• Historias de pincel
LA NOCHE QUE NO DUERME
PINTADA EN 1889 DESDE EL ENCIERRO EN SAINT-RÉMY, LA NOCHE ESTRELLADA DE VINCENT VAN GOGH FUE CONSIDERADA CLAVE DE LOS LENGUAJES EXPRESIVOS EN EL ARTE
LRedacción cupula @elheraldodemexico .com
a noche estrellada fue realizada en junio de 1889 por Vincent van Gogh durante su internamiento voluntario en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole. El propio artista documentó el proceso en cartas dirigidas a su hermano Theo, donde señaló que la pintura se basaba en la vista desde la ventana de su habitación, orientada al este. Sin embargo, también aclaró que la escena no es una transcripción exacta del paisaje observado, sino una composición que combina elementos reales con otros imaginados, como el pueblo que no corresponde a la topografía de Saint-Rémy. El contexto de producción está vinculado a uno de los periodos más complejos en la vida del pintor. Van Gogh ingresó al asilo en mayo de 1889 tras episodios de crisis mental ocurridos en Arlés. Durante su estancia, se le permitió trabajar en un estudio habilitado dentro del recinto y, en ocasiones, pintar desde su habitación. En cartas fechadas entre junio y septiem-
DATO CLAVE
A raíz de la crisis sufrida en diciembre de 1888 que resultó en la automutilación de su oreja izquierda,Van Gogh ingresó voluntariamente en el manicomio de Saint-Paulde-Mausole.
ORIGEN. Hay pocas referencias sobre lo que el artista pensaba de esta obra. Foto: especial.
bre de ese año, el artista menciona explícitamente la ejecución de la obra y su interés por representar la noche, un tema que ya había explorado en piezas anteriores como Terraza de café por la noche (1888). La obra se caracteriza por el uso de pinceladas ondulantes y una paleta dominada por azules y amarillos. La presencia del ciprés en primer plano, elemento documentado en la región, ha sido identificada en la historiografía como un motivo recurrente en la producción del artista durante su estancia en Provenza. El cielo nocturno, con remolinos y astros intensamente iluminados, no responde a una observación astronómica precisa, aunque algunos estudios han señalado posibles correspondencias con la visibilidad de Venus en esas fechas.
Tras la muerte de Van Gogh en 1890, la pintura permaneció en posesión de su familia, específicamente de Theo y posteriormente de su viuda, Johanna van Gogh-Bonger, quien impulsó la difusión de la obra del artista a través de exposiciones y préstamos. A inicios del siglo XX, La noche estrellada formó parte de colecciones privadas en Europa antes de ser adquirida en 1941 por el Museum of Modern Art (MoMA), donde se conserva actualmente.
En vida, la obra no fue expuesta de manera destacada ni recibió una atención crítica significativa. La producción de Van Gogh circuló de forma limitada en el contexto artístico de finales del siglo XIX, donde predominaban otras corrientes como el impresionismo consolidado y el academicismo. Algunos contemporáneos, como Paul Gauguin, conocieron su trabajo, pero la valoración sistemática de su pintura ocurrió de manera póstuma, a partir de las primeras décadas del siglo XX.
Con el desarrollo de las vanguardias, la crítica comenzó a situar a Van Gogh como una figura clave en la transición hacia el arte moderno. La noche estrellada ha sido interpretada por historiadores y críticos como un antecedente de lenguajes expresivos. En la actualidad, la obra es considerada una de las imágenes más influyentes del arte occidental y forma parte de debates académicos sobre la relación entre experiencia personal, representación del paisaje y construcción simbólica en la pintura del siglo XIX.
