En portada: Una ilustración de Edgar Saner que celebra la historia de México como único país que ha sido sede de tres Mundiales.
6. 8. 160. Carta del editor Colaboradores Una postal desde...
OPINIÓN
10. Lecturas del juego
Tres autores repasan su relación con el futbol a apenas unos días de que México acoja su tercer Mundial.
LIFE
18. 24. 28. 34.
El baúl de los triunfos
La dieta de las plantas
38. ¿La primera proteína?
El tiempo como esencia
El nuevo terruño
STYLE
46. 52. 60.
62. 78. Off the Pitch
Legado a la medida
La mujer que transformó
la moda en arte
La fiesta del tiempo
La hora dorada
VOCES
84. 90. 94. 96. 100.
Be Proud, Be Pride Tecnología para una nueva generación
El arte de transformar la música en magia Guardián de un patrimonio invaluable Mucho más que luz
FEATURES 110. 116. 126.
La suma del todo México en los Mundiales
El sonido del caos
VIAJES 138. 144. 148. 154. London Calling
La sofisticación vernácula de Tambopata
Laurentidas, el instante dorado Tres rostros de Florida
Fe de erratas
En nuestra edición anterior (190), publicada en marzo de 2026, mencionamos por error a Alessandro Michele como director artístico de ZEGNA en la historia titulada “Ecos de un valle lejano” de las páginas 68 y 69. El nombre correcto de quien ostenta este puesto es Alessandro Sartori.
p. 154
p. 100
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THINK LIKE A NEW MAN LIFE AND STYLE, Revista trimestral, No. 191, junio 2026-agosto 2026. Editor responsable: Pedro Manuel Aguilar Ricalde. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo No.: 04-2022-112412014500-102; Certi cado de Licitud de Título y Contenido número: 17721. Domicilio de la Publicación: Avenida Constituyentes No. 956, Colonia Lomas Altas, Delegación Miguel Hidalgo, C.P. 11950, Ciudad de México. Imprenta: Reproducciones Fotomecánicas, S.A. de C.V., con domicilio en Duraznos No.1, colonia Las Peritas, delegación Xochimilco, C.P. 16010, Ciudad de México. Distribuidores: Expansión, S.A. de C.V., Avenida Constituyentes No. 956, Colonia Lomas Altas, Delegación Miguel Hidalgo, C.P. 11950, Ciudad de México y Alfesa Comercialización y Logística, S.A. de C.V., Corona número 23 Interior 1, Colonia Cervera Modelo, Naucalpan de Juárez, Estado de México, C.P. 53330. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido, fotografías, ilustraciones, colorimetría y textos publicados en este ejemplar sin la previa autorización de Expansión, S.A. de C.V. Las opiniones y puntos de vista de las colaboraciones publicadas en esta revista no necesariamente re ejan la opinión de THINK LIKE A NEW MAN LIFE AND STYLE y quedan bajo la responsabilidad
Lo que el futbol nos trae a la mente
PEDRO AGUILAR RICALDE
@pmaguilarr
Mis habilidades para los deportes de equipo son prácticamente nulas; eso de dominar un balón con los pies, las manos, la cabeza o cualquier parte del cuerpo no fue incluido en mi software de fábrica. Sin embargo, esa carencia no me ha impedido vivir en algunos momentos la pasión colectiva que generan los grandes eventos deportivos, especialmente en compañía de amigos y amigas que siguen religiosamente a sus equipos y selecciones nacionales. Hablando específicamente de futbol, mis recuerdos asociados a él son realmente variados. Comenzaré por aquel par de tenis negros que me conquistaron durante unas vacaciones familiares en Guadalajara. Aquel modelo celebraba a la selección mexicana con el motivo de un balón blanco colocado en la parte trasera y, si bien no puedo explicar qué fue lo que me encantó de ellos, lo que sí puedo decir es que mi insistencia hizo que mi mamá accediera a comprarmelos. Los usé hasta que no dieron más y, unos años más tarde, se cruzó en mi camino un par idéntico que pagué con mis ahorros. Después, está la inauguración del Mundial de Francia en 1994. En mis criterios, lo que ese torneo nos dejó es la mejor canción que una competencia de este tipo ha tenido. La copa de la vida, interpretada por Ricky Martin, me sigue parenciendo una joya musical que hizo que los ojos del mundo voltearan a Latinoamérica y cuyo éxito, más de 20 años después, ha hecho que la FIFA siga apostando por cantantes de la región para entonar sus himnos. Y así llegamos al #NoEraPenal del partido entre México y Holanda celebrado en el Mundial de Brasil 2014. Pocas veces he visto tanta frustración compartida por todos los habitantes de un país, yo incluido. Ese pesar duró semanas y años después sigue calentando los ánimos cada vez que el tema se cuela en alguna conversación. Y es que eso es lo que tiene el futbol: sin importar géneros, clases sociales, orígenes nacionales o filiaciones políticas nos regala la esperanza, aunque sea por unos días, de que todos podemos formar parte de algo más grande y que tanto las victorias como los triunfos se vuelven un motivo de unión y fraternidad. México hace historia en este 2026 convirtiéndose en el único país que ha sido sede de un Mundial tres veces. ¡Ojalá que este recuerdo quede en nuestra memoria para siempre!
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Colaboradores
RICARDO LÓPEZ SI - Periodista
Periodista, escritor y editor nacido en la Ciudad de México, en 1989, tiene una maestría en periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona. Autor de El viaje romántico (2020) y Norte-Sur. Historias de fútbol para entender la polarización en Italia (2023), colabora con medios como The Washington Post, Gatopardo, Letras Libres, Sports Illustrated y Proceso. Escribe una columna mensual en Literal Magazine y Panenka. Es editor en jefe de Apuntes de Rabona y Revista Purgante @ricardo_losi
DIEGO ÁLVAREZ- Fotógrafo
Fotógrafo originario de la Ciudad de México, cuya mirada se distingue por una mente creativa y una constante búsqueda narrativa dentro de la imagen. Especializado en cinefotografía, desarrolla conceptos con sensibilidad estética y una sólida profundidad visual, utilizando el lenguaje de las imágenes como principal medio de expresión. Su trabajo destaca por construir atmósferas, emociones e historias que conectan desde lo estético y lo conceptual.
@deigovisuals
PILAR MARROQUÍN - Periodista
Con más de una década de experiencia como periodista y editora, Pilar Marroquín cree en el poder de las historias bien contadas. De origen guatemalteco, ha vivido en nueve países, habla cinco idiomas y se ha especializado en proyectos con enfoque social y cultural. Algunas de sus historias se han publicado en Travel+Leisure, Forbes y Penguin Random House. En esta edición escribe acerca de la transformación de la producción vinícola en California.
@marroquincita
JOSÉ MIGUEL RAMÍREZ - Fotógrafo
Radicado en la Ciudad de México, José Miguel es impulsado por una fuerte pasión por el coleccionismo, su trabajo no gira en torno a la acumulación, sino a preservar aquello que se resiste a desaparecer. Su práctica transita entre lo doméstico y lo teatral, invitando a la contemplación y creando una sensación duradera de presencia. En este número, retrató a los personajes de nuestro especial del Pride. @josemiguell
CÉSAR SANDOVAL - Fotógrafo y periodista
César Sandoval ha estado involucrado en el mundo audiovisual durante casi 30 años. Ha sido productor, director y director creativo en la producción de video, editor de fotografía, fotógrafo y escritor especializado en la crónica de viajes. Durante la última década se ha dedicado a viajar por el mundo para contar historias. En esta ocasión el destino lo ha llevado Canadá para descubrir la región de las Laurentidas, al norte de Montreal. @cesarsman
LECTURAS DEL JUEGO
TRES AUTORES REPASAN SU RELACIÓN PERSONAL CON EL FUTBOL A APENAS UNOS DÍAS DE QUE MÉXICO ACOJA, POR TERCERA VEZ, LA COMPETENCIA DEPORTIVA POR SELECCIONES MÁS IMPORTANTE DEL MUNDO.
Mi historia con el Mundial
Los Mundiales han sido mi vehículo de crecimiento, autoconocimiento y superación. Mi historia se remonta a Francia 1998, cuando empecé a tener noción de lo importante que era el futbol en la vida de millones de personas. Tenía alrededor de 11 años y estaba en el Colegio Juana de Asbaje, una escuela católica solo para niñas. Cierto día de aquel caluroso verano, regresábamos al salón después del recreo y nunca olvidé lo que nos dijo la maestra: “Niñas, agarren sus cosas que vamos al salón de usos múltiples". Cuando llegamos vimos que el espacio, uno de los salones más grandes de la escuela, ya estaba ocupado por otros grupos… ¡Nos llevaron a ver un partido de la selección mexicana! En medio del júbilo, algo dentro de aquella niña se estremeció. Aquel momento me marcó para siempre.
De aquella justa de 1998, brinco a Sudáfrica 2010. En aquella época sumaba dos años en Fox Sports. En la cadena no teníamos los derechos del Mundial y mi querido jefe Fausto Ceballos tuvo una idea que en ese momento pensábamos que era descabellada y hasta insensata: hacer un programa especial en vivo cada vez que México jugara, reaccionando al partido, y armar una fiesta de esas transmisiones, incluso con invitados musicales para el medio tiempo. La fórmula fue un éxito, tuvimos grandes niveles de audiencia y el público disfrutó con una alternativa disruptiva para la época, al tiempo que nosotros como conductores la pasamos muy bien.
Todo terminó cuando Argentina eliminó –otra vez– a México en octavos de final, pero si antes del programa referido ya estaba convencida de que una Copa del Mundo sería mi graduación, con esa experiencia lo reafirmé. Así que cuatro años más tarde llegó mi primera gran oportunidad, cuando me dieron la noticia de que iría a Brasil 2014.
Tuve una compañera inmejorable en Marion Reimers, que todos los días me daba cátedras de vida y me contaba historias sorprendentes. Trabajé en un programa matutino con Raúl Orvañanos y por las tardes hacía notas de color o daba cobertura a eventos a los que asistían leyendas del futbol o artistas de renombre.
Al regreso de Brasil 2014 me invitaron a ser talento exclusivo de TV Azteca y me prometieron incluirme en el equipo de deportes, y aunque tardó en llegar, me lo cumplieron de cara a la Copa del Mundo de Rusia 2018. Estuve en un programa que se llamaba Fuera de juego que se transmitía los domin-
Acerca del autor: Conductora y comunicadora, Tania Rincón se ha consolidado como una de las voces femeninas más destacadas. Ha participado en la cobertura de las Copas del Mundo de Sudáfrica 2010, Brasil 2014, Rusia 2018 y Qatar 2022. Además, es conductora titular del icónico programa deportivo La Jugada
TEXTO: TANIA RINCÓN
gos por las mañanas, junto con Luis García y Christian Martinoli, pero solo duramos tres meses al aire. Y cuando el panorama pintaba triste, me dieron la noticia de que sería parte del equipo de Los protagonistas. Aquí el reto personal era mayor, pues en esta ecuación ya era mamá: mi hijo Patricio tenía un año y cuatro meses y no estaba dispuesta a separarme tanto tiempo de él. Mi jefe Rodolfo Vargas me apoyó para que me lo llevara y mi alma tuvo paz. Por fortuna, todo salió tan bien que terminaron dándome más trabajo del que me habían proyectado inicialmente. Tuve la fortuna de hacer todos los partidos de la selección, compartiendo mesa con Luis García, Christian Martinoli, Zague, Iker Casillas y Jorge Valdano.
En esta carrera como en la vida los cambios son una constante y siempre van acompañados de una apuesta por el crecimiento, por ello, tiempo después de volver de un nuevo desafío superado llamado Rusia 2018, dejé TV Azteca en 2019.
Para 2022 estaba empezando un nuevo ciclo con Televisa, y un buen día me hablaron de TUDN para invitarme a República Deportiva, que era el programa más longevo de deportes en Estados Unidos. La nueva aventura venía acompañada del proyecto Qatar 2022. En la inauguración tuve el privilegio de estar sentada en la mesa con la extraordinaria periodista Denise Maerker, el entrañable Enrique Bermúdez y la leyenda del futbol Carles Puyol.
Llegar a un Mundial es una graduación a nivel doctorado para futbolistas y entrenadores, pero también para quienes nos dedicamos a la comunicación. No hay nada más arriba, por ello sostengo que estas justas, además de representar el más grande reto de mi carrera, se han convertido en mi constante vehículo de crecimiento. Y con México como anfitrión, estoy lista para vivir este desafío.
La Patria, esa mentira
Hace un par de semanas estaba vegetando en mi cama, como suelo hacer los domingos, intentando no existir, no pensar y que nada se interpusiera entre mi café con leche y el partido que estaba puesto en la tele. Jugaba el Atlético de Madrid contra algun otro equipo cuando el comentarista dijo: “Cambio en el Aleti (sic). Entra Taufik Seidu, el jugador ghanés de la selección juvenil española”. El comentario me hizo pensar, cosa que detesto hacer los domingos, y como no lograba atar ni un cabo suelto, tuve que googlear. Taufik nació en Ghana y llegó a España con 5 años. Su primer equipo fue el Mortadelo y a los nueve años, en vez de irse al Filemón, se fue al Atlético. El comentarista explicaba las cosas con las patas porque no entendía nada o no quería entender. Nadie quiere entender porque la posibilidad de la doble nacionalidad hace volar por los aires la ilusión de la nacionalidad como algo único y especial. La nación como ese organismo fundacional de nuestras identidades se derrite como un helado en Mercurio cuando los jugadores son de un país pero también de otro y tienen la posibilidad de ser de donde les dé la gana. El comentarista del partido en cuestión podría haber dicho "el español", pero no, le salió naturalmente decir "el ghanés". Pero es español. Y si no, pregúntenle a él. Porque la gente es más de donde se cría que de donde nace. La nacionalidad es social y cultural, no genética, ni histórica, ni ninguna de esas tonterías que cuentan los libros de historia de las escuelas. Lo cierto es que las selecciones nacionales cada vez son más internacionales y que las consecuencias del colonialismo, la desigualdad y las guerras económicas han intensificado de tal manera los procesos migratorios que ahora estamos volviendo al origen. El mundo estaba casi vacío cuando comenzó a poblarse de migrantes que venían de África. Esa falsa distrubución tan ordenadita en donde los blancos estaban en Europa, los negros en África y los mestizos en el resto del mundio comenzó a tambalearse cuando los habitantes de las excolonias comenzaron a irse a las exmetrópolis y Europa dejó de ser ese lugar primermundista tan tranquilito y tan lleno de blanquitos. Pensaban que podían hacer destrozos en todo el barrio y que nadie se metería en su jardín. Por favor. La historia es como un boomerang y ahora tienen que hacerse cargo de todo lo que rompieron, dejándonos entrar a su casa de la misma manera que entraron a las nuestras.
El mejor ejemplo de esto son los franceses. Los vanguardistas del estado-nación ahora tienen una selección conformada por jóvenes de todo el mundo, franceses todos, claro, de todos los colores y sabores. En la ultraderecha no están muy contentos, pero da igual, nunca entienden lo que no quieren entender. Lo
TEXTO: SEBASTIÁN KOHAN ESQUENAZI
que no pueden negar es que la multiculturalidad aumenta la calidad futbolística de su selección y confirma que la calidad de los brasileros, el país más mestizo del mundo, tiene que ver con lo mismo. En Inglaterra, Alemania, Bélgica, España y Portugal pasa lo mismo que en la tierra de la fraternidad. Deberían aprovechar, porque el día en que se dé vuelta la tortilla y Europa sea un continente en guerra, todos estos jugadores van a elegir jugar por la tierra de sus padres y no van a ganar nunca más nada.
Acerca del autor: Sebastián Kohan Esquenazi es realizador audiovisual, director, productor y guionista de diversas series y documentales, entre los que destacan Ojos Rojos, Buscando a Panzeri, Villa Olímpica y Toros Neza Es además autor de Juan Carlos Vera. El 10 que fue número 1, sobre la estrella chilena de Pumas, y coautor de Peloti y el Mundial, una guía cultural para entender el juego, publicado recientemente por Alfaguara.
Que nada pase
Ser portero es parte fundamental de quién soy y de quién quiero seguir siendo, pero no siempre fue así. De niño, primero fui centrocampista, pero jugaba poco o mal. Eso bastaba para que nadie me eligiera en su equipo. Hasta que un día alguien dijo: “Tú ponte de portero”. Al principio me opuse. Cuando eres niño, nadie quiere ser portero. Aquella primera vez, estuve en la portería media hora más o menos, sin peligros. Pero algo cambió. Un niño paró el balón a media cancha y gritó: “Le meto gol al gordito”. Disparó. La trayectoria del balón, desde la portería, parecía oscilar de un lado a otro y a una velocidad de caricatura. Me lancé, mejor dicho, caminé un paso y me recosté sobre el concreto: el raspón y el golpe seco. No fue gol. Vítores y vituperios por igual. Nunca había sentido eso. Me sentía útil, seguro y con ganas de seguir haciéndolo.
Con el tiempo entendí que el futbol también es una forma de narrarse. Y empecé a contarme. No puedo ser el que avanzaba con rapidez ni el goleador, pero sí el que cuida el desenlace. Como dice Villoro, el portero es el último narrador de la jugada, el que decide si todo termina en gol o en silencio. Ser portero es aprender a cuidar, a esperar y admitir que el protagonismo solo está cuando nada pasa. Mientras los demás corren y se precipitan, el portero observa y anticipa. Poco a poco me convertí en el que querían en la portería, porque era confiable, me lanzaba y estaba dispuesto a llenarme de tierra y raspones.
Con los años, seguí siendo portero, poniéndome los guantes, incluso, de manera metafórica. Sin darme cuenta, ese oficio se trasladó a otro lugar, los textos. Ser editor se parece más a ser portero de lo que me gusta admitir. En ambos casos, uno trabaja desde atrás. No eres quien firma la jugada, pero sí quien la sostiene o evita la goleada. El portero cuida la portería; el editor cuida el texto y la voz del proyecto. Uno evita el gol, el otro evita la caída del sentido o la lluvia de
TEXTO: MANUEL MEZA
erratas y errores. En resumen, la misión es la misma: evitar que algo falle, que nada pase.
También aquí el margen de error es mínimo. El delantero puede fallar muchas veces, pero el portero no. El autor puede desordenarse, mientras que el editor no debería permitir que ese desorden llegue al lector. Y luego está la soledad. El portero está separado del juego, lo ve desde lejos, usa sus propios colores; el editor, edita en soledad. Si todo sale bien, nadie lo nota. Si algo falla, se vuelve evidente y comienzan los señalamientos. En ambos puestos, uno aprende a vivir con eso.
A veces pienso que todo empezó porque no era bueno jugando en campo, que esa limitación me empujó hacia un lugar más mío, más personal. Al final, tanto en la cancha como en la página, se trata de lo mismo, de estar cuando nadie más puede estar, de evitar que algo pase y de aceptar que el error pesa más que el acierto. En muchas crónicas de futbol, el portero aparece como una figura extraña; no el héroe que conquista, sino el que resiste. El editor vive en un lugar parecido. Ambos comparten una paradoja, su éxito consiste en que nada pase, que el balón no entre y que el texto no se rompa. Tal vez por eso, aunque uno se juegue en la cancha y el otro en los textos, ambos exigen lo mismo: atención, paciencia y una forma particular de coraje. En el fondo, ser portero y editor es aceptar un lugar donde lo importante no siempre se ve, pero siempre está en juego.
