Por Azaneth Cruz azaneth.cruz@ elheraldodemexico.com
n México, la danza se sostiene en una paradoja persistente, crece en número de proyectos, lenguajes y generaciones, pero continúa habitando una estructura laboral frágil, donde el cuerpo es el centro creativo y, al mismo tiempo, su punto de mayor vulnerabilidad. Aun así, es un campo que no deja de moverse, ya que, incluso en condiciones adversas, la danza se expande, se reinventa y celebra su propia existencia.
En el marco del Día Internacional de la Danza y desde distintas trincheras, la creación independiente, la gestión, la docencia y la interpretación, diversas voces coinciden en un diagnóstico que se repite con variaciones, pero sin matices: la danza existe, pero no siempre se sostiene.
“Es una situación compleja y no es exclusiva de este país ni de este momento histórico. La danza continua siendo una disciplina invisibilizada”, afirma Rodrigo González, coreógrafo, bailarín y director de La Infinita Compañía.
Esa invisibilidad se traduce en condiciones laborales precarias, donde predominan los esquemas de beca por encima de los contratos formales.
Asimismo, explica que esta situación también se refleja en la relación con los públicos, ya que de acuerdo con el INEGI, en su encuesta especializada Módulo sobre Eventos Culturales Seleccionados (MODECULT 2025), apenas alrededor del 12 por ciento de la población asiste a funciones de danza, mientras que más del 60 por ciento nunca acude a eventos escénicos.
La Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE) señala en su informe The Culture Fix: Creative People, Places and Industries (2022), que la participación cultural no depende solo de
la oferta artística, sino de factores estructurales como el ingreso, la educación y el acceso territorial.
Este estudio estima que las industrias culturales y creativas aportan en promedio alrededor del 2 por ciento del valor agregado económico en los 38 países miembros, incluido México, con mayores concentraciones en zonas urbanas, donde pueden alcanzar hasta el 10 por ciento del empleo, lo que evidencia desigualdades en el acceso y la profesionalización del sector.
En ese contexto, González apunta que una de las tensiones centrales del sector son las condiciones laborales:
“La mayoría de los artistas no cuenta con contratos formales, sino con becas temporales que no garantizan derechos básicos como salud, vivienda, retiro o seguridad social”, dice.
La misma preocupación atraviesa a Laura Rocha, coreógrafa y directora de Barro Rojo Arte Escénico, quien subraya la inestabilidad como norma. “El principal reto es económico. No existe estabilidad ni certeza laboral, lo que obliga a trabajar constantemente a contracorriente, seguimos tocando puertas como si fuéramos una compañía nueva, incluso con décadas de trayectoria”, afirma.
Desde su experiencia en Barro Rojo, Rocha identifica una constante, la falta de condiciones laborales dignas: “A ello se suma una dificultad de fondo, muchas veces cada quien resuelve por su cuenta, lo que dificulta generar cambios estructurales”.
transición, explican, impulsó formatos
Lejos de frenar la creación, esta
lo que plantea retos pero también oportunidades para la circulación de la danza.
culturales formales, mientras que más del 70 por ciento consume cultura principalmente en entornos digitales,
2020 señala que menos del 30 por ciento de los jóvenes asiste a espacios
Este panorama dialoga además con cambios en el consumo cultural que la UNAM en su Encuesta Nacional de Hábitos y Consumo Cultural ENHCC
En este contexto, resalta, “la danza se convierte en una práctica de resistencia cotidiana, pero también en un espacio de libertad creativa donde nuevas generaciones siguen apostando por el movimiento como forma de vida”.
existen prestaciones, todo depende de la organización personal y del cuidado constante del cuerpo”, dice.
togestión es prácticamente la única vía. “La autogestión implica generar estrategias propias para sostenerse económicamente, prever riesgos como lesiones y construir redes de apoyo.No
no describe un sistema donde la au-
independiente Diego Vega Solórza-
Desde otra trinchera, el bailarín
EN EL DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA, EL SECTOR INDEPENDIENTE RECONOCE QUE, PESE A LAS DIFICULTADES, HAY AVANCES TÉCNICOS Y ESFUERZOS POR AMPLIAR PÚBLICOS MEDIANTE PLATAFORMAS
DIGITALES Y ESPACIOS ALTERNATIVOS
híbridos, proyectos independientes y nuevas formas de encuentro con el público. En este sentido, Estefanía Muñoz “Taffy”, bailarina independiente y psicóloga, sintetiza que el principal reto es la inestabilidad económica.