• Viaje al pasado
La doble vida de Cibeles
DE MADRID A LA COLONIA ROMA, LA RÉPLICA DE LA DIOSA FRIGIA TRAZA UNA HISTORIA DE AMISTAD DIPLOMÁTICA, IDENTIDAD URBANA Y CONSERVACIÓN PATRIMONIAL EN LA CIUDAD DE MÉXICO
LRedacción cupula@elheraldo demexico.com
a fuente de la Cibeles en la Ciudad de México es una réplica de la fuente homónima de Madrid, inaugurada en 1782 durante el reinado de Carlos III como parte del programa ilustrado de embellecimiento urbano. La escultura original, diseñada por Ventura Rodríguez y realizada por Francisco Gutiérrez y Roberto Michel, representa a la diosa frigia Cibeles sobre un carro tirado por leones, símbolo de la naturaleza y la fertilidad. La versión mexicana no es una reinterpretación libre sino una reproducción fiel, autorizada por el Ayuntamiento de Madrid como parte de un gesto diplomático. La réplica fue donada a México en 1980 por el gobierno español, en el contexto del restablecimiento pleno de las relaciones diplomáticas entre ambos países tras décadas de distanciamiento derivado de la Guerra Civil Española. La instalación de la fuente en la colonia Roma respondió a la presencia histórica de la comunidad española en esa zona de la ciudad, consolidada desde principios del siglo XX. El proyecto fue coordinado por autoridades de ambas capitales y se integró como un símbolo de reconciliación y vínculo cultural.
La fuente se colocó en la plaza Villa de Madrid, espacio que desde entonces se conoce popularmente como “glorieta de la Cibeles”. Su ubicación no fue casual: la colonia Roma
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SÍMBOLO AMISTOSO
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La fuente es una réplica de la que existe en Madrid, fue donada a México en 1980 por el gobierno español al restablecer relaciones diplomáticas.
Tras el sismo de 1985, la fuente adquirió significado como punto de reunión y referencia urbana en un entorno profundamente afectado.
había sido un enclave de migración española y, tras el sismo de 1985, la fuente adquirió un nuevo significado como punto de reunión y referencia urbana en un entorno profundamente afectado. A diferencia de su contraparte madrileña, asociada a celebraciones deportivas del Real Madrid, en la Ciudad de México su uso ha sido más comunitario y simbólico. En términos materiales, la fuente mexicana fue elaborada en cantera, siguiendo el modelo original, aunque adaptada a condiciones locales. Desde su inauguración ha sido objeto de diversos trabajos de mantenimiento. Registros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México documentan intervenciones de limpieza, reparación de fisuras y renovación del sistema hidráulico, particularmente después de daños derivados de sismos y del desgaste ambiental. La fuente ha enfrentado también afectaciones por manifestaciones y actos vandálicos lo que ha motivado restauraciones puntuales. En 2011 y en años posteriores se realizaron trabajos de rehabilitación que incluyeron la reposición de piezas dañadas y la limpieza integral del conjunto escultórico. Estas acciones han sido supervisadas por autoridades locales con criterios de conservación patrimonial.
Actualmente, la fuente de la Cibeles se mantiene como un nodo urbano activo en la alcaldía Cuauhtémoc. Más allá de su origen como réplica, su presencia ha adquirido una identidad propia dentro del paisaje capitalino. Es un punto de encuentro, referencia geográfica y testimonio de un momento específico en la historia diplomática y cultural entre México y España, cuya materialidad y uso continúan en proceso de conservación y resignificación.
• Día Mundial del Arte •
ARTE, ESPACIO DE RE F LEXIÓN Y RESISTENCIA UN
El Día Mundial del Arte, que se celebra el 15 de abril, provoca a artistas, críticos y especialistas reflexiones sobre el estado actual de la actividad. Entre tensiones y desigualdades, consideran que persiste como espacio de diálogo que cuestiona, registra y amplía la perspectiva sobre el mundo
Por Azaneth Cruz azaneth.cruz@elheraldodemexico.com
MOTIVO. La efeméride busca destacar la educación artística en las escuelas. Fotos: especial.
FESTEJO. La fecha busca reforzar, con actividades, los vínculos entre creaciones artísticas y sociedad.
