ÉTICA DE LA IMAGEN CINEMATOGRÁFICA
Por: José R Jorge Rivera, Educador Senior de la Ética Gubernamental
El 28 de diciembre de 1895 un reducido grupo de personas se reunió en el Salon Indien du Grand Café de París para presenciar la primera presentación pública del cinematógrafo, el invento revolucionario de los hermanos Auguste y Louis Lumière, a quienes se considera los precursores del cine que conocemos hoy Si lo analizamos desde el aspecto puramente técnico, el cine es un junte de aportaciones de grandes figuras que van desde Platón, a quien algunos atribuyen el concepto de la proyección de imágenes que imitan la realidad sin serlo[1], hasta Thomas Edison con su kinetoscopio. Sin embargo, lo trascendental del evento de los hermanos Lumière es que, a diferencia de otros inventos que le precedieron, su cinematógrafo permitía la proyección de imágenes para ser vistas grupalmente Además, fue la primera vez que se cobró entrada para
ver una proyección cinematográfica, lo que representó el primer uso comercial del cine. También significó la primera vez en que se utilizó un afiche para promocionar una película[2] Se proyectaron diez películas, entre ellas una titulada “Trabajadores saliendo de la fábrica Lumière”, que se considera la primera película cinematográfica que se exhibió en la historia, y que todavía hoy podemos ver a través de la plataforma digital YouTube[3]
Entre las películas presentadas en el evento inaugural de los Lumière, estuvo una titulada “La llegada del tren”[4], que mostró el arribo de un tren a la estación Gare de La Ciotat de Marsella Y, a pesar de que los relatos que cuentan que los presentes en la sala aquel día salieron corriendo asustados al ver en la pantalla un tren que se aproximaba a ellos a toda velocidad han demostrado ser falsos (Zone, 2004), ciertamente la experiencia fue impresionante y llena de emociones para todos Y, desde entonces, el cine no ha dejado de maravillarnos y estremecernos por su forma cautivante de reflejar la vida a través de sus imágenes.
Pero el cine es mucho más que un medio de comunicación y una opción de entretenimiento Un estudio
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británico realizado por el Departamento de Psicología Experimental de University College London, en colaboración con Vue Cinema, demostró que las personas que se exponen a la experiencia de ver películas mejoran su función cerebral, sus relaciones sociales, sus niveles de productividad y su creatividad (University College London, 2025) Además, mientras más los participantes se identificaban con la trama de la película, su ritmo cardíaco subía o bajaba, reflejando una fuerte respuesta emocional a los estímulos audiovisuales. Como beneficio adicional, los sujetos de la investigación mantuvieron sus latidos del corazón dentro del cuarenta al ochenta por ciento de su capacidad máxima por espacio de 40 minutos durante la proyección de la película, lo que la Fundación Británica del Corazón considera como “ zona cardíaca saludable” (University College London, 2025). Pero lo más sorprendente del resultado de la investigación fue el que, aun cuando las personas que participaron no se conocían entre sí, por lo que eran perfectos extraños, sus corazones latieron sincronizadamente mientras veían la película juntos, lo que es indicativo de fuertes vínculos sociales y emocionales (University College London, 2025)
Por ello, hay que reconocer que el cine es un medio culturalmente influyente que, de alguna manera, forma percepciones, opiniones y trastoca la jerarquía de valores e ideologías sociales Sus imágenes en movimiento promueven una narrativa audiovisual que también sirve como herramienta para la transmisión de mensajes implícitos y explícitos que promueven estereotipos y actitudes sobre raza, género, identidades y relaciones humanas
A través de este artículo, repasamos la manera cómo las películas contribuyen, de forma directa e indirecta, a la transmisión de mensajes que, en unos casos fomentan valores e imágenes positivas, pero en otros presentan estereotipos que podrían promover prejuicios y discrimen contra grupos e individuos
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Stuart Hall y la teoría de la representación mediática
El sociólogo británico Stuart Hall, en su teoría de la representación, explica cómo los medios de comunicación influyen en la visión que tienen las personas del mundo que los rodea y los diversos grupos que lo componen Hall define la representación como la habilidad de describir e imaginar, y añade que la representación es importante porque siempre se forma a través del lenguaje y el significado y, en este caso, el lenguaje es una forma gráfica de representación (Nugroho, n d ) Según la teoría de Stuart Hall, la cultura se construye a través de la representación, primordialmente a través del lenguaje, como herramienta de comunicación e interacción social (Nugroho, n d ) Si tomamos esto en consideración y lo analizamos dentro del contexto del cine como medio de comunicación, podemos identificarlo también como un medio de representación y las imágenes son el lenguaje cinematográfico a través del cual representa la sociedad Hall argumentó en su teoría que la representación es crucial en una lucha ideológica en la que diferentes grupos sociales compiten por los significados que les serán atribuidos (Bahr, 2024) Además, la representación es definida por la clase dominante, por lo que la
conceptualiza como der, donde el que a codifica el mensaje que será consumido por una audiencia que desempeña el rol activo de decodificar ese mensaje conforme a sus trasfondos culturales y lo aceptarán, negociaran o rechazarán (Bahr, 2024) Entonces podemos concluir que, si las clases dominantes que controlan la narrativa son los codificadores del mensaje, este podría estar matizado por los estereotipos que, consciente o inconscientemente, hagan formar parte del contenido.