“La mayoría tenemos que tener otros trabajos para sostenernos”, ataja, en cuyo caso combina la danza con la docencia y la práctica clínica.
Los datos refuerzan este contexto: aunque 36.7 por ciento asiste a algún evento cultural, las artes escénicas y en particular la danza siguen siendo un sector minoritario en México.
Desde el trabajo colectivo, Paula Herrera, directora general y artística de Danzariega, introduce otra dimensión, la valoración social del arte.
“El modelo actual no considera el arte como una actividad fundamental, sino secundaria o de entretenimiento”, señala la también docente, quien explica que esto deriva en una normalización de la precariedad. “La creación de una obra implica meses de entrenamiento, ensayos y producción, pero los pagos por función no alcanzan para cubrir esos costos”, explica.
“Se requiere un cambio de perspectiva y reconocer el arte como un elemento esencial para el desarrollo humano”, insiste.
Desde la práctica institucional independiente, Reyna Pérez, fundadora de Ardentía, observa otra arista, la de la inestabilidad en los procesos formativos y laborales. “Los retos han aumentado, uno de ellos es la movilidad constante de los bailarines entre proyectos, lo que dificulta la continuidad artística; priorizan lo económico sobre lo artístico, trabajando en múltiples proyectos en lugar de profundizar en uno solo”, explica.
“En conjunto, estas voces dibujan un mismo mapa, la danza como profesión existe, pero su sostén es inestable. Los esquemas laborales son precarios y la formación de públicos sigue siendo desigual”, añade.
Sin embargo, hay algo que también atraviesa todas las historias: la permanencia, pues a pesar de todo, la danza ocurre, se adapta, encuentra espacios y crea comunidad.
CONTRACORRIENTE E A
TRABAJO. Escena de El cisne negro, de Rodrigo González, con La Infinita Compañía. Foto: Nitzarindani Vega.
INEGI Módulo sobre Eventos Culturales Seleccionados ( MODECULT 2025)
12 por ciento de la población en México asiste a funciones
Más del 60 por ciento de la población reporta no asistir nunca a espectáculos escénicos (teatro, danza u ópera).
La asistencia a eventos culturales es más alta en música en vivo y cine que en artes escénicas.
La principal barrera reportada para la asistencia cultural es la falta de tiempo y el costo de los eventos.
El consumo cultural es más alto en zonas urbanas que en zonas rurales.
UNAM Encuesta Nacional de Hábitos y Consumo Cultural ( ENHCC 2020)
Menos del 30 por ciento de jóvenes asiste a espacios culturales formales (teatro, danza, museos).
Más del 70 por ciento de los jóvenes consume cultura principalmente en entornos digitales.
La asistencia a actividades culturales presenciales disminuye en grupos con menor nivel educativo.
La principal vía de acceso cultural en jóvenes es el celular y redes sociales.
Las actividades escénicas tienen menor frecuencia de consumo frente a música y contenido audiovisual digital.
UNESCO Framework for Cultural Statistics (2009)
Señala que la participación cultural está fuertemente condicionada por ingresos, educación y ubicación geográfica.
Identifica a las artes escénicas como uno de los sectores con mayor desigualdad de acceso.
Subraya la importancia de medir no solo consumo, sino condiciones de acceso cultural.
Enfatiza la informalidad laboral como un problema recurrente en el sector cultural global.
OCDE The Culture Fix (2022)
Las industrias culturales y creativas representan en promedio alrededor del 2 por ciento del PIB en países OCDE.
En ciudades grandes pueden alcanzar hasta el 10 por ciento del empleo local.
La participación cultural depende fuertemente de ingreso, educación y acceso territorial.
Existe una alta concentración de empleos culturales en áreas urbanas.
“El cuerpo trabaja, pero también paga. Y en esa ecuación, aún no hay un sistema que lo proteja del todo”, resume Pérez.
