Cultura elCaribe, SÁBADO 28 DE MAYO DE 2022
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Iglesia San Carlos El Quixote, Borromeo ilustrado por y su historia Gustave Doré
Nicolle De Blanco, artista plástica
Virginia Flores-Sasso escribe sobre la historia de la Iglesia En esta edición José Mercader nos habla de las ilustraciones En esta entrevista, la también escultora nos habla parroquial de San Carlos Borromeo, ligada a la erección de la de Gustave Doré en la obra de Cervantes, que contribuyeron de formación y trayectoria profesional, así como del villa de San Carlos de Tenerife el 18 de febrero de 1685. P.6 o fueron un atractivo para animar a su lectura. P.7 lenguaje y las técnicas que utiliza en sus trabajos. P.10
WENDY ALMONTE walmonte@elcaribe.com.do
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En sus siete años de fundado, el museo ha recibido miles de visitantes. CHARLI MARTÍN
Museo 26 de Julio: historia y cultura A través de la museografía, el espacio recuerda a los héroes que acabaron con la dictadura de Lilís
na réplica de la casa victoriana que fuera el comercio de la familia De Lara acoge el Museo 26 de Julio, lugar histórico-cultural que recuerda a los héroes que ejecutaron el magnicidio del tirano Ulises Heureaux, al frente de ese negocio, donde fue a buscar un préstamo para sacar de circulación el dinero inorgánico que había introducido en el país, para paliar la crisis en que lo había sumergido. El museo, nombrado así en honor a aquel hecho del 26 de julio de 1899, tiene cuatro salas, que mantienen vivos los recuerdos de este hecho, así como la valentía del joven Jacobito De Lara, pieza clave en la trama del ajusticiamiento del tirano, y el estilo de vida de esa época. El gestor cultural Porfirio Antonio Méndez Paulino, director del museo que es regido por la Dirección Nacional de Museos y el Ministerio de Cultura, informó que este se fundó en el 2015, durante la gestión del entonces ministro de Cultura José Antonio Rodríguez, y del senador José Rafael Vargas, en el inmueble donado por la familia De Lara para que las presentes y futuras generaciones conozcan la historia de ese gran acontecimiento. Debido al deterioro de la casa, esta fue replicada en las mismas formas y espacios que la original, donde en aquel entonces operaba el almacén donde Jacobo de Lara tenía un comercio para importar y exportar rubros. “Este es un lugar histórico cultural, que se ha convertido en un museo turístico también, porque vienen muchas personas de diferentes partes del país, así como de fuera, que vienen a hacer la ruta turística de Moca, que incluye este museo, junto al museo Ramón Cáceres, el monumento al ferrocarril, el parque dedicado a los Héroes del 2 de Mayo, la calle 3D, plaza Duarte, la iglesia del Rosario, la iglesia del corazón de Jesús, entre otras, para terminar en los mofongos, que es uno de los atractivos más visitados por los turistas”, informó Méndez Paulino. l CONTINÚA EN LA PÁGINA 3
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historia de la medicina
salón de la fauna
Dr. Luis Caminero Sánchez
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l doctor Luis Rafael Caminero Sánchez nació en Santo Domingo el 29 de enero de 1890. Graduado de bachiller en Ciencias y Letras en la Escuela de Bachilleres de Santo Domingo, se inscribió en el Instituto Profesional de Santo Domingo en 1909. Recibió su título de Licenciado en Medicina y Cirugía el 20 de octubre de 1914. Presentó como trabajo de grado “tratamiento de las bronquitis crónicas con vacunas autógenas”. En 1915 recibió su exequatur para ejercer como médico del Poder Ejecutivo. En ese año ingresó a las filas del Ejército Nacional en donde ostentó el rango de mayor. En 1917 fungió como médico legista en la ciudad de San Pedro de Macorís y en esa misma ciudad fue director de la Casa de Socorro de 1917 a 1918. Como era costumbre de la época, se trasladó a París, Francia para estudiar su doctorado. Finalizó sus estudios y recibió por tanto el diploma de Doctor en Medicina en enero de 1926, tras presentar la tesis: “Contribución al estudio anatómico, clínico y terapéutico de las rupturas traumáticas del hígado sano en el hombre adulto”. Este trabajo aparece registrado como “notable” en los archivos universitarios franceses. En la ciudad luz realizó estudios especializados en el anfiteatro de anatomía de los Hospitales de París bajo la dirección del profesor Pierre Sibileau. En esa misma ciudad en 1922 realizó estudios de cirugía del tubo digestivo, de cirugía operatoria general, de cirugía de las vías urinarias y cirugía ginecológica. Durante cuatro años el doctor Caminero realizó estudios de varios niveles de anatomía con el profesor A. Nicolás. En el hospital Broca y bajo la supervisión del profesor Jean Louis Faure realizó estudios de Ginecología, con un certificado emitido por la Asistencia Pública francesa. Con el profesor
Roussi realizó en 1923 cursos de anatomía patológica. También realizó estudios de pediatría con el famoso profesor Marfan, en el Hospicio Enfants Assistes. El profesor Marfan describió el síndrome de Marfan, entidad nosológica importante. En la Maternidad Tarnier, con el profesor Brindeau realizó un curso especial de obstetricia. En la maternidad Baudelacque estudió Clínica Obstétrica junto al profesor Couvelaire ya en 1924. En el hospital Enfants Malades realizó cursos de pediatría bajo la dirección de los Profesores Ombredanne y Nobrecourt. De igual forma realizó cursos de semiología, de estudios del cáncer y de manejo de fracturas. Esta variedad de cursos se debían a que para optar por el doctorado debían realizarse una serie de estudios para completar la cantidad de horas lectivas necesarias para preparar la tesis. No todos podían realizar alguna de las escasas especialidades de la época, y al tomar estos cursos completaban sus conocimientos. A su regreso al país se estableció de nuevo en San Pedro de Macorís en donde fue director del Hospital San Antonio en el año 1928. Regresó a su ciudad natal en 1929 y en 1930 Médico Director del Hospital de Emergencia de la Cruz Roja. A finales de 1930 fue llamado a ejercer la dirección del Hospital de niños de Santo Domingo, que sería llamado luego Hospital Ramfis. En 1932 dejó ese hospital para ser médico asistente del Hospital Padre Billini. En la revista Cosmopolita de 1943 se relata su brillante papel en la dirección del hospital de niños y el reconocimiento que le otorgó la Secretaría de Sanidad. De 1934 a 1948 fue presidente de la sección médica del Ateneo Dominicano. En 1944 se desempeñaba como médico de la Policlínica de la Cruz Roja Dominicana. Tenía su consulta privada en la calle Mercedes 139, altos. l DR. HERBERT STERN
Payton Gendron (DÉCIMA CIBAEÑA) ¡Qué masacre mi compay! Hizo ete señorito “Superioi” y muy blanquito Fue a Búffalo a matai Para en ei maiket dejai Gente indefensa y sana Ai loco le dio la gana En loj nazi inpirado Atacó ete maicriado Para aituai como suj pana.
Loj nazi cogen vigencia Poique a Adoifo elloj aimiran Celebran la guerra con lira Y relumbra su demencia Se nota la complacencia De paite e la policía De sei negro mataría Como ya ha ocurrido De racimo etán podrido Me lo dijo a mi María. l JOSÉ MERCADER
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Salas con contenido histórico y educativo <VIENE DE LA PORTADA
Méndez Paulino, director del museo recordó que, de acuerdo a la historia, el tirano Lilís fue a Moca a pedirle un préstamo a su compadre Jacobo de Lara, que era funcionario de su gobierno, quien estaba muy ajeno a la trama. “Su hijo Jacobito de Lara, siendo ahijado de Lilís, fue el que le dio los dos primeros disparos, vino Ramón Cáceres, que vivía en la casa del frente, y le propina 4 disparos más”, relata. Contenido de las salas
El museo está integrado por cuatro pequeñas salas, la primera de estas dedicada a la familia De Lara, donde hay una exhibición de cómo era su habitación con fotografías familiares y objetos propios de la época, de acuerdo a lo informado por Esteban Comprés, guía del museo. “En la sala de la familia hay tragaluces que tiene más de 100 años, el letrero del negocio de importación y exportación de don Jacobo de Lara, y una copia de una papeleta de $5 del año 1868 del gobierno de José María Cabral, supuestamente uno de los primeros sueldos que cobró Jacobo de Lara”, informó Comprés, al tiempo de informar que las mecedoras son originales de la familia, así como los coloridos trozos de madera que fueron conservados en la reconstrucción de la casa. La segunda sala cuenta la historia de Jacobito de Lara, uno de los héroes que luego se convirtió en homicida y suicida. Estando en Francia fue participe de la trama, comprometiéndose con Juan Isidro Jiménez a venir al país a enfrentar Lilis y quitarle la vida; y de regreso a su pueblo junto a un grupo de jóvenes políticos de familias distinguidas y tradicionales de Moca planifican el ajusticiamiento con el que le ponen fin a la dictadura. “Primero fue héroe porque mató al dictador, luego mató a la novia y luego se suicidó”, recordó. La tercera sala está dedicada al presidente Ulises Heureaux. Ahí se cuentan todos los detalles de su nacimiento, quién era, así como algunos pormenores de los presidentes de la época, todo el episodio como sucedió cuando recogieron el cadáver para llevarlo a Santiago. También hay una réplica del
Parte de la muestra. C. MARTÍN
Las visitas fluctúan de acuerdo al día. C. MARTÍN
Planes
PATRIMONIO HISTÓRICO
Tenemos previsto construir una quinta sala en honor a los héroes, oriundos de Moca también, así como un pequeño anfiteatro en el patio.
