febrero
portada: personaje: melissa barrera. foto: tawfick. moda: vestido, ferragamo. joyas: tiffany & co. estilismo: olivia weeden. producción: francesca valente @ 102 nyc para elle méxico. maquillaje: nadia tayeh @ forward artists. uñas: elle gerstein. diseño de set: colin phelan. asistente de foto: lorenzo martínez. asistente de moda: victoria vankesteren. asistente de diseño de set: nick kozmin.
p.70
8. DIRECTORIO
10. CARTA DE LA EDITORA
TENDENCIAS
14. TRENDS
16. MAKEUP TRENDS
17. HAIR TRENDS
18. COMPRAS
20. TENTACIÓN
21. TENTACIÓN RELOJ
22. ACCESORIOS
24. ELLA ES ELLE
26. TOMA NOTA
Del canvas al clóset
28. ELLE LOOK
29. FASHION FOCUS
32. X-RAY
33. SIN CULPA
34. APUESTA
35. ELLE CV
36. SUSTENTABILIDAD
38. NEWS
STORIES
42. SOCIETY
El arte en tiempos de contenido
44. ACTUELLE
46. FACE TO FACE
48. PERSONAJES
56. INSIDER: LA ODISEA DE
UN MONOGRAMA
60. COVER STORY
Melissa Barrera, una cara fresca en Hollywood
MODA
70. LORIS ARCOÍRIS
80. ¿GIGI?
88. ASTRAEA
BELLEZA
100. DE FANTASÍA
108. WELLNESS
112. INSIDER: NUEVA ERA DIOR
114. FACE TO FACE
116. EL LUGAR
118. TENTACIÓN
Un homenaje a la naturaleza colombiana
120. BEAUTY EXPERT
Por una sonrisa perfecta
121. WHAT’S HOT
122. EDITORS PICK
124. SIN CULPA
ESTILO
130. AGENDA
La semana del arte en CDMX
134. DESTINO
140. HOTELES
142. GOURMET
p. 23
p. 48
p. 100
Editor Web JORDI LINARES jordi.linares@grupoexpansion.com
Coeditora Digital TAMARA SANTILLÁN
Community Manager CARLA FORTES
DIRECTOR GLOBAL
CORPORATIVO DE VENTAS
ROBERTO CABALLERO roberto.caballero@grupoexpansion.com
DIRECTOR COMERCIAL
CORPORATIVO NACIONAL ALEJANDRO LEAL aleal@grupoexpansion.com
DIRECTORES DE VENTAS NACIONALES ABRAHAM MEZA abraham.meza@grupoexpansion.com
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DIRECTOR COMERCIAL REGIONAL (USA, NORTE Y SURESTE) PABLO CAMPO pablo.campo@grupoexpansion.com
DIRECTOR DE GROWTH ANDRÉS TOMASSI atommasi@grupoexpansion.com
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Editora Adjunta CAROLINA ALVAREZ caro.alvarez@grupoexpansion.com
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Coeditora de Moda NATALIA SÁNCHEZ
Coordinadora de Moda BERENICE BUENDÍA
Editora de Arte DANIELA FONSECA dfonseca@grupoexpansion.com
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Corrección de Estilo DANIELA ESPAÑA
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DANIELA FERES MARIO MARREROS SAMANTHA M. GONZÁLEZ
Asistente de moda y belleza VICTORIA ÁVILA
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EXPANSIÓN STUDIOS
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MAURICIO GUERRERO
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COORDINADOR POSTPRODUCCIÓN CHRISTIAN JAVIER CASTILLO PARALIZÁBAL
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COORDINADOR PRODUCCIÓN DIGITAL JAVIER JASSO
POSPRODUCCIÓN DIGITAL DIANA AGUILAR JESÚS GONZÁLEZ
EL ARTE EN LOS TIEMPOS DEL CONTENIDO
QUERER ENTENDER EL ARTE CONTEMPORÁNEO ES QUERER ENTENDER EL ESTADO DEL MUNDO. HOY, CUANDO LAS REALIDADES DEL MUNDO FÍSICO Y DIGITAL SON CADA VEZ MÁS DIFUSAS, NAVEGAR ESTE PRESENTE ES MÁS COMPLEJO QUE NUNCA, Y A SU VEZ, MÁS LIBERADOR.
