COORDINADOR POSTPRODUCCIÓN CHRISTIAN JAVIER CASTILLO PARALIZÁBAL
EQUIPO DE VIDEO ABEL GONZÁLEZ
ALBERTO NOLASCO ANABEL SARAHI MARTINEZ
ANDREA ESTRADA
DANIEL OSVALDO ESCUTIA GUSTAVO RODRÍGUEZ
JAVIER SÁNCHEZ
JONATHAN VÁZQUEZ
MARIA FERNANDA LÓPEZ
RICARDO RAMIREZ
PRODUCTORA JACQUELINE FACIO
COORDINADORA DE ESTUDIO DE FOTO ALEJANDRINA LIRA
FOTÓGRAFA ESTUDIO DE FOTO ANYLÚ HINOJOSA
COORDINADORA
ADMINISTRATIVA YRAZEMA ALMANZA yalmanza@grupoexpansion.com
ACCOUNT MANAGER
MARTHA SOTO
Editor de Foto JOSÉ MANUEL RODRÍGUEZ jose.rodriguez@grupoexpansion.com
Coordinador de Foto ALONSO DÍAZ
DIRECTOR DE OPERACIONES
FERNANDO CEBALLOS fernando.ceballos@grupoexpansion.com
DISTRIBUCIÓN ALBERTO PALACIOS apalacios@grupoexpansion.com
GERENTE DE TRÁFICO ANA MARÍA GALINDO
COORDINADOR DE PRODUCCIÓN EDGAR MORA
PRODUCCIÓN ULISES ALARCÓN
COORDINADOR PRODUCCIÓN DIGITAL JAVIER JASSO
POSPRODUCCIÓN DIGITAL DIANA AGUILAR JESÚS GONZÁLEZ
SENSE OF BEAUTY
Obsesión: las casas
El otro día, cenando con una amiga, nos confesamos el gusto que tenemos por las casas y su decoración. El nivel de curiosidad que un exterior genera en nosotras, que nos incita a conocer su interior. Muchas veces me he preguntado si alguien me dejaría pasar a su casa con solo tocar el timbre; la verdad, lo dudo. Yo no dejaría a un desconocido entrar a mi casa solo porque le dio curiosidad ver la luz de mi sala prendida. Entonces, como ya sé que la gente no me va a dejar entrar a sus casas nada más porque sí, lo que hago cuando paso por alguna que me gusta es imaginar cómo está decorada por dentro. Es un juego muy divertido que me da horas para pensar qué habrán elegido para la sala: ¿será monocromática o tendrá variedad de colores y texturas? ¿Será un interiorismo perfecto, como de revista o tendrá la vitalidad de una casa en la que quizá te encuentras un libro fuera de su lugar o unos zapatos a la mitad de la habitación principal? No sé, tal vez nunca lo sepa, pero eso es lo divertido de imaginar. Otra parte de mi juego es pensar qué haría yo si viviera en esa casa, qué muebles elegiría o si pintaría las paredes de un color u otro. En la pandemia iba con dos de mis mejores amigos a caminar y a veces nos asomábamos a las casas que dejaban ver un poco de su personalidad hacia afuera. Hay una en particular que tiene un techo de rayas en la terraza que me inspiró para hacerlo así en mi casa (aún no lo pongo, pero la inspiración sigue vigente en mi cabeza). ¿Han visto a estos vendedores de bienes raíces en redes sociales que te dicen cuánto cuesta una casa o un departamento y después te dan el tour de los espacios? Puedo pasar horas pegada a mi celular viendo esos videos o al chico que les pregunta en la calle: «¿cuánto pagas de renta en NYC?» y luego le dan un paseo por sus casas. A él sí lo dejan entrar y chismear cómo viven las personas que entrevista en las calles. Nuestra revista también es un lugar en donde puedes ver los interiores de muchos espacios —casas, galerías, boutiques, hoteles, departamentos y oficinas— que te pueden inspirar para armar ese espacio que siempre has querido para ti.
Claudia Cándano @candanoclau
Tendencias 11
LO ÚLTIMO EN NOTICIAS DE DISEÑO E INTERIORISMO (12) / HIELERAS, HUEVERAS, PERCHEROS, OALLAS DE MANO, BURÓS (14) / TU LUGAR DE PAZ (22) / MI CASA Y SU CASA (26) / THE ANTIQUARIAN EYE (28) / LA CASA DE LOS SUPERSÓNICOS (32) / LA SILLA (36) / EL OBJETO (160)
Integrar piezas históricas es una invitación a leer el tiempo a través del diseño; una alquimia que une civilizaciones y firmas icónicas para narrar nuestra propia historia.
elle radar
01 Hermès bucea hacia un universo líquido y lo convierte en objeto de deseo. En Natures Marines, 34 piezas de porcelana capturan algas, corales y formas en deriva con una delicadeza casi hipnótica. Ilustradas por Katie Scott, estas piezas transforman la mesa en un jardín submarino vibrante y etéreo. hermes.com
Prada presenta Chawan Cabinet, una exposición centrada en la cerámica Ideada y curada por Theaster Gates, esta selección reúne una serie de piezas de edición limitada que borran la frontera entre el arte y el objeto funcional. Sus propias obras mantienen una conversación íntima con las creaciones de un grupo selecto de ceramistas japoneses y amigos personales: Taira Kuroki de Kioto Yuichi Hirano y Koichi Ohara de Tokoname. prada.com
PRIMAVERA / VERANO 2026
03
Para acompañarnos a todos lados, IKEA presenta SOLUPPGÅNG, una colección de edición limitada que convierte cualquier salida en una experiencia de diseño. Mesas plegables, vajilla resistente, textiles y accesorios ligeros pensados para moverse con nosotros, cubriendo todos los esenciales. ikea.com
04 RootStudio reescribe la espera en la Central de Abastos de Oaxaca con un sistema de paradas para BinniBus. La intervención suma arte público y detalles funcionales para reforzar identidad y seguridad, sin competir con la energía del entorno.
MIL FORMAS DE ENFRIAR
Con diseño tipo trofeo, con formas orgánicas o minimalistas, las hieleras son esenciales en cualquier reunión.
Bajo cero
Las hieleras se han vuelto el accesorio más so sticado de esta temporada, son el objeto que permite que una reunión uya sin interrupciones, y qué mejor que elegir una que mantenga a la perfección la temperatura de tu vino favorito. Considerando que el metal vibe está teniendo un gran momento en el interiorismo y que además combina con todo, seleccionamos cuatro opciones perfectas para elevar tu mesa. Créeme, si eres an trión, una buena hielera te ahorrará interminables visitas al congelador.
1. Hielera Harrison de acero inoxidable, POTTERY BARN, $2,199, 312 Av. Horacio, Polanco. 2. Enfriador vino, ZARA HOME, $2,099, C.C. Antara. 3. Hielera Vento, BEATRIZ BALL, $3,759, El Palacio de Hierro. 4. Hielera Dorset, WILLIAMS SONOMA, $2,369, C.C. Perisur.
TIP DE EXPERTO
Para disfrutar tu huevo sin complicaciones, añade a tu carrito un eierschalensollbruchstellenverursacher o, en español: abridor de cáscaras. Un accesorio alemán diseñado para cortar la parte superior del huevo con un círculo exacto y limpio.
The Breakfast Club
No hay nada como disfrutar de una mañana tranquila con tu desayuno favorito, especialmente cuando es algo simple: un huevo duro, pan y mantequilla. Para que tu mesa se vea como una de Pinterest (aunque sea con un ingrediente), elige copas para huevos que contrasten con tu vajilla base. Existe una amplia variedad de materiales para que se integren a tu estética: vidrio, madera, acero inoxidable y cerámica. Además de funcionales, son piezas súper elegantes para cuando tienes invitados.
1. LE CREUSET, $999, El Palacio de Hierro. 2. CARRARA, $412, adorno.design. 3. ZARA HOME, $129, C.C. Parque Delta. 4. AMBIENTE GOURMET, $199, ambientegourmet.mx 5. CHRISTINA IVERSEN STUDIO, USD95,ssense.com.
PARED VS PISO
El secreto está en el espacio: si tienes un rincón libre, elige uno de piso, si no, mejor uno de pared.
Esculturas funcionales
Dentro de las piezas infravaloradas en el mundo de la decoración del hogar, los percheros ocupan un lugar en la lista. Pequeños, y a veces casi invisibles, tienen el poder de transformar la entrada en un espacio con intención: mantienen todo a la mano y en orden, mientras suman un toque de personalidad. Hoy dejan de esconderse para convertirse en parte clave del estilo interiorista. Su funcionalidad y capacidad de aportar carácter se elevan con diseños que van de lo escultórico a lo minimalista.
1. Perchero Unwind, SUNDAYS, $8,783.70, sundays-company.com. 2. Perchero infantil de hierro, ZARA HOME, $699, C.C. Antara Fashion Hall. 3. Perchero de pared de acero, NAMARO DESIGN, $589, liverpool.com.mx. 4. Perchero Ekrar, IKEA, $599, IKEA Oceanía. 5. Hanger, KARTELL, $12,140.20, kartell.com.
SOLUCIONES CREATIVAS
QUE TRANSFORMAN TU ENTORNO
Reimaginar tu espacio se puede lograr sin tener que hacer grandes intervenciones, a través de gestos sutiles y versátiles, cuidadosamente seleccionados.
¿Se verá bien? ¿Quedará con el estilo que estoy buscando? ¿Y si no resulta como lo imagino?, estas son solo algunas de las dudas que, de manera inevitable, invaden nuestra mente cuando se trata de renovar un espacio tan íntimo como la casa: el único ambiente de nuestra rutina que es un reflejo casi absoluto de nuestra personalidad y estilo de vida, y que influye, incluso, en nuestro estado de ánimo. Y sí, a menos que seas un experto, dar el siguiente paso puede generar miedo e incertidumbre. La buena noticia es que no estás solo: gracias a IKEA, este proceso es mucho más sencillo. Con muebles y artículos decorativos que entienden que hoy la estética es igual de importante que la funcionalidad, cada pieza de la firma sueca está creada para que vistas tu espacio manteniendo tu estilo, sin complicaciones. Una solución práctica que conecta el diseño contemporáneo con alternativas pensadas para el día a día. Por eso, tanto sillas, espejos y lámparas, como mesas, organizadores y otros accesorios de la marca se adaptan a las necesidades y al ritmo de tu vida, sin importar cómo sea. No por nada es una firma líder en diseño de interiores, distinguida por su versatilidad para adaptarse a diversos espacios y estilos.
Aquí no hay duda: cuando se trata de IKEA, la garantía de contar con mobiliario y accesorios multifuncionales que evolucionen con nuestros gustos y necesidades es indiscutible. En pocas palabras, interiorismo inteligente para hacer de tu casa un espacio al que siempre querrás regresar.
ESTÉTICA
E INNOVACIÓN CON PROPÓSITO QUE SE INTEGRAN DE MANERA NATURAL A TU DECORACIÓN.
FOTOS: CORTESIA
PARA LAS VISITAS
Mejora tu juego como host y colócalas enrolladas en una canasta, se verán super elegantes.
En buenas manos
Es momento de añadir un toque de color a tus espacios. Para evitar esa sensación de una remodelación lujosa imposible, empieza por los detalles pequeños como las toallas de mano. Aunque parezca arriesgado, el secreto está en elegir motivos sutiles o tonos suaves que no compitan por la atención. Incluso con estampados intensos, al estilo Missoni, puedes crear armonía jugando con las dimensiones. Prueba con la combinación de toallas de mano y de cara con diferentes patrones, solo asegúrate de que compartan un tono para que el conjunto se sienta integrado y so sticado.
Aunque a veces parecen muebles prescindibles, o incluso reemplazables por cualquier mesa improvisada, los burós son una lección de equilibrio entre proporción, materialidad y funcionalidad en su forma más esencial. Más allá de sostener objetos cotidianos, resguardan rituales íntimos y detalles de una personalidad que se revela en secreto: un libro a medias, una vela encendida o los lentes que usas al despertar. Estos pequeños contenedores de estilo elevan la atmósfera de uno de los espacios más íntimos del hogar, tu habitación.
EL TAMAÑO,.. SÍ IMPORTA
Tu buró debe ajustarse a la cama sin verse desproporcionado. Lo ideal son entre 5 y 10 centímetros de la altura del colchón.
Imagina esto: llegas a tu casa después de un día cansado y lo único que quieres es darte un baño calientito y acostarte a descansar. Tu cama es ese lugar íntimo y acogedor en el que pasas muchísimas horas, y tu cuarto debería ser un santuario al que recurres cuando necesitas paz; por eso es importante que todo lo que hay en él te guste y se sienta reconfortante. Ya sea que prefieras mantenerlo simple o con una explosión de colores divertidos y arriesgados, aquí te dejamos tres tendencias de bedding para que te inspires, las adoptes y las conviertas en tuyas.
por VALERIA BAQUEIRO
ZEN & FUTURISTA
No necesitas llenar tu espacio para que se sienta completo. Un lugar de descanso tranquilo y limpio se crea con pocas piezas en colores neutros y materiales atemporales. Para tu cama, opta por textiles ligeros como el lino, nunca pasa de moda y te mantiene fresco mientras duermes. Incluye piezas de acento en formas futuristas, puede ser una lámpara de pared sobre tu mesita de noche o una silla que sea más decorativa que funcional en la que puedas poner un florero interesante. Un tótem para poner un libro y una pieza de arte minimalista son todo lo que necesitas para complementar tu recámara y que se sienta como la sala de un museo.
MADERA OSCURA Y ACERO INOXIDABLE, NUESTRA COMBINACIÓN FAVORITA PARA LOGRAR QUE UN ESPACIO SE SIENTA MODERNO Y CLÁSICO AL MISMO TIEMPO.
1. Flux Sconce*, BANDIDO, bandidostudio.com. 2. Set funda de duvet en lino, H&M, $2,999, hm.com. 3. Tótem 1 para libro, ERAN, $6,000, eranmx.com. 4. Silla estructura acero inoxidable, ZARA HOME, $5,299, zarahome.com. 5. Tesouros do salão II*, MARINA SADER, marinasader.com. 6. Flower Vase - 001*, FORMANT STUDIO, $2,500, info@formant.studio.
LA REGLA ES QUE NO HAY REGLAS
Esta tendencia es el extremo opuesto de la anterior. Llena de color, estampados, texturas y formas interesantes en donde la única regla es divertirse. Empieza definiendo una paleta de colores que te haga feliz y de ahí, ve eligiendo los elementos complementarios. Puedes jugar con los prints de tus sábanas y duvet, mezclando rayas con cuadros e incluir cojines decorativos con texturas y tonos que contrasten. Un espejo verde con marco irregular puede darle muchísima personalidad a tu habitación y un jarrón al lado de tu cama en el que siempre puedas tener flores le dará mucha vida.
1. Florero sobremesa pequeño, HAY, $3,063, farfetch.com. 2. Funda de duvet algodón percal rayas, ZARA HOME, $1,799, zarahome.com. 3. Espejo en zigzag, &K AMSTERDAM, $2,515, farfetch.com. 4. Bolster Stripe Cushion, CHRISTINA LUNDSTEEN, USD120, christinalundsteen.com. 5. Whitmore Multi, JONATHAN SAUNDERS, $545, therugcompany.com. 6. Classic Percale Core Sheet Set, BROOKLINEN, USD249, brooklinen.com.
LA ILUMINACIÓN SIEMPRE
HACE UNA GRAN DIFERENCIA, ESPECIALMENTE EN LA RECÁMARA. NOS ENCANTA LA LUZ INDIRECTA EN TONOS CÁLIDOS PORQUE CREA UN AMBIENTE ÍNTIMO.
UNA GARRAFA DE AGUA ES PRÁCTICA Y TAMBIÉN SE VE MUY BONITA AL LADO DE TU CAMA. NOS GUSTAN LAS QUE SON IRREGULARES PORQUE HACEN QUE CUALQUIER RINCÓN SE VEA MÁS INTERESANTE.
BLOQUES DE COLOR
Mantener todo monocromático también tiene su encanto, especialmente porque te da oportunidad de jugar con colores de acento. Por ejemplo, el verde olivo es un color superversátil que va bien con tonos pasteles y suaves como el lavanda o el azul cielo. Un taburete al pie de la cama le da una vibra acogedora al espacio y puedes combinarlo con la cabecera y hasta con el color de la pared. Incluye elementos en tu buró que contrasten con el resto, como una lámpara metálica o un joyero de piel.
Es importante tener un espacio designado para tu mascota, no solo para hacerlo sentir que tiene su lugar en casa, también para mantener el orden. Busca un sitio para su camita, juguetes y accesorios que vayan con la personalidad de tu perrhijo o gathijo, y que se mezclen en tu casa.