Porfirio Méndez Paulino . CHARLI MARTIN
Arquitectura de la casa que alberga el museo Ubicada en la calle 26 de julio, esquina calle Colón, declarada Patrimonio Histórico por la sala capitular de la Alcaldía de Moca, el museo es un inmueble de estilo victoriano con cimientos en ladrillo la estructura total, mientras que los recubrimientos de muros, superficie de piso, cielo raso, puertas y ventanas en madera y zinc. Con el paso de los años, la madera fue deteriorándose, pudiendo salvar una mínima parte que ha sido utilizada en la sala de la familia De Lara, donde se han adecuado los colores empleados y la madera para recrear aquella época. Los tragaluces en caoba, a la entrada de esta sala, originalmente se encontraban en las puertas del exterior, cuando se replica la casa, se colocaron en el interior de las puertas, como parte de la exhibición.
El museo está abierto a actividades. C MARTÍN
machete del tirano, y los estribos con que él montaba caballo. La cuarta sala está dedicada a los héroes Mon Cáceres, Horacio Vásquez, los padres de Jacobito de Lara. También hay crónicas muy importantes y billetes de la época, de los cinco millones de dinero inorgánico que emitió Lilís en esa época. “En la cuarta sala se narran acontecimientos importantes también dónde han estado envueltos los mocanos, y cómo algunas familias como los Cánceres, De la Masa, de Lara, los Brache y muchas otras más han estado envueltas en acontecimientos históricos muy importantes de la República Dominicana”, sostiene Comprés. Programación
El director del museo informó que siempre tienen actividades, allí se reúne el Patronato de la calle 3D, con quienes hacen actividades en conjunto, recordando que, como estaban en pandemia no había tantas actividades abiertas, pero ya han empezado a programar actividades. Méndez Paulino, quien es músico profesional y director de bandas de orquestas clásicas y populares, dijo que dentro de la programación van a tener conciertos con pequeños grupos de cámara. “Estamos ensayando un quinteto de metales que vamos a tocar pronto, también hay músicos interesados en venir a tocar cuando haya una exposición de un libro”, informó. Asimismo informó que poseen una pequeña sala de audiovisual en la cual presentaban documentales, práctica que van a reanudar, ya que hay más apertura tras la pandemia. “El museo está abierto a actividades como puesta en circulación de libros, todos sus escritores se pueden acerca aquí, porque para eso es el museo, también para actividades y exposiciones de libros, de pinturas conjuntamente con la plaza”, informó. l
4 Cultura El monstruo en su madriguera (2 de 2)
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PEDRO CONDE STURLA pinchepedro65@yahoo.es
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l nombre de Felix W. Bernardino, alias Buchilai, es algo que la gente del Este de cierta edad todavía recuerda con espanto. Mencionar a Buchilai —un apodo de carnicero— era como mencionar al diablo y verlo venir al mismo tiempo. La presencia de Buchilai en El Seibo y su alrededor era tal vez más agobiante que la de Petán en Bonao. Es posible que —en comparación con Buchilai— para muchas personas Petán Trujillo podía parecer un angelito. Ni siquiera los Cocuyos de la Cordillera, la organización paramilitar que ideó Petán para combatir a los guerrilleros del 14 y 20 de junio tuvieron tan mala fama como los Jinetes del Este de Bernardino. Petán era por lo menos un abusador, y de seguro era capaz de matar o de mandar a matar y había matado, pero no era un asesino compulsivo como Buchilai, un torturador, un sádico, cuyo nombre todavía produce escalofríos. Y además tuvo, desdichadamente, mucho mejor suerte que Petán. Muy buena suerte. Bernardino maltrataba a los trabajadores de su hacienda, a los cuales profesaba al parecer un instintivo odio visceral, y maltrataba a sus vecinos y a todo aquel que se le pusiera en el camino. Al estilo de Trujillo y de los hermanos de Trujillo y de los generales de Trujillo, se apropiaba de la tierra, el ganado y todo lo que podía interesarle por los medios más expeditivos y brutales. Con tal de conseguir lo que quería (y a veces quizás simplemente por gusto) recurría al asesinato, a la coerción, a la más desalmada tortura. Bernardino robaba, incendiaba, asolaba, mataba rutinariamente con armas blancas o de fuego, envenenaba, ahorcaba, colgaba a sus víctimas de pies o de cabeza, los hacia despellejar a fuetazos, les metía mangueras por la boca o por el ano, las marcaba con los hierros de marcar ganado, como si fueran de su propiedad, arrasaba con sus propiedades y cosechas, les sacaría las uñas y los ojos si acaso se le antojaba... No había límites para la maldad de ese demonio. Sólo el ajusticiamiento de la bestia en 1961 y el llamado proceso de destrujillizacion, que llevó a cabo el Consejo de Estado entre 1962 y 1963, pondría un alto temporal a sus desmanes. Durante este gobierno de transición sucedió algo que muchos habían soñado y todos creían imposible: los asesinos de las hermanas Mirabal y otros cancerberos fueron sometidos a la justicia y condenados a penas de treinta y veinte años de prisión y en-
Felix W. Bernardino, pistola al cinto.
