicos, elegantes y formales como el homburg o, su evolución, el fedora de ala ancha, el sombrero favorito de Johnny Depp y de Harrison Ford, interpretando a Indiana Jones. Si lo que buscamos es un carácter romántico y aventurero, la elección podrá variar entre un buckskin de gusto western o un Stetson, el mayor fabricante de sombreros del mundo con más de tres millones de unidades producidas al año. En cambio, un bombín negro, el compañero ideal en la City londinense al impermeable, el paraguas y el maletín, nos dará un look de pulcro residente de Mayfair o Belgravia. Igualmente british, pero conectado con la música y la subcultura mod, es el sombrero pork pie, un modelo redondo de copa plana, con el ala más estrecha que la mayoría de los otros tipos y con un acabado circular. O un trilby de tweed, popularizado por el elgantísimo Nat King Cole, príncipe de los crooners. Típicos del verano son los de paja toquilla (conocidos popularmente como panamá por su denominación anglosajona, panama hat), producidos realmente en Ecuador, y el canotier, tan asociado a escenarios soleados y playeros de los ‘años locos’ de la década de 1920. Pero no solo es el tipo de sombrero el que ‘hace’ al hombre, sino sobre todo la actitud con la que lo vestimos. Como el

novelista francés Honoré de Balzac, para quien la fisionomía, más allá del propio aspecto, se convertía en herramienta clave para descifrar el alma, la psicología y la posición social de un hombre, otro escritor de éxito, el estadounidense John Steinbeck (autor, entre otras, de Las uvas de la ira), afirmó su convicción en que “muchas cosas pueden adivinarse por la posición de un sombrero en la cabeza de un hombre”. Así era, por ejemplo, en el Lejano Oeste norteamericano, donde se afirmaba que, si un cowboy se echaba el sombrero hacia adelante, significaba que buscaba pelea; si se lo ponía hacia atrás,

que quería diversión; y, si a un lado, lo que quería era impresionar a las mujeres. ¿Recuerdan al actor Alain Delon ladear concienzudamente, sin prisa alguna, una y otra vez su sombrero en la película El silencio de un hombre? Buscaba la perfección. ¿Y qué es esta, sino una pulida colección de errores? De cara a este próximo otoño, atrévanse: elijan un modelo, el que sea, y denle una oportunidad. Pónganselo, o llévenlo al menos en la mano, por si se cruzan con algún elegante atrevido y se presenta una buena ocasión para quitárselo en señal de admiración y respeto. ¡Salve al dandi victorioso!

El viejo león británico Sir Winston Churchill saluda con naturalidad patricia y gesto triunfante sosteniendo su elegante homburg de fieltro negro en la mano. Conocido como ‘el sombrero de los lores’, en el cambio de los años 20 a los 30 del siglo pasado sustituiría a la excesiva chistera en los vestidores nobles.

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ESPECIAL ESTILO + APPAREL

Etiqueta profesional Nueva entrega de nuestra Guía Gentleman, en este caso enfocada al trabajo. Con una premisa: ni los viajes ni las prisas pueden menoscabar la elegancia. TEXTO ABRAHAM DE AMÉZAGA ILUSTRACIÓN SOFÍA ARCHILLA

EL OTOÑO QUE AHORA COMIENZA ES MOMENTO de reorganizar el armario, dando paso a propuestas para las temporadas más frías y, probablemente, lluviosas. Teniendo como referente a un hombre que viaja por motivos laborales, que hace y deshace maletas con relativa frecuencia y no siempre con demasiado tiempo ni espacio, que acude a almuerzos y cenas de trabajo, también a eventos y presentaciones, en esta ocasión hemos dirigido las preguntas y respuestas de nuestra guía a este terreno. Qué trajes portar en el

equipaje, con qué atuendo viajar, cuántas camisas, el tipo de calzado..., sin olvidar los complementos, así como todo aquello relacionado con las buenas maneras y el protocolo profesional. Una guía en forma de pregunta-respuesta que pretende tener en cuenta, además, que los ambientes y situaciones pueden varíar en una misma jornada y que hay que encontrar soluciones versátiles que no menoscaben la elegancia y que, en la medida lo posible, quepan, además, en una maleta.

Una maleta versátil y práctica.

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da marca la silueta”, mientras que una “desestructurada se adapta al cuerpo”, nos explican desde la casa de sastrería Cifonelli. Doblar la chaqueta o el traje cuidadosamente puede minimizar las arrugas.

El ejecutivo viajero

¿Cuántos trajes debería llevar un hombre en un viaje de negocios de tres días? Dos sería el número adecuado. Para variar y por si se mancha o estropea uno de los dos.

¿Es mejor viajar con un traje puesto y otro en la maleta, o llevarlos todos dentro? La segunda opción es la más acertada. Si no, intentemos que el traje que portemos durante el viaje sea de un tejido que no se arrugue fácilmente.

¿Hay colores o estampados que convenga evitar? Por supuesto. los “excesivamente llamativos, los grandes contrastes y, sobre todo, los estampados muy protagonistas”, según las recomendaciones del influencer de moda masculina Pau Benedito (conocido como Paucho en la redes).

¿Qué calzado elijo si no facturo y solo puedo llevar un par? Benedito no lo duda: “Un mocasín de piel o ante, un derby de líneas sencillas o incluso un Oxford, si el contexto es más formal, son buenas opciones”.

¿Cómo hay que guardar un traje para que llegue lo menos arrugado posible? Siempre es mejor una funda de traje, aunque si este va en la maleta hay que doblarlo lo menos posible (primero la chaqueta y luego el pantalón) y no poner nada encima que lo pueda arrugar. Un mocasín siempre es una buena opción.

¿Qué prendas básicas no deberían faltar nunca? Sin duda, la chaqueta. “Una estructura-

Abrigo, traje, camisa, corbata, zapatos y un maletín. El look ideal.

¿Y las camisas, cuáles son las más adecuadas? Tiene que acompañar fielmente a los trajes. “Una camisa impecable, sencillamente. Si tiene un corte perfecto y se lleva bien, es suficiente”, señalan los mencionados maestros sastres.

¿Cuántas llevaría para un viaje de negocios de tres días? ¿Una por día o alguna de repuesto? Cuatro: una para cada día, y una cuarta en caso de que se transpire demasiado o haya manchas en las anteriores.

¿Cuáles permiten multiplicar los looks sin tener que llenar la maleta? Las blancas y las de color azul claro son las más versátiles.

¿Qué prendas merece la pena llevar puestas durante el viaje para ahorrar espacio en el equipaje?

1¿¿Un look ideal para una jornada laboral? Un abrigo ligero, y no de un largo excesivo, o una gabardina forman, con un traje, la parece perfecta para cualquier ocasión en un contexto de trabajo. Por supuesto, no debe faltar un buen calzado y, como herramienta práctica pero que dota de personalidad, un maletín.

Claramente, uno de los dos trajes, pero siguiendo las recomendaciones de anteriores preguntas para evitar arrugas excesivas durante el viaje y aprovechar la prenda después.

Almuerzos y cenas de trabajo

¿Qué look es el más adecuado para una comida de trabajo: traje completo, americana y pantalón o algo más relajado? Tanto el primero como el segundo son correctos, dependiendo del contexto: nivel de formalidad del encuentro, rango profesional de los asistentes, lugar y naturaleza de la reunión.

Una camisa “impecable”. Con eso basta para acompañar cualquier traje.

¿Hay que quitarse la chaqueta al sentarse a la mesa en una comida de negocios? Lo más propio es desabrocharse la chaqueta del traje. Luego, al levantarse, se vuelve a abrochar.

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ESPECIAL ESTILO + APPAREL Los accesorios que no fallan

¿Qué tipo de maletín es más adecuado para un hombre de negocios: rígido, de piel, de tela o tipo mochila? “A la hora de elegir un bolso, un maletín o una mochila, hay que tener realmente en cuenta el tipo de uso que se le va a dar, el medio de transporte y, sobre todo, lo que necesitamos llevar con nosotros a diario”, nos explica Fedor

La puntualidad es una norma básica de educación, sobre todo en el plano profesional.

Las reuniones de trabajo en torno a una mesa tienen sus porpias reglas, aunque dependen mucho del contexto.

-¿Es apropiado remangarse la camisa? ¿En qué momento? Depende de la formalidad del encuentro, de la confianza que tengamos con nuestro interlocutor y si llevamos mucho tiempo con él. Ante la duda, mejor no hacerlo.

-¿Qué prendas funcionan especialmente bien para pasar de una reunión a una cena de trabajo? “La clave está en elegir prendas versátiles, que mantengan cierta formalidad pero que no resulten excesivamente rígidas. Una americana desestructurada, una camisa Oxford o un polo de punto fino combinados con un pantalón de vestir o unos chinos de buen corte funcionan especialmente bien”, nos cuenta Paucho.

¿Dónde conviene dejar el abrigo, el bolso o el maletín durante la comida? En el guardarropa, si lo hay. Si no, el abrigo puede colocarse en el respaldo de la silla y el bolso o maletín junto a nosotros, procurando que no estorben al comensal de al lado ni obstaculicen el paso.

Savchenko, propietario y director artístico de la casa de lujo Desmalter.