Acerca del autor: Manuel Meza es editor, profesor y escritor especialista en educación y literatura. Aprendiz a tiempo completo, pone todos sus esfuerzos en mandar refuerzos felices al futuro. Actualmente, se desempeña como gerente senior de producto en Santillana México, donde lidera la creación de contenido para las diferentes líneas de negocio.
MIDO NOS RECUERDA QUE LOS MEJORES MOMENTOS SON INTERMINABLES
Bajo la campaña “Treasure Your Time”, la firma suiza nos invita a disfrutar los momentos y vivir la espontaneidad de lo real con dos modelos retro que son muestra de elegancia y maestría relojera.
El tiempo corre, eso ya lo sabemos. Pero hay algo que MIDO lleva diciéndonos desde 1918: no se trata de medirlo, lo valioso es atesorarlo. Bajo esa idea nace "Treasure Your Time", el nuevo brand statement de la casa suiza que es más que un slogan bonito, es una forma de poner los instantes por encima de las métricas y lo genuino por encima de lo trivial. Para encarnar esa filosofía llegan dos modelos. El Multifort TV Big Date trae esa energía retro-futurista que nos encanta, con una caja inspirada en los televisores de los 70, tonos oro rosa y café chocolate, correa de caucho y un Calibre 80 con 80 horas de reserva de marcha. El Gran Fechador a las 12 y un sofisticado fondo transparente con mecanismo visible confirman que tiene tanto que decir por fuera, como por dentro. Mientras, el Multifort TV 35 mm sigue la misma estética, pero en una versión compacta, con apenas 9.3 mm de grosor, brazalete PVD oro rosa y ocho diamantes en los índices para quienes saben que los detalles importan. Su carátula degradada chocolate-negro y el Calibre 72 automático hacen posible una silueta que calza perfecto en cualquier contexto, con hasta 72 horas de reserva. Lo que los une es exactamente lo que MIDO nos transmite, que un reloj no es solo un accesorio funcional, es un compañero para los mejores momentos. Por ello, "Treasure Your Time" no te pide que detengas el tiempo, te pide que le pongas atención a lo que sucede
mientras corre. Dos relojes, una misma convicción: el tiempo no se define por los segundos, sino por lo que pasa dentro de ellos.
CON ACABADOS DE LUJO QUE RECUERDAN A UNA TELEVISIÓN DE LOS AÑOS 70, LOS MODELOS MIDO MULTIFORT TV OFRECEN MATERIALES DE ALTA CALIDAD Y UN DISEÑO QUE COMBINA CON EL MUNDO ACTUAL.
18. ¿LA PRIMERA PROTEÍNA? / 24. EL BAÚL DE LOS TRIUNFOS / 28. LA DIETA DE LAS PLANTAS / 34. EL TIEMPO COMO ESENCIA / 38. EL NUEVO TERRUÑO
¿LA PRIMERA PROTEÍNA?
TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ
Existe una broma recurrente entre foodies y gastrónomos que consiste en adivinar quién fue el primer humano que se atrevió a comerse una ostra o un langostino para así poder agradecérselo. Estéticamente horribles, un hecho contrastado, los mariscos, moluscos y crustáceos son algunos de los productos más delicados que uno pueda encontrar en la naturaleza. Las ostras de Arcachon, los mejillones de Ostende, los carabineros de Cádiz, los bogavantes bretones, los percebes gallegos o los erizos de Hokkaido forman hoy parte de las principales cocinas del mundo, profesionales y amateurs, además de muchos de nuestros recuerdos personales sobre celebraciones, viajes o veraneos. Porque el marisco siempre ha estado ahí. Concretamente, desde hace 160,000 años, cuando las comunidades que poblaban la actual Ciudad del Cabo se reunían en cuevas para disfrutar de tan deliciosos manjares
en un entorno muy complicado para la supervivencia de la especie. Fueron los Neanderthales, en las costas de Portugal, los primeros en cocinar cangrejos a las brasas, mientras que las civilizaciones mediterráneas (fenicios, etruscos, griegos y romanos) los elevaron a categoría de manjar.
El tren, sin embargo, fue el elemento que lo transformó todo. Comida habitual de las clases populares en las poblaciones costeras de Francia, Inglaterra y Estados Unidos, el ferrocarril permitió un transporte seguro de estas delicadezas hacia las boyantes ciudades industriales del interior, convirtiendo a langostas, bogavantes, ostras y almejas en productos de lujo. Más tarde, el turismo costero y los veraneos, y la paulatina aparición de los grandes restaurantes en la vieja Europa, confirmaron su presencia como elemento imprescindible de la gastronomía más exclusiva.
VALOR DEL MERCADO MUNDIAL DE MARISCOS, MOLUSCOS Y CRUSTÁCEOS
Fuente: Future Market Insights
156,800 MDD
Fuente: Future Market Insights
PRINCIPALES EXPORTADORES (EN MILLONES DE DÓLARES)
1. Noruega 16,800
2. China 9,450
3. Chile 7,410
4. Ecuador 6,740
5. India 6,190
6. Vietnam 5,980
7. Rusia 5,740
8. Canadá 5,410
9. Estados Unidos 4,510
10. España 4,230
PRINCIPALES IMPORTADORES (EN MILLONES DE DÓLARES)
1. Estados Unidos – 19,900
2. China – 17,600
3. Japón – 8,980
4. España – 8,050
5. Italia – 6,780
6. Francia – 6,370
7. Corea del Sur – 4,870
8. Alemania – 4,650
9. Países Bajos – 4,180
10. Polonia – 3,950
PRINCIPALES CONSUMIDORES DEL MUNDO (KGS. AL AÑO POR HABITANTE)
1. Islandia – 83.8
2. Maldivas – 79.7
3. Kiribati – 72.2
4. Tuvalu – 55.8
5. Antigua y Barbuda – 54.5
6. Portugal – 53.4
7. Corea del Sur – 52.8
8. Malasia - 51
9. Noruega -49
10. Estados Federados de Micronesia – 48.9
TIPOS DE MARISCOS, MOLUSCOS Y CRUSTÁCEOS MÁS CONSUMIDOS EN EL MUNDO (EN TONELADAS APROX.)
Food and Agriculture Organization (FAO)
Fuente:
Fuente: The Observatory of Economic Complex
Fuente: Oxford Martin School
Fuente: Oxford Martin School
DE
DEL MERCADO MUNDIAL DE MARISCOS, MOLUSCOS Y CRUSTÁCEOS 2026-2036 (EN MILLONES DE DÓLARES)*
Fuente: Future Market Insights
MARISCOS, MOLUSCOS Y CRUSTÁCEOS MÁS EXCLUSIVOS
10 9 8
Ostra Belon (Francia)
MXN 3,500/Kg.
Cultivada de manera artesanal en Bretaña, su lenta maduración (más de cinco años en algunos casos) convierte a la ostra de Belon en una carísima exquisitez. Es muy valorada por su sabor terroso y metálico y su producción es muy limitada.
Cigala de tronco (España)
MXN 4,000/Kg.
La cigala de tronco se sigue pescando de manera artesanal en las aguas de los mares Cantábrico y Mediterráneo. La dificultad de su pesca hace que algunas piezas alcancen los 25 centímetros, toda una rareza.
Cangrejo de las Nieves (Japón)
MXN 4,000/Kg. En 2020, un ejemplar de cangrejo japonés de las nieves pescado en la prefectura de Tottori alcanzó los 46,000 dólares en una subasta realizada en el mercado de Toyosu, en Tokio. Las restricciones, el cambio climático y la dificultad de su pesca lo han convertido en un producto único.
7 6
Carabinero de Cádiz (España)
MXN 4,500/Kg. La joya de la corona de los mariscos españoles se encuentra en el golfo de Cádiz, desde donde se exporta a los mejores restaurantes del planeta, muchos de ellos en Tokio. Dependiendo de la temporada, su precio puede alcanzar los 15,000 pesos.
Cangrejo real (Estados Unidos, Rusia)
MXN 5,000/Kg. La dificultad de su pesca (solo se encuentra entre Kamchatka y Alaska) y su escasez y control por parte de las autoridades ha convertido a este cangrejo en uno de los más solicitados. Es, además, uno de los más carnosos, ya que sobrevive a muy bajas temperaturas en el océano.
Fuentes: Lonja de Dénia, Toyusu Market Report
COMPAÑÍAS DE MARISCOS, MOLUSCOS Y CRUSTÁCEOS MÁS GRANDES DEL MUNDO (FACTURACIÓN ANUAL EN MILLONES DE DÓLARES)
MXN 6,000/Kg. Su exclusividad está directamente relacionada con la dificultad de su pesca, ya que se encuentra a entre 600 y 800 metros de profundidad. Famosa en las cocinas españolas, fue el chef Quique Dacosta, originario de la localidad, quien la colocó en el mapa de los mejores productos mundiales.
Percebe de Roncudo (España)
MXN 10,000/Kg.
Aunque el percebe puede encontrarse en lugares rocosos de todo el Atlántico Norte, el procedente de Roncudo, en La Coruña, está considerado como el mejor del mundo. Solo se extrae dos veces al año.
Uni de Hokkaido (Japón)
MXN 13,000/Kg. Procedente de la península de Shakotan, el erizo de mar de Hokkaido se pesca entre los meses de junio y agosto en el único parque nacional marino de la isla. Es muy dulce e intenso, consecuencia de las algas de las que se alimenta.
Bogavante azul de Bretaña (Francia)
MXN 25,000/Kg.
Además de en Bretaña y Normandía, el bogavante azul se encuentra en todo el Atlántico norte, desde Islandia hasta el Canal de la Mancha. La tersura de su carne, su umami y su complejo sabor dulce lo convierten en un producto único.
Abulón Kippin (Japón)
MXN 50,000/Kg
Está considerado como uno de los productos más delicados del mundo. Procedente de las frías costas de Sanriku, en el norte de la isla de Honshu, destaca por su intenso umami, su tez ámbar y su potente sabor, producto de un complejo proceso de deshidratación.
Fuente: Undercurrent News
ALGUNOS DE LOS MERCADOS MÁS
1. Sydney Fish Market, Sídney (Australia).
Es el mercado de pescados y mariscos más grande del hemisferio sur. Su éxito entre turistas y locales, además de entre proveedores y clientes, lo han convertido en un destino imprescindible. Tanto, que hace unos meses inauguró unas nuevas y vanguardistas instalaciones.
2. Pike Place Fish Market, Seattle (Estados Unidos). Además de las decenas de especies de salmones que pueblan sus puestos, este mercado está reconocido a nivel internacional por su respeto a la pesca sostenible (y por la comida de fusión asiática que se sirve en sus alrededores).
3. Toyusu Market, Tokio (Japón). Famoso entre los turistas que llegan a Tokio por sus subastas y por el tradicional corte del atún, es el mercado con más volumen de venta del mundo. Está construido sobre una isla artificial en principio destinada a la construcción de viviendas.
4. La Pescheria, Catania (Italia). Abierto desde comienzos del siglo XIX en su ubicación actual (justo detrás del Duomo de la que es la segunda ciudad de Sicilia) el mercado de La Pescheria es también el hogar de decenas de restaurantes dedicados exclusivamente al pescado y al marisco fresco.
5. La Nueva Viga, Ciudad de México (México).
En el mercado de mariscos y pescados más grande de América puede encontrarse casi cualquier especie marina que uno pueda imaginar. Abastece desde hace décadas a los grandes restaurantes de la capital y del resto del país.
INGREDIENTES
(PARA 4 PERSONAS):
300 gramos de arroz redondo
750 gramos de almeja fina fresca
1.2 litros de fumet de pescado
1 cebolla
2 dientes de ajo picados
1 pimiento verde pequeño
½ vaso de vino blanco
Aceite de oliva
Sal
Elaboración:
1. Limpiar las almejas dejándolas durante dos horas en agua fría con sal. Cambiar el agua cada media hora.
2. En una cazuela baja, sofreír el ajo, la cebolla y el pimiento verde durante 10 minutos.
Incorporar el arroz, nacarándolo hasta que cambie de color.
3. Verter el vino blanco y dejar evaporar a fuego alto. Ir añadiendo el caldo y cocinar durante 18 minutos a fuego medio o hasta alcanzar el punto del arroz.
4. A falta de 5 minutos añadir las almejas y el perejil picado y tapar hasta que las almejas se abran.
5. Dejar reposar otros 5 minutos con un trapo de algodón sobre la cazuela.
EL BAÚL DE LOS TRIUNFOS
Un trophy trunk de Louis Vuitton volverá a resguardar la Copa del Mundo de la FIFA durante el próximo Mundial. Una historia, la de la marca francesa y el deporte, que se remonta a la America’s Cup de vela de 1988.
TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ
Unas horas antes de que Messi se redimiera como campeón del Mundo, un baúl de Louis Vuitton, protegido bajo las más extremas medidas de seguridad, atravesó las puertas del estadio de Lusail, en Qatar. Adentro, la Copa del Mundo de la FIFA, 6.1 kilogramos de oro macizo. La gloria eterna, en realidad. No era, sin embargo, la primera vez que la marca francesa protagonizaba una gesta deportiva.
Todo comenzó en 1988, cuando el Star and Stripes venció al sindicato neozelandés para convertirse en campeón de la 37ª edición de la America’s Cup celebrada en San Diego. Por primera vez, Dennis Conner, skipper de aquella tripulación, extraía la Copa de las 100 Guineas, la competición deportiva más antigua del mundo, de una maleta elaborada por los artesanos de Louis Vuitton en Francia. Fue aquella también la primera baldosa de una senda a la que, a lo largo de los años, se sumarían torneos y galardones como Roland Garros, el Australian Open y la Copa Davis, en tenis; la Fórmula 1; el Balón de Oro y el Mundial, en futbol; la Copa del Mundo
de rugby; la NBA, o el campeonato del Mundo del videojuego League of Legends. Para todos ellos, Louis Vuitton diseñó un baúl inspirado en el legado, visión y tradición de cada competición –una línea de cuadros blancos y negros para la Fórmula 1, interior naranja para Roland Garros y deep blue para el Australian Open, los colores de la bandera de Estados Unidos para el trofeo de la NBA– y así volverá a ocurrir el próximo 19 de julio, cuando la Copa del Mundo, como ha sucedido desde el Mundial celebrado en 2010 en Sudáfrica, llegará al estadio Metlife de Nueva Jersey protegida por el icónico monograma.
La relación entre la casa francesa y las principales competiciones deportivas del mundo fue compilada en el año 2022 por la editorial Assouline en el libro Trophy Trunks, escrito por el periodista francés Olivier Margot. La publicación, de 222 páginas, incluye 125 fotografías en alta resolución de la relación que los baúles de la casa francesa han mantenido desde el final del siglo XX con las principales competiciones deportivas.
PARAÍSO A TU ALCANCE
Del paisaje natural de Los Cabos al entorno tropical de la Riviera Maya, All-Inclusive by Marriott Bonvoy, ofrece los destinos más codiciados de México y América Latina, para vivir una escapada con experiencias inmersivas para todos.
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ALL-INCLUSIVE BY MARRIOTT BONVOY:
GASTRONOMIA, ENTRETEMINIENTO Y HOSPITALIDAD EN UN SOLO LUGAR.
FOTOS: CORTESIA MARRIOTT INTERNATIONAL, INC.
Royalton Splash Riviera Cancun, an Autograph Collection All-Inclusive Resort
Royalton Splash Riviera Cancun, an Autograph Collection All-Inclusive Resort
La dieta de las plantas
Más allá de las hamburguesas imposibles de hace una década, la industria de la conocida como plant-based food no deja de crecer. Un mercado maduro y concentrado en el que México ocupa una posición preponderante.
TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ
“¿Es esto vegano?”, se preguntaba la periodista Jessica Glenza, crítica gastronómica del periódico The Guardian, tras su primera experiencia con una hamburguesa vegana. Glenza escribía en el periódico británico apenas unas horas después de su visita a Momofuku, el primer restaurante del mundo que incorporó en su carta la Impossible Burger, una creación surgida de una compañía de Silicon Valley que aplicaba a la alimentación los mismos protocolos que al desarrollo de un software o una app. Absoluta novedad en el circuito del fine-dining, la hamburguesa tecno-vegana –que utilizaba un 96 por ciento menos de tierra y un 87 por ciento menos de agua y que producía un 89 por ciento menos de emisiones a la atmósfera– ya era un éxito total en supermercados como Walmart o Whole Foods, conquistados un par de meses antes por Beyond Meat, la competencia. Era 2016 y la guerra de las hamburguesas no había hecho más que empezar.
Una década después, aquel mercado multimillonario –Impossible Foods (compañía de cabecera de Impossible Burger) salió a bolsa en 2019 con una valoración inicial de 1,500 millones de dólares– tiende a la concentración, principalmente
por dos motivos: la inflación global ha conducido a la comunidad flexitarian (no estrictamente vegana o vegetariana) a buscar proteína más barata, y la propia evolución del consumidor; hoy, los productos de ambas compañías, y de todas las que surgieron siguiendo su estela, son considerados por el público como ultra procesados, el cambio de percepción definitivo para la conocida como plant-based food. “Hicieron mucho ruido porque traían mucho capital detrás, pero eran inversionistas sin demasiado conocimiento sobre la industria de los Consumer Packaged Goods. Si aquello funcionó, quizá fue un poco por moda, por el enorme awareness que hubo”, dice Manuel Villarreal, fundador y CEO de I Eat My Greens, empresa estadounidense con producción en México. Y es que, tras una etapa de sorpresa, el cada vez más educado público comenzó a preguntarse por qué una hamburguesa vegana y, en principio, sana contenía una lista tan larga de ingredientes. ˝El consumidor vio que lo que estaba comiendo no era lo que le prometían, que no era más sano. Muchas empresas se fueron a la quiebra, y en el caso de Beyond Meat a una caída de su precio en bolsa”, añade Villarreal.
Hace diez años, Impossible Foods y Beyond Meat comenzaron la llamada "guerra de las hamburguesas", que abrió el camino de la intervención tecnológica en la comida.
Su posición geográfica, una población de más de 120 de personas y una tradición agrícola milenaria han transformado a México en una potencia de la comida plant-based.
Aquella “ola”, tal y como relata el empresario, acabó siendo corregida por el propio mercado, con algunas compañías diversificando su portafolio de productos hacia nichos que en principio nada tenían que ver con la alimentación plant-based; de ese modo, justificaban sus números ante unos cada vez más desilusionados inversionistas. De nada sirvieron las colaboraciones con Burger King, White Castle, Carl’s Jr. o McDonald’s, o la posición preferencial en los grandes supermercados. La guerra, sin embargo, abrió una vía para la industria de la alimentación saludable. “Estos productos abrieron los ojos al público sobre el mercado de la comida plant-based”, relata Villarreal. Y tanto. Según Future Market Insights, hoy el mercado mundial de comida plant-based está valorado en 15,900 millones de dólares, pero se espera que sea de 49,500 millones de dólares en 2036; esto es, un crecimiento del 12 por ciento. “Este crecimiento se sustenta en cambios fundamentales en las prioridades de salud de los consumidores y en la conciencia medioambiental”, señala la consultora en su informe Plant-Based Food Market Analysis. Size, Share, and Forecast 2026 to 2036.