CELEBRACIÓN ARTÍSTICA
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El Día Mundial del Arte fue instaurado por la Asociación Internacional de Artes Plásticas (IAA), una organización asociada a la UNESCO. Fue aprobado en 2012.
Se celebra el 15 de abril, a propósito del nacimiento de Leonardo da Vinci.
Su objetivo es promover la creatividad, la conciencia cultural y el papel del arte en la sociedad.
En un presente atravesado por crisis sociales, políticas y climáticas, transformaciones tecnológicas aceleradas y desigualdades crecientes, el arte parece habitar una paradoja: está en todas partes, pero no siempre se reconoce su alcance.
En el Día Mundial del Arte, el gremio lee la fecha más como una pregunta que como una celebración: ¿Realmente todos los artistas pueden vivir de su trabajo? ¿Quiénes deciden qué voces, prácticas o narrativas artísticas son visibles y cuáles continúan siendo excluidas dentro del sistema del arte? ¿Qué papel tienen las instituciones?
Para Tatiana Cuevas, directora del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), el arte rara vez ofrece respuestas claras “y quizá no debería”, ya que su función, considera, es abrir preguntas que atraviesan la incertidumbre, la violencia, la saturación de imágenes y la velocidad de un presente imparable, obligando a mirar, escuchar y pensar más allá de lo inmediato.
Desde su perspectiva, la jornada funciona como una herramienta crítica para revisar tanto la práctica institucional como las estructuras del sistema cultural.
“Considero que es una invitación a reflexionar sobre la labor que realizamos todos los días desde las instituciones culturales, una que no se queda en lo interno, que se expanda a cuestiones estructurales, como la representación de la diversidad artística, el fomento del diálogo y la definición misma de arte”.
¿Cuál es el lugar del arte en la vida pública?, ¿se está ejerciendo el derecho a la cultura?, ¿qué valor le otorgan los países a la producción artística?, cuestiona.
Y reflexiona sobre la dimensión del arte como herramienta de pensamiento y resistencia: “En contextos complejos, las prácticas artísticas, tanto individuales como colectivas, amplifican voces, denuncian injusticias y contribuyen a procesos de resistencia. Pero esa capacidad requiere espacios de intercambio abiertos. Hoy más que nunca es importante fomentar espacios donde ese diálogo pueda darse de manera abierta”.
Giovana Jaspersen, directora del Museo Franz Mayer, coincide en que estas fechas funcionan como pausas para reactivar conversaciones, en este caso sobre los recintos.
“En museos donde el arte es cotidiano, estas fechas acercan la conversación a públicos más amplios. Los museos son lugares donde existen colecciones, narrativas y experiencias que brindan estabilidad y refugio, pero no son estáticos: sostienen diálogo, escucha y observación, generando entornos donde distintas perspectivas coexistan”, explica.
Sin embargo, señala que el reto está en actualizar el sentido de los acervos, en su caso, para hacer que las colecciones históricas sean relevantes hoy.
“Muchas problemáticas actuales tienen antecedentes históricos. Los museos deben insistir en el diálogo como herramienta fundamental”, expresa.
Por otra parte, la artista Mónica Mayer observa la efeméride con distancia: “No veo claramente qué lo diferencia de cualquier otro día”, aunque define que el arte, más que transformar radicalmente la realidad, “tiene la función de registrarla, documentar, dejar constancia y permitir el pensamiento”.
“Mi trabajo es una forma de defensa personal”, resalta la creadora.
Sobre la práctica artística actual explica que enfrenta condiciones de precariedad, por lo que “el principal reto es sobrevivir económicamente, mantener una carrera, conseguir recursos o ser considerado necesario en la sociedad es difícil. Además, la saturación de imágenes hace que destacar sea cada vez más complejo”.
“La mayoría de las voces permanecen fuera, atravesadas por clase, género, raza o geografía”, indica. Para el crítico de arte, escritor e investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la UNAM Daniel Montero, el arte sigue siendo una experiencia
INICIO. La primera celebración tuvo lugar en 2012, por iniciativa de la Asociación Internacional de Arte (IAA). Fotos: especial.
que desborda lo cotidiano.