FUENTE EXTERNA
cerrados en la Fortaleza Ozama (hasta que fueron puestos en libertad por el Coronel Manuel de Jesús Montes Arache durante la revuelta constitucionalista de 1965). Bernardino también sería sometido por una serie de horrorosos crímenes, pero no sería condenado ni sufriría muchas penas. Al monstruoso Bernardino se le acusaba, entre muchas otras cosas, de haber asesinado a los hermanos Héctor y Pedro Díaz, a Demetrio Castro, a José Báez a Héctor Barón García, a Elías Kelly, a Clemente de la Cruz, a Gervasio Franco, y muchos más. Se le acusaba asimismo del envenenamiento de por lo menos una vecina que respondía al nombre de Ana María Padua, se le acusaba de haber infligido heridas y otros daños corporales a numerosas personas, se le acusaba de haber torturado a más gente de las que posiblemente podía recordar. Entre sus víctimas innumerables se mencionaba a Agustín Lagué, a Marcelino Cordones, a
Isidro Morla, a Chichí José, a Domingo Guerrero, a Aquilino Valdez, a Celestino Sarmiento Messina, a José Safí, a Silvestre Sarmiento Messina y quien sabe cuántos otros… Pero igualmente se le acusaba de haber dado muerte en publico (en el momento en que sus compañeros celebraban y lo cargaban en hombros) al joven lanzador de un equipo local de pelota que había derrotado al equipo por el cual apostaba. Las acusaciones parecían no tener fin. Se le imputaba a Bernardino el incendio de varias casas, el persistente robo de tierras y ganado, los asesinatos sistemáticos. Era un pirómano, un abigeo, un sicópata, un ser humano retorcido y brutal. Todos en la región celebraron y suspiraron con alivio cuando por fin fue apresado en el mes de febrero del año 1962 y retenido durante varias semanas en una cárcel del El Seibo. De ahí sería trasladado y encarcelado en condiciones inme-
jorables en la penitenciaria de La Victoria, a poca distancia de la ciudad de Santo Domingo, que ya había recobrado su histórico nombre. Bernardino no parecía sentirse a disgusto en aquella situación, al poco tiempo empezó a comportarse como si fuera el dueño de la cárcel, hacía galas de un tétrico buen humor, disfrutaba de una cierta libertad de movimientos y de la selecta compañía de los asesinos de las hermanas Mirabal y otros personajes demoniacos. El proceso judicial y las vacaciones. carcelarias de Bernardino durarían unos cinco años, un período en el cual fue visitante habitual del llamado Palacio de justicia, interrogado cientos de veces, visitado por agentes del FBI en relación al caso Galíndez. Finalmente (el 24 de enero de 1966), fue descargado. Los inefables jueces de la Corte de Apelación de San Cristóbal lo descargaron de sus crímenes. Bernardino había actuado en todos los casos en permanente estado de locura. La víctima era él. La farsa judicial culminó en 1966 con la ratificación de la sentencia, la liberación de todos los cargos contra Félix W. Bernardino por insuficiencia de pruebas. La excarcelación de Bernardino. La inmensa indignación y frustración, la manifestación de impotencia del pueblo dominicano. Los cuantiosos bienes de Bernardino, sin embargo, habían sido confiscados y luego repartidos en 1963 por el Instituto Agrario Dominicano entre los campesinos de la región, pero no por mucho tiempo. Su amigo Joaquín Balaguer llegó al poder en el mismo año de su absolución y liberación y le devolvió todas sus riquezas. Bernardino también había llegado o había vuelto junto con Balaguer al poder, volvería a sus predios de El Seibo y volvería a las andadas bajo un manto habitual de impunidad. Muy pronto se vería envuelto en un escándalo internacional por la tortura y asesinato de un grupo de haitianos. Lo peor es que moriría en su cama, o por lo menos en una cama de los Estados Unidos, el 18 de marzo de 1982. l (Historia criminal del trujillato [89]) Bibliografía: Robert D. Crassweller, “The life and times of a caribbean dictator. Sebastián del Pilar Sánchez “El temible Félix W” (https://almomento.net/el-temiblefelix-w/) El libro de Don Cucho Álvarez (https://hoy.com.do/el-libro-de-doncucho-alvarez/) Chichi de Js. Reyes “Los jinetes del Este” (El Nacional, Imágenes de nuestra historia). https://nuevotallerdeletras.blogspot.com/ Amazon.com: Pedro Conde Sturla: Books, Biography, Blog, Audiobooks, Kindle http://www.amazon.com/-/e/B01E60S6Z0.
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Apuntes de infraestructura
El urgente melómano de Danzig PEDRO DELGADO MALAGÓN
pedrodelgado8@gmail.com
Para la música sólo existen las pasiones, los movimientos de la voluntad. Al igual que Dios, sólo ve los corazones. Arthur SCHOPENHAUER Si tuviera que elegir a un solo filósofo, lo designaría a él, a Schopenhauer. Si el enigma del Universo puede expresarse en palabras, pienso que estas palabras se encontrarían en sus obras. Jorge Luis BORGES
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chopenhauer entendió la tragedia como forma suprema del arte poético. Su objeto era representar el flanco horrible de la vida: la agonía de la humanidad, el dolor anónimo, el triunfo de la maldad, el vejatorio poderío del azar, el fracaso del justo y del inocente. Una vez que la poesía alcanzaba su glorificación en la tragedia (plenitud de abismos en andanzas del macho cabrío…) quedaba lugar para el canto sin palabras: ese aire intocado de discurso que era la música. El juicio de Schopenhauer es singular: la música será privilegiada en la contemplación de las Ideas que el arte afronta. Las Ideas en la música pasan a ser juzgadas como “sombras”, alusión platónica sesgada: conocimiento puro, sin arquetipos, fuera de toda representación. En cierto modo en el mundo, y en cierto modo fuera del mundo, está la música, afirmaba Schopenhauer: “La música, al pasar por encima de las ideas, es también enteramente independiente del mundo fenoménico al que ignora sin más y, en cierta medida, también podría subsistir, aun cuando el mundo no existiera en absoluto”. Por encima de las ideas, la música será el registro de la voluntad: vida imperecedera, incluso sin organismos, sin tiempo ni espacio ni causas ni efectos. El grado más alto de la visión, de la contemplación, es el arte. La medida más elevada del arte es la música, que ocuparía el lugar de un arte metafísico. La música tendría que decir algo, aun cuando no hubiera mundo del cual hablar, aun cuando no hubiera mundo a través del cual mirar. Mirar con el oído: Schopenhauer propone aquí una sinestesia de la observación (en colores sonoros suspendidos oyen los ojos, mira el oído…). El arte es una objetividad superior,
Arthur Schopenhauer. FUENTE EXTERNA.
la perfección del conocer. La belleza es la prueba de la visión de un “qué” trascendente. Pero ese “qué” está referido en las demás artes a la voluntad y a las formas inmutables del mundo. La música, afirma el filósofo, no pertenece, no está ligada al mundo y, por tanto, no se remite a una Idea de la voluntad: no habita en el universo. Schopenhauer, el urgente melómano, parece no encontrar un lugar en el mundo para la música. Acaso sea este el gran hallazgo, tanto como la congoja de su pensamiento. En el seno de aquella acerada metafísica pesimista, su noción de la música desata pugnas. En lugar de la “abúlica contemplación” de la experiencia estética tomada en general, él ha dicho: la música “no hace más que halagar la voluntad de vivir, ya que expone su esencia, le pinta de antemano sus éxitos y al final expresa su satisfacción y placer”. Con estas nociones, la fascinación musical coloca trampas al gran filósofo de la desesperanza insalvable. Y lo sitúa en la mira de Nietzsche. El desdoblamiento del arte y la noción del Amor Fati (surgidos del módulo schopenhaueriano de la música) proveen la esencia de lo desmesurado, de lo dionisíaco en Nietzsche. En tanto lo apolíneo (lo elevado, lo racional, lo luminosamente humano) acaecerá, sumiso, en la somnolienta anchura de una existencia fútil. (PDM) Sobre el arte
Arthur SCHOPENHAUER (Fragmentos del libro ‘El amor, las mujeres y la muerte’) La música no expresa nunca el fenómeno, sino únicamente la esencia íntima, ‘el en sí’ de todo fenómeno; en una palabra, la voluntad misma. Por eso no expresa tal alegría especial o definida, tales o cuales tristezas, tal dolor, tal espanto, tal arrebato, tal placer, tal sosiego de espíritu, sino la misma alegría, la