Durante esos años, México se transformó en un muy atractivo mercado para la industria de comida plant-based. Su posición geográfica, su influencia cultural en el resto de Latinoamérica, su frontera con Estados Unidos y el hecho de haber sido una potencia agrícola durante varios siglos, colocaron al país en la mira de los grandes productores, incapaces de resistirse a un mercado potencial de 120 millones de personas acostumbradas, además, a una dieta rica en vegetales. El maíz, los frijoles, el chile, la vainilla, el amaranto, los aguacates o la chía han formado parte del día a día de los mexicanos desde tiempos prehispánicos, una herencia cultural demasiado golosa para el mercado. Según Grand Horizon View Research, México ocupa el segundo lugar a nivel mundial en cuanto al porcentaje de la población que sigue una dieta plant-based, con un 9 por ciento de veganos y un 19 por ciento de vegetarianos. Solo India, con un 9 por ciento de veganos pero un 30 por ciento de vegetarianos, supera a México en estos parámetros. Además, de acuerdo con la Asociación de Emprendedores Veganos de México, el 30 por ciento de la población
se considera flexitarian. Todos estos datos han convertido a México en una potencia, con un mercado de productos plant-based valorado en 390 millones de dólares, aunque con previsiones de superar los 700 millones en 2030. Lejos de concentrarse en los hogares y en el consumo de retail, la tendencia en México también ha impactado la industria de la restauración. Un par de ejemplos: en Latinoamérica, según Happy Cow Veganuary, solo Brasil cuenta con más restaurantes vegetarianos y veganos que México (2,953 frente a 2,920), lugar que también ocupa la Ciudad de México (481 restaurantes frente a los 644 de Sao Paulo). “El público mexicano está más acostumbrado a los vegetales que el argentino, por eso nuestra estrategia en la Ciudad de México fue diferente a la que utilizamos en Buenos Aires”, dice Ivo Lepes, socio junto a Nicolás Kasakoff, Martín Salomone y Hernán Buccino del restaurante Chui, un espacio vegetariano que en 2024 abrió sus puertas en la colonia Roma de la capital. En Buenos Aires, capital mundial del asado y lugar
de peregrinaje del carnívoro, el equipo de Chui había apostado por tratar de 'esconder' su condición de restaurante vegetariano. No por miedo, sino como un juego. Una forma de demostrar a ese carnívoro tradicional que otro mundo era posible. Abrieron sus puertas en Villa Crespo y en unos meses eran recomendados por Michelin en la primera guía que la compañía francesa publicaba en la ciudad. En México no fue necesario. “Una de nuestras primeras decisiones ejecutivas fue que no íbamos a imitar la carne a través de nuestra cocina. No nos importa si los platos no tienen la textura de la carne”, dice Lepes. “Tenemos una enorme cantidad de productos que sin apenas tocarlos te ofrecen soluciones increíbles”, agrega el chef Rodrigo Vázquez, al frente de la cocina de Chui. Una filosofía que el restaurante lleva a rajatabla, con creaciones como el elote amarillo frito con alioli de ajo asado y mojo de pimientos, la milanesa de berenjena con puré de camote, el queso morral asado con guayaba y chile güero en vinagre o las setas shitake con chimichurri.
El mercado mexicano de productos plant-based está valorado en 390 millones de dólares, con previsiones de superar los 700 millones en 2030.
Según la consultora Market Insights, los productos innovadores de origen vegetal crecieron un 26 por ciento entre los años 2018 y 2024.
FOTOS: CORTESÍA.
Puede decirse que aquella lejana guerra de las hamburguesas de 2016 fue un producto de su tiempo. Entre 2005 y 2015, Silicon Valley vivía el que fue quizá el mejor momento creativo de su historia. Facebook, Tesla, AirBnb, Uber, YouTube, Apple y Twitter, hoy gigantes absolutos, comenzaban a cambiar el estilo de vida de miles de millones de personas en el mundo a través de modelos disruptores que a su vez eran premiados por una economía cada vez más hambrienta de novedades. La hemo (leghemoglobina de soya) o la proteína de soya modificada fueron algunos de los ingredientes utilizados por las compañías alimentarias que participaron de aquella guerra, un camino que hoy se ha revertido. “La diversificación de los ingredientes se está convirtiendo en la nueva frontera competitiva para los fabricantes. La dependencia excesiva de la proteína de soya y de chícharos está diversificándose hacia el micelio, la haba y las algas para así mejorar la textura y los perfiles nutricionales. Este cambio estratégico es fundamental para la viabilidad a largo plazo”, dice Future Market Insights en su informe. Para Villarreal, el camino está en el minimalismo. “No culpo a la gente de Estados Unidos porque no les gusten los vegetales, ya que normalmente son congelados y cocinados al horno, sin ninguna firmeza, textura o sabor”,
asegura el fundador de I Eat My Greens, una compañía que, según sus palabras, creó para engañarse a sí mismo. “Me di cuenta de que era una forma muy fácil y cómoda de cumplir con los vegetales que uno necesita para el día a día”, explica sobre un portafolio que incluye sopas de calabacín, cilantro y coliflor; de zanahoria, camote y cúrcuma; de tomate asado, albahaca y coco, y de brócoli y semillas de girasol. “Durante años investigué la mejor manera de crear alimentos saludables y nutritivos, con un sabor delicioso y que fueran accesibles para las personas con vidas ajetreadas”, señala. Es decir, de alguna manera, I Eat My Greens también es hija de una generación, la actual, mucho más crítica con la intervención que la tecnología representa en sus vidas.
El futuro, no obstante, se presenta interesante para la industria. De acuerdo con un estudio publicado por Innova Market Insights, los productos innovadores de origen vegetal crecieron un 26 por ciento entre los años 2018 y 2024. Además, ya no son una cuestión exclusivamente estadounidense: Europa, dice la consultora, lidera el mercado con un 41 por ciento de participación, mientras que Brasil y México siguen siendo los grandes motores de Latinoamérica. La guerra de las hamburguesas es, pues, el pasado.
EL TIEMPO COMO ESENCIA
Le Labo celebra dos décadas de trayectoria con la publicación de The Esence of Slow Perfumery, un libro en el que se reúnen ensayos, imágenes y reflexiones sobre la historia de la marca.
TEXTO: ISABEL LEAL
Después de dos décadas desde la apertura de su primer laboratorio en Nolita, Nueva York, Le Labo celebra no solo una trayectoria, sino una forma de entender la perfumería en la que la pausa y el humanismo han sido dos de sus grandes protagonistas. Lo que comenzó en Elizabeth Street como un gesto silencioso se transformó poco después en un movimiento artesanal. En Le Labo, cada fragancia se mezcla a mano, en el momento y lugar en que es solicitada, evitando así la producción en masa y reivindicando de paso el valor del tiempo y la atención.
Fiel a su filosofía, la marca ha construido una comunidad global unida por la búsqueda de conexión genuina, manteniendo intacto su núcleo y creando experiencias sensoriales que en este 200 aniversario se materializan en The Esence of Slow Perfumery, un libro escrito por Deborah Royer, directora creativa de la marca.
A lo largo de 10 capítulos, la publicación reúne ensayos, imágenes y reflexiones sobre los principios que la han guiado a lo largo de su historia, tales como la artesanía, la memoria, el tiempo o la imperfección. Más que una retrospectiva, el libro puede entenderse como una brújula que propone desacelerar en un mundo que exige velocidad constante.
Le Labo mira hacia el futuro con la misma convicción con la que comenzó, avanzando a su propio ritmo y entendiendo que el verdadero lujo no está en la prisa, sino en el acto de detenerse.
TRANSFORMA TU ESPACIO MEJORA TUS DÍAS
La decoración de tu casa sí importa: mejora tu estado de ánimo, le da un aire más fresco a tu casa, y, en pocas palabras, te hace sentir mejor. Transfórmalo con pequeños detalles que hacen toda la diferencia.
Quizás sea porque es un lugar muy íntimo al que difícilmente le damos acceso a los demás, o porque es donde realmente podemos ser nosotros; pero cuando se trata de nuestra recámara, hablamos de nuestro santuario de descanso más personal. Aquí es donde tomamos decisiones importantes, repasamos esas conversaciones difíciles y nos encontramos con nosotros. Por eso, cada detalle merece ser cuidado con muebles y accesorios que ayuden a hacerlo tuyo. Y para eso, IKEA es el experto.
Con opciones que se ajustan a cualquier presupuesto y diseños versátiles que se adaptan al estilo de todos, la marca sueca tiene una opción que sabrá acompañarte en cada momento de tu día.
Lo mejor es que no tienes que remodelar tu casa por completo. Puedes empezar por lo más práctico y simple como: un accesorio de color que le aporte vida a tu habitación, un espejo que te haga sentir más tú, o, si quieres empezar por lo grande, un tocador que te acompañe a iniciar las mañanas con toda la actitud. Las opciones son infinitas. Si aún tienes dudas sobre lo que estás buscando y cómo quieres que se vea, no te preocupes, es completamente normal. Puedes empezar a explorar diversos estilos y combinaciones con detalles simples que le den un giro al look and feel de tu habitación. ¿Nuestra recomendación? Inicia con las fundas de tus cojines. Son fáciles de cambiar, accesibles y adaptables a cualquier espacio sin invertir más tiempo o recursos para que se vea bonito y diferente.
Sea cual sea la opción que decidas, en IKEA encuentras soluciones que transforman tu casa, mejoran tu estado de ánimo y le dan un nuevo aire a tus días.
NO LO OLVIDES: UN AIRE FRESCO SIEMPRE LE SIENTA BIEN AL CUERPO Y LA MENTE.
FOTOS: CORTESIA
EL NUEVO TERRUÑO
Tras décadas de explosión y asentamiento, la industria vinícola de Napa Valley, en California, se enfrenta al futuro con el reto de permanecer.
TEXTO: PILAR MARROQUÍN C.
Regresar al norte de California después de más de una década fue enfrentarme a una redefinición radical del valor. La última vez que recorrí los viñedos de Napa, el lujo se articulaba a través de una opulencia casi estática: la búsqueda del cabernet perfecto, la botella pesada como símbolo de estatus y una arquitectura que gritaba exclusividad. En aquel entonces, el valle era una postal de perfección inmutable. Hoy, esa misma geografía sigue siendo vibrante, pero por razones distintas. La estética ha cedido el paso a la estrategia, y el brillo de las etiquetas ha sido sustituido por una métrica mucho más ambiciosa: la capacidad de permanecer. En esta nueva gramática del vino, el concepto de sostenibilidad ha cambiado. Ya no es un término de relaciones
públicas o una etiqueta orgánica en el reverso de la botella, sino una compleja mezcla entre alta tecnología, arte y un retorno táctico a la tierra. Lo que hoy encontramos en valles como Suisun, Sonoma o Anderson es un ecosistema que se entiende a sí mismo como un activo de riesgo, pero también como un refugio de resiliencia sistémica.
I. El retorno
Mi reencuentro con esta tierra comenzó en el 1 Hotel, en San Francisco, un espacio que ya anticipaba el tono del viaje, un lujo que se integra en su contexto, enfocado en la sostenibilidad operativa. Debo ser clara: aquí vine a aprender. En un grupo de 15 periodistas internacionales,
probablemente yo era la menos experta en tecnicismos enológicos, pero me senté a la mesa con la curiosidad de quien sabe que el vino es, ante todo, un indicador económico y social. Los paladares de mis colegas –educados en el viejo mundo, en mercados asiáticos emergentes, en tradiciones vinícolas que yo solo conozco de lejos–fueron mi principal brújula en una cartografía que apenas empezaba a descifrar. Napa ya no es el destino de vitrina que recordaba, sino que se ha transformado en un laboratorio vivo de adaptación climática. Durante los últimos años, el fuego y la sequía han obligado a los viticultores a pasar de la perfección del fruto a la custodia del sistema. El lujo ya no es necesariamente el vino que recibe 100 puntos o el que gana la cata a ciegas del juicio de
"Napa Valley ya no es el destino que recordaba. Se ha transformado en un laboratorio vivo de adaptación climática".
París, sino el viñedo que logra capturar carbono, que regenera su suelo y que asegura su viabilidad para las próximas generaciones.
II. La mesa global
Esa primera noche en San Francisco, sentados en la mesa de La Mar (de Gastón Acurio), la conversación no gravitó únicamente en torno a los taninos. Éramos periodistas de una docena de países distintos –desde Corea del Sur y Australia, hasta el Reino Unido, Suecia y Japón–, convocados para descifrar el concepto de “futuro resiliente”. En ese microclima, ser la única voz latinoamericana me dio una perspectiva que no nace necesariamente de la geografía, sino de la sensibilidad sobre el origen. Mientras mis colegas analizaban la estructura del mercado y la calidad
"Ignorar el rol de la mano de obra mexicana en los viñedos californianos sería presentar una crónica incompleta".
de los más de 60 vinos que degustamos a lo largo de la semana, mi mirada se desviaba inevitablemente hacia la complejidad humana que sostiene la industria.
La cena, guiada por Elaine Chukan Brown –escritora, conferencista y educadora global de vino que trabaja en la intersección de la sostenibilidad, la acción climática y la democratización del conocimiento enológico– funcionó como un prólogo intelectual. Elaine no habla de vino como un producto, sino como un sistema de relaciones. Fue ahí donde comprendí que la resiliencia no es una meta individual, sino un esfuerzo de colaboración global. La diversidad del grupo reflejaba la diversidad necesaria en el viñedo: así como un monocultivo es frágil, un pensamiento único sobre la industria es insostenible.
En esta mesa también surgieron las preguntas incómodas que el sector debe abordar: el impacto de los aranceles en el consumo global y, de manera crucial, la política migratoria. No hay vino californiano sin los
trabajadores mexicanos. La interconexión entre México y California es profunda y estructural. Ignorar el rol de la mano de obra mexicana en la viabilidad de los viñedos californianos sería presentar una crónica incompleta y condescendiente.
III. El vino como activo de impacto
Como alguien que dedica parte de su vida profesional a la inversión de impacto, me resulta imposible caminar por un viñedo sin verlo como una estructura de capital. En mi labor con fondos de inversión, operamos bajo una premisa: el capital, cuando se cultiva con intención, transforma sistemas. En California, esta lógica se aplica ahora a los activos biológicos.
Existen distintas capas de compromiso ambiental. Mientras que lo orgánico se centra en lo que no se aplica (pesticidas sintéticos) y lo biodinámico introduce una visión holística y casi espiritual del ciclo vital, lo regenerativo va un paso más allá. Se trata de
devolverle al suelo más de lo que se le quita. Es una estrategia de mitigación de riesgos frente a la volatilidad climática: si el suelo está vivo y captura carbono, el activo es resiliente. Bodegas como Grgich Hills o Benziger operan bajo este rigor de stewardship o custodia: entender que somos administradores temporales de la vitalidad de la tierra.
Hay otro ángulo que como inversionista no puedo ignorar: el de la equidad dentro de la cadena. La sostenibilidad que no llega al trabajador del campo no es sostenibilidad, es marketing. Las bodegas más avanzadas en esta región lo entienden y están incorporando métricas de bienestar laboral, vivienda digna y movilidad económica para sus empleados agrícolas como parte de su tesis de valor, no solo como filantropía.
IV. Puntos de inflexión
Si la resiliencia era el concepto, el itinerario fue la evidencia táctica. En Signorello Estate, la reconstrucción tras los incendios de 2017 es una declaración de principios. Diseñar un búnker de alta estética capaz de resistir lo inevitable es cómo el capital se vuelve valiente. Por otro lado, Iron Horse y Reservoir Farms nos llevaron al algoritmo. La tecnología de precisión —con drones, sensores de humedad e inteligencia artificial— no reemplaza la intuición humana, más bien la amplifica. La eficiencia operativa es mucho más que vanidad en una región donde el agua es un recurso geopolítico escaso.
El viaje hacia el norte nos regaló un cambio de atmósfera. Anderson Valley es una zona mucho más relajada y menos protocolaria que Napa e incluso Sonoma. En Pennyroyal Farm, encontramos un excelente modelo de economía circular. Aquí, los animales son los mejores ayudantes del sistema regenerativo, encargados de la limpieza del suelo y la fertilización natural.
Hay una conversación que la industria ya no puede posponer: la de su propia audiencia. El vino lleva siglos construyendo muros de entrada –el vocabulario técnico, el ritual casi religioso de la cata, la etiqueta social del conocedor– y esos muros hoy le están costando mercado. Los consumidores más jóvenes no van a aprender el idioma del sommelier por deferencia; van a elegir otra bebida. Curiosamente, las regiones que más han avanzado en sostenibilidad ambiental son las mismas que están liderando esta apertura cultural, como si entendieran que ambas batallas son la misma: la de garantizar que algo valioso continúe existiendo.
V. Una nueva definición de sustancia
El norte de California ha dejado atrás la obsesión por el poderío para enfocarse en la durabilidad. Hoy, la región no busca únicamente impresionar con la escala de sus bodegas, sino
con la inteligencia de su permanencia. En este proceso, la interconexión con México se revela como algo mucho más profundo que un flujo comercial o una cercanía geográfica; compartimos una visión de lo que significa trabajar la tierra bajo presión, donde el sudor y el ingenio son la única respuesta posible ante un cambio climático que no da tregua. Entre los viticultores californianos se respira una consigna que va mucho más allá del romanticismo: la conciencia de que el suelo no es un activo que se posee, sino una herencia que se administra.
Esa escala humana es lo que permite tomar los riesgos más ambiciosos. En el mundo de la inversión de impacto hablamos de “capital paciente”, pero en el campo ese concepto es el pan de cada día. Nadie diseña estrategias basándose en el próximo trimestre cuando lo que está en juego es la salud del suelo que pisarán sus nietos. La sofisticación que encontré en este viaje no fue únicamente en la copa, sino en la tenacidad de quienes han decidido que su legado no se mide en cajas vendidas, sino en la vigencia de su tierra. Esa tenacidad de decidir que el éxito es dejar la tierra mejor de cómo se encontró redefine por completo lo que entendemos por valor. Las prácticas regenerativas nos invitan a dejar de ser simples consumidores para volvernos custodios de un ciclo que nos supera.
REGIÓN
SUPERFICIE
CONSUMO PER CÁPITA (LITROS/AÑO)
PRIMER BODEGA COMERCIAL
BODEGAS (2026)
PRODUCCIÓN
MERCADO TOTAL
EXPORTACIONES
VARIETALES
CALIFORNIA (ESTADO) MÉXICO (PAÍS)
423,970 KM2
1,964,375 KM2
12.6
1857 (BUENA VISTA WINERY)
4,700+ (80% DE LA PRODUCCIÓN NACIONAL DE EU)
2,088 MILLONES DE LITROS (4TO PRODUCTOR MUNDIAL)
$67.5B USD
$1.24B USD
EL BALÓN ESTÁ DE
EN JUNIO:
GUÍA
COMPLETA
DEL MUNDIAL 2026
46. OFF THE PITCH / 52. LEGADO A LA MEDIDA / 60. LA MUJER QUE TRANSFORMÓ LA MODA EN ARTE / 62. LA FIESTA DEL TIEMPO / 78. LA HORA DORADA
OFF THE PITCH
En vísperas de la Copa del Mundo, Dolce&Gabbana reinterpreta el modelo Brasil de Diadora, un ícono del futbol mundial de finales del siglo XX.
Texto: Daniel González Fotos: Alonso Díaz Moda: Berenice Buendía
Sicilianos militantes y siempre atentos a su contexto social, la relación de Domenico Dolce y Stefano Gabbana con el futbol se remonta a comienzos de este siglo, cuando el libro Calcio, publicado en 2003, sacudió los cimientos de la siempre conservadora sociedad italiana. En él, las estrellas del momento en la Serie A –Christian Vieri, Fabio Cannavaro, Marcello Lippi, Hidetoshi Nakata y Alessandro del Piero, entre muchos otros– aparecen captadas por la lente del fotógrafo Mariano Vivanco, autor de un libro hoy de culto.