¿Es apropiado aflojarse la corbata? Depende de la confianza que tengamos con nuestro interlocutor y del tono del encuentro. Ante la duda, es preferible mantenerla bien puesta.

¿Y si nos manchamos la ropa durante el almuerzo o cena? Pedimos discretamente al camarero un sifón con agua fría y tratamos la mancha con cuidado. Si no sale, seguir comiendo con naturalidad y ocupamos de ella después.

¿Qué hacer si el restaurante es informal pero luego hay una reunión importante? Se puede ir al almuerzo con la corbata en el maletín y luego, ponérsela.

Ciertos accesorios bien elegidos pueden elevar cualquier look.

¿Cuándo es apropiado sustituir el maletín tradicional por la mochila? Si nos desplazamos en moto o bicicleta, es mucho más práctica esta última opción. ¿Y para portar el ordenador? “Con la evolución de lo digital, prácticamente ya no podemos salir de casa sin nuestro teléfono o nuestro ordenador. Los estuches, fundas y bolsos para ordenador se han convertido, por tanto, en auténticos must-have para el hombre de negocios”, apunta Savchenko.

¿Es mejor combinar el color del maletín con los zapatos y el cinturón? Tradicionalmente, suele ser así, aunque si bien cinturón y zapatos pueden ser

Las fragancias no deben ser demasido intensas.

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del mismo color, en el caso del maletín, no necesariamente. Basta que este armonice con el conjunto.

¿Qué accesorios pueden elevar un look de negocios sin resultar demasiado llamativos? Una buena corbata, un reloj de pulsera de aire retro y unos zapatos de calidad.

¿Dar la mano sigue siendo el mejor modo en un encuentro profesional? Sin duda. De manera empática, mirando a los ojos del interlocutor, con calidez, pero sin apretar demasiado.

Reloj, cinturón, zapatos, gafas…, ¿hay algún complemento en el que merezca especialmente la pena invertir? Por este orden: los zapatos, el cinturón, el reloj y las gafas. Apostar siempre por propuestas atemporales.

¿Cuándo conviene quitarse las gafas de sol, al llegar a una reunión o al saludar a alguien? En ambos casos. Las gafas de sol son solo para los exteriores soleados. En interiores, nada de sombreros ni de este tipo de lentes.

¿Qué hacer con el móvil mientras dura una reunión o una cita de negocios? Mantenerlo en silencio o apagado.

¿Es correcto llevar calzado deportivo? Para el fin de semana o para correr, sí. Con un traje y en reuniones profesionales, no.

En caso de duda, no aflojarse la corbata.

¿Es posible llevar un jersey al trabajo? Los jerseys finos de cuello vuelto, bajo una envolvente americana o un ligero abrigo, son muy propios en otoño y en días como los viernes, supuestamente de estilismo más relajados por aquello del casual friday.

¿Qué pequeños errores de vestimenta pueden transmitir una imagen poco profesional? Llevar un cuello de camisa apretado, una corbata muy por encima del cinturón o unos zapatos no limpios son algunos de esos errores.

Un sombrero de fieltro en invierno sigue siendo un accesorio elegante.

¿Puede resultar un sombrero demasiado serio o imponer? En un espacio exterior, no, aunque en interiores siempre hemos de ir con la cabeza descubierta. Los de fieltro son perfectos para el invierno, mientras que los de paja toquilla ecuatoriana, los conocidos como panamá, nunca fallan en lugares cálidos.

Ojo al protocolo profesional

¿Y en cuanto a perfumes? Conviene utilizar fragancias con más cuerpo que las veraniegas, pero que no desprendan aromas demasiado intensos, que puedan incomodar a nuestro entorno.

¿Qué importancia tiene la puntualidad en el ámbito profesional y qué demuestra sobre una persona? En todos los ámbitos, tanto en el personal como en el profesional, es de obligado cumplimiento. Si es por fuerza mayor (atascos, retrasos en aviones, trenes…), conviene intentar avisar lo antes posible, avanzando unas disculpas.

¿Cuando nos presenten a alguien y estamos sentados, ¿qué es lo que debemos hacer? “Ponernos siempre de pie”, como recuerda el experto en protocolo Ramón Piqué.

¿Cuándo empezamos a comer? Sin duda, cuando nuestro anfitrión lo haga; no antes. Maletines prácticos y con personalidad.

¿Quién debe saludar primero en un encuentro formal? La persona que entra en un lugar, oficina, ascensor, sala de reuniones… es la que debe saludar en primer lugar.

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PERFIL

UN CABALLERO AMBICIOSO Theo James empezó muy arriba. Después, dudó de su propia vocación como actor y ahora la ha reencontrado gracias a las series The White Lotus y, sobre todo, The Gentlemen.

THEO JAMES (Oxford, Gran Bretaña, 1984) empezó a fantasear con ser actor cuando vio a Marlon Brando en Un tranvía llamado deseo. Sin embargo, volcó su vocación artística primero en la música y estudiando Filosofía. Tras graduarse, y viendo poco futuro en los instrumentos, ingresó en la prestigiosa Bristol Old Vic Theatre School y de ahí salió directo a pequeños papeles en títulos visibles, como Conocerás al hombre de tus sueños (Woody Allen, 2010) o aquel amante turco de corta vida en Downton Abbey. Su salto a la primera línea de Hollywood llegó por pura casualidad: se presentó al casting de la franquicia millonaria Divergente, porque habían cancelado su vuelo de vuelta a Londres. No pensaba ir, no estaba seguro de querer perder su vida anónima, pero se

presentó y le eligieron a él entre mil candidatos. Aceptó y, junto a Shailene Woodley, protagonizó tres películas en dos años (2014-2016). Después, se cerró. Empezaron las dudas sobre este mundo, sobre la fama, aunque continuó una carrera por inercia de grandes presupuestos como Underworld: Guerras de sangre (2016) y otros de más pretendido prestigio como Zoe (2018) o la serie Sanditon (2019). En la pandemia, sus dudas se acrecentaron, y a punto estuvo de abandonar la interpretación a tiempo completo para orientar su vida hacia las ciencias marinas. Y entonces llegó Mike White, actor y cómico reconvertido en uno de los creadores más rentables de Hollywood gracias al éxito de la primera temporada de su serie, The White Lotus, donde un

En la página siguiente, el actor británico Theo James, protagonista de la serie The Gentlemen, cuya segunda temporada estrenó Netflix el pasado 3 de septiembre.

Fotografía: NETFLIX

TEXTO IRENE CRESPO FOTOGRAFÍA DANNY KASIRYE

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PERFIL

The Gentlemen es el título de una película dirigida por Guy Ritchie y estrenada en 2019, origen de la serie del mismo nombre, cuya primera temporada se estrenó en 2024 en la plataforma Netflix.

grupo de millonarios lo pasaban regular en un hotel de lujo en Hawái. Para la segunda temporada, trasladada a Sicilia con la misma premisa, White pensó en Theo James como un rico chulo y ególatra, un hombre muy alejado de la masculinidad tranquila que el actor siente y traslada. Le asustó el reto, pero encontró la forma de afrontarlo y de divertirse haciéndolo: el papel fue suyo y una nueva etapa arrancó para él. Desde fuera le llegaban más ofertas; desde dentro, había reencontrado su amor por la actuación. Guy Ritchie no lo ha confirmado, pero es probable que viendo The White Lotus pensara en Theo James como el protagonista de The Gentlemen, la serie en la que estiraba la idea iniciada en su película de mismo título (2019) y por la que este actor ha seguido explotando su lado

cool y elegante. En la primera temporada, estrenada hace dos años, James, como El Duque, acababa de heredar su título y así se enteraba de que el verdadero negocio familiar era una gran plantación de marihuana. Al final de aquellos capítulos, se arremangaba el traje de tweed y decidía meterse de lleno en el negocio para hacerlo crecer ampliando plantaciones con otros nobles de países europeos. La segunda temporada (estrenada en Netflix el 3 de septiembre directa al top 10) arranca por eso en Italia, donde conoce a una condesa que endulzará un poco su codicioso viaje a las cloacas de la aristocracia inglesa. “Mi personaje intenta abarcar más de la cuenta y se adentra en aguas profundas y oscuras –nos explicó el propio James en una reciente entrevista vía Zoom–. Su ambición lo lleva a un punto en el que

comete muchos errores y, en última instancia, se extralimita”. Ritchie ha comparado esta temporada de The Gentlemen con El padrino II para explicar ese giro hacia una oscuridad irreversible. Y aun así, o quizá por eso, Eddie Horniman, El Duque, es aún más caballero que antes. O, al menos, Theo James, visiblemente cómodo en el nivel de fama y trabajo que ha alcanzado (con una feliz familia en casa), es más gentleman que nunca. “Un caballero es alguien que posee fortaleza moral y se mantiene firme en sus propias convicciones”, dice en serio, casi hablando de él mismo, para después reírse en seguida un poco, porque esa es su máxima: “No tomarse en serio ni su trabajo ni a uno mismo”, y así llevar mejor los altos y bajos de una profesión que, por fin, parece disfrutar plenamente.

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FLOR DE COPÁN 50 ANIVERSARIO Vitola: Aniversarios (cepo 54 x 152 mm) + Capa: carmelita, brillante, aterciopelada, sedosa + Sabor: amaderado, cacao, frutos secos, canela, con un postgusto amplio que deja recuerdos a anís, café y avellanas. Cremoso y final persistente + Aroma: amaderado, tostado, especiado + Fortaleza: media a media fuerte + Tiempo de fumada: 70-90 minutos. Presentación: caja de 10 cigarros.