$7,883
1. Collar, LITTLE BEAST, $1,145, littlebeast.co. 2. Bebedero automático, SMART-TEK, $999, Liverpool Insurgentes. 3. Juguete, COOLPET, $149, petco.com.mx 4. Transportadora acolchada, LITTLE BEAST, $3,312, littlebeast.co. 5. Bowl en silicón, HOUNDSTONE, $760, El Palacio de Hierro Polanco. 6. Set de cojines, ZARA HOME, $659, $859, C.C. Parque Delta.
ELLECONSEJO
Puede estar en una pared de la sala, en el pasillo o camino a la terraza. Respecto a los tonos hay dos opciones, que se pierda con su ambiente o que contraste con colores pop, estampados o texturas.
INTEGRAR PIEZAS HISTÓRICAS CELEBRA NUESTRA SENSIBILIDAD PARA PODER LEER EL TIEMPO, RECONOCER LOS VALORES DE OTROS LUGARES Y MOMENTOS HISTÓRICOS EN RELACIÓN CON LOS DE NUESTRO PRESENTE. EL ARTE DE INTEGRAR ESTE TIPO DE PIEZAS NO SE TRATA SOLO DE DECORAR, SINO DE HILAR LA NARRATIVA DEL PASADO CON LA CONTEMPORÁNEA EN UN MISMO PLANO. AL TRAER ESTE TIPO DE OBJETOS A NUESTROS ESPACIOS, NO SÓLO SE REVELAN LAS CARACTERÍSTICAS DE LAS PIEZAS, SINO QUE SE HABLA DIRECTAMENTE DE QUIÉNES SOMOS, NUESTROS VALORES Y NUESTRA FORMA DE HABITAR. DESDE LAS PIEZAS DE GRANDES CREADORES QUE SE HAN VUELTO ÍCONOS HASTA OBJETOS HISTÓRICOS DE LAS GRANDES CIVILIZACIONES DE LA HISTORIA UNIVERSAL O PIEZAS ANÓNIMAS, ESTAS PROPUESTAS SON INVITACIONES PARA ACERCARNOS A PIEZAS CON HERENCIA Compartimos algunas ideas de cómo transformar tesoros del ayer en los protagonistas de un estilo de vida contemporáneo, dinámico y, sobre todo, personal.
por ARMANDO QUINTANA
EL DRAMA DEL TIEMPO: CABINET DE CURIOSITÉS
Durante los siglos XVI y XVII, los exploradores occidentales acercaban las maravillas de otras regiones del mundo a Europa: desde tesoros naturales, fósiles y hallazgos geológicos hasta objetos de otras regiones como África, Asia o América al Viejo Continente. Hoy rescatamos este interés por apreciar y habitar con estos tesoros. La pieza central es un busto clásico de Viriathus o de algún dealer de antigüedades, rodeado de un ambiente dramático para amplificar su peso histórico. El secreto está en la profundidad: utiliza tonos dramáticos en los muros (como un azul medianoche o un burdeos) y tapices con texturas ricas. Complementa con objetos pequeños de época o diseños inspirados en el pasado, libros antiguos e imágenes históricas enmarcadas. Es una oda al coleccionismo culto, donde cada objeto cuenta una crónica de siglos.
COMBINA LA DUREZA DEL MÁRMOL CON TEXTILES SUAVES COMO EL TERCIOPELO O EL BOUCLE, TANTO EN PIEZAS DE MOBILIARIO TAPIZADO COMO EN ACENTOS EN COJINES Y MANTAS DECORATIVAS. EL CONTRASTE ENTRE LO FRÍO Y LO CÁLIDO CREA UNA TENSIÓN VISUAL IRRESISTIBLE.
CANON MODERNO: LA ATEMPORALIDAD DE LOS CLÁSICOS
En esta narrativa, el diseño tiene nombre y apellido. Las piezas de Galería Córdoba destacan por su linaje y procedencia, firmadas por los grandes maestros que definieron el mobiliario global. Aquí, las maderas, los nombres y los acabados originales se vuelven protagonistas, anclando un espacio con carácter arquitectónico y donde la potencia está en la sobriedad. Crea un entorno de tonos neutros y luz cálida, integrando plantas y luminarias contemporáneas de firmas como Bocci (disponibles en Diez Company). Es el puente perfecto entre la maestría artesanal del siglo XX y el minimalismo del XXI.
MENOS ES MÁS
Una sola pieza de autor puede ser el centro focal de toda la habitación. Complementa con líneas sobrias, nuevos clásicos y textiles de tonos neutros pero texturas ricas en tapetes y cortinas.
CELEBRAR LAS HUELLAS DEL TIEMPO: EL VALOR DE LO IMPERFECTO
Apreciar el rastro que los años graban en la materia es, en esencia, un ejercicio de sensibilidad pura. Esta ruta es la elección definitiva para proyectos en el campo o la costa, donde la arquitectura se rinde ante la pausa y el encanto de lo elemental. Aquí apostamos por mobiliario rústico y piezas anónimas que destacan por su honestidad: objetos que celebran sus imperfecciones y la historia grabada en sus texturas. Mobiliario de madera cruda, bancos de carpintero y elementos pétreos conviven en un diálogo táctil con la exuberancia del entorno: monsteras, helechos o cactáceas que desdibujan la línea entre el interior y el paisaje. Es una estética despojada de pretensiones que celebra la atemporalidad de lo imperfecto, erigiendo un santuario donde el desorden botánico y la honestidad de los materiales nos regalan una tregua frente al caos urbano.
Integra la vegetación como un elemento estructural. El dinamismo de las hojas de gran formato y la rugosidad de la madera centenaria son el maridaje previsto para lograr una atmósfera wabi-sabi auténtica.
LA TECNOLOGÍA HA AVANZADO A PASOS AGIGANTADOS DURANTE LOS ÚLTIMOS AÑOS, Y UNA GRAN MANERA DE USARLA A TU FAVOR ES AUTOMATIZANDO TU HOGAR. INTEGRA ELEMENTOS QUE TE AYUDEN A MEJORAR TU RUTINA, LA ATMÓSFERA DEL ESPACIO Y HASTA TU DESCANSO. COMIENZA CON UN CENTRO DE MANDO, DESDE AHÍ PUEDES CONECTAR Y CONTROLAR DISTINTOS DISPOSITIVOS QUE SE ADAPTAN A LAS NECESIDADES DE CADA ESPACIO. AQUÍ TE DOY LAS MEJORES OPCIONES PARA ZONAS CLAVE DE TU CASA: LA HABITACIÓN PRINCIPAL, LA COCINA Y LA SALA DE TV. A PARTIR DE ESTOS HUBS PUEDES AGREGAR GADGETS QUE HARÁN QUE TU DÍA A DÍA SEA MÁS EFICIENTE Y PRÁCTICO.
por TAMARA SANTILLÁN
LA CASA DE LOS SUPERSÓNICOS
OJO
Solo necesitas un centro de mando para controlar toda tu casa, pero cada uno tiene ventajas específicas. Si usas iPhone, el HomePod es la mejor opción; Alexa de Amazon destaca por su amplia compatibilidad con gadgets, mientras que Google Nest ofrece un sistema de información más completo.
COCINA
Además de ser el corazón del hogar, la cocina es uno de los espacios que más se presta para hacer multitasking y al automatizarla facilitarás tu tiempo aquí. Sigue recetas paso a paso, monitorea tus tareas culinarias, programa tu cafetera para que tu café esté listo a primera hora del día, y con ayuda de un refrigerador inteligente lleva un mejor control de tus alimentos y dile adiós al desperdicio. Agrega focos inteligentes y contrólalos fácilmente con tu voz o desde tu celular.
4. Kit de focos inteligentes, PHILIPS, $2,823, Liverpool Insurgentes.
RECÁMARA
Con ayuda de una Alexa adapta las habitación a tu ritmo y transforma este espacio en un santuario. Dile adiós a las alergias con un purificador de aire inteligente y añade un termostato para mantener de manera automática una temperatura ideal. Si quieres mejorar tu sueño, el reloj inteligente de Hatco te permitirá crear rutinas de descanso sin usar el celular.
1. Termostato Nest Learning 3Rd Gen, GOOGLE, $6,299, El Palacio de Hierro Polanco. 2. Eco Show 11, AMAZON, $4,799, liverpool.com. 3. Purificador HushJet, DYSON, $7,599 pesos, dyson.com.mx.
Convierte tu tiempo en la sala de TV en toda una experiencia con ayuda de estos gadgets. Créeme, ir al cine quedará en segundo plano. Una televisión inteligente te permite acceder rápidamente a tus plataformas de streaming preferidas y programar tus momentos de ocio. Dile adiós a los controles remotos con una barra de sonido y mantén este espacio siempre limpio con un trapeador de vapor inteligente, te prometo que esta tarea del hogar se volverá mucho más sencilla.
1. Barra de sonido Ray, SONOS, $4,399, El Palacio de Hierro Polanco. 2. Google Nest Mini, GOOGLE, $1,199, store.google. com. 3. Trapeador de vapor y aspiradora Vertex, SHARK, $9, 999 pesos, sharkninja. mx. 4. Televisión Bravia 5, SONY, $59, 999, Liverpool Santa Fe.
Diseño sólido y transparente.
CHAIR O1
Una pieza transparente y sólida, donde diseño e ingeniería conviven de manera permanente. Producida por Arquetipo Estudio para MA-MA.
Sin ocultar su estructura, esta pieza deja ver cada uno de sus elementos: uniones y tornillos que no solo cumplen su función, sino que también construyen su identidad visual. Sus tubos de acero cromado de 5/8” definen una silueta precisa y sólida, donde cada intersección responde a una lógica clara y funcional. El asiento y respaldo de resina mantienen esta transparencia conceptual, permitiendo que la estructura permanezca casi desnuda. El respaldo móvil, se adapta a la postura que desees tomar.
FOTOS: JOSEMRA.
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Una publicación exclusiva de Aeroméxico
An exclusive magazine from Aeromexico
EN LAS VOCES DE NUESTROS EDITORES
LUNES A VIERNES 6AM
Stories 39
CUSTODIA DE LA VANGUARDIA ARTÍSTICA: PEGGY GUGGENHEIM (40) / PROYECTO MONO ROJO (44) LITHIC BLOOM: A SCULPTURAL GARDEN (46) / ESPACIOS QUE TE TRANSFORMAN DE AFUERA HACIA ADENTRO (52) / FROM RUNWAY TO DECO (58) LE LABO (62) / FOTO REPÚBLICA (64) / TOMANDO CAFÉ EN CANDELARITA (66) LO MEJOR DEL DISEÑO (70) / FATTO IN ITALIA (78)
La nueva colección de Sten Studio, Lithic Bloom: A Sculptural Garden traduce la fragilidad biológica a la permanencia del mineral. Un jardín donde la vitalidad de la flora se congela en geometrías de piedra y formas escultóricas.
CUSTODIA DE LA VANGUARDIA ARTÍSTICA: PEGGY GUGGENHEIM
¿Te imaginas tener en tu sala obras de Marcel Duchamp, Vasili Kandinsky o Jackson Pollock y poseer una colección tan grande que tengas que guardar algunas en una granja? Ese fue el privilegio y la vida de Margaret Guggenheim: una de las mujeres más influyentes en la historia del arte moderno, cuyo alcance no es tan evidente dimensionar.
por BERENICE BUENDÍA
Mecenas del arte, socialité, curadora, coleccionista. Margaret Guggenheim, mejor conocida como Peggy, creció en Nueva York y, en su adolescencia, se mudó a Europa, donde encontró una comunidad de artistas, poetas y escritores que definirían el resto de su vida. Rodeada de creativos, adoptó un estilo de vida de fiestas, viajes y libertad; fue ahí donde su curiosidad por el arte se volvió obsesión.
Durante los años veinte, conoció a su primer esposo, el escritor francés Laurence Vail, con quien tuvo dos hijos: Sindbad y Pegeen. Ahí comenzó su labor como mecenas: pagaba pensiones a artistas como la poeta Mina Loy o la escritora Emma Goldman y les ofrecía habitación en alguna de sus múltiples residencias. Tras años de violencia por parte de Vail, se divorció y se mudó a Londres con un proyecto claro: abrir su propia galería. La llamó Guggenheim Jeune y estuvo activa durante un año. A diferencia del modelo convencional, Peggy compraba lo que exhibía. Su primera exposición fue del artista Jean Cocteau; le siguieron Vasili Kandinsky, Max Ernst y otros nombres que hoy son parte de la historia del arte. Siempre tuvo la guía de su íntimo amigo Marcel Duchamp para elegir al siguiente artista y poner el ojo en nuevas corrientes. A partir de ese momento, impulsó los movimientos más radicales de su época: cubismo, surrealismo y expresionismo abstracto. La galería nunca tuvo un flujo comercial sólido, pero eso no la detuvo; al contrario, comenzó a acumular aquellas obras que no lograba vender y así nació, casi por accidente, la colección.
Una vez que el negocio no funcionó, regresó a París y aprovechó el estallido de la Segunda Guerra Mundial para comprar arte a precios muy bajos, con el lema “compra un cuadro al día”. Cuando tuvo que huir —Peggy era judía— intentó donar la colección al Louvre, que la rechazó por considerarla demasiado moderna para ser arte, así que terminó escondiéndola en una granja al sur de Francia. De regreso en Nueva York, comenzó una relación con Max Ernst, se casaron y abrió su segunda galería: The Art of This Century. Ahí impulsó deliberadamente el arte hecho por mujeres, preocupada por su invisibilidad en la industria. Fue también en esa etapa donde descubrió a Jackson Pollock, a través de una convocatoria abierta para artistas menores de 35 años, aunque al principio se resistió a su obra y, después de discutirlo con sus colegas, decidió darle una beca, una de sus primeras exposiciones y le comisionó una de sus obras más grandes: Mural.
En 1943, regresó en definitiva a Europa. Se divorció de Ernst y encontró lo que sería su hogar para el resto de su vida, el Palazzo Venier dei Leoni, en Venecia, a orillas del Gran Canal. En esa residencia instaló su ya amplia colección, que incluía piezas de Marino Marini, Alexander Calder y Vasily Kandinsky, entre otros.
Nunca confesó cuál era su obra favorita de la colección, sin embargo, se sabe que amaba La Tempestad por Giorgione (c.1505)
Le soleil dans son écrin (1937) por Yves Tanguy.
L’Angelo della Città (1948) por Marino Marini
Obras visibles de izquierda a derecha: Figura sentada (primera mitad del siglo XX), de artista desconocido. En la playa (1937), de Picassso. Arco de Petalos (1941), de Alexander Calder. Piazza (1947-48), de Alberto Giacometti. Máscaras (primera mitad del siglo XX), de artista desconocido.
Guggenheim en su sala, rodeada de obras abstractas, antiguas y modernas, acompañada por uno de sus perros. Era una entusiasta de los lhasa apso, en su residencia de Venecia llegó a tener catorce, a quienes llamaba sus amados bebés.
En 1951, a sus 53 años, abrió las puertas al público. La bodega se convirtió en un espacio de creación para artistas jóvenes y en el lugar para continuar con sus legendarias fiestas. Con el tiempo, se fue retirando de la vida pública; solo se la veía cruzar el canal en su góndola privada. Muchos creen que esto se debió a la muerte de su hija, que la marcó profundamente. En sus últimos años, después de múltiples ofertas del Louvre y la Tate por obtener su colección, tomó una decisión que diría mucho de ella: donó todas las piezas a la Fundación Guggenheim que su tío Solomon había creado, con una condición innegociable: que las obras nunca se separaran.
Su personalidad coqueta, despreocupada y liberal para su época la consolidaron como algo más que una amante del arte. Su curiosidad fue clave para arriesgarse por una nueva ola artística y desarrollar un instinto y una estética capaces de fusionar distintos lenguajes creativos. Pero quizás su mayor habilidad fue otra, saber escuchar y dejarse guiar por las personas correctas. Su tutora Mary Clarke la introdujo a ideas más liberales sobre política y sociedad; Marcel Duchamp le afinó el ojo estético; el historiador Herbert Read la orientó sobre las piezas que valía la pena adquirir. Juntos formaron el equipo que le permitió promover el arte moderno en distintos frentes.