tristeza, el dolor, el espanto, los arrebatos, el placer, el sosiego del alma. No expresa más que la esencia abstracta y general, fuera de todo motivo y de toda circunstancia. Y sin embargo, sabemos comprenderla perfectamente en esta quintaesencia abstracta. La invención de la melodía, el descubrimiento de todos los más hondos secretos de la voluntad y de la sensibilidad humana, esto es obra del genio. La acción del genio es allí más visible que en cualquiera otra parte, más irreflexiva, más libre de intención consciente: es una verdadera inspiración. La idea, es decir, el conocimiento preconcebido de las cosas abstractas y positivas, es aquí absolutamente estéril, como en todas las artes. El compositor revela la esencia más íntima del mundo y expresa la sabiduría más profunda en una lengua que su razón no comprende, lo mismo que una sonámbula da luminosas respuestas acerca de cosas de que no tiene conocimiento ninguno cuando está despierta. Lo que hay de íntimo e inexpresable en toda música, lo que nos da la visión rápida y pasajera de un paraíso a la vez familiar e inaccesible, que comprendemos y no obstante no podríamos explicar, es que presta voz a las profundas y sordas agitaciones de nuestro ser, fuera de toda realidad, y por consiguiente, sin sufrimiento. Así como hay en nosotros dos disposiciones esenciales del sentimiento, la alegría o a lo menos el contentamiento, y la aflicción o por lo menos la melancolía, así también la música tiene dos tonalidades generales correspondientes, mayor y menor, el sostenido y el bemol, y casi siempre está en la una o en la otra. Pero, en verdad, ¿no es extraordinario que haya un signo para expresar el dolor, sin ser doloroso físicamente ni siquiera por convención, y sin embargo, tan expresivo que nadie puede equivocarse, el bemol? Por esto puede medirse hasta qué profundidad penetra la música en la Naturaleza íntima del hombre y de las cosas. En los pueblos del Norte, cuya vida está sujeta a duras condiciones, sobre todo en los rusos, domina el bemol hasta en la música de iglesia. El allegro en bemol es muy frecuente en la música francesa y muy característico. Es como si alguien se pusiera a bailar con unos zapatos que le hacen daño. Las frases cortas y claras de la música de baile; de aires rápidos, sólo parecen hablar de una felicidad vulgar, fácil de conseguir. Por el contrario, el allegro maestoso, con sus grandes frases, sus anchas avenidas, sus largos rodeos, expresa un esfuerzo grande y noble hacia un fin lejano, que se concluye por alcanzar. El adagio nos habla de los sufrimientos de un grande y noble esfuerzo que menosprecia todo regocijo mezquino. Pero lo más sorprendente es el efecto
del bemol y del sostenido. ¿No es asombroso que el cambio de un semitono, la introducción de una tercera menor en lugar de una tercera mayor, dé en seguida una sensación inevitable de pena y de inquietud, de la cual nos libra inmediatamente el sostenido? El adagio en bemol se eleva hasta la expresión del más profundo dolor, se convierte en una queja desgarradora. La música de baile en bemol expresa el engaño de una dicha vulgar que hubiera debido desdeñarse. Parece describirnos la persecución de algún fin inferior, obtenido al cabo a través de muchos esfuerzos y fastidios. Una sinfonía de Beethoven nos descubre un orden maravilloso bajo un desorden aparente. Es como un combate encarnizado, que un instante después se resuelve en un hermoso acorde. Es el rerum concordia discors (en latín: la armonía discordante) una imagen fiel y cabal de la esencia de este mundo, que rueda a través del espacio sin premura y sin descanso, en un tumulto de formas sin número que se desvanecen sin cesar. Pero al mismo tiempo, a través de la sinfonía, hablan todas las pasiones y todas las emociones humanas, alegría, tristeza, amor, odio, espanto, esperanza, con matices infinitos, y sin embargo, enteramente abstractos, sin nada que los distinga unos de otros con claridad. Es una forma sin materia, como un mundo de espíritus aéreos. Después de haber meditado largo tiempo acerca de la esencia de la música, os recomiendo el goce de este arte como el más exquisito de todos. No hay ninguno que obre más directa y hondamente, porque no hay ningún otro que revele más directa y hondamente la verdadera naturaleza del mundo. Escuchar grandes y hermosas armonías es como un baño del alma: purifica de toda mancha, de todo lo malo y mezquino, eleva al hombre y le pone de acuerdo con los más nobles pensamientos de que es capaz, y entonces comprende con claridad todo lo que vale, o más bien, todo lo que pudiera valer. Cuando oigo música, mi imaginación juega a menudo con la idea de que la vida de todos los hombres, y la mía propia, no son más que sueños de un espíritu eterno, buenos o malos sueños; de que cada muerte es un despertar. ________________________________________________
Arthur Schopenhauer (Ciudad-Estado de Danzig, 22 de febrero de 1788-Fráncfort del Meno, Reino de Prusia, 21 de septiembre de 1860). Una de las personalidades filosóficas más brillantes del siglo XIX. Su doctrina, concebida esencialmente como un «pensar hasta el final» la filosofía de Kant, es deudora también de Platón y de Spinoza. ‘El mundo como voluntad y representación’, la obra más notoria del filósofo, constituye un hito del pensamiento alemán de todas las épocas. l
6 Cultura San Carlos Borromeo, una iglesia hecha por un pueblo trabajador
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Iglesia de San Carlos, 1940. FUENTE EXTERNA
VIRGINIA FLORES-SASSO, PHD, MARCH, BARCH. DOCTORA EN ARQUITECTURA, INVESTIGADORA DEL CENTRO DE ESTUDIOS CARIBEÑOS. PUCMM
vfloressasso@gmail.com
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a iglesia parroquial de San Carlos Borromeo está ligada a la erección de la villa de San Carlos de Tenerife, vulgarmente llamado por mucho tiempo como “pueblo de los isleños” y hoy simplemente conocido como San Carlos. El pueblo se fundó el 18 de febrero de 1685 en tiempos del arzobispo fray Domingo Fernández de Navarrete, quien designó de inmediato a un sacerdote confesor para que asistiera al asentamiento de los canarios. Este grupo de canarios llegó en 1684 como parte de la política de repoblamiento que implementó en Las Indias, Carlos II de España, el último Habsburgo del Imperio Español. Sin embargo, no todo fue fácil para los canarios pues pasaron muchas vicisitudes para ubicarse ya que no tenían tierras donde cultivar, hasta que la corona española les legó un “ejido” (campiñas o praderas) en un promontorio extramuros muy cercano a la ciudad de Santo Domingo. Pero los problemas no terminaron ahí, pues el Ayuntamiento de Santo Domingo se opuso a este asentamiento tan cerca de la ciudad porque consideraba que era peligroso para la defensa contra enemigos, por lo cual ordenó que en el lugar “se prohibiera construir casas de mampostería o piedra” y en caso de conseguir licencia para tener de piedra “fuese solamente su iglesia”. Pero para los canarios nada era imposible y en 1688 lograron tener su propio ayuntamiento y una pequeña iglesia de madera donde estaban instaladas una hermandad y la cofradía de Nuestra Señora del Rosario, que se encargaban de mantener la iglesia y celebrar las fiestas religiosas con las limosnas que recogía de los vecinos que, aunque pobres, siempre aportaban para su iglesia. Los canarios deseaban una mejor iglesia y en 1693 solicitaron ayuda a la
Exterior de la Iglesia de San Carlos. FUENTE EXTERNA
corona para hacerla de cantería. El rey destinó mil ducados para ello, pero nunca llegaron. Todavía en 1709 tenían la iglesia de madera con cubierta de cana, asistida por un cura y un sacristán mayor. En ese año el cabildo se quejó porque la iglesia estaba “sujeta a un incendio y a la indecencia que atrae un albergue tan débil para un Señor tan grande que está colocado en ella con su Santísima Madre”. En 1713 un fuerte huracán azotó la isla destruyendo gran parte del poblado de San Carlos y lastimando fuertemente su iglesia. Muchos de los pobladores se vieron obligados a entrar en la ciudad de Santo Domingo en busca de refugio y luego no quisieron retornar a San Carlos. Esto provocó una reducción en la población a tal nivel que el cura y el sacristán mayor no tenían recursos ni para vivir, peligrando el curato, pues pensaron en cerrar la iglesia. Los pobladores que quedaron deseaban hacer su iglesia más robusta y fuerte. Por lo cual, en 1720 pidieron permiso al gobernador de la isla para hacer un templo de “catorce pilares de piedra o ladrillo, y entre pilar y pilar, media basa de tapia de grueso, armada de madera, cubierta de tejas y encalada”. El arzobispo se mostró favorable, sin embargo, el gobernador se oponía a dicha construcción. Pero los vecinos dijeron que con sus limosnas podían construir la iglesia, lo que hizo que el gobernador cambiara su punto de vista y favoreciera la construcción de una nueva iglesia. Por tal motivo, en 1724 el rey otorgó licencia para que “se hiciera un templo de tierra y pilar de ladrillo, cubierta de teja y revocada de cal”. De inmediato el pueblo procedió a erigir su templo y el 14 de febrero de 1725 iniciaron las obras. A pesar de la pobreza del pueblo, ya que la mayoría de ellos eran labradores, lograron juntar los materiales necesarios para su ejecución. Recaudaron entre los vecinos unos 1,300 pesos y los que no podían dar dinero trabajaron de manera gratuita en la obra haciendo todo tipo de labores. Sin embargo, estos esfuerzos no fueron suficiente y hubo la necesidad de pedir
Interior de la Iglesia de San Carlos. FUENTE EXTERNA