MEDIO SIGLO DE MAESTRÍA La hondureña fábrica La Flor de Copán conmemora su 50 aniversario con una edición limitada que rinde homenaje a sus artesanos, honrando su pasado y celebrando el presente. LA FÁBRICA DE TABACOS LA FLOR DE COPÁN FUE FUNDADA EN 1976 en Santa Rosa de Copán, Honduras, y es reconocida como la heredera directa del legado de la histórica Real Factoría de Tabacos de Santa Rosa de los Llanos. Es, además, la única fábrica de puros establecida en la región de Copán, cuyo vínculo con el tabaco se remonta a la civilización maya. Ahora, la fábrica celebra su 50 años de vida con el lanzamiento de la Edición Limitada Flor de Copán 50 Aniversario, que rinde homenaje a la maestría artesanal de sus trabajadores, cuyo conocimiento y dedicación han convertido a esta marca en un referente mundial del tabaco premium. Flor de Copán 50 Aniversario es el resultado del trabajo meticuloso del Grupo de Maestros. Con un blend 100% Honduras, destaca por su cremosidad, sabor achocolatado y sus notas de frutos secos y canela, ofreciendo un perfil sensorial que refleja la experiencia y el saber hacer acumulados a lo largo de cinco décadas. Se trata de una edición limitada creada para coleccionistas, amantes del tabaco premium y para quienes valoran la artesanía auténtica. Pero, sobre todo, es un recordatorio de que la verdadera fortaleza de la marca reside en su gente. Esta Edición Limitada, que se presenta en estuche con una selección de 10 cigarros en cada uno, se comercializará a nivel mundial. Al mercado español se lanzarán 500 estuches y su venta será al precio de 9,80 euros por cigarro. Juan Parra

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Corbata de seda twill, de EMIDIO TUCCI (49,95 €). Chaleco de lambswool con cuello pico, de LLOYD’S (59,95 €)

TEXTO MARÍA ROSA

La c

Sport

Theo James y la serie The Gentlemen inspiran looks tan elegantes como versátiles con las marcas de El Corte Inglés.

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Interior Chaqueta separate de vestir, con espiga, fit slim, de EMIDIO TUCCI (260 €). Camisa de vestir non iron, de EMIDIO TUCCI (49,95 €). Pantalón separate de vestir, con espiga, fit slim, de EMIDIO TUCCI (120 €). Corbata de seda y punto, de EMIDIO TUCCI (49,95 €). Mocasines con borlas, de EMIDIO TUCCI (130 €).

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MOTOR

Una clase de estilo Richard Mille convierte Chantilly Arts & Elegance en la expresión de un universo donde automóviles excepcionales, TEXTO RICARDO BALBONTÍN

FOTOGRAFÍA PETER AUTO

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innovación técnica y relaciones humanas comparten una misma idea de excelencia.

y de clásicos del motor

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MOTOR

La edición de 2026 registró una participación récord en el espacio dedicado a los clubes, mientras el área de hospitalidad de Richard Mille se convirtió, como siempre, en uno de los puntos de encuentro más exclusivos de Chantilly.

EN LOS JARDINES DEL CHÂTEAU DE CHANTILLY se respira un ambiente familiar. Esa cercanía, unida a la elegancia del entorno y al extraordinario nivel de los automóviles participantes, ha convertido Chantilly Arts & Elegance Richard Mille en una de las grandes citas internacionales dedicadas al vehículo clásico y al arte de vivir. Celebrado cada dos años, el encuentro reúne patrimonio automovilístico, concept cars, alta costura, arte ecuestre y el tradicional déjeuner sur l’herbe. Durante un fin de semana, los jardines diseñados por André Le Nôtre se transforman en un excepcional museo al aire libre. En esta edición, el Delage D8 SS de 1933 recibió el Best of Show de preguerra y el Ferrari 410 Superamerica de 1956 se impuso entre los vehículos de posguerra. El Bugatti Brouillard fue reconocido como mejor concept car, restomod y pieza única. La presencia de la firma relojear Richard Mille como uno de sus impulsores

va más allá del apoyo institucional. La unión de técnica, belleza y rendimiento que define Chantilly coincide con el universo de una firma construida alrededor de la innovación y de una concepción muy personal de las relaciones humanas. Esta filosofía también se refleja en su vinculación con el deporte de élite. Más que un escaparate, la competición re-

presenta un terreno de experimentación donde las necesidades de los atletas se convierten en soluciones técnicas. Así lo explican dos de sus embajadores: Alexis Pinturault, uno de los grandes nombres

del esquí alpino francés, y Mutaz Essa Barshim, campeón mundial y olímpico de salto de altura. Pinturault comenzó su relación con la firma hace unos 12 años con una condición: mantener toda la concentración en el esquí. “Buscaba una relación fuerte con la marca, pero también poder concentrarme en mi disciplina. Para mí, lo principal siempre fue el deporte”. Ese planteamiento se trasladó al reloj. Para un esquiador debía ser ligero, fino y cómodo, hasta desaparecer durante la competición. El uso de guantes exigió reducir el grosor, modificar la corona y desarrollar una correa integrada con el equipamiento. El proceso duró aproximadamente dos años y medio. “Desde entonces he esquiado siempre con él y nunca ha supuesto un problema, porque los ingenieros trabajaron específicamente sobre los criterios que les habíamos marcado”. Cada disciplina plantea exigencias distintas. Impactos, aceleraciones y movi-

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mientos explosivos convierten el deporte en un banco de pruebas extremo. “Cuando alguien compra esa pieza sabe que está comprando exactamente la misma que Alexis ha desarrollado con nosotros”, explica Tim Malachard, director de marketing de Richard Mille. “Eso crea una intimidad muy especial con la marca”. Y para demostración de todo ello, el accidente de Romain Grosjean durante el Gran Premio de Bahréin de 2020. Tras salir de su monoplaza en llamas, el piloto conservaba el reloj en la muñeca y este continuaba funcionando. Desde el hospital escribió a Malachard: “No te preocupes, el reloj está bien”. La pieza se conserva sin restaurar como testimonio de aquel episodio. Para los atletas, sin embargo, la diferencia no reside únicamente en las prestaciones. Barshim conoció a Richard Mille durante los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro de 2016. Cuando le explicó que no quería competir con un objeto pesado en la muñeca, le respondió:

“Vamos a trabajar en algo muy ligero. No vas a sentirlo”. En agosto de 2017, recibió una de las primeras piezas antes del Campeonato del Mundo de Londres. “Me lo puse en la muñeca y, boom, campeón del mundo. El reloj tenía dos días”. Desde entonces, lo acompaña en competición: “A veces tengo que mirarlo para recordar que lo llevo”. Barshim destaca otro elemento importante, la dimensión humana de la relación. “Mucha gente utiliza la palabra familia. Pero cuando yo digo familia aquí lo digo de verdad”. Una confianza basada en el respeto por los calendarios deportivos y el apoyo en los momentos difíciles. “No se trata de dinero. A veces basta una palabra o una palmada en el hombro para levantarte”. Pinturault comparte esa visión y, aunque su carrera deportiva ha terminado, continúa vinculado a la firma. “Eso demuestra que no es simplemente negocio. Es una relación que hemos construido y en la que también hemos crecido juntos”.

Malachard añade: “En Richard Mille buscamos relaciones duraderas. Cuando firmamos con alguien pensamos en muchos años, porque queremos desarrollar productos junto con los deportistas”. Esa idea de permanencia conecta directamente con Chantilly Arts & Elegan-

ce. Los coches reunidos representan creatividad y excelencia técnica, pero también historias personales y una pasión transmitida en el tiempo. En este escenario, Richard Mille, el deporte y el automóvil forman una comunidad, una familia unida por el rendimiento, la singularidad y el placer de compartir lo extraordinario.

La excepcional calidad de los automóviles y las marcas participantes quedó reflejada en piezas como el Talbot-Lago T150-C SS de 1937 y uno de los exclusivos Bugatti –auténtica representación de la historia del automóvil– presentes en Chantilly.

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MOTOR

EL PÁDEL DEL FUTURO CUPRA lanza la iniciativa GAMECHANGERS para descubrir y apoyar a jóvenes talentos del pádel y convertirlos en los profesionales del mañana. Un documental, estrenado en Movistar Plus, recoge la experiencia.

GAMECHANGERS ES EL NOMBRE DE LA INICIATIVA impulsada por CUPRA para apoyar a los jóvenes talentos del pádel, deporte con el que la firma de automóviles guarda una estrecha vinculación y a cuyo desarrollo contribuye desde hace años. En su primera edición, lanzada en colaboración con la Federación Internacional de Pádel y el apoyo de la Tribu CUPRA de Pádel –que reúne a algunas de las grandes estrellas de este deporte–, GAMECHANGERS reunió a 183 participantes de 13 nacionalidades y celebró ocho torneos en seis países hasta culminar en una gran final en Barcelona donde cinco jóvenes obtuvieron una beca destinada a acelerar su trayectoria hacia el pádel profesional.