Espejo de Orpheus (1950) por Jean Cocteau
PROYECTO MONO ROJO
por ICKA GALLEGO
Proyecto Mono Rojo se creó a partir de una necesidad en particular: crear un espacio donde los artistas trabajen, exhiban y crezcan dentro de una misma estructura. Al expandir el universo del Taller Mono Rojo, un espacio dedicado a la cerámica desde hace más de una década, la galería ofrece una plataforma para sus artistas, llevando su práctica hacia nuevos medios. El proyecto surge del diálogo entre Jimena Antúnez y Olmo Aguirre, al que más tarde se sumó José Kuri. “Teníamos la inquietud de tener una galería de arte y la necesidad de integrar a Taller Mono Rojo en ella”, comentan los fundadores en entrevista. “Queríamos representar a los artistas que forman parte de este espacio y sumar a creadores que colaboran con nuestra locura”. La cerámica es el punto de partida del proyecto. “Es un soporte tan versátil que puede alojar posibilidades que van de lo ritual a lo arquitectónico”. En ese rango, las disciplinas se cruzan sin fricción, expandiéndose hacia el diálogo con medios como la carpintería y la pintura. “Los lenguajes del diseño y del arte contemporáneo han encontrado aquí un espacio para disolver sus fronteras; entrar y salir del mundo de las ideas a través de la materialidad de la cerámica es un placer que deviene obsesión”, comentan Antúnez y Aguirre. La selección de artistas responde a esa misma lógica interna: se basa en la química que cada uno establece con el proyecto. Nombres como Willie Gurner, Carlos Morales, Hiroshi Okuno, Maya Sakuma, Waysatta Fernández, Salvador Núñez y Naoya Sakaguchi forman parte de este ecosistema en constante movimiento. La exposición Bad Manners encapsula la esencia del proyecto. Cerámica, escultura y pintura se articulan en piezas que retan la tradición y la cultura de masas. Aquello que podría considerarse imperfección se revela de manera poética, proponiendo una reinterpretación de cómo se exhibe el arte y de los límites de la belleza. Es un espacio donde experimentar, fallar y volver a intentar forma parte del mismo impulso. Proyecto Mono Rojo avanza así, entre intuición y oficio, sosteniendo una energía que se comparte.
Materia viva Ciudad de México.
En la cerámica, el calor transforma la materia y también las ideas. El fuego que vio nacer a Proyecto Mono Rojo se traduce a la pasión con la que evoluciona y se expande esta propuesta.
Lithic Bloom A Sculptural Garden
por CAROLINA ALVAREZ
fotos XIMENA MORFÍN
México está redefiniendo la experimentación con materiales y ganando terreno en la escena global. Más allá de la artesanía tradicional —que sigue ahí, presente—, el nuevo diseño mexicano se inclina hacia lo brutalista, lo mineral y lo tecnológico. La prueba más clara es lo que está haciendo Sten Studio. Si fuiste a Design Miami 2025, probablemente viste lo nuevo del laboratorio capitalino, que presentó en diciembre pasado, en la sección Curio, el primer capítulo de su esperada colección Lithic Bloom. Sten Studio es, literalmente, un mundo dentro de otro mundo. Desde su base en la Ciudad de México, crean mobiliario contemporáneo y objetos decorativos hechos a la medida y operan bajo una premisa clara: el mineral es el medio y la musa. Guiados por el propósito de conectar con el planeta a través de las piedras, aquí, el diseño no se impone sobre la materia prima, sino que se sumerge en lo geológico para crear piezas que se sienten como un fragmento o extensión de la tierra. La fuerza y personalidad de sus piezas, reside en un método tan crudo como refinado; una cadena de colaboración que va desde la obtención de cristales y piedras hasta el trabajo manual con fabricantes y productores tanto locales como extranjeros. El resultado es un diálogo constante entre la forma pura de la piedra y el concepto contemporáneo, logrando que cada objeto de su catálogo sea una estructura mineral y compleja. En un momento donde lo natural parece cada vez más lejano, Lithic Bloom se presenta como un jardín que sustituye la fragilidad biológica por la permanencia del mineral. No es solo una colección; es un ejercicio de traducción donde la suavidad de un pétalo se convierte en geometría de piedra y la vitalidad de la flora se congela en formas escultóricas.
«Las flores nos conectan con la naturaleza y la energía positiva. Con Lithic Bloom, inmortalizamos su belleza y diversidad a través de piedras y texturas. El objetivo de Sten Studio es traducir esa esencia natural en piezas que celebren la simplicidad y generen bienestar en quien las posee».
— José Schnaider, Director Creativo de Sten Studio.
El centro de este paisaje es Florea, una instalación modular (mesa central, taburetes y auxiliares) que replica la asimetría orgánica de las anémonas y peonías. A su alrededor, siete totems líticos funcionan como hitos de un ecosistema imaginario, tres de ellos operan como luminarias de piso y uno más como difusor de aroma, logrando que la pieza deje de ser un objeto para volverse una experiencia inmersiva. La narrativa la cierra Hydraea, una silla tallada en calcita azul que, por su fluidez, parece una gota de agua cristalizada.
En conjunto, Lithic Bloom funciona como una reliquia botánica del futuro: una invitación a mirar la diversidad vegetal a través de un archivo que no se marchita, cuestionando qué es lo que realmente puede perdurar y decidimos preservar.
Espacios que te transforman de afuera hacia adentro
por DANIELA FONSECA
El bienestar se define como un estado de plenitud física, mental y social. Un concepto holístico en el que los espacios que habitamos influyen, haciendo una conexión de cuerpo y mente que se convierte en un factor crucial mientras nos ejercitamos. Los lugares que elegimos tienen como principio hacer universos seguros y armónicos, con una decoración donde el movimiento sea solo una parte más de la experiencia integral de sentirnos bien.
DUNA ESTÁ CONCEBIDO COMO UN RECEPTÁCULO DE LUZ QUE POTENCIA LOS GESTOS Y PERCEPCIONES DEL CUERPO HUMANO.
(DUNA)
La inspiración para este estudio de pilates surge de una pregunta muy simple: ¿cómo el espacio puede ayudarnos a bajar el ritmo? Aquí puedes encontrar un refugio que te baja las revoluciones gracias a la arquitectura monolítica, casi brutalista, que se aligera a través de la luz filtrada y los materiales naturales. El juego con la madera construye una atmósfera de luz y sombra que transforma la percepción del espacio. Estudio Cárdenas fue el encargado de crear este espacio en el que podemos encontrar un equilibrio entre lo sólido y lo cálido: el concreto da peso al espacio, mientras que la madera y los textiles lo suavizan. Cada material está pensado para dialogar de forma armónica, entendiendo ese balance como parte del bienestar.
Dirección: CERRADA DE LA PAZ 15, ESCANDÓN I SECCIÓN. SAN MIGUEL CHAPULTEPEC, CDMX.
Un estudio de recuperación donde la terapia de contraste (frío-calor) se integra dentro de un ambiente minimalista y cálido con influencias nórdicas. Construido a partir de materiales naturales, el lugar te envuelve desde el primer momento gracias a la iluminación en capas, que ayuda a crear una atmósfera íntima y sensorialmente confortable. La madera y la piedra entran en contraste con el acero inoxidable y las superficies pulidas, generando un balance que crea sensaciones de recuperación. Todo está pensado para quienes buscan hacer una pausa, reconectar con la calma y recuperarse a través de un enfoque alternativo a las terapias convencionales.
Dirección: TORNEL 34. SAN MIGUEL CHAPULTEPEC, CDMX.
¿QUÉ PAPEL JUEGA EL ARTE DENTRO DEL ESPACIO?
El arte acompaña el recorrido y dialoga con la experiencia de contraste. La pieza cóncava de Alan Sandoval es parte fundamental de la experiencia. También hay obras del artista veracruzano Daniel Berman, cada una haciendo referencias al ritmo y movimiento con un enfoque en el cuerpo.
(KASA)
(GITA)
EL SALÓN ZENSES CUENTA CON UN SISTEMA DOLBY ATMOS DE 16 BOCINAS (SISTEMA 9.6.1) QUE ENVUELVE EL ESPACIO EN UNA DIMENSIÓN SONORA. EL SALÓN CHROMA TIENE UN SISTEMA ESTÉREO HI-FI QUE REDEFINE LO QUE SIGNIFICA ESCUCHAR CON CLARIDAD.
Un espacio inmersivo de yoga, meditación y sound healing. La intención del estudio es mezclar el arte, el diseño, la arquitectura, el sonido y la iluminación para acercar el bienestar a una comunidad que busca alinearse sin alejarse del dinamismo en el que se vive. Con una paleta cromática contenida y neutra, el lugar está pensado como un lienzo que permite que otros elementos —como la luz en el salón Chroma o los visuales en el salón Zenses— sean protagonistas. Dentro de Gita te sentirás contenido a través del enfoque minimalista para sentir calma, profundidad y apertura.
Dirección: AV, CHAPULTEPEC 360. ROMA NORTE, CDMX.
Dirección: CONDESA / ROMA NORTE / POLANCO, CDMX.
El autocuidado integral de la belleza y la recuperación corporal se vuelven momentos a los que siempre quieres regresar. En Youth for Us, verse bien y sentirse bien no van separados, sino que se potencian mutuamente. Para lograr esto, la decoración con formas curvas predomina. Los arcos, las esquinas redondeadas, las transiciones orgánicas entre áreas — todo apunta a suavizar —. Y, en contraste con esa calidez, se puede ver herrería negra en puntos muy precisos: puertas, marcos, accesorios. Ese contrapunto le da carácter sin romper la atmósfera y lograr el objetivo del espacio, que no es protagonizar, sino acompañar una experiencia única.
(YOUTH FOR US)
(ORIGEN)
La estética Japandi de este estudio sorprende en el corazón de la Condesa. La arquitectura de Origen mezcla formas orgánicas con el minimalismo nórdico, que lo convierte en un oasis urbano: la iluminación, la fachada y la textura de sus acabados construyen un sello distintivo que no solo envuelve a quienes practican dentro, también captura la atención de quienes pasan frente a él.
Dirección: CUERNAVACA 85. CONDESA, CDMX
¿QUÉ DETALLE PODRÍA PASAR DESAPERCIBIDO?
La vegetación del lugar. Tenemos plantas exóticas: aves del paraíso, cuernos de alce, colas de mono de más de 40 años.
Un gimnasio como nunca lo habías visto, que explota el lujo en su máxima expresión: líneas limpias, materiales potentes y funcionales que hacen que el diseño y el rendimiento se conviertan en una experiencia. Detalles como los muros pintados por manos maestras mexicanas, con la integración de tecnología de vanguardia de equipos Technogym y entrenamiento inteligente, todo convive de forma precisa para ofrecer exclusividad real.
(DINAMO)
Dirección: ANATOLE FRANCE 146. POLANCO, CDMX
Un proyecto que busca ser un espacio de longevidad donde el baile se convierta en la base generadora de beneficios como neuroplasticidad, coordinación, fuerza y diversión. Inspirado en el paralelismo entre el microcosmos de un átomo y el macrocosmos de las estrellas, la paleta de colores oscura nos remite a ello para crear un entorno donde el sonido y la conexión son los protagonistas.
ENFOCADOS EN LA MATERIALIDAD: SUPERFICIES DE ALTO DESEMPEÑO PARA PISOS, MUROS Y BAÑOS QUE APORTAN FUERZA Y CARÁCTER, EQUILIBRADAS CON RECUBRIMIENTOS MINERALES QUE SUMAN CALIDEZ Y SUAVIDAD.
Dirección: PRADO NORTE 135. LOMAS DE CHAPULTEPEC, CDMX
(ÁTOMO)
From runway to deco
por NATALIA SÁNCHEZ
VIBE CENITAL
Este color transforma una habitación en un refugio sereno y luminoso. Si bien, el azul tiene una gama infinita, en esta ocasión apostamos por un matiz suave y neutral que evoca calma y frescura. Ideal para las paredes o para centuar con textiles decorativos. Combínalo con blancos y maderas claras, crea un ambiente acogedor, contemporáneo y lleno de armonía, perfecto para descansar y desconectar.
NUEVA EDICIÓN, NUEVA INSPIRACIÓN DE PASARELA. PARA ESTE SS26 NOS BASAMOS EN LOS COLORES QUE SON TENDENCIA Y ESTARÁS VIENDO EN TODOS LADOS. TOMA NOTA DE ESTOS AMBIENTES PARA TUS PRÓXIMAS REMODELACIONES.
1. Cortinas de algodón, URBAN OUTFITERS, USD59, urbanoutfitters.com. 2. Set de duvet, ZARA HOME, $2,999, C.C. Parque Delta. 3. Lámpara esmaltada, ADDISON ROSS, USD154, adissonross.com. 4. Joyero musical, WOLF, $16,059, farfetch.com.
AURA FUTURISTA
La gama de morados y violetas es ideal para crear una cocina con carácter y energía vibrante. Aportan calidez y personalidad en muros, gabinetes y hasta en electrodomésticos. Genera un contraste futurista con materiales metálicos o en piel y cierra con detalles neutros, así crearás un espacio dinámico, acogedor y contemporáneo, ideal para convivir y disfrutar.
BURBUJAS ROSAS
Dale un giro divertido a tu baño con un splash de tonos magenta que lo transfomaran en un espacio audaz y sofisticado. Su intensidad aporta dinamismo y un aire contemporáneo en muros, azulejos o pequeños detalles como el jabón. Integra con blancos o mármol para crear equilibrio. El resultado: un ambiente vibrante, elegante y con personalidad que eleva la experiencia cotidiana, no querrás salir de la bañera.
PARA TU JUEGO DE TOALLAS TE RECOMENDAMOS MEZCLAR LAS TONALIDADES.
1. Toalla de baño en algodón, IKEA, $279, C.C. Encuentro Oceanía. 2. Florero en cristal, CORDARO, gioielleriecordaro.com.* 3. Jabón sólido, LOEWE, $1,300, El Palacio de Hierro Polanco. 4. Tapete, NU ESPACIOS, $3,699, nuespacios.com.
Casablanca
Murmur
EAT YOUR GREENS
¿Verdes para exteriores? Por supuesto que sí. Con esta paleta de colores transformarás tu terraza, balcón o jardín en un refugio fresco y natural. Desde plantas hasta mobiliario, transmiten calma y conexión con el entorno. Mezclalos con madera, piedra o fibras orgánicas, esto te dará un ambiente equilibrado, relajante y contemporáneo, ideal para disfrutar del aire libre con estilo y armonía, tu nuevo edén.
Miu
Miu
Chanel
por CAROLINA ALVAREZ
LE LABO De Nolita en NY a la CDMX, y
ahora, en el sureste mexicano
Instalada en una casona del centro, la nueva boutique de Le Labo combina con el aire cálido y colonial de Mérida. Más que una tienda, se percibe como un estudio de materiales donde las tradiciones mayas y la arquitectura colonial española se mezclan con el toque de lo irremplazable hecho a mano y la estética industrial de la marca neoyorkina.
Por fin, el pasado mes de noviembre, Le Labo aterrizó en Mérida, Yucatán y, honestamente, la elección de esta locación no podría ser más acertada. La marca, que se caracteriza por separarse de lo pretencioso para enfocarse en el oficio, encontró su casa en una construcción tradicional que tiene todo el carácter yucateco. Lo interesante aquí es la arquitectura, no intentaron “modernizar” la propiedad, sino que la respetaron y la elevaron. Conservaron la fachada original y la carpintería de autor que cada vez es más escasa, pero le
dieron el giro austero crudo y cool de la marca usando chukum en las paredes. El resultado es una textura terrosa que se siente espectacular al tacto y que convive con los mosaicos de olivo originales. El recorrido termina en la parte trasera con un gesto contemporáneo: ventanales de hierro y vidrio hechos por manos locales que abren el espacio. El highlight de la boutique es el stand de preparación. Olvida las repisas llenas de cajas, aquí el enfoque está en el stand de madera y chukum (la estrella) donde mezclan tu perfume frente a ti. Es ese proceso manual y la etiqueta personalizada lo que sigue haciendo que Le Labo se sienta exclusivo, como un secretito a voces, incluso en medio del boom de popularidad que vive la Ciudad Blanca.
La próxima vez que vayas a Mérida, no pierdas la oportunidad de consentirte con una fragancia y conocer la boutique de Le Labo ubicada en Calle 54, #418, Centro.
Foto República
por CAROLINA ALVAREZ
Si existiera el término slow photo, este proyecto lo representaría. La accesibilidad de un smartphone, el constante scrolleo y la exposición a la misma estética, provoca que no nos detengamos a admirar una imagen; esta pausa, es el objetivo detrás de esta plataforma.
MÁS FÁCIL IMPOSIBLE
En su sitio web fotorepublica.com puedes encontrar la selección de imágenes por tema, fotógrafo o colección.
