Espaces contemporains n°3/2026. Full

SUISSE

ARCHITECTURE

DESIGN

DECO

CULTURE

MILANO DESIGN WEEK

Mobilier, expos, interviews : notre best of

Une journée à Locarno

Bex, Môtiers, Vevey…

Préparez votre été !

Guinguette, Rincette ou Trempette

Choisissez votre buvette !

Design Days & Watches and Wonders

Le temps d’une rétro

Votre choix. Votre temps.

La commande QuickSelect, unique au monde, vous permet de choisir facilement la durée de fonctionnement du lave-vaisselle. Pour plus de flexibilité au quotidien. For better living. Designed in Sweden.

vivre avec la nature En couverture : Une demeure brutaliste face à l’océan. Photo : Helenio Barbetta/Living Inside

(en -ette), un autre tour de Romandie

03/2026

CAHIER SPÉCIAL

Le design suisse à Milan

Rencontre, Faye Toogood et Giusi Tacchini

Il Salone del Mobile décrypté

FOOD DESIGN

112 À Milan, le design passe à table

OUTDOOR

et équipements outdoor

des entreprises

AGENDA

Les expos et salons à ne pas manquer RENCONTRE

coup de cœur d’Élodie de J’aime pas les dimanches

Being there

Pourquoi continue-t-on à aller à Milan ? Pourquoi 3daysofdesign attire-t-il chaque année davantage de visiteurs ? À première vue, rien ne l’explique vraiment. Les nouveautés sont désormais visibles en quelques secondes sur un écran, les lancements se succèdent tout au long de l’année et les tendances circulent bien avant l’ouverture des salons. Pourtant, designers, éditeurs, architectes, journalistes et passionnés continuent de se déplacer par milliers.

La réponse ne se trouve probablement plus uniquement dans les objets. Ce qui attire aujourd’hui, ce sont les conversations, les découvertes et les atmosphères que l’on ne peut saisir qu’en étant sur place : les recommandations glanées au fil des rencontres, les portes qui s’ouvrent grâce à une conversation inattendue, les visites improvisées, les repas partagés entre professionnels venus des quatre coins du monde. Autant d’expériences impossibles à reproduire derrière un écran.

Les événements de design sont devenus des expériences à part entière, où la découverte des nouveautés se mêle à celle de lieux, d’idées et de rencontres. Les frontières entre design, architecture, artisanat, gastronomie ou création contemporaine sont plus poreuses que jamais.

À sa manière, ce numéro en donne plusieurs illustrations. Des Design Days de Lausanne aux installations de Milan, des rues de Copenhague à la douceur méditerranéenne de Locarno, il est question de lieux, de rencontres et de manières d’habiter. Même lorsque nous parlons de mobilier, d’architecture ou d’horlogerie, ce sont souvent les usages qui nous intéressent : la façon dont un espace accueille, dont un objet accompagne un moment ou dont un projet favorise les échanges.

Peut-être est-ce là ce qui continue de nous faire voyager, découvrir et revenir : des expériences que l’on ne peut ni photographier complètement, ni résumer dans un communiqué de presse, ni faire tenir sur un écran.

Bel été et bonne lecture.

DE LA CONCEPTION AU MONTAGE

POSE

DE FENÊTRES ET FAÇADES MÉTALLIQUES

SAVOIR-FAIRE I EXPERTISE ET RIGUEUR

Nous sommes fiers de la fidélité que nous accordent nos clients car celle-ci repose sur des hommes et du savoir-faire.

Ces relations sont inscrites dans la durée. Elles sont le meilleur gage de qualité pour la réalisation de votre prochain chantier.

ÉDITION N°3

JUILLET – AOÛT 2026 22E ANNÉE

EDITIONS PRESTIGE SA

Rte de la Gare 7, CH-1070 Puidoux VD T +41 (0)21 946 37 41 F +41 (0)21 946 37 49 contact@espacescontemporains.ch www.espacescontemporains.ch

ÉDITEUR

Roland Durussel T +41 (0)78 788 22 93 durussel@espacescontemporains.ch

RÉDACTEUR EN CHEF

Maroun Zahar T +41 (0)78 842 20 11 mzahar@espacescontemporains.ch

RÉDACTRICE EN CHEF ADJOINTE Clara Jannet cjannet@espacescontemporains.ch

RESPONSABLE DU CONTENU STRATÉGIQUE ET DES ÉVÉNEMENTS

Patricia Lunghi plunghi@espacescontemporains.ch

RÉDACTION

Estelle Daval (ED)

Salomé Houllier Binder (SHB)

COLLABORATEURS RÉGULIERS

Textes : Maxime Pegatoquet (MaP), Cécilia Finet (CF), Catherine Gailloud, Elodie Raneri (ER), Benjamin Moser, Marielle Savoyat

Photos : Catherine Gailloud

Traduction : Catherine Gachies-Stäuble

Correction : Nicole Kate

DIRECTION ARTISTIQUE

RÉALISATION GRAPHIQUE

Atelier Poisson

Marie Cajka, Giorgio Pesce www.atelierpoisson.ch

PHOTOLITHOGRAPHIE solutionpixel www.solutionpixel.ch

MARKETING & COMMUNICATION

Sarra Aissa saissa@espacescontemporains.ch

BUREAU INTERNATIONAL ITALIE

Correspondant et budgets internationaux

Directrice : Francoise Faure

Assistante: Chantal Rizzardi Via Tarvisio 7, I-33054 Lignano Sabbiadoro (Ud) T +39 347 44 02 151 francoise.faure.espaces@gmail.com chantalrizzardi@gmail.com

ANNONCES SUISSE ROMANDE + SECTEURS CONSTRUCTION ET BÂTIMENT

Serge Bornand M +41(0)79 444 26 00 sbornand@espacescontemporains.ch

SUISSE ALÉMANIQUE, ALLEMAGNE + AUTRICHE

Creative Media Sàrl

Daniel Hostettler T +41 (0)43 322 60 33 daniel.hostettler@c-media.ch

SECTEUR LUXE

Camille Husson Stengel T +41 79 954 27 70 camille@espacescontemporains.ch

IMPRESSION ET EXPÉDITION

AVD Goldach, Sulzstrasse 12, CH-9403 Goldach

ABONNEMENTS ET ADMINISTRATION

T +41 (0)21 946 37 41 abo@espacescontemporains.ch

ABONNEMENTS

Un an (5 nos) + 2 hors-série offerts au prix de Chf 44.– (TVA incluse). Deux ans (10 nos) + 4 hors-série offerts au prix de Chf 72.– (TVA incluse). Vente au numéro : Chf 9.–

Tirage total : 20 500 exemplaires (contrôle REMP/WEMF 2024 - 25) dont 5003 ex. payants (abos payants + vente au numéro) + 9765 ex. (abos ciblés gratuits) + 3726 ex. en diffusion promotionnelle dans les showrooms, expositions spécialisées, écoles d’architecture et de design.

La rédaction décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis.

• +41 (0) 22 757 41 33

Route d’Aïre 154, 1219 Aïre (GE) • contact@extra-montages.ch www.extra-montages.ch

LE GOÛT DU MATIN

Des objets façonnés par des céramistes et des créateurs locaux pour transformer le premier repas de la journée 9

1 Beurrier Butter Keeper, Zanamizo.

2 Tasses en céramique, Marmor.

3 Tasse en céramique GUS Studio.

4 Coquetier empilable Good Morning, Renaud Defrancesco.

5 Collection Repeat, Laure Krayenbühl Studio.

6 Coquetier en aluminium Nest, Atelier Volvox.

7 Planche à pain en bois SE-05 Brett, Studio Atebo.

8 Beurrier, Camille Kunz Project.

9 Assiettes en céramique, Coline Peltier Céramique.

PUZZ’LE DESIGN STUDIO

Fondé en 2020 par le designer genevois Julien Garnier, Puzz’le Design Studio propose de beaux objets fonctionnels, tout en s’inscrivant dans une démarche écoresponsable et modulable. Bénéficiant du Swiss label, un gage de qualité qui certifie que plus de 70 % de la collection est fait en Suisse, la marque privilégie des matériaux durables, tels que le bois local, les vernis et les encres à base d’eau. Parmi ses créations phares, le système de rangement Jack & Jenny est fabriqué à partir d’un polymère biosourcé et biodégradable composé de liège et d’amidon de pomme de terre. Cette innovation lui a valu plusieurs distinctions internationales, dont le Red Dot Design Award et le prestigieux iF Design Award. Les objets signés Puzz’le se distinguent aussi par leur modularité. Le bougeoir Wave permet de multiples configurations, tandis que la lampe Mood, proposée en quatre coloris, peut être utilisée en applique murale, en suspension ou comme lampe de table. PL / puzzle-design.ch

giorgetti.eu

REPÉRAGE

PAUSE GELATO

L’été a trouvé son adresse. À Lausanne, entre le centre-ville et le lac, LABO Gelateria dévoile un nouveau bar à glaces signé Aurélie Chèvre, directrice de Coral Studio Lausanne. Dans ce décor lumineux aux nuances de rouge profond, l’inox poli, les céramiques délicates et les jeux de reflets composent une atmosphère élégante et chaleureuse. Tout en préservant la devanture et les sols de ce bâtiment classé, Coral Studio repense le volume intérieur pour créer un espace accueillant, avec un accès généreux et fluide au comptoir mettant à l’honneur la sélection de la saison. Saveurs raffinées, classiques incontournables ou parfums inédits : les créations artisanales italiennes de la maison séduisent par leurs saveurs audacieuses et prolongent, à chaque dégustation, la douceur de l’été.

CJ / labo-gelateria.ch

Simposio sofa, design Studiopepe Teatro Magico low table, design 967arch sabaitalia.com

ACTUS

PAYSAGES HABITÉS

Jusqu’au 3 octobre, la Triennale Bex Arts investit le parc de Szilassy avec Génies du lieu, une exposition en plein air réunissant 21 artistes. Sculptures, installations et interventions paysagères dialoguent avec l’histoire, la mémoire et les écosystèmes de ce domaine bicentenaire. Entre art contemporain et réflexion sur le vivant, le parcours invite à porter un regard renouvelé sur le paysage et ses transformations. ED / bexarts.ch

NOUVEAUTÉS ETCÉTÉRA

SWISS DESIGN AWARDS 2026

À l’occasion d’Art Basel, les Swiss Design Awards 2026 ont distingué trois démarches exemplaires dans la catégorie Product Design. Entre recherche formelle, innovation technique et responsabilité environnementale, les projets récompensés témoignent d’un design ancré dans les réalités contemporaines. Benedict Haener revisite la valeur du bijou avec The First Impression, tandis que le studio iiode propose Re27, une ampoule LED réparable conçue à partir de matériaux recyclés. Avec Volut, Titouan Longatte s’attaque quant à lui à la pollution sonore urbaine grâce à un volet acoustique conciliant confort, lumière naturelle et intégration architecturale. CJ / 2026.swissdesignawards.ch

↖ Volut de Titouan Longatte.

↑ Re27 de iiode.

← The First Impression de Benedict Haener.

BY ARTOPIA

LE COIN SORT DE L’OMBRE

Avec TWOGLOW, la marque suisse Superlife met en lumière un espace souvent délaissé : l’angle d’une pièce. Ce lampadaire à la silhouette épurée transforme le coin du salon en élément architectural à part entière. Sa lumière diffuse et sa géométrie minimaliste apportent profondeur et caractère à l’espace, invitant à repenser la manière d’habiter et d’éclairer l’intérieur. CJ / superlife.ch

TROIS NUANCES DE ROUGE CANICULE

En prévision d’un été ensoleillé, voire chaud bouillant, voici trois boissons made in local pour vous désaltérer au bon moment. Le Schluk framboise est une boisson pétillante à base de kéfir d’eau née dans le Jura. Le Super Maté des Lausannois Super Natural Club est une infusion à bulles à base de fleur de sureau et d’aronia, des petites baies noires pleines de vertus. Les Neuchâtelois de Siroscope sortent, eux, un sirop à l’hibiscus mâtiné de menthe et d’orange. Trois « s » pour vous souhaiter un bon « summer ». MaP / shluk.ch, supernaturalclub.ch et siroscope.ch

À VÉLO

AVEC

ROCÍO !

Après Alice Izzo, le label Musette (créé du côté de Vevey) met à l’honneur une autre artiste qui a fait de la couleur sa matière première. En faisant appel à l’illustratrice Rocío Egio pour une collab’ artistique du genre tonifiante, il propose un univers graphique qui resplendit des couleurs de son arc-en-ciel personnel en même temps qu’il « clin d’œille » l’un des péchés mignons de son enfance… le bocadillo – la version espagnole du sandwich (avec du jambon serrano en ce qui me concerne) –qu’elle a décomposé ingrédient par ingrédient. Et décliné en maillot, gapette et chaussettes. MaP rocioegio.com / Dispo sur musettecyclingclub.com

Un amour qui dure toute la vie.

Miele un jour, Miele toujours.

miele.ch/kitchen

LE RETOUR D’UN LIEU SINGULIER

Après quatre ans de travaux, le Centre culturel suisse retrouve son hôtel particulier du Marais, repensé par les architectes franco-suisses ASBR et Truwant + Rodet +. Parmi ses expositions inaugurales, la photographe germano-ghanéenne Akosua Viktoria Adu-Sanyah donne le ton avec no flowers, sa première monographie en France. Un travail sur le deuil de son père, mort au Ghana en 2021 au terme d’une négligence médicale enracinée dans le racisme institutionnel. Argentique, images IA développées en chambre noire, fragments de rapport médical sur papier photosensible. Un geste de mémoire et de dignité d’une beauté saisissante. CF / ccsparis.com

Akosua Viktoria Adu-Sanyah, no flowers.

Jusqu’au 26 juillet 2026

TROMPEL’ŒIL

À l’occasion du Festival des Cabanes de la Villa Médicis à Rome, l’ECAL s’associe au fabricant de céramiques Mutina pour présenter Façade, une installation conçue avec le soutien du designer Ronan Bouroullec. Réduite à une simple façade recouverte de carreaux, cette cabane joue sur l’illusion et le trompe-l’œil. Entre architecture, art et matière, elle invite le visiteur à redécouvrir le paysage à travers un jeu subtil de textures, de lumière et de perception. ED / ecal.ch

ODYSSÉE SOLAIRE

À l’occasion des 20 ans de l’église Saint-Pierre et des 10 ans de l’inscription UNESCO de la Maison de la Culture, le site Le Corbusier de Firminy présente SOLAIRE, une odyssée sensible, du 3 juillet 2026 au 17 janvier 2027. Imaginée par Döppel Studio, cette exposition immersive investit les parties basses de l’église Saint-Pierre à travers huit installations explorant les multiples manifestations de la lumière : réflexion, diffraction, réverbération, rayonnement ou obscurité. En écho à la pensée de Le Corbusier, pour qui « le soleil est le premier élément de toute architecture », le parcours révèle toute la dimension sensorielle et poétique de l’architecture de béton. FF/ sitelecorbusier.com

QUAND LE DESIGN PREND LE LARGE

À l’occasion de sa 65e édition, le Salon Nautique de Gênes a remis les Design Innovation Awards, distinguant des projets alliant innovation, durabilité et impact social. Présidé par Walter de Silva, le jury a souligné le rôle essentiel du design dans le nautisme, bien au-delà de l’esthétique. Parmi les lauréats figurent le New Pardo 43 (Nauta Design et Zuccheri Yacht Design), le Ferretti Yachts 800 (Filippo Salvetti, Ideaeitalia et Piero Ferrari) et l’Oceanis 52 de Beneteau (Biscontini Yacht Design et Nauta Design). La prochaine édition se tiendra du 1er au 6 octobre 2026. CR / confindustrianautica.net

DESIGN EN MOUVEMENT

Pour sa première édition sous l’identité Maison&Objet Pulse, le salon parisien confie son image au studio espagnol Masquespacio. Le duo formé par Ana Milena Hernandez et Christophe Penasse, connu pour ses univers colorés et son approche scénographique audacieuse, signe l’affiche de l’événement et imagine deux installations inédites. Ambassadeurs de cette édition, ils incarnent une vision du design où émotion, créativité et connexion humaine se conjuguent pour dessiner les espaces de demain. Du 10 au 14 septembre. ED / maison-objet.com

ÎLE DE LUMIÈRE

Venise accueille la quatrième édition d’HOMO FABER, biennale dédiée aux métiers d’art et aux savoir-faire d’exception du monde entier. Du 1er au 30 septembre, l’événement met la lumière à l’honneur à travers quinze installations réparties sur l’île de San Giorgio Maggiore. Imaginé par l’artiste et designer britannique Es Devlin, ce parcours immersif s’inspire des reflets de la lagune vénitienne pour révéler la créativité d’artisans d’exception. Portée par la fondation genevoise Michelangelo Foundation for Creativity and Craftsmanship, dont la mission est de préserver et transmettre les métiers rares tout en sensibilisant le grand public à leur richesse, cette édition promet une parenthèse de beauté et d’émerveillement. PL / homofaber.com

DE BRIQUES ET DE LUMIÈRE

Pour sa 25e édition, le Pavillon Serpentine accueille l’architecture sensible et contextuelle du studio mexicain LANZA atelier. Cette structure éphémère s’inspire du crinkle-crankle wall, un mur ondulant traditionnellement utilisé dans le comté du Suffolk. Le projet joue sur la porosité, la lumière et les circulations pour créer un espace de rencontre ouvert sur son environnement. Réalisé en brique et coiffé d’une toiture translucide, le pavillon brouille les frontières entre architecture et paysage. Tout l’été, il accueillera conférences, performances et événements culturels, prolongeant la vocation du programme Serpentine à faire dialoguer création architecturale et expérience collective. À voir jusqu’au 25 octobre. ED / serpentinegalleries.org

Des cuisines pour tous les styles et tous les budgets

Rénovation, transformation ou construction – votre nouvelle cuisine est censée vous procurer un plaisir durable. Nous sommes à votre écoute, car vos besoins individuels nous tiennent à cœur. Convenez d’un rendez-vous et laissez-vous inspirer dans l’une de nos 28 expositions de salles de bains et cuisines à travers toute la Suisse. sanitastroesch.ch

À REIMS, LE DOMAINE RUINART ENRICHIT SON PARCOURS D’ART

CONTEMPORAIN

Pour la maison de champagne, le plasticien

Tadashi Kawamata imagine trois refuges suspendus qui invitent à la contemplation.

