Revista_Final

MAR ZO

18 DIRECTORIO

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CARTA DE LA DIRECTORA

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DINAMISMO A SUS PIES

¿Qué es un look sin unos zapatos insignia? Nadie puede cuestionar su poder ni efecto... y aquí la prueba.

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JUEGO DE COMPLEMENTOS

He aquí una poesía visual compuesta por objetos sin igual. Una colección de accesorios altamente creativos.

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BAJO LA MIRADA DE UNA MUJER

Estas concept stores curadas por mujeres están redefiniendo la forma de consumir diseño sostenible y con consciencia.

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OBSESIÓN POR FRIDA

Frida: The Making of an Icon, es la exhibición del Museum of Fine Arts de Houston que explora su legado.

EN PORTADA:

Danna en camisa con moño y minifalda, ambas de DIOR; pendiente de PANDORA. En portadilla: chamarra de LORENA SARAVIA; falda de CAROLINA HERRERA; zapatos de AQUAZZURA; media de WOLFORD; brazalete de PANDORA En esete reportaje: peinado Shon Ju; maquillaje, Florrie White; asistentes de foto, Liam Clarke, Tommo Inenaga, Tom Hill; asistentes de moda, Rosa Weait y Talitha Howden; producción, Stuart Phillips/Fuse Production; coordinación de producción, Dan Line/Fuse Production; diseño de set, Josh Stovell; sastre, Faye Oakenfull; director de entretenimiento, Sergio Kletnoy; locación, Raffles Hotel at The Owo; talento, Danna. Fotógrafo: Dan Martensen Realización: Tabitha Simmons.

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ANTES DE LOS 30

En las últimas décadas, la música cambió de reglas, formatos y voces. Ellas crecieron dentro de esa transformación y hoy definen el presente.

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DETRÁS DE CÁMARAS

Estos son los objetos de deseo del universo de belleza que se convierten en nuestra nueva obsesión.

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AL TEMPO DE LAS MANOS DE MUJER

Cuando ellas toman el tambor, el ritmo cambia con manos y voces que reescriben el ritmo en las costas de Venezuela.

78 DANNA

Ella reescribe sus reglas, música y la forma en la que se mueve la industria, después de 25 años de estar en ella.

88

SORPRENDEME

Olvídate de las reglas, las tendencias y los códigos de estilo: nuestro momento actual en la moda se trata de combinaciones salvajes e inesperadas.

100 CHICY RADICAL

Mientras Jonathan Anderson se instala en Dior, el mundo parece observar su buen oficio con atención.

112 DE MUJER A MUJER

Esta es la iniciativa de Photo Vogue, que para 2026 celebra el poder de la feminidad y la revolución

118

LEJOS DE LA VERGÜENZA

La historia de Gisèle Pelicot no la cuenta nadie más que ella, con un absoluto tono de calma y esperanza.

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MAGIA PRÁCTICA

Los looks para ir a la oficina se renuevan por completo gracias a una sastrería atrevida y al juego de capas.

AFERRADA

La modelo Mia Armstrong luce chaleco, suéter, camisa, short y collar, todo de LORO PIANA; bolsa de KHAITE.

Obsesión por Frida

Frida: The Making of an Icon, es la exhibición del Museum of fine Arts de Houston que nos recalca la obsesión que se ha creado en torno al universo de Kahlo. Con las palabras de DEREK C. BLASBERG.

Frida Kahlo no siempre fue Frida KahloTM es decir, ese ícono que hoy en día se ha vuelto mercancía y se vende desde todos los ángulos: tutoriales de maquillaje, tazas, blusas, disfraces (como el que llevó Beyoncé en Halloween), diseños de cejas, e incluso pósters que mandan un mensaje muy claro: “Estudié Historia de Arte y estoy informada en estudios feministas”.

Cuando murió en 1954, la artista mexicana había presentado muy pocas exposiciones individuales —una en Nueva York en 1938 y otra en la Ciudad de México en 1953— y era conocida principalmente como la esposa de Diego Rivera.