Cada imagen de fotorepublica.com se produce junto a FOCO Lab, un laboratorio especializado en impresión fotográfica que colabora con artistas, galerías y museos. Todos los papeles, procesos y montajes fueron cuidadosamente elegidos para elevar la fotografía y lograr que dure impecable mucho tiempo.
En estos tiempos de contenido desechable y de estar expuestos a imágenes todo el día, Foto República nace de la inquietud de Mariana y Santiago Arriaga —ambos directores de cine y aficionados a la fotografía— de reconectar a la gente con algo muy simple: la emoción de escoger una imagen, imprimirla y hacer que conviva contigo y con tu espacio. La plataforma funciona desde un lugar muy simple y claro: democratizar el coleccionismo y regresar la fotografía al mundo tangible. A través de una curaduría impecable (no cualquiera sube sus fotos), reúne el trabajo de fotógrafos consolidados como Ana Lorenzana, Gustavo García Villa, Ana Hop, Cynthia Serur y Naian González Norvind, junto con talentos inesperados que, aunque no se dedican a la foto, tienen un ojo brutal, como Lucho Martínez (sí, el chef con estrella Michelin). Desde su sitio, eliges la imagen que más te guste, el tamaño y si quieres enmarcarla. Hay opciones en maple, roble o nogal, y todo el proceso es bastante fácil e intuitivo. Configuras, das click y listo. Días después, tienes en la puerta de tu casa una pieza con calidad de galería, o incluso de museo, sin tener que gastar una fortuna en una pieza de arte.
TOMANDO CAFÉ EN CANDELARITA
UNA CONVERSACIÓN ENTRE ADELINE DE MONSEIGNAT Y KATHARINE JAENSCH / FOTOS: XIMENA MORFÍN / DIRECCIÓN CREATIVA: SUNDAY AM
Conocí a Adeline de Monseignat por primera vez en un café cerca del Parque México en 2023, mientras desarrollaba una exposición para MASA Galería. Había seguido su trabajo durante años, atraída por su silenciosa intensidad y su propuesta para la muestra, no hizo más que profundizar/intensificar esa fascinación. Cerca del cierre de la exposición, Adeline se comunicó conmigo para preguntarme si conocía a alguien que pudiera ayudarla en sus próximos proyectos. La respuesta fue inmediata: yo. Desde entonces, la dimensión de nuestra colaboración ha crecido de manera orgánica; desde la publicación de Motherhood in Four Acts (Maternidad en Cuatro Actos) hasta una serie de exposiciones posteriores. Ser testigo de su proceso creativo de cerca es comprender la precisión detrás de la poesía: una práctica definida por el cuidado, la contención y una atención inquebrantable.
KJ: ¿Llevas varios años trabajando en la Ciudad de México, ¿cómo ha moldeado la ciudad tu vida cotidiana y tu manera de pensar?
ADM: Mi primer vínculo con la ciudad fue a través de su materialidad, el mármol local, la piedra volcánica, el bronce, pero desde entonces mi fascinación ha pasado a ser más sobre su ingenio. La forma en que los mexicanos resuelven los problemas. Las fachadas contrastantes de la arquitectura nueva y la antigua, un motociclista cargado de cosas abriéndose paso entre el tráfico, los juegos de palabras y el humor. Todo se siente casi surreal, pero completamente natural al mismo tiempo. Esos detalles son los que se quedan conmigo.
KJ: ¿Tu estudio se sitúa en una casa de 1935 en el Centro Histórico, con cocina, espacios de trabajo y distintos cuartos para crear, reunirse y pensar. ¿Qué te atrajo de ese espacio y cómo es realmente un día normal ahí?
ADM: Elegí que mi estudio fuera una casa para alinearlo con los temas personales que mi obra explora: la memoria, la intimidad y la comunidad. Mis días fluyen entre los cuartos. Leyendo, escribiendo, dibujando, pintando y tallando maquetas en el piso de arriba, mientras las obras más grandes toman forma en la planta inferior. Siempre hay una pausa rápida en la biblioteca de materiales y muchas paradas en el cuarto del café. Recorrer estos espacios se siente menos como trabajar y más como habitar un hogar creativo.
KJ: ¿En tu estudio, la “biblioteca de materiales” reúne piedras, semillas, fragmentos orgánicos y maquetas, ya sea encontrados, regalados o creados por ti. ¿Qué papel desempeñan dentro de tu trabajo?
ADM: Veo mis materiales y objetos encontrados como protagonistas, todos esperando con ansias su momento para participar en un proyecto. Trabajo en colaboración con ellos, ya que cada uno tiene inherentemente algo que decir, su propio bagaje histórico. No puedes disociar la piedra de su historia en la cantera, y eso es algo con lo que juego.
KJ: ¿Tus esculturas suelen transformar la percepción de los materiales, la piedra puede sentirse inesperadamente ligera, el bronce casi delicado. ¿Eres consciente de ese cambio mientras creas, o sucede de forma más intuitiva?
ADM: Todos pensamos en la piedra como grandes bloques cúbicos y eso es lo que recibe el escultor en el estudio. Sin embargo, ese no es el estado natural de la piedra. Su origen es la montaña, fuerte, pero erosionada con el tiempo. Quizás por eso siento que la piedra anhela tener bordes suaves.
KJ: ¿Hay una sensación de familiaridad en tus formas, pero también algo surreal o de otro mundo. ¿De dónde viene esa tensión para ti?
ADM: Quizás de trabajar en algún lugar entre la memoria y la imaginación, algo que alguna vez fue y algo que podría convertirse en. Las formas que creo suelen estar arraigadas en algo profun-
Adeline de Monseignat (Mónaco, 1987) es una escultora radicada en Ciudad de México cuya obra investiga la vida oculta dentro de la materia, nutriéndose de la mitología, el simbolismo, la psicología y lo inquietante.
damente familiar: semillas, cuerpos, escaleras, hojas, pero nunca son del todo lo que parecen. Habitan ese espacio intermedio donde lo familiar se desliza sutilmente hacia un lugar inquietante.
KJ: Pareces recopilar y organizar el mundo con mucho cuidado: objetos, historias, incluso temas como la maternidad y la infancia. ¿Consideras que esa es tu manera de pensar?
ADM: Debe ser mi forma de registrar y asimilar el mundo, casi como una coleccionista. Reúno cosas, historias, objetos, formas, todas a través de un hilo común. Hay algo en agrupar elementos que comparten un mismo terreno que me ayuda a ver con mayor claridad, no solo sus similitudes, sino, sobre todo, a apreciar los matices de sus diferencias.
KJ: ¿Hay algo en tu estudio a lo que vuelvas una y otra vez, sin saber del todo por qué?
ADM: Sí, el óculo. La manera en que la luz lo inunda todo y va
dibujando el estudio. Me detengo ante él de forma instintiva; no importa desde qué dirección cruce ese descanso de escalera, siempre le dedico un momento. Poder mirar hacia arriba y ver el cielo y las nubes pasar: mi propio James Turrell.
KJ: ¿Qué parte del proceso disfrutas más: comenzar algo, trabajarlo o verlo terminado?
ADM: La etapa que más disfruto es el comienzo. Tiene una energía particular, llena de potencial y todavía libre de límites. Quizás por eso me identifico tanto con el símbolo de la semilla: cómo una sola semilla alberga la posibilidad de un bosque entero.
KJ: ¿Fuera de tu estudio, ¿qué tipo de cosas o momentos tienden a quedarse contigo en la vida cotidiana?
ADM: El comportamiento silencioso de un insecto; la manera en que la rama de un árbol va abrazando lentamente un barandal de metal; las mordidas de una oruga sobre una hoja fresca; la forma
“HACER ARTE ES EL ACTO DE PRESENTARSE, DE ABRIR HERIDAS PARA QUE TODOS LAS VEAN Y, DESDE ESE MISMO IMPULSO COLABORATIVO, COSERLAS JUNTAS OTRA VEZ.”
KATHARINE JAENSCH ES UNA PROFESIONAL DEL MUNDO DEL ARTE Y DIRECTORA DE ESTUDIO DE ARTISTAS CON BASE ENTRE CIUDAD DE MÉXICO Y NUEVA YORK, ESPECIALIZADA EN GESTIÓN DE ESTUDIOS, PRODUCCIÓN Y COORDINACIÓN INTERINSTITUCIONAL DENTRO DEL CAMPO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO.
en que la luz atrapa el mosaico de piedra de una fuente y proyecta sombras; las ramas y maderas que llaman la atención de mi hijo mayor y las piedras que recoge el menor. Creo que, sin darme cuenta, estoy constantemente coleccionando imágenes.
KJ: ¿En nuestra reciente colaboración, Motherhood in Four Acts (Maternidad en cuatro actos), la maternidad tomó forma a través de cuatro capítulos escultóricos, ¿cómo transformó esa experiencia tu manera de traducir vivencias personales en obra?
ADM: Estructuramos el libro como una obra de teatro porque crear realmente se siente como exponerse ante un público. El espectáculo comienza, las cortinas se abren y luego se cierran, y detrás de ellas me retiro. En esa pausa, redescubro mis pensamientos y pronto encuentro la energía para crear de nuevo y volver a enfrentar el escenario. Hacer arte es el acto de presentarse, de abrir heridas para que todos las vean y, desde ese mismo impulso colaborativo, coserlas juntas otra vez.
KJ: ¿Estás desarrollando un proyecto de “jardín comunal” que invita a personas de todo el mundo a compartir historias vinculadas a las plantas (las convocatorias están abiertas hasta el 20 de junio), ¿qué te llevó a esta forma colectiva de narración en este momento de tu práctica?
ADM: Después de atravesar la maternidad, sentí una necesidad profunda de volver a abrirme al exterior: reencontrarme con mis comunidades y formar a otras nuevas. Aún cuando compartimos mucho, nuestras vivencias íntimas pueden diferir radicalmente. Me fascina cómo una sola planta puede albergar tantas capas: exilio, memoria, duelo, amor. Este proyecto propone un espacio donde esas narrativas puedan coexistir y expandirse hasta conformar un archivo común, simultáneamente íntimo y colectivo.
KJ: ¿Por último, ¿qué sigue para ti? ¿Dónde veremos tu trabajo y qué se siente más presente en este nuevo capítulo?
ADM: Tendré mi primera exposición pública de escultura, Sculpture in ree Acts (Escultura en Tres Actos), en la azotea de theCoLab en Londres, con apertura el 16 de mayo. Una exposición al aire libre que permanecerá durante un año. Actualmente también formo parte de la exposición colectiva Deseos Diferentes en el Museo Cabañas, en Guadalajara, hasta el 24 de mayo, junto a otras nueve artistas contemporáneas. Y, por último, El Jardín Comunal, que recibe propuestas hasta el cierre de la primavera (20 de junio). Espero que participen.
foto STEFANO GALUZZI por ELISA MENCARELLI dirección creativa MARTINA LUCATELLI en colaboración con MARTINA DALLA BONA arte MASSIMO COLONNA
Lo mejor del diseño
ARMANI/TEATRO
Nos enorgullece presentar a los 15 ganadores de la 24ª edición de los premios ELLE DECO International Design Awards, elegidos por los editores en jefe de la red internacional de ELLE Decoration y fotografiados en el Armani/Teatro de Tadao Ando, en Milán. Este espacio, concebido en 2001 para transformar un antiguo complejo industrial, reúne un showroom, oficinas y un escenario para desfiles en una plataforma en constante evolución. La colaboración entre Giorgio Armani y Tadao Ando se traduce en un lenguaje compartido, sobrio y preciso, donde la luz, el concreto y el movimiento definen la experiencia. Más que un recinto, es una arquitectura que se adapta, dialoga y trasciende lo funcional para convertirse en un manifiesto contemporáneo. Hoy se convierte en el escenario donde brillan estos galardonados.
LOS GANADORES DE ESTA EDICIÓN TRAZAN UN MAPA DONDE LA MATERIA COBRA VOZ. ENTRE TEXTURAS, COLOR Y FORMA, CADA PIEZA REVELA UNA MANERA DE HABITAR EL PRESENTE.
DISEÑADOR DEL AÑO
Cristián Mohaded
La obra de Mohaded destaca por su capacidad de traducir los códigos de Argentina en diseños sofisticados. Los elementos de la naturaleza de Argentina son su fuente de inspiración, materializada por manos de artesanos sudamericanos. Su carrera comenzó en 2008, tras estudiar diseño industrial en la Universidad Nacional de Córdoba, cuando fundó su taller en Buenos Aires. “Mi madre trabajaba con textiles, mi abuela pintaba acuarelas y en cada esquina de nuestro pueblo había artesanos produciendo piezas hechas a mano. La curiosidad por hacer algo nuevo siempre ha sido, y sigue siendo, una fuerza motora en mi trabajo”, dice. Ha colaborado con Loro Piana y Louis Vuitton, y próximamente presentará una colección para Etel en la MDW. CRISTIANMOHADED.COM
CAMA
ROSARY por INDIA MAHDAVI para BOLZAN Woven Dreams. A Story of Artisanal Headboards es una colección de cabeceras curada por los diseñadores Zanellato/Bortotto, con sede en Treviso, quienes propusieron invitar a cuatro nombres del reconocimiento internacional a experimentar con el diseño de esta parte de la cama y convertirla en un elemento distintivo. Entre las propuestas de Julie Richoz, Martino Gamper, Sam Baron y la reconocida arquitecta franco-iraní India Mahdavi, en este caso firmado por esta última: una cabecera geométrica acolchada, tapizada en tela de Pierre Frey y enriquecida con anillos cerámicos esmaltados, de color y personalizables, que recorren su borde superior, creando un juego vibrante y lúdico. BOLZAN.COM
Del oficio al objeto, de la tradición al experimento: cada pieza confirma que el diseño también se siente.
Un homenaje a la imaginación. Entre materiales nobles, gestos sutiles y narrativas visuales, estas propuestas nos recuerdan la relación tan estrecha que tenemos con los espacios que nos rodean, donde cada superficie cuenta una historia, e influye en la manera en que habitamos y existimos.
DISEÑADOR DE INTERIORES DEL AÑO
Festen Architecture
El nombre en sí mismo es una declaración: la palabra danesa festen significa “fiesta” o “banquete” y alude a la calidez y convivencia que definen el trabajo de Charlotte de Tonnac y Hugo Sauzay. Se conocieron en la École Camondo de París y más tarde se convirtieron en pareja en la vida y el trabajo, fundando su estudio en 2011. Su proceso abarca desde residencias privadas y hoteles hasta instalaciones y escenografías. Han desarrollado una firma sofisticada y poética que combina materiales naturales, formas suaves y detalles precisos; un estilo capaz de fusionar épocas con elegancia discreta, profundamente parisina y en diálogo con el genius loci
El Hôtel du Couvent, en Niza, es un ejemplo clave. Entre sus residencias destaca el departamento Verneuil, que reinterpreta el interiorismo clásico parisino. “Somos humildes en nuestro trabajo”, explican. “Nos acercamos con cuidado al contexto para integrar lo que hacemos con naturalidad”.
FESTENARCHITECTURE.COM
REVESTIMIENTO DE PAREDES
LE CHEMIN DES ÉTOILES por JEAN-CHARLES DE CASTELBAJAC para PIERRE FREY
La colección La Couleur De Nos Rêves, del reconocido diseñador y creativo francés Jean-Charles de Castelbajac, se distingue por su carácter ecléctico y su paleta jovial y vibrante. En ella, los textiles de Pierre Frey funcionan como un lienzo en blanco sobre el que el artista despliega relatos coloridos que estimulan una imaginación desbordante. La colección incluye el textil Les Chemins des Étoiles en toile de Jouy, cuyos tonos luminosos dan vida a escenas oníricas y personajes fantásticos, evocando en cierto modo los dibujos surrealistas de Jean Cocteau.
PIERREFREY.COM
MUEBLES PARA EXTERIORES
DREAM VIEW BENCH por LISE VESTER para MUUTO
La nueva banca para exterior diseñada por Lise Vester, para la firma Muuto, es una invitación a detenerse y disfrutar de un momento de descanso mientras se contempla el cielo estrellado. Fabricada en acero inoxidable y producida en Dinamarca, se distingue por su silueta suave y ergonómica, que se adapta al cuerpo y sugiere recostarse para mirar hacia arriba. “Nos permite conectar con la naturaleza y dejar que los pensamientos fluyan libremente”, explica la diseñadora, convirtiendo el simple acto de sentarse en una experiencia casi meditativa.
MUUTO.COM
La luz transforma la atmósfera, rediseñando cómo vemos el mundo.