limosna al rey, pero esta nunca llegó, quedando la iglesia a medio construir. Mientras tanto seguían utilizando la iglesia de madera y cana. En 1739, llegó a Santo Domingo un nuevo arzobispo, Domingo Pantaleón Álvarez Abreu, quien era canario. Una de sus primeras visitas fue a San Carlos y comentó que “se estaba fabricando una iglesia a costa de los vecinos y no la acaban por falta de medios”, y que en la iglesia estaban instaladas la cofradía de las Ánimas, del Santísimo y Nuestra Señora del Rosario. Además, celebraban mensualmente al Santísimo, el domingo tercero, con una fiesta y una procesión. Según el historiador José Luis Sáez, al parecer el arzobispo sentía predilección por San Carlos, pues iba a menudo, era un hombre asequible y hablaba con la gente. En 1748, el arzobispo Ignacio de Padilla y Estrada aprobó de forma provisional colocar el Santísimo en la sacristía “aumentándola con otra pieza de madera, con lo que, aunque la comodidad es poca, la decencia es más”. En 1749 inició la culminación de la nueva iglesia, aunque no finalizó hasta dos décadas después ya que sus feligreses no tenían fondos para concluirla y “surtirla de los vasos sagrados, ornamentos y adornos correspondientes”. En ese momento la corona aprobó algo de ayuda y los feligreses “hicieron el último esfuerzo para concluirla, aunque no con la extensión que deseaban”. Como era un poblado de labradores no tenían dinero para fundar capellanía y solo celebraban las fiestas en honor a la virgen de la Candelaria y de San Carlos Borromeo sus patronos. Los gastos de la iglesia y sus sacerdotes eran mantenidos por las limosnas del pueblo. En 1769 se terminó la iglesia parroquial de San Carlos de mampostería, de una nave de cuatro tramos formados por robustas pilastras que soportan arcos torales de medio punto que cargan el techo a dos aguas. Tiene ábside ochavado de cinco lados techado por una bóveda chata. Su exterior es muy sencillo y carente de ventanas excepto en la fachada principal que sobre su portal forma-
do por un arco de medio punto tiene una pequeña ventana circular a manera de rosetón. Además de la puerta principal tiene dos puertas laterales. Siendo su construcción sólida y estando ubicada en un lugar estratégico, la iglesia fue ocupada en dos ocasiones. En 1805 por las tropas de Jean Jacques Dessalines que instaló allí sus cuarteles generales durante el sitiado de Santo Domingo, y en 1864 durante la guerra de Restauración, cuando el mariscal de campo Carlos Vargas instaló allí un cantón. El poblado de San Carlos se va consolidando y en 1865, luego de la Restauración de la República, se elevó a común. Llegan nuevos vecinos y en 1875 intervienen la fachada principal y en 1889 establecen una junta de fabrica para que se encarguen de gestionar los arreglos a la iglesia. En 1911, San Carlos pasa a ser parte del municipio de Santo Domingo y en 1920 se realizan obras en la iglesia como la sustitución del techo por uno a dos aguas de hormigón armado, un nuevo pavimento de mármol y la construcción de nuevos altares. En 1928 se construyó un coro de hormigón a los pies de la iglesia y se abrieron dos huecos en la fachada principal donde colocaron balconcillos. En 1971, un fuerte terremoto afectó la iglesia ante todo a su campanario. Por tanto, se restaura en 1976 y se eliminan los balconcillos. Con el tiempo el barrio ha cambiado mucho y muchas casas se han demolido, pero la iglesia permanece y sigue siendo el núcleo central de las actividades y el referente de todos los sancarleños, que conecta el pasado con el presente y el futuro. La iglesia parroquial de San Carlos Borromeo sigue narrando la historia de un pueblo trabajador y luchador. l ________________________________________________ Este artículo forma parte de las investigaciones realizadas en el proyecto “Connected Worlds: The Caribbean, Origin of Modern World”, dirigido por Consuelo Naranjo Orovio desde el Instituto de Historia-CSIC, España y financiado por la Unión Europea, Horizonte 2020, código Nº 823846.
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El Quixote ilustrado
Don Quijote, por Picasso.
Don Quijote, por Gustave Doré.
Sancho Panza, por Apeles Mestres.
JOSÉ MERCADER 666mercader@gmail.com
¿
Por qué Da Vinci no ilustró el Quixote? El Quixote, como México, siguió escribiéndose con X tanto en español como en las lenguas extranjeras a las que fue traducido. Mis primeras lecturas fueron en los “comics”, muñequitos o paquitos y aunque influenciado por las vaqueradas del cine, no leí novelitas de Estefanía porque no tenían ilustraciones, aunque con magníficas portadas ilustradas a los Frederick Remington o Charles Russel. La obra de Cervantes no estaba a nuestro alcance en Amantes de la Luz cuyo control y rigidez del encargado desestimulaba al más bonito. Preferí leer y releer un enorme diccionario que estaba en las mesas, siempre listo, diría Baldivieso, el jefe de los “scouts”. Estoy seguro que, sin cuestionar para nada la genialidad de Cervantes (¿quién soy yo para tal empresa?), las ilustraciones de Gustave Doré contribuyeron o fueron un atractivo para leerlo. Y a muchos se nos quedó la idea de que Doré es el ilustrador de esa obra. En las escuelas no se conocía a pesar de que Balaguer se la daba de ser un gran seguidor de las letras españolas. No se dignó ni siquiera a hacer una edición para nuestra educación ni siquiera porque tenía a su lado, aunque en Uruguay, a Antonio Fernández Spencer, uno de los intelectuales de más vuelo, aunque muchas veces fuera sobre el nido del Cucú. En una de las primeras ediciones inglesas, el francés Charles Antoine Coppel lo ilustró como se hacía por ese entonces, 1725, con grabados. En 1756 el famoso artista londinense William Hogarth realizó seis planchas para otra edición. No hay que confundir este Hogarth con Burne Hogarth, el ilustrador de Tarzán de Edgar Rice Burroughs. Así, aumentan las ilustraciones, en la medida en que el libro se convierte en lectura obligada por la comicidad de las aventuras narradas. El español Antonio Carnicero lo ilustró en 1780 y en 1863 aparecieron dos ediciones con dibujos de John Vanderbank y por primera vez, la que sería la más conocida y difundida, por Doré, un
Gustave Doré, por Mercader
Léopold Bernstamm en Fontana Rosa, Menton, Francia casa de vicente Blasco Ibañez.
pintor mejor conocido por sus grabados y por una foto que le hizo Nadar, cuando retratarse rascándose el ombligo, se puso de moda. En 1866, Arthur Boyd Houghton publicó una “comical drawing”, o versión cómica en Londres. ¿Qué era lo que hacía que este libro fuese tan leído? Más que el mensaje, que puede tener múltiples lecturas, de la vasta experiencia de vida de Cervantes al exponerlas cuando tenía 60 años, prima la buena narrativa como un cuento largo y los hechos jocosos cotidianos, que hasta ese momento nadie se atrevía a tocar. Y los editores lo sabían. Guerrero de la libertad, trotamundos, justiciero, don Juan, y muchos otros son los resúmenes que se hacen. Yo agrego, y creo que es el más importante: el ser
Don Quijote y Sancho Panza, por Honoré Daumier.
El Quijote, por Heath Robinson.
humano es un copión, por eso avanza el mundo. Copiamos el lenguaje de nuestros padres, queremos ser pintores porque un vecino tenía un taller, el otro quiere ser ingeniero porque mi tío me dijo que eso deja, y los Quijotes que leen quieren ser caballeros, y todo lo que les indique lo leído con pasión. Nadie puede ser escritor sin apasionarse por la lectura, y nadie puede ser libre sin lectura y con infancia infeliz. Seguiremos en alguna entrega sobre locos y psicoanálisis. La fascinación por Sancho Panza es parecida a la identidad que tienen los campesinos cuando se les cuenta las peripecias de Pedro Animal y Juan Bobo que nos llegaron de España ante de la anexión del 1861. En el 1879 y con litografía coloreada, el catalán Apeles Mestres lo ilustra aunque solo se conozca en la vieja Madre Patria. Un caricaturista que se conoció por su oposición a la “Gran Guerra”, William Heath Robinson también se inspiró en la novela del Manco o de Saavedra, que es el apodo que le dieron a Cervantes en su prisión de Marruecos. Sus dibujos datan de 1897 y fue tan bien acogida que los editores hicieron una segunda edición en 1902. El ilustrador Walter Crane hizo un aporte en una edición de 1898. Como una forma de atraer a los niños, Tom Browne lo publicó en forma de “comic strip”, viñetas, lo que Pedro de Rojas intentó para 1905 y al estilo de Hergé autor de Tintín. Aquí se conoció en la “Correspondencia Militar” en época del Presidente Espaillat y de Lilis. Cronológicamente, cada cierto tiempo, aparecía el Quixote con un nuevo ilustrador: en 1912 Thomas Derrick, 1914 Walther Klemm, 1921 Gordon Browne, 1926 Gus Bofa, 1930 Felix Lorioux y Mcknight Kauffer y 1935, en Italia, se dio a conocer la versión ilustrada por Piero Bernardim. Y aunque usted no lo crea, como Robert Ripley, el japonés Serizawa Keisuke convierte a Quixote en un samurái del siglo XXVll. Me cuenta Lincoln López, que Bosch lo leyó 21 veces lo que demuestra que leer muchas historias de caballería te transforma en un Quixote ya sea para andar por el mundo, proponer una democracia sin corrupción, que es una perogrullada, o para inventarse las aventuras que de la
El Quijote, por Heath Robinson.