¿Cómo pasamos de una artista mexicana relativamente desconocida a una deidad pop-cultural reconocida a nivel internacional? Eso es lo que la académica y curadora Mari Carmen Ramírez se propuso responder con su gran exposición Frida: The Making o fan Icon, actualmente en exhibición en el Museum of Fine Arts, Houston, hasta el 17 de mayo. (Después viajará a la Tate Modern de Londres en junio).

La muestra reúne 35 obras de Frida Kahlo junto con piezas de artistas que han tomado prestada su imagen, han dialogado con ella y, en algunos casos,

incluso se han apropiado de ella de forma directa, trazando así la transformación de artista a fenómeno.

La exposición de Ramírez dialoga con su libro homónimo, que aborda a Kahlo no solo como pintora, sino como una construcción cultural moldeada por la política, el feminismo, la identidad y décadas de reinterpretación. Se trata del primer estudio académico de gran escala que analiza a Frida como un ícono global —y por qué sigue siendo relevante hoy, en la era de las marcas personales y caos perfectamente curado—

Me senté con Ramírez para hablar sobre cómo separar a la artista del mito, qué fue lo que más le sorprendió durante su investigación y por qué la relevancia de Frida Kahlo no ha hecho más que intensificarse en los últimos 70 años. D.C.B: En noviembre de 2025, la obra que Frida Kahlo pintó en 1940, El sueño (La cama), se vendió por 54.7 millones de dólares en Sothebys convirtiéndose en la obra más cara de una mujer jamás subastada. ¿Estos eventos del

mercado ayudan cuando alguien como tú trabaja en una exposición de museo?

Mari Carmen Ramírez: “No me sorprendió que alcanzara ese precio, considerando todo el hybe alrededor de Frida. Pero, para mí, en términos académicos y de los temas que me interesan sobre ella, es más una distracción que otra cosa”.

D.C.B.: ¿Por qué? Me imagino que es por que coloca la obra en un contexto más financiero que artístico.

M.C.R.: “Sí, pero también porque la gente tiende a enfocarse en eso en lugar de en otros aspectos que son incluso más importantes”.

D.C.B.: El argumento es que Frida Kahlo significa mucho más que un récord de subasta.

M.C.R.: “Exactamente. Es un fenómeno, mucho más que un artista. Eso es lo que la exposición busca poner en evidencia: lo que yo llamo el Fridafenómeno, una combinación de iconicidad, MIRADA INTERNA En página opuesta: Memoria, el corazón (1937), de Frida Kahlo.

Frida Kahlo es una artista que se ha convertido en la obsesión de otros artistas, movimientos y mujeres alrededor del mundo.

AGENDA VOGUE

mito y cultura de consumo”

D.C.B.: ¿Es correcto decir que tu exposición es la primera en abordar explícitamente a Frida Kahlo como un ícono global?

M.C.R.: “Hubo una exposición en 1992 en la Ciudad de México llamada Pasión por Frida que intentó hacerlo, pero fue demasiado pronto. Frida se convirtió en un ícono global a finales de los noventas y en los años 2000. Aquella exposición sentó las bases, pero aún era temprano para dimensionar cuán global se volvería”.

D.C.B.: Entonces, ¿por qué tardó tanto?

M.C.R.: “Frida es un fenómeno curioso porque no fue un ícono durante su vida. No se consideró como un artista profesional durante gran parte de ella y siempre estuvo a la sombra de su famoso esposo muralista, Diego Rivera. De hecho, vendió muy pocas obras.

Cuando murió en 1954, era conocida principalmente en círculos intelectuales de Estados Unidos y México. No es sino hasra 1976 y 1977 cuando aparecen las primeras biografías de Frida Kahlo en México, y luego, en 1983, el libro e3 Hayden Herrera se convierte en un éxito rotundo y se traduce a muchos idiomas. Ahí es cuando se vuelve un ícono plural, porque coincide con el movimiento estudiantil posterior a 1968 y con una nueva generación de artistas y activistas mexicanos que la redescubren en los años 80 y 90”.