ILUMINACIÓN
CASCADE por LEE BROOM para LLADRÓ
El diseñador británico Lee Broom, quien produce sus creaciones de manera independiente bajo la marca que lleva su nombre, se ha unido a la firma española Lladró para dar forma a una serie de luminarias inspiradas en la evanescencia de los faroles de papel. Las piezas de la colección Cascade en porcelana, que incluye tres tipos distintos de lámparas colgantes y una de mesa, se componen de formas geométricas simples —esferas y cilindros— definidas por líneas horizontales y superficies opalescentes que enfatizan la delicadeza del material. ¿El resultado? Una combinación única entre la maestría artesanal de la firma y la visión ecléctica del diseñador.
LLADRO.COM
TALENTO JOVEN DEL AÑO
6:AM
Edoardo Pandolfo y Francesco Palù son jóvenes diseñadores que, en el transcurso de pocos años, han sorprendido por su capacidad de combinar diseño, arquitectura, artesanía y reciclaje, dando forma a piezas de colección que proponen una reinterpretación contemporánea de la tradición del vidrio de Murano. Su trabajo abarca desde pequeñas piezas con formas animales hasta mobiliario y accesorios de gran encanto, además de luminarias suspendidas de gran formato y piezas escultóricas elaboradas con vidrio recuperado. Han colaborado con figuras como Luca Guadagnino, Patricia Urquiola y Hannes Peer, y también han incursionado en la moda con una colección de asientos de vidrio para Bottega Veneta. “En los últimos años, 6:AM ha evolucionado hacia una entidad compleja que combina experimentación técnica con espontaneidad artística”, explican. Su siguiente proyecto tendrá lugar en la piscina Guido Romano, transformada en una experiencia inmersiva durante la próxima MDW.
6AM.GLASS
REVESTIMIENTO DE PISO
WALLED GARDEN por EAGLE & HODGES para NORDIC KNOTS
Inspirada en la atmósfera onírica del jardín británico tradicional, esta colección propone una interpretación contemporánea e imaginativa del motivo floral. Compuesta por tres tapetes hechos a mano con lana de Nueva Zelanda, fue creada por el dúo británico Alex Eagle y Sophie Hodges para la firma escandinava Nordic Knots. Walled Garden presenta una paleta de beiges cálidos y rojos terrosos que dibujan formas libres y símbolos con un encanto sutilmente indómito.
NORDICKNOTS.COM
LOGRO SUSTENTABLE
THE POWER OF BIOCHAR por HOLCIM x ELEMENTAL
La empresa suiza de materiales de construcción Holcim y el estudio chileno Elemental, encabezado por el ganador del Premio Pritzker, Alejandro Aravena, presentaron en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2025 un prototipo de construcción sustentable. En su núcleo se encuentra un concreto de biochar con cero emisiones, elaborado a partir de residuos orgánicos y combinado con cemento y agregados reciclados, ofreciendo una solución de bajo carbono y alto desempeño para la industria. “Esta tecnología para descarbonizar materiales permite responder con rapidez y precisión a la crisis de vivienda”, explica Aravena.
HOLCIM.COM
TEXTILES
UNDER WAY 1963 por ANNI ALBERS para DEDAR
En colaboración con la Josef & Anni Albers Foundation, “Una línea que serpentea sin rumbo” es como la diseñadora pionera de la Bauhaus, Anni Albers, describía sus creaciones textiles, que fueron traducidas el año pasado en la MDW en una colección. La sensibilidad con la que Dedar ha trasladado estas obras, creadas entre 1936 y 1974, resulta fascinante. La pieza que se muestra aquí, Under Way 1963, está compuesta por hilo de lana sobre satén de algodón y tejidos de yute que trazan un patrón decididamente dinámico.
DEDAR.COM
BAÑO
MASSICCI por MARCO ZITO para AGAPE
Un diseño inédito que lleva el trabajo en vidrio a nuevos límites, resultado de un intenso proceso de investigación desarrollado en los hornos de Murano. Marco Zito, diseñador y profesor en la Universidad IUAV de Venecia con 30 años de trayectoria, es el autor de esta colección de lavabos, disponibles en versiones transparente y ámbar, cuyas superficies irregulares potencian su carácter escultórico. A diferencia del vidrio soplado, el vidrio fundido absorbe y refracta la luz, generando efectos iridiscentes. Una combinación singular de experimentación y oficio que rinde homenaje al material. AGAPEDESIGN.IT
ASIENTOS
BUTTER SOFA por FAYE TOOGOOD para TACCHINI
La colaboración entre la firma Tacchini y la diseñadora británica Faye Toogood, que inició en 2024, continúa con un nuevo capítulo en el que el Butter Sofa toma el protagonismo. Su diseño envolvente y su encanto escultórico, junto con una suavidad que remite a un bloque de mantequilla irresistible al tacto, explican su nombre. Su estructura modular presenta volúmenes amplios y un acolchado generoso, reflejando el enfoque experimental de la diseñadora, donde capas, técnica artística y producción industrial conviven con naturalidad.
TACCHINI.IT
VAJILLA
SILVER SET 2025 por RACHEL WHITEREAD para PUIFORCAT
La artista británica Rachel Whiteread, ganadora en dos ocasiones del Turner Prize, un prestigioso premio que reconoce a artistas contemporáneos, diseñó Silver Set para la histórica firma francesa de platería Puiforcat. La colección, que incluye una jarra de agua (en imagen), servilleteros, vasos y una charola, es resultado de un proceso creativo inédito en el que el cartón corrugado, responsable de las delicadas estrías en las superficies, fue primero modelado y posteriormente reproducido en plata esterlina por el equipo de artesanos de la casa.
PUIFORCAT.COM
COCINA
CINA de VICO MAGISTRETTI reinterpretada por MARCO COSTANZI para SCHIFFINI
La firma Made in Italy, bajo la dirección creativa del arquitecto Marco Costanzi, celebra su centenario revisitando el modelo Cina, de 1986, de Vico Magistretti, que también cumple 40 años, prueba de su extraordinaria vigencia y modernidad. Esta nueva versión, de líneas limpias y minimalistas, incorpora tecnología aún más avanzada y cubiertas en cuarcita natural, resina de mármol o mármol Sahara Noir. Destaca su campana de acero, que redefinió la cocina de los años ochenta, así como la manija integrada en la parte superior de la puerta, resolviendo el diseño con precisión. SCHIFFINI.IT
MOBILIARIO
TEAHOUSE COLLECTION por CHRISTOPHE PILLET para CECCOTTI
Una colección compuesta por una silla, una mesa, una consola y un gabinete que rinde homenaje al Oriente antiguo y a la tradición de la ceremonia del té. El diseñador francés Christophe Pillet, reconocido por su capacidad para transmitir el encanto natural de la madera, presenta este año una serie de piezas con un marcado carácter poético. Su rasgo distintivo radica en la meticulosa elaboración de cada elemento, disponibles en distintas maderas de nogal, que nacen del trabajo artesanal en madera maciza, material insignia de la firma. Lo que realmente destaca de esta línea es su capacidad para exaltar la simplicidad del proceso de diseño a través de la exploración de la belleza atemporal y el encanto de los rituales cotidianos, revelando una sensibilidad que convierte lo esencial en extraordinario y lo funcional en una experiencia estética profundamente refinada.
CECCOTTICOLLEZIONI.IT
De la cocina como ícono moderno al mobiliario como ritual cotidiano, estas piezas demuestran que el buen diseño perdura a través del tiempo.
Cuando pensamos en arquitectura solemos pensar en los espacios creados para habitarse, como complejos residenciales, hoteles, casas y edificios; incluso en aquellos que han sido hechos para transitarse, como estaciones de tren, puentes y aeropuertos; pero pocas veces nos detenemos a reflexionar en aquellos que han sido edificados para la producción industrial.
por JORDI LINARES RIVAS.
FATTO IN ITALIA
La fábrica de Prada en Valvigna
UN FUERTE ENFOQUE EN HUMANIZAR LOS ESPACIOS DE TRABAJO.
FOTOS: CORTESÍA PRADA.
PARA GUIDO CANALI, LA ARQUITECTURA INDUSTRIAL DEBE SER EFICIENTE Y FUNCIONAL, PERO CON
LA FÁBRICA PRADA VALVIGNA FUE CONDECORADA CON EL BRAND&LANDSCAPE AWARD POR SER UNA EXPRESIÓN DE GRAN RESPETO POR LA NATURALEZA, ASÍ COMO POR LA DIGNIDAD Y EL VALOR DE LOS TRABAJADORES
Al imaginar arquitectura industrial es probable que nos vengan a la mente imágenes de la periferia con altas construcciones de paredes grises y chimeneas que obedecen a la funcionalidad y no a la estética. Sin embargo, para el arquitecto italiano Guido Canali, una fábrica no se trata de algo secundario sino que tiene el mismo peso cultural que una casa o un museo, y así es como a través de su trabajo redefine las reglas de la arquitectura industrial. Uno de los mejores ejemplos de su filosofía es a través de la labor realizada con Prada en la fábrica de Valvigna, lugar que resguarda la división de desarrollo y producción de marroquinería de Prada y Miu Miu. Además, los almacenes de materia prima y los archivos de zapatos y productos de cuero de ambas marcas, resguardan piezas históricas, y albergan creaciones únicas para películas como
Australia o El gran Gatsby. Canali ha concebido este complejo como la fábrica-jardín de Prada, creada para reducir el impacto visual y armonizar con el entorno de los bosques de la Toscana. El imponente edificio se extiende de manera horizontal con una marcada geometría de concreto, acentuada con grandes ventanales y techos de cristal que permiten la entrada de luz natural y acero, con una función estructural a la vez que decorativa. Desde la llegada a las puertas de la fábrica de Valvigna, el visitante es recibido por infinitos espejos de agua circundantes que transmiten quietud. La ornamentación al interior queda a cargo de la naturaleza a través de jardines verticales, azoteas colgantes, escaleras verdes e hileras de vid, todo con el afán de hacer sentir a los trabajadores del lugar en un espacio armonioso.
La atención con la que se ha desarrollado esta fábrica es una declaración en sí misma al honrar el proceso y demostrar que la producción también es parte del lujo. Incluso la manera en la que, a través del uso del cristal, podemos ser testigos de cada paso de la cadena de producción, elevando el quehacer diario de los trabajadores a un espectáculo casi coreográfico. Como parte de su compromiso de sustentabilidad, Prada también ha adquirido las montañas colindantes con el compromiso de su preservación y cuidado.
Living
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LA CASA DE MIS SUEÑOS PLATÓNICOS (82) / EL PRIMER TERRITORIO (92) / UNA CASA
PARA TODA LA VIDA (100) / ENTRE HERENCIA Y RITMO (112) / EN EL SET (122)
Desde iconos de museo hasta hallazgos olvidados, cada asiento proyecta una identidad. Abrimos nuestra bodega para mostrar el diseño actual en México a través de estas piezas.
UN POCO FANTASÍA, UN POCO MANIFIESTO DE DISEÑO. ESTE ES EL TIPO DE DEPA QUE TODOS MANIFESTAMOS, JUNTO A UNA VIDA TRANQUILA EN LA PLAYA. EN PALM BEACH, AUSTRALIA, HAYDEN Y DANIELLE COX CONVIERTEN EL IMAGINARIO DEL SURF EN UN HOGAR DONDE TODO FLUYE ENTRE LUZ, MATERIALIDAD Y PAISAJE. VISTAS AL PACÍFICO, TEXTURAS QUE CUENTAN HISTORIAS Y DECISIONES SOSTENIBLES QUE NO SACRIFICAN ESTÉTICA CONSTRUYEN UN ESPACIO QUE SE SIENTE TAN ASPIRACIONAL COMO HABITABLE. EL TIPO DE LUGAR QUE SE QUEDA RONDANDO LA CABEZA, COMO UN CRUSH IMPOSIBLE PERO PERFECTAMENTE DISEÑADO.
LA CASA DE MIS SUEÑOS PLATÓNICOS
FOTO ANSON SMART
TEXTO ROOS VAN DER RUST
ESTILISMO CLAIRE DEL MAR
Sofá Camaleonda de Mario Bellini para B&B Italia y mesa de centro Refract de Hayden Cox para SP01, (ambos vía Space Furniture); sillón Wassily de Marcel Breuer para Gavina; banco Angel de Møbel Copenhagen (vía Fred International); mesa lateral de bambú Maria Preciosa de Etel Carmona (vía Mama Casa).
Tapete Linear de Claire Del Mar para The Rug Establishment; lámpara de mesa Magic Mushroom de Lodes (vía Euroluce); lámpara colgante LT 338 de Carlo Nason para Mazzega; spots empotrados Kingston de Tovo.
Obra Light Blind de Marisa Purcell; tabla de surf izquierda de Haydenshapes y tabla derecha de Haydenshapes x Daniel Arsham.
La escalera está hecha con una mezcla de concreto a base de residuos reciclados de tablas de surf, desarrollada por Hayden Cox Studio y Concrete Bespoke. Sobre el sofá Camaleonda de B&B Italia cuelga la obra Space Oddity de Alex Weinstein (vía Freeman Gallery).
En Palm Beach, al norte de Sídney, Hayden y Danielle Cox imaginan una casa familiar que también funciona como refugio de playa contemporáneo, donde el diseño, la materialidad y el paisaje se entrelazan en una experiencia que se siente tan aspiracional como profundamente habitable. Desde el primer momento, la casa se despliega en cascada sobre un terreno bañado por el sol, como si respondiera al ritmo natural del entorno. Las vistas se expanden de Pittwater al icónico faro de Barrenjoey, hasta Cape Three Points y el horizonte abierto del Pacífico. El paisaje se convierte en el eje emocional del proyecto.
La arquitectura traduce esta relación en una secuencia de espacios fluidos que conectan distintos pabellones a lo largo de tres niveles principales. Recámaras, áreas sociales, cine, alberca y zonas de entretenimiento conviven sin rigidez, como si cada espacio fuera una extensión natural del anterior. Incluso los niveles inferiores —con gimnasio dedicado al wellness, tina de hielo y sauna infrarrojo— mantienen esta lógica de continuidad, articulados por un elevador interno que recorre toda la propiedad.
Hayden Cox, fundador de Haydenshapes, traslada su universo de experimentación constante a este terreno al incorporar su pasión por el surf, utilizando en la materialidad de la casa tablas de surf. Residuos del proceso de fabricación, como polvo de espuma y recortes de fibra de vidrio, se rescatan del desperdicio y se transforman en elementos de concreto de alta gama presentes en toda la casa.
“He estado experimentando con la reutilización de los residuos de la fabricación de nuestras tablas de surf durante varios años, principalmente para usarlos en el diseño de nuestras tiendas o en proyectos especiales. Al llevarlo al ámbito residencial e integrarlo en nuestra propia casa, descubrimos que la fibra de vidrio aporta resistencia y la espuma aumenta el aislamiento, lo cual funciona muy bien al momento de calentar o enfriar un espacio y ayuda a reducir el consumo de energía. Además, se obtiene un acabado visual con una textura muy particular, diferente al concreto más limpio y estándar.”
Las superficies adquieren una textura irregular, viva, que se aleja del concreto tradicional. Nada es completamente uniforme y, en esa imperfección controlada, aparece el carácter del proyecto. La paleta cromática nace directamente del paisaje: la arena de piedra arenisca con su textura rica y terrosa; los destellos metálicos en tonos bronce durante la hora dorada; y la energía cambiante del agua cristalina del Pacífico Sur. En el interior, esto se traduce en yesos franceses, luminarias de vidrio soplado a mano, travertino, mármoles escultóricos en tonos Venus White y Viola, y carpintería metálica italiana en acabado bronce.
“La selección de materiales, el entorno y la forma en que cada uno de ellos iba a envejecer con el tiempo fue una consideración cla-
ve. Por ejemplo, los metales dentro de la casa, desde las luminarias hasta la grifería y algunos elementos de carpintería, se oxidarán de forma natural con el aire salino, generando una pátina única que los hará más interesantes con el paso del tiempo.”
La casa busca evolucionar, dejando que el entorno deje su huella sobre cada superficie. Esa misma lógica se extiende al mobiliario. La curaduría mezcla piezas contemporáneas con objetos vintage y diseños hechos a la medida a partir de materiales reutilizados. Hay referencias a diseñadores como Marc Newson y Mario Botta, pero también una colección personal de tablas de surf y obras que han acompañado a Hayden a lo largo de los años.
Entre las piezas más singulares destacan la mesa de centro Refract y la tabla de surf Refract Resin, parte de una colaboración entre Hayden Cox y SP01. La resina, material central en el diseño de tablas, fue reformulada específicamente para escalarse a mobiliario y arquitectura, generando superficies que capturan la luz con una profundidad casi líquida. El sonido también forma parte de la experiencia. El sistema de audio, diseñado íntegramente por Bang & Olufsen, se integra en cada nivel de la casa. En la sala principal, el Beosound A9 ‘Catalyst’ —una colaboración con Haydenshapes que se lanzó en 2025— funciona como un punto focal que articula espacio, diseño y tecnología.