imaginación le llegaran, aunque su Sancho no esperara hasta el final para reclamar su ínsula. Otros ilustradores desde 1894 a 1999 lo fueron Hans Müller, Jacques Touchet, Edy Legrand, Antonio Traverso, José Segrelles, Roc Riera Rojas, Sacha Brodsky. En el 2011 Rob Davis hizo un comic en dos volúmenes y lo siguió, en 2018 Roberto Weil. Existe, lo más reciente y digital, una versión con ilustraciones de Daniel Belchi Lorente. Aparte de todos estos ilustradores, el Quixote más sencillo y más conocido es el que hizo Picasso que fue inspirado en los óleos de Honoré Daumier, una serie considerada como obra maestra del genio humano. Lionardo Da Vinci no lo ilustró porque murió en 1519 y el Quixote salió en 1605 y 1615 la segunda parte. No dudamos que pueda surgir una versión con aventuras nuevas hecha en la República del Cibao y seguro que la eternidad de Quixote hará que nuevos ilustradores se inspiren en futuras generaciones. Spencer, que era un gran admirador de Cervantes y del Quixote, decía, hablando de la jerarquía en el arte y en las ciencias y poniendo de ejemplo las novelitas de Corín Tellado: “…Cervantes fue hombre de pensamiento egregio. Doña Corín fue una señora menos que mediocre. Miguel de Cervantes supo con la experiencia de su extremada pobreza levantar un monumento de libertad y de amor a los hombres con el Quijote, y Doña Corín Tellado alcanza riquezas y comodidades materiales vendiendo durante su larga existencia páginas escritas que contribuyen a empobrecer la sensibilidad y la inteligencia de sus lectores. La obra de Cervantes es ejemplo de arte insuperable, y, en cambio, la escritora opaca solo ejerce una usurpación en el mundo de la novela…” Pero Spencer, que fue un admirador del arte y que partió en el 1995, no presenció lo mismo que el describe en el campo de las artes con la aparición del “arte conceptual” o el “arte contemporáneo” porque a pesar de lo dicho sobre la escritora, ella poseía un cierto “talento”, cosa que carecen los que se engancharon al arte por la misma razón y que seguro no figurarán en la lista de los que en un futuro ilustrarán la obra del magno escritor. ¿Y cómo? l
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crítica arte LILIAN CARRASCO lilycarrascor@hotmail.com
Tovar|Surrealismo Vivo (X)
I
ván Tovar supo adaptarse a los espacios en los que le tocó vivir. Fue cerrando ciclos y abriendo otros, quedando algunos inconclusos. Se fue alejando de lo que le inquietaba y se acercó a lo que le acariciaba el alma. Su obra es portadora de sus desvelos, sin sabores y triunfos. Supo jugar con las palabras y se sirvió de formas retorcidas para expresar un mundo interior donde sus cadencias surrealistas superaban el mito, naturalmente, en su propio universo. Finalizando la década de 1970, el artista abandona París para reinstalarse en Santo Domingo. En la emblemática Zona Colonial y en circunstancias especiales, pregunta a su enamorada si aún conociéndole en detalle acepta casarse con él. Más retada que enamorada, responde que sí. El artista le toma la palabra sellando su vínculo en 1979. Iván Tovar regresó a República Dominicana en un momento en el que el surrealismo no había calado en la consciencia co-
lectiva. Es cierto que André Bretón estuvo en el país en 1941 y que había dejado una impronta surrealista, pero los artistas dominicanos en general no siguieron de manera exclusiva esta tendencia artística, sino, en buena medida, de forma ocasional. Esta afirmación es definitoria, toda vez que el posicionamiento de la obra de Tovar en Santo Domingo, tuvo que partir de cero. Situándonos en el contexto, el dominicano estaba acostumbrado a colores vivos, representaciones realistas o, en tal caso, figurativas. Toparse con piezas de fondos oscuros, tonos ocres y configuraciones completamente abstractas con una presencia casi nula de la figuración, resultó un ejercicio perceptivo harto complejo para el público local. De manera que será definitorio el apoyo que Tovar recibe de su primera esposa, quien desde muy joven ha gozado del respeto y la aceptación de sus lectores desde todas las plataformas donde ha ejercido como periodista. Asimismo, el artista contó con la colaboración de amigos cercanos que siempre han valorado su producción visual. Así las cosas, Tovar se posiciona rápidamente en el entorno citadino, instalando dos talleres. Uno en Haina donde trabajaba las esculturas y, otro, en los Cacicazgos donde desarrolla su obra pictórica en Santo Domingo.
crítica cine ETZEL BÁEZ etzelbaez@gmail.com
Big Eyes
E
l ensayo “La obra de arte en la Era de su reproducción técnica”, de Walter Benjamin, hace de este filme un instrumento de gran importancia para el debate sobre arte y comercio. Y es que el filme retrata a la artista Margaret Keane que es la primera artista plástica a tener su obra reproducida industrial y comercialmente llegando a los confines de la Tierra donde en alguna casa se albergaba a aquellos niños y niñas pintados con desproporcionados ojos. La reproducción por cientos de miles a partir de un solo cuadro reportó millones de dólares. Y esa es la parte, quizás, más interesante del filme como producto social y cultural. Se destaca al director Tim Burton donde vemos mejor su impronta como director, su estilo depurado y su estética. Eso lo podemos constatar con la escena del supermercado, donde usa su típica forma de plasmar escenas valiéndose de elementos nebulosos o caricaturescos, para descubrir personajes en toda su dimensión humana y social. Al mismo tiempo, casi como una metáfora de la industrialización del arte con más peso como objeto de mercado que como obra de arte, la trama del filme muestra
el surgimiento y desenlace de una de las mayores fraudes de las Artes Plásticas cuando en los años 50 y 60 un tal Walter Keane suplanta la autoría de pinturas realizadas por su esposa Margaret Keane al iniciar una revolucionaria forma de mercadeo de cuadros reproducidos como si fueran periódicos hasta la saciedad y vendidos a precios populares. Por supuesto, eso ocurría porque aquellos grandes ojos infantiles agitaban de emoción e impactan la piedad popular. El filme muestra a un Burton más próximo, pues no se trata de una superproducción sino de un filme más personal, creo. El guión tiene algunos tonos feministas, pero sin ahondar en aspectos oscuros del medio social en que desarrolla la trama, y cuando entendemos que va por un camino, seguido salta con momentos de humor donde la historia reclama unos abordajes más explícitos en las secuelas psicológicas de relaciones disfuncionales como solían serlo las familias estadounidenses de esos años. Dentro de ese marasmo narrativo es que la actuación de la protagonista adquiere una dimensión que supera a todos los demás elementos. Aunque es notable el manejo de la ambivalencia de los personajes que retrata la trama en tono de ironía y cierto aire sarcástico. En Netflix. l HHH GÉNERO: drama basado en hechos reales
/Tim Burton. DURACIÓN: 106 minutos H H H H H EXCELENTE | H H H H MUY BUENA H H H BUENA | H H REGULAR | H MALA
el libro vive
obras
FRANK NÚÑEZ fnunez01@gmail.com
Primera Feria Distrital del Libro y la Lectura
E
l pasado 3 de abril se cumplió un año de la apertura de la Cátedras Ciudadanas, en la que se incluyó la celebración de encuentros en todo el país de escritores con estudiantes de los diversos niveles de la educación pública. De memorable puede calificarse el acto inaugural, celebrado en la Biblioteca Nacional Pedro Henríquez Ureña, con el ministro de Educación, Roberto Fulcar como figura principal. Como parte de las Cátedras Ciudadanas, un grupo de escritores, acompañados de la Fundación de Estudios Económicos y Políticos (Fundesep), recorrió todas las regiones del país, con charlas y exposiciones en la promoción del libro y la lectura. La entidad sin fines de lucro la dirige el escritor, político y abogado Ángel Lockward, quien había arribado a un acuerdo con el Ministerio de Educación, para trabajar en una misma dirección. Como una continuación de los esfuerzos por rescatar el hábito de la lectura en los estudiantes, el ministro Fulcar dejó inaugurada el pasado miércoles al mediodía, en la Escuela Costa Rica del Distrito Nacional, la Primera Feria Distrital del Libro y la Lectura, en la que participaron unos quince escritores, con exposiciones y ofertas de obras a precios especiales, con motivo de la actividad. El centro donde se desarrolló la feria pertenece al distrito educativo 15-04 del Ministerio de Educación, que tiene bajo su responsabilidad 255 centros públicos y privados, con una matrícula de 68 mil 500 estudiantes. La jornada, que tiene como lema “El libro viene a las aulas”, abarcó las demarcaciones de Los Ríos, donde funciona la Escuela Costa Rica, Cristo Rey, Ensanche La Fe, El Caliche, Los Girasoles, Los Jardines, Arroyo Hondo y República de Colombia. Participaron en la feria los escritores Ángela Hernández y Mateo Morrison, ambos Premio Nacional de Literatura; Avelino Stanley Rondón, Emilia Pereyra, Pedro Antonio Valdez, Jesús Paniagua, Juan Hernández Hinirio, Mónica Volenteri, Ofelia Berrido, Rafael Peralta Romero, Basilio Belliard, Virgilio López Azuán, Yuan Fuei Liao, Gerardo Roa, Sauris Ramírez, lbeth Guzmán, Leorián Ricardo, Argénida Romero y Ramón Saba.l
El mapa cultural La comunicación entre culturas es el gran reto de la economía global, y disponer de las claves necesarias para facilitar la comprensión puede ser la diferencia entre el éxito y el fracaso. AUTOR: ERIN MEYER EDITORA: PENÍNSULA VENTA: LIBRERÍA CUESTA PRECIO: RD$1,350.00
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El mapa de los Anhelos Grace debe encontrar a alguien llamado Will Tucker, del que nunca ha oído hablar y que está a punto de embarcarse con ella en un viaje directo al corazón. AUTOR: ALICE KELLEN EDITORA: PLANETA VENTA: LIBRERÍA CUESTA PRECIO: RD$1,200.00
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CERTIFICO Y DOY FE
Escuchar, comunicación y comunión RAMÓN DE LA ROSA Y CARPIO ARZOBISPO DE SANTIAGO
Introducción
E
s gozoso y diciente que el Vaticano sigue estando en primera fila en el campo de la comunicación, desde que empezaron los medios de comunicación: radio, periódico, televisión, un lugar de noticias diarias y comunicarlas al mundo entero, a través de los medios viejos y modernos. He aquí el Mensaje, actualísimo, del Papa Francisco para la Jornada Mundial de las Comunicaciones Sociales de este año 2022.