¿Qué son los estereotipos?
La palabra estereotipo tiene varias acepciones, según el marco teórico en el que se emplee (Schweinitz, 2011) Y, como el cine es un medio complejo y multidimensional, no podemos circunscribirlo a una disciplina en concreto (Schweinitz, 2011) Ello significa que la definición que utilicemos para definir estereotipo dentro del contexto del lenguaje cinematográfico debe ser lo suficientemente amplia para incluir todas las dimensiones del medio (Schweinitz, 2011). Una definición que abarca su complejidad sería que son ideas prejuiciadas y ampliamente difundidas, concebidas sobre personas, basadas en la pertenencia de ese individuo a una categoría (usualmente raza, nación, rol profesional, clase social o género) o su posesión de rasgos característicos simbólicos a esa categoría (Schweinitz, 2011) Además, los estereotipos se caracterizan por lo siguiente (Schweinitz, 2011): son relativamente permanentes en la mente del individuo; se comparten subjetivamente entre ciertos grupos sociales, por lo que asumen funciones de construcción de consensos en esos sectores; por lo general, no se basan en experiencias personales, si no que se comunican socialmente y se transmiten de generación en generación; se limitan a solo unas pocas características, acompañadas de fuertes emociones; al funcionar automáticamente, los estereotipos interfieren sustancialmente con los procesos de percepción y juicio; y frecuentemente se les asigna el estatus de juicios inapropiados.
Función ideológica, histórica y económica de los estereotipos cinematográficos
Aunque desde sus comienzos las películas han representado audiovisualmente situaciones asociadas a las identidades culturales y los procesos históricos, no fue sino hasta la década de los años ochenta cuando se convirtieron en una herramienta importante para el estudio de la historia y pasaron a utilizarse como documentos de investigación (Goyeneche-Gómez, 2012) Sin embargo, el análisis de las películas como documentos de investigación debe realizarse dentro de un marco que reconozca el que las interpretaciones históricas que hacen los cineastas estarán influenciadas por los conceptos, ideas y representaciones de los hechos históricos que hacen las ciencias sociales (Goyeneche-Gómez, 2012) Por tanto, la reconstrucción de la verdad histórica que se hace a través de las películas, frecuentemente reducida al abusado estribillo “esta es una historia real”, debe tomarse con cuidado pues estará matizada por el nivel de realismo y las técnicas que se emplean para realizarla (GoyenecheGómez, 2012)
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En una entrevista concedida a la revista digital “Gaceta Políticas”, el doctor Francisco Peredo Castro, profesor de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México, explicó lo que él considera son las cuatro funciones del cine. “Hay cuatro acepciones fundamentales que son ineludibles cuando se habla de cine En primer lugar, el cine es historia, porque una vez que las películas cumplen su circulación en el mercado cinematográfico de exhibición mundial o local, a la larga se convierten en documentos históricos, los cuales requieren ser interpretados, analizados, criticados y explicados, como procede con cualquier otro documento o testimonio de la historia” (Messados, 2022). Y, aunque el académico aseguró que las películas pueden ser un buen complemento para los docentes, jamás deben sustituir el contenido de la clase o las lecturas requeridas (Messados, 2022).
La segunda función que destacó el doctor Peredo Castro es que el cine es un “poderoso medio de comunicación, que genera representaciones y sentidos, lo cual da lugar a la creación de estereotipos y de miradas sesgadas sobre los otros” (Messados, 2022) No obstante, estos estereotipos pueden servir como punto de partida del análisis social de la película (Messados, 2022), lo que permite expandir su discusión y alcance didácticos
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La tercera y cuarta función del cine, según el doctor Pereda Castro, se relacionan con que el cine es un arte, pero también una industria cultural (Messados, 2022) Como arte, el profesor señaló que “sirve como medio de expresión estética y artística para quienes lo realizan, pero también es un medio de goce o disfrute estético para el público” (Messados, 2022) Como industria, el cine genera un producto que responde a un mercado y a un grupo de consumidores, por lo cual la producción y promoción de las películas va dirigida a estimular la circulación del producto en el mercado al que va dirigido para generar unas ganancias (Messados, 2022). Este planteamiento nos mueve a pensar en que, al ser una industria que busca generar ganancias con la circulación y consumo de un producto, la fidelidad con que las películas representan la historia y los grupos sociales, muchas veces se verá comprometida ante las necesidades comerciales del cine como industria
Finalmente, puntualizó que ninguna película contiene todos los elementos para un análisis y reconstrucción histórico-social, pero se pueden complementar, comparar y confrontar a través de documentos históricos, gubernamentales, la prensa de la época, y otras películas y documentales relacionados (Messados, 2022).