“Cuando tienes esta increíble vista al océano azul como punto focal de la casa, enmarcarla de una forma que mantenga esa sensación de calma —como cuando estás surfeando o parado en la playa mirando el mar— se sentía como la dirección de diseño correcta para el lugar. No queríamos que la paleta base se sintiera complicada. En cambio, optamos por un uso más audaz del color a través de la curaduría del mobiliario y la decoración, que además es intercambiable. Ese enfoque se sintió más sostenible a largo plazo.”
El paisaje exterior introduce un contrapunto orgánico. Palmas nativas australianas, arbustos florales y pastos locales dialogan con la limpieza de la arquitectura, generando una tensión sutil entre lo natural y lo diseñado. Las terrazas ajardinadas conectan con las áreas principales, anclando la casa al terreno, mientras las vistas se elevan entre las copas de los árboles, siempre con el océano como presencia constante.
Al final, este proyecto es más que una residencia. Es una fantasía cuidadosamente construida: un espacio donde el diseño no solo responde a la estética, sino a una forma de habitar más consciente, más sensorial.
El tipo de lugar que se queda en la cabeza —como la casa perfecta que guardas en screenshots—, imposible de olvidar, difícil de alcanzar, pero peligrosamente cercano en la manera en que redefine lo que entendemos por vivir bien.
(PÁGINA OPUESTA)
“EN LA PARED HAY UNA MEZCLA DE CONCRETO DESARROLLADA POR NOSOTROS, EN LA QUE SE INCORPORAN MATERIALES DE DESECHO. POR ESO, EL ACABADO TAMBIÉN ES DISTINTO AL DEL CONCRETO MÁS LIMPIO Y ESTÁNDAR.”
Silla Marilyn de Baxter; mesa lateral Harold & Maude de Glas Italia; lámpara de mesa vintage de Louis Kalf; obra Pale Cut de Gregory Hodge.
Mesa lateral de resina verde y mesa de comedor de Hayden Cox Studio, con sillas Giraffe de Juliana Vasconcellos (vía Freeman Gallery) y silla Seconda de Mario Botta. Obra cerámica sobre la mesa de Caressa Gonsalves; pintura en muro The Time It Takes de Marisa Purcell; lámpara blanco con verde Vincula de Charlie White. Maceta de Brosa; espejo Brodzki de Lolo Interiors. Bocina Catalyst Beosound A9 de Haydenshapes para Bang & Olufsen; mesa lateral de Emma Donnersberg; sillón Orgone de Marc Newson.
(ESTA PÁGINA) Mesa lateral de resina Refract de Hayden Cox x SP01; lámpara Bolero de Rubn; cuenco de aluminio de Henry Wilson; pintura a la izquierda OpenandClose#4 de Kanchana Gupta. Silla a rayas Boborelax de Arflex; mesa lateral Mazer de Tom Fereday; silla Presidencial de Jorge Zalszupin; mesa de centro de vidrio vintage; lámpara de piso Daphine de Lumina; lámpara Gatto de Flos; tapete Sandringham de Baya.
(PÁGINA OPUESTA) Obra a la izquierda SpaceOddity de Alex Weinstein (vía Freeman Gallery); banco PapierHocker6B de Ilya Goldman Gubin (vía Atelier 024); lámpara de mesa MagicMushroom de Lodes (vía Euroluce); sillón de Oscar Niemeyer; mesa de centro Refract de Hayden Cox para SP01 (vía Space Furniture).
“LA COCINA ES EL CORAZÓN DE LA CASA. SE SIENTE COMO SI TODOS LOS DEMÁS ESPACIOS ESTUVIERAN A SOLO UNOS PASOS DE AHÍ.”
El primer territorio
Este proyecto no comenzó con planos ni muestras de color desplegadas sobre una mesa, empezó en otro lugar: en la imaginación de dos niños.
La infancia es el primer territorio transformativo que habitamos. Un espacio donde las reglas aún no están del todo definidas. Diseñar para ese momento de la vida implica entender que estás creando un escenario donde las posibilidades son infinitas, donde la identidad puede reinventarse sin restricciones.
El primer universo es el de ella. Tiene poco más de cuatro años y entiende el mundo como un desfile en constante transformación. Entre muñecas, casitas en miniatura y cajas rebosantes de pasadores, cada mañana plantea una pregunta esencial: quién quiere ser hoy. Su habitación, entonces, no podía resolverse como un cuarto infantil tradicional. Desde el inicio, se concibió como un espacio propio, un lugar que no limita el juego, sino que lo acompaña y lo amplifica.
La cama marca el tono del espacio. Hay en ella una calma que no infantiliza, sino que permite crecer dentro de ella. Hay una calma serena, casi silenciosa, equilibrada por una elegancia que anticipa el mundo adulto sin abandonar la infancia. La cabecera, suave y envolvente, propone otro tipo de cercanía: leer, descansar, imaginar, compartir secretos antes de dormir. Sobre todo esto, el techo se convierte en el elemento que amarra todo junto, con un poder para reunir que recuerda a una celebración. Aquí, la organización no responde a una lógica adulta, en lugar de guardar las cosas, son exhibidas como aquello que representa el carácter de quien habita el espacio. Pasadores, ligas y pequeños accesorios ocupan su lugar a la vista, en una coreografía que le da sentido al posicionamiento de cada objeto. Al cruzar la puerta, encuentras un baño verde que funciona como una extensión silenciosa del cuarto; el cambio es casi imperceptible. El tono verde introduce una pausa: es un espacio donde el ritual cotidiano se convierte en un ejercicio de identidad. Crecer, en este sentido, es aprender a verse.
El espacio de su hermano cuenta una historia completamente distinta. Su baño fue concebido desde el movimiento. Azul y rojo trazan un diálogo que se aleja de cualquier idea de orden estático. Aquí todo apunta hacia adelante. En el centro, un mural decora el espacio. La imagen apareció casi de inmediato, pero su materialización implicó pruebas fallidas, ajustes de color y decisiones al borde del descarte. Hubo un momento en que parecía más fácil abandonar la idea que insistir en ella, pero insistir también es parte del diseño. Y, de muchas maneras, también de la infancia: probar, fallar, volver a intentar. Cuando el mural finalmente encontró su forma, el espacio se resolvió de manera orgánica. Incluso los elementos más simples se liberan de su función original. El banquito frente al lavabo se convierte en una plataforma de juego. Puede ser un podio, un barco, un escenario. Un espacio que está limitado solo por la imaginación.
El resultado es un hogar donde nadie tuvo que adaptarse a una idea predefinida de estilo. Conviven dos formas de habitar el mundo, cada una con su propio ritmo, su propia intensidad. De un lado, un universo hecho de detalle, de observación, de pequeños rituales. Del otro, uno impulsado por la acción, el color y la energía en movimiento. Más allá de tendencias o decisiones formales, el proyecto propone una pregunta más amplia: ¿qué significa crecer junto a un espacio? Tal vez implica tener la libertad de transformarlo sin romperlo, de apropiárselo sin pedir permiso. Tal vez implica transformarnos a nosotros mismos junto a él.
El dormitorio se diseñó como un refugio cohesivo y sereno, con mobiliario a medida, una cabecera de texturas suaves y un plafón ejecutado al detalle. Aquí, el almacenamiento abierto se integra a la composición en lugar de generar ruido visual.
Por su parte, el baño principal funciona como una extensión del interior, apostando por una paleta que aporta equilibrio y tranquilidad. En contraste, el segundo baño se apoya en el color y la dinámica de los opuestos, con un fresco como pieza central que articula todo el concepto del espacio.
Una casa para toda la vida
Esta propiedad es especial por varias razones, pero la más significativa es que se trata de un proyecto concebido en familia y pensado para envejecer. Ubicada en Colinas de San Javier, una de las zonas residenciales más exclusivas de Guadalajara, Jalisco, la casa refleja una visión personal de la arquitectura y el habitar. Cuando digo que fue creada en familia, es porque la arquitectura estuvo a cargo de Andrés Escobar, fundador de Andrés Escobar Arquitectos, quien además habita la casa junto a su esposa y sus cuatro hijos. El interiorismo fue desarrollado por su socia, Paulina Pesqueira, al frente del estudio Central Interior, mientras que el diseño de paisaje estuvo a cargo de Perimetral, otro despacho con el que han trabajado en repetidas ocasiones. Comenzaré hablando de su arquitectura, que más que responder a un concepto específico, sintetiza los 25 años de experiencia de Escobar. Básicamente, es un reflejo de él como arquitecto. Aunque se perciben ciertos guiños al brutalismo, no se puede encasillar en un solo estilo.
POR TAMARA SANTILLÁN
FOTOS JESÚS CINCO, ALEJANDRO SUÁREZ Y SOFIA POLLANO
CENTRAL INTERIOR, ANDRÉS ESCOBAR ARQUITECTOS, PERIMETRAL.
ELLE DECOR. 001-2026
GUADALAJARA, JALISCO.
/ ARQUITECTURA / INTERIORISMO / DISEÑO DE PAISAJE.
MÉXICO
La casa destaca por su interesante mezcla de materiales: concreto pigmentado en tono rosa, maderas de gran carácter como el nogal y el tornillo, así como materiales regionales como la piedra volcánica en tonos negro y rojo. Como prueba de que Escobar diseñó esta casa para envejecer en ella está el elevador, que es espectacular. Fue concebido estructuralmente como una especie de escultura, y pensado para sentirse como un gran tubo integrado al espacio. Para evitar las típicas puertas de elevador corporativas de acero, se optó por un marco de mármol travertino y un espejo ahumado que le da el factor sorpresa al recibidor junto a las escaleras de caracol—, que también son uno de los elementos más llamativos de la casa.
LA PINTURA DE ESTE RECIBIDOR NO TIENE ARTISTA, ES UNA ANTIGUEDAD. FORMA PARTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DE LOS PROPIETARIOS.
El interiorismo responde a la arquitectura y presenta detalles japandi, además de la carpintería hecha a medida en cada una de las habitaciones. Este estilo se complementa con una curaduría muy personal, Andrés y su esposa Claudia, son coleccionistas de arte contemporáneo y arte sacro, por lo que antes de mudarse realizaron junto a Paulina, un inventario de todas sus piezas para decidir minuciosamente su ubicación dentro de la casa.
Entre ellas destacan obras del artista español Miguel Macaya, el cubano José Ángel Vincench, el mexicano José Dávila y la fotógrafa tapatía Fernanda Leonel. También incorporaron otros elementos que aportan personalidad, como la lámpara de Gervasoni que trajeron desde París y colocaron en la sala, así como la de Rafel Weber o los tótems de Peca Estudio en el vestíbulo principal junto a la banca de Casa Bobadilla. Para añadir textura y color, Andrés y Paulina eligieron distintos tapetes persas, que le agregan calidez a la residencia. Puede llamarte la atención que no hay pantallas a la vista, pero esto no quiere decir que no haya entretenimiento, más bien están ocultas para que no sean elementos de distracción en el interiorismo. Uno de mis rincones favoritos es la pequeña mesa redonda, diseñada para que la familia e invitados puedan convivir y organizar noches de juegos, aunque también compite con la regadera de la recámara principal: un cubo totalmente equipado que da la sensación de que te estás bañando al aire libre, y que además, tiene vista al jardín, que también es uno de los rincones más asombrosos de esta casa, que Perimetral logró convertir en un espacio aislado que dialoga a la perfección con la arquitectura y el interiorismo. ¿La mejor parte? Tiene huellas que te llevan a espacios clave de la residencia.
PERIMETRAL APOSTÓ POR UN JARDÍN SIN PASTO, QUE ADEMÁS DE SER SOSTENIBLE
Entre HERENCIA y
RITMO
PRELUDIO desde la entrada. Al pie de la escalera que articula los niveles, el color marca el compás: muros en rosa arcilla, barandales en verde oscuro y puertas en verde azulado. Un jardín de invierno introduce acentos exóticos con strelitzias, ficus y palmas licuala en macetas antiguas. Un tapete de yute Amapola, una otomana de Pierre Frey y una lámpara de techo complementan la escena.
Realización
LAURENCE Dougier
Traducción
ICKA Gallego
Fotos
BÉNÉDICTE Drummond
En Haarlem, Países Bajos, Leonie y Jeroen Hendrikse, fundadores de Stock Dutch Design, reactivaron una antigua escuela de música. Bajo su mirada, los volúmenes se abren, la luz fluye y los materiales cobran pulso. La intervención plantea un diálogo preciso entre pasado y presente: una escritura contemporánea que afina la memoria.
Producción
ELLE DECOR Francia
En el corazón de Haarlem, a 20 km de Ámsterdam, la dupla firma una renovación donde conviven poesía y pragmatismo. Su práctica parte de dos convicciones claras: el respeto por el patrimonio y un enfoque ecológico. Más que imponer un estilo, orquestan patrones, colores y texturas para reencantar el espacio. Distribuida en cuatro niveles, la casa conserva su memoria a través de particiones abiertas que dejan correr la luz, volúmenes bien calibrados y detalles que activan la identidad del edificio. Aquí, los matices mandan: textiles luminosos, materiales vibrantes y combinaciones que rehúyen la tendencia para construir atmósferas sensibles. Terciopelos profundos, papeles tapiz de trazos audaces y tonos contenidos, atravesados por acentos brillantes convierten cada estancia en un espacio íntimo y cálido. Más allá del gesto formal, el proyecto se ancla en la sostenibilidad. Stock Dutch Design funciona como un laboratorio de interiores profundamente humanos, donde cada elemento tiende un puente entre herencia y futuro.
“Entre techos pintados y una explosión de patrones, el ritmo se vuelve dinámico. El reto está en hacerlos vibrar en sintonía. El recorrido culmina en un baño espectacular, que se mueve con soltura entre lo antiguo y lo contemporáneo”.
UN ESPACIO que resuena.
Grandes ventanales enmarcados por cortinas de espiga (C&C Milano) bañan de luz el salón, donde destaca una alfombra en relieve. El sofá de cuero Cloudscape»de Diesel (Moroso) y el puf (en tela de Pierre Frey) dialogan con la butaca Bohemian de Patricia Urquiola (Moroso) y la mesa de centro Bamboo Bracelet (Dusty Deco). Los cojines presentan una serie de texturas en telas de Pierre Frey, Élitis, Le Manach.
La biblioteca de madera de Stock Dutch Design combina a la perfección con el papel pintado de Élitis, las molduras de madera pintadas en rosa arcilla Ointment Pink y el techo en verde Monkey Puzzle (ambos de Farrow & Ball). A la izquierda, la lámpara de pie arquitectónica Il Personaggi, de Lorenzo Carmellini y Enrico Tronconi (Morentz), y una fotografía de Liselore Chevalier. En el centro, una lámpara de pie de madera (Dusty Deco) con pantalla de tela de Élitis y una escultura mural de Liet Heringa y Maarten van Kalsbeek
VIBRA inmaculada.
En la cocina, la cuarcita Nacarado recubre cubiertas y salpicadero, mientras una isla de roble estriado organiza el espacio. Los gabinetes, lacados en berenjena, dialogan con un techo verde. Sobre los estantes, porcelana china; al frente, un frutero Dune, de Kelly Wearstler y una pieza cerámica de Heringa/Van Kalsbeek. Bancos vintage de Bruno Rey completan el conjunto.
SINFONÍA de patrones.
Bajo el techo de cristal, con persianas de Élitis, el comedor irrumpe como sorpresa. Un papel tapiz cubre el techo del que descienden lámparas de Alain Gilles. El piso de mosaico de mármol se acompaña de bancas diseñadas por el estudio en piel sintética, con cojines y mantas de lana. La mesa introduce un gesto lúdico con patas forradas en pelo sintético, rodeada de sillas de madera y papel tejido. A un lado, una pintura de Cathalijn Wouters y portavelas de Skogsberg & Smart.
EN armonía.
En la planta baja, las oficinas del estudio equilibran precisión y calidez. Un ventanal panorámico recorre los clósets, intervenidos con jaladeras de cuerda y metal. El muro combina papel tapiz y una pintura de Timothy van Oorschot. Una banca en jacquard Verner se acompaña de cojines a medida, mientras un carrito de metal lacado alberga piezas firmadas por el estudio. La silla Drawn, de Peter Hvidt y Orla Mølgaard-Nielsen, cierra la composición.
CANCIÓN de otoño.