Porque ese es el objetivo último de la iniciativa: identificar, apoyar y potenciar a la próxima generación de talentos a nivel mundial; crear un futuro más global y diverso para el pádel y facilitar a los jóvenes “una oportunidad real de demostrar su potencial y dar el siguiente paso en sus carreras”, según Ignasi Prieto, chief brand officer de CUPRA. Los becados disfrutan de un programa de desarrollo que incluye apoyo profesional durante un año, estancias de formación en la Academia Manu Martín, experiencias en torneos, sesiones con la Tribu CUPRA de Pádel y una ayuda de 10.000 euros. La experiencia ha sido recogida en el documental GAMECHANGERS:

The next generation of padel players, una producción de 75 minutos disponible en Movistar Plus. La película sigue a jugadores de pádel de todo el mundo mientras compiten por una oportunidad única para acelerar el paso de rookie a jugador profesional. Producido por Tech Brand Stories (TBS), del Grupo Telefónica, el documental ofrece una visión íntima de los momentos decisivos que viven los participantes y sus familias, así como reflexiones de los miembros del jurado y de figuras destacadas de este deporte, ofreciendo una perspectiva única sobre el talento y la mentalidad necesarios para llegar a profesional. Juan Parra

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En esta página y la anterior: Imágenes de los torneros celebrados y de la presentación del documental GAMECHANGERS: The next generation of padel players.

3. A Hel se m prim ha num La p dat con det com tari

Los cinco jóvenes ganadores de las becas GAMECHANGERS son: David Esteban (19 años, España) Javier Bolumar (18 años, España), Pietro Giovannini (18 años, Italia), Milla Blaschke (18 años, Alemania) y Aina Valls (17 años, España).

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HOTELES

En esta página, abajo: El único hotel cinco estrellas de Logroño se erige en el corazón de la ciudad, a escasos pasos de la emblemática calle Laurel. A la derecha de estas líneas: Este majestuoso edificio de estilo neobarroco, antigua oficina de correos de la ciudad, ha sido restaurado con sumo cuidado para preservar su alma original.

El Áurea Palacio de Correos forma parte de la colección Áurea Hotels, una selección de establecimientos que se emplazan en edificios históricos o emblemáticos donde el legado y la historia se combinan. Plaza San Agustín, 1, 26001 Logroño. Tfno.: (+34) 941 618 732 aureapalaciodecorreos.com

UN REFUGIO PARA AMANTES DEL VINO El Áurea Palacio de Correos, el único hotel cinco estrellas en Logroño, una joya arquitectónica que combina elegancia e historia, es el mejor punto de partida para conocer el encanto de la ciudad y la esencia de La Rioja. TEXTO JUAN PARRA

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A la izquierda: Imagen de la zona gastronómica, que ofrece una cuidada selección de vinos; y una de las 41 habitaciones del hotel. Sobre estas líneas: Detalles del spa, un remanso de paz y serenidad.

SITUADO EN LA ENCANTADORA PLAZA de San Agustín de Logroño, el Áurea Palacio de Correos es una joya arquitectónica que combina elegancia, historia y carácter. Ubicado en uno de los edificios más representativos de la ciudad, este hotel cinco estrellas rinde homenaje a su pasado como antigua sede central de Correos, desplegando todo el encanto del estilo neobarroco con un aire sobrio y contemporáneo. Un viaje a la esencia riojana. Conocida por su exquisita gastronomía, su cultura del vino y su ambiente animado, Logroño invita a descubrir la esencia riojana. Pasear por sus calles llenas de historia, disfrutar de una copa de vino en la emblemática calle Laurel —a solo un paso del hotel— o sumergirse

en su valioso patrimonio artístico y cultural son algunas de las experiencias que hacen de Logroño un destino imprescindible. Para vivirlo con estilo y confort, el Áurea Palacio de Correos se presenta como el lugar ideal: exclusivo, lleno de encanto y el único cinco estrellas de la ciudad. Una joya con alma vintage. Inaugurado en 1932, el edificio mantiene intacta la elegancia de su época. Hoy, completamente renovado, conserva su alma original, integrando guiños al universo postal en cada rincón. Su colección de tarjetas postales históricas del siglo XVIII —auténticas joyas que decoran sus espacios comunes— y los antiguos buzones de correos que flanquean la entrada principal son solo algunas de

las piezas que remiten a su pasado con un estilo único. Las habitaciones, cálidas y con personalidad, están decoradas con composiciones inspiradas en sellos postales que conectan el presente con la historia del lugar. Todo en el Áurea Palacio de Correos invita a detenerse para dejarse llevar. Bienestar con aroma a vino. La propuesta wellness es un auténtico homenaje al espíritu vinícola de La Rioja. Su exclusivo spa es un remanso de paz en el que cuerpo y mente encuentran el equilibrio a través de tratamientos que giran en torno a la uva y sus propiedades. Entre ellos, destaca el masaje con aceite de pepita de uva, ideal para quienes buscan revitalizarse de la forma más natural.

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RELOJES

TIEMPO EN MOVIMIENTO El Roadster de Cartier, el reloj que sorprendió con su estética industrial inspirada en el universo del automóvil, regresa más cómodo y refinado, pero con la personalidad intacta. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

Los calibres automáticos 1847 MC y 1899 MC empleados en el nuevo Roadster de Cartier aportan el sentido a una propuesta que combina diseño, técnica y versatilidad.

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A la izquierda: En esta renovación del Roadster han intervenido más de un centenar de artesanos y especialistas, entre ellos diseñadores, relojeros, fabricantes de esferas, estampadores y pulidores. El resultado es una pieza más refinada que el original y que se adapta perfectamente a la muñeca.

EN LA RECUPERACIÓN DE LA ICONOGRAFÍA de Cartier faltaba una pieza: el Roadster. Presentado originalmente en 2002, el modelo regresa con una silueta refinada, dos calibres automáticos de manufactura y versiones en acero, oro amarillo y construcción bicolor. La maison recupera así un diseño inspirado en el automóvil, los instrumentos de precisión y las formas aerodinámicas. La esfera que evoca un velocímetro, la corona ojival, la lupa de fecha con apariencia de faro y la presencia de remaches y tornillos mantienen intacta la identidad de un reloj que expresar el tiempo en movimiento. El desafío consistía en actualizar el Roadster sin alterar su característica forma ojival. Cartier ha redefinido las proporciones, estilizado las líneas y revisado la ergonomía para lograr una apariencia más fluida. La nueva relación entre la caja y el bisel resulta más equilibrada, mientras que la corona se integra visualmente con el cristal, la lupa y la esfera. Cuatro remaches incorporados al bisel refuerzan el carácter industrial y mecánico del conjunto. La renovación es fruto del trabajo de más de un centenar de artesanos y especialistas, desde

En la otra página: El cabujón metálico y la abertura de fecha completan una composición muy armónica. Cuatro nuevos remaches en el bisel refuerzan el carácter industrial de este reloj.

diseñadores y relojeros hasta fabricantes de esferas, estampadores y pulidores. En la esfera se mantienen los principales códigos gráficos del Roadster original: motivo estriado circular, minutería de ferrocarril y números romanos. Diferentes técnicas de estampación y barnizado aportan relieve y profundidad, mientras que las agujas en forma de espada de las versiones de acero, terminadas en azul o antracita y recubiertas con Super-LumiNova®, mejoran la legibilidad y acentúan la inspiración instrumental. La nueva colección se presenta en tamaños mediano y grande. Las referencias de acero, las más deportivas, están disponibles con esfera blanca o azul oscuro con revestimiento PVD. La primera incluye una correa adicional de aligátor azul marino, mientras que la segunda se acompaña de una alternativa de caucho en el mismo tono. Por su

parte, la versión bicolor combina acero y oro amarillo, introduciendo una nota de calidez sin perder el carácter mecánico del Roadster. En la parte superior de la colección se sitúa la referencia realizada íntegramente en oro amarillo, disponible con correa de aligátor gris semimate o brazalete de oro. Cartier utiliza dos movimientos automáticos adaptados al tamaño de cada caja. Los modelos grandes, de 47 × 38 milímetros, están impulsados por el calibre 1847 MC. Las versiones medianas, con unas dimensiones de 42,5 × 34,9 milímetros, incorporan el calibre 1899 MC. El brazalete ha sido también revisado. La reducción de la longitud de los eslabones mejora su articulación y favorece la adaptación a la muñeca. El sistema patentado QuickSwitch™ permite sustituir el brazalete por una correa sin utilizar herramientas.

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Este reloj de bolsillo está datado hacia 1830 y fue realizado para el mercado italiano. Su caja de oro grabado y esmalte champlevé representa en el reverso un mapa del norte de Italia. Conservado en el Museo Patek Philippe.

Reloj de bolsillo del rey Humberto I de Saboya, fechado en 1897 y conservado en el Museo Patek Philippe. Su caja de oro amarillo luce en el reverso el escudo real esmaltado y engastado con diamantes.

UNIVERSO RELOJERO Milán es el protagonista de la séptima edición de la Watch Art Grand Exhibition, el escenario donde el público descubre la historia, la innovación y las artes decorativas que definen la filosofía creativa de Patek Philippe. TEXTO R. B.