1- Escuchar los oídos del corazón
“En las páginas bíblicas aprendemos que la escucha no sólo posee el significado de una percepción acústica, sino que está esencialmente ligada a la relación dialógica entre Dios y la humanidad. «Shema’ Israel - Escucha, Israel» (Dt 6,4), el íncipit del primer mandamiento de la Torah se propone continuamente en la Biblia, hasta tal punto que san Pablo afirma que «la fe proviene de la escucha» (Rm 10,17). Efectivamente, la iniciativa es de Dios que nos habla, y nosotros respondemos escuchándolo; pero también esta escucha, en el fondo, proviene de su gracia, como sucede al recién nacido que responde a la mirada y a la voz de la mamá y del papá. De los cinco sentidos, parece que el privilegiado por Dios es precisamente el oído, quizá porque es menos invasivo, más discreto que la vista, y por tanto deja al ser humano más libre. La escucha corresponde al estilo humilde de Dios. Es aquella acción que permite a Dios revelarse como Aquel que, hablando, crea al hombre a su imagen, y, escuchando, lo reconoce como su interlocutor. Dios ama al hombre: por eso le dirige la Palabra, por eso “inclina el oído” para escucharlo. El hombre, por el contrario, tiende a huir de la relación, a volver la espalda y “cerrar los oídos” para no tener que escuchar. El negarse a escuchar termina a menudo por convertirse en agresividad hacia el otro, como les sucedió a los oyentes del diácono Esteban, quienes, tapándose los oídos, se lanzaron todos juntos contra él (cf. Hch 7,57). Así, por una parte está Dios, que siempre se revela comunicándose gratuitamente; y por la otra, el hombre, a quien se le pide que se ponga a la escucha. El Señor llama explícitamente al hombre a una alianza de amor, para que pueda llegar a ser plenamente lo que es: imagen y semejan-
za de Dios en su capacidad de escuchar, de acoger, de dar espacio al otro. La escucha, en el fondo, es una dimensión del amor. Por eso Jesús pide a sus discípulos que verifiquen la calidad de su escucha: «Presten atención a la forma en que escuchan» (Lc 8,18); los exhorta de ese modo después de haberles contado la parábola del sembrador, dejando entender que no basta escuchar, sino que hay que hacerlo bien. Sólo da frutos de vida y de salvación quien acoge la Palabra con el corazón “bien dispuesto y bueno” y la custodia fielmente (cf. Lc 8,15). Todos tenemos oídos, pero muchas veces incluso quien tiene un oído perfecto no consigue escuchar a los demás. Existe realmente una sordera interior peor que la sordera física. La escucha, en efecto, no tiene que ver solamente con el sentido del oído, sino con toda la persona. La verdadera sede de la escucha es el corazón. El rey Salomón, a pesar de ser muy joven, demostró sabiduría porque pidió al Señor que le concediera «un corazón capaz de escuchar» ( 1 Re 3,9). Y san Agustín invitaba a escuchar con el corazón ( corde audire), a acoger las palabras no exteriormente en los oídos, sino espiritualmente en el corazón: «No tengan el corazón en los oídos, sino los oídos en el corazón». Y san Francisco de Asís exhortaba a sus hermanos a «inclinar el oído del corazón». La primera escucha que hay que redescubrir cuando se busca una comunicación verdadera es la escucha de sí mismo, de las propias exigencias más verdaderas, aquellas que están inscritas en lo íntimo de toda persona. Y no podemos sino escuchar lo que nos hace únicos en la creación: el deseo de estar en relación con los otros y con el Otro. No estamos hechos para vivir como átomos, sino juntos”. 2- La escucha como condición de la buena comunicación
“Existe un uso del oído que no es verdadera escucha, sino lo contrario: el escuchar a escondidas. De hecho, una tentación siempre presente y que hoy, en el tiempo de las redes sociales, parece haberse agudizado, es la de escuchar a escondidas y espiar, instrumentalizando a los demás para nuestro interés. Por el contrario, lo que hace la comunicación buena y plenamente humana es precisamente la escucha de quien tenemos delante, cara a cara, la escucha del otro a quien nos acercamos con apertura leal, confiada y honesta. Lamentablemente, la falta de escucha,
que experimentamos muchas veces en la vida cotidiana, es evidente también en la vida pública, en la que, a menudo, en lugar de oír al otro, lo que nos gusta es escucharnos a nosotros mismos. Esto es síntoma de que, más que la verdad y el bien, se busca el consenso; más que a la escucha, se está atento a la audiencia. La buena comunicación, en cambio, no trata de impresionar al público con un comentario ingenioso dirigido a ridiculizar al interlocutor, sino que presta atención a las razones del otro y trata de hacer que se comprenda la complejidad de la realidad. Es triste cuando, también en la Iglesia, se forman bandos ideológicos, la escucha desaparece y su lugar lo ocupan contraposiciones estériles. En realidad, en muchos de nuestros diálogos no nos comunicamos en absoluto. Estamos simplemente esperando que el otro termine de hablar para imponer nuestro punto de vista. Escuchar es, por tanto, el primer e indispensable ingrediente del diálogo y de la buena comunicación. No se comunica si antes no se ha escuchado, y no se hace buen periodismo sin la capacidad de escuchar. Para ofrecer una información sólida, equilibrada y completa es necesario haber escuchado durante largo tiempo. Para contar un evento o describir una realidad en un reportaje es esencial haber sabido escuchar, dispuestos también a cambiar de idea, a modificar las propias hipótesis de partida. En efecto, solamente si se sale del monólogo se puede llegar a esa concordancia de voces que es garantía de una verdadera comunicación. Escuchar diversas fuentes, “no conformarnos con lo primero que encontramos” —como enseñan los profesionales expertos— asegura fiabilidad y seriedad a las informaciones que transmitimos. Escuchar más voces, escucharse mutuamente, también en la Iglesia, entre hermanos y hermanas, nos permite ejercitar el arte del discernimiento, que aparece siempre como la capacidad de orientarse en medio de una sinfonía de voces. La capacidad de escuchar a la sociedad es sumamente preciosa en este tiempo herido por la larga pandemia. Mucha desconfianza acumulada precedentemente hacia la “información oficial” ha causado una “infodemia”, dentro de la cual es cada vez más difícil hacer creíble y transparente el mundo de la información. Es preciso disponer el oído y escuchar en profundidad, especialmente el malestar social acrecentado por la disminución o el
cese de muchas actividades económicas. También la realidad de las migraciones forzadas es un problema complejo, y nadie tiene la receta lista para resolverlo. Repito que, para vencer los prejuicios sobre los migrantes y ablandar la dureza de nuestros corazones, sería necesario tratar de escuchar sus historias, dar un nombre y una historia a cada uno de ellos. Muchos buenos periodistas ya lo hacen. Y muchos otros lo harían si pudieran. ¡Alentémoslos! ¡Escuchemos estas historias! Después, cada uno será libre de sostener las políticas migratorias que considere más adecuadas para su país. Pero, en cualquier caso, ante nuestros ojos ya no tendremos números o invasores peligrosos, sino rostros e historias de personas concretas, miradas, esperanzas, sufrimientos de hombres y mujeres que hay que escuchar”. 3- Escucharse en la iglesia