producción de una obra cinematográfica que será apreciada y consumida por el público Identificarla conlleva el análisis de los elementos de la película que están vinculados más directamente con los estereotipos
En primer lugar, hay que analizar los personajes de la película Desde el punto de vista de la sociología, los estereotipos cinematográficos surgen para describir grupos sociales o étnicos y los individuos que los integran, a través de la representación visual del otro o de uno mismo (Schweinitz, 2011). Desde esta perspectiva, el estereotipo se convierte en un punto de referencia para el desarrollo de personajes ficticios, a través de ideas enraizadas en la conciencia cultural cotidiana (Schweinitz, 2011) Y para que esos personajes sean efectivos en lograr una identificación del público con la trama, tienen que vincularse con su mundo cotidiano de experiencias y valores, en los que los estereotipos están intrínsecamente relacionados (Schweinitz, 2011) No obstante, esta dinámica también funciona a la inversa Las narrativas populares que desarrollan los medios, en este caso el cine, también estimulan la imaginación de la gente al proveerles un repertorio visual desde donde construyen las ideas sobre el mundo que los rodea (Schweinitz, 2011) Esto último generó la publicación de un sinnúmero de estudios durante los años setenta y ochenta, relacionados con el cine y los medios de comunicación en general, que se concentraron en las imágenes
Una vez establecida la función histórico-social de las películas, debemos preguntarnos cuál es la función de los estereotipos y su dinámica en el proceso creativo de los cineastas, que tiene como finalidad la Página 6
estereotipadas de “la otredad” y criticaron especialmente a las películas por difundirlas (Schweinitz, 2011). El académico Richard Dyer, profesor de estudios cinematográficos, cita la representación de la “rubia tonta”, que se originó en los años 30 y estuvo representada en épocas distintas por Jean Harlow y Marilyn Monroe, como ejemplo del discurso psicosocial, originado en el cine norteamericano, que contribuyó al desarrollo y difusión de preconceptos reduccionistas de género que redundaron en prejuicios sociales de la época (Schweinitz, 2011)
Pero los personajes no son el único elemento que debemos considerar al momento de analizar las dinámicas de los estereotipos en las películas Otro factor importante de análisis son las tramas y los mundos imaginarios que crea el cine como espacio de desarrollo para esos personajes. Al igual que las narrativas de la mitología, que parecen tener elementos en común, aunque se desarrollen en culturas y espacios geográficos diversos, las tramas de las películas también tienen elementos en común que sirven para perpetuar a los personajes estereotipados (Schweinitz, 2011). Un ejemplo de esto ha sido la representación de personajes LGBTTQ+ en el cine norteamericano. Aunque recientemente esto ha ido cambiando a través de los años, hasta hace poco los personajes LGBTTQ+ en las películas de Hollywood estuvieron atados a tramas de representación trágica, en las que el personaje tenía un desarrollo fatal que, por lo general, lo llevaba a ser víctima de homofobia, muerte, suicidios y otras desgracias que superaban numéricamente a las de los personajes heterosexuales de la misma película (Guan & Light , 2023). Incluso, bajo los
códigos de producción del Hollywood clásico, los personajes homosexuales tenían que morir, a manera de castigo ejemplar, pues no se podía presentar un personaje gay con un final feliz En otros casos, tomando en cuenta que hasta mediados del siglo pasado se consideraba la homosexualidad como una enfermedad mental, lo que fue rechazado por la Asociación Norteamericana de Psiquiatría en 1973 y por la Organización Mundial de la Salud en 1990, existía una tendencia a presentar personajes LGBTTQ+ como individuos que padecían de un desorden mental que los llevaba a convertirse en criminales (Guan & Light , 2023) Todavía vemos algunos indicios de este tipo de trama estereotipada en películas recientes como “Monster: The Jeffrey Dahmer Story” que, en la manera interconectada como representan los crímenes del asesino en serie, sin desvincular su patología de lo que pudo haber sido su orientación sexual, podría llevar a la audiencia a concluir erróneamente que la homosexualidad de Dahmer fue lo que lo llevó a asesinar a sus víctimas (Guan & Light , 2023)
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Y, aunque ciertamente no podemos negar que la historia de la comunidad LGBTTQ+ ha estado rodeada de historias trágicas y violentas, cuando solamente se hace una representación de ese aspecto, ignorando muchas otras historias de luchas y victorias personales y colectivas, se lleva el mensaje equivocado de que en el mundo gay no hay espacio para la alegría o la aceptación, lo que tiene un efecto muy particular en los jóvenes LGBTTQ+ que están en el proceso de autodescubrimiento (Guan & Light , 2023). Para entender la importancia de esto, debemos mencionar que una encuesta realizada en el 2022 por la organización The Trevor Project reveló que el 89% de los que participaron respondieron que la representación positiva de personajes gay en los medios de comunicación sirvió como un refuerzo a la confianza en sus propias identidades (Guan & Light , 2023). Pero no solamente los estereotipos sobre la comunidad LGBTTQ+ que transmiten los medios impactan la autoimagen que tiene este colectivo sobre sí mismo, también afectan la manera como el resto de la sociedad conceptualiza el género y las identidades (Guan & Light , 2023).