Reconnu pour ses constructions éphémères réalisées à partir de matériaux simples et recyclés – bois, planches ou poutres récupérées –, Tadashi Kawamata conçoit chacune de ses œuvres en dialogue étroit avec le lieu qui l’accueille. Elles portent un regard nouveau sur le paysage, l’architecture et le passage du temps, jouant sur la frontière entre intérieur et extérieur.

Invité par Ruinart dans le cadre de son programme « Conversations avec la Nature » et inspiré par la fragilité du processus de fabrication du champagne, Kawamata a développé le thème du nid, une forme récurrente dans son œuvre, qui interroge les notions d’habitat, de refuge et de relation à l’environnement. De cette réflexion sont nées trois installations permanentes dans le domaine champenois : une cabane nichée dans un arbre, un nid monumental accroché à la

façade de la Maison Ruinart et un observatoire dominant les vignes. Suspendues entre ciel et terre, ces œuvres évoquent des habitats précaires qui viennent transformer l’espace construit en s’appuyant sur l’existant. « À cette hauteur, on perçoit les variations du temps : la chaleur, l’humidité, la brise. C’est une observation sensible, pas scientifique. Je souhaite que les visiteurs ressentent le passage du temps, l’évolution des nuages dans le ciel, la fragilité de la lumière », souligne l’artiste.

Fondée en 1729 à Reims, Ruinart est la plus ancienne maison de Champagne. Ouvert au public, son domaine permet de découvrir les célèbres crayères historiques, inscrites au patrimoine mondial de l’UNESCO, ainsi qu’un parcours d’art contemporain ponctué d’œuvres installées dans le parc. PL / ruinart.com

L’ART EN BALADE

Du 20 juin au 20 septembre 2026, Art Môtiers investira une nouvelle fois les ruelles du village et les sentiers de la forêt environnante pour proposer un parcours d’exposition à ciel ouvert, unique en Suisse.

Fidèle à l’esprit qui fait son succès depuis sa création en 1985, la manifestation mêle patrimoine, nature et création contemporaine dans une atmosphère chaleureuse et accessible.

Pour cette neuvième édition, 33 artistes et collectifs suisses ont été invités à imaginer des œuvres inédites en dialogue avec le territoire, ses habitants, ses traditions ou ses paysages. À leurs côtés, deux figures majeures de la scène artistique internationale, Olaf Breuning et Pipilotti Rist, endosseront les rôles de parrain et marraine de l’exposition.

La sélection promet un parcours riche en découvertes, où les œuvres surgissent au détour d’une place, d’un jardin, d’une grange ou d’un chemin forestier. Nouveauté cette année : deux itinéraires per-

1 Victorine Müller, Le moment végétatif, 2007.

2 Claudia Comte, 21 trunks form a triangle 6x6m, 5x5m, 4x4m, 3x3m, 2x2m, 1x1m, 2015.

3 Karim Forlin, i, 2015.

4 Art Môtiers inaugure une nouvelle identité visuelle signée Fichtre et Supero, un langage graphique coloré appelé à évoluer au fil des éditions.

mettront d’adapter la visite à tous les publics. Un parcours de 2,6 kilomètres, accessible aux personnes à mobilité réduite et aux poussettes, ainsi qu’une boucle plus longue de 4,7 kilomètres qui prolonge la promenade jusqu’aux hauteurs du village.

Art Môtiers inaugure également une nouvelle identité visuelle imaginée par l’illustrateur bâlois Mathias Forbach, alias Fichtre, en collaboration avec l’agence Supero. Colorée, ludique et évolutive, elle reflète l’esprit du festival : ouvert, généreux et profondément ancré dans son environnement. Plus qu’une exposition, Art Môtiers est une invitation à découvrir l’art autrement, au rythme d’une balade entre village et forêt. CJ / artmotiers.ch

3

ZURICH DESIGN WEEKS 2026 : SORTIR DU CADRE

Du 17 au 27 septembre 2026, les Zurich Design Weeks célébreront leur cinquième édition. Chaque année, le festival transforme Zurich en plateforme du design contemporain, réunissant expositions, installations, ateliers, conférences et portes ouvertes. Designers, marques, institutions culturelles et créatifs y présentent leurs projets à un large public.

L’édition 2026 s’articule autour du thème « OUT OF… », une invitation à quitter les schémas établis pour explorer de nouvelles manières de créer, de collaborer et d’agir. Qu’il s’agisse de sortir de sa zone de confort, d’expérimenter des processus circulaires ou d’inventer de nouveaux modèles de coopération, le festival encourage la curiosité et l’ouverture plutôt que la recherche de perfection.

Parmi les nouveautés, le House of Interiors, dans le quartier de Binz, s’impose comme l’un des nouveaux pôles du festival. On y découvrira notamment une collaboration entre Iria Degen Interiors et

1 Avec Blue, la manufacture suisse kt.COLOR explore la richesse de deux pigments emblématique.

2 Torro Studio propose ateliers et rencontres autour des pratiques artistiques et du design.

3 Le House of Interiors, dans le quartier de Binz, s’impose comme l’un des nouveaux pôles du festival.

4 À travers un workshop participatif, Raven AI & Design Lab questionne le rôle de l’intelligence artificielle dans les processus de création.

5 Pour sa première participation aux Zurich Design Weeks, la galerie milanaise Nilufar investit House of Interiors avec une sélection mêlant icônes du design historique et créations contemporaines.

6 Avec Out of Plenty, Robert Wettstein explore les matériaux trouvés, détournés et réassemblés en nouveaux objets.

7 La signalétique de l’édition 2025 devant Maison Shift.

l’artiste Nils Nova, l’ouverture du showroom zurichois de Bene consacré aux espaces de travail de demain, une présentation de la galerie milanaise Nilufar, ainsi qu’une exposition de kt.COLOR dédiée aux pigments bleu outremer et bleu de Prusse.

Le programme mettra également en lumière de jeunes acteurs de la scène créative. Le collectif Machine Arts Group présentera un kiosque où objets et dessins sont produits par des systèmes robotiques, tandis que Robert Wettstein explorera les possibilités offertes par le réemploi de matériaux existants. Torro Studio ouvrira ses portes à travers une série d’ateliers créatifs, et Raven AI & Design Lab proposera un workshop consacré à la création collective assistée par l’intelligence artificielle.

Autre nouveauté, le format Design Knowledge réunira professionnels et experts autour de conférences et d’ateliers dédiés à la transmission des savoirs. CJ Le programme complet sera dévoilé début juillet sur designweeks.ch.

Par DÖPPEL STUDIO

WE ARE FAMILY!

Images Vevey fête sa 10e édition

Pour sa 10e édition, la Biennale Images Vevey investit la Riviera vaudoise du 5 au 27 septembre 2026. Une édition anniversaire qui célèbre le chemin et les rencontres : 9 éditions, plus de 450 artistes originaires d’une soixantaine de pays, et un thème qui s’impose naturellement « We are family! ».

Ces mots résonnent avec une émotion particulière cette année : la biennale vient de perdre l’un de ses piliers. Le photographe Martin Parr, disparu en décembre dernier, incarnait à merveille l’esprit du festival : espiègle, exigeant, profondément humain. Fidèle complice autant que figure tutélaire, il avait participé à trois éditions consécutives, laissant à Vevey certaines de ses œuvres les plus jubilatoires. Stefano Stoll salue en lui « un parrain généreux, malicieux et inspirant », qui avait incité le festival à « sortir du cadre » et à penser l’image différemment.

Une cinquantaine d’artistes issus d’une quinzaine de pays exploreront la notion de famille sous toutes ses formes, biologique, choisie, affective ou politique, dans ce festival que son directeur résume d’une formule : « Images Vevey, c’est de la haute couture démocratisée. » Programme complet annoncé le 7 juillet. CF / images.ch

↑ Carmen Winant, Arrangements, Biennale Images Vevey 2022.

↖ Martin Parr, Think of Switzerland, Biennale Images Vevey 2016.

← Bettina Rheims, Détenues, Biennale Images Vevey 2022.

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SHOWROOM, GRUBENSTRASSE 38, 8045 ZÜRICH

ARCHITECT @WORK

LAUSANNE 2026

Les 30 septembre et 1er octobre 2026, ARCHITECT@WORK retrouve le palais de Beaulieu à Lausanne pour une nouvelle édition en Suisse romande placée sous le signe de la transformation. Question devenue centrale pour la discipline : comment transformer plutôt que construire ?

Après le succès de sa première édition en 2024, ARCHITECT@WORK revient dans la capitale vaudoise. Le salon réunira 136 fabricants sélectionnés par un comité technique indépendant et offrira aux architectes, aux architectes d’intérieur et aux prescripteurs un panorama des innovations qui façonnent l’évolution du secteur.

Placée sous le thème « Transformation, réinventer l’existant », cette édition interroge la capacité du bâti à évoluer, à changer d’usage et à s’adapter aux besoins contemporains. Dans un contexte où la préservation des ressources devient une priorité, la réhabilitation, la reconversion et le réemploi s’imposent comme des leviers essentiels de la conception architecturale. Entre innovations produits, expositions thématiques et conférences, l’événement explore les nouvelles approches du projet face aux défis environnementaux contemporains.

UN RICHE ET LARGE PROGRAMME

Parmi les expositions proposées, il y a d’abord celle réalisée par WorldArchitects. Le Project Wall Transformation présentera 44 projets internationaux illustrant diverses stratégies de transformation du

patrimoine bâti et paysager. À voir aussi, « Matériaux en mutation », une exposition qui met l’accent sur les ressources issues du réemploi, du recyclage ou des filières biosourcées, révélant le rôle déterminant des matériaux dans la transition du secteur.

Plus singulier, « l’Abécédaire d’Archinov » proposera une exploration sensible et ludique des métiers de l’architecture. Enfin, « Construction bois : 50 ans de progrès » retracera l’évolution spectaculaire de la filière bois en Suisse, des premières réalisations aux bâtiments emblématiques contemporains. Une rétrospective qui témoigne des avancées techniques et réglementaires ayant permis à ce matériau renouvelable de s’imposer au cœur de l’architecture actuelle.

A noter également un programme riche en conférences et tables rondes réalisées par plusieurs partenaires, organisations professionnelles. Entre innovation, inspiration et partage d’expériences, ARCHITECT@WORK Lausanne est à la fois une plateforme dédiée aux mutations de l’architecture contemporaine mais aussi un cadre unique pour le networking. architectatwork.com/fr/events/a@w-lausanne

Accès réservé aux prescripteurs du bâtiment et sur invitation.

LIVRES

1 PANORAMA

Le 21e siècle a son Piranèse, son Gainsborough, son Friedrich et son Eicher : le graveur français, Érik Desmazières, colosse gaucher dont la mine de plomb et le burin maîtrisent tous les genres, du monumental gothique à l’intimité de l’atelier. Sobrement intitulé Les Dessins, ce qui préserve d’admirables surprises, cet ouvrage parcourt les différentes sources d’inspiration de l’artiste. Cela commence avec l’architecture antique, passe par les squares parisiens et les bibliothèques, finit dans les ruines de Gaza… Superbe, puissant et libre.

Érik Desmazières, Olivier Rollin, Les Dessins, Cahiers Dessinés, 2026  –  176 pages.

2 HÔTEL DE CHARME

Cet été, pourquoi ne pas passer un jour ailleurs ? Descendre à l’hôtel… mais un hôtel particulier, recréé par le Musée des Arts décoratifs de Paris pour son excursion d’Une journée au XVIIIe siècle ! Entièrement aménagé, des pièces rares aux objets usuels en passant par le mobilier, les livres et les vêtements, l’hôtel invite à un

« séjour » immersif qui allie le charme de l’intimité aux émerveillements esthétiques. Bonnes vacances !

Collectif, Une journée au XVIIIe siècle. Chronique d’un hôtel particulier, Les Arts décoratifs, 2026  –  524 pages.

3 ESPRESSO MA NON TROPPO

Le titre semble résumer toute l’histoire, mais non : il reste beaucoup à découvrir sur l’aventure de cette célèbre petite cafetière italienne ! Elle commence à la fin du 19e siècle près de Milan, dans une famille ingénieuse qui, à travers les décennies, a poursuivi le rêve de créer un ustensile parfait à la gloire du bon café. Narrée par son héritière, une allègre vieille dame, la saga Bialetti se déguste avec délice !

Celestina Bialetti, La romanesque histoire d’une cafetière nommée Moka, Liana Levi, 2026  –  281 pages.

4 ÉCRIN POUR DIVAS

Avec son air de Palais Garnier niché entre lac et montagne, le Grand Théâtre de Genève mérite les gigantesques travaux qui s’y

déploient actuellement pour le mettre à la hauteur de sa réputation. Laboratoire des enjeux lyriques contemporains, comme le définit le titre, il attire depuis longtemps les plus grands noms de la scène internationale. Visite guidée dans l’envers des décors, de la programmation et des créations avec tous ceux qui le font vivre !

Jean-Jacques Roth, Un opéra pour le XXIe siècle, Noir sur Blanc/Grand Théâtre de Genève, 2026 – 304 pages.

5 EN EAUX TROUBLES

En faisant de la plongée dans le Bosphore, deux étudiantes d’Istanbul tombent sur un meurtre maquillé en « accident » sous-marin. Modestes mais rebelles, les amies veulent découvrir la vérité. Mais sans la protection de la déesse Méduse, les femmes turques sont-elles de taille face à la corruption et au machisme de la Turquie aujourd’hui ? Politique et touchant, le roman graphique d’Özge Samanci tutoie ceux de Marjane Satrapi.

Özge Samanci, Mauvais œil, Helvetiq, 2026  –  284 pages.

Design is everywhere.

We make it visible.

OUTOF

THESTOCK THECURIOSITYOFFICEBOX BLUE

DESIGN DAYS 2026, CARREFOUR D’ÉCHANGES

À la croisée du design, de l’artisanat et de l’innovation, les Design Days ont confirmé la vitalité et la diversité de la scène créative suisse.

En mai dernier, les Design Days ont une nouvelle fois investi la Rasude dans la gare de Lausanne, battant plusieurs records, aussi bien en termes de fréquentation que de nombre d’exposants, avec près de 80 talents émergents et signatures établies, réunis autour d’une vision plurielle du design. Entre artisanat, innovation, architecture, mode et gastronomie, le festival a confirmé son rôle de plateforme incontournable de la création contemporaine en Suisse romande.

Portés par le magazine Espaces contemporains, les Design Days défendent depuis toujours une approche transdisciplinaire du design qui dépasse largement le cadre du mobilier ou de la décoration. Fidèle à cette philosophie, l’édition 2026 s’est distinguée par la diversité des formats présentés. Les visiteurs ont ainsi pu découvrir aussi bien des pièces de design de collection que du mobilier industriel et artisanal, des prototypes expérimentaux, des objets du quotidien réinventés, des accessoires de mode, des créations textiles ou encore des projets inclusifs explorant les liens entre design et handicap.

L’INTELLIGENCE

DE LA MAIN

À travers des projets sensibles – tels que la cabane du décorateur lausannois Vladimir Boson avec les pièces uniques de ses créateurs invités, les réalisations d’artisanat d’excellence signées Charles-Emmanuel Deppierraz et Olivier Veuthey, ou encore les luminaires de Laure Gremion et Jillian Reichlin – cette édition a démontré que de nombreux créateurs placent le geste humain au cœur de leur démarche. Sans oublier l’installation « The Last Bead » d’Adrien Rovero, présentée pour la première fois en Suisse et qui, face à un savoir-faire en déclin, redonne vie aux perles de verre de Murano en les transformant en lampes et accessoires faits main. Cette approche marque-t-elle un tournant pour le design contemporain ?

Vue d’ensemble de la gare Z Le Repère, un espace créé par le décorateur et artisan lausannois Vladimir Boson et peuplé d’objets de créateurs locaux.

UNE PLATEFORME D’ÉCHANGE POUR LES PROFESSIONNELS

L’édition 2026 a également multiplié les occasions de rencontre pour les professionnels et pour le grand public en prolongeant l’expérience à travers de nombreux formats participatifs. Les workshops et les Pitch Labs ont offert aux jeunes designers une plateforme d’expression et d’échange avec des professionnels du secteur. Les coachings déco ont donné aux visiteurs l’opportunité de bénéficier de conseils personnalisés en aménagement et décoration d’intérieur, tandis que les visites guidées destinées aux familles ont permis d’aborder le design de manière ludique et accessible. Les professionnels n’étaient pas en reste avec les ArchiTalks, un cycle de conférences et de rencontres consacré aux enjeux actuels de l’architecture et de la culture du bâti.

Pour leur deuxième édition, les Architalks, en partenariat avec la Vaudoise Assurances, le Mudac et la Fondation CUB, ont accueilli une quinzaine de conférenciers, entre architectes, paysagistes, associations et entreprises, dont les bureaux Itten+Brechbühl et CCHE, qui ont présenté les travaux de rénovation du bâtiment Le Cèdre à Lausanne ou encore le studio Big-Game qui a exposé le travail de réédition des meubles dessinés par Jean Tschumi pour ce bâtiment.

Parmi les autres temps forts de cette édition, le Design Dinner sur les rails a illustré la capacité du festival à décloisonner les disciplines. Cette expérience immersive, à la croisée du design et de la gastronomie – avec aux commandes pour la cuisine le chef de Fud Läb et pour la scénographie la designer Karen Pisoni – a invité les participants à vivre un repas d’exception dans un cadre unique.

En conjuguant expositions, ateliers, conférences, accompagnement professionnel et médiation culturelle, les Design Days ont une nouvelle fois démontré que le design est avant tout un langage transversal entre les disciplines, les générations et les publics. Une richesse de formats qui contribue à faire de la manifestation une plateforme d’échanges unique en Suisse romande. designdays.ch

1 Le stand de la marque de mobilier suisse Girsberger.

2 Le stand du Laboratoi/RE, boutique de mode éthique à Lausanne.

3 L’installation du label de mode et d’upcycling écoresponsable Rappaz Studio.

5 6 7 8

4 Le mur d’affiches des Design Days.

5 Le fauteuil à bascule Live Slowly de l’ébéniste Olivier Veuthey.

6 La cabine acoustique Lakabi conçue à Lausanne.

7 Les lampes en céramique Poppy de la jeune designer Solenn Roch.

8 Les créations du jeune studio zurichois Raw Objects.

13 Karen Pisoni du studio Pisoni-lab, auteure de la scénographie du Design Dinner.

14 La table dressée au-dessus des rails de la Gare Z.

15 Le chef Michaël Fessler de Fud Läb finalise la préparation du dessert.

16 L’entrée : asperges vertes de Chiètre, yogourt, poutargue et noisettes.

17 Les 50 convives du Design Dinner réunis le temps d’une soirée placée sous le signe du design, de l’échange et de la convivialité.