Para Raúl Tamez, bailarín, coreógrafo y también director de La Infinita Compañía y el Teatro Varsovia, la danza en México no es un sector en crisis puntual, sino en tensión permanente, un campo donde la creación avanza, pero las estructuras no alcanzan a sostenerla.
“Definitivamente el problema suele ser el dinero, los apoyos e incluso la infraestructura. No hay compañías gubernamentales que ofrezcan condiciones dignas, y lo que se les da ni siquiera es un salario, sino una beca sin prestaciones que lleva años sin aumentar”, señala.
Y resalta que “en el país, la danza vive un momento de crecimiento en vocaciones y talento joven, tanto en la creación coreográfica como en la interpretación y, sin embargo, este avance contrasta con profundas carencias estructurales como la infraestructura y las condiciones laborales dignas”.
La mayoría de los proyectos, explica, son independientes, lo que obliga a los artistas a asumir múltiples roles más allá de lo creativo, como la gestión, la producción y la difusión.
“A ello se suma la ausencia de seguridad social y de reconocimiento institucional, lo que coloca a los bailarines en una situación de alta vulnerabilidad, especialmente ante lesiones o problemas de salud”, dice.
También señala “la falta de memoria artística, la escasa investigación y crítica especializada, así como la desarticulación de compañías”.
No obstante e incluso en este contexto adverso, también reconoce un avance técnico e interpretativo en los bailarines, así como esfuerzos por generar nuevos públicos mediante plataformas digitales y espacios alternativos. “Esto refleja una comunidad resiliente que, pese a todo, continúa fortaleciendo y diversificando la danza”, destaca Tamez.
“Más que una celebración ingenua, el Día Internacional de la Danza se vuelve una celebración consciente y un reconocimiento a quienes, pese a todo, siguen bailando, pero también un recordatorio de que la danza no solo resiste, insiste, se transforma y celebra el acto simple y poderoso de seguir en movimiento”, concluye.
Así, que viva la danza.
CONTRACORRIENTE
EL TIEMPO DE LAS LETRAS
HISTORIA DEL TIEMPO
Ivana von Retteg
@ivana_von_retteg
La medición del tiempo ha sido una de las mayores necesidades del ser humano, a lo largo de la historia ha creado mecanismos y construido artefactos para conseguirlo
Desde siempre el hombre ha intentado domesticar lo eterno, medirlo para entenderlo. Antes de la invención de los relojes, las sociedades organizaron su vida a partir de los ciclos naturales: el amanecer y el anochecer, las fases de la luna y la sucesión de las estaciones. La medición del tiempo, en sus orígenes, se hallaba en observar el cielo. Las primeras civilizaciones desarrollaron sistemas para interpretar estos ciclos. En el antiguo Egipto, hacia el tercer milenio antes de nuestra era, se utilizaban relojes de sol y se dividía el día en segmentos basados en la sombra proyectada por obeliscos. Los babilonios, por su parte, establecieron la división sexagesimal que aún utilizamos hoy: horas de 60 minutos y minutos de 60 segundos. En Mesoamérica, los mayas construyeron complejos calendarios como el Tzolk’in (260 días) y el Haab’ (365 días), integrando observaciones astronómicas verdaderamente precisas para su tiempo.
Estos sistemas no buscaban exactitud en el sentido moderno, sino sincronización con el entorno. El tiempo era fundamentalmente cíclico, pero a medida que las sociedades se volvieron más complejas, surgió la necesidad de medir el tiempo con mayor precisión. Entre los siglos XIII y XIV surgieron los primeros relojes mecánicos impulsados por pesas, instalados en torres de iglesias y edificios públicos.
EL HOMBRE HA INTENTADO DOMESTICAR LO ETERNO Y MEDIRLO PARA ENTENDERLO
A medida que la humanidad ha perfeccionado sus instrumentos para medir el tiempo, también ha intensificado su dependencia de ellos. El cuerpo, no obstante, conserva una memoria distinta. Los ritmos circadianos siguen respondiendo a la luz solar; el cansancio no siempre coincide con los horarios establecidos; la percepción del tiempo continúa siendo subjetiva. Existe, en ese sentido, una tensión persistente entre el tiempo medido y el diseño de la naturaleza.
@IVANA_VON_RETTEG
FOTO: Cortesía Emilio Sabin. Barro Rojo Arte Escénico
de danza.