“También en la Iglesia hay mucha necesidad de escuchar y de escucharnos. Es el don más precioso y generativo que podemos ofrecernos los unos a los otros. Nosotros los cristianos olvidamos que el servicio de la escucha nos ha sido confiado por Aquel que es el oyente por excelencia, a cuya obra estamos llamados a participar. «Debemos escuchar con los oídos de Dios para poder hablar con la palabra de Dios. Quien no sabe escuchar al hermano, pronto será incapaz de escuchar a Dios. En la acción pastoral, la obra más importante es “el apostolado del oído”. Escuchar antes de hablar, como exhorta el apóstol Santiago: «Cada uno debe estar pronto a escuchar, pero ser lento para hablar» (1,19). Dar gratuitamente un poco del propio tiempo para escuchar a las personas es el primer gesto de caridad. Hace poco ha comenzado un proceso sinodal. Oremos para que sea una gran ocasión de escucha recíproca. La comunión no es el resultado de estrategias y programas, sino que se edifica en la escucha recíproca entre hermanos y hermanas. Como en un coro, la unidad no requiere uniformidad, monotonía, sino pluralidad y variedad de voces, polifonía. Al mismo tiempo, cada voz del coro canta escuchando las otras voces y en relación a la armonía del conjunto. Esta armonía ha sido ideada por el compositor, pero su realización depende de la sinfonía de todas y cada una de las voces. Conscientes de participar en una comunión que nos precede y nos incluye, podemos redescubrir una Iglesia sinfónica, en la que cada uno puede cantar con su propia voz acogiendo las de los demás como un don, para manifestar la armonía del conjunto que el Espíritu Santo compone”. Conclusión
CERTIFICO que las citas dadas del Mensaje del Papa Francisco en su Mensaje para la Jornada Mundial de las Comunicaciones, mayo 2022, son textuales. DOY FE en Santiago de los Caballeros a los veinticinco (25) días del mes de mayo del año del Señor dos mil veintidós (2022). l
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Nicolle De Blanco ARTISTA PLÁSTICA Y ESCULTORA DOMINICANA Nicole De Blanco considera que la mujer ha hecho grandes aportes a la evolución del arte y puso como ejemplo en el plano local a artistas de la talla de Celeste Woss y Gil, “quien ayudó a la formación de toda una generación”. “Creo que lo que se impone es
el talento y la calidad que empujan a las actividades a evolucionar, es solo cuestión de tiempo para que se imponga el talento y la calidad de la mujer”, manifestó la artista, quien en esta etapa de su carrera se concentra en la pintura digital. “Con mis obras
quiero dejar plasmado un universo de seres felices cuando visiten mis creaciones, porque ese es el mundo al que aspiro, un mundo de amor y felicidad”, manifestó De Blanco y precisó que su mayor satisfacción en la pintura ha sido su evolución espiritual.
“La mujer ha hecho grandes aportes a la evolución del arte” MARÍA E. PÉREZ ROQUE FOTO: FUENTE EXTERNA
¿Dónde te formaste y qué elementos marcaron el inicio de tu carrera? l En lo que a formación se refiere, no soy académica. Realicé un curso en Arte San Ramón y completé mi formación en Nápoles, Italia con el maestro Nikolla Canzanella con quien me une una linda amistad. No sería justo hablar de mi formación sin mencionar dos elementos claves a mi entender, que son mi madre adoptiva Anny Díaz y el taller de arte Luces y Sobras, donde entré en contacto con varias disciplinas, entre ellas pintura y escultura. El inicio propiamente dicho de mi carrera fue tardío, asumo el arte después de mi divorcio buscando reinventarme, aunque toda la vida tuve contacto con el arte a través de mi madre adoptiva, quien era maestra de arte en mi pueblo, Bonao. l ¿Te fue difícil insertarte en este mundo, que en principio fue dominado por los hombres? l Nunca he visto mi carrera como un reto de género, sino más bien como una búsqueda constante de superación personal. Creo que la vida tiene suficientes obstáculos como para sumarle este del género. Los seres humanos debemos hacer nuestro mejor esfuerzo sin importar el género. El trabajo da su fruto. l ¿Cuál es el lenguaje que usualmente presentan tus obras? l El lenguaje de mis obras propiamente dicho es un lenguaje llano tal cual me expreso. Ahora sí te refieres a la técnica me considero una artista abstracta. l ¿Qué papel consideras desempeña la mujer en el arte y su evolución? l La mujer ha hecho grandes aportes a la evolución del arte. Por ejemplo en el plano local tenemos a artistas de la talla de Celeste Woss y Gil quien ayudó a la formación de toda una generación. Creo que lo que se impone es el talento y la calidad que empujan a las actividades a evolucionar, es solo cuestión de tiempo para que se imponga el talento y la calidad. l ¿Qué has aprendido en el terreno profesional? l He aprendido que con tesón y perseverancia los resultados llegan. l ¿Cuál es la obra más grande que has pintadon y por qué la hace especial? l
Nicolle De Blanco se formó en la galería de Arte San Ramón y completó sus estudios en Nápoles, Italia.
Opinión Nunca he visto mi carrera como un reto de género, sino más bien como una búsqueda constante de superación personal”.
Consideración La conceptualización del arte se ha democratizado, eso ha abierto un nuevo abanico de disciplinas y ha ayudado el enriquecimiento de la escena artística”.
l Creo que mi aporte a la restauración
de la Iglesia Santa Bárbara la hace especial por su condición de multidisciplinaria. Significó para mí una gran escuela. l ¿Es escasa la presencia de la mujer en el mundo de las artes plásticas? l Como la mujer se integró a las actividades sociales relativamente hace poco, no cuenta con una presencia abundante como el hombre, pero eso es sólo cuestión de tiempo que las mujeres ocuparemos los espacios que nos propongamos. l ¿Qué supone para ti, presentar tu obra tanto dentro como fuera del país? l No quiero pecar de inmodesta, pero mentiría si no te digo que para mí eso es una gran satisfacción. l ¿Eres fiel a una serie de materiales, determinados colores, utensilios a la hora de crear, o vas variando? l La experiencia hace con el tiempo que nos sintamos más cómodos con ciertos materiales por su dominio. En cuanto a la paleta de colores no me puedo divorciar de mi origen rural, por eso en mis trabajos siempre predominan los colores de la naturaleza.
l ¿Crees que el arte en espacios públi-
cos debería tener una función pública? l Sí, creo que es un canal idóneo para la
proyección de principios y valores. l ¿Piensas sobre tu responsabilidad como artista? l Siempre tengo muy claro mi responsabilidad social, en todos los aspectos de mi vida, eso incluye el arte. l ¿Qué huellas quieres dejar a través de tu trabajo? l Quiero dejar plasmado un universo de seres felices cuando visiten mis creaciones, porque ese es el mundo al que aspiro, un mundo de amor y felicidad. l ¿En qué consiste hoy en día tu trabajo y si tu obra responde a una corriente en especial l En esta etapa me concentro en la pintura digital, me brinda una serie de ventajas que la tradicional no me proporciona. l ¿En tu opinión, qué transformaciones o cambios se han dado en la escena del arte en los últimos años? l Considero que la conceptualización del arte se ha democratizado. Con eso se ha abierto un nuevo abanico de disciplinas y eso ha ayudado el enriquecimiento de la escena artística. l