“No se trata de mirar el arte como una presencia constante o automática en nuestra vida cotidiana, sino como una experiencia que, aun en los momentos más oscuros, persiste como ejercicio de resistencia, creatividad y sentido profundamente humano que nos interpela y nos obliga a mirar más allá de la simple imagen”, explica.
“Reflexionar sobre el arte hoy implica también preguntarnos no solo qué tipo de obras se están produciendo, sino cómo las estamos viendo y desde dónde, en un contexto donde las redes, los algoritmos y la velocidad de las imágenes transforman nuestra percepción, desplazando la crítica hacia lo inmediato y poniendo en duda si todavía somos capaces de construir un diálogo profundo que otorgue verdadero significado a lo que observamos”, agrega.
Mientras que, para Walther Boesterly, director del Museo de Arte Popular (MAP), la centralidad cultural es el punto de partida.
“Es necesario enfatizar que esta reflexión sobre el arte también implica reconocer que el arte popular, y no una expresión menor, sino una de las bases más profundas de la cultura, un legado vivo que ha conservado saberes, identidades y formas de entender el mundo a lo largo de generaciones, recordándonos que gran parte de lo que somos como sociedad proviene de ese conocimiento transmitido muchas veces sin reconocimiento ni retribución justa”, expresa.
Y agrega que “pensar el arte en un contexto global también nos obliga a cuestionar nuestras propias contradicciones, pues mientras el arte popular sigue siendo fuente de inspiración para grandes corrientes artísticas y figuras internacionales, continúa enfrentando el desprecio, la competencia desigual y la falta de valoración, lo que revela que apreciar el arte no solo implica admirarlo, sino también reconocer, respetar y dignificar a quienes lo crean”.
Desde el ámbito curatorial, Marisol Rodríguez, directora curatorial de la Galería Mariane Ibrahim, advierte que desde estos espacios no hay día que no sea del arte, pero que la ocasión permite poner en agenda de los medios algunos temas importantes.
“El arte es testigo del paso de la historia. La multiplicidad de prácticas académicas, conceptuales, populares define la época. Todo sucede al mismo tiempo, esa diversidad esquizofrénica que caracteriza nuestra época”, explica sobre la importancia de la disciplina.
“Por definición, el arte es un espacio de resistencia, porque es el único lugar donde los artistas pueden crear sin obligación de servir a algo… es un espacio de ambigüedad, duda y, a veces, locura que se debe defender constantemente”, añade.
Finalmente, señala que existen narrativas que continúan siendo excluidas, en particular las del Sur global, las cuales han sido históricamente interpretadas desde una visión dominante centrada en Europa y Estados Unidos, que han dictado qué se considera “arte importante”, “moderno” o “universal”, mientras que numerosas producciones de África, América Latina y Asia han sido relegadas a categorías secundarias como artesanía o folclor.