En vísperas del Mundial, la marca italiana se unió con Diadora, otro mito transalpino, para reimaginar el icónico modelo Brasil, lanzado por la casa deportiva en 1984 y elevado a mito popular durante esa década y la siguiente. Disponible tanto en versión de futbol como en una versión del tenis clásico, el modelo se reinterpreta a través de la visión creativa de Dolce&Gabbana, que incluye una paleta monocromática con estampado de leopardo. Los nuevos Brasil de Dolce&Gabbana x Diadora están disponibles en tiendas seleccionadas de la marca desde el 8 de junio.
LEGADO A LA MEDIDA
TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE. FOTOS: HACKETT LONDON.
Acompañamos a Erik Hayser en una experiencia inmersiva en el universo de Hackett London, marca inglesa de la que ahora es embajador. Desde la boutique insignia de Savile Row nos comparte algunos de sus looks favoritos firmados por la casa.
Look
Hackett London
LEn ambas páginas: look total, Hackett London
a cita era a las 9:30 en el número 14 de Saville Row, esa mítica calle londinense en la que la sastrería inglesa estableció su epicentro. Una agradable caminata por las calles del Soho nos hizo entrar poco a poco en el estado de ánimo correcto para llegar a la boutique insignia de Hackett London, donde la máxima expresión de la personalización toma forma. En esta dirección –que en el pasado albergó el atelier del modisto Hardy Amies, uno de los favoritos de la reina Isabel II–se venden las colecciones más exclusivas de la marca y se confeccionan de principio a fin todos y cada uno de los trajes bespoke que llevan su sello.
Hasta aquí llegamos con Erik Hayser –actor, productor y empresario mexicano, que acaba de ser elegido como embajador de la firma para nuestro país– con la misión de adentrarnos en el rico y complejo universo de la confección de las prendas que definen al caballero moderno. De pie frente a la fachada de ladrillos, si se dirige la mirada a las ventanas del sótano, se puede ver a los patronistas, cortadores y sastres dedicados a su labor desde temprana hora. Ha llegado el momento de cruzar el umbral. “Conocer el origen y el lugar en donde comenzó una marca te hace apreciar y comprender por qué hacen lo que hacen. Es muy emocionante visitar esta
En ambas páginas: look total, Hackett London
boutique y descubrir estos espacios en donde los expertos de la marca trabajan para confeccionar prendas que llegarán al resto del mundo”, asegura Hayser, mientras nos internamos en las distintas habitaciones –pintadas en llamativos colores como rosa, amarillo, naranja– hasta llegar al llamado cuarto verde. Esta habitación es una de las más especiales, pues también hace las veces de club privado. Aquí, algunos de los clientes más importantes de la marca pueden tomar decisiones acerca de sus trajes, camisas y accesorios, pero también pueden relajarse con un café, un té o un coctel preparado en el bar que está a sus puertas. Hoy el espacio es para nosotros y para tomar las fotografías que formalizan el vínculo entre Hayser y Hackett London.
La ocasión, nos hace preguntarnos cuáles son los puntos de encuentro entre ambas partes. “Me fascina lo clásico, me fascinan las cosas de calidad, pero me gusta arriesgarme y siento que Hackett también lo está haciendo”, sostiene Hayser. “Es una marca que está completamente enfocada en la calidad y en la tradición, pero también consciente de que los hombres necesitamos evolucionar también. Así que hay una búsqueda de nuevos colores y de mucho más dinamismo en el tipo de prendas que están proponiendo”, añade.
Y es que, en este imaginario creado por Jeremy Hackett en 1983, cada corte, cada puntada, cada tejido y cada bolsillo tienen una razón de ser y encierra alguna lección de estilo y elegancia. “Tengo mucho que aprender del mundo de la sas-
En ambas páginas: look total, Hackett London
trería”, afirma Hayser. “Me encantaría entender y adentrarme en esta cultura y no hay un mejor lugar que este en el que comenzó todo”. Y con este contexto, probablemente habría que ir a la raíz. “Algo elegante es algo que es simplemente extraordinario, pero con sutileza, con cuidado. También tiene mucho que ver con la honestidad, o sea, creo que la verdadera elegancia no trata de aparentar, simplemente es”, explica. Escuchando a Hayser se puede descubrir a una persona curiosa y apasionada, tanto por su arte como por otros. ¿Encuentra alguna similitud entre la actuación y la sastrería? “Al igual que la ropa, los personajes también se van confeccionando poco a poco. Primero surgen de una idea en mi cabeza –cuando me ofrecen un personaje lo primero que hago es
imaginarlo a partir del guión y de la historia– y a partir de ahí comienzo a confeccionarlo, de adentro hacia afuera. También así es cómo se arma la ropa, se crea la estructura y poco a poco se van vistiendo el resto de las capas”, explica. Pero la ropa, al igual que los personajes, se tienen que vivir. “Las prendas no son solo para usarse, la ropa no solo se viste, es para vivirla y me gusta mucho pensar en eso. No somos la meta a la que llegamos, sino todo el camino que recorrimos”, dice. El tiempo se ha agotado y las fotos están listas. Londres se ha nublado y es momento de dirigir los pasos a otros rumbos. Savile Row queda atrás, pero el recuerdo de este día permanece. Como un buen traje que nunca, nunca, nunca pasa de moda.
QUE TRANSFORMÓ LA MUJER
LA MODA EN ARTE
El museo Victoria & Albert de Londres dedica una exposición al genio creativo de Elsa Schiaparelli, diseñadora de moda italiana cuyo legado sigue vivo hoy gracias al talento de Daniel Roseberry.
TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
Con una valiente imaginación y una visión radical, la diseñadora italiana Elsa Schiaparelli redefinió los límites entre los mundos de la moda y el arte. Desde el establecimiento de su primera boutique en París a finales de los años 20, hasta su consagración como una de las principales modistas que entendía las necesidades y deseos de las mujeres modernas, la casa dejó una huella imborrable hasta el momento en que cerró sus puertas en la década de los 50.
La exposición Schiaparelli: Fashion Becomes Art –presentada en la galería Sainsbury del Museo Victoria & Albert de Londres hasta el 8 de noviembre– ofrece un recorrido a lo largo de la historia de una mente creativa que traspasó épocas y fronteras cuestionando y dando nuevos rumbos a los estándares de belleza y elegancia femenina.
Más de 400 objetos –entre prendas, obras de arte, fotografías, accesorios, joyas, muebles, perfumes y materiales de archivo– conforman un recorrido que permite a los visitantes sumergirse en los procesos creativos de Schiaparelli, en sus colaboraciones con artistas, fotógrafos y creativos de la talla de Pablo Picasso, Salvador Dalí, Man Ray, Cecil Beaton, Alberto Giacometti y Jean Schlumberger, y en su amistad con algunas de las socialites y celebridades más importantes de la época.
Cada sección abarca distintas épocas y momentos de la casa y de su historia personal, desde sus inicios produciendo atuendos deportivos, hasta sus famosos suéteres de efecto trompe l'oeil, el mediático vestido con estampado de langosta utilizado por Wallis Simpson, el sombrero zapato, los guantes con uñas pintadas e, incluso, su enemistad con Coco Chanel. Su deseo de experimentación con nuevos materiales, el cuidado a los detalles de cada prenda –desde los botones hasta la posición de los bolsillos–, el espíritu juguetón de sus accesorios y su visión de negocio para crear productos como perfumes y fragancias para el hogar dan muestra de la genialidad de una mujer cuyo legado sigue vivo hasta nuestros días gracias al talento de Daniel Roseberry, quien desde el año 2019 es director creativo de la maison con sede en la Place Vendôme de París.
Las creaciones de Roseberry, caracterizadas por las siluetas esculturales, y frecuentemente oníricas, que imaginó la creadora de la casa, también cuentan con un espacio reservado en la muestra. Atuendos utilizados recientemente por figuras como Ariana Grande, Lady Gaga y Dua Lipa cierran una exhibición que aporta pruebas indiscutibles de que el legado de los verdaderos genios trasciende el tiempo y las modas.
Como cada año, casas de alta relojería, coleccionistas, aficionados y medios especializados se dieron cita en Ginebra para asistir a Watches & Wonders y conocer los lanzamientos que marcarán 2026. Estos son apenas algunos de los relojes y las maravillas que nos impresionaron por su precisión y artesanía.
1. Baignoire de Cartier
Material de la caja: Oro amarillo con 49 diamantes corte brillante
Medidas: 25 x 19 mm
Movimiento: Cuarzo
Correa: Oro amarillo con diamantes
Hermeticidad: 30 metros
2. Roadster de Cartier
Material de la caja: Acero
Medidas: 47.2 x 38.7 mm
Movimiento: 1847 MC mecánico de cuerda automática
Correa: Acero y caucho azul marino
Reserva de marcha: 40 horas
Hermeticidad: 100 metros
3. Santos-Dumont de Cartier
Material de la caja: Oro amarillo
Medidas: 43.5 x 31.4 mm
Movimiento: 430 MC mecánico de cuerda manual
Brazalete: Oro amarillo
Hermeticidad: 30 metros
1. Big Bang Impact One Million Material de la caja: Oro blanco de 18 quilates con 323 diamantes de talla baguette
Medida: 45 mm
Movimiento: HUB9015 tourbillon de cuerda manual
Correa: Piel de aligátor negra y caucho negro
Reserva de marcha: 120 horas
Hermeticidad: 30 metros
2. Big Bang Reloaded Kylian Mbappé
Material de la caja: Cerámica blanca pulida y cepillada
Medida: 44 mm
Movimiento: MHUB1280
UNICO automático
Correa: Textil con velcro y broche de cerámica blanca
Reserva de marcha: 72 horas
Hermeticidad: 100 metros
3. Spirit of Big Bang Impact
Material de la caja: Cristal de zafiro pulido con 54 diamantes en el bisel
Medida: 42 mm
Movimiento: HUB1770 automático esqueletado
Correa: Caucho blanco
Reserva de marcha: 50 horas
Hermeticidad: 50 metros
4. Big Bang Joyful Steel Purple Material de la caja: Acero inoxidable
Medida: 33 mm
Movimiento: HUB1120 automático
Correa: Caucho morado
Reserva de marcha: 40 horas
Hermeticidad: 100 metros
1. Luminor 31 Giorni PAM01631
Material de la caja: Goldtech cepillado y pulido
Medida: 44 mm
Movimiento: P.2031/S de cuerda manual
Correa: Piel de aligátor negra y caucho negro
Reserva de marcha: 744 horas (31 días)
Hermeticidad: 100 metros
4. Polo 79
Material de la caja: Oro blanco de 18 quilates con acabado rodiado
Medida: 38 mm
Movimiento: 1200P1 automático
Brazalete: Oro blanco de 18 quilates
Reserva de marcha: 44 horas
Hermeticidad: 50 metros
5. Polo Signature Date
Material de la caja: Oro rosa de 18 quilates engastado con 60 diamantes corte brillante
Medida: 36 mm
Movimiento: 500P1
mecánico automático
Brazalete: Oro rosa de 18 quilates y piel de aligátor burdeos
Reserva de marcha: 40 horas
Hermeticidad: 50 metros
2. Luminor PAM01735
Material de la caja: Acero pulido
Medida: 47 mm
Movimiento: P.3000 de cuerda manual
Correa: Piel de becerro café oscuro y caucho negro
Reserva de marcha: 72 horas
Hermeticidad: 100 metros
3. Luminor 8 Giorni PAM01733
Material de la caja: Acero cepillado
Medida: 44 mm
Movimiento: P.5000 de cuerda manual
Correa: Piel de becerro café y caucho negro
Reserva de marcha: 192 horas (8 días)
Hermeticidad: 300 metros
Oyster Perpetual 41
Material de la caja: Acero
Oystersteel y oro amarillo
Medida: 41 mm
Movimiento: Calibre 3230
mecánico de cuerda automática
Brazalete: Oyster de acero Oystersteel
Reserva de marcha: 70 horas
Hermeticidad: 100 metros
1. Oyster Perpetual 36
Material de la caja: Acero Oystersteel
Medida: 36 mm
Movimiento: Calibre 3230
mecánico de cuerda automática
Brazalete: Oyster de acero Oystersteel
Reserva de marcha: 70 horas
Hermeticidad: 100 metros
2. Oyster Perpetual Datejust 41
Material de la caja: Acero Oystersteel y oro blanco
Medida: 41 mm
Movimiento: Calibre 3235
meccánico de cuerda automática
Brazalete: Oyster de acero Oystersteel
Reserva de marcha: 70 horas
Hermeticidad: 100 metros
VACHERON CONSTANTIN
Les Cabinotiers Minute
Repeater Tourbillon Skeleton
Material de la caja:
Oro rosa de 18 quilates
Medida: 45 mm
Movimiento: 2755 TMR SQ manual
Correa: Piel de becerro texturizada
Reserva de marcha: 58 horas
1. Overseas Dual Time
Cardinal Points
Material de la caja: Titanio
Medida: 41 mm
Movimiento: 5110 DT/3 mecánico de cuerda automática
Correa: Titanio y caucho naranja
Reserva de marcha: 60 horas
Hermeticidad: 150 metros
2. Historiques Americain 1921
Material de la caja: Oro rosa de 18 quilates
Medida: 40 mm
Movimiento: 4400 AS manual
Correa: Piel de becerro azul
Reserva de marcha: 65 horas
Hermeticidad: 30 metros
1. Hermès H08 Squelette
Material de la caja: Titanio
satinado con tratamiento DLC
Medida: 39 mm
Movimiento: H1978 S mecánico de cuerda automática
Correa: Caucho negro
Reserva de marcha: 60 horas
Hermeticidad: 100 metros
2. Arceau Samarcande
Material de la caja: Oro blanco
Medida: 38 mm
Movimiento: H1927 mecánico de cuerda automática
Correa: Piel de aligátor
Reserva de marcha: 48 horas
Hermeticidad: 30 metros
3. Midnight Jour Nuit
Phase de Lune
Material de la caja: Oro blanco
Medida: 42 mm
Movimiento: Mecánico de cuerda automática
Correa: Piel de aligátor negra
Reserva de marcha: 36 horas
Hermeticidad: 30 metros
4. Lady Retrouvailles Célestes
Material de la caja: Oro rosa con diamantes redondos en engaste nieve
Medida: 33 mm
Movimiento: Mecánico de cuerda manual
Correa: Piel de aligátor malva brillante
Reserva de marcha: 36 horas
Hermeticidad: 30 metros
Gabrielle Watch
Material de la caja:
Oro blanco de 18 quilates con 30 diamantes corte brillante
Medida: 43 mm
Movimiento: Cuarzo
Correa: Grosgain negro
Hermeticidad: 30 metros
J12 Diamonds
Tourbillon Caliber 5
Material de la caja: Oro blanco de 18 quilates con 77 diamantes corte baguette
Medida: 38 mm
Movimiento: Calibre 5 mecánico de cuerda manual
Brazalete: Oro blanco de 18 quilates con 502 diamantes corte baguette
Reserva de marcha: 40 horas
Hermeticidad: 50 metros
Noeud de Diamants Cuff
Material de la caja: Oro blanco de 18 quilates
Medida: 11.2 x 11.2 mm con cubierta de titanio y un diamante de corte Asscher al centro
Movimiento: Cuarzo
Brazalete: Oro blanco de 18 quilates con 2,172 diamantes de corte brillante
Hermeticidad: 30 metros
Prèmiere Galon Diamons
Material de la caja: Oro blanco de 18 quilates
Medida: 19.7 x 15.2 mm
Movimiento: Cuarzo
Brazalete: Oro blanco de 18 quilates con 573 diamantes corte brillante
1. Master Grande Tradition Tourbillon Jumping Date
Material de la caja: Oro rosa de 18 quilates
Medida: 42 mm
Movimiento: 978 automático
Correa: Piel de aligátor negra
Reserva de marcha: 45 horas
Hermeticidad: 50 metros
2. Master Hybris Inventiva Gyrotourbillon À Stratosphère
Material de la caja: Platino
Medida: 42 mm
Movimiento: 178 de cuerda manual
Correa: Piel de aligátor azul
Reserva de marcha: 72 horas
Hermeticidad: 50 metros
1. Black Bay Ceramic Material de la caja: Cerámica negra mate micropulida
Medida: 41 mm
Movimiento: MT5602-U mecánico de cuerda automática
Brazalete: Cerámica negra
Reserva de marcha: 70 horas
Hermeticidad: 200 metros
2. Tudor Monarch Material de la caja: Acero inoxidable
Medida: 39 mm
Movimiento: MT5662-2U mecánico de cuerda automática
Brazalete: Acero inoxidable
Reserva de marcha: 65 horas
Hermeticidad: 100 metros
Tudor Royal Material de la caja:
Acero inoxidable
Medida: 36 mm
Movimiento: MT5412 mecánico de cuerda automática
Brazalete: Acero inoxidable
Reserva de marcha: 70 horas
Hermeticidad: 100 metros
5738G-001 Golden Ellipse
Material de la caja: Oro blanco
Medida: 34.5 x 39.5 mm
Movimiento: 240 automático
Correa: Piel de becerro
verde olivo
Reserva de marcha: 48 horas
Hermeticidad: 30 metros
1. 7047G-001 Minute Repeater
Material de la caja: Oro blanco
Medida: 38 mm
Movimiento: R 27 PS automático
Correa: Composite azul marino
Reserva de marcha: 43-48 horas
2. 5396R-016 Annual Calendar. Moon Phases
Material de la caja: Oro rosa
Medida: 38.5 mm
Movimiento: 26-330 S
QA LU 24 automático
Correa: Piel de aligátor café
Reserva de marcha: 35-45 horas
Hermeticidad: 30 metros
1. Gran Reloj de Aviador
Calendario Perpetuo Ceralume
Material de la caja: Cerámica
blanca luminiscente Ceralume
Medida: 46.5 mm
Movimiento: 52616 automático
Correa: Caucho blanco luminiscente
Reserva de marcha:
168 horas (7 días)
Hermeticidad: 100 metros
2. Ingenieur Tourbillon 41
Material de la caja: Oro rojo de 18 quilates
Medida: 41.6 mm
Movimiento: 82905 automático
Brazalete: Oro rojo de 18 quilates
Reserva de marcha: 80 horas
Hermeticidad: 100 metros
ZENITH
3. G.F.J. Tántalo
Material de la caja:
Oro blanco de 18 quilates
Medida: 39 mm
Movimiento: 135 de cuerda manual
Correa: Piel de caimán azul
Reserva de marcha: 72 horas
Hermeticidad: 50 metros
4. Chronomaster
Sport Skeleton
Material de la caja: Acero inoxidable
Medida: 41 mm
Movimiento: El Primero
3600SK automático
Brazalete: Acero inoxidable
Reserva de marcha: 60 horas
Hermeticidad: 100 metros
5. G.F.J. Bloodstone
Material de la caja:
Oro amarillo de 18 quilates
Medida: 39 mm
Movimiento: 135 de cuerda manual
Correa: Piel de caimán beige
Reserva de marcha: 72 horas
Hermeticidad: 50 metros
ESTILO PARA UNA VIDA EN MOVIMIENTO
La nueva colección de Hackett define la elegancia masculina desde el movimiento, la intención y un guardarropa para acompañarte en cada momento.
En una época en la que el estilo masculino empieza a convertirse en una extensión natural de la vida cotidiana, la nueva colección de Hackett SS26 propone algo más que prendas; plantea una forma de habitar cada espacio con intención.
Es así como nace una idea clara: “The Journey of a Man”, que trata de acompañar el dinamismo de una generación que se mueve entre compromisos, viajes y momentos sociales sin necesidad de fragmentarse. Como resultado, tenemos un guardarropa que es capaz de acompañar ese ritmo dinámico donde cada prenda se adapta a distintos escenarios.