D.C.B.: ¿Y entonces se convierte en algo global?

M.C.R.: “Si, ocurre a nivel mundial. Sus precios suben, gana presencia en el mercado. Pero lo más importante es cómo es adoptada por múltiples movimientos sociales, políticos y artísticos en los años 80 y 90. Eso es lo que la con-

vierte en un ícono global”.

D.C.B.: ¿Hubo un momento específico que detonara este estatus y volviera innegable su presencia póstuma como ícono?

La contribución de Madonna fue hacer que Frida entrara en su círculo de celebridades y eso tuvo un impacto muy real.

M.C.R.: “El proceso comienza a finales de los años 70. Lo asombroso es que el movimiento chicano en Estados Unidos el que proyecta fuera de México por primera vez. Al mismo tiempo, el movimiento feminista la reclama, y el movimiento LGBTQ+ también se apropia de ella. La exposición Splendors of Mexico, que tuvo lugar en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York en 1990, formo parte de un festival a nivel ciudad que incluyó casi 200 exposiciones. Fue patrocinado por el Gobierno mexicano y por intereses empresariales: llenaron Nueva York con carteles de Frida. Frida estaba en los camiones, en los espectaculares. Hubo toda una campaña de marketing que la llevó hasta la puerta de los hogares neoyorkinos en 1990. Luego, alrededor de 1992 o 1993, Madonna se hace parte del club de fans de Frida y compra dos de sus pinturas famosas. La contribución de Madonna fue hacer que Frida entrara en su círculo de celebridades… y eso tuvo un impacto muy real”.

D.C.B.: Es verdad que Madonna es muy conocida en el mundo del arte por coleccionar obras claves de artistas mujeres.

M.C.R.: “Si, y eso también impulsó la actividad del mercado: los precios de la obra de Frida Kahlo siguieron subiendo. En conjunto, estas tres cosas -la muestra del MET, Madonna y el mercado del del arte- comienzan a generar una comercialización de su imagen y su trabajo. La gente empieza a usar camisetas y bolsas, a intentar encarnarla. Eso es, de nuevo, lo que yo llamo el Fridafenómeno”.

D.C.B.: ¿Esto es único de Frida?

M.C.R.: “Muchos artistas han tenido un atractivo un atractivo masivo. Piensa en Picasso, Van Gogh, Andy Warhol. Pero ninguno ha provocado lo que provoca Frida, en el sentido de que la gente quiere encarnar a Frida, ser Frida, vestirse como Frida. Hay concursos de dobles de Frida -¡siete décadas después de su muerte!-. Frida y sus seguidores que no se encuentra con otros artistas. El culto a Frida lo abarca todo: no solo su arte, sino su persona, su vestimenta, sus accesorios, todo”.

ANTES DE LOS TR3INTA

En las últimas décadas, la música cambió de reglas, formatos y voces. Ellas crecieron dentro de esa transformación y hoy definen un presente sonoro que mira hacia delante. Con las palabras de MARIA VILLARREAL.

MARÍA BECERRA

Nacida en Argentina, María Becerra construyó su carrera paso a paso, pasando de creadora digital a una de las voces más influyentes del pop latino actual. Su música cruza géneros, conecta con una generación y combina sensualidad, fuerza y una identidad sonora cada vez más definida.

YOUNG MIKO

(En página opuesta) Desde Puerto Rico, Young Miko irrumpió en la escena urbana con una actitud directa y un discurso sin filtros. Su trayectoria avanza entre el trap y el reguetón, construyendo una identidad propia que conecta con una generación que explora nuevos códigos, lenguajes y ritmos.