VMelissa Moreno Cabrera
ANÓNIMO ERA UNA MUJER CUANDO EL DOLOR NO SE ACOMODA
@melissototota
La obra de Penny Goring, exhibida en México, aborda la muerte, la precariedad y el desamor sin convertirlos en relato
DURANTE
MUCHO TIEMPO, SU TRABAJO
CIRCULÓ POR VÍAS
INFORMALES E INTERNET
n la obra de Penny Goring el duelo, el miedo, la pérdida, el pánico y la impotencia no se procesan para volverse comprensibles, aparecen tal cual como materia expuesta, inestable, sin forma definitiva, y desde ahí atraviesan todo lo que hace. La muerte, la violencia estructural, la precariedad y el desamor dejan de ser temas para convertirse en fuerzas que toman cuerpo, y ese cuerpo —casi siempre femenino— no busca belleza ni identificación fácil: aparece fragmentado, torcido, a veces deshecho, como si la imagen no alcanzara a sostener lo que contiene. No es una decisión estética aislada, es una práctica que viene de su propia vida. Nacida en 1962 en Reino Unido, Goring ha trabajado durante décadas desde los márgenes, lejos de los circuitos que ordenan y validan las trayectorias artísticas. No hay una línea clara ni una narrativa de éxito, hay más bien una insistencia por producir, registrar, seguir. Esa insistencia toma forma en una figura que vuelve una y otra vez: Amelia. Más que un personaje, es una presencia. Está basada en una expareja que murió joven por una sobredosis de heroína, pero en la obra deja de ser historia personal para convertirse en algo más inestable: memoria, deseo, culpa, pérdida, todo al mismo tiempo. Amelia no resuelve nada. No es homenaje ni cierre, tampoco símbolo ordenado de duelo. Es repetición, insistencia, la forma en que la pérdida se queda sin volverse del todo relato. Por eso su cuerpo aparece deformado, irreconocible a ratos. No es una obra domesticada, ya que sigue siendo incómoda, difícil de procesar, poco dispuesta a explicarse. Todo queda abierto, girando sobre sí mismo, y tal vez por eso su obra cuesta, porque estamos acostumbrados a que incluso lo más difícil termine por explicarse, por cerrarse. Goring frena ese impulso y deja todo en un lugar incómodo: el de lo que no termina de acomodarse. El desamor del amor puede visitarse en el Colegio de San Ildefonso, hasta el 7 de junio de 2026.
• Día Mundial del Arte
Circuito nocturno de luz y datos
● Jardín inconcluso, de Rafael Lozano-Hemmer, reúne nueve instalaciones audiovisuales de gran escala, distribuidas en el Jardín Escultórico, la Sala Gamboa y el redondel del Museo de Arte Moderno. La muestra funciona de noche y activa piezas que responden a voz, movimiento, calor y pulso. Incluye un faro sensible a la radiación cósmica, una calzada de voces hecha con tres mil altavoces y obras que traducen datos corporales en luz y sonido.
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Museo de Arte Moderno, Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec. Hasta el 25 de abril
Regreso de un acervo mayor
● Relatos modernos. Obras emblemáticas de la Colección Gelman Santander exhibe 68 obras en el Museo de Arte Moderno del famoso acervo envuelto en la polémica. Con apoyo de Fundación Banco Santander, el conjunto incluye diez óleos de Frida Kahlo y un núcleo de obras de Diego Rivera, María Izquierdo, Gunther Gerzso, Wolfgang Paalen y otros autores, 31 de ellas con declaratoria de Monumento Artístico. Después inicia una etapa de itinerancia internacional.
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Museo de Arte Moderno, Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec. Hasta el 19 de julio
Archivo y pintura de una surrealista
● Remedios Varo. Habitantes de lo insólito reúne unas 90 piezas del fondo dedicado a la artista, resguardado por el INBAL. Incorpora pintura, dibujo, fotografía, libros y cuadernos de trabajo para revisar el universo plástico que la creadora desarrolló en México. Con curaduría de Carlos Segoviano, la muestra se centra en el universo plástico de Varo, poblado de personajes arquetípicos que oscilan entre el descubrimiento científico y la solemnidad del ritual místico.
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Museo de Arte Moderno, Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec. Hasta el 5 de julio.