global combinado de salas de cine y entretenimiento en el hogar (Association, 2021) Pero en el 2021, los servicios streaming representaban el 72% del mercado global combinado, lo que significa un incremento de 26% (Association, 2021). Globalmente, los servicios streaming tuvieron un incremento exponencial que los llevó a sobrepasar el billón de suscriptores en el 2020 (Association, 2021) En el año 2021, alcanzaban 1.3 billones, lo que representa un incremento de 14% en tan solo un año (Association, 2021) El dato nos indica que una gran mayoría de las audiencias prefieren ver películas en casa, lo que a su vez es indicativo de la expansión del alcance de las representaciones del cine, pues ya no solo se limitan al espacio físico de un teatro
Expansión de las representaciones a través de servicios streaming Pero el alcance de las representaciones cinematográficas tuvo una evolución, como consecuencia de la pandemia del COVID-19, que amplió su capacidad de difusión a través de los servicios streaming Antes del año 2019, el mercado de los servicios de entretenimiento streaming representaba el 46% del mercado Página 8
Estereotipos nacionales y de género en Hollywood
A través de los años, los filmes producidos en Hollywood han representado relaciones entre occidentales y no occidentales en sus tramas. Pero en la mayoría de los casos, las historias han sido diseñadas y modificadas para apelar mayormente a las audiencias norteamericanas (Ginneken, 2007)
Por medio de esas narrativas, a veces reduccionistas, también se construyen y perpetúan estereotipos relacionados con el origen nacional. Sobre este particular, podemos mencionar algunos ejemplos:
La “princesa india” Pocahontas no se enamoró de John Smith como presentan las películas de Disney. Apenas tenía entre diez y doce años cuando conoció a Smith, quien entonces tenía veintisiete Fue apresada por los británicos a los diecisiete y casada con un viudo de casi treinta años (Ginneken, 2007)
El mito de las momias y la “maldición del faraón” proviene de la picadura de un mosquito que ocasionó la muerte de Lord Carnarvon, el egiptólogo que financió la expedición de Howard Carter, quien encontró la legendaria tumba de Tutankamón (Ginneken, 2007)
“Godzilla” es una película japonesa que en sus orígenes era antinuclear y antiamericana. Pero cuando el filme fue adquirido por una compañía norteamericana, fue censurado y muchas de sus escenas eliminadas o sustituidas por otras para cambiar sutilmente su orientación política a una más afín a la norteamericana (Ginneken, 2007)
El personaje de El Zorro no fue creado por un autor norteamericano del siglo veinte, sino que fue desarrollado en México en el siglo diecinueve, a partir de narraciones que datan de los movimientos mexicanos de independencia de siglos antes (Ginneken, 2007).
Anna Leonowens fue brevemente una maestra de escuela en la corte tailandesa y nunca el interés amoroso o la consejera del rey de Siam, como se le representa en la película y el musical “The King and I” (Ginneken, 2007).
“Black Hawk Down” y otras películas bélicas norteamericanas han sido censuradas por el Pentágono a cambio de proveer a la producción materiales, personal y asesoría a bajo costo Mediante esta negociación, el Pentágono también puede imponer cambios en los guiones (Ginneken, 2007).
La Biblia no menciona que Moisés fuera “príncipe de Egipto” o que fuera supervisor de obras arquitectónicas, como se le representa en películas como “The Ten Commandments” y “The Prince of Egypt” Se cree que los cambios fueron sugeridos por la esposa de un ministro para hacer la narración cinematográfica más atractiva (Ginneken, 2007).