En el pasillo, clósets en rojo terroso con jaladeras de piel conviven con textiles de inspiración nativa americana que recubren un nicho y se extienden hacia la banca. Cojines cilíndricos, tejidos jaspeados y una manta de lana construyen una atmósfera envolvente, animada por una otomana de geometrías entrelazadas.
UNA melodía.
Lejos de ser residuales, los pasillos adquieren protagonismo. En el primer piso, los muros en arcilla rosa se intensifican con panorámicos, una pieza de neón de Jan Van Munster, la banca Besos, de Timothy van Oorschot y un tapete ondulante. Una lámpara vintage de latón y una escultura de Heringa/Van Kalsbeek afinan el conjunto.
En la recámara principal, una cama de acero con acabado en bronce se acompaña de una cabecera tapizada en tela “Filao”. Lino, mohair y terciopelo construyen capas táctiles. Al fondo, una lámpara
Chanterelle, de Maija Liisa Komulainen y una pintura heredada introducen memoria. Cortinas y tapete rematan el espacio. cortinas (Larsen) and tapetes en relieve (Limited Edition).
IN crescendo
El recorrido culmina en un baño revestido con un panorámico paisaje italiano. Una chimenea de gas aporta calidez, mientras una colección de porcelana china ocupa la repisa. El patrón acanalado se repite en lavabos de mármol de Carrara y mobiliario. Espejos despliegan sus aristas, sobre un piso de mosaico hexagonal de Carrara.
AHORITA DÉJALA EN LA BODEGA
“LA SILLA” SIEMPRE HA SIDO UN STATEMENT DEL DISEÑO QUE POR AÑOS HA CAPTURADO EL ZEITGEIST, TRASCENDIENDO CULTURAS, PAÍSES Y SIGLOS.
A LO LARGO DE LA HISTORIA, DISEÑADORES Y ARQUITECTOS HAN TENIDO “SU SILLA”, Y A MÍ ME ENCANTA PENSAR QUE CREAR LA PERSONALIDAD DE UN OBJETO INANIMADO DEBE SER EL TRABAJO MÁS FASCINANTE DEL MUNDO: MODERNIDAD, NOSTALGIA, ADORNO O SIMPLICIDAD EN UNA FORMA TRIDIMENSIONAL. ES EL LIENZO EN BLANCO MÁS EXPLORADO, MÁS INTERESANTE Y MÁS ICÓNICO.
HAY ALGO CASI MÁGICO EN LOS ASIENTOS QUE TERMINAN HABITANDO TU SALA, TU CUARTO O EL PATIO… PIEZAS QUE PUEDEN LLEGAR A UN MUSEO O QUEDARSE GUARDADAS EN UNA BODEGA, ESPERANDO A QUE ALGUIEN LAS ENCUENTRE PARA REVIVIRLAS.
PORQUE UNA BODEGA TAMBIÉN ES PARTE DE ESA HISTORIA, ES EL LUGAR DONDE LOS OBJETOS SIGUEN EXISTIENDO FUERA DE ESCENA Y DONDE ENCUENTRAS TODAS LAS COSAS RANDOM QUE TIENES. AHÍ EXISTE UNA MEZCLA DE TODAS TUS PERSONALIDADES, ETAPAS, MANÍAS, GUSTOS CULPOSOS O ADQUIRIDOS... Y NOSOTROS ABRIMOS NUESTRA BODEGA PARA ENSEÑARLES LO MEJOR DEL DISEÑO ACTUAL EN MÉXICO.
fotos FERNANDA PACHECO realización DANIELA FERES Y JOSEMRA producción ELLE DECORATION MÉXICO
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10 banco OTTO por WILUSITO @WILUSITO, disponible en WILUSITO.COM
11 banco STOOL_001 por FORMANT STUDIO @FORMANT. STUDIO, disponible en INFO@FORMANT.STUDIO
12 silla PRAIRIE por CADA ESTUDIO @CADA_ESTUDIO, disponible en ASTRID@CADAESTUDIO.COM
13 banco JUDDAS 01 por DECERES @deceresstudio, disponible en DECERESSTUDIO.COM
Travel 133
ARTE, MODA Y DISEÑO CON IQOS Y ESTEBAN TAMAYO (134) / GALERÍA 25M (142) / MANDARIN ORIENTAL LUTETIA, LA HAUTE COUTURE SUITE DE ISABELLE HUPPERT (144) / HÔTEL DES HORLOGERS @ LA VALLÉE DE JOUX (146) / REFUGIO CAMPESTRE: ABBAYE DES VAUX-DE-CERNAY (148) / LA FORMA DEL AROMA (150) TOKYO CORE, LA RUTA DEL ARCHIVO (152) / GAGGAN ANAND LV: MAGICAL MYSTERY TOUR (158)
El hotel que combina arquitectura histórica con un spa de Tata Harper y actividades al aire libre. La Abbaye des Vaux-de-Cernay es una antigua propiedad de la familia Rothschild restaurada por The Paris Society.
ARTE, MODA Y DISEÑO CON IQOS Y ESTEBAN TAMAYO
por TAMARA SANTILLÁN fotos CAROLINA AMORETTI
72 horas en Milán
Hay muchas razones por las que Milán es una de las ciudades más influyentes de Europa. Es considerada una de las cuatro capitales globales de la moda, es sede de algunas de las casas de lujo más prestigiosas de la industria, como Prada, Dolce&Gabbana y Bottega Veneta. Cada año se lleva a cabo el Salone del Mobile, la feria de diseño y mobiliario más importante del mundo; alberga el Duomo di Milano, una de las catedrales góticas más imponentes del planeta. En pocas palabras, Milán te invita a ver el mundo con otros ojos. Y si a eso le sumas la experiencia de descubrirla de la mano de IQOS, el viaje se eleva a otro nivel. La marca que ofrece una alternativa al cigarro
convencional sabe que los consumidores, más que un producto, buscan experiencias, y en particular IQOS está formando a su comunidad uniendo el diseño, el arte y la música. ¿La mejor parte? El itinerario de este viaje estuvo curado por Esteban Tamayo, el diseñador detrás de la marca de moda mexicana Tiempos, quien recientemente colaboró con IQOS para crear tres productos, incluida una funda para el dispositivo ILUMA, una chamarra y una mesa. Si estás planeando visitar Milán y quieres que tu tiempo ahí sea inolvidable, sigue este itinerario curado por Esteban Tamayo e IQOS, una ruta que combina arte, gastronomía, diseño y moda.
PRIMERO LO PRIMERO
Empieza el día en California Bakery, el lugar perfecto para cargarte de energía con un desayuno clásico americano: hotcakes, bagels, huevos al gusto, pan recién horneado y café para empezar el día con el pie derecho. Después, dirígete a Fondazione Prada, una parada obligada para los amantes del arte, el diseño y la arquitectura. Sus exhibiciones se caracterizan por ser conceptuales e inmersivas y por invitar a la reflexión. Date una vuelta por Bar Basso, un bar que, según los locales, parece estar detenido en el tiempo. Además, es uno de los pocos lugares en donde puedes ordenar un Negroni Sbagliato, que significa literalmente “Negroni equivocado”; aquí sirven este icónico trago con vino espumoso en lugar de ginebra. Ojo: la copa es extra grande, así que es probable que con uno sea más que suficiente.
Bar
BUON APPETITO
Cierra tu día en Trattoria del Ciumbia, uno de los restaurantes más cool de Milán. Está ubicado en Brera, el barrio más artístico de la ciudad, y lo tiene todo: buen ambiente, buena comida y una decoración que te transportará a los años 60 gracias a sus coloridos mosaicos, paneles de madera e iluminación cálida. El menú es enorme, pero hice la tarea por ti. Prueba el risotto alla milanese (es un clásico y aquí lo hacen espectacular) y la costoletta di vitello. Ojo: pide la versión gruesa, es la favorita de los locales. Acompaña tus platillos con el vino de tu elección, no te arrepentirás.
¡CIAO MILANO!
Sin afán de apresurarte, te recomiendo no tardar mucho tiempo en el desayuno para aprovechar tu día al máximo. Una gran opción es Panino Giusto: recarga energía con el panini de tu elección y prepárate para tus actividades turísticas. Ir a Milán y no visitar la Galería Vittorio Emanuele II es como no haber ido, así que no te la puedes saltar. Esta plaza comercial es icónica por su gran cúpula de vidrio y vibra elegante. Date una vuelta por sus boutiques de lujo y cafeterías y no olvides seguir la tradición: gira tres veces sobre el talón en el mosaico del toro, justo bajo la cúpula. Dicen que hacerlo te garantiza regresar a Milán. Ahora sí, llegó el momento de visitar el Duomo di Milano. Su fachada gótica impresiona al pie de la calle, pero si quieres verla desde lo alto, te recomiendo comprar el tour de las terrazas. Desde aquí, podrás tener una vista panorámica de la ciudad y apreciar de cerca los detalles escultóricos y las agujas que hacen de esta catedral una de las más emblemáticas del mundo y entenderás por qué se tardaron casi seis siglos en construirla. Me imagino que, para esta altura del día, ya tendrás hambre y, para no hacerte
esperar más, ve caminando a Da Giacomo. Este lugar es conocido como un clásico milanés. Su decoración y diseño están inspirados en una trattoria de los años 50. Sus paredes están revestidas con boiseries, el piso está cubierto por mosaicos y su mobiliario es artesanal. La especialidad de su cocina son los mariscos, así que te sugiero apostar por la pesca del día y una pasta para compartir (no comas de más, en la noche te espera otro gran lugar). Continúa el día visitando Castello Sforzesco; te sentirás en el castillo de la película de Shrek, pero lo importante aquí son sus museos y galerías, que incluyen obras de Leonardo da Vinci y Michel Ángel; ¡no te las pierdas! Camina hacia el Parque Sempione, está justo detrás. Aprovecha para sentarte en el pasto y tomar un descanso. Una vez que vuelvas a recargar energía, camina hacia Triennale Milano, este museo está dedicado específicamente al diseño, la arquitectura, las artes visuales y la cultura contemporánea. No te puedes ir sin visitar su colección permanente de diseño italiano. Es momento de visitar la Pinacoteca di Brera, una parada obligada para los amantes del arte y el diseño, o para quienes disfrutan de los espacios estéticos. Sus paredes color terracota y la forma en la que entra la luz en cada rincón te permitirán tomar fotos dignas de Instagram.
¡È MOLTO BELLISSIMO!
ANTES DE IRTE A DORMIR
Cierra el día con broche de oro en Nuova Arena, un restaurante frecuentado en su momento por Giorgio Armani. A diferencia de Trattoria del Ciumbia, el ambiente aquí es mucho más tranquilo y sofisticado. Predominan los comensales adultos, por lo que se recomienda mantener un tono de voz moderado. La experiencia es memorable tanto por la calidad de la comida como por el servicio. El restaurante es operado por una familia que preserva la tradición culinaria milanesa con platillos clásicos, con toque casero que remiten a la cocina de una abuela italiana.
Duomo di Milano
Y EL TIEMPO SE ACABÓ Último día, ¡haz que rinda! De último momento, Esteban Tamayo sugirió comenzar el día con un desayuno ligero en Eris, una cafetería/bar con una estética muy similar a la de la boutique de Tiempos. Este pequeño espacio combina materiales metálicos con mobiliario moderno y detalles de diseño que llaman la atención. Es ideal para tomar un café y comer un pan dulce. Después, y porque ningún viaje a Milán estaría completo
sin una dosis de moda, es momento de visitar Armani/Silos, un espacio dedicado a mostrar la trayectoria de Giorgio Armani. Actualmente, la exposición celebra los 20 años de Alta Costura de Armani Privé, con una selección de 150 piezas que permiten apreciar de cerca la evolución del diseñador: desde su característico minimalismo hasta las influencias asiáticas que lo han inspirado y el brillo que distingue a sus creaciones hechas a medida para figuras de Hollywood.
EL PILÓN
Almuerza en Langosteria Bistrot, el lugar más elegante de este itinerario. Al más puro estilo de un bistro parisino pero con la elegancia que caracteriza a Milán. Aquí todo gira en torno al mar, en específico a los mariscos crudos. Ordena la fuente de ostras frescas y el spaghetti con langosta. Este es el lugar perfecto para hacer una gran sobremesa, su selección de vinos no te decepcionará. Ahora dirígete a Villa Necchi Campiglio, la residencia de la familia Necchi-Campiglio, conocidos por ser los dueños de la empresa de máquinas de coser más importante de Italia. Actualmente es un museo que refleja la arquitectura de los años 30 de Milán y un claro ejemplo del Art Deco. Si te parece conocida es porque la viste en I Am Love (2009), del director Luca Guadagnino. No dejes de ir a Pirelli HangarBicocca, un espacio industrial ubicado a las afueras de Milán que fue reinterpretado por Pirelli. Actualmente es un museo gratuito que, además de exhibiciones de arte contemporáneo, ofrece una cafetería y una tienda de diseño a la que no te podrás resistir.
En el Hangar de Pirelli se llevó a cabo Sensorium Worlds, un evento de IQOS en el que la marca presentó su colección de dispositivos de edición limitada creada junto al icónico diseñador italiano Seletti.
Villa Necchi Campiglio
Donde el arte detiene el paso:
São Paulo, Brasil
INSTALACIÓN, ESCULTURA Y EXPERIMENTACIÓN
PINTURA,
+INFO: 25M.ART.BR
por ICKA GALLEGO
En medio del bullicio y la energía que caracteriza a São Paulo, la colonia República se presenta como un espacio de contrastes, que refleja la historia de esta ciudad: la opulencia del pasado, la decadencia durante la dictadura y recientemente, una resurrección que se percibe en el aire, con una nueva generación de propuestas delineando una escena renovada. Como parte de este renacimiento, la Galeria Metrópole ha transitado de ser un complejo comercial histórico a convertirse en un tipo de centro cultural. Ahí, entre tiendas de diseño, restaurantes, oficinas y librerías, se encuentra 25M. El proyecto expositivo está diseñado para interceptar a un público plural, situando el arte contemporáneo en medio de conversaciones cotidianas que obliga a las miradas pasajeras a detenerse, aunque sea por un instante, a contemplar. Fundado en el 2022 por Fernando Lacerda y Bruno Ferreria, 25M es un proyecto independiente y sin fines de lucro dedicado a promover y dar visibilidad a jóvenes artistas, curadores invitados y proyectos experimentales.
Su escala, una sala de 25 metros cuadrados, no limita su ambición. El programa se mantiene activo todo el año, con ciclos expositivos concebidos in situ que duran 4 semanas. Cada muestra se presenta hacia el exterior, como un escaparate, con un texto curatorial disponible en la pared para el transeúnte curioso que desee saber más. El alcance de cada exposición se expande más allá de quienes tradicionalmente siguen este tipo de programación, logrando un acceso más abierto, democratizado e inesperado, a las prácticas contemporáneas. Desde su creación, 25M ha presentado más de 30 muestras de artistas brasileños e internacionales, con un énfasis particular en producciones latinoamericanas. Entre sus exposiciones recientes destacan Rodador de Bruno Ferreira, In Paradisum de Gabriel O’Shea, Fundo Infinito de Lucas Simões y Gabriel Pessoto, Intención, deseo, persistencia de Luis Enrique Zela-Koort, y C-R-A-S-H de Aline Setton y Érica Storer. El proyecto ha construido una red, activando conversaciones y movilizando agentes culturales, todo mientras se filtra en el ritmo natural de la vida paulista.
MANDARIN ORIENTAL LUTETIA La Haute Couture Suite de Isabelle Huppert
por SANTIAGO NUÑO VILLASEÑOR
Pocas cosas son tan intrínsecamente parisinas como Isabelle Huppert y el Mandarin Oriental Lutetia. Se trata de la galardonada actriz francesa, nacida en el distrito burgués dieciséis de la ciudad de la luz, y el único hotel categoría Palace de la Rive Gauche, ahora bajo la administración del grupo de hospitalidad de lujo Mandarin Oriental. Tras cumplir 115 años, la emblemática propiedad de espíritu Art Nouveau y Art Déco, se ha dedicado a celebrar a los personajes del cine, la literatura, el teatro, la arquitectura, la música y la danza de ayer y hoy que han hecho de este legendario hotel su refugio en París. Ahora es el turno de Isabelle Huppert de dejar su huella en este nuevo capítulo del Lutetia.
EN LA SUITE ENCONTRARÁS EL VESTIDO DE BALENCIAGA DISEÑADO POR DEMNA QUE ISABELLE HUPPERT LUCIÓ EN EL FESTIVAL DE CANNES DE 2025.