DESIGN

Copenhague confirme son influence

3daysofdesign s’est imposé comme l’un des rendez-vous incontournables du calendrier du design contemporain.

1 « The Swiss Atelier », à l’ambassade suisse à Frederiksstaden, l’exposition Seeking Sails, par Hannes & Fritz. Une sélection d’objets et de meubles de 12 designers suisses et danois, conçus à partir de toile à voile usagée.

2 Le duo de designers suisses Panter & Tourron était à l’honneur chez Vitra.

En quelques années, Copenhague est devenue l’une des capitales mondiales du design. Avec plus de 400 exposants répartis dans toute la ville, l’édition 2026 de 3daysofdesign a confirmé la place singulière qu’occupe aujourd’hui la manifestation : celle d’une plateforme où se rencontrent grandes maisons scandinaves, jeunes talents, galeries, éditeurs et institutions culturelles. Et, depuis peu, la manifestation danoise attire désormais des fabricants internationaux qui ont perçu la vitalité de la place danoise et la qualité du public, plus nombreux et surtout plus averti.

Placée sous le thème Make This Moment Matter, cette édition a mis l’accent sur des notions de durabilité, de matérialité et d’expérience sensible. Plus qu’une succession de lancements de produits, le festival a donné à voir un design attentif aux usages, aux savoir-faire et aux enjeux contemporains.

3 &Tradition a installé un café-buvette dans une cour à Kronprinsessegade

4 A Bredgade, Carl Hansen & Søn propose un dialogue entre ses grands classiques et les nouvelles créations.

5 Velux a proposé une exposition de l’artiste Christina Augustesen, dans laquelle les variations de couleurs et les reflets révèlent les façons dont la lumière du jour

influence la perception et l’espace.

6 Fredericia, une chronique du design danois, retrace plus d’un siècle d’histoire de fabrication de mobilier.

7 The Carpark par Tom Dixon

8 Vue du hall au Danish Architecture Center

Bien présents comme dans toutes les manifestations dédiées au design, les Suisses étaient assez nombreux à Copenhague, dans les expos comme dans le public. Le duo Panter & Tourron était à l’honneur chez Vitra à Nordhavn. Atelier Oï était dans différents lieux, notamment avec A-POC ABLE ISSEY MIYAKE, pour présenter ses lampes type -XIII. Mais l’exposition qui a retenu notre attention, c’est Seeking Sails, lancée et curatée par Hannes & Fritz. Elle présente une sélection d’objets et de meubles de 12 designers suisses et danois, conçus à partir de toile à voile usagée. Cette exposition était présentée dans le cadre de l’initiative « The Swiss Atelier », à l’ambassade suisse à Frederiksstaden. MZ.

Prochaine édition de 3daysofdesign 9-11 juin 2027 3daysofdesign.dk

DESTINATION

LOCARNO

LÀ OÙ L’ÉTÉ PREND DES AIRS DE CINÉMA

Pour retrouver une certaine douceur méditerranéenne, nul besoin de traverser la frontière italienne. Entre lac et montagnes, Locarno mêle architecture, culture et légèreté avec une évidence rare. Depuis des décennies, la ville attire cinéastes, designers et esprits créatifs. Ce n’est pas un hasard si l’un des festivals de cinéma les plus importants d’Europe s’y déroule chaque année. Entre bâtiments modernistes, petites adresses discrètes, cafés historiques et piazzas ouvertes, une atmosphère à la fois calme et vivante s’installe naturellement. Et si plusieurs adresses de ce guide se trouvent à Ascona, les deux communes se vivent presque comme une seule et même destination, tant les passages de l’une à l’autre sont naturels. Une destination pour une journée –ou quelques jours de plus.

Benjamin Moser

10:20

10:00

ARRIVER → MUYU COFFEE ROASTERS

Petit torréfacteur indépendant dans une rue calme. Espresso clair, intérieur minimal, début de journée tout en douceur.

Via Castelrotto 18A, 6600 Locarno www.muyu.coffee

LES CHOSES QUE

L’ON GARDE → KAVO

Céramiques, textiles, livres et objets du quotidien choisis avec précision. Une esthétique méditerranéenne sans folklore.

Via Panigari 6, 6600 Locarno kavomaisonatelier

10:45

AU CŒUR DE LA VILLE → AMALI

Mode et objets dans un espace lumineux au-dessus de la piazza. Une sélection sobre et habitée, davantage appartement que boutique.

Piazza Sant’Antonio 2, 6600 Locarno amali_conceptstore

12:30

DÎNER → CITTADELLA

Cuisine méditerranéenne au cœur de la vieille ville. Commander le poisson, rester en terrasse et laisser l’après-midi s’étirer.

Via Cittadella 18, 6600 Locarno cittadella.ch

11:15

ART ET SILENCE → GHISLA ART COLLECTION

Art contemporain dans un bâtiment sculptural face au lac. Lumière naturelle, espaces épurés, calme inattendu.

Via Ciseri 3, 6600 Locarno ghisla-art.ch

15:00 19:00

L’AUTRE VERSANT → MONTE VERITÀ

Ancien refuge d’artistes, de penseurs et de réformateurs de vie. Aujourd’hui parc, musée et lieu culturel dominant le Lago Maggiore.

On y reste souvent plus longtemps que prévu.

Strada Collina 84, 6612 Ascona monteverita.org

HÔTEL GIARDINO ASCONA

Jardin méditerranéen, architecture retenue et silence omniprésent. Plus refuge qu’hôtel.

Via del Segnale 10, 6612 Ascona giardino.ch

OPTION A : EAU → LIDO ASCONA ET ISOLE DI BRISSAGO

Longs après-midis au bord de l’eau, bateaux vers les îles de Brissago et jardins subtropicaux au milieu du Lago Maggiore.

Via Lido 84, 6612 Ascona seven.ch/lidodiascona

Via Cantonale, 6614 Brissago isoledibrissago.ti.ch

SOIRÉE → ECCO ASCONA, À L’HÔTEL GIARDINO

Cuisine précise, service discret, atmosphère concentrée. Élégant sans ostentation.

Via del Segnale 10, 6612 Ascona giardino.ch

OPTION B : RIVIÈRE → PONTE BROLLA ET TEATRO DIMITRI

Eau turquoise, pierres claires et sentiers vers la Valle Maggia. Le soir, poursuivre jusqu’au

Teatro Dimitri, l’un des lieux culturels les plus singuliers de Suisse.

Caraa du Teatro Dimitri 10, 6653 Verscio teatrodimitri.ch

VILLA ROSSELLA

Petit hôtel de charme où les matières tessinoises dialoguent avec des interventions contemporaines, avec petit déjeuner servi en terrasse.

Via Stazione 13, 6600 Locarno villarossella.ch

Via Campagnole 6, 6802 Rivera (Station de départ de la télécabine pour rejoindre le Monte Tamaro) montetamaro.ch UNJOURDEPLUS

OPTION C : HAUTEUR → MONTE TAMARO

Monter en télécabine jusqu’à l’Alpe Foppa. Au sommet, l’église Santa Maria degli Angeli de Mario Botta fait face au paysage.

LA   BUVETTE, BON   POUR LA   TÊTE

Au registre des sujets incontournables à proposer d’une année sur l’autre, la buvette est ce qu’on peut appeler un marronnier journalistique. Un coup de fraîcheur, l’occasion de belles images et la découverte de sites insolites. Pour une fois, histoire de pousser le bouchon un peu plus loin, on a décidé de s’arrêter sur les buvettes en… -ette. D’après Wiktionnaire, le dictionnaire libre, cette terminaison est un « suffixe utilisé pour former des noms féminins en rapport avec une forme plus petite d’un objet. Souvent utilisé dans une visée hypocoristique. » Il contribue fortement également à former des diminutifs affectueux. Même si, entre nous, ce n’est pas une raison pour occulter les incontournables buvettes d’alpage type celle du Mont-Chesau, à Puidoux, celles au bord de l’eau comme à Sierre ou à Tannay, ou l’excellentissime Sadara, dans la Bâtie genevoise.

LA   GUINGUETTE

JUSQU’AU 31 OCTOBRE 2026

Imaginée par les créateurs du Marcel, dépositaires du fameux combo boules de pétanque et « croquemossieurs », la Guinguette a remplacé l’emblématique

Buvette de la Ligue suisse des Femmes abstinentes, qui résidait en ces murs depuis 1902. Au cœur du parc

La Grange, le cadre est carrément dingue avec sa vue hodlérienne et un mobilier qui font de ce kiosqueterrasse notre Jardin du Luxembourg à nous.

Parc La Grange, Genève @laguinguettegeneve

LA   RIGUENETTE

JUSQU’AU 1ER OCTOBRE 2026

Une des plus belles vues sur Lausanne pour l’ex-Café Perché. Devenu La Riguenette (« un fou rire », d’après le glossaire sur le patois vaudois de l’excellent Henry Suter), cet édicule aux faux airs de bastion militaire est le repaire de Laura Schroeder. Une terrasse gourmande, au calme, avec une carte créative et, ici et là, des collab’s inspirées. « Cuisine du monde, produits d’ici. Et fous rires ! » Promenade du Bois-de-Beaulieu, Lausanne @la.riguenette

TREMPETTE

JUSQU’AU 13 SEPTEMBRE 2026

Le nom le plus cool qui soit pour un ensemble archi archétypique imaginé par le studio Léa Villette. Une cabane avec des ouvertures à l’italienne, un deck qui donne quasi sur la ligne d’eau du quai Wilson et un choix de coloris (du vert d’eau au jaune pâle) qui, à lui seul, fait office de petit paradis. « Produits locaux et de saison / Bières artisanales / Vins vibrants / Équipe douce » Quai Wilson, Genève trempette.ch (leavillette.ch) @trempette_labuvette

LA   CONCRÈTE

JUSQU’AU 13 SEPTEMBRE 2026

Une respiration dessinée par Charles Jenny, expert en hygge et spécialiste des architectures estivales. Une vue de dingue sur la naissance de la Rade dans l’un des endroits les plus bétonnés de Genève. Un vrai tour de force aux ouvertures ludiques et aux couleurs japonisantes où l’on propose des produits et des moments de qualité, « avec un menu du jour, et du coin ».

Quai du Général-Guisan 2, Genève concrete-geneva.com (charlesjenny.ch) @concrete-gnv

LA   RINCETTE

JUSQU’AU 10 OCTOBRE 2026

Nom féminin, familier. Pouvant dire, en vaudois, « rafraîchissement à base de chasselas à la suite d’un bon repas ». À deux pas des pyramides de Vidy, la Rincette est un autre lieu dont le cabanon de service a été dessiné par l’architecte Charles Jenny. Ici, le vert fait écho aux pins parasols de l’esplanade des Cantons et la terrasse a un avant-goût de vacances au bord de la Méditerranée. Si ce n’est pas le Sud, ça y ressemble.

Esplanade des Cantons, Lausanne rincette.ch

@rincette_lausanne

LA   CABUCHE

JUSQU’À FIN SEPTEMBRE 2026

Située au beau milieu des vignes de Sophie Dugerdil, La Cabuche est ce qu’on appelle une… maisonnette !

Certains y verront peut-être un carnotzet, authentique et discret. Un îlot de calme réhabilité en son temps par le bureau genevois BUREAU (Daniel Zamarbide, Carine Pimenta, Galliane Zamarbide) avec Leopold Banchini Architects et auquel on accède à pied. Un néon bleu flotte au-dessus de l’entrée, l’intérieur ressemble à un repaire de wine lovers conspirateurs, et la terrasse, ajoutée en prolongement, est comme un radeau de béton surmonté d’un toit suspendu faisant office de visière de casquette.

Route du Mandement 452, Dardagny domaine-dugerdil.ch

ROCKLETTE

DU 8 AU 16 AOÛT 2026

Parce que ça rime, que c’est dans le Val de Bagnes, et que Rocklette est « une légende à elle seule ». Événement phare du PALP Festival, elle accueille « le plus fin du rock et de l’or des Alpes » avec, au col du Lein ou à la Cabane Brunet, des concerts de rock folk occulte, de doom metal ou de space garage. On pourrait vous donner quelques noms de groupe, mais on préfère vous assurer que, là-bas, les apéros sont sacrément perchés. Programme et lieux sur palpfestival.ch @palp_festival

ET   ENCORE

LA   BUVETTE

JUSQU’EN SEPTEMBRE 2026

Parfois, il faut savoir raréfier la temporalité afin de créer l’événement, et de simplifier l’offre. La Buvette du Mont-sur-Lausanne est de retour, genre rendez-vous du jeudi. Une sorte de parenthèse, « un retour aux sources fidèle à l’esprit de partage, de convivialité et de rencontres qui anime le collectif 52 », créateur d’expériences festives en Suisse romande. Pas juste un jeudredi, quoi !

Tous les jeudis, dès 16 h collectif52.ch / @collectif52

LE   CORMORAN (EX-BRONZETTE)

JUSQU’AU 13 SEPTEMBRE 2026

« Marqué par une atmosphère maritime rappelant les docks industriels ou les ports de plaisance, le Cormoran offre un lieu paisible et propice à la déconnexion, au repos et à la contemplation. » À deux pas des emblématiques Bains des Pâquis, le lieu propose une bonne dose d’animations et d’ateliers, et pose une vraie question. Si on n’a rien contre le volatile appartenant au genre Phalacrocorax, pourquoi ne pas avoir appelé le lieu… « La Mouette » (ce qui nous aurait bien arrangés) ?

Quai du Mont-Blanc, Genève @cormoran_geneve

LES   JARDINS

DE   LOUIS (EX-LA   COQUETTE)

À Morges, feu la Coquette est désormais partie en goguette à travers champs pour une tournée des villages qui s’est achevée fin juin pour la saison 2026. Elle avait entre-temps été remplacée quatre ans durant par la Crique, puis, dernièrement, par Les Jardins de Louis. Un bar d’été et de culture, hommage à Louis Soutter, peintre et dessinateur morgiens, figure singulière de l’art suisse du 20e siècle et cousin du Corbusier. Un autre adepte du cabanon… Place Louis-Soutter, Morges jardinsdelouis.ch (lacoquette.ch) @jdl.morges

GENÈVE, CAPITALE DU TEMPS

Si les créations horlogères étaient au cœur de l’événement, le salon Watches and Wonders 2026 a mis en lumière le rôle essentiel de l’expérience immersive et de la scénographie dans l’expression des marques. Retour sur les stands les plus marquants et les grandes tendances qui ont rythmé cette édition.

Patricia Lunghi

L’édition 2026 de Watches and Wonders Geneva s’est achevée en avril sur un bilan très positif. Avec un record de 65 marques exposantes et près de 60 000 visiteurs, le salon a réuni les grands noms de l’horlogerie mondiale – à l’exception du Swatch Group – ainsi que l’ensemble des acteurs de la profession : marques, détaillants, médias, clients, passionnés et férus d’horlogerie venus des quatre coins du monde.

Avec une fréquentation en hausse, l’événement a confirmé son rôle majeur dans l’univers horloger, porté par l’intérêt croissant du public et notamment des jeunes générations. Loin de se cantonner aux halles de Palexpo, le salon a déployé une programmation en ville, faisant vibrer Genève au rythme de concerts et d’animations. De nombreux espaces étaient dédiés aux démonstrations de métiers, renforçant la dimension pédagogique et expérientielle. Ainsi,

Pour sa première participation, Audemars Piguet a dévoilé House of Wonders, une exposition immersive qui invitait le public à explorer l’art de la mesure du temps à travers un parcours reliant passé et futur, révélant l’alliance du savoir-faire traditionnel et de la technologie de pointe propre à la manufacture du Brassus.

le salon s’impose désormais comme un rendez-vous culturel, un lieu de découverte et de transmission du savoir-faire d’un emblème du patrimoine suisse.

Outre la venue des célébrités et ambassadeurs sportifs, l’édition 2026 a confirmé l’importance croissante de la mise en scène et de l’expérience visiteur, désormais des leviers incontournables pour les marques. Invitée par Watches and Wonders, l’ECAL a présenté The Dial, une installation conçue par les étudiants Anna Andersson et Huisu Cho, sous la supervision du studio lausannois Panter& Tourron, composée de douze modules aux surfaces miroir, évoquant la structure d’un cadran horloger et transposant les codes de l’horlogerie à l’échelle de l’espace.

1 Spirit of Big Bang Impact Sapphire, Hublot.

2 Chronomaster Sport Skeleton, Zenith.

3 Crash Squelette, Cartier Privé, série limitée à 150 pièces.

4 Les Cabinotiers, Répétition Minutes Tourbillon Squelette, Vacheron Constantin.

5 Slim Squelette Lune, Hermès.

6 Wild ONE Skeleton Chrono, Norqain.

LES GRANDES TENDANCES HORLOGÈRES

Les salons sont aussi, et avant tout, l’occasion pour les maisons de dévoiler leurs nouveautés.

Cette édition a mis à l’honneur des garde-temps sobres et élégants, souvent pensés dans une approche non genrée, des montres extra-plates, ainsi que des esthétiques vintage côtoyant des réinterprétations de pièces emblématiques du patrimoine horloger. Sur le plan technique, chronographes et calendriers perpétuels dominent les complications, le tourbillon continue de fasciner, tout comme les métiers d’art. Le titane, l’acier et la céramique s’imposent comme matériaux de référence.

LA MONTRE SQUELETTE

Elle n’est plus seulement une démonstration technique, la montre squelette devient un véritable terrain d’expression esthétique. Plusieurs Maisons ont présenté des pièces ajourées particulièrement

1 Serpenti Tubogas Studs Capsule, Bulgari.

2 Établisseurs Galets, Audemars Piguet.

3 Limelight Gala, Piaget.

4 Perlée, Van Cleef & Arpels.

5 Joia, Baume & Mercier.

6 Montre Baignoire, habillée du motif clou de Paris, Cartier.

marquantes, mêlant transparence, matériaux high-tech et mouvements spectaculaires.

PETITS DIAMÈTRES

Parmi les grandes tendances qui se dessinent – ou se confirment –, les formats compacts et contenus, pensés pour séduire un public féminin et pour répondre à une demande croissante de proportions plus raffinées. Si cette évolution des diamètres touche également les collections masculines, l’horlogerie féminine s’affirme avec des modèles à la fois précieux et contemporains, des créations alliant sophistication et savoir-faire.