PATEK PHILIPPE CELEBRARÁ EN MILÁN la séptima edición de Watch Art Grand Exhibition (2 al 18 de octubre), una cita que se ha convertido en la mejor forma de mostrar la historia, la técnica y los oficios artesanales de la manufactura ginebrina.. La exposición tendrá lugar en el CityOval–CityLife, antiguo Palazzo delle Scintille, con entrada gratuita previa inscripción. El recorrido reunirá algunos de los grandes pilares de la manufactura: calendarios perpetuos, cronógrafos, repetidores de minutos y relojes de Hora Universal. Junto a ellos, los Rare Handcrafts mostrarán técnicas como el esmalte, el grabado a mano, el guilloché, la marquetería y el engaste, oficios que Patek Philippe considera parte esencial de su patrimonio. Milán será también el escenario elegido para presentar nuevos relojes de edición limitada creados especialmente para la ocasión. La expectativa es notable tras la edición de Tokio de 2023, donde la firma reunió cerca de 500 piezas y desveló varias referencias exclusivas. Creada en 2012, Watch Art ha pasado por Dubái, Múnich, Londres, Nueva York, Singapur y Tokio.

Patek Philippe 20179M001 ‘Sicilian Oranges’. Reloj de sobremesa de cúpula, pieza única, creado para Watch Art Milán 2026. Combina esmalte cloisonné Grand Feu y pintura en miniatura.

Patek Philippe 992/193J001 ‘Burano’. Es un reloj de bolsillo único en oro amarillo, creado para Watch Art Milán 2026. Su reverso reproduce los canales y las fachadas de la isla veneciana mediante esmaltes cloisonné, flinqué y paillonné, con una paleta de 70 colores.

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05 Creada en 2014 para celebrar el 175.º aniversario de Patek Philippe, la referencia 5175 Grandmaster Chime reúne 20 complicaciones en una caja reversible profusamente grabada. De sus siete ejemplares, uno permanece en el Museo Patek Philippe.

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Los límites de la pintura Renée Levi transforma la fachada de la Hayward Gallery con su lenguaje pictórico mediante una intervención impulsada por la galería y Audemars Piguet Contemporary. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

LA ARQUITECTURA BRUTALISTA de la Hayward Gallery se convierte en el soporte creativo de Renée Levi. La artista ha transformado la fachada del centro londinense con una pintura concebida para dialogar con la geometría, la materialidad y el carácter del edificio. El proyecto, vigente hasta el 15 de noviembre, es el primer encargo público a gran escala de Levi en el Reino Unido. Promovido conjuntamente por la propia galería y Audemars Piguet Contemporary, abre una nueva etapa en la trayectoria de una artista con más de tres décadas explorando los límites de la pintura. Levi entiende esta disciplina como una acción física condicionada por el cuerpo, los materiales y el espacio. La imagen no parte de una composición

predeterminada, sino que surge durante el propio proceso creativo. “La escala se basa en el cuerpo: alcance, movimiento de los brazos, extensión espacial”, explica la artista. Lo visible es, por tanto, la huella de ese gesto y del tiempo empleado en realizarlo. Concebida expresamente para la Hayward Gallery, la intervención toma como punto de partida las ventanas, los volúmenes salientes y las superficies de hormigón del edificio. La obra se despliega sobre dos grandes paneles y recorre la fachada mediante un gesto continuo que conecta sus superficies superiores e inferiores. Realizada sobre un soporte de malla, fue producida en secciones modulares y ensamblada posteriormente en el propio edificio. El resultado funciona

como una composición unitaria y, al mismo tiempo, como una estructura adaptada a la geometría del conjunto. La formación inicial de Levi en arquitectura resulta fundamental para comprender esta relación con el espacio. La intervención inaugura una nueva etapa de Audemars Piguet Contemporary, el programa artístico de la manufactura relojera destinado a acompañar a los creadores en proyectos capaces de ampliar los límites de su práctica. “Levi concibe la Hayward Gallery no como un telón de fondo, sino como una superficie con la que se relaciona atendiendo a su ritmo, materialidad y escala”, señala Audrey Teichmann, comisaria de Audemars Piguet Contemporary.

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Este proyecto refleja el interés de Audemars Piguet por propiciar encuentros entre el arte contemporáneo, la arquitectura y nuevos públicos. También conecta con conceptos de la manufactura: la precisión del gesto, el dominio del material y la creación como resultado de un proceso.

Arriba: En los trabajos de Levi, el gesto pictórico responde siempre a las proporciones, limitaciones y posibilidades de cada lugar. En Londres, alcanza una dimensión monumental y se traslada desde la sala de exposiciones hasta el entorno urbano.

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Tejiendo su propia historia Hermès convierte de nuevo la esfera en territorio de expresión artística. En el nuevo Arceau Cheval Natté, 400 hilos de seda dibujan la silueta de un caballo y trasladan a la relojería uno de los materiales más ligados al imaginario de la maison. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

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El motivo que decora la esfera fue creado originalmente por el diseñador Tong Ren y su destino fue la decoración interior. La cabeza de caballo ha sido construida mediante líneas geométricas que se entrecruzan para crear un trabajo en miniatura de gran calado.

DESDE QUE HENRI D’ORIGNY dibujara el Arceau en 1978, la colección ha demostrado su capacidad para afrontar nuevas formas de expresión sin perder identidad. Su caja redonda y esas inconfundibles asas asimétricas inspiradas en los estribos se han convertido en un marco privilegiado para que Hermès dialogue con el color, la materia y los métiers d’art. El nuevo Arceau Cheval Natté profundiza precisamente en esa idea. Su punto de partida es un diseño creado originalmente por Tong Ren para el universo de la decoración interior de la casa: una cabeza de caballo construida a partir de líneas geométricas que se cruzan y superponen. Pero es al trasladar esa imagen a una superficie de apenas

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A la izquierda: La segunda propuesta del Arceau Cheval Natté se declina en una paleta de colores más discreta, dominada por negros, rojos y tonalidades castañas.

unos centímetros cuando comienza la verdadera historia del reloj. La seda, uno de los materiales más reconocibles del universo Hermès, abandona aquí el carré para instalarse en la esfera. Cerca de 400 hilos de seda se colocan individualmente para construir la silueta del caballo. Un trabajo minucioso en el que cada hilo interviene no solo en el dibujo, sino también en la percepción del volumen, la textura y la luz. Dependiendo de la dirección de los hilos y del ángulo desde el que se contempla el reloj, aparecen variaciones de brillo y pequeños matices cromáticos que transforman la imagen. Y eso es precisamente lo que hace tan atractivo al Cheval Natté. El motivo ecuestre está presente, pero no de una manera

literal. Se descompone en líneas, colores y materiales hasta adquirir un lenguaje más gráfico. Hermès propone dos interpretaciones. La primera mantiene la viveza cromática del dibujo original, combinando azules, rojos, verdes, naranjas y marrones; en la segunda, opta por una atmósfera más contenida, dominada por negros, rojos y tonalidades castañas. Eso sí, en ambas la seda dialoga con otro material más luminoso: el diamante. Cada una de ellas está limitada a 24 piezas. La esfera incorpora 123 diamantes (0,44 quilates), integrados en la propia construcción gráfica del caballo. El contraste entre el resplandor de las piedras y la textura cambiante de la seda multiplica la sensación de profundidad.

Todo ese trabajo queda contenido en la reconocible caja Arceau, realizada en oro rosa y con 38 mm de diámetro, donde el bisel aparece engastado con otros 70 diamantes (0,80 quilates), mientras que un diamante adicional (0,07 quilates) decora la corona. El engaste es parte del lenguaje de la esfera y acompaña la riqueza visual de la seda sin restarle protagonismo. En el interior se halla el calibre Hermès H1912, un movimiento automático de manufactura de 23,9 mm de diámetro y apenas 3,9 mm de grosor. Oscila a 28.800 alt/h y ofrece alrededor de 50 horas de reserva de marcha. Sus funciones se limitan deliberadamente a horas y minutos. Eso sí, el movimiento puede contemplarse desde el fondo de la caja. El Arceau Cheval Natté explica bien la manera en la que Hermès entiende los métiers d’art. No se trata únicamente de dominar técnicas tradicionales como el esmalte, el grabado o la marquetería. La casa busca también llevar hasta la relojería materiales y savoir-faire pertenecientes a otros territorios de su historia. Y pocas materias están tan íntimamente asociadas con Hermès como la seda.

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Sobre estas líneas: El BR-X5 Meteorite está disponible con brazalete integrado de acero o correa de caucho negro. Debajo: El dibujo varía en cada fragmento de meteorito, por lo que ninguna esfera es exactamente igual a otra.

UN LEGADO DEL ESPACIO Bell & Ross apuesta por una esfera de meteorito para dar un paso más con su estrella BR-X5. DESDE SU LANZAMIENTO EN 2022, el BR-X5 representa la vertiente más innovadora de Bell & Ross. Su arquitectura multicapa, la construcción tipo sándwich de la caja y el movimiento de manufactura definen un reloj de marcada inspiración instrumental. Ahora, con el nuevo BR-X5 Meteorite ofrece una estética impactante alrededor de una materia gestada en el espacio. El meteorito Muonionalusta empleado fue descubierto en 1906 en el norte de Suecia y su antigüedad se estima en unos 4.500 millones de años. Al ser cortado y tratado revela el patrón de Widmanstätten, una estructura cristalina formada durante su lentísimo enfriamiento en el espacio. La caja de acero mide 41 milímetros de diámetro y combina acabados pulidos y satinados. En su interior trabaja el calibre automático BR-CAL.323, producido en exclusiva para Bell & Ross, certificado por el COSC, y ofrece unas 70 horas de autonomía. Limitado a 250 unidades. R. B.