AGENDA VOGUE

CAMILA FERNÁNDEZ

Camila Fernández es una cantante mexicana que creció entre escenarios, tradición y legado, pero decidió construir su propio camino. Su música parte del regional mexicano y lo reinterpreta con una sensibilidad contemporánea. Con el tiempo, ha afinado una narrativa que habla de identidad, herencia y evolución.

EMILIA MERNES

Emilia Mernes es una artista argentina que ha sabido leer el pulso del pop contemporáneo. Su recorrido muestra una transición clara hacia una propuesta más personal, donde dialogan el sonido y la imagen. Su trayectoria traza una identidad que se redefine con el tiempo.

SILVANA ESTRADA

Artista mexicana nacida en Veracruz, ha construido una carrera donde la emoción manda. Su música mezcla raíces latinoamericanas, jazz y ritmos de autor con una sensibilidad muy propia. Cada disco afina su lenguaje, y confirma que su voz es una búsqueda honesta y profundamente personal.

BU CUARÓN

Bu Cuarón es una artista que pertenece a una generación que entiende la música como extensión del pensamiento. Su trabajo se mueve entre letras directas y una estética retadora. Su carrera reconoce por la coherencia entre lo que escribe, cómo la canta y cómo decide mostrarse.

KENIA OS

Kenia Os es una artista mexicana que ha sabido transformar visibilidad en oficio. Su paso de creadora digital a figura del pop latino se construye con estrategia, intuición y una conexión directa con su audiencia. Música, imagen y narrativa conviven en un proyecto que entiende el momento.

TOKISCHA

Tokischa es una artista dominicana que irrumpe en la música desde la provocación y la libertad absoluta. Su proyecto tiene tintes de rap, dembow y performance con una actitud frontal y política. Fuera de ajustarse a la industria, ha construido una presencia que convierte la incomodidad en discurso.

NICKI NICOLE

Nicki Nicole irrumpe desde Rosario como una de las voces más singulares de la nueva música argentina. Su recorrido va desde el trap hasta el pop y R&B con una mirada directa y contemporánea, construyendo una identidad que se siente íntima, honesta y en constante transformación

BECKY G

Una artista que creció entre dos culturas y convirtió esa mezcla en motor creativo. Desde Estados Unidos, con raíces mexicanas, ha construido una carrera que se mueve con naturalidad entre el pop latino, el reguetón y la música regional, siempre con una voz que conecta generaciones.

LORÉN ALDARONDO

Lorén Aldarondo es una de las voces que define el universo de Chuwi, una banda puertorriqueña que combina indie, pop y exploración sonora con mucha naturalidad. Desde el proyecto colectivo, Lorén construye una presencia íntima, donde la canción funciona como espacio de búsqueda e identidad.

Gesto de impacto

A lo largo de 40 años, Inez & Vinoodh han creado un imaginario visual que habita entre la belleza y la incomodidad, redefiniendo la fotografía.

DURANTE CUATRO DÉCADAS. Inez van Lamsveerde y Vinoodh Matadin han trabajado como si el tiempo fuera un material más: maleable, cuestionable, siempre dispuesto a ser reescrito. Su trayectoria no se entiende solo como la suma de imágenes icónicas, sino como un proceso de constante exploración visual que ha redefinido los límites entre arte, moda y cultura contemporánea. Desde que comenzaron a trabajar juntos a finales de los años ochenta, el dúo ha construido una obra que incomoda, seduce y, sobre todo, piensa la imagen como un lenguaje con importante peso conceptual. En los primeros años noventa, cuando la fotografía digital aún era vista con escepticismo, Inez & Vinoodh fueron los primeros en entender su potencial creativo. Lejos de usar la tecnología como un simple recurso técnico, la incorporaron como parte del discurso, manipular la imagen era también cuestionar la idea de verdad, cuerpo e identidad. Esa experimentación temprana marcó el tono de toda su

carrera. Sus fotografías no buscan la perfección clásica, sino una tensión constante entre belleza y extrañeza, entre lo reconocible y lo perturbador.