MONICA ARMANI POUR FLEXFORM : L’ÉQUATION DU DÉTAIL

Architecte et designer basée entre Trente et Milan, Monica Armani développe depuis plus de vingt ans des projets qui conjuguent recherche formelle, innovation et excellence manufacturière.

À l’occasion du lancement de Margherì, sa nouvelle collection outdoor pour Flexform, elle revient sur ses sources d’inspiration et sa vision d’un design capable de traverser le temps.

Lignes épurées, volumes accueillants et proportions équilibrées, la collection de mobilier d’extérieur Margherì, dessinée par Monica Armani pour Flexform, invite au doux «farniente» et au plaisir des moments passés en plein air.

NÉE À TRENTE, MAIS PROFONDÉMENT ATTACHÉE À MILAN EN TANT QU’ARCHITECTE ET DESIGNER, VOUS AVEZ UNE DÉMARCHE CRÉATIVE QUI SE TRADUIT PAR UN LANGAGE TRÈS PERSONNEL, NOURRI PAR DES RÉFÉRENCES HISTORIQUES, LE MONDE INDUSTRIEL ET UN SAVOIR-FAIRE MANUFACTURIER D’EXCELLENCE. COMMENT CET HÉRITAGE SE REFLÈTE-T-IL DANS VOS CRÉATIONS ?

J’ai toujours pensé être doublement chanceuse de par ma naissance. D’abord parce que je suis née en Italie, berceau de la Renaissance et d’une culture où l’art, l’architecture et le design font partie intégrante du quotidien. Je suis également profondément liée à Milan, une ville animée par cette énergie créative extraordinaire propre au design italien.

J’y puise une partie de mon inspiration, tout comme dans les paysages alpins de ma région natale, où je vis encore aujourd’hui. À cela s’ajoute l’univers du design dans lequel j’ai grandi. Fille de l’architecte Marcello Armani, j’ai développé très tôt une sensibilité faite de rigueur, de sens des proportions et d’attention au détail, ce que j’appelle encore aujourd’hui « l’équation du détail ». Toutes ces dimensions coexistent naturellement dans mes collections. Il y a d’un côté la rigueur de la construction du projet et la recherche de la synthèse ; de l’autre, une dimension plus émotionnelle, liée à la matière et à l’atmosphère qu’un objet est capable de créer dans l’espace.

POUR LA COLLECTION OUTDOOR MARGHERÌ CONÇUE POUR FLEXFORM, VOUS VOUS ÊTES INSPIRÉE DE LA BELLE ÉPOQUE. QU’EST-CE QUI VOUS A SÉDUITE DANS CETTE PÉRIODE ET QUELS ÉLÉMENTS AVEZ-VOUS SOUHAITÉ RÉINTERPRÉTER DE MANIÈRE CONTEMPORAINE ?

Pour Margherì, je me suis davantage inspirée de l’élégance légère et conviviale de la Belle Époque que de son esthétique décorative. J’ai retenu l’idée d’un art de vivre en extérieur fait de lumière, de jardins et d’un raffinement discret, qui caractérisait déjà à l’époque l’expérience des espaces ouverts. Avec cette collection, je souhaitais explorer une sensation de légèreté presque suspendue, en laissant la lumière traverser la structure pour créer des jeux d’ombres subtils et changeants. Je crois que l’élégance contemporaine naît précisément de cet équilibre : évoquer un souvenir sans jamais céder à la nostalgie.

SI VOUS DEVIEZ CHOISIR UN DÉTAIL DE LA COLLECTION QUI RÉSUME À LA FOIS VOTRE APPROCHE DU DESIGN ET LE SAVOIR-FAIRE DE FLEXFORM, LEQUEL SERAIT-IL ?

Je choisirais sans hésiter le dessin des arches qui composent la structure. Derrière leur apparente simplicité se cache un travail technique extrêmement minutieux, où chaque courbe et chaque distance ont été soigneusement étudiées. Cette recherche traduit parfaitement l’idée d’un luxe discret que je partage avec Flexform : une élégance naturelle, jamais ostentatoire, fondée sur la qualité, l’équilibre et le confort. Il suffit de très peu pour rompre cette tension subtile entre légèreté et stabilité qui caractérise la collection. Ce détail exprime parfaitement cette capacité, typiquement italienne, à transformer une grande complexité technique en une élégance naturelle et intemporelle.

COMMENT ENVISAGEZ-VOUS L’AVENIR DE VOTRE

PRATIQUE D’ARCHITECTE ET DE DESIGNER DANS UN CONTEXTE ESTHÉTIQUE DE PLUS EN PLUS GLOBALISÉ ?

La dimension internationale offre aujourd’hui des opportunités extraordinaires d’échanges culturels. Mais elle rend aussi plus essentielle encore la nécessité de préserver une identité forte et reconnaissable. Pour moi, l’avenir ne consiste pas à rechercher sans cesse de nouveaux langages ou des effets spectaculaires. Il s’agit plutôt de poursuivre avec constance un travail fondé sur des valeurs qui me tiennent à cœur : la proportion, la lumière, la matière, l’équilibre et la qualité du détail. Dans un monde saturé d’images et de tendances éphémères, je crois profondément à un design capable de traverser le temps, de créer des liens émotionnels durables avec les lieux et les personnes, sans jamais s’imposer. Plus que jamais, il me semble important de concevoir des objets et des architectures qui transmettent calme et harmonie. Le rôle du design est aujourd’hui de contribuer à un véritable sentiment d’équilibre, d’authenticité et de bien-être. flexform.it

DOOOR, L’ARCHITECTURE DE LA SÉPARATION

À Milan, dans le cadre de la Design Week, le fabricant italien Dooor a démontré que la cloison n’est plus un simple élément fonctionnel, mais un véritable outil de composition de l’espace.

L’entreprise italienne Dooor, spécialisée dans les systèmes de séparation et les cloisons mobiles, poursuit son exploration des frontières entre architecture, design et aménagement intérieur. À Milan, lors de la Design Week 2026, la marque a multiplié les prises de parole pour affirmer une vision où la flexibilité de l’espace devient un véritable langage de projet.

EN TROIS TEMPS

Pour le Salone del Mobile 2026, Calvi Brambilla and Partners a imaginé pour Dooor une installation-performance qui célèbre la flexibilité de l’habitat dans une approche assez radicale. D’un volume blanc monolithique émergent progressivement les éléments d’un intérieur – chaise, canapé, table, lit ou bibliothèque – assemblés en direct par des artistes. Rythmée par les cloisons textiles vertes de Dooor, la scénographie met en scène une architecture transformable, capable de se recomposer au gré des usages. Une réflexion sur l’espace adaptable, dans la lignée des visions modernistes de Gio Ponti, Joe Colombo et Gianfranco Frattini. À Alcova, la marque a proposé une intervention très

différente : si elle est moins architecturale, elle n’est pas moins marquante. Dans le cadre du Baggio Military Hospital, l’un des sites emblématiques de cette édition 2026, Dooor a collaboré avec le studio gréco-américain Objects of Common Interest pour concevoir Threshold, une installation onirique immersive explorant la notion de seuil et de transition spatiale. Les designers y ont composé un environnement entièrement blanc dans lequel les séparations Dooor dessinaient des limites subtiles, presque immatérielles, invitant les visiteurs à expérimenter l’espace autrement.

Pour Archiproducts Milano, Studiopepe a fait une proposition autour de l’élément « Feu », avec une scénographie aux teintes chaudes et aux matières superposées.

Les cloisons Dooor orchestrent les transitions entre les espaces grâce à un jeu raffiné de textures et de couleurs, modulant perceptions et ambiances. Cette approche résume parfaitement la philosophie de l’entreprise : faire de la cloison un élément architectural à part entière, capable de structurer les usages tout en préservant la fluidité des parcours et la qualité des perspectives. L’entreprise est représentée en Suisse par le studio 4ida. MZ / Pour en savoir plus 4ida.ch

MY DAY WITH

CHEZ DAIANA ET MATTEO

Sur les hauteurs du lac de Lugano, Daiana Giorgi et Matteo Molteni ont redonné vie à une étonnante bâtisse postmoderne des années 1980 imaginée par l’ingénieur suisse Franco Burzi. Pour sa rénovation, le couple a choisi de prolonger l’histoire du lieu plutôt que de la réécrire.

Texte et photos : Catherine Gailloud / mydaywith.ch

COMMENT AVEZ-VOUS DÉCOUVERT CETTE MAISON ?

Nous vivions entre plusieurs villes, avec cette sensation d’être toujours en mouvement. Lorsque nous avons découvert cette maison au-dessus du lac de Lugano, nous avons immédiatement compris qu’elle représentait autre chose : une manière plus calme et plus essentielle d’habiter. Ce qui nous a fascinés, c’est son incroyable modernité. Dans les années 1980 déjà, Franco Burzi avait imaginé une maison intégrant systèmes solaires, récupération des eaux de pluie et architecture totalement pensée en dialogue avec la nature. Il a construit le lieu pendant près de dix ans, en choisissant les pierres du terrain, en observant les vues, la lumière et les variations du paysage au fil des saisons. La maison possède quelque chose de très expérimental. Burzi utilisait la végétation comme matériau architectural, travaillait avec les reliefs naturels du terrain. Certaines salles de bain sont directement sculptées dans la pierre, les murs se prolongent parfois dans le paysage et le toit végétalisé participe lui aussi à cette fusion avec l’environnement.

COMMENT INTERVENIR DANS UNE MAISON

AUSSI SINGULIÈRE SANS EN TRAHIR L’ESPRIT ?

C’était essentiel pour nous. Nous avons conservé autant que possible les éléments d’origine : les briques, les ferronneries, les céramiques, les

Au mur, une œuvre de Serena Maisto témoigne de la place privilégiée qu’occupent l’art et la création dans leur quotidien.

fresques des plafonds ou encore la spectaculaire baignoire circulaire en marbre sculpté. Avec l’architecte Arturo Montanelli, nous avons cherché à préserver cet esprit visionnaire tout en adaptant la bâtisse à notre vie actuelle. La cuisine a été agrandie et ouverte sur la salle à manger afin de fluidifier les circulations. De nouvelles fenêtres ont été percées pour apporter davantage de lumière et une grande façade vitrée tournée vers le lac a été créée. Les nouvelles menuiseries en acier très fines permettent d’alléger au maximum l’intervention architecturale. Nous avons également ajouté un bureau pour « Frida the Brand », la marque de Daiana, ainsi qu’une chambre supplémentaire pour notre fils Zaccaria. Certaines briques du salon ont été recouvertes de feuilles d’or, renforçant ce mélange très libre entre architecture brute et détails presque précieux. Deux menuisiers locaux ont réalisé une grande partie des aménagements sur mesure, notamment plusieurs pièces de mobilier et la grande table de la salle à manger. Nous aimions l’idée que l’artisanat serve de lien entre l’histoire imaginée par Franco Burzi et notre manière d’habiter aujourd’hui. Le résultat est un intérieur très vivant, texturé, presque modelé à la main, qui contraste avec l’extérieur, volontairement discret.

À la tombée du jour, les façades vitrées reflètent la végétation environnante tandis que la maison semble se fondre dans la colline. Une manière d’habiter le paysage qui a guidé l’ensemble du projet de rénovation.

Transformé en terrasse panoramique, le toit de la maison accueille une piscine dont les lignes épurées dialoguent avec le paysage alpin. Daiana Giorgi profite de ce belvédère ouvert sur les montagnes environnantes.

Les terrasses en bois qui entourent la piscine figurent parmi les dernières interventions réalisées dans le cadre de la rénovation. Leur géométrie sobre souligne la topographie et l’ouverture sur le paysage.

À l’heure de l’aperitivo, la terrasse se transforme en salon à ciel ouvert. Un moment suspendu qui résume à lui seul l’art de vivre cultivé par Daiana Giorgi et Matteo Molteni.

La cheminée en pierre, aux proportions monumentales, constitue l’un des points d’ancrage de l’espace de vie. Réalisée par un menuisier de la région, la grande table de repas associe bois massif et structure métallique dans un langage à la fois brut et précis.

L’îlot central conçu par Arturo Montanelli en collaboration avec Gaggenau prend place au cœur d’une séquence spatiale qui relie cuisine, salle à manger et terrasse. Un jeu de cadrages successifs qui met en valeur la profondeur et l’ouverture du projet sur le paysage.

Au cœur de la maison, les interventions contemporaines dialoguent avec les matériaux d’origine. La cage d’escalier témoigne de cette stratification, mêlant éléments réemployés et fragments d’une ancienne représentation de la Vierge Marie.

↑ Le salon mêle pièces de design, artisanat et souvenirs familiaux. Au premier plan, un plaid tricoté par la grand-mère de Daiana Giorgi contraste avec les carreaux recouverts de feuilles d’or et la lampe « Atollo » de Vico Magistretti pour Oluce.

←← Dans un angle du salon, la lampe « Taccia » d’Achille et Pier Giacomo Castiglioni pour Flos dialogue avec un fauteuil vintage en cuir. Intégré à la maçonnerie, le mobilier prolonge l’attention portée aux détails qui traverse l’ensemble du projet.

← Avec son escalier monumental, ses murs de pierre et son sol en terrazzo, le hall d’entrée évoque davantage une place intérieure qu’un simple espace de distribution. C’est depuis ce volume central que l’on accède aux chambres, tandis que l’escalier conduit aux espaces de vie situés à l’étage.

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↑ Les fresques conservées au plafond dialoguent avec le paysage qui s’invite à travers les baies vitrées. Réalisé en résine synthétique, comme le sol qui l’entoure, le lit dessiné par Daiana Giorgi participe à la continuité matérielle qui caractérise le projet.

← Derrière le lit du couple, la salle de bain se dévoile comme une alcôve. Les fresques au plafond ont été soigneusement restaurées et conservées, tandis que la baignoire circulaire en marbre, également héritée de l’aménagement d’origine, impose sa présence sculpturale.

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La piscine circulaire dialogue avec le paysage et confère à l’ensemble une forte identité visuelle.

UNE MAISON DE LAVE ET DE LUMIÈRE

Face à l’Atlantique, à Tenerife, une ancienne bâtisse en ruine a été transformée en un refuge brutaliste où dialoguent lumière, roche volcanique et horizon marin.

Photos : Helenio Barbetta/Living Inside

Texte anglais: Benedetta Rossi

Adaptation et texte français: Catherine Gachies-Stäuble

Vue de la terrasse de la villa moderniste, ouverte directement sur l’océan. L’ensemble du mobilier provient des collections AM.Antwerp.

Une composition de volumes minéraux qui prolonge le paysage volcanique de l’île.

La grotte creusée dans la roche est l’un des endroits les plus saisissants de la maison. Textiles ethniques et mobilier vintage viennent adoucir la rugosité des parois rocheuses.

La rigueur géométrique de la villa rationaliste est adoucie par des ouvertures aux lignes organiques.

Le mobilier aux accents modernistes témoigne de la passion des propriétaires pour les pièces vintage, provenant toutes des collections d’AM.Antwerp.

Sur la côte sauvage de Tenerife, là où les falaises volcaniques plongent dans l’Atlantique, une maison semble dialoguer avec les éléments. Vue de loin, cette villa moderniste aux lignes géométriques apparaît comme un monolithe posé sur la roche noire. À l’intérieur pourtant, l’atmosphère se révèle douce, presque méditative. Béton ciré, chaux grisée, ouvertures organiques et mobilier vintage composent un décor à la fois radical et chaleureux.

Derrière ce projet singulier : Susan Theunissen et Leo Coolen, un couple belge originaire d’Anvers, les fondateurs d’AM.Antwerp, référence européenne du mobilier et des luminaires du 20e siècle. Tombés amoureux d’une bâtisse en ruine découverte par hasard, ils ont imaginé ici une maison pleine de poésie minérale.

Il faut emprunter les routes arides du sud de Tenerife avant d’apercevoir, au bord des falaises d’El Porís, cette silhouette minérale tournée vers l’océan. La maison de Susan Theunissen et Leo Coolen ne cherche ni l’ostentation ni l’effet spectaculaire. Pourtant, dès les premiers instants, elle captive. Peut-être parce qu’elle semble née du paysage lui-même : un assemblage de volumes géométriques couleur craie, posés au-dessus des roches volcaniques, face à une mer omniprésente. Le couple découvre le lieu par pur hasard : alors qu’ils rejoignent l’aéroport après des vacances sur l’île, ils aperçoivent une structure semi-abandonnée affichant un simple panneau « For Sale ». Intrigués par son potentiel et par sa position extraordinaire au-dessus de l’Atlantique, ils décident de revenir visiter les lieux. Quelques mois plus tard, la ruine devient leur nouveau projet de vie.

La rénovation sera totale. Susan redessine entièrement les espaces tout en conservant l’âme originelle de la construction. Les volumes existants sont respectés, notamment le grand patio central autour duquel s’organisent les chambres, mais l’ensemble est repensé dans une écriture plus cohérente et radicale. « La maison devait rester fidèle à l’esprit des années 1970, très présent dans l’architecture locale », explique-t-elle. À Tenerife, les matières brutes, les surfaces texturées et les façades rugueuses appartiennent au paysage culturel autant qu’au paysage naturel.

Le résultat évoque un brutalisme adouci par la lumière et la sensualité des matières. Les murs à la chaux oscillent entre gris-ciment, taupe et beige minéral ; les ouvertures aux contours organiques viennent casser la rigueur des lignes droites, et les grandes baies vitrées encadrent l’océan comme des tableaux mouvants. À l’intérieur, chaque pièce raconte aussi l’histoire d’AM.Antwerp. Ici, aucun meuble n’a été acheté pour décorer la maison : tout provient des archives du couple, accumulées au fil des années de chine et de recherches. Fauteuils en bambou des années 1970, chaises Eames, luminaires sculpturaux, tables

←← Entre art et nature, la rigueur du béton rencontre la légèreté du ciel.

← Depuis l’océan, la villa se détache sur les falaises volcaniques de Tenerife.

modernistes, pièces Space Age ou influences ethniques composent un ensemble extrêmement personnel.

L’atmosphère intérieure oscille entre un refuge moderniste et une maison de vacances méditerranéenne. Dans le salon principal, les assises vintage font face à l’immensité de l’océan, tandis qu’une cheminée minimaliste prolonge les lignes verticales de l’architecture. Plus loin, un bureau baigné d’une lumière douce accueille un mobilier aux accents seventies. Les espaces sont volontairement sobres afin de laisser respirer les objets et la lumière. Le patio central constitue l’un des cœurs émotionnels de la maison. Entièrement blanc et baigné de soleil, il relie les différents niveaux à travers un jeu d’escaliers anguleux et de passerelles. De larges plantes tropicales viennent assouplir cette architecture presque monacale.