UN VIAJE SONORO POR EL ARPA
¡Cuánta cuerda! Viaje por la historia del arpa es un concierto de música de cámara dirigido al público infantil que propone un recorrido por distintas épocas, estilos y geografías a través de este instrumento. Es interpretado por Sondos, dúo de arpas; y Leticia Cavazos acompaña el concierto con una narración.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Sala Carlos Chávez del CCU; 2 de mayo, 18:00 horas. Programa sujeto a cambios
CIENCIA CONVERTIDA EN EXPERIENCIA
● Universum articula su programación infantil como un sistema de actividades simultáneas. Aventura científica destaca porque organiza un recorrido con experimentos que vuelven tangible lo abstracto. La duración extendida permite construir una secuencia de aprendizaje, no sólo una demostración aislada. Funciona como puente entre juego y conocimiento científico en el contexto del Día del Niño.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Jueves 30 de abril de 2026, 13:00 horas. Universum Museo de las Ciencias.
NARRACIÓN ORAL EN ESPACIO COTIDIANO
● La Secretaría de Cultura federal lleva “Cuentos para hacer amigos” fuera del circuito tradicional y lo instala en un mercado. La historia, centrada en la convivencia y la empatía, se vuelve una herramienta para trabajar vínculos entre niñas y niños. La elección del espacio no es menor: inserta la actividad cultural en un entorno cotidiano y amplía el alcance más allá del público habitual de recintos culturales.
FORMACIÓN ARTÍSTICA PARA PRIMERA INFANCIA
Arte en los primeros años es un curso virtual dirigido a gestoras, gestores, promotoras y promotores de cultura infantil, así como a artistas que desarrollan propuestas para la primera infancia. El programa busca fortalecer y reflexionar sobre la práctica cultural y artística orientada a bebés, niñas y niños.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Modalidad virtual; del 7 de mayo al 25 de junio de 2026 Informes en bcs.alasyraices@gmail.com.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Viernes 1 de mayo de 2026, 11:00 horas. Mercado de Jamaica.
GRETEL TOMA LA VOZ DEL CUENTO
En esta adaptación contemporánea de Hansel y Gretel, el relato clásico se reconfigura desde una mirada que desplaza el eje tradicional: en medio de la hambruna y la desesperación, dos hermanos son abandonados, pero es Gretel quien asume el papel central como una mente crítica y valiente.
¿DÓNDE Y CUÁNDO? Teatro Tepeyac. Sábados 2, 16, 23 y 30 de mayo 14:00 horas. Entrada general $300
¡Vamos a jugar!
TITIRETEANDO
● El títere como juguete y juego en el desarrollo de habilidades para las infancias. Actividad enfocada en la construcción, manipulación y uso del títere de guante como herramienta lúdica y formativa, orientada a estimular la creatividad, la expresión y el desarrollo de habilidades en niñas y niños. Imparten: Emilia Reneé y Sergio Aguilera Varela
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
El Rule. 29 de abril y 6 y 13 de mayo. Entrada libre, con registro en fomentoculturalsc@gmail.com
31 MINUTOS CELEBRA
A LOS NIÑOS
● LA FAMOSA BANDA DE 31 MINUTOS
ENCABEZA UN CONCIERTO GRATUITO QUE CONECTA CON GENERACIONES DE NIÑAS Y NIÑOS, PERO TAMBIÉN CON PÚBLICO ADULTO QUE CRECIÓ CON EL RECONOCIDO
PROGRAMA TELEVISIVO CHILENO. LA PRESENTACIÓN FUNCIONA COMO ANCLA MASIVA DENTRO DE LA PROGRAMACIÓN DEL DÍA DEL NIÑO EN LA CAPITAL.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Jueves 30 de abril de 2026, 19:00 horas. Zócalo de la Ciudad de México.
PARA LOS MÁS PEQUES VOLAR CON IDENTIDAD PROPIA UNA CACERÍA POÉTICA EN ESCENA
Dirigida a niñas y niños de 0 a 8 años, El mar enamorado propone un acercamiento al teatro desde la exploración sensorial y el juego. Aborda la historia del Mar y la Luna, quienes se buscan, acompañados por un pelícano. Hay texturas, sonidos y movimiento para fortalecer el vínculo con los cuidadores.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Foro La Gruta, Centro Cultural Helénico; del 2 al 31 de mayo, sábados y domingos a las 13:00 horas.