POR ICKA GALLEGO @ICKAGALLEGO
¡Aquí estamos! Cientos de años de evolución artística nos han llevado a un punto en el que los límites de lo que puede ser considerado arte han sido prácticamente erradicados. A lo largo de la historia, el arte ha funcionado como testigo de su tiempo y de su contexto. En la obra de los muralistas mexicanos se manifiesta el impulso social que acompañó a estos artistas durante la Revolución; en los expresionistas y surrealistas, el rechazo a representar un mundo tradicional y quebrado tras dos guerras mundiales para explorar lo emotivo y lo onírico. En esta época, se puede ver todo, de todas las maneras, al mismo tiempo.
Ser un gran creador ya no es suficiente para ser un gran artista. La lista de retos es extensa. Además de los desafíos técnicos, estéticos y conceptuales propios de la práctica, para formar parte de la conversación cultural, los artistas deben dominar la historia del arte, exponerse al trabajo de sus contemporáneos y ser sumamente autoanalíticos. Solo así pueden entender su lugar en el mundo e integrarse a un diálogo que se vuelve cada vez más ensordecedor, impulsado por la tempestad del ruido digital.
¿Cómo es ganarle al algoritmo? Cuando la pieza Can’t Help Myself de Sun Yuan y Peng Yu se viralizó en TikTok, millones de personas quedaron cautivadas por el brazo robótico que intenta limpiar desesperadamente un líquido rojo del piso, generando empatía a través de sus movimientos melancólicos y su ciclo frenético y perpetuo. La escala masiva con la que el público se identificó emocionalmente con una máquina es un retrato elocuente de nuestra era. Pero que una pieza de arte logre convertirse en este tipo de sensación digital no es la norma y tampoco debe ser la meta.
En los tiempos del brain rot y el endless scroll, corremos el riesgo de reducir el arte a contenido. Podemos acceder a obras de todo el mundo en cualquier momento, pero también somos testigos de la desaparición progresiva de la contemplación. Saltamos de una pieza a otra en el feed con la misma velocidad con la que evitamos un anuncio. En este contexto, es significativo que las nuevas generaciones hayan redescubierto el concepto de “aura”, tratándolo a veces
como una divisa simbólica con la que se otorgan puntos de legitimidad cultural. Bajo esta luz, el concepto que usó Walter Benjamin adquiere un nuevo peso. En La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, Benjamin utiliza el término “aura” para describir aquello que sólo puede percibirse cuando una obra es experimentada en persona, una cualidad irrepetible que, sostiene, jamás podrá ser replicada por una fotografía o un video.
Dudo que Benjamin haya anticipado el nivel de hiperreproducción al que hemos llegado y, con él, la urgencia renovada de vivir el arte de manera presencial. Nos encontramos en un dilema autocontradictorio (una especie de Trampa 22 - Heller (1961)), por un lado, su teoría es más relevante que nunca y sin embargo, el momento histórico que atravesamos está definido por lo digital, y esa reproductibilidad se refleja inevitablemente en las prácticas artísticas. Desde la pandemia, hemos vivido el impulso de exposiciones en línea, de experiencias inmersivas y de realidades virtuales. Todo esto forma parte del privilegio de nuestra época. Un presente aparentemente sin límites, en el que aquello que imaginamos parece volverse posible cada vez con mayor frecuencia.
Frente a este escenario, visitar exposiciones, galerías y museos deja de ser un gesto accesorio de performance estético y se convierte en un acto de resistencia, una oportunidad de no solo consumir cultura, sino absorberla. Mientras lo digital tiene una permanencia limitada, con la posibilidad de que la información se pierda, lo físico trasciende junto con la huella humana, marcando nuestra existencia. El espectador no es un consumidor pasivo de imágenes ni un dato más en una estadística de alcance, es una presencia activa que completa la obra a través de la atención, el tiempo y la experiencia física. Volver al espacio expositivo es recuperar la posibilidad de mirar sin prisa, de sostener la incomodidad y de permitir que el arte opere más allá del algoritmo. En un mundo saturado de contenido, el espectador atento sigue siendo una de las pocas condiciones indispensables para que el arte exista.