À l’extérieur, le paysage semble avoir dicté chaque choix esthétique. Le jardin minéral, composé de sable volcanique noir, de cactus et de sculptures contemporaines, prolonge la géographie de l’île. Une piscine ronde creusée dans la roche se confond presque avec l’Atlantique. Les vagues viennent frapper les pierres tandis que la lumière change constamment au fil de la journée.

L’un des espaces les plus saisissants demeure toutefois la grotte en pierre volcanique construite par l’ancien propriétaire. Avec ses arches sombres, ses murs de lave et ses ouvertures cadrant la mer, cette pièce presque troglodyte contraste avec la blancheur moderniste des étages supérieurs. Là encore, le mobilier vintage et les textiles ethniques instaurent un dialogue subtil entre brutalité minérale et confort domestique.

Plus qu’une simple résidence secondaire, cette villa est devenue un manifeste esthétique et existentiel. Susan et Leo y vivent entourés d’art, de design et de nature brute. Une maison profondément habitée, où chaque détail semble rappeler que l’architecture la plus radicale peut aussi devenir un lieu de douceur. casacostatenerife.com

ENTRE CIEL ET RIVIÈRE

Entre architecture passive, vie domestique et ouverture sur le paysage, Riverhouse propose une vision sensible et contemporaine de l’habitat rural.

Le salon mêle mobilier contemporain, pièces iconiques et textiles colorés dans une atmosphère chaleureuse et décontractée.

La douche incrite dans la paroi en bois est complétement ouverte sur le jardin et la nature.

L’escalier, traité dans une teinte orange vif, apporte une touche ludique au cœur de la maison.

Une terrasse protégée s’inscrit dans les plis de la toiture bleue et prolonge les espaces de vie vers l’extérieur.

Habillée de carreaux dessinés sur mesure par BlattChaya et de mosaïques Modwalls, la salle de bain s’ouvre généreusement sur le paysage.

Au bord de la rivière Pawcatuck, dans une zone forestière protégée du Rhode Island, Riverhouse incarne une nouvelle manière d’habiter le territoire. Conçue par les architectes Amale Andraos et Dan Wood, fondateurs de l’agence new-yorkaise WORKac, cette maison familiale naît d’un désir de ralentir, de se reconnecter à la nature et de repenser les modes de vie contemporains.

Plus qu’une simple résidence secondaire devenue habitation principale, Riverhouse reflète un changement plus large, amorcé durant la pandémie, qui a vu de nombreuses familles quitter les centres urbains pour rechercher davantage d’espace, d’autonomie et de proximité avec le paysage.

La maison remplace une ancienne construction modeste et vieillissante, occupée depuis plusieurs années par la famille. Depuis 2014, ce refuge d’été accueillait aussi des rencontres informelles réunissant architectes, amis et familles autour de réflexions sur les manières contemporaines d’habiter. Une dimension collective et expérimentale qui a profondément nourri l’esprit du projet actuel.

Implantée sur le même site, la nouvelle bâtisse conserve l’esprit du lieu tout en répondant à des exigences environnementales et techniques particulièrement élevées. Compacte, surélevée pour faire face aux risques d’inondation, elle adopte les principes de la maison passive et fonctionne exclusivement à l’électricité grâce à des panneaux photovoltaïques installés en toiture. Malgré cette approche très performante sur le plan énergétique, Riverhouse échappe à toute démonstration technologique. Ici, l’architecture privilégie avant tout le confort, la lumière et la relation au paysage.

Derrière son volume simple se cache une organisation spatiale subtile et généreuse. Les architectes ont cherché à préserver les qualités qu’ils appréciaient dans l’ancienne maison : une grande pièce de vie ouverte, une connexion constante avec la rivière et une sensation de

← Avec sa toiture bleue sculpturale et son bardage en bois, Riverhouse dialogue subtilement avec le paysage forestier.

↑ Les encadrements bleus prolongent le langage architectural jusque dans les espaces extérieurs.

liberté entre intérieur et extérieur. Les plafonds ont été rehaussés afin de faire entrer davantage de lumière naturelle et de favoriser la ventilation traversante. Chaque espace a été pensé avec précision pour offrir une impression d’amplitude malgré une surface relativement contenue.

La silhouette singulière de la maison résulte d’un important travail sur la géométrie du toit. Recouverte d’un métal bleu qui évoque le ciel, la toiture descend parfois très bas sur les façades, tandis qu’une ligne diagonale traverse le volume principal et crée un spectaculaire espace en double hauteur. Cette configuration permet l’aménagement d’une mezzanine ainsi que de plusieurs espaces extérieurs : terrasses, patios et jardin de toiture prolongent naturellement les espaces de vie vers le paysage environnant.

Les matériaux participent pleinement à cette atmosphère chaleureuse et sensible. Le bardage en frêne thermiquement modifié dialogue avec les teintes végétales du site, tandis que certains éléments intérieurs en contreplaqué brut renforcent le caractère simple et domestique des espaces. Les encadrements de fenêtre colorés apportent des touches vives qui rappellent les variations saisonnières de la forêt.

Pensée comme une maison ouverte et évolutive, Riverhouse dépasse la simple question de l’habitat individuel. Elle devient un lieu de rencontre, d’échange et d’expérimentation, où architecture et quotidien s’entremêlent étroitement. Par cette réalisation, WORKac propose une vision contemporaine de la maison : plus compacte, plus responsable, mais aussi plus libre et profondément ancrée dans son environnement.

CAHIER SPÉCIAL

MILAN PLURIEL

REGARDS SUR LE PASSÉ

Au cœur de l’effervescence de Brera, les cloîtres de San Simpliciano ont accueilli Gucci Memoria, une exposition imaginée par Demna en personne, directeur artistique de la marque. Dans les arcades, pas de vêtements, mais 12 immenses tapisseries, comme des tableaux de la Renaissance illustrant les moments clés des 150 ans de la Maison, et dans la cour, un immense jardin floral. Un sublime moment de contemplation dans le tumulte.

À Milan, les objets ne viennent jamais seuls. Cette année encore, les nouveautés présentées se sont accompagnées d’architectures immersives, de jardins éphémères, d’installations monumentales et de propositions sensorielles qui ont largement dépassé le cadre du produit. Du jardin floral de Gucci Memoria à l’architecture de seuils Threshold imaginée par Objects of Common Interest, en passant par le décor théâtral du Nilufar Grand Hotel, le design s’y affirme comme un langage capable de faire dialoguer artisanat, recherche, gastronomie, nouvelles technologies et création contemporaine.

Si le mobilier demeure au cœur de la manifestation, il n’en constitue plus l’unique centre d’intérêt. Les expositions les plus marquantes convoquent des savoir-faire, explorent les notions d’hospitalité, de mémoire ou de transformation et invitent le visiteur à s’immerger dans des univers singuliers. Les installations ont ainsi brouillé les frontières entre design, architecture, art et scénographie, donnant naissance à des expériences aussi visuelles que sensibles.

L’édition 2026 a également confirmé l’importance croissante de la cuisine et du Food Design au sein de la Design Week. Bien au-delà de l’objet ou de l’équipement, l’alimentation est devenue un sujet de réflexion à part entière. Designers, marques et créateurs s’intéressent désormais aux rituels du repas, à la convivialité, aux matières, aux gestes et aux expériences sensorielles qui accompagnent notre rapport à la nourriture.

Dans les pages qui suivent, nous vous proposons une sélection d’expositions qui ont retenu notre attention, des rencontres avec plusieurs personnalités qui façonnent aujourd’hui le design international, parmi lesquelles la designer britannique Faye Toogood, ainsi qu’un panorama des nouveautés présentées cette année à Milan. Un parcours forcément subjectif, mais fidèle à ce qui continue de faire la singularité de la Design Week : sa capacité à réunir dans une même ville les objets, les idées, les savoir-faire et les synergies qui nourrissent le design contemporain.

Cahier réalisé par Estelle Daval, Clara Jannet et Patricia Lunghi, avec la collaboration de Françoise Faure

L’ARCHITECTURE DU VIDE

Pour Alcova, la marque de cloisons modulaires

Dooor a invité le duo grec Objects of Common Interest à imaginer une installation occupant l’un des immenses hangars de l’ancien hôpital militaire.

Baptisée Threshold, l’installation transforme ces éléments fonctionnels en une architecture éphémère faite de seuils, de transparences et de passages. Entièrement baigné de blanc, cet intérieur suspendu offre une parenthèse silencieuse et contemplative, en contraste saisissant avec l’atmosphère brute et industrielle du lieu.

GRAND HÔTEL

Recréant l’atmosphère d’un hôtel imaginaire, Nilufar Grand Hotel a redéfini l’art de l’hospitalité à travers le design de collection, mêlant meubles vintage et contemporains de la collection Nilufar Edition. Un décor immersif qui évoquait l’âge d’or de l’hôtellerie de luxe, reproduisant un lieu qui n’existe plus, mais qui semblait pourtant profondément réel.

MÉMOIRE NOMADE

Inspirée de la yourte traditionnelle d’Asie centrale, cette installation imaginée par Kulapat Yantrasast réinterprète l’habitat nomade sous une forme contemporaine. Érigé dans les jardins du Palazzo Citterio, ce pavillon circulaire présenté dans le cadre de l’exposition When Apricots Blossom devient un lieu de rencontre et de dialogue, évoquant la mémoire, l’hospitalité et les paysages fragilisés de la région de la mer d’Aral.

ARCHÉOLOGIE NUMÉRIQUE

Destination incontournable du Fuorisalone, la galerie Rossana Orlandi est une vitrine importante pour les jeunes designers. Le designer italien Sebastian Renga y a présenté son fauteuil Materia Futura, projet de diplôme en Master Luxe à l’ECAL, qui explore la manière dont les formes anciennes peuvent renaître à travers les technologies d’aujourd’hui. Élaborée avec l’Econit, un composite cellulosique utilisé dans les décors de théâtre, la chaise s’inspire de structures primitives.

LA MAISON COMME ÉCRIN

À la Villa Pestarini, second site d’Alcova, l’éditeur français Issé dévoilait sa première collaboration avec l’architecte et designer Sophie Dries. Des voilages en jute ajourée traversaient les pièces sans les cloisonner, filtrant la lumière et transformant la fibre végétale en un véritable élément d’architecture.

COHABITATION INTERESPÈCES

Présenté sur le site d’Alcova, « No One Sees Them Like We Do » explorait les relations entre les humains et les animaux en imaginant des intérieurs imaginaires. Développée par les étudiants du MAIA (Master of Arts in Interior Architecture), sous la direction de Youri Kravtchenko, architecte, professeur à la HEAD – Genève et fondateur du Bureau Ykra, la table entièrement en pain « Feast for Rats » invitait le rat à table. En plaçant cet animal au cœur de l’hospitalité, le projet interrogeait les limites du dégoût et de la coexistence.

L’HISTOIRE COMME MATIÈRE

Parmi les révélations de cette Milan Design Week, Convey s’est imposé comme l’un des lieux les plus stimulants du parcours. C’est là que Rooms Studio présentait Untitled Transformation, une collection de pièces sculpturales inspirées de l’histoire et des traditions géorgiennes, où design contemporain, artisanat et architecture se rencontrent avec force.

LE TEMPS DE LIRE

Dans le showroom milanais de Jil Sander, Reference Library, imaginée avec le magazine Apartamento, célébrait le livre dans un monde où l’on survole plus qu’on ne lit. Soixante ouvrages choisis par des designers, des artistes et des penseurs étaient présentés comme autant de portes ouvertes sur l’imaginaire, dans une scénographie minimaliste signée Studioutte.

CHEMIN DE LUMIÈRE

À l’Université de Milan, Artemide présentait Light Knot Progression, une installation réalisée d’après un projet de BIG. Plus qu’une simple œuvre lumineuse, il s’agit d’une représentation tangible du processus créatif. Un chemin de lumière où se nouent et s’entrelacent idées, personnes et disciplines, dans une progression visuelle qui suit le rythme de l’invention.

LA MÉMOIRE DE L’ARGILE

Inspirée des poteries de la période Jōmon, l’artiste japonaise Noe Kuremoto signe une série de vases sculpturaux dédiés aux mères. Façonnées à la main, ces pièces en grès mêlent mémoire, transmission et savoir-faire ancestral, illustrant l’intérêt croissant du design contemporain pour les gestes et les techniques hérités du passé.

RÉPARER POUR CRÉER

À Convey, le collectif néerlandais Sudden Object présentait Liquid Parlour, une série de pièces explorant la réparation et la transformation. Verres aux pieds de résine et mobilier réinventé témoignaient d’une esthétique de la reconstruction, où objets endommagés et matériaux délaissés retrouvent une nouvelle vie.

TRANSFORMER L’ORDINAIRE

Avec Re-campaign, présenté à 5VIE, le studio néerlandais mo man tai transformait d’immenses bâches publicitaires usagées en une succession de portiques colorés. Une installation immersive qui illustre comment des matériaux conçus pour l’éphémère peuvent devenir les éléments d’une architecture sensible et poétique.

LABORATOIRE DE RECHERCHE SUR LE DESIGN

Samsung Electronics a présenté l’exposition Design Is an Act of Love, un parcours qui explorait de nouvelles façons de vivre à travers 12 expériences, comme ici, des espaces audiovisuels immersifs équipés d’enceintes et d’écrans transparents. Un nouveau chapitre de la vision conceptuelle de l’entreprise sud-coréenne qui montre comment le design peut répondre aux besoins et aux comportements en constante évolution des individus.

ARCHITECTURE SENSORIELLE

Dans le cadre de l’exposition MoscaPartners

Variations, Lina Ghotmeh a transformé la cour de Palazzo Litta en une expérience immersive. Son installation, Metamorphosis in Motion, fait dialoguer perspectives, lumières, textures et couleurs. Entre assises, espace de conversation, zone méditative, parcours sonore et signature olfactive aux notes de cyprès, d’oliban et de cèdre, le visiteur était invité à ralentir, observer et se laisser porter.

LE DESIGN

COMME LABORATOIRE

Présentée à Capsule Plaza, l’exposition Research

Published as Furniture révélait les fruits de Karimoku Research, une plateforme collaborative imaginée par l’éditeur japonais Karimoku. Mobilier, lumière et paysage sonore y formaient une expérience immersive où savoir-faire traditionnel, recherche et création contemporaine dialoguaient pour imaginer de nouvelles façons d’habiter.

PANORAMA DU DESIGN SUISSE À MILAN

Cette année, le design suisse a éclos en une myriade d’expos à travers la ville. Voici quelques highlights.

La marque de mobilier modulaire USM a marqué cette édition avec Renaissance of the Real, une installation multisensorielle d’envergure conçue avec les architectes de Snøhetta et l’artiste suisse Annabelle Schneider. En contrepoint à la saturation numérique, ce cocon textile invitait à renouer avec l’intelligence sensorielle du corps à travers les sons, les lumières, les parfums et les surfaces tactiles.

Double présence pour iiode, à la galerie Spaziovento et à Convey. Le jeune label y a dévoilé la série Collaboration avec une ampoule LED Re27, réparable, en matériaux recyclés, habillée de différents abat-jour imaginés par huit designers. À Capsule Plaza, le studio lausannois Panter & Tourron, avec BWB Surface Technology –entreprise suisse spécialisée dans le traitement de surface de composants métalliques – a présenté Hall, une lampe en aluminium aux dégradés colorés. L’espace industriel Assab One accueillait The

1 Le jeune label iiode était présente dans deux lieux.

2 Le studio de design Panter&Tourron présente Hall à Capsule Plaza.

3 The Story of Shelter, une collaboration entre Jörg Boner et Christof Hefti.

4 Shared Matter, une exposition collective organisée par ProHelvetia.

5 Le Bachelor Design Industriel de l’ECAL présente des versions miniatures de meubles conçus par Vico Magistretti dans le cadre de l’exposition Vico Magistretti and Japan à Milan.

Story of Shelter, première collaboration entre le designer zurichois Jörg Boner et l’artiste Christof Hefti. Un projet pensé pour une cabane de montagne où chaque objet confronte l’être humain aux éléments naturels, mêlant luminaires en bois dont le diamètre révèle l’âge de l’arbre et tapis moelleux évoquant un couchage en mousse.

Côté expositions institutionnelles, Shared Matter à la galerie Spaziovento, plateforme de Pro Helvetia, réunissait six projets de jeunes designers dans une scénographie commune signée Gini Moynier. L’ECAL présentait également Vico Magistretti and Japan, une exposition consacrée aux liens entre l’architecte et designer milanais et le Japon. Curatée par Davide Fornari et rassemblant des archives (dessins, photographies, objets, vidéos) et des illustrations des œuvres de Magistretti, elle est à découvrir jusqu’au 25 février 2027 à la Fondazione Vico Magistretti. Patricia Lunghi

CONSTRUIRE L’INTEMPOREL AVEC FAYE TOOGOOD & GIUSI TACCHINI

À l’occasion de la Milan Design Week 2026, Faye

Toogood investissait le showroom milanais de Tacchini avec Material Anthology, une installation célébrant les matières qui façonnent l’identité de l’éditeur italien. Aux côtés de Giusi Tacchini, CEO et directrice artistique de l’entreprise familiale, la designer britannique revient sur une collaboration fondée sur la confiance, l’intuition et une vision commune du design durable.

EC : MATERIAL ANTHOLOGY PLACE LA MATIÈRE AU CŒUR DU PROJET. QUELLE PLACE OCCUPE-T-ELLE DANS VOTRE TRAVAIL RESPECTIF ?

FAYE TOOGOOD : Curieusement, nous n’en avions jamais vraiment parlé. Lorsque Giusi m’a proposé d’intervenir dans le showroom, il m’a semblé évident de partir de l’ADN de Tacchini. Peu de marques entretiennent une relation aussi profonde avec les matériaux. Cela se ressent dans les textures, les essences de bois, le travail artisanal, mais aussi dans l’attention portée à chaque étape de fabrication. Je souhaitais également éviter toute forme de gaspillage. Nous avons travaillé à partir d’éléments provenant de mon studio, de la collection privée de Giusi et de l’usine Tacchini : chutes de bois, morceaux de cuir, échantillons, peintures, pierres. Il y a quelque chose de très beau dans le fait de révéler et de célébrer ces matériaux parfois considérés comme secondaires.