Los cuervos no se peinan es una puesta en escena que aborda la construcción de la familia y la identidad desde la diferencia. La historia sigue a una mujer que desea ser madre y a un cuervo que nace de un huevo caído del cielo, dos ausencias que se encuentran para construir un vínculo.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Teatro El Granero, Xavier Rojas; hasta el 10 de mayo, sábados y domingos a las 12:30 horas.
jugar!
LA CIUDAD CELEBRA A NIÑAS Y NIÑOS CON CONCIERTOS, TALLERES, TEATRO Y ACTIVIDADES PÚBLICAS QUE CONVIERTEN MUSEOS, PLAZAS Y FOROS EN ESPACIOS DE JUEGO
Por Redacción cupula@elheraldodemexico.com
MARIPOSAS Y SU MUNDO VIVO
● La interesante vida de las mariposas es una charla dirigida a niñas y niños de primaria en adelante, en la que se aborda el ciclo de vida y el papel ecológico de estos insectos. A lo largo de 50 minutos, las y los participantes conocerán su importancia en los ecosistemas a partir de una explicación accesible y centrada en la observación y el asombro. El acceso es con boleto del museo, cupo máximo 20 personas
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Jardín Universum; 30 de abril de 2026, a las 10:00 horas.
En busca del Snark es una adaptación escénica del poema de Lewis Carroll, con dramaturgia de Eleonora Luna, que propone una expedición fantástica hacia una criatura imposible. A través del humor y el lenguaje poético, la obra construye un universo donde la búsqueda se convierte en experiencia.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Teatro Helénico; hasta el 10 de mayo Función especial con entrada libre: 30 de abril a las 16:00 horas.
● Matilda, el musical presenta la historia de una niña con una inteligencia y sensibilidad fuera de lo común que, frente a un entorno adverso, encuentra en los libros, la imaginación y la rebeldía una forma de transformar su realidad. Basado en la obra de Roald Dahl, con libreto de Dennis Kelly y música y letras de Tim Minchin, el montaje en México propone una producción escénica de gran formato
ANÓNIMO ERA UNA MUJER
#OPINIÓN
EDMONIA LEWIS: ESCULPIR PRESENCIA
Melissa Moreno Cabrera @melissototota
Se consolidó como una de las primeras artistas negras e indígenas de Estados Unidos con proyección internacional, pero con el tiempo su nombre perdió visibilidad en el relato dominante
E¿DÓNDE Y CUÁNDO?
En el Centro Cultural Teatro I, Ciudad de México; 10 de mayo de 2026, 17:00 horas. (ticketmaster.com.mx)
GUITARRAS JÓVENES EN CONCIERTO
● Concierto de guitarra, pequeños grandes concertistas reúne a niñas, niños y jóvenes de distintas regiones de México en un programa de música de cámara que celebra el Día de la niñez. Las y los intérpretes abordan un repertorio que cruza tradición y actualidad, con obras de Fernando Sor, Mauro Giuliani, Francisco Tárrega, Manuel M. Ponce, Johann Sebastian Bach, Roland Dyens y Gerardo Tamez
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Sala Carlos Chávez del CCU; 3 de mayo de 2026, 18:00 horas. Programa sujeto a cambios.
SU NOMBRE CIRCULÓ, SU OBRA SE VENDIÓ Y SU PRESENCIA SE INTEGRÓ A LOS CIRCUITOS
dmonia Lewis trabajó el mármol con una claridad que atravesó su tiempo y situó su obra en un lugar propio dentro de la historia del arte. Su producción, desarrollada entre Estados Unidos y Roma en el siglo XIX, tomó el lenguaje neoclásico (con cuerpos idealizados y referencias antiguas) y lo convirtió en un espacio donde aparecieron la emancipación, la espiritualidad y la identidad como materia central. Nació en 1844 en Nueva York, de ascendencia afroamericana y ojibwe, quedó huérfana desde joven y creció entre distintos contextos que configuraron su mirada y su lugar en el mundo. Tras formarse en Oberlin College, de donde salió tras un episodio de acusaciones y violencia racial, se trasladó a Boston, donde comenzó a trabajar como escultora y a vender medallones de figuras abolicionistas. Con esos ingresos y el apoyo de círculos antiesclavistas, financió su viaje a Roma, donde se instaló de manera definitiva para desarrollar su carrera. Ahí encontró acceso a talleres, materiales y una comunidad internacional de artistas que le permitió trabajar el mármol y consolidar su lenguaje. Lewis se consolidó como una de las primeras artistas negras e indígenas de EU con proyección internacional. Su nombre circuló, su obra se vendió y su presencia se integró a los circuitos culturales de su tiempo. Los turistas y colecciones acudieron a su estudio, atraídos por su destreza y por la singularidad de su historia. Con el paso del tiempo, tras su muerte en 1907 en Londres, su nombre perdió visibilidad dentro del relato dominante.