Un día para salir a ver EXPOSICIONES
EL 15 DE ABRIL, DÍA MUNDIAL DEL ARTE, ES UN BUEN PRETEXTO PARA RECORRER LA CIUDAD EN BUSCA DE EXHIBICIONES, LA OFERTA INCLUYE FOTOGRAFÍA, PINTURA E INSTALACIÓN
La fotógrafa de Photo Chic
● Catalina Guzmán. Photo Chic reúne 130 piezas, 90 por ciento inéditas, que reconstruyen la trayectoria de una fotógrafa activa entre 1914 y la década de 1940. La exhibición en el Museo Nacional de San Carlos incorpora impresiones de época, postales, material hemerográfico y objetos. Se articula en cinco núcleos: Catalina Guzmán: Photo Chic, Photo Chic, El discurso chic, Retratos masculinos y El universo infantil. La investigación, de César González-Aguirre, busca situar a la autora dentro de la historia de la fotografía mexicana
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Museo Nacional de San Carlos, Av. MéxicoTenochtitlan 50, col Tabacalera. Hasta el 26 de julio
Imágenes y representación
● A través de 158 obras del acervo del Museo Nacional de Arte (Munal), Disputar la mirada. Imaginarios visuales sobre las mujeres indígenas revisa los discursos políticos, sociales y culturales que han configurado a la mujer indígena desde la conquista hasta la actualidad. Reúne piezas de Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Tina Modotti, Jean Charlot y Celia Calderón y otros, a través de pintura, fotografía, gráfica y otros soportes. El museo la presenta como una revisión de larga duración, desde la conquista hasta el presente
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Museo Nacional de Arte, Tacuba 8, Centro Histórico de la CDMX. Hasta el 5 de julio
Tiempo arcaico y montaje
● Futuros arcaicos reúne en el Museo Tamayo a artistas modernos y contemporáneos que trabajan con referencias a lo arcaico, lo cósmico y lo mitológico para imaginar el futuro. La exposición fue la primera curada por Andrea Torreblanca como directora del recinto, con asistencia curatorial de Lorenza Herrasti. El montaje incluye un espacio para propuestas de artistas, músicos, poetas y colaboradores del programa público del museo. Las piezas elegidas buscan vincular obra de distintas épocas
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Museo Tamayo, Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec. Hasta el 19 de julio
La defensa del rótulo
● Cerca de cien piezas conforman Los rótulos no deben morir, exposición de la Galería José María Velasco dedicada al rótulo como oficio, lenguaje visual y memoria urbana en México. La curaduría de Quetzalcóatl Molina organiza el recorrido en cinco núcleos: Los Pulques, La Fotografía, El barrio de Tepito, Los rótulos en Tepito y Los nuevos rotulistas. La muestra incorpora materiales históricos, producción contemporánea y registros fotográficos de autoras y autores como Graciela Iturbide, los Hermanos Mayo, Nacho López, Mariana Yampolsky, Yolanda Andrade y Tina Modotti. El apartado fotográfico incluye imágenes que pertenecen al Museo Archivo de la Fotografía, así como obra rotulista ejecutada in situ con pincel, aerosol y aerógrafo, entre otras técnicas.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Galería José María Velasco, Peralvillo 55, colonia Morelos. Hasta el 17 de mayo. Martes a domingo. Entrada libre.
Individual de Penny Goring
● Penny Goring. El desamor del amor / Unloving Love es la primera exposición individual en México de la artista británica. Se presenta en el Colegio de San Ildefonso en colaboración con Fundación Amparo y Manuel. La muestra toma su título de un poema inédito de la autora y reúne dibujos, textiles, video y otros materiales producidos a lo largo de más de 30 años. El recinto la describe como una revisión de una práctica autobiográfica en la que duelo, miedo, pérdida, pánico e impotencia se vuelven materia de trabajo. La artista, nacida en 1962, desarrolla una obra que fluye entre pintura, dibujo, poesía, collage, escultura y video y articula narrativas, desde la autobiografía, que abordan la misoginia, la discriminación, el control y la precariedad económica, que dan testimonio de la violencia estructural normalizada.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Colegio de San Ildefonso, Justo Sierra 16, Centro Histórico de la CDMX. Martes a domingo. Hasta el 7 de junio
Archivo de protesta
● Nadie creerá el incendio si el humo no da señales. Archivo vivo de cuerpos en protesta y disputa simbólica en América Latina se presenta en el Museo de Arte Carrillo Gil. El proyecto se define como un fanzine en despliegue que articula imágenes, acciones y gestos de cuerpos en el espacio público, en diálogo con prácticas editoriales y archivísticas. La muestra aborda registros documentales de movilizaciones sociales en Latinoamérica y se inscribe en un programa expositivo cuyo eje es el cuerpo. El montaje reúne materiales que trabajan con archivo, protesta y circulación de imágenes en el espacio público y en formatos editoriales. La información institucional la sitúa dentro de una línea de trabajo sobre el archivo vivo y las disputas simbólicas en América Latina.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Museo de Arte Carrillo Gil, Revolución 1608, San Ángel. Martes ad omingo. Hasta el 3 de mayo.