La presencia de David Gandy refuerza esta visión. Su estilo, definido por la sobriedad y la consistencia, proyecta una elegancia que no necesita exageraciones, sino que se construye desde la seguridad personal y la evolución personal constante.
Su colección destaca por una sastrería más ligera y funcional: blazers de estructura flexible, overshirts de lino con textura y tejidos transpirables pensados para climas cálidos. A esto se suma la integración de N°14 Savile Row, que aporta camisas ultraligeras, caban jackets y pantalones de caída fluida que elevan cada outfit sin sacrificar comodidad.
En términos visuales, la paleta se mueve entre azules marinos profundos, tonos costeros y acentos cálidos como terracota y verdes suaves. Colores que evocan paisajes abiertos, naturaleza, pero al mismo tiempo funcionan dentro de la ciudad.
Desde su origen por Jeremy Hackett, la marca ha reinterpretado el menswear clásico. Hoy, esa evolución se traduce en piezas que acompañan el movimiento con naturalidad.
Más que una temporada, la propuesta se entiende como una actitud: vestir con claridad, moverse con seguridad y entender que el estilo no se impone, se construye con el tiempo.
UNA PROPUESTA DONDE LA SASTRERÍA
EVOLUCIONA PARA ACOMPAÑAR LA VIDA COTIDIANA.
FOTOS: CORTESIA
David Gandy
La hora dorada
Estamos listos para un verano al aire libre bajo el sol. Sin importar cuáles sean los planes, desde jugar golf hasta navegar por alta mar, estas son las siluetas y micas de sol imperdibles para elevar cualquier look.
TEXTO: BERENICE BUENDÍA. FOTOS: ALONSO DÍAZ.
Para cualquier actividad que requiera movimiento, opta por una silueta dinámica con patas que se ajusten a tu cabeza. Ambos modelos, Maui Jim.
En la edición pasada ya lo advertimos: la tendencia de lentes aviador sigue creciendo. Es hora de elegir los tuyos; te recomendamos apostar por unos de pasta y con micas de color.
Desde arriba hacia abajo: Gramo,
Boss y Ferragamo.
Para el día a día, opta por algo cálido: desde un marco dorado como el de Cartier hasta un armazón de carey.
De izquierda a derecha: Cartier y Louis Vuitton.
También hay para los extremos: si eres minimalista, elige unos sin armazón para un look discreto pero sofisticado; si prefieres destacar, un armazón ancho en color es todo lo que necesitas.
De izquierda a derecha: Dior, Cartier y Port Tanger.
La montura de pasta lo dice todo. Elige una silueta cuadrada para un look con carácter.
Desde arriba hacia abajo: Boss, Ferragamo y David Beckham.
MENOS ¡MÁS INVERSIONES! ALCANCÍAS,
VOCES
84. BE PROUD, BE PRIDE / 90. TECNOLOGÍA PARA UNA NUEVA GENERACIÓN
94. EL ARTE DE TRANSFORMAR LA MÚSICA EN MAGIA / 96. GUARDIÁN DE UN PATRIMONIO INVALUABLE / 100. MUCHO MÁS QUE LUZ
BE
PROUD BE
PRIDE
El mes del Orgullo es mucho más que una celebración. Detrás de cada historia hay identidad, resistencia y la decisión cotidiana de habitar el mundo sin esconderse. Junio es todo esto, pero también memoria y visibilidad; es la construcción de espacios donde existir libremente todavía importa. Es comunidad, representación y el eco de quienes se atrevieron a abrir camino antes, para que hoy otros puedan hacerlo con menos miedo y más verdad.
Texto: Isabel Leal. Fotos: José Miguel Ramírez. Maquillaje y peinado: Sahira Ramírez.
ALDO GUERRA / ACTOR
“Cargamos con una predisposición hacia la homofobia, y creo que eso fue algo que tuve que desaprender: entender que ser quién soy no solo está bien en espacios privados o pequeños, sino en todo momento. Cuando dejé de esconderme y fui auténtico públicamente, todo cambió. Pensé que iba a perder oportunidades, pero ocurrió lo contrario, la gente conectó mucho más conmigo. Ver a alguien feliz, auténtico y viviendo plenamente acerca más a los demás de lo que uno imagina”.
@aldoguerra92
JOSÉ LUIS HARO /
ILUSTRADOR
“Para mí, el simple hecho de ser una persona que se da la libertad de ser quien es en su espacio ya genera una ola. Creo que el Pride va mucho más allá de algo político o separado de la vida cotidiana; se trata de establecerlo como parte de la normalidad. Estamos tan acostumbrados a pensar que siempre tenemos que escondernos o sufrir, que vivir con libertad todavía parece ajeno. Y para mí, justo ahí está el cambio”.
@miradadepapel
MARION REIMERS / PERIODISTA DEPORTIVA
“Creo que entender que algo de lo que yo hago puede llenar para otras personas el vacío referencial con el que crecí cambió por completo mi manera de mirar mi identidad. Me permitió entender que mi existencia y la forma en la que vivo pueden convertirse en un marco de referencia para alguien más implica también una responsabilidad: dejar el mundo un poco mejor para quienes vienen después. Porque nuestras identidades son infinitas, expansivas y siempre capaces de volver a florecer”. @lareimers
ALEJANDRO OLIVA / ACTOR
“Yo crecí con muy poca representación de nuestra comunidad, y por eso hoy sí creo que, cuando tienes una plataforma, existe cierta responsabilidad de mostrar que también podemos vivir historias felices, complejas y humanas. Muchas veces nos encasillan o piensan que ser parte de la comunidad limita lo que puedes interpretar o quién puedes ser, pero para mí ha sido lo contrario: entender que mi identidad no es un obstáculo, sino una fuerza. Y cuando alguien me escribe para decirme: ‘Si tú pudiste, quizá yo también puedo’, entiendes que esas pequeñas cosas sí generan un impacto real”.
@alexolivag
YOL SEGURA / ESCRITORA
“Durante muchos años, sentí que tenía que actuar para pertenecer. Después entendí que gran parte de eso venía de haber crecido sin referentes y sin imaginar otras maneras posibles de vivir. Ahí comprendí que mostrarme con honestidad también podía convertirse en representación para alguien más. Porque, al final, todos queremos lo mismo: que nos quieran, poder cuidar y ser cuidados”.
@yol_segura
TECNOLOGÍA PARA UNA NUEVA GENERACIÓN
TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
Durante la presentación de los nuevos dispositivos de Nothing –marca fundada en Londres en 2020 por Carl Pei–, tuvimos la oportunidad de conversar con Charlie Smith, su Chief Brand Officer, sobre temas como la relevancia cultural, la conexión con los jóvenes creativos y la manera en que la tecnología interactúa con otros campos.
Las instalaciones de Central Saint Martins –escuela de arte y diseño de la que han egresado genios como John Galliano, Alexander McQueen y Stella McCartney– fueron el escenario elegido para el lanzamiento internacional de la serie Phone (4a) y los Headphone (a) de Nothing a inicios del pasado mes de marzo. En ese momento, Charlie Smith, Chief Brand Officer de la marca, llevaba apenas una semana en el cargo tras una exitosa gestión como Chief Marketing
and Communications Officer de Loewe, firma en la que hizo mancuerna con Jonathan Anderson para transformar a la casa de origen español en una de las más deseadas alrededor del mundo. Su claridad mental, su profundo entendimiento de los mecanismos de la relevancia cultural y su deseo de conexión con la comunidad creativa llamaron nuestra atención en una entrevista que nos deja ver hacia dónde desea orientar las estrategias de su nueva casa.
Life and Style (L&S): ¿Cuál es tu visión de futuro para la marca?
Charlie Smith (C.S.): Queremos ser la compañía de tecnología más querida por la nueva generación de creativos, así que todo lo que hagamos de ahora en adelante estará enfocado en eso. Para mí, es muy importante que conectemos de forma genuina con esta comunidad y queremos expresarnos como marca a través de la noción de rebeldía creativa. Esto significa cuestionar el statu quo siendo un tanto punks o anárquicos en nuestra visión. Sabemos que somos el underdog y que tenemos menos recursos que nuestros competidores más grandes, así que la única manera de hacerlo es empleando técnicas de guerrilla para ser subversivos y debemos hacerlo no de forma agresiva, sino con un sentido del humor divertido y juguetón.
L&S: ¿Cómo crees que debe ser la colaboración entre los equipos de desarrollo de producto y marketing?
C.S.: Una de las cosas que he estado haciendo es fijarme en
tendencias que mueven a la gente joven y compartir esa información con el equipo de diseño para que puedan tomarlas como inspiración. Ese es el tipo de gran diálogo que podemos tener los equipos de marketing y de desarrollo de producto. Por otro lado, en lo que se refiere al software, creo firmemente que el sistema operativo de Nothing debe existir para mejorar la creatividad de la gente y reducir las distracciones de su vida. Por lo tanto, creo que todo aquello en lo que estamos trabajando está enfocado en lograr esto.
L&S: ¿Qué tendencias has observado que están marcando el rumbo tanto de las empresas tecnológicas como de otras industrias?
C.S.: Creo que hay cierta nostalgia por la tecnología antigua de las décadas de los 80 y 90. Veo que mucha gente comienza a usar reproductores de CD, incluso casettes y walkmans Me parece que había un sentimiento de optimismo en aquel
momento de la historia de la tecnología. Recuerdo las tiendas de equipo de alta fidelidad con anaqueles llenos de luces parpadeantes y pantallas con textos que se desplazaban, incluso los mini reproductores de CDs, que al encenderlos por la mañana te daban los buenos días y te mostraban mensajes divertidos, o los tamagotchis, que eran como pequeños animales que debías mantener vivos. Creo que esa personalidad y sentido del humor es algo que hemos perdido recientemente en la tecnología. Ahora es algo mucho más frío y funcional. Si hablamos de tendencias, diría que los jóvenes de hoy están emocionados con la idea de mirar hacia el pasado, hacia una época en la que la tecnología se sentía como algo mucho más humano y personal.
L&S: ¿Qué cambios de paradigma te gustaría impulsar en la industria?
C.S.: Una idea que me gustaría reforzar para el futuro es la noción de que Nothing y su tecnología será cocreada colectivamente con nuestra comunidad de manera muy abierta. Para mí, eso es algo muy distinto a lo que hacen compañías como Apple y también es una idea muy moderna. Por eso Nothing desarrolló el glyph en la parte trasera del teléfono, y por eso los usuarios tienen widgets con los que pueden elegir la información que reciben. Es decir, no necesitamos tener nuestras pantallas llenas de aplicaciones, podemos ocultar las que son menos importantes y diseñar la interfaz según nuestras necesidades.
L&S: ¿Qué puede aprender la tecnología de industrias como la moda?
C.S.: Lo que la moda hace muy bien en el mundo actual es entenderse como solo una parte del contexto cultural en el que vivimos. Se vuelve más rica cuando toma inspiración de los mundos del arte, del cine y de la música, pues todos son, en cierto modo, experiencias sensoriales y emocionales. Por tanto, diría que Nothing tiene la oportunidad única de comportarse como ninguna otra empresa tecnológica lo está haciendo en este momento y de entablar un diálogo con la comunidad artística para crear algo que se sienta completamente nuevo.
L&S: ¿Dónde crees que reside la clave de la originalidad?
C.S.: Creo que una de las claves de la originalidad es no ser iterativo. Recuerdo que cuando hablaba con el equipo de diseño, decían que la forma en que Apple diseña actualmente es muy iterativa. Es decir, miran su teléfono más reciente y piensan en cómo mejorarlo para el siguiente. En nuestro caso, el equipo de diseño empieza desde cero cada vez que va a desarrollar un nuevo producto, y lo hace con el propósito de imaginar algo completamente nuevo.
EL ARTE DE TRANSFORMAR LA MÚSICA EN MAGIA
Con sus sets, Julio García convierte cada fiesta en experiencias sonoras que elevan los sentidos.
TEXTO: ALEJANDRA MONTIEL
La música tiene mucho poder. Es un refugio cuando queremos olvidarnos de un día ajetreado o mientras enfrentamos los deberes de la vida adulta, pero también es capaz de transmitir profundas emociones en fiestas o eventos sociales. En ellos, un DJ puede cambiar el ánimo de un espacio entero para así impulsar la conexión de la audiencia.
Para Julio García, esa idea lo significa todo. A los 17 años, después de practicar durante largas horas en su habitación, se dio cuenta que tenía la capacidad de generar sentimientos en otros a través de la música, y le dio un giro al rumbo de su vida. Había estudiado Administración de Empresas, pero no se veía a sí mismo detrás de un escritorio. “Me di cuenta de que estaba hecho para esto”, dice a Life and Style. “Tener el poder de cambiar el estado de ánimo de alguien y generar un impacto, allí fue cuando supe que tenía que ser DJ”, añade.
Uno de los grandes recuerdos que atesora fue su primer evento social como DJ principal, que le exigió 14 horas de set, presión y responsabilidad para amenizar un día muy especial para los anfitriones. El agotamiento no se hizo esperar, pero tampoco la recompensa: aplausos, gritos de emoción y sobre todo la sensación de haber sido la cabeza que logró crear una verdadera conexión entre los asistentes. “Sentí que había tocado en un festival como headliner”, recuerda.
Sin embargo, detrás de la aparente ligereza de la fiesta, también hay desgaste físico y emocional. No solo se trata de pararse frente a una mezcladora, sino de horas de sueño perdidas, largas jornadas y no estar presente en muchos momentos especiales. Mientras otros celebran, el DJ trabaja; cuando hay reuniones familiares, el DJ está en la cabina, y los días que descansa y puede, los demás atienden sus ocupaciones.
Por esta razón, García considera que su trabajo es solitario. La preparación para tocar en un evento requiere de horas de búsqueda de tendencias musicales, creación y edición. “Se trata de algo que tienes que hacer tú solo y le debes dedicar mucho tiempo, entonces te aíslas sin darte cuenta”, agrega. Es decir, el evento da inicio muchos días antes de que suene la primera canción ante cientos o miles de personas. Pero no todo está escrito. Aunque vaya preparado con un
repertorio digno de bailar, los asistentes deciden con la vibra lo que Julio con su intuición deberá tocará en tiempo real. Así ocurre la magia y conexión entre el DJ y las personas. “Se trata de una magia inexplicable. De conectar, sentir la música, de vibrar con ella y que la gente vibre conmigo”, expresa.
Su estilo se caracteriza por lo electrónico y las fusiones latinas, con las que hace mezclas frescas, pero sin perder la identidad de cada género. Su canción favorita es Praise You, de Fatboy Slim, un must para él en las pistas. Determinado, sensible y leal son las palabras con las que García se define y que, de alguna manera, transmite a través de la música y la magia que crea a través de ella.
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Una publicación exclusiva de Aeroméxico
An exclusive magazine from Aeromexico
GUARDIÁN DE UN PATRIMONIO INVALUABLE
Desde 2012, Sébastian Vivas ha sido director de Patrimonio y el Museo de Audemars Piguet. Nos reunimos con él durante la pasada edición de Watches and Wonders en Ginebra, Suiza, para hablar de una marca cuya riqueza histórica abarca generaciones de artesanos y relojeros comprometidos con la perfección
TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
Tras unos años de ausencia en Watches and Wonders, la principal feria de alta relojería del mundo, Audemars Piguet, casa fundada en 1875 en Le Brassus, sorprendió a los asistentes con uno de los booths más espectaculares de la edición 2026. En su interior, además de presentar las novedades desarrolladas para este año, se montó una exhibición para repasar la historia, legado y aportaciones de la casa al mundo de la alta relojería. Una biblioteca que parecía extenderse infinitamente hacia el horizonte destacaba algunos de los momentos clave de su historia. En este entorno, nos reunimos con Sébastian Vivas, director de Patrimonio y Museo de la casa, quien nos compartió detalles de su rol, iniciativas y legado de una de las manufacturas más respetadas del mundo.
Acerca de su puesto
“En realidad, somos un departamento de 15 personas que incluye a historiadores, archivistas, relojeros y restauradores. Nos movemos en la intersección entre pasado,
presente y futuro porque somos responsables de la preservación y enriquecimiento de nuestros archivos incluyendo documentos, pero también relojes, su estudio y la comunicación de nuestros hallazgos. Estos pueden convertirse en exhibiciones, libros, proyectos como L’Atelier des Établisseurs, nuevos movimientos y hasta colecciones. Nuestra misión más importante es construir mensajes, crear narrativas y dar sentido a nuestros orígenes, a lo que somos hoy y al rumbo hacia el cual vamos”.
Su involucramiento en el libro The Watch, publicado en colaboración con Flammarion “Este libro es el bebé del departamento de Patrimonio. Mi sueño era crear una publicación que le diera la bienvenida a cualquier persona al mundo de la relojería y que celebrara a los relojes como un todo hablando de todo lo que hay detrás. Este es el libro que a mí me hubiera gustado recibir cuando comencé a trabajar en esta industria hace muchos, muchos años”.
“Hay que interesarse, ser curiosos, ir, buscar y encontrar a las personas, las raíces y las nuevas ideas... De este modo, verán que el horizonte comienza a hacerse cada vez más amplio y que queda mucho por explorar”.
El propósito de la iniciativa bautizada como L’Atelier des Établisseurs
“Es un nuevo proyecto que busca ayudar a la preservación de oficios artesanales, al mismo tiempo que aporta nueva luz sobre el espíritu de colaboración que ha dado rumbo a nuestra industria a lo largo de generaciones. Invitamos a participar a diseñadores internos y externos con un brief muy sencillo: se debía crear una pieza extraordinaria destacando por lo menos un oficio manual y utilizando un movimiento ya existente. De los 20 que recibimos seleccionamos tres que se producirán de la misma manera que lo hacían los établisseurs Todas serán hechas a mano, por lo que serán únicas por naturaleza, y tal vez produciremos de tres a cinco unidades de cada diseño durante probablemente tres años”.
Cómo los relojes actuales son un reflejo del mundo en el que vivimos
“Creo que los relojes que se están produciendo actualmente –no solo Audemars Piguet, sino toda la industria–, son un reflejo de nuestra identidad, de nuestras expectativas, de la proyección de lo que somos y de lo que soñamos ser. Veo que los relojes que se están produciendo son una mezcla de tecnología, desempeño y de una expresión de modernidad, pero también de una dimensión humana. Así que, en cierto modo, son una mezcla de hombre y máquina”.
Una idea acerca del mundo de la relojería que le gustaría transmitir a las personas
“Les diría que siempre hay más que aprender, sin importar cuál sea el tema de su interés. Puede ser el diseño, puede ser Audemars Piguet, no importa lo que sea, hay que interesarse, ser curiosos, ir, buscar y encontrar a las personas, las raíces y las nuevas ideas. De este modo, se darán cuenta que a partir de un tema que podría parecer demasiado limitado, verán que el horizonte comienza a hacerse cada vez más amplio y que queda mucho por explorar”.
Hijo de padre mexicano y madre austriaca, David Pompa creció inmerso en ambas culturas. En 2008, fundó en la Ciudad de México un estudio de diseño especializado en objetos de iluminación, y desde entonces no ha dejado de crear piezas en las que fusiona materiales y artesanía con un lenguaje contemporáneo.
MUCHO MÁS QUE LUZ
TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
FOTOS: ALONSO DÍAZ
“Empezamos hace 12 años con el estudio, pero el trabajo comenzó tres años antes durante un viaje a Oaxaca. En esa ocasión, visitamos a la familia Cruz, la que más bonito trabaja el barro negro en San Bartolo Coyotepec. Ahí comenzamos a familiarizarnos con el material, con el trabajo artesanal de la gente y de manera instantánea tuvimos el instinto de decir: 'Hay que hacer algo con esto'”.