Para hacer suya la suite del sexto piso del Mandarin Oriental Lutetia, París, diseñada por el arquitecto y diseñador Jean-Michel Wilmotte como un departamento parisino con muebles de Walter Knoll, la actriz plasmó su dualidad masculina-femenina, así como guiños a su relación con la alta costura como embajadora de Balenciaga y su amor de toda la vida por la literatura. En los libreros encontrarás obras modernistas y contemporáneas elegidas personalmente por Isabelle Huppert: The Bell Jar, de Sylvia Plath; The Professor of Desire, de Philip Roth; Memoirs of a Dutiful Daughter, de Simone de Beauvoir; The Magic Mountain, de Thomas Mann; y The Barber of Seville, de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais. Libros que exploran la introspección y la sociedad, con voces poderosas que evocan el espíritu libre de la actriz. Esta experiencia literaria se complementa con fotos de Eric Guillemain tomadas en el Lutetia, una playlist curada por la propia Huppert y el programa del Christine Cinéma Club, un íntimo cine que le gusta, cerca del hotel.
HÔTEL DES HORLOGERS @La Vallée de Joux
por ISSA PLANCARTE
Pocos saben que la alta relojería nació en Suiza por una simple razón: en invierno, los granjeros tenían mucho tiempo libre para dedicarse a su otra pasión —además de criar vacas–, y era perfeccionar el arte de hacer relojes. El Valle de Joux ofrece las condiciones perfectas para hacerlo y es por eso que los grandes nombres de la relojería nacieron aquí. Uno de ellos, Audemars Piguet, retomó la tarea de rescatar un antiguo hotel donde se reunía el gremio para crear un espacio idílico en torno a la comunidad y la labor que los ha posicionado en el mundo entero. Por ello ostenta ese nombre, un hotel creado para los relojeros, aquellos que los fabrican y los entusiastas que acuden a observar de cerca su manufactura.
El proyecto es obra de Bjarke Ingels Group (BIG), el célebre despacho de arquitectura. Para este hotel se utilizó la topografía a su favor para crear un modelo de zigzag y, de esta manera, asegurar la misma vista del imponente bosque de Risoud para cada una de las 50 habitaciones. Este mismo método conecta todas las habitaciones en el interior a través de un pasillo. Para construir y distribuir los 8,715 m² de superficie del hotel, BIG trabajó en colaboración con CCHE, un estudio local de arquitectura. Además, ambos participaron en la construcción del Museo Atelier Audemars Piguet, que se encuentra a escasos pasos. Esta planificación fue regida bajo los altos estándares de Minergie Eco para garantizar la sostenibilidad del hotel —que abarca desde los materiales de construcción hasta los ingredientes que se ofrecen en su restaurante—.
INTERIORISMO FUE CONCEBIDO POR LA FIRMA FRANCESA AUM, QUIENES SE INSPIRARON EN LOS MATERIALES Y EL PAISAJE DEL VALLE DE JURA.
REFUGIO CAMPESTRE: ABBAYE DES VAUXDE- CERNAY
por SANTIAGO NUÑO VILLASEÑOR
Seguro ya lo habías visto en Instagram, pues es el nuevo refugio detox después de la Fashion Week. A solo una hora de París, en pleno bosque, se encuentra la Abbaye des Vaux-de-Cernay, una antigua abadía de monjes que perteneció a la familia Rothschild y que hace poco fue restaurada por el grupo The Paris Society para convertirla en un tranquilo hotel campestre. Los clásicos pero divertidos interiores fueron imaginados por Cordélia de Castellane, directora artística de Dior Maison, conjugando el estilo francés rural y Luis XVI con un giro británico victoriano y Arts & Crafts: mezclas eclécticas, como toile de Jouy con leopardo y terciopelo verde, justo como lo haría María Antonieta hoy en día. Con el desayuno en una bóveda que parece sacada de Harry Potter, un enorme spa de Tata Harper, un lago con botes, una granja y hasta una pagoda, la Abbaye es una atracción que te desconecta del mundo exterior para disfrutar del aire puro.
PARA LOS AMANTES DEL PÁDEL, EL HOTEL ACABA DE INAUGURAR DOS CANCHAS FLOTANTES SOBRE EL LAGO, PARA ECHARTE UN PARTIDO CON EL BOSQUE DE FONDO Y PATOS PASANDO.
La abadía, fundada en 1118, fue recuperada en el siglo XIX por la baronesa Charlotte de Rothschild, quien la restauró para preservar lo que se conserva hasta hoy. Durante la Segunda Guerra Mundial se escondieron estatuas de Versalles en su bosque y, después de eso, pasó por varios propietarios hasta que fue redescubierta por The Paris Society en 2019 y abierta como hotel en 2023.
LOS NIÑOS NUNCA OLVIDARÁN SU PASO POR LA ABBAYE GRACIAS A SU ESTUDIO DE ARTE, SALA DE CINE Y UN CLUB INFANTIL DE LA MARCA FRANCESA TARTINE ET CHOCOLAT.
“En Xinú Haven celebramos las esencias y el espacio, es decir, encontrarás productos relacionados con el hogar. Hay velas, inciensos, difusores y aceites a los que se les puede dar vida a través de seis aromas”. –Verónica Peña.
Reimaginar los perfumes para convertirlos en una experiencia sensorial olfativa fue la premisa de la marca mexicana Xinú desde su fundación hace ya una década. A partir de entonces, han trazado su propio camino dentro de la perfumería contemporánea, y ahora abren un nuevo capítulo con Haven, un espacio que no se limita a exhibir fragancias sino que propone una forma distinta de acercarse a ellas. Aquí, cada composición nace de una exploración del continente americano —sus materias primas, sus paisajes y culturas— traducida en piezas que se sienten más como objetos de contemplación que como perfumes tradicionales.
fotos CHUSS MONTEALEGRE por ANAID OSUNA PEIMBERT
Lejos de lo convencional, la marca refleja el patrimonio de la flora nativa de las Américas desde una sensibilidad hacia la artesanía y el diseño sostenible. A través de cada nota olfativa ha construido un lenguaje donde el aroma enciende la memoria y despierta curiosidad. En conversación con Verónica Peña, una de sus fundadoras, surge una idea clara: oler no es un gesto automático, sino una experiencia que se aprende a habitar. Por ello, Haven funciona como un punto de encuentro entre diseño, naturaleza y percepción, donde cada rincón invita a mirar lo que normalmente pasaría desapercibido.
Xinú Haven es la tercera boutique de la marca en la Ciudad de México (tienen una en Polanco y otra en la colonia Juárez). En cada una de ellas, la experiencia gira alrededor de una aproximación a los aromas a través de los otros sentidos. Además de oler, puedes observar bocetos, ver un collage o tocar algún tipo de textil capaz de provocarte una sensación en el cuerpo —y hasta traer de regreso algún recuerdo. Para conseguir este efecto, la marca ha creado seis aromas insignia que están disponibles en la tienda: Madera Santa, Fuego Zen, Flor de Musgo, Menthamericana —creado a la medida para el restaurante Pujol— y Brisa de Maderas y Tierramate, ambas formuladas para los hoteles One & Only Mandarina y Belmond Maroma, respectivamente.
DECORACIÓN CON LADRILLOS DE MADERA Y CERÁMICA. CADA PIEZA ESTÁ HECHA INDIVIDUALMENTE CON IMPRESIONES DE PLANTAS.
LA FORMA DEL AROMA
XINÚ HAVEN La atmósfera se convierte en expresión en Córdoba 87, Roma, CDMX.
En la intersección exacta entre el respeto sagrado por el pasado y un futurismo que parece dictar las reglas del mañana, se encuentra Tokio. Para el ojo entrenado en el diseño, la capital japonesa no es solo una ciudad, sino un laboratorio vivo de arquitectura y una oda al detalle que redefine nuestra comprensión del habitar. Algo que entienden
muy bien en Japón es que el diseño no es algo que se añade a los objetos, sino algo que emana de su propia función. Cada parada es una lección de interiorismo; cada fachada, una cátedra de arquitectura, y cada hallazgo vintage, una pieza de archivo que narra la historia del diseño textil.
por NATALIA CHÁVEZ
TOKYO CORE RUTA DE ARCHIVO
Meguro
TOKYO METROPOLITAN ART MUSEUM 8-36 Uenokoen, Taito, Tokio tobikan.jp
Conocido por su canal para admirar los cerezos, este distrito residencial es un desfile de boutiques de mobiliario mid-century y diseño de autor. En Meguro, la estética se siente en la madera de roble y el concreto húmedo. Luego de conocer el río, hay que recorrer la calle Meguro-dori, donde tiendas como Acme Furniture ofrecen tesoros de archivo. La visita obligada es el Tokyo Metropolitan Teien Art Museum, una joya Art Déco que define la elegancia residencial, o el Japan Folk Crafts Museum, para adentrarse en el corazón de la tradición japonesa con el movimiento Mingei, que de hecho, este lugar nos lo recomendó el artista Mario García Torres. Entre la majestuosidad del Hotel Gajoen —con su imponente galería— y la serenidad de sus canales, el barrio es el refugio absoluto para quienes buscan objetos con alma y una clase de historia.
GINZA: SUSHI ARAI 〒104-0061 Tokio, ciudad de Chuo, Ginza, 8 Chome-10-2. omakase.in
Ginza
Ginza es el escenario donde la perfección técnica se encuentra con el deseo. Este barrio es un paraíso para los coleccionistas de bolsos y piezas de lujo, pero también el refugio definitivo para los devotos de la papelería de diseño, un arte que en Japón alcanza niveles de culto. Visualmente, el distrito es custodiado por el edificio de la Maison Hermès de Renzo Piano, con su icónica fachada de bloques de
vidrio, y por el Ginza Six, dónde instalaciones de Yayoi Kusama transforman el espacio comercial en un museo efímero. Aquí, la cultura nipona convive en armonía absoluta: desde la precisión de un omakase en Sushi Arai, hasta el hielo en los cócteles de Star Bar. Ginza es una cátedra de estilo donde el pasado artesanal y el futuro arquitectónico, y de lujo, se fusionan en cada esquina.
MUSEO NEZU
6 Chome-5-1
Minamiaoyama, Tokio 107-0062. nezu-muse-or.jp
Aoyama y Omotesando
Caminar por la avenida Zelkova es sumergirse en un manifiesto vivo de diseño contemporáneo. Este lugar es custodiado por la fachada de burbujas de Prada, diseñada por Herzog & de Meuron, y la calidez estructural de SunnyHills de Kengo Kuma. Sin embargo, la parada obligatoria es el Museo Nezu, también de Kuma, que alberga una invaluable colección de arte premoderno. Lo que nos cautiva es su icónico
pasillo de entrada flanqueado por bambú y su jardín privado: un oasis de paisajismo tradicional que emerge majestuoso entre el concreto de Omotesando. Aquí, el minimalismo contemporáneodialoga con la historia, ofreciendo una lección de transparencia y ligereza. También, con el complejo de compras Omotesando Hills, diseñado por Tadao Ando, cada edificio es una pieza de arte curada.
Daikanyama es uno de los puntos más magnéticos de la ciudad, un enclave que conserva esa esencia de vecindario donde se puede observar cómo los tokyoites más sofisticados disfrutan de su tiempo libre. El corazón del barrio es el Daikanyama T-Site, una obra maestra de Klein Dytham que redefine la experiencia de una librería. Pero el verdadero secreto reside en su maestría textil; aquí el denim artesanal es objeto de culto en tiendas como Okura, que con sus tintes de índigo natural, muestra la obsesión japonesa por la materialidad. Es un distrito para recorrer sin prisa, entre cafeterías de diseño minimalista como Ivy Place, la mejor cafetería de la zona, rodeada de vegetación y madera que personifica el slow living urbano. Aquí encuentras boutiques independientes que promueven un lujo orgánico y relajado.
Daikanyama
DAIKANYAMA
T-SITE
16-15 Sarugakucho, Shibuya, Tokyo 150. store.tsite.jp
Otemachi
Justo al lado de los Jardines del Palacio Imperial, Aman Tokyo, es un oasis urbano e indiscutiblemente el mejor lugar para hospedarse. Su ubicación estratégica regala las mejores vistas de Tokio, pues lucen la residencia imperial y, en días claros, la silueta del Monte Fuji. Elevado sobre el distrito financiero, este hotel diseñado por Kerry Hill funciona como un antídoto al pulso de la ciudad más densamente poblada del mundo. Su lobby es una proeza arquitectónica: un volumen monumental inspirado en el interior de un farol de papel washi que baña el espacio con una luz etérea. Con apenas 84 habitaciones y suites, cada una concebida como una reinterpretación moderna de la casa japonesa tradicional con madera de alcanfor y piedras locales, el hotel es exclusividad absoluta.
The Otemachi Tower, 1 Chome-5-6 Ōtemachi. aman.com
Más allá de los clichés de su famoso cruce, Shibuya resguarda un ecosistema para el verdadero conocedor: un territorio donde el estilo se trata como un objeto de culto y diseño. Espacios como Amore Vintage, Vintage Qoo y Paradise Vintage operan más como curaduría que como puntos de venta. Aquí, el viajero puede atesorar reliquias de Issey Miyake o Hermès, junto a una de las colecciones de
Chanel más grandes del mundo, además de piezas impecables de Fendi, Bottega Veneta, Loewe y relojes de archivo de Cartier o Rolex. Tras un día de descubrimientos, el barrio invita al disfrute: la precisión de los yakitoris en Tori Chataro o la coctelería en el reconocido The SG Club. El cierre ideal es un momento lúdico en Rainbow Karaoke, donde por una, o varias noches, puedes sentirte en Lost in Translation.
Shibuya
El chef número uno de Asia para 50 Best es también el creador de un espacio alucinante en Bangkok. Se trata de Gaggan Anand y en alianza con Louis Vuitton, ha domado un poco su irreverencia para mostrar su creatividad en su forma más prístina al lado de los iconos de la maison.
El resultado ha sido tan bueno que el restaurante está ubicado en la posición 8 del conteo Asia’s 50 Best Restaurants. Se trata de la primera colaboración entre un chef y Louis Vuitton en Asia. Aquí se evocan a la perfección la esencia de la marca a través de tonos tierra acentuados por vibrantes toques de naranja en distintos detalles. La vajilla, algunos platillos y hasta el cappuccino con monogramas adornan las mesas de mármol, mientras que el staff viste de pies a cabeza con prendas de la maison. El chef de cuisine Vix Rathour ejecuta la visión de Gaggan Anand en platos que reúnen tanto la historia del cocinero como detalles que han inmortilazado a la reconocida marca francesa.
por ISSA PLANCARTE
EL SABER HACER DE LA MODA Y LA COCINA AVANTGARDE SE MEZCLAN EN GAGGAN AT LOUIS VUITTON EN BANGKOK.
Ubicado en el centro comercial Gaysorn Amarin y situado en la planta superior de LV The Place Bangkok, el restaurante sirve como final perfecto de un recorrido por la historia de la marca. La entrada a Gaggan at Louis Vuitton es adornada por una escultura creada a partir de los famosos baúles con el icónico monograma y sirve de preámbulo a una experiencia única en Tailandia. No olvides hacer el recorrido de la exhibición Visionary Journey donde se muestran piezas de colección únicas.
96 watts de estilo
01. EL BEAT QUE FORMÓ TODO
MONDO es la marca sueca que desde el 2023 se dedicó a fusionar la innovación en sonido, el diseño y la autenticidad, creando productos con una base escandinava, sumando la energía vibrante de la cultura creativa. Rodeada de artistas y profesionales de la industria, se llevaron el Red Dot Design Award al Mejor Concepto de Diseño; esta marca quiere cerrar la brecha entre el diseño y quién lo usa, estableciendo una manera de vivir donde cada uno es creador de “el movimiento.”
02. SON UN ESTILO DE VIDA
Todo en MONDO es una declaración estética y esta bocina, inspirada en la nostalgia del estilo ochentero, es la más grande que tienen hasta ahora. Sus líneas son minimalistas pero modernas-urbanas y proponen tres tonos distintos: gris metálico, “greige” y color latón; así que hay opciones para cualquier espacio. No solo es una pieza de diseño, su tecnología premium de audio cuenta con 6 altavoces internos y un sistema de bajos que ampli can el sonido.
BOCINA BLUETOOTH EN GRIS METÁLICO
03. ¿QUÉ MÁS, DÓNDE Y CUÁNTO?
Es bluetooth, se puede controlar con una app, su batería aguanta toda una esta, tiene salida de micrófono y pesa poco más de 5 kg. ¿Más? Puedes conectarte a otras bocinas MONDO para subirle en serio al volumen. Es una marca global que se vende en línea con un precio tentador que re eja el buen diseño con un gran sonido. Darle “play” es para los curiosos, los que toman su identidad y la ponen enfrente, MONDO sabe dónde y con quién estar. mondosound.mx