Ese equilibrio se convirtió en su firma. A lo largo de los años desarrollaron un estilo de seducción visual atravesado por narrativas provocadoras, donde los cuerpos parecen al mismo tiempo poderosos y vulnerables. En su obra, la moda no es solo vestuario: es un vehículo para hablar de género, deseo, fama, espiritualidad y control. La cámara de Inez & Vinoodh nunca es neutral, siempre hay una intención clara de poner al espectador en una posición de cuestionamiento, obligarlo a mirar dos veces.

Parte fundamental de su relevancia radica en su capacidad de operar simultáneamente en el mundo el arte y en el de la moda, sin jerarquías evidentes entre uno y el otro. Su inquietud creativa los ha llevado a producir editoriales revolucionarios, campañas influyentes, cine y vídeo. En todos sus trabajos su narrativa visual se intensifica.

IMAGEN INFINITA

Arriba desde la izda.: LG 3000 (2016); Kate Moss en Harper´s Bazaar (1999) Think Love (2025), todas de Inez & Vinoodh

Hay, a 40 años de su asociación artística, el Kunstmuseum Den Haag celebra su trayectoria con una gran exposición retrospectiva que revisita este diálogo creativo sostenido en el tiempo. La muestra invita a reflexionar sobre cuatro décadas de colaboración, experimentación y preguntas abiertas, confirmando que el trabajo de Inez & Vinoodh no pertenecen a una época específica, sino a un estado permanente de búsqueda. Más que mirar hacia atrás con nostalgia, la exposición funciona como reafirmación de su capacidad para imaginar nuevas formas de ver.

Ubicado en La Haya, el Kunstmuseum Den Haag es una de las instituciones culturales más importantes de los Países Bajos, reconocido por su arquitectura modernista y enfoque en e arte moderno y contemporáneo. En este contexto, la retrospectiva adquiere un peso especial. Celebra una carrera excepcional e inscribe la obra del dúo dentro de una historia artística que valora la experimentación, el cruce de disciplinas y la potencia conceptual de la imagen. -M.V.G.

Hacer cine en México es un reto, hacer cine documental aún más, pero cine documental de corte social, a veces, parece imposible. Nadia Gómez, directora del documental, No me olviden falto yo, lo ha vivido en primera persona. Su proyecto comenzó en 2019, cuando supo por primera vez del caso de Esmeralda Castillo, la joven mexicana que desapareció en Ciudad Juárez, Chihuahua, en 2009, cuando tenía 14 años. Desde ese entonces, su padre, José Luis Castillo, y el resto de su familia, no han cesado su búsqueda.

Nadia Gómez estudió cine en Puebla y emprendió el documental como su trabajo de tesis. Desde 2020, cuando inició la preproducción, hasta 2025, año en el que concluyó las filmaciones, ha seguido a José Luis Castillo en una

No me olviden falto yo

El cine se vuelve aliado de la deuda social. Con las palabras de FERNANDA PÉREZ.

etapa en la que su búsqueda ha trascendido más allá de su hija, convirtiéndose en uno de los activistas de personas desaparecidas más destacados de México. Incluso fue reconocido con un Doctorado Honoris Causa por el Instituto de Estudios Superiores de Chihuahua el año pasado.

La imagen del padre y activista portando una lona con la imagen de su hija con la leyenda “no me olviden falto yo” se transformóz en un momento simbólico en las marchas del 8 de marzo de la Ciudad de México, sobre todo entre 2021 y 2022. José Luis lanzaba diamantina rosa al aire mientras las mujeres a su alrededor lo apoyaban: “no estás solo”. El alcance de las redes sociales sirvió para que su caso adquiriera más notoriedad.

A inicios de 2026, el Instituto Nacional Electoral informó una cifra de 118,962 personas desaparecidas, un incremento de más de 24,000 personas respecto a las cifras reportadas en 2023.