Sin embargo, la conversación actual en torno a su trabajo confirmó su lugar dentro de la historia del arte. La exposición Edmonia Lewis: Said in Stone, en el Peabody Essex Museum, reune cerca de 30 esculturas junto con materiales de archivo que permiten entender su proceso, sus redes y su contexto.
MATILDA TOMA EL ESCENARIO
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Cine Lido, permanencia cultural
INAUGURADO COMO SALA CINEMATOGRÁFICA EN 1942, EL INMUEBLE DE LA CONDESA FUE TRANSFORMADO EN CENTRO CULTURAL Y HOY OPERA COMO ESPACIO PÚBLICO DEDICADO A ACTIVIDADES ARTÍSTICAS
ERedacción cupula@elheraldo demexico.com
n la avenida Tamaulipas, en el corazón de la colonia Condesa, el Cine Lido forma parte de una genealogía urbana donde los cines de barrio marcaron la vida cotidiana de la ciudad durante buena parte del siglo XX. Su apertura se remonta a 1942, en un contexto de expansión de salas cinematográficas que acompañaba tanto el crecimiento de la capital como el auge de la exhibición fílmica.
El inmueble fue concebido como una sala de mediana escala, distinta de los grandes palacios cinematográficos, pero integrada a una red de espacios que acercaban el cine a zonas residenciales. Su arquitectura funcional respondía a esa lógica: un edificio discreto, sin la monumentalidad del art decó de recintos como el Cine Ópera, pero adaptado a las dinámicas de barrio y a un público constante. Durante las décadas siguientes, el Cine Lido operó como sala de proyección regular, inserto en la vida social de la Condesa, entonces una de las zonas habitacionales más activas de la ciudad. Como otros cines de su tipo, su programación se articulaba en torno a estrenos comerciales y ciclos continuos, con funciones que estructuraban la rutina de los habitantes del entorno.
El declive comenzó en la segunda mitad del siglo XX, cuando la transformación de los hábitos de consumo audiovisual —marcada por
1
DATOS CLAVE
El Centro Cultural Bella Época fue inaugurado el 26 de abril de 2006. Se ubica en Tamaulipas número 202 esq. Benjamin Hill en la colonia Condesa.
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Fue rediseñado por Teodoro González de León, quien consiguió conservar parte del diseño Art Déco original. El techo de cristal es obra de Jan Hendrix.
la televisión y, más tarde, por los complejos multiplex— redujo la viabilidad de estas salas. El Cine Lido cerró sus puertas y permaneció en desuso durante varios años, enfrentando el deterioro físico característico de muchos recintos similares.
A diferencia de otros casos, su historia tomó un giro institucional. A inicios del siglo XXI, el Gobierno de la Ciudad de México impulsó su rehabilitación como espacio cultural. El proyecto derivó en la creación del Centro Cultural Bella Época, cuya librería lleva el nombre de Rosario Castellanos, operado por el Fondo de Cultura Económica , que incorporó al antiguo cine como una de sus salas principales.
La transformación implicó no sólo una intervención arquitectónica, sino un cambio de vocación: de sala de exhibición comercial a espacio dedicado a presentaciones editoriales, conciertos, cineclubes y actividades escénicas. En este proceso, el edificio dejó de responder a la lógica industrial del cine para integrarse a una política cultural orientada al acceso público y a la formación de públicos. Hoy, el Cine Lido funciona como un nodo cultural dentro de la red de recintos de la ciudad. Su escala, ubicación y programación lo convierten en un punto de encuentro que mantiene una continuidad simbólica con su pasado, pero bajo un modelo distinto de gestión y uso.