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Junto a estas líneas: El artista Manu Campa ha sido el encargado de ilustrar el estuche que contiene esta edición limitada.

Esta nueva creación incorpora el calibre automático de manufactura TH20-00 y en la masa oscilante luce el escudo de TAG Heuer y el número correspondiente a su edición limitada.

En la otra página: El nuevo Carrera Chronograph Sport Spain Limited Edition es una serie restringida de 60 relojes que incorpora el rojo en las agujas y la escala sexagesimal, mientras que el amarillo subraya el perfil de la correa de piel perforada.

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UN CRONO PARA MARCAR EL TIEMPO DE UNA BELLA HISTORIA TAG Heuer celebró la llegada de la Fórmula 1 a Madrid con la creación del Carrera Chronograph Sport Spain Limited Edition. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

LA LLEGADA DE LA F1 A MADRID fue la excusa perfecta para TAG Heuer y presentar el Carrera Chronograph Sport Spain Limited Edition, una serie de solo 60 piezas que conecta con la histórica relación de la firma suiza con el automovilismo. El modelo parte del Carrera Chronograph Sport y ofrece una nueva caja de acero de 42 mm y también disminuye grosor y distancia entre asas. Las referencias al mundo del motor continúan en los pulsadores inspirados en pistones, el bisel de cerámica negra con escala taquimétrica y la corona de la victoria grabada en una de las asas. La esfera negra incorpora números árabes y detalles en rojo y amarillo, colores que también aparecen en la aguja, la escala sexagesimal y la correa de piel perforada, en homenaje a España. En el interior trabaja el calibre automático de manufactura TH20-00, con 80 horas de reserva de marcha. La masa oscilante luce el escudo de TAG Heuer y cada reloj incorpora el número correspondiente a su edición limitada. Como remate, el artista Manu Campa ha diseñado un estuche inspirado en el circuito Madring, concebido como una pieza de colección que une automovilismo, diseño y cultura urbana madrileña.

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Junto a estas líneas: Rosa Vásquez Espinoza combina investigación científica y conocimiento ancestral para proteger la biodiversidad amazónica y mejorar la vida de sus comunidades.

Arriba y a la derecha: Las abejas sin aguijón desempeñan un papel esencial; su miel forma parte desde hace generaciones de la medicina tradicional, la cultura y la economía de los pueblos indígenas.

En la otra página: Rosa Vásquez Espinoza trabaja junto a las mujeres indígenas para convertir el conocimiento ancestral y la apicultura sostenible en herramientas de conservación.

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Entre la ciencia y la tradición Rosa Vásquez Espinoza, Laureada de los Premios Rolex 2026, ha encontrado en las abejas sin aguijón una forma diferente de proteger la selva. Su proyecto reúne ciencia, tradiciones indígenas y emprendimiento sostenible. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

PARA COMPRENDER LA INMENSIDAD de la Amazonía, Rosa Vásquez Espinoza –una de las cinco Laureadas por los Premios Rolex 2026– decidió fijarse en uno de sus habitantes más discretos. Las abejas sin aguijón apenas llaman la atención entre la exuberancia del bosque, pero resultan esenciales para su equilibrio. Polinizan plantas, favorecen la regeneración vegetal y producen una miel que forma parte desde hace generaciones de la medicina, la cultura y la economía de diferentes pueblos indígenas. Criada entre los Andes peruanos y la selva amazónica, Vásquez Espinoza apren-

dió pronto que la naturaleza no puede entenderse únicamente desde el laboratorio. En la memoria de las comunidades locales existe también un conocimiento construido durante siglos de convivencia con el entorno. Esa combinación entre ciencia y sabiduría ancestral se ha convertido en la esencia de su trayectoria y del trabajo que desarrolla como fundadora y directora ejecutiva de Amazon Research International. Desde 2020 investiga las propiedades medicinales de la miel producida por estas abejas. Sus estudios también han permitido relacionar el descenso de sus pobla-

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Sobre estas líneas: Rosa Vásquez Espinoza es una de las cinco Laureadas en 2026. Unos premios que cumplen 50 años y que fueron creados originalmente coincidiendo con el medio siglo del lanzamiento del Oyster.

ciones con la deforestación, la pérdida de hábitat, los pesticidas y el cambio climático. Amenazas que no solo ponen en peligro a los insectos, sino a una forma de vida estrechamente ligada al bosque. La investigación acabó saliendo del laboratorio para entrar en un territorio inesperado: el de la justicia. A finales de 2025, las abejas sin aguijón de la Amazonía peruana se convirtieron en los primeros insectos del mundo en recibir derechos legales. El reconocimiento supone un precedente para la protección de otras especies y confirma que conservar la naturaleza exige combinar ciencia, legislación y compromiso social. El proyecto ya ha estudiado 40.000 hectáreas de selva, localizado más de 300 colmenas silvestres y contabilizado cerca de 1,6 millones de abejas. Pero su dimensión más humana se encuentra en las 11 comunidades con las que colabora. Más de 350 indígenas han recibido formación

en apicultura sostenible, investigación ecológica y emprendimiento; el 70% son mujeres. La miel se convierte así en algo más que un producto natural. Representa una fuente de ingresos, una vía para preservar conocimientos tradicionales y una oportunidad para que las nuevas generaciones puedan construir su futuro sin abandonar el territorio. La siguiente etapa contempla la creación de diez santuarios administrados junto a las comunidades indígenas y la cartografía de 200.000 hectáreas de hábitat. La aspiración es levantar un corredor de conservación que alcance Bolivia y las fronteras de Perú con Colombia y Brasil. Su elección como una de las cinco Laureadas de los Premios Rolex 2026 permitirá ampliar una iniciativa única; proteger el zumbido de una abeja también significa preservar el bosque, su cultura y la vida de quienes lo habitan.

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EL VALOR DE LA ELEGANCIA BIENVENIDO AL CLUB Desde su aparición, hace más de 20 años, Gentleman se ha convertido en una referencia esencial de la elegancia y de un estilo de vida que nos gustaría compartir con usted. ¿quiere recibirnos en su casa?

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AGENDA NACIONAL

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

da con más de 1.200 volúmenes completa un recorrido por la evolución técnica y social del café. museodelcafe.com

Acento español en esta agenda –que celebra un nuevo centro de arte en Santander– con nombres como Goya, Zuloaga o Anglada.

Steve McQueen. Bilbao BILBAO

STEVE MCQUEEN: 66–76–26 El británico Steve McQueen (1969) es reconocido por desarrollar su obra entre las artes visuales y el cine. La memoria, la identidad, la historia y la experiencia humana son sus temas recurrentes. Se muestra una instalación creada para la ocasión que parte de dos interpretaciones de la canción Wild Is the Wind, grabadas por Nina Simone y David Bowie con diez años de diferencia, para construir una experiencia inmersiva que invita a reflexionar sobre el tiempo, la emoción, el recuerdo y la percepción del sonido y la luz. guggenheim-bilbao.eus

una segunda edición. Las obras proceden de la Fundación Juan Celaya Letamendi y pasaron a una colección pública en 2022.

arteederrenmuseoa.eus

Goya. Álava

FANTASÍA Y RAZÓN. ESTAMPAS DE GOYA EN LA COLECCIÓN. Hasta el 28 de febrero. Museo de Bellas Artes. El pintor y grabador aragonés Francisco de Goya (1746-1828) convirtió la estampa en un medio de crítica social y reflexión. Se exponen 211 obras de sus cuatro grandes series: 80 Caprichos, 80 Desastres de la guerra, 33 Tauromaquias y 18 Disparates. Las imágenes abordan la superstición, los abusos de poder, la violencia, la guerra, la muerte y el mundo taurino. Caprichos, Desastres y Disparates pertenecen a primeras ediciones, mientras que Tauromaquia corresponde a

elpuertodesantamaria.es

Desde el 9 de octubre al 21 de febrero. Guggenheim.

TEXTO LUIS INI

ÁLAVA

del pintor e ilustrador andaluz Enrique Ochoa (1891-1978), que destacó por una trayectoria artística marcada por el diálogo entre pintura y música. Desde la década de 1940, Ochoa, nacido en El Puerto, trasladó al lienzo su interpretación de composiciones de grandes autores musicales. La obras expuestas son tanto de esta vertiente como de su producción abstracta. Hay piezas inspiradas en Beethoven, Vivaldi, Stravinski, Debussy y Bach. Entre ellas figuran Beethoven, Sinfonía núm. 9, El pájaro de fuego y El ángel rosa en la Pasión de San Mateo de Bach.

Museo del Café. Barcelona BARCELONA

MADRID

EL SUEÑO DE LA RAZÓN. DEL SIGLO DE LAS LUCES A LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL

Desde el 10 de octubre al 5 de abril. Espacio Fundación Telefónica.

Hasta el 8 de noviembre. Monasterio de la Victoria.