Para analizar la representaciones nacionales en el cine, es importante tomar en cuenta que Hollywood tradicionalmente ha presentado en sus películas a los seres humanos en general como completamente buenos o malos, con personalidades regularmente estáticas que muestran algún desarrollo solo en raras ocasiones (Ginneken, 2007) Por tanto, podemos concluir que su visión no es realista, pues ignora la complejidad y, a veces, contrariedad de la naturaleza humana en la vida real (Ginneken, 2007) Otro aspecto relevante que debemos tomar en consideración es que cuando escuchamos hablar de la “industria de cine global”, a lo que se refieren es más al aspecto de distribución que al de producción Pues la realidad es que ese concepto no necesariamente incluye todas las películas que se realizan en todas partes del planeta y solamente a la fracción que domina el mercado, que está liderado por Hollywood y seguido muy de cerca por países como India, México, China, y otros países que cuentan con una gran cantidad de inmigrantes en los Estados Unidos (Ginneken, 2007). Países como Egipto, Arabia y la mayoría de América Latina solamente cuentan con una exposición regional de su producción cinematográfica (Ginneken, 2007) Por ello, las imágenes representativas de la
“otredad” nacional serán las que transmitan aquellas producciones transcontinentales de las industrias que componen la llamada “industria global de cine” (Ginneken, 2007) Quien controla la narrativa, controla la representación.
El ataque a la base naval de Pearl Harbor, el 7 de diciembre de 1941, no solamente marcó el inicio de la participación de los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. También fue el comienzo de la persecución y encarcelamiento de cientos de ciudadanos norteamericanos de origen japonés, cuando días más tarde Frank Knox, secretario de la Marina, los acusó injustamente y sin fundamento alguno de ser colaboradores en el ataque que dejó un saldo de más de 2,400 muertos (Lewis, 2016) Los comentarios de Knox tuvieron el efecto de crear un sentimiento antijaponés a través de toda la nación, pues se trató del primer oficial del gobierno que públicamente dio voz a una teoría de conspiración que venía circulando hacía un tiempo (Lewis, 2016). Ello provocó que el presidente Franklin Delano Roosevelt, por razones de Página 10
“seguridad nacional”, firmara la Orden Ejecutiva 9066 que ordenó el internamiento o la encarcelación de más de 100,000 ciudadanos norteamericanos de ascendencia japonesa en campos de concentración, hasta que terminó la guerra (Lewis, 2016).
Este sentimiento antijaponés se trasladó a la representación de los asiáticos, en términos generales, y de los japoneses, específicamente, en las producciones cinematográficas hollywoodenses de los años siguientes No solamente se vilificó a los japoneses en las películas, sino también, como sucedió con los afrodescendientes en los años del “blackface”, fueron motivo de burla. Un ejemplo al respecto que podemos mencionar es el personaje de Míster Yunioshi, interpretado por Mickey Rooney en la película “Breakfast at Tiffany's” (1961), cuyo estereotipado acento inglés y exageradas facciones orientales representaban una burla a la comunidad japonesa (Schacht, 2019) Y aunque el sentimiento antijaponés en los Estados Unidos ha ido disminuyendo a través del tiempo, todavía la comunidad asiático-americana sigue arrastrando imágenes estereotipadas no representativas de su realidad en el cine estadounidense, debido a que sus historias no son creadas por asiáticos o asiático-americanos, sino por personas que no conocen mucho de su cultura e idiosincrasia (Schacht, 2019).
Al igual que sucede con los asiáticoamericanos, la comunidad latina también es objeto de imágenes estereotipadas y de una representación distorsionada de su realidad En un análisis reciente de 2,682 películas producidas en Hollywood a partir del año 2000, se encontró que la representación cinematográfica de los personajes latinos gira alrededor de su atractivo sexual, donde especialmente las mujeres son caracterizadas como seductoras temperamentales que siempre lucen sensuales y logran lo que quieren (Schacht, 2019) En el caso de los hombres, los personajes se encasillan en el estereotipo del “latin lover” seductor de mujeres blancas (Schacht, 2019) De igual manera, tampoco representan la diversidad cultural y étnica de los latinos a través de las Américas, pues los personajes son caracterizados con la misma tonalidad de piel, color de ojos y estilos de cabello (Schacht, 2019).
Estereotipos de orientación sexual e identidad de género
La inclusión de personajes LGBTTQ+ en las películas ha ido incrementando en años recientes Esta inclusión ha evolucionado a la par con la aceptación social de la diversidad
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sexual (Thomson, 2021). Y, aunque ciertamente ha sido muy positivo el que los personajes LGBTTQ+ tengan mayor visibilidad, es importante analizar cuán realista y precisa ha sido la representación de este colectivo cinematográficamente.
La comunidad LGBTTQ+ ha sido representada en el cine desde el mismo comienzo del medio hace más de cien años Aunque no siempre esa representación fue la más positiva Existen dos películas de Charlie Chaplin, tituladas “A Woman” (1915) y “Behind the Curtain” (1916), que introducen el tema gay como algo para provocar la risa (Acadia Bost, 2022). Principalmente era representado a través de personajes masculinos afeminados, y fue peor con la llegada del sonido y las voces estereotipadas para estos personajes (Acadia Bost, 2022).