Su evolución contrasta con la de otros cines históricos que permanecen abandonados o en disputa. En ese sentido, el Lido representa uno de los pocos ejemplos donde la reconversión logró articular memoria arquitectónica y función contemporánea, insertando un antiguo espacio de exhibición en el circuito cultural activo de la CDMX.
LRedacción cupula @elheraldodemexico .com
• Historias del Pincel
La mujer que no existió
PINTADA HACIA 1665 , LA JOVEN DE LA
PERLA HA SIDO LEÍDA COMO UN ESTUDIO DE EXPRESIÓN MÁS QUE COMO RETRATO
a joven de la perla, atribuida a Johannes Vermeer, fue realizada alrededor de 1665, en el contexto de la pintura holandesa del Siglo de Oro. A diferencia de los retratos formales de la época, la obra se clasifica como “tronie”, un tipo de estudio que no representa a una persona identificable, sino una expresión, un carácter o un tipo idealizado.
El cuadro muestra a una joven en tres cuartos, con la cabeza girada hacia el espectador y los labios entreabiertos, como si estuviera a punto de hablar. La composición es austera, un fondo oscuro sin referencias espaciales que concentra la atención en el rostro y en la luz que lo modela. El turbante azul con tonos amarillos y la perla que da título a la obra funcionan como acentos visuales que equilibran la escena.
La iluminación es uno de los elementos centrales. Vermeer construye el volumen del rostro mediante una luz lateral suave que define la piel y genera contrastes sutiles. La perla, más que un objeto detallado, es una sugerencia pictórica, un punto de brillo que sintetiza la capacidad del artista para representar la materia con mínimos recursos.
A lo largo del tiempo, la identidad de la joven ha permanecido desconocida, lo que ha reforzado la condición abierta de la imagen. No se trata de un retrato documental, sino de una construcción visual donde la mirada y el gesto generan una relación directa con quien observa. Esa ambigüedad ha sido clave en la recepción moderna de la obra.
Actualmente, la pintura se conserva en la Galería
MIRADA HISTÓRICA
Tras la mayor y más reciente restauración del cuadro, en 1994, la sutil combinación del color y la íntima mirada fija de la chica hacia el espectador se han realzado mucho.
Real de Pinturas Mauritshuis, en Países Bajos, donde forma parte de la colección de arte neerlandés del siglo XVII. Su escala relativamente pequeña contrasta con el impacto que ha tenido en la historia del arte y en la cultura visual contemporánea.
La joven de la perla se ha consolidado como una de las imágenes más reconocibles de la pintura europea, por la acumulación de elementos narrativos y por la precisión con la que Vermeer articula luz, color y expresión. En esa economía de recursos radica su persistencia, es una figura sin historia definida que, sin embargo, continúa generando interpretaciones. En cuanto a los materiales, Vermeer utilizó pigmentos de alta calidad, entre ellos el azul ultramar, derivado del lapislázuli, uno de los más costosos en su época. Este dato ha sido interpretado como indicio de una práctica pictórica que privilegiaba la intensidad cromática y la durabilidad de la obra, más allá de su escala o de su función específica dentro del mercado artístico del siglo XVII.
La recepción moderna de la pintura se consolidó a partir del siglo XIX, cuando la obra fue redescubierta en el contexto de la revaloración de la pintura neerlandesa. Desde entonces, su circulación en exposiciones y reproducciones ha contribuido a fijarla como una imagen emblemática, incluso fuera de los circuitos especializados. Su presencia en el Mauritshuis ha sido clave para su estudio y conservación. La obra será prestado temporalmente al Museo de Arte Nakanoshima de Osaka entre agosto y septiembre, debido al cierre por reformas del Mauritshuis, una decisión poco frecuente dada la fragilidad y relevancia de la pintura. A la par, investigaciones recientes han reactivado el debate sobre la identidad de la modelo, con hipótesis que buscan vincularla con el entorno cercano de Vermeer, aunque sin consenso.
HOGAR. La obra se conserva en el Mauritshuis. Foto: AFP.