La exposición analiza la evolución de las imágenes como herramientas para conocer y representar la realidad, desde la Ilustración hasta la inteligencia artificial. Reúne cerca de 300 obras, en su mayoría procedentes del Museo Universidad de Navarra, entre dibujos, grabados, fotografías históricas e instalaciones de arte digital. El recorrido parte de los proyectos científicos y enciclopédicos del siglo XVIII, pasa por el nacimiento de la fotografía y concluye con propuestas basadas en algoritmos, escaneo láser e inteligencia artificial. La muestra plantea cómo cada avance tecnológico transforma la manera de observar, registrar e interpretar el mundo.

Muestra que reúne 17 obras

fundaciontelefonica.com

MUSEO DEL CAFÉ

Permanente. En Via Laietana, frente a la plaza de la Catedral, este espacio dedicado a la cultura del café reúne más de 2.000 piezas procedentes de varios países. La colección, formada durante décadas por Giuseppe Panasiti, fundador de Café di Roma, recorre la historia del consumo y la preparación del café mediante molinos, tostadoras, cafeteras, carteles, envases, documentos y utensilios. Sobresalen más de cien máquinas de espresso históricas, entre ellas una Gaggia utilizada en la serie Friends y una Victoria Arduino 'Extra' de 1910. Una biblioteca especializa-

El sueño de la razón. Madrid

Enrique Ochoa. El Puerto. EL PUERTO DE SANTA MARÍA

ENRIQUE OCHOA, PLÁSTICA MUSICAL Y ABSTRACCIÓN

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ESCENA DRAMAS DE AYER Y HOY Texto Natalia Erice

KENNY SCHARF Hasta el 17 de enero. Museo Thyssen-Bornemisza. Surgido como una figura destacada de la escena del East Village neoyorquino de los años 80, el artista estadounidense Kenny Scharf (1958) es también uno los pioneros del arte urbano contemporáneo, junto a JeanMichel Basquiat y Keith Haring. Su obra incorpora referencias a la cultura popular y al surrealismo, además de figuras antropomórficas fantásticas y colores intensos. Scharf, que acuñó el término 'surrealismo pop' para definir su lenguaje, trabaja con pintura, escultura, instalaciones, murales, performance y moda.

museothyssen.org

Zuloaga / Anglada. Palma PALMA

ZULOAGA / ANGLADA-CAMARASA. DOS VISIONES DE LA MODERNIDAD Hasta el 10 de enero. CaixaForum. El artista vasco Ignacio Zuloaga (1870-1945) y el catalán Hermen Anglada-Camarasa (1871-1959) figuran entre los grandes renovadores de la pintura española de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Aunque compartieron amistad y una misma época, cada uno desarrolló un lenguaje propio. La exposición contrapone esas dos miradas a través de 12 obras de cada uno. Retratos, paisajes, naturalezas muertas y escenas de figuras populares permiten apreciar sus coincidencias temáticas y las diferencias en el uso del color, la luz y la composición, además de la influencia del impresionismo y

el posimpresionismo en trayectorias muy distintas.

caixaforum.org

BILBAO

PANORAMA DESDE EL PUENTE Teatro Arriaga, 30 y 31 de octubre. María Adánez y José Luis García-Pérez encabezan el reparto de un clásico del teatro norteamericano del siglo XX con la firma de Arthur Miller. Premio Pulitzer, autor de también de La muerte de un viajante, el que fuera esposo de Marylin Monroe nos legó esta tragedia sobre el trabajo de los estibadores italoamericanos llegados a Brooklyn en los años 50. Pasiones y celos atraviesan la familia de su protagonista, Eddie Carbone, enfrentado a dilemas morales de los que agarran al público hasta el final. teatroarriaga.eus

Faro Santander. Santander SANTANDER

FARO SANTANDER

Hasta el 10 de enero.

Nuevo centro de arte impulsado por Fundación Banco Santander que inaugura su actividad con tres exposiciones. Una recorre (hasta febrero) casi cinco siglos de arte, desde Cranach, Tiziano, el Greco, Rubens, Velázquez y Goya hasta Tàpies y Juan Uslé. Otra reúne cerca de un centenar de piezas de arte moderno mexicano, con Frida Kahlo, Diego Rivera, Orozco, Siqueiros y Tamayo. La tercera se centra en la británica-mexicana Leonora Carrington (1917-2011), figura esencial del surrealismo, y estudia su etapa de internamiento en Santander mediante los dos óleos que realizó allí y dibujos de sus cuadernos.

MADRID

PERSONAS, LUGARES Y COSAS Teatro Español, hasta el 18 de octubre. Una actriz en la cúspide de la fama se sumerge en una espiral de autodestrucción y adicciones y acude a terapia para desintoxicarse. Irene Escolar desplega su talento en un montaje alucinógeno que nos sacude a ritmo vertiginoso bajo la batuta de Pablo Messiez y la nube lumínica que creada por el genial Carlos Marquerie. Si todos tenemos personas, lugares o cosas que nos hacen daño, el drama del aplaudido autor británico Duncan Macmillan nos recuerda que ya es hora de poner distancia.. teatroespanol.es

3 MADRID

ICTUS Teatro Valle-Inclán, del 8 de octubre al 8 de noviembre.

fundacionbancosantander.com

Una reflexión sobre la memoria a través de una mujer que sufre un ictus durante la presentación en la Ciudad de la Cultura de Santiago de un cuadro de Alfonso R. Castelao, conocido como el ‘Gernika gallego’. La original compañía gallega Chévere nos sorprende trayendo a escena testimonios ligados a la memoria del cuadro que, a modo de documental, se cruzan con la historia personal de esa mujer. La audiodescripción en directo acompaña este innovador viaje escénico. dramatico.inaem.gob.es

MARISOL: CUANDO TODO ESTÁ POR COMENZAR Hasta el 25 de octubre. Centro Botín. La artista francesa-venezolanaestadounidense María Sol Escobar (1930-2016), Marisol, fue una figura central de la escena artística neoyorquina de los años 60 y una de las creadoras más singulares vinculadas al pop art. Célebre por sus esculturas figurativas y satíricas, abordó temas como la fama, la política y la vida cotidiana. La muestra, primera retrospectiva dedicada a sus dibujos, reúne más de cien obras e incluye esculturas, grabados, fotografías, documentos y películas de Andy Warhol.

4 SEVILLA

LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE Teatro Lope de Vega, del 16 al 18 de octubre. Eugene O’Neill, premio Nobel de Literatura y ganador del Pulitzer en cuatro ocasiones, se basó en su biografía para llevar a escena la historia de una familia herida. Con tintes del melancólico teatro de Chéjov, O’Neill disecciona las relaciones de la familia Tyrone en el transcurso de un solo día de verano en el que afloran todos sus fantasmas. Carlos Hipólito, quien encarna al capitán de este naufragado clan, el patriarca James Tyrone, en este drama que cuenta con el director Ernesto Caballero al timón.. sevilla.org

centrobotin.org

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AGENDA INTERNACIONAL

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO Tapiz de Bayeus. Londres MARZO

SACRO BOSCO DI BOMARZO

Junto a grandes nombres, como los de Matisse o Frida Kahlo, rescatamos modestos museos como el Ghibli de Mitaka o el Lola Mora argentino.

Permanente. Jardín monumental manierista situado en el Lacio italiano. Pier Francesco Vicino Orsini comenzó a crearlo en 1552 como espacio de retiro y fantasía. Entre la vegetación, aparecen enormes figuras talladas en roca volcánica: ogros, dragones, elefantes, esfinges, dioses y animales, además de una casa inclinada y un pequeño templo. Tras siglos de abandono, la familia Bettini inició su restauración en 1960. Su carácter enigmático y anticlásico lo convirtió en una obra singular del Renacimiento e inspiró a artistas como Salvador Dalí y Niki de Saint Phalle. Sirvió también de inspiración al escritor argentino Manuel Mujica Lainez para escribir una notable novela. sacrobosco.eu

Chez Matisse. Ámsterdam ÁMSTERDAM

CHEZ MATISSE

Españoles itinerantes. Berlín

Hasta el 14 de febrero. H’ART Museum.

BERLÍN

El pintor, escultor, dibujante y grabador francés Henri Matisse (1869-1954) ha pasado a la historia como uno de los grandes renovadores del arte moderno. Más de 80 obras recorren en esta exposición su trayectoria, desde un autorretrato de 1900 hasta sus últimas obras y recortes de papel. La selección incluye pinturas, esculturas y estampas, y confronta su producción con la de contemporáneos y artistas posteriores como Pablo Picasso, Sonia Delaunay, Mark Rothko, Barnett Newman y Ellsworth Kelly. El recorrido aborda su evolución formal, el uso expresivo del color y la influencia artística que acabó ejerciendo sobre varias generaciones posteriores.

hartmuseum.nl

ARTISTAS ESPAÑOLES ITINERANTES

Hasta el 18 de octubre. Embajada de España. Fragmentos, citas y pasajes. Artistas españoles en la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “la Caixa” (1940–1976) es el título de esta muestra, que inicia un itinerario por distintas sedes diplomáticas españolas. Tras Berlín, está previsto que viaje a las embajadas en París, Londres y Bruselas. Reúne 15 pinturas y esculturas de artistas españoles que renovaron el arte de posguerra y contribuyeron a su proyección internacional. Así, con ejemplos del surrealismo, la abstracción y el informalismo, aparecen, entre otros, firmas como Palazuelo, Chirino, Millares, Tàpies, Oteiza, Chillida y Miró.