Sin embargo, en 1919, la película alemana “Anders als die Anderen” o “Different from the Others”, como se le conoce en inglés, fue la primera película en realizar una representación positiva de un personaje gay (Acadia Bost, 2022). Era una película activista que retaba las leyes alemanas de la época que criminalizaron la homosexualidad (Acadia Bost, 2022). Este filme fue pionero además por ser una de las primeras películas prohibidas oficialmente, que logró el que se reforzara la censura de películas, y cuyas últimas copias fueron quemadas por los nazis en 1930 (Acadia Bost, 2022).
No obstante, hubo directores revolucionarios que se atrevieron a insertar el tema gay en sus películas tan temprano como en 1927. Ese año, “Wings”, el primer filme que ganó el Oscar a la mejor película presentó una de las primeras escenas de un beso entre dos hombres (Acadia Bost, 2022) Mientras que, en 1930, la película “Morocco” introdujo el tema del travestismo, así como también el primer beso fílmico de dos mujeres (Acadia Bost, 2022). Sin embargo, durante esos primeros años también se introdujo una regla no oficial que duró por décadas en las películas de Hollywood: la inmoralidad siempre debe tener consecuencias. Por esa razón, ningún personaje gay podía tener un final feliz, pues hacerlo llevaría el mensaje “equivocado” de que no eran merecedores de ser infelices (Acadia Bost, 2022)
En 1934, los estudios de Hollywood se autorregularon y adoptaron un código de producción que se conoció como el Código Hays. Este código ordenaba que ninguna película podía generar en la audiencia simpatía por el crimen, el pecado o la inmoralidad (Acadia Bost, 2022) Las películas podían mostrar personajes masculinos gay siempre y cuando estos fueran codificados a través de elementos estereotipados como el uso de colonias florales, tono de voz fino o que desempeñaran funciones que entonces eran asociadas con la comunidad gay, de manera que el público intuyera su sexualidad sin que se les confirmara (Acadia Bost, 2022). En ocasiones, la codificación funcionó para eludir la censura y sutilmente hacer representaciones positivas de la comunidad LGBTTQ+ en las tramas, pero mayormente sirvió para vilificar y fomentar la homofobia hacia esta (Acadia Bost, 2022). Por otra parte, las tramas podían tener personajes gay siempre y cuando estos fueran los villanos, que eventualmente recibirían un castigo al final, o si eran un cadáver (Acadia Bost, 2022).
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No fue hasta 1970, con el estreno de “The Boys in the Band”, que se presentó una película cuya trama giraba completamente alrededor de las vidas de hombres abiertamente gay que, aunque algunos representaban clichés de la época, rompieron con la invisibilidad de los años que precedieron a este filme revolucionario (Acadia Bost, 2022). Otra película de esa década que presentó personajes gay sin ser vilificados fue “Dog Day Afternoon” (1972), protagonizada por Al Pacino El personaje principal es abiertamente gay y no personifica los estereotipos con los que tradicionalmente se les representaba en el cine, sino que se le permite ser el héroe a pesar de ser acosado y motivo de las burlas del resto de los personajes de la historia (Acadia Bost, 2022) Este filme es un ejemplo del tipo de películas que comenzaron a producirse, una vez desaparecido el Código Hays, donde los personajes podían revelar sus identidades sin necesidad de ser los villanos o estar destinados a morir (Acadia Bost, 2022)
Las décadas de los 80 y los 90 podrían considerarse como los años donde la temática LGBTTQ+ se presentó más abiertamente, incluso en proyectos de estudios y directores importantes, como lo fue “The Color Purple” (1985), dirigida por Steven Spielberg, y “The Watermelon Woman” (1996), dirigida por la primera mujer afrodescendiente abiertamente lesbiana, que la Biblioteca del Congreso ha reconocido como una película de relevancia cultural (Acadia Bost, 2022).
Sin embargo, aun cuando hoy vemos más representaciones positivas de la comunidad LGBTTQ+ en el cine, un sondeo realizado por la organización Gay and Lesbian Alliance Against Defamation (GLAAD), titulado Studio Responsibility Index 2025, refleja una reducción paulatina en la inclusión de personajes gay en las películas En el año 2022 era de 28%, pero en 2023 se redujo a 27.3% (70 de 256 películas) y ya en el 2024 representaba el 23.6% (59 de 250 películas) (GLAAD, 2025) Además, GLAAD informó que en el 2024 el 75% de las películas que incluyeron personajes LGBTTQ+ pasaron la Prueba Russo, lo que significa 44 de las 59 películas que incluyeron personajes gay o el 18% del total de películas producidas, que fue de 250 (GLAAD, 2025) La Prueba Russo se compone de cuatro parámetros, desarrollados por el activista e historiador cinematográfico Vito Russo, para identificar representación positiva de la comunidad LGBTTQ+ en el cine (GLAAD, 2025):
La película contiene personajes que son identificables como gay, lesbiana, bisexual, trans y/o queer (GLAAD, 2025).