“Muchas veces, nuestro proceso creativo inicia con algún material o con alguna técnica que descubrimos en algún lugar o que tenemos en nuestro archivo. A lo largo de los años, hemos ido explorando ambas cosas y tenemos piezas que en su momento no funcionaron pero que tal vez hoy sí funcionan. Todo inicia con la idea de transformar un material usándolo de una manera que la gente desconoce”.
“Seguimos haciendo algunas cosas de la misma manera que hace 12 años. Esto es parte de nuestra filosofía, de una ética de trabajo con comunidades, de respeto a los materiales y su origen, de un compromiso de realzar la belleza de algo que quizás a primera vista no la posee. Lo que sí ha cambiado es nuestro lenguaje visual. Al inicio, yo era el único que trabajaba en el área de diseño, pero hoy tenemos un equipo mucho más grande. Contamos con gente increíble de varias disciplinas que han hecho importantes aportaciones a este lenguaje visual”.
“TRAS
MUCHAS PLÁTICAS CON MANUEL, YOLA Y SU FAMILIA FUIMOS ENTENDIENDO MEJOR|EL
TRABAJO DEL BARRO NEGRO Y SENTIMOS QUE
“Los diseñadores de productos clásicos están acostumbrados a los moldes de inyección, a las grandes maquinarias y a series de gran volumen. Poder trabajar con artesanos, con gente que elabora pieza tras pieza, era una oportunidad increíble. Esta posibilidad era algo que no se había explorado demasiado en el mundo contemporáneo y que, en cierto modo, tampoco se apreciaba”.
“Las relaciones con los artesanos las hemos construido a lo largo de mucho tiempo. Primero, buscando a las personas correctas cuyo nivel de compromiso y calidad y cuyos deseos de crear cosas nuevas fueran compatibles con nuestra visión. Así, hemos trabajado 15 años con los artesanos de barro, 14 años con los de vidrio soplado y 10 años con los de piedra
volcánica. A todos ellos los hemos sacado de su zona de confort y hemos trabajado para generarles un ingreso constante, mejorar sus procesos, ser más eficientes, reducir sus mermas y perfeccionar su trabajo. Hemos crecido juntos, celebrado los triunfos y mantenido una comunicación entre seres humanos y no solo entre diseñador y proveedor”.
“EN CUANTO A LAS
COLABORACIONES, TRATAMOS DE ELEGIR A PERSONAS
A LAS QUE ADMIRAMOS. HEMOS HECHO ALGUNAS
INCREÍBLES, COMO LA DEL
RESTAURANTE CONTRAMAR,
CON GABRIELA CÁMARA, CON
GENTE QUE DESARROLLA
PERFUMES Y CON ARTISTAS.
LO IMPORTANTE ES QUE LAS
DOS PARTES APRENDAN ALGO
DEL PROCESO Y QUE ESE CONOCIMIENTO SE LO
LLEVEN ASU DISCIPLINA. LA
IDEA ES TRABAJAR JUNTOS EN EL PROCESO CREATIVO”.
“Algunos productos se desarrollan más rápido que otros. Tal vez en un año, si la idea funciona bien. Sin embargo, hay otros procesos de desarrollo –como el de la colección Cilia –que es tejido de palma natural– que llevan mucho más tiempo. En este último caso, el proceso requirió entre cinco o seis años para perfeccionar la técnica y hacerle honor al material y al trabajo de las maestras artesanas”.
“Ni Pinterest ni Instagram forman parte de nuestros procesos creativos. Tratamos al máximo de mantenernos alejados de esas plataformas, pues en caso de hacerlo perderíamos la individualidad y el carácter de nuestras piezas. Mucho también vienen del análisis del funcionamiento de ciertas tecnologías, de la profundización en los procesos de ensamblaje. Y no voy a negar que algunas de las ideas exitosas han sido resultado de momentos de suerte, de experimentación, de juntar dos piezas que teníamos en la mano y, de repente, darnos cuenta de que se complementaban”.
“Algo muy bonito de nuestro estudio es que, si bien lleva mi nombre y soy yo el que da las entrevistas y el que habla con la gente, es que ya no soy tan importante como lo era hace 12 años. Trato de identificar los talentos de las personas de nuestro equipo e intento encauzarlos de la mejor manera, haciendo encajar los distintos caracteres. De este modo, si yo estoy o no estoy, se vuelve una cuestión secundaria”.
110. LA SUMA DEL TODO / 116. MÉXICO EN LOS MUNDIALES
126. EL SONIDO DEL CAOS
EL PODER QUE ENCIERRA UN BALON
EN EL MUNDO DE LA GRÁFICA, MUCHOS DE LOS SIGNIFICADOS NO SON EVIDENTES A PRIMERA VISTA. EDGAR SANER, ILUSTRADOR MEXICANO QUE HA ESTADO A CARGO DE NUESTRA PORTADA, PROFUNDIZA EN EL SIGNIFICADO DE SU OBRA. TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE FOTOS: GUSTAVO RODRÍGUEZ ORDAZ.
LA SUMA DEL TODO
Las cosas buenas requieren tiempo; tiempo para pensarse y madurarse, pero también para ejecutarse en el momento preciso y potenciar su impacto. Nuestra portada dedicada a la máxima fiesta del futbol es la prueba indiscutible. Hace poco más de un año, durante una plática en su estudio, planteé a Edgar Saner la posibilidad de hacer una ilustración que marcara un momento importante de nuestro título, algún hito que trascendiera nuestras páginas y que tocara la vida de todos nuestros lectores e, incluso, de quienes nunca han tenido una de nuestras ediciones en sus manos.
Por suerte, no tuvimos que esperar demasiado. A inicios de abril, mientras planeábamos esta edición, surgió la idea de hacer algo distinto para presentarla. La idea era crear una imagen poderosa que transmitiera la pasión que sienten los mexicanos por el que probablemente sea el deporte mas popular alrededor del mundo, pero que también hiciera referencia a la riqueza histórica, cultural, artística e identitaria a la que está ligada en nuestro país. ¿Quién podría llevar esta misión a buen puerto? La respuesta era obvia: Edgar Saner. Bastó una llamada telefónica para llegar a acuerdos y echar todo a andar. A los pocos días, recibimos tres bocetos que abordaban desde diversas perspectivas las ideas que se habían puesto sobre la mesa. "Lo interesante de todos los proyectos en los que me involucro es la posibilidad de generar no una sola opción, sino tener varios conceptos a partir de los cuales vamos trabajando", asegura Saner.
Si bien el eje rector era el sentimiento de unidad generado por un balón, la oportunidad de contar otras historias no podía desaprovecharse. "Las primeras ideas que se discuten sirven para la construcción de los bocetos, que se van dotando de símbolos, colores y detalles que añaden capas de profundidad a la narrativa. Todos estos elementos son tomados en cuenta al elegir por qué opción nos vamos", sostiene. Y añade: "Eso es lo lindo de este tipo de proyectos, porque empiezas a buscar esas posibilidades de significados que estarán detrás".
Desde luego, también había una invitación a explorar los propios recuerdos ligados a esos juegos con amigos, vecinos o compañeros de escuela, a las victorias y derrotas compartidas, a la pasión que se experimenta cuando se pisa la cancha o cuando se ve por la televisión o en el estadio a nuestros ídolos anotar un gol o fallar un penal. "Como deporte, el futbol me parece muy interesante. En cierto modo, lo veo como una identidad transmitida por nuestros abuelos, nuestros padres o algún familiar. En mi caso, era el deporte que se jugaba en la cuadra, el pretexto para reunirme con mis amigos y una práctica social que me daba la posibilidad de pertenecer", explica.
Y de la misma manera que puede alimentar rivalidades, también tiene la capacidad de derribar barreras y hasta de traspasar fronteras. "Este proyecto me hizo pensar en todas las veces que jugué con mis primos y mis vecinos, pero también con personas a las que no conocía y a las que me unió un balón. Recordé esas retas en las que nos faltaba un jugador y en las que metimos a alguien a quien no conocíamos. De alguna forma, el futbol es un vehículo para formar parte de algo más grande".
En ese cajón de los recuerdos, también están las ediciones de torneos pasados. "En el 86 yo tenía 5 años y mis memorias no son tan claras, pero cuando ocurrió el Mundial de Italia, en 1990, yo estaba en la secundaria y cada vez que jugaba México se paralizaba la escuela. Había una televisión al rededor de la cual nos reuníamos todos hacia el medio día", recuerda Saner. "Esta experiencia colectiva se ha ido repitiendo con los años y me ha permitido tener cada vez más claro el poder que tiene este deporte para unir a las familias, sea para celebrar triunfos o sufrir fracasos. Siempre me ha fascinado la pasión que genera en la sociedad".
Esa pasión es la que ha quedado plasmada en la ilustración de nuestra portada. Más allá de los muros, los lienzos y los distintos medios con los que Saner normalmente trabaja, se espera que esta obra llegue a miles de manos y ojos. ¿Qué nuevas posibilidades pone ante él este proyecto? "Cada proyecto tiene su propio escaparate, su ventana a un mundo nuevo, por así decirlo. Que una de mis obras aparezca en la portada de una revista siempre va darme la posibilidad de alzar mi voz en ese mundo en el que existe, tener la oportunidad de decir algo. Sobre todo, es la oportunidad de que la gente diga: '¿Por qué te escogieron y qué me vas a contar?'. Ahí es donde está la parte verdaderamente interesante", afirma
La última palabra será de los lectores. Ellos serán quienes se paren frente a un anaquel y decidan llevársela con ellos, hojearla, reservarle un lugar especial en sus hogares. Tal vez haya quien la convierta en un póster o la tome de inspiración para un mural. Esa es la belleza de nuestro trabajo, que no sabemos el significado
que pueda adquirir ni los sueños que pueda despertar en las personas a quienes llegue. Lo que Saner tiene claro es lo que esto significa para él. "La ilustración me da la oportunidad de contar una historia y lo que me gustaría es que la gente sea atrapada por esa historia y quieran descubrir los temas que están adentro".
1. Los guerreros, uno jaguar y otro águila, representan a esas dos fuerzas que se están enfrentando, pero que a la vez están generando una energía cósmica. También son estos dos dioses que nos están transportando al pasado, al presente y al futuro. 2. El águila emergiendo es la energía del todo que nos eleva. Es el símbolo nacional que resurge.3. Estas manos están abrazando y sosteniendo cada momento en el que hemos sido sede de distintos Mundiales y también cada momento histórico que hemos vivido como sociedad. 4. El balón está en el centro, pués de alguna forma, durante unas semanas, México será el ombligo del mundo. 5. Las mujeres aparecen como un soporte, no solo en lo deportivo, sino también para la sociedad. Las figuras femeninas están emergiendo porque también han ido conquistando nuevos espacios. 6. Los músicos son un guiño a las otras dos ciudades mexicanas que serán sede del Mundial. Quise hacerlo a través de la música, tanto la de mariachi como la norteña. 7. Las flores y la vegetación están ahí para resaltar la importancia del cuidado de nuestros recursos naturales. Si bien las flores parecen orquídeas, también hacen referencia al cempasúchil con una tonalidad distinta. 8. El colibrí representa el renacer de los guerreros caídos. 9. Los conejos remiten al calendario mexica. 2026 es el año del conejo y 1970 y 1986 también lo fueron, por lo que puse a otros dos conejos en el fondo verde de la parte superior para representar las otras dos ediciones del Mundial en México. 10. El coyote hace referencia a las especies endémicas de México. 11. La nebulosa de la parte inferior aporta un toque onírico. Lo que quiero transmitir es que el Mundial llegará con toda la fuerza, pero cuando se acabe parecerá que fue solo un sueño. 12. El tiburón ballena de la esquina inferior derecha representa a las regiones del país en las que se le puede ver en distintas épocas del año, como las Baja Californias y Quintana Roo, pero también los movimientos migratorios.13. Los rayos son el encuentro de todas las energías. 14. El ajolote es uno de los animales mexicanos que más populares se han vuelto recientemente y que nos representa alrededor del mundo. El rojo y el verde son dos elementos muy fuertes dentro de la gráfica. Lo que tenemos aquí es la representación del renacer del día y la noche.
MÉXICO EN LOS MUNDIALES
TEXTO: RICARDO LÓPEZ SI
FERNANDO MARCOS, ESA VOZ ANTIGUA QUE LO MISMO DESTILABA ÉPICA QUE DESENCANTO, SE REFIRIÓ AL ÚLTIMO MINUTO DEL PARTIDO ENTRE MÉXICO Y ESPAÑA DE CHILE 1962, DISPUTADO EN VIÑA DEL MAR, COMO “EL MÁS ANGUSTIOSO” QUE HABÍA PASADO EN MUCHO TIEMPO.
Con un tiro de esquina a favor y el partido igualado sin goles, México buscaba su primera victoria en una Copa del Mundo. Enfrente estaba la España de Paco Gento, Luis Suárez y Ferenc Puskás. Según contó Juan Villoro, el director técnico Ignacio Trelles le habría pedido a Alfredo del Águila que cobrara en corto para conservar la posesión y firmar el empate. Reza la leyenda que la indicación de Trelles “se perdió en el aire de Valparaíso”. Del Águila buscó el área rival, pero dejó el balón a merced de Luis del Sol, que de inmediato lanzó al contraataque a Paco Gento, una de las piezas sobre las que se había sustentado la tiranía europea del Real Madrid de aquella época. Gento recorrió todo el campo y eludió a sus oponentes por la parcela izquierda, hasta que, habiendo alcanzado la línea de fondo, mandó un centro que fue mal rechazado por el Tigre Sepúlveda. Joaquín Peiró controló el balón tras el rebote y fulminó a Antonio La Tota Carbajal, el último bastión.
Villoro habló del momento como “la jugada trágica que marcó mi destino para siempre”. Carbajal, incapaz de levantarse tras el lance, se postró de rodillas, incli-
nó su cabeza hacia atrás y se cubrió el rostro con las manos con una histeria de melodrama burgués. Ni Albert Camus, el portero existencialista que fue vencido por la tuberculosis, ni Peter Handke, autor de El miedo del portero al penalti, gran novela de desarraigo, fueron capaces de insuflar de tanto dramatismo a la posición.
Marcos le achacó aquel infortunio a una extraña “maldición gitana”. México, que venía de perder en su debut con la Brasil de Pelé, encadenaba 13 partidos sin victoria en una Copa del Mundo desde su debut en Uruguay 1930. Por ello la proclama fatalista de Marcos y Carbajal. Y, también por ello, el festejo desmesurado que enmarcó el histórico triunfo frente a Checoslovaquia, la primera conquista. La voz de Marcos fungió como leitmotiv y permitió enlazar el fin de la “maldición gitana” de las primeras participaciones en mundiales con el inolvidable “Borja, no falles”, grito guerrero emanado del empate a uno entre México y Francia en
el Mundial de 1966, en el que el Tricolor volvió a quedarse fuera en la fase de grupos.
México 1970, el primer Mundial en casa Llegó el Mundial de 1970, el primero en casa, con la herida abierta por la matanza estudiantil de Tlatelolco dos años atrás. El mundo, inmerso en el discurso polarizador de la Guerra Fría, atestiguó la llegada de la televisión a color y la señal vía satélite. Fernando Marcos encontró un digno relevo generacional en Ángel Fernández, quien le añadió una fina capa de ironía y un dotado sentido del humor a las narraciones.
La historia comenzó el último día de mayo de 1970, cuando el expresidente Gustavo Díaz Ordaz, señalado de haber sido el autor intelectual de la matanza estudiantil del 2 de octubre, pronunció ante más de 100,000 personas en el Estadio Azteca: “Declaro solemnemente inaugurado el noveno
campeonato mundial de futbol, Copa Jules Rimet”. La rechifla que sucedió a la intervención del máximo mandatario, uno de los más repudiados de la historia, resultó inolvidable. Como también resultó inolvidable la paranoia con la que acometió el certamen, puesto que, como recuerda el escritor Farid Barquet Climent en uno de sus artículos periodísticos, la rechifla se concatenó con otro episodio turbulento que desestabilizó a Díaz Ordaz y que sabemos gracias a un libro de José Ramón Cossío Díaz: un intento de magnicidio, meses atrás, en las inmediaciones del Monumento a la Revolución. Quizá todo esto explica, como también sugiere Barquet Climent, que México haya terminado jugándose la vida en Cuartos de Final frente a Italia, su verdugo, en Toluca y no en Ciudad de México.
FERNANDO MARCOS, ESA VOZ ANTIGUA QUE LO MISMO DESTILABA ÉPICA QUE DESENCANTO, SE REFIRIÓ AL ÚLTIMO MINUTO DEL PARTIDO ENTRE MÉXICO Y ESPAÑA DE CHILE 1962, DISPUTADO EN VIÑA DEL MAR, COMO “EL MÁS ANGUSTIOSO” QUE HABÍA PASADO EN MUCHO TIEMPO.
El encuentro entre Leñero y Roca
Después del bochorno que supuso la humillante eliminación en Haití –sin la intermediación del vudú– durante el Premundial de Alemania 1974, México se volvió a presentar en una justa veraniega bajo la tutela de José Antonio Roca, protagonista como jugador de aquel empate frente a Galés en Suecia 1958, el primer punto de México en mundiales, y campeón de liga y copa con el América de Carlos Reinoso y Enrique Borja.
Vicente Leñero, con su habitual olfato periodístico, fue el encargado de envolver a Roca para que profiriera la histórica declaración que marcó la víspera del Mundial de Argentina 1978: "Le ganamos a Túnez, empatamos con Polonia y perdemos con Alemania".
Fiel a su propensión a la fatalidad, México perdió los tres partidos que disputó: 3-1 con Túnez, 6-0 con Alemania Federal y 3-1 con Polonia. Fue tal la conmoción social que, según revelaría el periódico Excelsior, un hombre habría llamado al hotel de concentración de la selección en Argentina, en tiempos de la dictadura militar de Videla, amenazando con hacer estallar una bomba en el inmueble.
La sede emergente y el México neoliberal
La posibilidad de redención tendría que esperar ocho largos años. El representativo nacional quedó eliminado en el hexagonal final
Con la guía del cosmopolita Bora Milutinovic,
autor del ingenioso
aforismo
"Yo respeto" ante cualquier atisbo de controversia, México encaró el segundo Mundial en casa.
celebrado en Honduras, con miras al Mundial de España 1982. Para 1986, México se presentaría como anfitrión emergente –pese al trauma colectivo provocado por el terremoto que sacudió a la capital un año antes– ante la renuncia de Colombia, que padeció en simultáneo el estallido del sistema nacional bancario, la expansión del paramilitarismo y la imparable escalada del narcotráfico.
Con la guía del cosmopolita serbio Bora Milutinovic, autor del ingenioso aforismo “Yo respeto” ante cualquier atisbo de controversia, México encaró el segundo Mundial en casa con un vestidor que se dirimía entre el cacicazgo de Tomás Boy y el magnetismo pop de Hugo Sánchez, que venía de marcar 29 goles en su primera temporada con el Real Madrid.
El triunfo inicial frente a Bélgica, con goles de Fernando Quirarte y Hugo Sánchez, quedó eclipsado por el deslucido empate frente a Paraguay, en el que Hugo falló un penalti en el último minuto. “Viene Hugoooooooooooooooo”, relató Juan Dosal, alargando la “o” con un dejo de pesimismo premonitorio.