GIUSI TACCHINI : Pour moi, la matière est tout. J’ai grandi dans l’atelier de menuiserie de mon père, fondateur de l’entreprise. Aujourd’hui encore, l’odeur du bois me ramène immédiatement à mon enfance. Ce que j’aime chez Faye, c’est sa capacité à partir de la matière pour développer ses projets. Elle révèle son potentiel avec une intensité rare. Cette approche est très proche de la philosophie de Tacchini.

EC : TACCHINI ET FAYE TOOGOOD STUDIO POSSÈDENT

CHACUNE UNE IDENTITÉ FORTE. COMMENT PARVENEZ-VOUS À LES FAIRE DIALOGUER SANS QUE L’UNE PRENNE

LE PAS SUR L’AUTRE ?

GIUSI TACCHINI : C’est un peu comme un mariage. Nous avons des rôles différents, mais nous partageons une même sensibilité. Il existe un équilibre naturel qui ne nécessite pas toujours beaucoup de mots. Lorsque la confiance est là, beaucoup de choses se comprennent instinctivement. J’ai un immense respect pour le travail de Faye, et elle a immédiatement compris l’esprit de la marque.

Faye Toogood : C’est une collaboration presque magique. Nous nous élevons mutuellement. Je pense que cela tient aussi au respect que nous avons l’une pour l’autre. Tacchini me pousse à donner le meilleur de

←← Installation Material Anthology à Casa Tacchini.

← Fauteuil Butter, nouvelle extension de la collection Butter, design Faye Toogood, Tacchini.

moi-même et j’espère apporter quelque chose en retour. Après trois ans de collaboration, j’ai le sentiment de faire partie de la famille. Je m’y sens à la fois soutenue et stimulée intellectuellement, ce qui est assez rare.

EC : LA COLLECTION BUTTER, LANCÉE L’AN DERNIER, CONNAÎT UN IMPORTANT SUCCÈS ET S’ENRICHIT AUJOURD’HUI DE NOUVELLES PIÈCES. QUE REPRÉSENTE-T-ELLE POUR VOUS ?

FAYE TOOGOOD : Nous présentons cette année de nouvelles extensions de la collection, notamment une version non modulaire du canapé, des fauteuils et plusieurs tables. L’accueil réservé à Butter a dépassé toutes nos attentes.

GIUSI TACCHINI : Butter représente parfaitement notre vision du design. C’est une collection qui ne suit pas les modes. Elle possède une présence forte, une certaine sensualité, tout en restant discrète. Pour moi, la véritable durabilité réside précisément dans cette capacité à traverser le temps. Lorsqu’un objet accompagne les utilisateurs pendant des années, voire des décennies, il devient naturellement plus durable. Les collections qui fonctionnent doivent continuer à évoluer avec les besoins des clients et rester vivantes.

EC : TACCHINI ACCORDE LA MÊME IMPORTANCE

AUX RÉÉDITIONS HISTORIQUES QU’AUX CRÉATIONS CONTEMPORAINES. CHERCHEZ-VOUS À CRÉER LES ICÔNES DE DEMAIN ?

GIUSI TACCHINI : Quand j’étais jeune, je voulais devenir archéologue. Mon père souhaitait que je rejoigne l’entreprise familiale, ce que j’ai fait. Mais j’ai finalement trouvé une manière d’intégrer cette passion dans mon travail. J’ai toujours eu le sentiment que nous étions assis sur un trésor. Avec les rééditions, je cherche à remettre en lumière des pièces oubliées ; avec les créations contemporaines, l’ambition est similaire : identifier aujourd’hui les objets qui traverseront le temps. Les icônes de demain. Au fond, tout repose sur les relations humaines. Lorsqu’elles sont sincères et solides, le bon design suit naturellement.tacchini.it

1 À l’occasion du Salone del Mobile, Raritas a dévoilé une sélection de pièces d’exception, mettant en lumière le savoir-faire, l’authenticité des matériaux et l’excellence du design contemporain.

SALONE DEL MOBILE 2026

« NON SOLO SALONE »

Plus qu’une vitrine des nouveautés, le Salone del Mobile poursuit sa transformation en laboratoire culturel, multipliant les passerelles entre patrimoine, recherche et création contemporaine.

Françoise Faure

À Milan, l’édition 2026 a confirmé l’évolution du Salone vers une approche élargie du design. Entre les pavillons de Rho et les institutions de la ville, le programme a proposé une lecture plus profonde de la discipline, invitant les professionnels et les amateurs éclairés à explorer ses racines, ses expérimentations et ses nouveaux territoires.

La redécouverte des archives milanaises, les visites de lieux emblématiques, comme le studio d’Achille Castiglioni ou encore les collaborations renforcées avec l’ADI Design Museum et la Triennale ont témoigné de cette volonté de replacer le projet dans une continuité culturelle.

2 Le Salone del Mobile a mis à l’honneur l’héritage culturel du design milanais.

3 Abito a mis en lumière les dialogues entre design, artisanat, mode et culture de l’habiter.

Parmi les propositions les plus remarquées, Raritas a offert un regard inédit sur des pièces rares et des collections présentées par des galeristes et éditeurs indépendants, tandis que Made in MiC réunissait des œuvres patrimoniales signées notamment Gio Ponti. Avec Abito, le salon explorait les convergences croissantes entre design, artisanat, mode et culture de l’habiter. Portée par Maria Porro et orchestrée par Annalisa Rosso, cette programmation parallèle a enrichi l’expérience du salon en ouvrant de nouvelles perspectives sur le design contemporain. Une manière d’affirmer que le Salone n’est plus seulement un rendez-vous commercial, mais un observatoire privilégié des cultures du projet.

RENCONTRES

De Kartell à Knoll en passant par Living Divani, ces rencontres offrent trois regards singuliers sur le design et son évolution, où s’entremêlent innovation, transmission, identité et confort. Françoise Faure

LORENZA LUTI, KARTELL, L’INNOVATION EN HÉRITAGE

Kartell est l’une des grandes maisons du design italien. Représentante de la troisième génération familiale, Lorenza Luti poursuit l’histoire d’une entreprise qui a fait de l’innovation et de la créativité les piliers de son développement.

POUVEZ-VOUS DÉCRIRE KARTELL EN DEUX MOTS ?

Innovation et créativité. L’innovation guide notre recherche sur les matériaux, les technologies et les nouveaux modes de communication. La créativité permet à chaque designer d’apporter sa vision, sa culture et sa personnalité à nos collections.

VOUS TRAVAILLEZ SANS DIRECTEUR ARTISTIQUE. POURQUOI ?

Nous tenons à conserver un dialogue direct avec les designers. Les décisions finales nous appartiennent, car nous sommes aussi ceux qui investissent dans les projets. Bien sûr, notre bureau de recherches intervient sur les aspects techniques, mais le choix de développer un produit reste avant tout entrepreneurial.

COMMENT GÉREZ-VOUS VOS COLLABORATIONS

AVEC LES DESIGNERS ?

Nous travaillons avec des créateurs comme Philippe Starck, Patricia Urquiola ou les frères Bouroullec depuis de nombreuses années. Cette confiance mutuelle nous permet d’échanger librement. Nous pouvons parfois refuser un projet s’il ne correspond pas à notre vision ou à la cohérence de notre collection. Les produits doivent trouver naturellement leur place dans notre catalogue et participer à son

évolution. Cette exigence nourrit des collaborations durables et nous permet, ensemble, d’obtenir des résultats qui dépassent souvent les attentes initiales.

QUELS DOMAINES SONT ESSENTIELS

POUR L’AVENIR DE KARTELL ?

Notre priorité est de créer les bons produits, non de multiplier les nouveautés. Lorsqu’un projet répond à notre vision et apporte une réelle valeur à la collection, nous le développons. L’éclairage est aujourd’hui l’un des secteurs les plus stimulants. La lumière suscite une émotion immédiate et inspire une grande liberté créative aux designers.

QUELLE PHILOSOPHIE VOUS GUIDE AU QUOTIDIEN ?

Mes grands-parents et mes parents m’ont appris à ne jamais cesser de me remettre en question. Il faut rester curieux, continuer à innover et savoir évoluer avec son époque. Le monde change très vite et il est essentiel de savoir s’adapter, parfois même de changer de direction lorsque cela est nécessaire. Je crois qu’il ne faut jamais se reposer sur ses acquis, mais toujours chercher à faire mieux. C’est ainsi que l’on construit l’avenir. kartell.com

DOZIE KANU, UN REGARD NEUF SUR KNOLL

Héritière de l’esprit du Bauhaus, la maison Knoll s’associe au designer américain Dozie Kanu pour une collection de tables aux formes sculpturales. Entre héritage nigérian et culture cowboy texane, le créateur apporte un regard inédit à l’univers de la marque.

COMMENT EST NÉE CETTE COLLECTION ?

Jonathan Olivares appréciait un tabouret que j’avais conçu en 2021 et m’a proposé d’en développer le principe pour une série de tables. Je puise mon inspiration dans mes racines nigérianes, notamment dans certaines traditions de mascarades africaines, mais aussi dans la culture cowboy du Texas où j’ai grandi. Il était important pour moi que cette première collaboration avec Knoll reflète mon identité.

COMMENT AVEZ-VOUS VÉCU LES CONTRAINTES DE LA PRODUCTION INDUSTRIELLE ?

Le projet a été simplifié au fil du développement afin de répondre aux exigences de la production en série, mais sans perdre son idée fondatrice. Pour un artiste, c’est une expérience différente. Elle permet aussi de toucher un public beaucoup plus large que celui du monde de l’art.

QUELS SONT VOS PROCHAINS PROJETS ?

Knoll m’a proposé de travailler sur une chaise, un véritable défi que je considère comme le Saint Graal du design. En parallèle, je poursuis mes projets artistiques, avec de nouvelles expositions et des collaborations dans l’univers de la mode. knoll-int.com

YABU PUSHELBERG, AU-DELÀ DES TENDANCES

Pour Living Divani, le duo canadien Yabu Pushelberg signe Haven, un fauteuil sculptural dont l’apparente rigidité cache un confort surprenant. Une création qui reflète sa vision du design : privilégier les idées aux effets de mode.

VOTRE TRAVAIL SEMBLE S’AFFRANCHIR DES TENDANCES. EST-CE UNE VOLONTÉ ?

Suivre les tendances est ennuyeux. Nous préférons créer des objets porteurs d’une idée forte. Connaître l’histoire du design est essentiel : elle nourrit notre réflexion et nous permet d’avancer. Aujourd’hui, il y a beaucoup de stylisme et pas assez de profondeur. Avec Haven, nous avons imaginé une forme puissante, presque sculpturale, définie par une simple courbe qui lui donne son identité.

LE FAUTEUIL SURPREND PAR LE CONTRASTE ENTRE

SON APPARENCE ET SON CONFORT.

J’aime lorsque les objets déjouent les attentes. Haven paraît robuste, presque brutal, puis révèle une douceur inattendue. Le confort et l’ergonomie restent fondamentaux dans notre démarche.

COMMENT EST NÉE VOTRE COLLABORATION

AVEC LIVING DIVANI ?

La marque nous a demandé de réfléchir à des assises confortables. Nous avons choisi de commencer par un fauteuil, probablement l’un des objets les plus difficiles à concevoir. Lorsque l’on trouve une véritable affinité créative, comme avec Living Divani, il est naturel d’avoir envie de poursuivre l’aventure. livingdivani.it

LE MOBILIER SELON MILAN

Entre retour aux savoir-faire, matériaux réinventés et formes généreuses, les nouveautés présentées à Milan dessinent les contours d’un design plus sensible et plus durable. Notre sélection des pièces qui ont marqué cette édition 2026. Clara Jannet, avec la collaboration de Françoise Faure

1 Table basse Orbi, design Studio adolini, Living Divani. livingdivani.it

2 Canapé Anywhere, design Francesco Binfaré, Edra. edra.com ph. Alessandro Moggi

3 Fauteuil Ascot, design Giuseppe Bavuso, Rimadesio. rimadesio.it

4 Table de repas Floria, design Pierre-Yves Rochon, Giorgetti. giorgettimeda.com

5 Chaise longue Attimo, design Jean-Marie Massaud, Poliform. poliform.it

6 Table basse Dozie Kanu Table Collection, design Dozie Kanu, Knoll. knoll-int.com

7 Luminaire Cabbage, design Peter Marino, Venini. venini.com

Canapé Quincy, design Antonio Citterio, Flexform. flexform.it

Canapé Orion, design Giampiero Tagliaferri, Minotti. minotti.com

1

3

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Chemin des Taborneires 2 – 1350 Orbe

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1 Canapé Talism, design Carlo Colombo, Trussardi. trussardi.com

2 Chaise avec accoudoirs Riva, design Claudio Bellini, Natuzzi Italia. natuzzi.com

3 Table de repas Maxi Clay, design Marc Krusin, Desalto. desalto.it

4 Lit Orma, design Carlo Colombo, Flou. flou.it

5 Fauteuil Edda, design Federica Biasi, De Padova. depadova.com

6 Console Estratto, design Formafantasma, Pedrali. pedrali.com

MATIÈRE À GOÛTER

Longtemps cantonnée à la sphère gastronomique, l’expérience culinaire est devenue un terrain d’exploration privilégié pour les designers. À la croisée de l’objet, de l’architecture, de la scénographie et des arts visuels, le Food Design s’impose aujourd’hui comme un langage créatif à part entière, capable d’interroger nos modes de consommation autant que nos rituels de convivialité. Cette évolution s’est particulièrement illustrée lors de la dernière édition de la Design Week de Milan, où les propositions liées à l’alimentation ont occupé une place remarquée dans les galeries, les showrooms et les installations disséminés à travers la ville. Au-delà de la simple mise en scène du repas, les créateurs explorent désormais l’ensemble de l’écosystème alimentaire : les matières premières, les gestes de préparation, les objets qui accompagnent la dégustation, mais aussi les enjeux environnementaux et culturels qui façonnent notre rapport à la nourriture. L’assiette devient un support narratif, tandis que la table se transforme en espace d’expérimentation sensorielle. Dans un contexte où les consommateurs recherchent des expériences toujours plus immersives, le Food Design répond à une aspiration croissante à vivre le repas autrement. Couleurs, textures, parfums, sons et interactions sont mobilisés pour susciter l’émotion et créer des souvenirs durables. À Milan, des projets comme Food for Thought, qui interrogeait notre rapport à l’alimentation de demain, l’exposition « Edible Reveries » consacrée aux dimensions poétiques et culturelles de la nourriture, ou encore Table Rituals, dédié aux gestes et cérémonies du repas, ont illustré la richesse de cette discipline en pleine expansion. Une démonstration éclatante de l’importance prise par la nourriture dans les réflexions contemporaines sur le design et les nouveaux modes de vie.

CONSOMMATION CONSCIENTE

Il Sonno, création de SolidNature × OMA/AMO, cristallise l’urgence consumériste dans la pierre. Ce supermarché surréel fige bananes, œufs, viandes ou sandwichs en sculptures de marbre, onyx et travertin. L’installation soulève la question de savoir qui réfléchit vraiment lors de l’acte d’achat, en transformant ce geste quotidien en une expérience contemplative où la commodité devient un objet de désir purement esthétique.

TABLE EN APESANTEUR

The Invisible Table est l’installation imaginée par Laboratorio Paravicini et la designer Natalia

Criado autour de leur collection commune Metalia. Dans une scénographie aérienne, assiettes en céramique peintes à la main et éléments en métal semblent flotter dans l’espace, libérés de tout support. La table disparaît au profit d’une composition sculpturale où se rencontrent fragilité et robustesse, tradition artisanale et langage contemporain. Une mise en scène poétique qui réinterprète le rituel du repas comme une expérience entre équilibre et légèreté.

RÊVERIES COMESTIBLES

L’exposition « Edible Reveries » transforme la dégustation en expérience immersive. Imaginée par Studio Yellowdot pour ARTISIA, première marque de pâtes imprimées en 3D, l’exposition explore les liens entre gastronomie, design et innovation. Mobilier inspiré de formes de pâtes, créations culinaires sculpturales et installations sensorielles composent un univers onirique où le geste de partager un repas devient un véritable rituel contemporain. Entre savoir-faire italien et technologies de pointe, le parcours invite à repenser la nourriture comme un terrain d’expérimentation créative, à la croisée de l’art, du design et de l’expérience culinaire.

SAVEURS FLORALES

Marimekko célèbre la fleur sous toutes ses formes avec Osteria Fiori di Marimekko. Installée dans un jardin milanais, cette proposition sensorielle mêle design, gastronomie et art de vivre dans un décor foisonnant de motifs floraux. Installations textiles, senteurs de jasmin et de glycine, créations culinaires inspirées des imprimés de la marque et céramiques en édition limitée composent un parcours où la fleur devient un langage universel, entre nature, créativité et convivialité.

RITUELS RÉINVENTÉS

IKEA explore les liens entre alimentation, convivialité et design avec Food for Thought, une installation immersive présentée au Spazio Maiocchi. Entre scénographies sensorielles, démonstrations culinaires et espaces participatifs, l’exposition interroge les rituels contemporains du repas et leur influence sur nos intérieurs. L’occasion également de dévoiler en avant-première quelques pièces de la collection 2026, où fonctionnalité ludique et design démocratique se rencontrent.

L’ART DU PARTAGE

Avec La Bella Tavola, Alessi célèbre la table comme un véritable lieu de vie. Présentée dans le Palazzo Stampa di Soncino, l’installation imaginée par Andrea Incontri rend hommage à l’univers d’Ettore Sottsass à travers une scénographie où les objets du quotidien et les éléments architecturaux se répondent. Vaisselle, accessoires et pièces iconiques de la marque prennent une dimension spectaculaire, brouillant les frontières entre objet et architecture. Le parcours met en scène l’art de recevoir comme une expérience collective, où le design devient le vecteur de rencontres et d’émotions partagées.

ARCHITECTURE ALIMENTAIRE

Baptisée House of Polpa, cette installation éphémère composée de 20 000 boîtes de pulpe de tomate Mutti invite les visiteurs à une expérience où couleur, matière et parfum racontent toute une filière. Entre design, économie circulaire et réemploi, le projet démontre comment un aliment peut devenir matériau, récit et symbole d’une consommation plus consciente.