Al personaje no se le asocia sola o predominantemente por su orientación sexual o identidad de género en la trama (GLAAD, 2025).
El personaje LGBTTQ+ está vinculado a la trama de tal forma que, si se le removiera, tendría un efecto significativo en la historia, de manera que no esté ahí solo como un elemento más, sino que tenga importancia (GLAAD, 2025).
La historia del personaje LGBTTQ+ no debe ser abiertamente ofensiva (evita recurrir a clichés o estereotipos conocidos sin mayor desarrollo). En películas con varios personajes LGBTTQ+, al menos uno debe superar este punto para que la película pase la prueba (GLAAD, 2025)
Estereotipos raciales y étnicos en el cine Aunque recientemente hemos visto adelantos significativos relacionados con la representación racial en el cine de Hollywood, motivados por campañas de concienciación donde una de las más comentadas fue la que coincidió con la entrega de los premios Oscar de 2015, identificada en redes con la etiqueta #OscarsSoWhite, la realidad es que no siempre fue así A través de la historia del cine uno de los aspectos por los que más se ha señalado el medio ha sido por la falta de diversidad racial y, cuando la había, su representación estereotipada.
Los árabe-americanos o con ascendencia de medio oriente han sido tradicionalmente representados en las películas como “belly dancers”, chicas de harén y jeques petroleros, reduciendo toda la cultura e historia milenaria de este grupo racial y étnico (Nittle, 2025) Todavía hoy se les representa con frecuencia como grupos primitivos que se trasladan por el desierto montados en camellos (Nittle, 2025) Luego de los ataques del 11 de septiembre de 2001, se comenzó a representarlos como villanos antiamericanos (Nittle, 2025). Pero incluso, en la película “True Lies” de 1994 ya se les presentaba como terroristas, lo que ocasionó protestas de árabe-americanos a través de los Estados Unidos, lo que también sucedió en 1992, con el estreno de la película “Aladdin” de Disney, en esa ocasión por representarlos como un grupo barbárico y retrasado (Nittle, 2025)
En el caso de los nativo-americanos, desde los comienzos del cine norteamericano, fueron representados como guerreros sanguinarios y violentos contra los colonizadores blancos (Nittle, 2025). Esa representación reduccionista, estereotipada y prejuiciada de los nativoamericanos fue la base del “western”, uno de los géneros cinematográficos más autóctonos del cine hollywoodense, que todavía hoy se produce con éxito. Página 16
Las veces en que son representados favorablemente es a través de la imagen estereotipada del curandero que sirve como instrumento para sanar al hombre blanco, que siempre es el héroe de la película (Nittle, 2025) En el caso de las mujeres, se les representa como doncellas o princesas hermosas y unidimensionales, lo que ha tenido como consecuencia el que en la vida real sean víctimas frecuentes de acoso sexual y violaciones, lo que ha sido denunciado por grupos feministas (Nittle, 2025)
“The Birth of a Nation” (1915), dirigida por D W Griffith, fue la película más exitosa de los primeros años del cine, pero también la más controvertida y representativa de los estereotipos y prejuicios de la pantalla grande contra los afrodescendientes. Describe la época de la Reconstrucción norteamericana, pero justifica las acciones violentas de los blancos sureños como instinto de “preservación”, vilifica a los negros esclavizados recién liberados, a quienes presenta como salvajes violentos y lujuriosos, mientras glorifica al Ku Klux Klan como los salvadores del sur (Facing History & Ourselves, 2016) Sin embargo, técnicamente es una película importante pues, junto a “Intolerance” (1916), también de D W Griffith, representa una de las primeras veces en que el cine se utilizó artísticamente para narrar historias complejas a través imágenes, lo que resultó en el género de la película épica Algunos consideran a D W Griffith como el inventor de la dirección cinematográfica moderna, por su empleo de tomas complejas y secuencias de acción. Ambas producciones tienen una duración de sobre tres horas, lo que no era común en el cine de los albores del siglo XX Fue la primera película que se proyectó en la Casa Blanca y fue alabada por el presidente Woodrow Wilson (Facing History & Ourselves, 2016) Estaba basada en la novela The Clansman, cuyo autor fue Thomas Dixon, casualmente condiscípulo de Woodrow Wilson (Facing History & Ourselves, 2016).