La victoria posterior frente a Irak situó a México en la siguiente ronda. ¿El rival en octavos de final? Bulgaria. La mayor erupción registrada por el Estadio Azteca, ese volcán simulado de carácter
popular, tuvo lugar un 15 de junio de 1986. “Amador al frente para Manuel Negrete. En esta jugada para Aguirre. Negreteeeeeeeeee…”, narró Gerardo Peña, segunda espada de Dosal. Negrete, en una acrobacia olímpica, marcó de tijera uno de los goles más bonitos de la historia de los mundiales. Aguirre homenajeó a su compañero con dos expresiones típicas de su inconfundible vena folclórica: un zape y un jalón de greñas.
Cuartos de final en el Estadio Universitario de Monterrey; otra vez lejos del regazo del Azteca. Alemania Federal, dos veces campeona del Mundo, se asomó como retador. Empate a cero que llevó el sello del indomable portero Toni Schumacher, el showman que cobró notoriedad por tirarle los dientes al francés Patrick Battiston en España 1982. Primero, tiempos extra. Las únicas imágenes memorables de la prórroga fueron la expulsión de Javier Aguirre, por doble amarilla, y los calambres de Hugo Sánchez, atendidos en primer plano por el histrión Schumacher, que acudió a la escena como quien sabe que está por interpretar el papel de su vida.
El colapso en los penales, donde se ensanchó la figura de Schumacher y se estrechó la de los cobradores mexicanos Fernando Quirarte y Raúl Servín, lo condensó muy bien Milutinovic en una entrevista posterior: “El primero que tiraba era Javier (Aguirre, que había sido expulsado), no estaba en la cancha; luego Tomás (Boy, que salió de cambio), no estaba en la cancha; tercero Hugo (Sán-
chez, con calambres), no estaba, me refiero a que no estaba en condiciones”.
En el plano social, México, con pretensiones de primer mundo, se entregó a los tecnócratas y al neoliberalismo como receta mágica de progreso.
Miguel de la Madrid, el primer gran promotor neoliberal, puso los cimientos que luego consolidaron la burbuja privatizadora creada por Carlos Salinas de Gortari, bajo un manto modernizador que terminó por disparar la desigualdad económica y social.
En la transición entre De la Madrid y Salinas de Gortari, salpicada por la sospecha de fraude electoral, el futbol mexicano afrontó su propio escándalo: los Cachirules, una investigación destapada por los periodistas Antonio Moreno y Alfredo Ruiz, quienes fueron tildados de “apátridas” por la opinión popular. Lo que detonó la curiosidad de ambos fue la publicación de un anuario editado por la propia Federación Mexicana de Futbol, que dejaba ver que las edades de algunos futbolistas que participaron en el clasificatorio rumbo al Mundial sub-20 en Arabia Saudita habían sido alteradas. El castigo por parte de FIFA privó a México de participar en los Juegos Olímpicos de Seúl 1988 y en el Mundial de Italia 1990, al que Hugo Sánchez habría llegado en medio de un registro de 42 goles en 49 partidos oficiales con el Real Madrid esa misma temporada.
Llegó el Mundial de 1994, a meses de que México firmara junto a Estados Unidos y Canadá el Tratado de Libre Comercio, la cumbre del modelo productivo neoliberal. Después de haber acaudillado al grupo de la muerte, con tres
En la transición entre De la Madrid y Salinas de Gortari, el futbol mexicano afrontó su propio
escándalo: los Cachirules, una investigación destapada por los periodistas Antonio Moreno y Alfredo Ruiz.
rivales europeos como Italia, Irlanda y Noruega, México se vio las caras en octavos de final con la Bulgaria de Stoichkov, a la que el FBI escoltó, consciente de su fama de trasnochadores, durante todo el certamen.
En otro drama inmortal, el representativo nacional cayó en penales en el Giants Stadium de East Rutherford, en la Nueva Jersey crepuscular de Bruce Springsteen y los Soprano. El fallo del casi siempre fiable Alberto García Aspe, relatado por Javier Alarcón, quedó en segundo plano ante una nueva polémica que involucraba a Hugo Sánchez, quien habría tenido desavenencias con el entrenador Miguel Mejía Barón. La teoría más extendida, avalada por varios de los protagonistas de aquel día, es que el delantero se negó a entrar de cambio al no estar de acuerdo con la posición (mediocampista) que le tenían reservada.
Las siguientes dos décadas se erigieron como la quintaesencia del “ya mérito” en clave quinto partido: las derrotas honrosas frente a Alemania (1998), Argentina (2006) y Países Bajos (2014); el deshonroso tropiezo frente a Estados Unidos (2002); y las frustrantes caídas frente a Argentina (2010) y Brasil (2018). En el camino hubo triunfos históricos frente a Francia (2010), Croacia (2014) y Alemania (2018); empates con tintes épicos frente a Bélgica y Países Bajos (1998), Italia (2002) y Brasil (2014); y derrotas no presupuestadas que condicionaron la posibilidad de tener cruces más asequibles: Uruguay (2010) y Suecia (2018).
Manuel Lapuente, Javier Aguirre en dos ocasiones, Ricardo La Volpe, Miguel Herrera y Juan Carlos Osorio pasaron lista por la silla caliente sin grandes alardes de posteridad. La banda sonora del desfile corrió a cargo del registro solemne de José Ramón Fernández, creador de una escuela crítica que moldeó relatores, comentaristas y polemistas, y el estilo hiperbólico de Enrique Bermúdez, Raúl Orvañanos y Christian Martinoli, los tres nombres propios de la crónica moderna. Fue el auge, también, de una encarnizada rivalidad por la audiencia entre las dos televisoras dueñas de los derechos.
El colapso de Catar y la víspera de 2026
Catar 2022, un Mundial espurio, supuso el regreso a los infiernos: otra cruel eliminación en primera fase. Gerardo Martino, el sospechoso habitual de turno, no solo fue acusado de incompetente por sus decisiones técnicas y su rigidez táctica, sino también de traidor por haber permitido –y promovido, según la fiscalización de un pueblo que había sobrevivido a una pandemia gestionada irresponsablemente por el primer presidente de izquierda en la historia moderna del país– el renacimiento de Argentina, su patria de origen, en aquel partido definitivo en Lusail.
Para 2026, México hará historia al albergar por tercera vez un partido inaugural de Mundial en un remozado, y ligeramente despersonalizado, Estadio Azteca. Aquella alianza entre los hoy anfitriones México, Estados Unidos y Canadá, que simbolizó la utopía de prosperidad neoliberal comparti-
ESPAÑA 1983
da treinta años atrás, atraviesa, seguramente, su momento más delicado tras la asunción de un bravucón profesional que no ha hecho otra cosa que no sea hostigar a su vecino del norte, a quien ve como el estado 51 de su país, y a su vecino del sur, un “narcoestado” que, supuestamente, pide a gritos ser intervenido.
Futbolísticamente, México acudió con urgencia a la capacidad de gestión de Javier Aguirre como entrenador en una tercera etapa. Las expectativas son mesuradas ante la escasez de certezas competitivas y un techo limitado a nivel de talento, más allá de Johan Vásquez, Raúl Jiménez y el emocionante juvenil Gilberto Mora. Aunque para un pueblo tan golpeado por la corrupción, la violencia sistémica y la privatización de su selección nacional, siempre aguarda la posibilidad de que el futbol se convierta, finalmente, en un motivo de orgullo identitario, una vía de escape social y un instrumento de reconciliación nacional.
WE LOVE PRINT *
A través de la mirada de creativos de distintos campos exploramos las peculiaridades e imperfecciones de la fotografía analógica y abrimos un espacio de diálogo visual que apela a la nostalgia y a la belleza de imágenes que se imprimen si haber sido sometidas a procesos de edición digital.
EL SONIDO DEL CAOS
UN PORTAFOLIO FOTOGRÁFICO DE DIEGO ÁLVAREZ ESQUIVEL
Es sabido que el oído discrimina los sonidos, decide qué escuchar y qué no. Es un proceso que obedece a la supervivencia, prestamos atención a lo importante o alarmante y lo demás simplemente existe a nuestro alrededor.
He pensado que mi vista funciona de esa manera, mis ojos deciden qué ver y que no. Me pregunto si también es un mecanismo de mi mente para sobrevivir en este mundo, protegiendo lo que entra por mis ojos y, en este caso, prestando atención a lo que es más lindo. Me desperté está mañana confundido, trabajando en exceso y con los sentidos atrofiados. Rasco de vez en cuando mis ojos y pienso si lo que está frente a mí sucede o es el pequeño espacio que he decidido ver de forma inconsciente. Luego cierro los ojos. Nada. Lo que veo es un cúmulo de todas las imágenes que he observado durante el día, una vorágine de masas, píxeles, texturas y colores. En su mayoría todo es negro, y luego todo es blanco.
Siempre me ha cautivado esta ciudad, existe paz entre tanto desorden. También es linda siendo tan caótica. Huele mal, pero algunos rincones ofrecen todo lo contrario. Es profundamente ruidosa; sin embargo, los callejones siguen siendo silenciosos.
Levanto la cámara e intento apuntar a algún sitio que me gusta; no sé si lo hago por la luz, el color o la textura. Quizás simplemente me gusta lo que me hace sentir, y entonces disparo.
No sé si a alguien más le haga sentir lo mismo. La verdad, no me interesa mucho siempre que me haga sentir algo a mí.
VIAJES
138. LONDON CALLING / 144. LA SOFISTICACIÓN VERNÁCULA DE TAMBOPATA
148. LAURENTIDAS, EL INSTANTE DORADO / 154. TRES ROSTROS DE FLORIDA
FOUR SEASONS.
LONDON CALLING
Sus galerías de arte, sus teatros y su escena culinaria han elevado a Londres como una tierra prometida para los amantes del arte y la cultura. La elección de un hotel es una de las cuestiones más importantes, por ese motivo compartimos tres alternativas marcadas por la singularidad y el servicio impecable.
TEXTO: NOEMÍ LLANES
THE BEAUMONT
Lo primero que llama la atención al observar The Beaumont desde los jardines Brown Hart –a un par de esquinas de Oxford Street–es una monumental escultura que parece descansar sobre el lado izquierdo de su fachada. La obra, firmada por Antony Gormley y bautizada como ROOM, es en realidad la habitación de una de sus icónicas suites, un espacio misterioso que invita a sus habitantes a entrar en un estado de consciencia distinto.
Chris Corbin y Jeremy King, conocidos por dar vida a algunos de los restaurantes clásicos más famosos de Londres, son las mentes detrás de un concepto que abrió sus puertas en 2014 y que se nutre de los gustos y pasiones de Jimmy Beaumont, un personaje ficticio que ellos mismos crearon. El estilo art déco, el jazz y la colección de arte –curada en colaboración con Zuleika Gallery– se hacen presentes en cada una de sus 101 habitaciones y suites, pero también en espacios como el restaurante Rosi –a cargo de la chef Lisa Goodwin-Allen, su aclamada directora culinaria,–, el bar Le Magritte y el Gatsby Room, famoso por su hora del té. De hecho, en 2024 se concluyó una renovación multimillonaria que permitió afianzar su legado en la escena de la hospitalidad y el lujo.
En Rosi, Goodwin-Allen reinventa clásicos culinarios con un toque lúdico y creativo. El resultado es un menú
rebosante de ingenio, calidez y un toque de teatro en la mesa que incluye salchichas chipolata y melón curado en ginebra para empezar, pastel de cerdo a la antigua que rinde homenaje a los clásicos británicos tradicionales y un sundae Rosi para armar uno mismo como postre. Y si hay algo que desarma a los huéspedes, es la amplitud de sus habitaciones, una rareza en esta ciudad. Con baños de mármol, amenidades de la marca D.R. Harris & Co., reconocida como proveedora de la familia real británica, y una amplia selección de libros en cada habitación, un dilema constante es si es mejor quedarse a leer con un Negroni en mano o salir a explorar los alrededores de Mayfair. @thebeaumontldn
THE NEWMAN
Un nuevo integrante de la Legend Collection de Preferred Hotels and Resorts –cadena hotelera que reúne propiedades reconocidas por su sofisticación global, identidad cultural distintiva y experiencias memorables– ha abierto sus puertas en Londres, capturando la personalidad diversa y dinámica del barrio de Fitzrovia. En la intersección de las calles Newman y Goodge, The Newman se levanta como un homenaje al estilo art déco trasladado al siglo XXI. Detrás de una fachada que combina paredes de ladrillo y grandes ventanales, aguarda un concepto inspirado en personajes inspiradores de la zona, muchos de los cuales han sido capturados en fotografías en blanco y negro que decoran la propiedad. El diseño estuvo a cargo del estudio Lind + Almond, respaldado por un equipo de hoteleros y restauranteros con décadas de experiencia en la capital británica.
Un total de 81 habitaciones, suites y apartamentos –muchas de ellas con balcones privados– reciben a los huéspedes con amenidades que reflejan una vocación ligada al bienestar. Un claro ejemplo son los minibares de bienestar que incluyen
suplementos, parches de CBD, aceites esenciales y aromas para facilitar el descanso y la relajación. Anatomé, marca establecida en la ciudad, ha sido la elegida para proveer las amenidades de baño, un sello de identidad de la propiedad. El spa, cuyas instalaciones están disponibles para todos los huéspedes, cuenta con jacuzzi, sauna, cuarto de vapor, cuarto frío y sala de haloterapia. Además, el gimnasio está equipado con aparatos de última generación para quienes desean mantener un estilo de vida saludable. En el terreno gastronómico, Brasserie Angelica es un all day dining que toma inspiración del norte de Europa para integrar un menú en el que destacan los alimentos preparados a la parrilla, las ensaladas y postres memorables como el pastel de almendras con manzana. Gambit Bar complementa el concepto del hotel incorporando el atractivo atemporal de bares icónicos con su iluminación cálida y una selección de cocteles clásicos y cervezas que se pueden disfrutar al ritmo de las bandas y DJs que se presentan a lo largo de la semana.
@thenewmanlondon
CAFÉ ROYAL LONDON
De sus orígenes como una modesta tienda de vinos fundada en 1865 por el francés Daniel Nicholas Thevenon, pasando por una brasserie en la que se reunía la crema y nata de la sociedad inglesa, a su presente como uno de los hoteles más emblemáticos del West End, el Café Royal es un destino por sí mismo para los viajeros que buscan hospedarse en propiedades icónicas. Su privilegiada ubicación sobre Regent Street, a pasos de Picadilly Circus y a muy corta distancia de puntos clave como el Mayfair, Covent Garden, Bond Street y Savile Row, lo convierten en un punto de partida ideal para explorar Londres y, sobre todo, revivir en su interior momentos de esplendor de la historia de la ciudad y experimentar un concepto de hospitalidad que lleva el sello de algunos de los genios más grandes de nuestra época.
Renovado entre 2008 y 2012 bajo la visión del arquitecto David Chipperfield –quien logró el equilibrio perfecto entre esplendor del pasado y el diseño contemporáneo–, alberga en su interior espacios imponentes como el lobby decorado por el italiano Piero Lissoni con un candelabro de cristal de Murano de la casa Vistosi; el restaurante Cakes & Bubbles del chef Albert Adrià, cuyo concepto gira alrededor de los postres excepcionales; el restaurante Alex Dilling at Hotel Café Royal, donde el chef británico ofrece su interpretación de la cocina francesa tradicional; y The Grill Room, un espacio opulento cuya restauración requirió más de 45,000 hojas de oro y que a lo largo de su historia ha recibido a visitantes tan distinguidos como Oscar Wilde, Winston Churchill y David Bowie, entre una larga lista. Elevadores históricos, vitrales, escalinatas de mármol y detalles que reflejan una riqueza histórica que se encuentra en pocas propiedades alrededor del mundo. Y, desde luego, no hay que olvidar darse el tiempo para descansar y relajarse en el spa Akasha sea disfrutando de instalaciones como el hammam, la alberca de nado, el sauna y el jacuzzi, o eligiendo alguno de los tratamientos corporales y faciales que se desarrollaron a partir de los cuatro elementos básicos de la naturaleza: agua, aire, tierra y fuego. @hotelcaferoyal
LA SOFISTICACIÓN VERNÁCULA DE TAMBOPATA
Perú tiene un ritmo que resulta familiar para el viajero mexicano, una cadencia latina compartida, pero al cruzar el umbral hacia la cuenca amazónica, esa familiaridad se rompe para revelar un escenario que parece dirigido por un esteta obsesionado con los tonos tierra y la luz filtrada. Adentrarse en Inkaterra Hacienda Concepción, localizada entre la Reserva Nacional Tambopata y las orillas del río Madre de Dios, es un desplazamiento geográfico y un ejercicio de diseño, biología y acústica. Pero más allá de todo, se trata de cómo el lujo contemporáneo ha dejado de brillar para empezar a respirar. TEXTO:
ALAN PAEZ
CAPÍTULO 1:
LA ESCENOGRAFÍA DEL RÍO MADRE DE DIOS
CAPÍTULO 2:
INTERIORISMO Y LA VULNERABILIDAD COMO STATEMENT
El diseño de interiores en la hotelería de alta gama suele buscar el aislamiento a través de ventanas herméticas, aire acondicionado silencioso y muros gruesos. En la Amazónica Suite, la propuesta es radicalmente opuesta, yaciendo el verdadero lujo en la porosidad y la naturalidad de la madera.
La habitación es un triunfo del espacio y la textura, pues el algodón Pima, ese textil peruano que compite en las grandes ligas mundiales por su frescura y suavidad, viste una cama que domina el espacio. Pero el elemento arquitectónico más potente es la ausencia de muros sólidos. La cabaña, delimitada casi por completo por mosquiteros, permite dormir protegido únicamente por una tela traslúcida que funciona como un velo entre el huésped y la selva, visible en todo su esplendor, una decisión espacial que se vuelve, por sí misma, una declaración de principios.
Esta configuración genera una sensación de vulnerabilidad controlada que resulta sumamente atractiva. Es esa emoción de saber que las arañas tejen sus redes en la terraza, que puede saltar un mono en la cornisa y que los insectos reclaman su territorio a escasos
Hay un momento preciso en el que el paisaje deja de ser un fondo para convertirse en protagonista. Todo ocurre en el trayecto fluvial desde Puerto Maldonado, mientras la embarcación corta las aguas color café del río Madre de Dios –luce así por la tierra que se desprende en todo momento de sus bordes y de las constantes fluctuaciones del río–. Entonces, la paleta cromática del mundo se transforma y los grises urbanos y el concreto desaparecen para ser reemplazados por una saturación de ocres, marrones profundos y un verde que se declina en mil matices. Para el ojo entrenado en arte, la escena tiene una composición casi cinematográfica, ya que no es la selva caótica de los documentales de supervivencia, sino que se presenta con una elegancia intimidante. La brisa en la cara trae un aire denso, cargado de información botánica, un oxígeno que se siente limpio de una manera que las ciudades han olvidado. Al llegar al muelle de la reserva, la arquitectura se revela como una extensión orgánica del entorno, no hay estridencias y las estructuras de techo de paja y madera local no intentan imponerse al bosque, pues dialogan con él en una lección de arquitectura vernácula en la que la construcción se subordina a la naturaleza para crear una atmósfera que va entre la aventura de los años 50 y el minimalismo ecológico del siglo XXI.
metros de la almohada, pero lejos de ser una incomodidad, esta cercanía se convierte en una experiencia estética y única. Las amenidades, elaboradas con insumos locales como citronela y castaña, refuerzan esta narrativa de coherencia, todo lo que toca la piel proviene del mismo suelo que se pisa.