Frida Kahlo. Buenos Aires BUENOS AIRES

VIVA FRIDA Hasta el 15 de marzo. MALBA. A partir de una concepción singular del autorretrato, de una rica y abigarrada iconografía de raíz mexicana y de una constante referencia a la cultura popular

fundacionlacaixa.org

de su país, la artista Frida Kahlo (1907-1954) llegó a ocupar un lugar entre las figuras más reconocibles del arte del siglo XX. Esta exposición a la capital argentina reúne más de 365 piezas entre pinturas, dibujos, fotografías, cartas, documentos, corsés, accesorios, vestidos y otros objetos, procedentes en buena parte de la Casa Azul, su residencia en Coyoacán, Ciudad de México. El recorrido relaciona su producción artística con su vida cotidiana, su entorno familiar, su vínculo con Diego Rivera y la construcción pública de su imagen. malba.org.ar

Mujeres y vidrio. Corning CORNING

TRABAJOS DUROS: MUJERES EN EL ESTUDIO DE VIDRIO ESTADOUNIDENSE Hasta el 10 de enero. Museo del Vidrio. La exposición, presentada en este museo ubicado en el estado de Nueva York –aunque a unos 400 kilómetros de Manhattan–, propone más de 200 obras de cerca de medio centenar de creadoras, todas partícipes en el Studio Glass Movement de Estados Unidos durante las décadas de 1960 y 1970. Piezas históricas y trabajos posteriores muestran soplado, fusión, moldeado, laminado y ensamblaje, y permiten seguir aportaciones de creadoras como Edris Eckhardt, Claire Falkenstein, Audrey Handler, Ginny Ruffner, Ruth Tamura y Toots Zynsky. Se incluye una selección de piezas desde la década de 1980 hasta la actualidad.

glasscollection.cmog.org

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Warhol. Landerneau LANDERNEAU

ANDY WARHOL Hasta el 24 de enero. Fondo de Cultura Hélène & Édouard Leclerc. En este ámbito, localizado en la región francesa de la Bretaña, se presentan más de 200 obras procedentes del The Andy Warhol Museum de Pittsburgh. El artista estadounidense Andy Warhol, (1928-1987) fue una figura central del pop art y transformó la relación entre arte, publicidad, consumo y cultura de masas. La muestra recorre su trayectoria desde sus primeros trabajos como ilustrador comercial hasta las imágenes que lo convirtieron en un icono del siglo XX. Pinturas, serigrafías, dibujos, objetos, películas y archivos examinan su interés por las celebridades, los productos cotidianos, los medios de comunicación y el mito del sueño americano.

fonds-culturel-leclerc.fr

Pablo Picasso. Los Ángeles LOS ÁNGELES

PABLO PICASSO: RETRATOS DISFRAZADOS Hasta el 6 de diciembre. LACMA. Entre sus muchos campos de acción artísticos, el malagueño Pablo Picasso (1881-1973) convirtió el retrato en un campo de

experimentación formal. Esta selección reúne nueve obras que recorren distintas etapas y técnicas, entre pintura, dibujo, grabado y escultura. Los personajes aparecen a través de claves indirectas: perfiles creados por espacios vacíos, prendas, animales o arquetipos. También surgen alter egos del propio Picasso, sobre todo el arlequín, figura que utilizó recurrentemente como emblema personal.

Museo Ghibli. Mitaka y Mi vecino Totoro, entre otras. La propuesta es conocer de cerca los procesos creativos, escenarios y personajes de Studio Ghibli, obras que unen fantasía, ecología, infancia y crítica social. El recorrido incluye bocetos, dibujos, maquetas, objetos, espacios recreados y cortometrajes exclusivos. ghibli-museum.jp

lacma.org

Giorgio Armani. Milán MILÁN

GIORGIO ARMANI PRIVÉ – 2005-2025

Sillas. Róterdam del teatro experimental y de la renovación de la escena contemporánea, concibió esta muestra a partir de la colección de Thierry Barbier-Mueller. Se exponen 150 sillas de 124 diseñadores, artistas y arquitectos, con obras de Ettore Sottsass, Ron Arad, Donald Judd, Niki de Saint Phalle, Lawrence Weiner y Franz West. La selección abarca más de seis décadas de diseño y presenta la silla como objeto funcional, escultura y campo de experimentación formal y material. kunsthal.nl

Chaekgeori. París

Hasta el 20 de diciembre. Espacio Armani/Silos.

PARÍS

EL SABER EN TRAMPANTOJO

La muestra recorre veinte años de Armani Privé, la línea de alta costura del diseñador italiano Giorgio Armani (1934-2025), a través de unas 150 obras procedentes de cerca de 40 colecciones. El recorrido, organizado por afinidades estilísticas y no de forma cronológica, reúne vestidos de noche, trajes y piezas bordadas con cristales, pedrería y materiales preciosos. Las obras permiten seguir su trabajo sobre el color, la silueta, los tejidos y las referencias culturales que definieron esta faceta de su carrera. armanisilos.com

Hasta el 4 de enero. Museo Guimet. El chaekgeori, género pictórico coreano nacido en la corte de Joseon a finales del siglo XVIII, convirtió bibliotecas, libros y objetos cultos en complejos trampantojos. Impulsado por el rey Jeongjo (1752-1800), incorporó modelos chinos y recursos de perspectiva difundidos por artistas jesuitas europeos. La muestra recorre su evolución hasta el siglo XX mediante biombos, pinturas, porcelanas, bronces e instrumentos de escritura, y explica los intercambios entre Corea, China y Occidente. Entre las piezas figura un rollo coreano del siglo XVIII de más de cinco metros, expuesto por primera vez. guimet.fr

MITAKA

MUSEO GHIBLI Permanente. Ubicado a 15 kilómetros de Tokio, está dedicado al universo del estudio creado por el cineasta, animador y dibujante japonés Hayao Miyazaki (1941), autor de películas de una calidad y una calidez deslumbrantes, como El viaje de Chihiro

RÓTERDAM

UNA SILLA Y TÚ

Hasta el 31 de enero. Kunsthal El director, escenógrafo y artista estadounidense Robert Wilson (1941-2025), referente

Lola Mora. San Salvador Jujuy SAN SALVADOR DE JUJUY

CENTRO CULTURAL LOLA MORA Permanente. En esta ciudad del noroeste de Argentina se acaba de inaugurar este espacio dedicado a la artista argentina Lola Mora (1866-1936), pionera del arte monumental y considerada la primera escultora de América Latina. El espacio, diseñado con la forma de un cincel, es una de las últimas obras del arquitecto argentino César Pelli. Allí, se preservan y presentan seis obras en mármol de Carrara, reunidas de nuevo tras más de un siglo.

culturacclm.jujuy.gob.ar

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ICONOS Houdini, de cuya muerte se cumplen ahora cien años (Budapest, Imperio austrohúngaro, 24 de marzo de 1874-Detroit, Estados Unidos, 31 de octubre de 1926), durante uno de sus números de escapismo, en una imagen tomada en torno a 1910.

HARRY HOUDINI

UNA VIDA MÁGICA HACE 100 AÑOS MORÍA UNO DE LOS MAYORES ILUSIONISTAS de todos los tiempos, el principio de una sólida leyenda. Mucho más que un hábil artista de la prestidigitación y el escapismo, Harry Houdini (18741926), maestro en autopromocionarse, actuó en cine, fue empresario y productor de sus propios espectáculos y filmes, y continúa siendo reverenciado por quienes han hecho de la magia un oficio o una forma de vida. Nacido como Ehrich Weisz en Budapest, llegó a los cuatro años con su familia a Appleton, Wisconsin, donde su padre ejercía como rabino. A los 12, se escapó para seguir la funambulesca vida de un circo. Conoció trabajos callejeros y aprendió el oficio

de cerrajero –enseñanza que le sería vital–, pero algo cambió definitivamente cuando leyó las memorias del célebre mago francés Jean-Eugène Robert-Houdin, a quien homenajeó en su apellido artístico. Desde los vodeviles neoyorquinos cimentó su fama como el hombre capaz de despojarse de cadenas, camisas de fuerza y esposas, aunque no de todas: allí conoció a Wilhelmina Beatrice Rahner, Bess, su compañera hasta el final. Quedan testimonios fílmicos de sus fugas: Houdini colgado cabeza abajo de una grúa, encerrado en cajas arrojadas al agua o evadiéndose de celdas policiales. Tras la muerte de su madre, frecuentó médiums y espiritistas en busca de algún

contacto con ella. Encontró farsantes a los que desde entonces se dedicó a desenmascarar con perseverancia. Su muerte, a los 52 años, tampoco escapa al mito. La causa oficial fue peritonitis por rotura del apéndice; sin embargo, quedaron versiones que la relacionan con un golpe recibido días antes e incluso teorías sobre un envenenamiento a manos de espiritualistas rencorosos. Un último pacto quedó pendiente entre los esposos Houdini: si desde las sombras de la muerte él encontraba la manera, intentaría comunicarse con Bess, quien durante diez años participó en sesiones para recibir la señal convenida. “Mira esta vida: todo es misterio y magia”, dijo en alguna ocasión. Luis Ini

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