“The Birth of a Nation” abrió paso a toda una gama de representaciones estereotipadas de los afrodescendientes en los filmes de Hollywood. Frecuentemente son representados como pandilleros, víctimas de violencia racial, criados o mujeres con problemas de actitud (Nittle, 2025) Las veces en que vemos representaciones favorables de los afroamericanos en el cine, por lo general se limitan a la imagen del negro benévolo que olvida por completo sus aspiraciones, problemas y deseos de mejorar su estatus de vida, para ser facilitador en el proceso que lleva al personaje blanco a superar adversidades (Nittle, 2025)
“The Birth of a Nation” creó en la mente de los espectadores una imagen fija que definió la representación de la comunidad afrodescendiente en el cine y estableció una narrativa que era necesaria para la lucha racista contra los negros en los Estados Unidos (Diawara, 1993) Esta película sirvió también para suprimir toda la historia de los negros en Norteamérica y sus aportaciones al desarrollo histórico de la nación, además de establecer los roles estereotipados a los que serían reducidos por décadas los personajes afrodescendientes en el cine (Diawara, 1993) Pero este filme también puso, tanto a los negros como a los blancos liberales, en la actitud defensiva de combatir la narrativa que pretendía perpetuar la película (Diawara, 1993) Esto tuvo como resultado el nacimiento de un nuevo género cinematográfico que se conoció como “película racial” (Diawara, 1993). Este género, producido y dirigido para la comunidad negra, buscaba cambiar la narrativa estereotipada prevaleciente contra los afrodescendientes, para reclamar un espacio fílmico de visibilidad y representación que no presentara a los negros solamente como un accesorio dentro de las historias de los blancos, sino que les permitiera ser protagonistas y narrar sus propias historias y puntos de vista en la discusión de los asuntos raciales (Diawara, 1993). Tuvo entre sus precursores a Melvin Van Peebles, creador cinematográfico independiente, cuya serie de películas denominadas como “blaxploitation”, tuvieron el efecto de empoderar a los negros en la industria cinematográfica, sirviendo como plataforma para que fueran protagonistas, héroes y villanos de sus propias historias que, aunque mayormente también eran estereotipadas, marcaron un antes y un después en la industria cinematográfica de Hollywood pues crearon un mercado de visibilidad y representación para los afrodescendientes en el cine, que antes les había sido negado (Diawara, 1993). Más adelante, el género evolucionó con el surgimiento del cineasta Spike Lee y películas como “City of Hope”, “Grand Canyon”, “Boyz N the Hood”, y “Straight Out of Brooklyn” que presentaron historias urbanas más realistas y representativas de los problemas y situaciones de la comunidad afrodescendiente norteamericana (Diawara, 1993)
En resumen
El cine ha demostrado ser un medio importante de expresión artística que nos permite reflexionar acerca del pasado, entender el presente e imaginar el futuro, desde la visión de los cineastas y sus filmes Comunica ideologías, valores y perspectivas a través de las imágenes y se adentra en el imaginario colectivo para provocar reacciones y emociones en las audiencias a través de sus estímulos audiovisuales Es innegable la trascendencia del cine en el desarrollo de la experiencia humana pues, por más de un siglo, ha servido como espejo para reflejarla en sus tramas y personajes Sin embargo, las películas, al ser producto de las mentes de sus creadores y, por ende, matizadas por sus conocimientos y vivencias, no están exentas de transmitir estereotipos, que podrían redundar en prejuicios que promueven el discrimen contra grupos e individuos Muchas de las creencias equivocadas que transmiten algunas películas, han servido a aquellos que discriminan como justificación del trato injusto y desigual que reciben con frecuencia los marginados y más vulnerables de la sociedad
No obstante, las nuevas generaciones de cineastas que se han integrado a la industria cinematográfica recientemente nos ofrecen un panorama alentador y optimista. A través de sus obras, retan a sus espectadores y a ellos mismos a romper con paradigmas arcaicos, heredados de los pioneros del cine, para desarrollar historias más representativas de la diversidad social, promoviendo la inclusión como herramienta para el progreso y enriquecimiento cultural de las sociedades Además, el éxito de crítica y taquilla de películas como “Black Panther”, “Parasite” y “Everything Everywhere All at Once”, entre otras, comprueba que el mundo está listo y deseoso por conocer más acerca de la otredad, a través de tramas genuinamente representativas de su realidad y experiencia. Ello no solo responde a la diversidad que caracteriza a los personajes y sus historias, sino también al empoderamiento de grupos sociales antes silenciados, que han encontrado un espacio dentro de la industria para hacer oír sus voces y narrar sus vivencias, puntos de vista y contextos culturales
Por otro lado, las audiencias de hoy viven la democratización del cine a través de los servicios “streaming”, lo que les ha permitido tener un acceso más abierto a la producción fílmica global del que habían tenido en el pasado. Y, al acercarse más a la diversidad social mundial, desarrollan una perspectiva más fiel del componente humano y, ergo, de ellos mismos
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