CHORÉGRAPHIE CULINAIRE

V-ZUG fait de la cuisine un espace d’émotion et de contemplation. Avec Table Rituals, installation imaginée par l’architecte et designer Elisa Ossino, la marque suisse explore la manière dont le design et la technologie peuvent sublimer les gestes du quotidien. Au centre du projet, une longue table sculpturale se déploie comme une scène dédiée aux rituels de préparation et de partage. Elle intègre Integra, le nouveau système d’induction invisible développé par V-ZUG, dissimulé dans une surface minérale continue. Ici, l’innovation se fait discrète pour laisser émerger l’essentiel : les usages, les échanges et la présence humaine. La scénographie minimaliste met en dialogue matières, objets et ingrédients dans une atmosphère calme et raffinée. Cette approche trouve son prolongement dans Mise en Geste, une performance imaginée par le Teatro delle Moire. Vêtus de sculptures textiles signées Matteo Idini, les interprètes transforment les mouvements culinaires en chorégraphie. Préparation, rythme et sonorités composent alors une partition poétique qui brouille les frontières entre design, art vivant et quotidien. Avec Table Rituals, V-ZUG esquisse une vision de la maison où l’innovation se met au service de l’essentiel. Une invitation à ralentir, à observer et à redonner du sens à ces gestes simples qui rythment nos journées et façonnent nos moments de partage.

Ma vie. Ma cuisine.

Kambundji, la femme la plus rapide de Suisse. Dans sa cuisine, elle prend le temps de savourer avec tous ses sens.

Mon eau. Chez moi.

7 FONCTIONS DANS UN ROBINET UNIQUE

EAU FROIDE, PÉTILLANTE, BOUILLANTE ET BIEN PLUS ENCORE

LAUFEN-VARA.CH

CUISINE À VIVRE

Lieu de préparation, de partage et de convivialité, la cuisine occupe aujourd’hui une place centrale dans l’habitat. Électroménager intelligent, matériaux innovants et équipements multifonctionnels accompagnent cette évolution en faisant de cet espace un véritable lieu de vie.

Estelle Daval

Alliance de chêne noir onyx, de verre miroir bronze et de pierre naturelle, cette cuisine next125 joue sur les reflets et la profondeur. Son îlot sculptural renforce son allure architecturale. getaz-miauton.ch

Pensé pour les espaces urbains exigus, le concept Miele Compact Living réunit cuisine, salle à manger et bureau dans un meuble multifonctionnel. Une solution modulable qui repense les usages du quotidien. miele.ch

Dans un bâtiment historique, cette cuisine Veriset conjugue sobriété contemporaine et élégance intemporelle. Des lignes épurées et des teintes douces créent un espace lumineux, en dialogue harmonieux avec le caractère du lieu. veriset.ch

Avec son design noir profond, l’évier Alterna lelac Black Collection est conçu dans un matériau résistant aux taches, aux rayures et à la chaleur jusqu’à 280° C. Il conjugue élégance durable et usage intensif. sanitastroesch.ch

Eau filtrée, fraîche, pétillante ou bouillante, Vara Prime réinvente le robinet multifonction avec un écran couleur ergonomique et des commandes intuitives. Un concentré de technologie au service du confort quotidien. laufen.ch

La teinte Ultra Blu habille cette cuisine imaginée par Electrolux et Veneta Cucine. Une des nuances d’une palette inspirée de la neuroesthétique, pensée pour favoriser le bien-être et l’harmonie. electrolux.ch/venetacucine.com

VIPP, LA CUISINE SELON LES DANOIS

Avec ses cuisines aux lignes architecturales et son approche globale de l’habitat, Vipp s’est imposée comme l’une des signatures les plus singulières du design scandinave contemporain.

Peu de marques peuvent se prévaloir d’une identité aussi forte et constante que Vipp. Fondée en 1939 au Danemark, l’entreprise a bâti sa réputation sur un objet devenu iconique : une poubelle à pédale conçue pour un salon de coiffure. Plus de huit décennies plus tard, cet esprit d’exigence se retrouve dans l’ensemble de ses collections, du mobilier aux luminaires, des accessoires aux cuisines.

TOUT L’UNIVERS VIPP

Le fabricant danois développe une vision du design fondée sur la simplicité, la fonctionnalité et la pérennité des matériaux. Cette philosophie trouve son expression la plus aboutie dans ses cuisines, conçues comme de véritables éléments d’architecture intérieure plutôt que comme de simples équipements domestiques. Parmi les modèles emblématiques, la V1 Kitchen, première cuisine de la marque, a posé les bases d’un langage esthétique reconnaissable entre tous : structure en métal thermolaqué, détails industriels raffinés et

Depuis 1939, chaque nouveau produit Vipp suit le même principe : fabriquer des objets durables pour le quotidien. Les cuisines ne font pas exception. À gauche, le modèle V3 et à droite le V1.

plans de travail en pierre naturelle. Plus récemment, les modèles V2 et V3 ont enrichi cette collection avec de nouvelles configurations et finitions, tout en conservant la même exigence constructive. Chaque cuisine est pensée comme un ensemble cohérent où matériaux, proportions et fonctionnalités dialoguent avec l’espace.

Cette recherche d’harmonie se prolonge dans l’ensemble de l’univers Vipp. Mobilier, luminaires, accessoires et salles de bains partagent une même écriture, caractérisée par une élégance discrète et une attention particulière portée aux détails. Une cohérence qui séduit aussi bien les architectes que les amateurs de design contemporain.

En Suisse romande, cet univers est à découvrir chez Tips, à Genève, enseigne dirigée par Ueli Rupf. Agent de Vipp pour toute la région, Tips accompagne les particuliers, les architectes et les professionnels à chaque étape de leurs projets. De la conception aux phases finales d’exécution, l’entreprise met à disposition son expertise pour intégrer les collections Vipp dans des réalisations sur mesure. MZ / tips-geneve.ch

Chemin des Lentillières 20, 1023 Crissier Tél. +41 21 991 99 99, info@db-renovations.ch www.db-renovations.ch

Des services de rénovation complets pour répondre à tous vos besoins

Notre entreprise, située à Crissier, intervient dans toute la région lausannoise pour des projets sur mesure, que vous soyez à Lausanne, Renens, Pully ou Epalinges. Faites confiance à une équipe réactive et professionnelle pour mener à bien vos rénovations.

BLACK AND WHITE

Élégante et intemporelle, l’alliance du noir et du blanc s’impose dans les arts de la table. Entre contrastes graphiques, lignes épurées et jeux de matières, cette palette réinvente l’art de recevoir avec une sophistication discrète.

Françoise Faure

1 Unity, collection d’assiettes et de verres créée en collaboration avec Tomorrowland. SERAX. Serax.com

2 Mickey Mouse, tasses à café. VILLEROY & BOCH. Villeroy-boch.com

3 Alessi × C.P. Company, service à café. ALESSI. Alessi.it

4 House, œuvre en verre dessiné par Bertil Vallien. KOSTABODA.

5 ALPI, couverts en acier inoxydable 18/10 recyclé et recyclable à 100 %, avec manches en ABS recyclé à 40 %. BUGATTI. Casabugatti.com

6 Vacuum Jug, carafes en acier inoxydable recyclé à 90 %. EVATRIO. Evatrio.com

AMBIENTE 26 DU DESIGN AU CONTRACT

Du 6 au 10 février, les halles de Francfort ont accueilli une nouvelle édition d’Ambiente, le grand rendez-vous international des biens de consommation. Le salon s’articulait autour de quatre univers majeurs : Dining, consacré aux arts de la table, à la cuisine et au linge de maison ; Living, dédié à la décoration, au mobilier d’appoint, à l’éclairage et aux textiles ; Giving, qui rassemble l’univers du cadeau, de la papeterie et des accessoires ; et enfin Working, centré sur les environnements professionnels. La manifestation était complétée par deux salons spécialisés, Christmasworld et Creativeworld, enrichissant l’offre avec des conférences, des parcours thématiques et des remises de prix. Pour son édition 2026, Ambiente a poursuivi sa stratégie d’innovation en renforçant notamment les secteurs HoReCa (hôtellerie, restauration, cafés) et Contract Business. Les plateformes Hospitality Academy ainsi que les parcours HoReCa, Hospitality Interiors et Contract Business ont favorisé les échanges entre les prescripteurs, les fabricants et les décideurs, confirmant l’importance croissante de ces marchés. Dans cette dynamique, les organisateurs annoncent pour 2027 le lancement de Grandcreators, un nouveau format international dédié aux marques premium et au design haut de gamme. Prochaine édition : du 29 janvier au 2 février 2027.

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L’ART DE VIVRE DEHORS, SIGNÉ LIEBHERR

Avec sa promesse de qualité et de durabilité, Liebherr contribue au développement des cuisines outdoor grâce à des solutions de réfrigération conçues pour résister aux contraintes extérieures. Une expertise qui répond aux nouvelles attentes d’un habitat où intérieur et extérieur ne font plus qu’un.

Les nouveaux équipements outdoor de Liebherr répondent aux exigences les plus élevées en matière d’aménagement extérieur. Ils constituent une excellente raison de passer encore

Liebherr garantit la haute qualité de tous ses appareils électroménagers, y compris les minibars pour l’intérieur. De plus, du 1er mai au 31 octobre 2026, les clients Liebherr bénéficient d’une garantie fabricant de 10 ans.

Longtemps réservée à quelques privilégiés, la cuisine en plein air est devenue l’un des symboles de l’art de vivre contemporain. Terrasse, patio et jardin se transforment en véritables espaces de convivialité où chaque équipement participe à l’expérience globale. Parmi eux, le réfrigérateur joue un rôle essentiel, bien au-delà de la simple conservation des aliments.

Alors que les cuisines outdoor rivalisent désormais avec celles de l’intérieur, un élément reste souvent négligé : la réfrigération. Soumis aux variations de température, à l’humidité ou aux fortes chaleurs estivales, un appareil domestique traditionnel n’est pas conçu pour fonctionner efficacement en extérieur. Ces contraintes nécessitent des équipements spécifiquement développés pour cet usage.

LE FROID S’INVITE AU JARDIN

Spécialiste du froid et de la conservation, Liebherr propose une gamme de réfrigérateurs outdoor alliant robustesse, performance et intégration esthétique. Conçus en acier inoxydable résistant à la corrosion et aux projections d’eau, ces modèles garantissent un refroidissement constant malgré les écarts climatiques. Ils répondent ainsi aux besoins les plus exigeants en matière d’aménagement extérieur. L’expérience se prolonge à travers des fonctionnalités pensées pour le quotidien : éclairage LED

intégré pour les soirées estivales, clayettes modulables adaptées aux grands contenants ou encore des formats sous plan favorisant une intégration discrète dans le mobilier de cuisine. ED / liebherr.com

La question de la durabilité occupe également une place centrale. Avec sa campagne « 3650 jours sans compromis. La promesse Liebherr », la marque offre une garantie fabricant de dix ans sur l’ensemble de ses appareils électroménagers, une initiative qui témoigne de son engagement à allier performance et consommation responsable. Cette offre est valable jusqu’au 31 octobre 2026. À mesure que les espaces extérieurs deviennent de véritables extensions de l’habitat, les équipements techniques s’imposent comme des éléments clés du confort. Avec ses solutions dédiées à l’outdoor, Liebherr souhaite élever chaque instant passé dans le jardin au même niveau d’exigence que celui de la maison.

TRAME MINÉRALE

ĒCLOS® de Cosentino renouvelle la surface minérale avec profondeur, relief et performance, au service des cuisines et salles de bain contemporaines.

Dans le design contemporain, les matériaux ne se contentent plus d’habiller les espaces, ils écrivent leur narration. Avec ĒCLOS®, Cosentino propose une surface minérale pensée pour les intérieurs, en particulier les cuisines et les salles de bain, où profondeur, relief et performance deviennent un langage esthétique. Longtemps, le veinage n’était qu’une illusion de matière, une image posée sur un support. Avec sa technologie INLAYR®, Cosentino inverse cette logique. Le décor s’inscrit dans l’épaisseur même du matériau, créant une profondeur visuelle qui évoque les strates géologiques et la pierre naturelle. La surface gagne en présence, en texture et en caractère.

DÉCORS ORGANIQUES

Destinée aux plans de travail, aux îlots, aux vasques ou aux habillages muraux, la collection « Eclectic Veins » traduit cette aspiration avec dix

décors inspirés des mouvements organiques de la nature. Les tonalités lumineuses de Landr, Wondr ou Lumer jouent avec la lumière et les effets de profondeur, tandis que Legnd et Phantome explorent des registres plus contrastés, entre nuances minérales et veines métalliques. Au-delà de son expression esthétique, ĒCLOS® témoigne aussi d’une évolution des pratiques industrielles. Sans silice cristalline et intégrant jusqu’à 88 % de matériaux recyclés, cette nouvelle génération de surfaces conjugue innovation, sécurité et responsabilité environnementale. Elle se distingue également par sa résistance à des températures pouvant atteindre 220 °C, répondant ainsi aux contraintes du quotidien.

Avec ĒCLOS®, Cosentino ne propose pas seulement un matériau. La marque affirme une vision où la surface devient un élément d’expérience, capable de structurer l’espace, de capter le regard et de donner du relief aux intérieurs contemporains. cosentino.com

Bâtiment

Génie

Constructions

Ouvrages

PARENTHÈSE ESTIVALE

L’outdoor s’offre comme une douce parenthèse. On y cultive la lumière, les textures tactiles et les courbes douces comme une nouvelle grammaire du bien-vivre. Entre art de recevoir et désir d’évasion, les terrasses et les jardins deviennent des décors à habiter, plus que des espaces à aménager.

1 Collection de carrelage Dimore pour sols et murs disponible en quatre motifs originaux. delconca.com

2 Juni est une chaise longue réalisée en polyéthylène 100 % recyclable. diablaoutdoor.com

3 L’emblématique fauteuil D.154.2 signé Gio Ponti. molteni.it

4 Vis-à-Vis, une chaise longue suspendue associée à la force du marbre. kreoo.com

5 Revêtement de sol Petra Bianca et revêtement mural Brickworks Nuances Verde Persia. casalgrandepadana.it

6 Ginko et Patio Basket, conçus par Zanellato/Bortotto. ethimo.com

1 Goosto, cuisine d’extérieur composée de modules mobiles. fermob.com

2 Oasi allie formes organiques, modularité et détails en liège naturel. sabaitalia.com

3 Cyborg Big, lampe de jardin d’une hauteur de 160 cm. martinelliluce.it

4 Plissé, collection de fauteuils et canapés deux et trois places. paolalenti.it

5 Filet, paravent d’extérieur qui allie artisanat contemporain et design. rodaonline.com

6 Vortice, table sculpturale assortie de plateaux en marbre ou bois. poliform.it

OOHHH

Mon store banne personnel et individuel.

Votre store banne, votre style, votre confort. Configurez votre store banne en ligne, simplement, intuitivement et selon vos envies. Testez différentes variantes et combinaisons de couleurs pour configurer le modèle de vos rêves. Vous recevez en quelques étapes simples une offre indicative personnalisée.

1 Elas Cord Outdoor, fauteuil en teck avec dossier en tressage de fibres effet osier. minotti.com

2 Orizzonte, lit de jour avec cadre en okoumé teinté. Design Pininfarina. reflexangelo.com

3 Ocean Master Max Cupola Cantilever, un parasol déporté à l’ombre généreuse. tuuci.com

4 Archy Lounge, système modulaire proposant différentes configurations. royalbotania.com

5 Chaise longue en acacia massif, tissu avec motif graphique. Mapoésie x La Redoute Intérieurs. laredoute.ch

UNE NOUVELLE SENSIBILITÉ

AU

CONFORT

Les designers Paolo Lucidi et Luca Pevere reviennent sur les raisons du succès de cette assise iconique et sur les enjeux de sa nouvelle version, Darwin Evolution.

Françoise Faure

QU’EST-CE QUI A FAIT LE SUCCÈS DE DARWIN?

La collection Darwin repose sur une structure tubulaire simple associée à une assise et à un dossier en maille métallique étirée, un savoirfaire maîtrisé par EMU. Sa légèreté visuelle, sa transparence et sa polyvalence lui permettent de s’intégrer naturellement dans de nombreux environnements extérieurs, ce qui explique son succès durable.

POURQUOI AVOIR FAIT ÉVOLUER LA COLLECTION AUJOURD’HUI ?

Avec Darwin Evolution, la structure d’origine est conservée, mais la maille métallique laisse place à un cordon textile. Cette évolution répond à une demande croissante de confort et de bien-être, notamment dans les secteurs résidentiels et contract. Le textile apporte davantage de douceur et de raffinement tout en préservant la robustesse nécessaire

Votre rêve de piscine, notre passion.

Depuis 1959, Vivell technique pour piscines est synonyme de rêves devenus réalité. Une architecture individuelle, intégrant une technique unique en son genre, pour savourer le pur plaisir de la baignade. Nos installations se distinguent par une eau de piscine riche en oxygène, sans odeur de chlore, des frais de fonctionnement modestes et un respect maximal de l’environnement. Vivell technique pour piscines planifie et réalise des piscines extérieures et intérieures, des piscines pour hôtels et des jacuzzi.

· Wolfhausen/ZH · Contone/TI

PROTECTION SOLAIRE SUR MESURE

Dans le cadre de la rénovation de l’Hôtel des Archives à Genève, la question de la protection solaire a nécessité une approche particulièrement attentive afin de préserver l’identité architecturale de ce bâtiment historique. Pour répondre à cet enjeu, les architectes ont fait appel à Kästli Stores pour la conception et l’intégration de solutions adaptées à chaque type d’ouverture, dans le respect du rythme des façades et du langage d’origine de l’édifice. Au rez-de-chaussée, des stores de façade Sunline® 6400 ont été installés derrière les arcades. Leur conception discrète, associant tubes d’enroulement fins et consoles en aluminium, permet d’assurer une protection solaire efficace sans altérer la lecture de la composition architecturale. Aux étages, des stores à projection Sunlux® 6014, fréquemment utilisés dans les contextes patrimoniaux, ont été privilégiés pour leur élégance et leur adaptabilité. D’autres ouvertures ont été équipées de stores Sunline® 6350 à bras latéraux, intégrés avec précision dans les embrasures. L’ensemble illustre comment les dispositifs techniques contemporains peuvent s’inscrire avec retenue dans un bâtiment historique tout en améliorant le confort des usagers. kaestlistores.ch

L’ÉLÉGANCE DE LA DISCRÉTION

Avec son dessin épuré et son caisson compact, le store banne Cassita s’intègre avec discrétion aux façades contemporaines. Conçu pour les balcons et les terrasses, il privilégie une présence visuelle minimale tout en offrant une protection solaire performante. Sa structure robuste et ses matériaux durables garantissent une utilisation quotidienne sur le long terme. Fixable au mur, au plafond ou sous chevrons, il s’adapte à de nombreuses configurations architecturales. Largeur jusqu’à 550 cm et projection maximale de 300 cm. Pour des surfaces plus importantes, voir le modèle Topas de Griesser. griesser.com

Les lanterneaux sont une source de lumière naturelle garantissant sécurité et isolation thermique supérieure

En tant que producteur suisse de fenêtres pour toits plats et lanterneaux vitrés, nous garantissons un standard de qualité très élevé tout en assurant des délais de livraison courts.