CAPÍTULO 3:
GASTROBOTÁNICA
CAPÍTULO 4:
VÉRTIGO, REFLEJOS Y OSCURIDAD
Un gran reportaje visual necesita variedad de planos, y la geografía de Inkaterra ofrece tres perspectivas que transforman la manera de entender el entorno.
A nivel del suelo la selva es un muro; para comprender su magnitud hay que ascender. El sistema de puentes colgantes, suspendidos a treinta metros de altura, ofrece una visión inédita, pues caminar entre las copas de árboles milenarios, compartiendo la altitud con tucanes y monos, provoca un vértigo delicioso. Desde esta altura, la selva se despliega como un océano verde infinito, una textura viva que se pierde en el horizonte.
En el Lago Sandoval, la experiencia cambia de tono. El acceso requiere una travesía que funciona como preámbulo, pero la recompensa es un cuerpo de agua que actúa como un espejo casi perfecto. Navegar en silencio por estas aguas quietas, donde el cielo y la vegetación se duplican con una nitidez asombrosa, roza lo onírico. Es el hábitat de nutrias gigantes y caimanes, observados con la calma de quien sabe que está en un santuario protegido. Comer una fruta fresca en medio del lago, rodeado de azules y verdes, se siente como una forma de lujo elemental que ninguna ciudad logra replicar.
Si la gastronomía es el nuevo lenguaje de la cultura pop, la despensa amazónica es un dialecto que apenas empezamos a descifrar. La cocina en Inkaterra opera bajo una lógica de jungle to table, de la selva a la mesa, aprovechando parcelas propias dentro de la reserva. Y aunque el paladar mexicano encuentra ecos familiares en la sazón peruana como el ají, la acidez, la frescura y la intensidad aparecen como estímulos que reconfiguran el mapa de sabores.
El protagonista indiscutible de esta narrativa culinaria es el copoazú, pariente cercano del cacao. Esta fruta de cáscara dura y pulpa blanca es un tesoro local que en las grandes capitales gastronómicas sería un lujo exótico. En Tambopata es omnipresente. Su perfil de sabor es complejo, con notas florales, una acidez vibrante y una textura cremosa y se sirve frozen como bienvenida, se integra en postres y, de forma notable, protagoniza la coctelería de autor.
La experiencia de cenar en la reserva tiene una puesta en escena precisa. Al caer la noche, la iluminación eléctrica es tenue y cálida, diseñada para generar una atmósfera acogedora y misteriosa que respeta la oscuridad del entorno. En este escenario, un coctel de ginebra con copoazú se convierte en el acompañante natural para platos que reinterpretan clásicos peruanos como la causa o el chaufa, pero además aparecen pescados envueltos en hojas de bijao cargados de aromas ahumados. Es una cocina honesta, sin artificios innecesarios, en la que el sabor real de la materia prima golpea con la misma intensidad que la humedad del ambiente
La noche revela el plano oculto. La selva tiene dos vidas y la nocturna es la más enigmática. Caminar por los senderos en la oscuridad total, guiados apenas por una linterna, agudiza los sentidos hasta el límite. El miedo primario se transforma en fascinación al descubrir tarántulas, escorpiones e insectos que parecen salidos de una película de ciencia ficción. Es una inmersión en lo desconocido, donde cada sombra y cada crujido cuentan una historia distinta a la del día.
CAPÍTULO 5:
EL SOUNDTRACK DE LA SELVA
El paisaje sonoro de un lugar es tan importante como su vista y a menudo los destinos de lujo cometen el error de imponer música ambiental genérica. Inkaterra hace lo contrario y permite que la selva marque el pulso con un soundtrack propio, una polirritmia constante que evoluciona con las horas. Si esta atmósfera se tradujera en una playlist, no sonarían flautas andinas tradicionales. El mood Tambopata se acerca más a la electrónica orgánica. Los amaneceres suenan a Bonobo, con texturas complejas, crescendos suaves y sonidos que evocan madera y viento; las tardes calurosas, meciéndose en una hamaca, adoptan el BPM lento y tribal de Nicola Cruz, una fusión de folclore y sintetizadores que ancla los pies a la tierra. En la noche, con su vastedad y misterio, resuena con la melancolía tecnológica de Moderat o Helado Negro, música introspectiva y profunda que acompaña la soledad sin invadirla; incluso aparecen ecos de la psicodelia suave de Panda Bear en los momentos más surreales del viaje en bote.
CAPÍTULO 6:
EL PUNTO SOBRE LA I
Además de posicionarse como un destino ecológico, Inkaterra Hacienda Concepción también es un referente de estilo, pues nos enseña que la sofisticación no está en lo que se construye, sino en lo que se preserva. Visitar este rincón de Perú es entender que existen sabores como el copoazú y visiones como el Lago Sandoval que resetean la base de datos sensorial y que permiten regresar a casa no solo descansado, sino con una nueva estética grabada en la retina: la de lo inmenso, lo vivo y lo auténtico.
Laurentidas, el instante dorado
Hay lugares que parecen haber sido creados para recordarnos que el tiempo también sabe ser arte. La región de las Laurentidas, al norte de Montreal, es uno de ellos.
TEXTO Y FOTOS: CÉSAR SANDOVAL
En otoño, este rincón de Quebec se convierte en un mosaico de fuego y luz en donde cada hoja que cae parece anunciar la llegada de los paisajes ocres, amarillos y rojos tiñendo el horizonte. Un regalo de la naturaleza que solo dura unas semanas.
La magia del otoño en las Laurentidas no está solo en los colores, sino en lo que provocan. Hay algo profundamente humano en esa transformación de los árboles: un recordatorio de que todo cambia, de que la belleza también puede ser efímera. Tal vez por eso, quienes llegan aquí en esta estación buscan silencio, contemplación y esa paz que solo se encuentra cuando el mundo parece detenerse.
Al caer la tarde y el bosque se enciende con los últimos rayos del sol, uno entiende por qué el otoño en Quebec es casi una religión. Y las Laurentidas, su santuario.
Sentiers
des Cimes
En los bosques de la región de Mont-Blanc, una pasarela de madera se abre paso entre los árboles y se eleva en una espiral perfecta hasta alcanzar los 40 metros de altura. A cada vuelta, el paisaje se transforma: primero ves las raíces del bosque, luego las copas encendidas por el otoño, y finalmente, el horizonte completo de las Laurentidas extendiéndose en 360 grados de pura belleza. El aire se vuelve más fresco, el silencio más profundo y la luz más dorada. Caminar hasta la cima del Sentiers des Cimes es una experiencia que combina vértigo, calma y asombro: un viaje vertical hacia el corazón del bosque, donde el otoño se contempla desde otra dimensión.
StoneHaven
Le
Manoir
A orillas de los lagos de Sainte-Agathe-desMonts, el StoneHaven Le Manoir se alza como un refugio de elegancia y serenidad. Aunque su apertura es reciente, el edificio conserva el alma de una mansión centenaria, restaurada con un respeto exquisito por su historia. Su cocina gourmet, reconocida por reinterpretar los sabores locales con delicadeza, es una de las joyas del lugar. Miembro distinguido de la prestigiosa asociación Relais & Châteaux, el hotel encarna los valores de esta selecta categoría: autenticidad, arte culinario y hospitalidad con carácter. Su ubicación, rodeada de bosques y lagos, ofrece el equilibrio perfecto entre lujo y naturaleza, invitando a desconectarse del mundo para disfrutar el arte de vivir con calma.
Mont
Tremblant
Durante el otoño, la montaña más célebre de las Laurentidas cambia de piel. Las pistas de esquí se transforman en senderos dorados que invitan a caminar entre arces encendidos y brisas frescas. El ascenso en góndola ofrece una vista hipnótica: un tapiz infinito de bosques que arden en tonos rojos, naranjas y amarillos, reflejándose en los lagos que descansan al pie de la montaña. En la cima, los caminos se abren hacia pequeñas rutas de senderismo que permiten recorrer el bosque en calma, escuchar el crujido de las hojas y sentir el perfume de la tierra húmeda. También es posible pedalear en bicicleta entre los árboles, visitar el pintoresco pueblo o disfrutar un café con vista a la profundidad del valle. Mont Tremblant en otoño es una invitación a mirar desde lo alto la coreografía perfecta del cambio de estación, una experiencia donde el paisaje parece moverse al ritmo del viento.
Scandinave Spa Mont-Tremblant
Entre los bosques de las Laurentidas, el Scandinave Spa Mont-Tremblant es un refugio diseñado para desconectarse del ruido y reconectar con uno mismo. Inspirado en la tradición nórdica, su circuito de agua combina saunas, baños de vapor, cascadas heladas y jacuzzis al aire libre, todo en perfecta armonía con el entorno natural. El vapor se mezcla con el aroma de los pinos y el contraste del agua caliente y fría despierta una sensación de energía y calma al mismo tiempo.
Aquí, el silencio se vuelve parte de la experiencia: solo se escuchan el murmullo del viento y el fluir del agua entre las rocas. Más que un tratamiento, es un ritual de bienestar profundamente ligado al espíritu del norte, una pausa necesaria para entender por qué en Quebec el descanso también se celebra al aire libre.
Labonté de la Pomme
En la localidad de Oka, al sur de las Laurentidas, Labonté de la Pomme es una parada esencial dentro de la Ruta de los Sabores de las Laurentidas, un recorrido que celebra el trabajo artesanal de productores locales. Esta granja familiar combina la producción de manzanas, miel de maple y sidra artesanal con una experiencia culinaria única. Su platillo estrella, el half-étagé campagnard, es una creación del chef que fusiona lo dulce y lo salado con elegancia: huevo de granja, salchicha ahumada con manzana, tocino, queso Oka gratinado y un toque de maple ahumado, servido entre panecillos de waffle. Más que una comida, es un homenaje al otoño quebequense y a la generosidad de su tierra. En Labonté de la Pomme, el agroturismo se convierte en una experiencia sensorial que une paisaje, tradición y sabor en perfecta armonía.
ICAR Complex
Después de días de calma entre bosques y lagos, el viaje tuvo un giro inesperado: un shot de adrenalina pura. En el ICAR Complex, un antiguo aeropuerto convertido en circuito de velocidad, tomé el volante de un Ferrari 458 Italia. Desde el primer rugido del motor, todo cambió. El silencio del bosque se transformó en el estruendo del V8, el horizonte en una línea amarilla que avanzaba a toda velocidad. A cada curva, la precisión del auto parecía desafiar las leyes de la física; a cada aceleración, el cuerpo recordaba lo que significa sentir. Más que una experiencia de manejo, fue un contraste perfecto con la serenidad de las Laurentidas: una explosión de energía, velocidad y libertad que cerró el viaje con el pulso al máximo.
Más allá del bullicio de Miami, Four Seasons invita a los viajeros más selectivos a visitar otros puntos del “estado del sol”. Palm Beach, Surfside y Naples ofrecen una perspectiva sumamente exclusiva, diferenciada y seductora de la mano de la cadena hotelera de origen canadiense.
TRES ROSTROS
Đ FLORIDA
Texto: Pedro Aguilar Ricalde
FOUR SEASONS RESORT PALM BEACH
Famosa por sus playas de arena blanca, mansiones de estilo mediterráneo, los campos de golf que las rodean y por atraer a un sinfín de celebridades durante el invierno, la isla de Palm Beach es uno de los destinos más exclusivos del sureste de Florida. Localizado a hora y media de Miami, este punto de la geografía alberga una de las propiedades de Four Seasons ideales para descansar en absoluta privacidad sin sacrificar refinamiento –su excelencia ha sido reconocida con distinciones como Five Star de Forbes Travel Guide, Five Diamond de la AAA y dos llaves de la Guía Michelin–, inigualables experiencias de shopping y una oferta gastronómica de primerísimo nivel.
En sus 207 habitaciones y en las áreas comunes el color y el exotismo de la flora local se hacen presentes en las obras de arte, los estampados de los textiles y en la decoración concebida por Martin Brudnizki. Esa estética contemporánea honra sus más de 30 años de historia como un ícono de la hospitalidad en una zona cuyo desarrollo fue impulsado por el empresario Henry Flagler a lo largo del siglo XIX.
En su discreto pero impecable bar, lo mismo se puede ver a los huéspedes ordenar un martini que a muchos miembros de la comunidad, quienes consideran su ba-
rra como un punto de encuentro y reunión. En el terreno de la gastronomía, su buque insignia es Florie’s, un concepto desarrollado por el chef Mauro Colagreco en el que los sabores mediterráneos son los protagonistas. Durante la cena, detalles como el pan servido junto a un poema impreso de Pablo Neruda hacen que la velada fluya, invitando a saborear ingredientes como langosta, ostiones, camarones, trufa y cortes de res wagyu.
Un día perfecto en este paraíso comienza con un juego de tenis o minigolf en el Palm Pavilion o con una clase de yoga al aire libre, para después dirigir los pasos al Cocoanut Café y terminar de despertar con sus bebidas de especialidad y alguno de sus panes recién horneados. Ya sea a bordo de las bicicletas eléctricas o de los vehículos de la propiedad, se pueden explorar los alrededores antes de regresar a relajarse en el Palm Beach Spa con algún masaje, facial o tratamiento corporal y, finalmente, descansar en una cabaña a orillas de la alberca o en su playa privada mientras el sol se desplaza hacia el horizonte. Bajo su luz y rodeados por la calma que se respira en el ambiente, el Four Seasons Resort Palm Beach invita a disfrutar sin prisas todo lo bueno que la vida ofrece estando frente al mar.
@fspalmbeach
FOUR SEASONS HOTEL AT THE SURF CLUB
Los orígenes de The Surf Club se remontan a la víspera de Año Nuevo de 1930, fecha en la que abrió oficialmente sus puertas este club social privado concebido como un punto de encuentro que atrajo a las figuras más influyentes de la vida cultural, política y creativa de la época. Con el paso del tiempo, este recinto se convirtió en un referente de la vida social y hoy, casi un siglo después de su fundación, se mantiene como una versión contemporánea de ese rico legado.
Alejado del bullicio de Miami Beach y a pocos minutos de las boutiques de Bal Harbour, el Four Seasons Hotel at the Surf Club, en Surfside, ofrece una forma más íntima y sofisticada de vivir Miami sin perder su identidad histórica ni su carácter social y exclusivo. El complejo desarrollado alrededor del edificio original integra nuevas estructuras proyectadas por el arquitecto estadounidense Richard Meier, así como interiores imaginados por el francés Joseph Dirand. La luz natural que se cuela por sus amplias ventanas inunda espacios equilibrados que en muchos casos conservan pisos y elementos arquitectónicos originales.
Su inventario incluye únicamente 77 habitaciones, lo que permite entender por qué una estancia en este hotel es una experiencia reservada para unos cuantos. El color blanco, las molduras en el techo y los ventanales de piso a techo convierten las suites y habitaciones en verdaderos refugios de armonía y vocación minimalista. Y si hay un pilar que afianza su concepto, definitivamente tendría que ser el de la gastronomía. En primer lugar, está The Champagne Bar, una barra cubierta de azulejos verdes que late en el corazón de la propiedad y que cuenta con una amplia selección de cocteles clásicos y una de las cartas de champaña más amplias de Miami. Después, tenemos Lido Restaurant at the Surf Club, un espacio del que el chef Marco Calenzo se ha adueñado con una original fusión de cocina italiana costera con guiños a Japón. Entre sus creaciones insignia destacan el buñuelo con caviar, los ostiones con ponzu, el tiradito de atún, los tagliatelle con langosta y la cotoletta. Y desde luego, la joya de la corona: The Surf Club Restaurant by Thomas Keller. El servicio preciso y la atención al detalle se perciben desde el bar hasta el comedor principal de este espacio que representa la primera incursión del premiado chef en el estado de Florida, donde rinde un homenaje a los clásicos de la cocina continental con una ejecución contemporánea. Ya sea para ordenar el menú degustación o disfrutar de una galleta de chispas de chocolate, esta es una parada obligatoria.
También es obligatoria una visita a The surf Club Spa, cuyo ambiente íntimo y discreto le suma puntos de sofisticación a la propuesta de bienestar. Desde tratamientos y rituales desarrollados de la mano de marcas como Biologique Recherche y Pharmos Natur, hasta el recorrido por un circuito que incluye hammam, vapor, sauna y regaderas, este espacio refuerza la identidad del hotel como un retiro donde el lujo se expresa a través del tiempo y la atención personalizada.
@fssurfside
NAPLES BEACH CLUB, A FOUR SEASONS RESORT
Fundada oficialmente en 1886, la ciudad de Naples fue bautizada con este nombre debido a que sus promotores comparaban su clima cálido y belleza natural con su homónima italiana. En el corazón de este hoy acaudalado asentamiento –conocido como Old Naples– y con vistas al Golfo de México se encuentra el recientemente inaugurado Naples Beach Club, A Four Seasons Resort.
El complejo, que abarca playas, jardines, espacios residenciales y sociales, además de 220 habitaciones y 57 suites, ocupa el espacio que en el pasado correspondía al Naples Beach Hotel & Golf Club, que abrió sus puertas en 1946. Tras un minucioso proceso de remodelación, esta nueva propiedad ofrece una mirada contemporánea del lujo y la hospitalidad, combinando arquitectura, diseño y el servicio distintivo de la marca Four Seasons.
Inspirado en los tradicionales cottages de la ciudad, el proyecto arquitectónico de Hart Howerton se fusiona con una franja de playa de más de 300 metros. Los interiores, a cargo de Champalimaud Design, retoman el encanto de la Florida clásica mediante una elegancia relajada y una atmósfera cálida.
Una de las tradiciones más arraigadas en Naples es reunirse frente a la playa para ver el sol ocultarse en el horizonte, y qué mejor que hacerlo con una bebida en la mano. El Sunset Bar, con una barra que mira hacia el mar y a pocos pasos de la arena, es el sitio perfecto para mezclarse con los locales antes de dirigir los pasos hacia HB’s, restaurante especializado en comida del mar que durante mucho tiempo ha sido uno de los favoritos de la ciudad. The Merchant Room, por su parte, es el restaurante insignia del resort y está a cargo del chef Gavin Kaysen, famoso por los conceptos que ha desarrollado en Minnesota. Kaysen ha concebido una New American Brasserie que sirve delicias como la ensalada de pepinos, el fritto misto, los spaghetti nero y los cortes añejados, emblemas de su saber hacer. Una mención especial merecen el gimnasio, diseñado por el entrenador Harley Pasternak, con equipo de última generación y una alberca de nado de 23 metros, The Sanctuary Spa –con 13 salas de tratamiento y un envidiable circuito de hidroterapia–, y Naples Trading Company, un espacio en el que el café de especialidad y la panadería atraen tanto a huéspedes como a locales para prolongar una mañana relajada después de una intensa sesión de entrenamiento o un juego de golf. Entre las experiencias más destacadas ofrecidas a los huéspedes se encuentran los recorridos privados por Naples Bay y el Golfo de México a bordo de embarcaciones y yates de lujo, así como deportes acuáticos, excursiones de pesca y charters privados. El resort también pone a disposición su emblemático Hinckley Picnic Boat para safaris de conchas marinas, picnics en islas remotas o paseos al atardecer, mientras que en tierra, se puede recorrer Old Naples utilizando bicicletas, e-bikes y mokes facilitadas por el resort, así como participar en caminatas ecológicas guiadas para explorar los alrededores naturales de la región. @fsnaplesbeachclub
Futbol y Arte: Esa misma emoción es la exposición del Museo Jumex –abierta hasta el 26 de julio– que explora el futbol como un fenómeno cultural y artístico. Curada por Guillermo Santamarina, profundiza en el impacto de este deporte más allá de la cancha y el estadio a través de pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones que abarcan tanto obras históricas como piezas comisionadas específicamente.