Primera muestra de Bishouty
● Nour Bishouty. Madre improbable es la primera exposición individual de la artista en un museo y también su primera presentación en México. El Museo Universitario del Chopo reúne en esta muestra video, esculturas, obra en papel y el estreno de su película “Catfish Mother Puddle of Juice” (Bagre madre charco de jugo), filmada en la Ciudad de México y Toronto, la cinta se construye como una parábola relatada por un bagre, donde las figuras de la madre y la hija se escurren y recomponen dentro de una temporalidad onírica. La presentación se articula a partir de una reflexión sobre las formas en que los cuerpos no normativos son leídos y obligados a portar significado. La artista palestino-libanesa recurre a narrativas familiares para observar los vacíos de la memoria archivística, la producción occidental de conocimiento y la fantasía.
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Museo Universitario del Chopo, Dr. Enrique González Martínez 10, Santa María la Ribera. Hasta el 24 de mayo
EL TIEMPO DE LAS LETRAS
DIvana von Retteg @ivana_von_retteg
urante siglos fue elevado a la categoría de héroe: el navegante audaz que en 1492 “descubrió” América. La historia contada infinidad de veces sobre esas tres carabelas explorando un océano desconocido y enfrentándose a la incertidumbre de las tempestades y el tiempo. Una historia de fe. Pero ¿qué tanto es realidad y qué tanto es mito?
Colón es un enigma desde antes de zarpar. Su origen sigue siendo motivo de debate. ¿Genovés? Probablemente. ¿Definitivamente? No. Él mismo se encargó de borrar huellas, escribiendo en castellano de forma deliberada, evitando referencias claras a su infancia, construyendo, como un personaje, la versión de sí mismo que le convenía presentar ante las cortes europeas. Narrativa, eso era lo que quería. Y la suya comenzaba con una idea brillante… sostenida sobre un error. Colón creía que podía llegar a Asia navegando hacia el oeste. No era el único en imaginarlo, pero sí uno de los pocos en insistir. Su convicción se apoyaba en lecturas de autores como Marco Polo y Ptolomeo, pero también en cálculos profundamente equivocados: subestimó el tamaño de la Tierra de forma drástica. En términos simples, su viaje no era viable.
COLÓN REGRESÓ A ESPAÑA ENCADENADO. JAMÁS ENTENDIÓ LA MAGNITUD DE LO QUE HIZO
Y, sin embargo, funcionó por la simple e impresionante razón de que el mundo era mucho más grande. Antes de convencer a Castilla, Colón llevó su proyecto a Portugal, donde fue rechazado. España, en cambio, decidió apostar por ambición estratégica: acababan de cerrar la Reconquista y necesitaban una jugada que los colocara en el tablero global. El resto es historia. Lo verdaderamente revelador comienza después del “descubrimiento”. Colón fue nombrado gobernador de los territorios que encontró, y es aquí donde la figura empieza a resquebrajarse. Los archivos históricos describen una administración caótica, marcada por abusos de poder, castigos desproporcionados e incapacidad. En 1500, los Reyes Católicos ordenaron su arresto. Colón regresó a España encadenado. Jamás entendió la magnitud de lo que hizo. Murió creyendo que había llegado a Asia, sin saber que abrió la puerta a un continente desconocido para Europa. Nunca vio el mapa completo ni entendió la magnitud real de su propio impacto.