Nous nous ferons un plaisir de vous conseiller dans votre projet.

Références:

QUAND LA COURBE REDESSINE L’EXTÉRIEUR

Avec The Curve, Umbris explore une nouvelle approche de l’aménagement extérieur en s’affranchissant des lignes strictement orthogonales. Récompensée par un Red Dot Award, cette pergola sur mesure se distingue par ses formes fluides qui prolongent naturellement les contours du jardin. Entièrement conçue et fabriquée dans les ateliers de l’entreprise, elle associe toiture, finitions, écrans et équipements dans une réalisation cohérente jusque dans les moindres détails. Une architecture légère et organique qui renouvelle la relation entre habitat, paysage et espaces de vie extérieurs. alucreations.ch

TOITURE BIOCLIMATIQUE

Pensés comme de véritables pièces à vivre extérieures, les toits à lamelles LD 6 offrent une réponse élégante aux enjeux de confort et de flexibilité. Grâce à leurs lames orientables, ils permettent de moduler la lumière, l’ombrage et la ventilation au fil de la journée, créant un microclimat naturel adapté aux saisons. Réalisée en aluminium, la structure conjugue durabilité et finesse architecturale tout en assurant une protection efficace contre le soleil, la pluie ou le vent. Éclairage LED, parois vitrées et protections latérales complètent un système modulaire destiné aussi bien aux terrasses privées qu’aux établissements commerciaux haut de gamme et aux restaurants. schenkerstoren.com

PIONNIERS DE LA LUMIÈRE NATURELLE DEPUIS 1955

Le savoir crée des liens, donc nous le partageons. Pour vous offrir des espaces lumineux.

L‘architecture

en mouvement.

Le

store toile durable Solozip®.

Une protection solaire intelligente pour les plus hautes exigences. Idéale pour le résidentiel et le tertiaire.

Grande liberté de création grâce à un large choix de toiles et de coloris de profilés.

Matériaux durables et circuits courts – pour des projets de construction écoresponsables.

LA BRIQUE CLINKER, ENTRE HÉRITAGE ET DURABILITÉ

Fondée en 2001 par Bruno Wittwer et son épouse, l’entreprise QualiBuild s’est imposée comme une référence dans le travail de la brique clinker et de la pierre naturelle. « Les briques de clinker sont des briques d’argile surcuites, obtenues en soumettant de l’argile humide à une très forte chaleur, env. 1150 °C. Elles sont plus denses et plus lourdes que les briques en terre cuite standard, présentent une faible porosité (souvent inférieure à 6 %) et une résistance élevée à la compression, ce qui les rend très résistantes aux intempéries et durables », souligne le fondateur. Des 10 000 m² du Musée des Beaux-Arts aux 2000 m² de voûtes patrimoniales de l’Hôtel des Archives de Genève, dont elle a restauré les structures d’origine, l’entreprise valorise un patrimoine bâti exigeant sans en altérer l’authenticité. « Nous privilégions toujours la conservation et la reconstitution plutôt que la démolition », précise Bruno Wittwer. Entre villas contemporaines de haut standing en bord de lac, revêtements en pierre naturelle et projets d’envergure, comme le site de la piscine de Carouge, QualiBuild conjugue savoir-faire artisanal et vision durable de la construction. qualibuild.ch

L’INNOVATION AU SERVICE DE L’ART DU VERRE

Depuis plus d’un siècle, Loretti SA s’illustre dans l’art du verre en alliant tradition et innovation. Transmise au fil de quatre générations, cette entreprise a su conserver son savoir-faire tout en adoptant les dernières avancées technologiques. Cette continuité familiale a permis de développer une culture d’excellence, marquée par l’attention aux détails, le désir de bien faire et l’ambition de rester à la pointe des secteurs de la vitrerie et de la miroiterie. Le domaine d’expertise de Loretti couvre un large éventail : fenêtres, baies vitrées, vitrines, murs en verre, installations tout verre et aménagements de salles de bain. L’entreprise se distingue également par ses produits exclusifs, où se mêlent transparence, élégance intemporelle et exigences techniques. Dans le secteur de la salle de bain, Loretti a acquis une solide réputation grâce à ses douches sur mesure, sécurisées, et offrant un vaste choix de finitions. L’entreprise propose également le traitement Clearshield, qui simplifie l’entretien et prolonge la durabilité des verres de douche. Loretti.ch

Paroi de douche avec fixations minimalistes réalisée dans un appartement genevois. Elle est composée de deux verres fixes toute hauteur et d’une porte légèrement plus courte permettant la ventilation. Réalisation en verre trempé standard (« float » clair).

LA VILLA RÉINVENTÉE

À Lancy, le projet Oasis, développé par Beaver Immobilier et conçu par Atelier 3A, réinterprète la villa urbaine à travers un ensemble de trois villas mitoyennes certifiées THPE. Implanté sur une parcelle en pente bénéficiant de vues dégagées sur le Salève, le projet s’inscrit avec finesse dans la topographie afin de dégager de généreuses terrasses et des espaces extérieurs largement végétalisés. L’architecture privilégie des lignes sobres et lumineuses, tandis que la présence du végétal – jardins privatifs, plantations et toitures végétalisées – participe à la qualité du cadre de vie, favorise la biodiversité et limite les surchauffes estivales. L’un des éléments marquants du projet réside dans ses jardins d’hiver, conçus comme des espaces intermédiaires entre intérieur et extérieur.

Véritables extensions des pièces de vie, ces volumes vitrés, utilisables toute l’année, offrent une relation privilégiée avec le paysage environnant et renforcent la continuité entre habitat et nature. Pensé dans une démarche durable, Oasis intègre pompes à chaleur géothermiques, panneaux solaires thermiques et photovoltaïques, affirmant une vision résidentielle où architecture, paysage et performance énergétique dialoguent harmonieusement.

Beaver Immobilier est active dans la gérance, le courtage, le pilotage de projets et l’administration de PPE, la société défend une approche globale du patrimoine immobilier, fondée sur la proximité, la transparence et le suivi personnalisé. beaver-immo.ch

LA FENÊTRE COMME ÉLÉMENT DE DÉCORATION

Avec FIN-Window, Finstral repousse les frontières de la personnalisation en proposant le système de fenêtres le plus modulaire du marché.

Leader européen des fenêtres, des portes d’entrée et des baies vitrées haut de gamme, Finstral franchit une nouvelle étape dans l’évolution de son offre avec la dernière génération de FIN-Window. Déjà reconnu pour sa polyvalence, ce système de fenêtres s’enrichit désormais de nouvelles possibilités de personnalisation grâce à l’intégration de parements intérieurs en aluminium ou en bois, venant compléter les finitions extérieures en aluminium déjà disponibles.

Là où les choix de matériaux imposaient certaines contraintes, FIN-Window permet désormais de combiner librement les finitions intérieures et extérieures au sein d’un même système. Une liberté inédite qui ouvre la voie à des configurations presque infinies et répond aux attentes croissantes des particuliers comme des prescripteurs en matière de personnalisation.

FINITIONS À LA CARTE

Plus qu’un simple composant technique du bâtiment, la fenêtre devient aujourd’hui un véritable élément d’architecture intérieure. Avec FINWindow, chaque pièce peut bénéficier d’une identité propre grâce à un large éventail de matériaux, de textures et de couleurs. Un extérieur en aluminium sombre pourra ainsi s’associer à un ouvrant intérieur en PVC blanc satiné, tandis qu’un parement en bois précieux apportera chaleur et caractère aux espaces de vie.

La modularité du système s’exprime également dans les détails. Finstral propose un vaste choix de poignées, de formes et de matériaux, ainsi qu’un nuancier de près de 250 teintes réalisées dans ses propres ateliers de thermolaquage. Certaines versions, comme l’exécution Cristal, misent sur une esthétique particulièrement épurée grâce à une surface vitrée émaillée qui habille élégamment les profils de l’ouvrant côté intérieur. finstral.com

Spécialiste des toitures plates

EXPOSITIONS / AGENDA

BÂLE GROUNDWORK

À travers trois films documentaires produits par le Centre canadien d’architecture (CCA), enrichis de documents et fragments de terrain, l’exposition suit les démarches de Xu Tiantian, du collectif bplus.xyz et de Carla Juaçaba. Entre engagement local, réservation des ressources et réflexion sur l’existant, Groundwork met en lumière une architecture en devenir, attentive aux territoires comme aux communautés qui les habitent. En transformant l’enfilade du S AM en paysage cinématographique, l’exposition invite le visiteur à devenir témoin actif d’un processus plutôt que spectateur d’un produit fini.

S AM / sam-basel.org

Jusqu’au 30 août

PIERRE HUYGHE

L’artiste français investit la Fondation Beyeler avec une exposition immersive conçue comme un organisme vivant. Réunissant œuvres inédites, films récents et créations emblématiques, Pierre Huyghe brouille les frontières entre vivant, technologie et fiction. Respiration artificielle, intelligence artificielle, robots et matières en mutation composent un parcours sensoriel où chaque œuvre évolue au fil du temps. Une exploration fascinante des états intermédiaires de l’existence et des mondes possibles.

FONDATION BEYELER / fondationbeyeler.ch Jusqu’au 13 septembre

GENÈVE

LE VERRE, AU-DELÀ DE LA MATIÈRE. LES COLLECTIONS DU CIRVA

Avec quelque 200 œuvres et documents d’archives, le parcours explore les multiples facettes du verre, entre science, expérimentation et imaginaire. Dessins, vidéos, prototypes et pièces emblématiques révèlent les coulisses de collaborations menées avec des artistes majeurs comme Jean-Michel Othoniel, Pierre Soulages ou Gaetano Pesce, célébrant l’inventivité d’un matériau en perpétuelle transformation.

MUSÉE ARIANA / musee-ariana.ch Jusqu’au 3 janvier 2027

LAUSANNE

ET NOUS ALORS ?

Le mudac réunit plus de 300 animaux en verre issus de la collection de Pierre Rosenberg. Derrière la virtuosité des maîtres verriers de Murano, l’exposition explore notre relation au vivant. Figés dans le verre, ces éléphants, chiens ou oiseaux révèlent moins la nature animale que le regard que nous portons sur elle. Entre fascination, appropriation et domestication, ce bestiaire coloré interroge nos représentations du monde animal.

MUDAC mudac.ch

Jusqu’au 27 septembre

WEIL AM RHEIN

VERNER PANTON : FORM, COLOUR, SPACE

Le Vitra Design Museum célèbre Verner Panton comme un architecte de l’imaginaire domestique. L’exposition retrace l’audace d’un créateur qui fit basculer le design scandinave vers des territoires plus libres, où la couleur, la lumière et les matières synthétiques composent de véritables paysages à habiter. De la Panton Chair à la Fantasy Landscape, les pièces emblématiques dialoguent avec des projets rares, révélant une œuvre totale, à la fois expérimentale et profondément optimiste. Une rétrospective immersive qui mesure combien sa vision demeure actuelle, entre précision industrielle et poésie spatiale.

VITRA DESIGN MUSEUM / design-museum.de Jusqu’au 9 mai 2027

WINTERTHOUR

BRICKS RELOADED

La brique, l’un des matériaux les plus universels de l’architecture, est au cœur de cette exposition qui explore les dimensions techniques, esthétiques et culturelles de cet objet en apparence ordinaire, à travers une cinquantaine de projets d’architectes, designers et artistes. Enrichie d’exemples suisses et d’un focus sur le patrimoine bâti de Winterthour, l’exposition interroge aussi les enjeux contemporains de fabrication, de recyclage et d’innovation autour de ce matériau ancestral plus actuel que jamais.

GEWERBEMUSEUM gewerbemuseum.ch

Jusqu’au 1er novembre

ZURICH

PLING ! ÉCOUTER LE DESIGN

Cette exposition propose une exploration sensible du son dans le design, l’architecture et l’art. L’exposition montre comment l’écoute influence notre perception des objets, des espaces et des usages, tout en soulignant l’importance du design inclusif et de l’acoustique dans la vie quotidienne. Elle invite aussi à repenser la relation entre bruit, harmonie et environnement construit à travers des approches à la fois scientifiques et créatives.

MUSEUM FÜR GESTALTUNG museum-gestaltung.ch

Jusqu’au 20 septembre

EN BREF SALONS

GENÈVE

OBSERVATOIRES. CARTE BLANCHE À JOHN M ARMLEDER

Entre patrimoine et création contemporaine, Armleder compose un dispositif immersif fait de superpositions et de dialogues inattendus, invitant le public à une déambulation libre et sensible.

MUSÉE D’ART ET D’HISTOIRE mahmah.ch

Jusqu’au 25 octobre

LAUSANNE

ISAO TAKAHATA

Entre réalisme poétique, mémoire du quotidien et exploration de nouvelles formes graphiques, cette exposition invite à redécouvrir une œuvre qui a durablement marqué l’histoire du cinéma d’animation.

MUDAC

mudac.ch

Du 24 avril au 27 septembre

ELLA MAILLART. RÉCITS

PHOTOGRAPHIQUES

Photo Élysée, dépositaire de ses archives photographiques, rend hommage à cette infatigable exploratrice à travers une exposition consacrée à ses grands voyages des années 1930.

PHOTO ÉLYSÉE

elysee.ch

Jusqu’au 1er novembre

WEIL AM RHEIN

HELLA JONGERIUS : WHISPERING THINGS

Figure majeure du design contemporain depuis plus de trente ans, la Néerlandaise Hella Jongerius fait l’objet de sa première grande rétrospective.

VITRA DESIGN MUSEUM design-museum.de Jusqu’au 6 septembre

WINTERTHOUR

NEW WILDERNESS

L’exposition présente les perspectives innovantes de projets issus de l’architecture paysagère, de la recherche et de l’écologie, qui célèbrent la nouvelle nature sauvage.

GEWERBEMUSEUM gewerbemuseum.ch

Jusqu’au 23 août

BOLOGNE

CERSAIE

Référence mondiale dans les secteurs de la céramique, de la salle de bain et des surfaces architecturales, l’événement réunit fabricants, architectes et designers autour des grandes tendances du moment. Parmi les temps forts annoncés figure le programme « Building, Dwelling, Thinking », avec conférences et masterclass, ainsi que les ADI Ceramics & Bathroom Design Awards. Le salon met également en scène plusieurs installations immersives autour de la matière, de la couleur et de l’intégration de la nature dans l’architecture contemporaine.

BOLOGNAFIERE cersaie.it

Du 21 au 25 septembre

LAUSANNE

ARCHITECT@WORK

Le salon met en lumière une sélection pointue d’innovations, retenues par un comité de sélection, dans un parcours pensé pour stimuler la découverte et les échanges. Il offre ainsi un cadre idéal pour approfondir ses connaissances techniques tout en tissant des liens durables avec des experts de l’architecture et de la construction. En favorisant une approche immersive, il place la créativité et la qualité des matériaux au cœur de chaque discussion.

BEAULIEU

architectatwork.com

Du 30 septembre au 1er octobre

PARIS

MAISON&OBJET

Au travers de deux salons annuels réservés aux professionnels et de la Paris Design Week, Maison&Objet est un événement incontournable des secteurs de la décoration, du design et de l’art de vivre. L’édition de septembre devient Maison&Objet Pulse et s’affirme désormais comme l’observatoire d’une jeune création en mouvement, en foisonnement, inventant de nouvelles façons de vivre l’intérieur comme un espace d’expérimentation.

PARIS NORD VILLEPINTE maison-objet.com

Du 10 au 14 septembre

VÉRONE

MARMOMAC

Avec ce 60e opus, le salon consacre une fois de plus son statut de rencontre internationale incontournable pour l’industrie de la pierre naturelle. Parmi les rendez-vous majeurs de cette édition anniversaire figurent plusieurs expositions curatoriales réunies sous le thème « The Bedrock », consacrées aux nouvelles expressions de la pierre dans l’architecture et le design contemporains. Les visiteurs pourront également découvrir une installation monumentale intitulée « Pantheon », imaginée spécialement pour célébrer les 60 ans du salon.

VERONAFIERE

marmomac.com

Du 22 au 25 septembre

ZURICH

BAUEN & MODERNISIEREN

Cette nouvelle édition, placée sous le signe de l’habitat durable, de la rénovation et de l’aménagement, réunira les acteurs du secteur autour des grandes thématiques du bâtiment, des solutions énergétiques, des matériaux, de la technique du logement et des finitions, pour accompagner aussi bien les professionnels que les particuliers dans leurs projets. Des démonstrations et des conférences spécialisées en libre accès complètent le programme.

MESSE ZURICH

bautrends.ch

Du 17 au 20 septembre

RENCONTRE

DE J’AIME PAS LES DIMANCHES

↑ Nadia Studer, co-fondatrice et directrice créative d’ÉMAÉ STUDIO, 2025.

↗ Différentes pièces issues de la collection Mirari d’Émaé Studio.

ÉMAÉ STUDIO

Designer et mère de deux garçons, Nadia Studer a fondé ÉMAÉ STUDIO à partir d’un constat simple : les objets du quotidien méritent autant d’attention que les pièces de design. Si l’aventure a commencé avec une vaisselle pensée pour ses enfants, la marque développe aujourd’hui un univers de table destiné à tous, où fonctionnalité, couleur et esthétique dialoguent naturellement. Passionnée par les beaux objets, Nadia a choisi de redonner vie à l’émail, un matériau ancestral longtemps éclipsé par le plastique. Résistant, recyclable et conçu pour durer, il s’impose comme une évidence. Chez ÉMAÉ STUDIO, chaque collection explore des palettes inspirées de la famille, de la nature ou de l’art, et invite à composer une table personnelle, sans règles ni combinaisons imposées. Pour Nadia Studer, la table est bien plus qu’un lieu où l’on mange. C’est un espace de rencontre, de partage et de mémoire. Une belle table invite à s’attarder, une belle vaisselle participe à l’atmosphère de la maison. Une philosophie qui résume parfaitement son approche : créer des objets utiles, désirables et suffisamment intemporels pour traverser les générations.

Vivez les fenêtres d’une nouvelle manière.

Visitez notre Studio Finstral Crissier.