Incluso con esta inquietante realidad que es de conocimiento público, el principal obstáculo al que Nadia se ha enfrentado para que el documental vea la luz es el de los temas que aborda: feminismo, desapariciones en México, las fallas del sistema judicial para enfrentar esta problemática y la resiliencia de las familias buscadoras.

A pesar de las negativas que ha recibido de parte de posibles inversionistas, la cineasta tiene otro punto de vista: “El tema del documental es uno en el que yo confío plenamente y aseguro que se tiene que hablar y se tiene que visibilizar aún más. Porque creo firmemente que el cine puede llegar a cambiar perspectivas y creo que también permite llegar a las emociones, a empatizar al público se une a la causa, que mueva algo en las personas con esas narrativas que a muchos de nosotros nos traspasan.

Que importante es que se hable mucho de esto, qué bueno que a la gente no se le olvide que esto sigue pasando y que sigue pasando cada vez más, ni siquiera es como que se haya reducido”.

No me olviden falto yo va más allá de la desesperación de Esmeralda. La directora exploró la forma en la que

José Luis Castillo y sus familiares hicieron de su búsqueda en una lucha colectiva: “Esta familia, tanto como José Luis, su esposa, sus hijos, sus nietos, sus sobrinos [decidieron], a pesar de todo el caos y el dolor por el cual pasaron, hacerse activistas y convertir su dolor en ayudar a los demás y en seguir exigiendo justicia […] Nunca se quedan ellos parados sin hacer nada”.

Las demandas de José Luis se extienden ya a 17 años de seguir pistas, muchas de ellas falsas, exigir a las autoridades, asistir a manifestaciones en su natal Ciudad Juárez y también en la capital mexicana, enfrentarse directamente con funcionarios públicos, hacer que el rostro de su hija permanezca vigente. No obstante, en su convivencia, Nadia ha descubierto que las pesquisas de Esmeralda y su activismo ya son una misma causa. “Creo que su lucha ya no es nada más por Esmeralda, claro que es para saber dónde está ella, pero creo que ya lo hace también como una exigencia total hacia el gobierno” explica, “siento que ese es su motor. Ya no es solo Esmeralda, sino todos los demás que faltan”.

La familia Castillo no ha permitido que nadie haga filmaciones en su casa, solo Nadia y su equipo han ganado toda su confianza para ser quienes cuenten su historia. La cineasta quería que el proyecto fuera liderado esencialmente por mujeres, cuenta con la coproduc-

ción de Ruth Luis, María José Oviedo y Diandra Arriaga. Hacer este documental no solo ha consistido en seguir el paso de José Luis, también observar su evolución. “Él lo dice, era un hombre ´macho mexicano´, de los que pensaban que la mujer en la cocina, la mujer en la casa. [Ahora] sabe muchísimo de derechos humanos, ayuda a otras familias, se va exigir justicia a las marchas feministas, es un hombre deconstruido”.

Nadia y su equipo optaron por la vía independiente para lanzar su proyecto. Por ahora están en búsqueda de financiamiento e inversionistas para concluir la fase de post producción. “Confiamos en que se van a terminar y sea como sea, lo vamos a hacer, de eso estoy segura, de ese me encargo” dice con determinación.

Por José Luis Castillo y su familia, por todos los desaparecidos, No me olviden falto yo es un documental que merece ser visto y difundido. Antes de concluir la entrevista, Nadia compartió las palabras del activista: “No quiero que Esmeralda quede en el olvido, quiero que su rostro y su historia sigan siendo visibles”. Este deseo también resume el sentido más profundo del proyecto: que la memoria sea una forma de justicia. Puedes seguir y apoyar el camino del documental con un granito de arena o formando parte de la conversación a través de su cuenta oficial de Instagram: @nomeolvidenfaltoyo.

MEMORIAS QUE

NO SE BORRAN

En página opuesta: Nadia en total look de FERRAGAMO; derecha, detalle del documental No me olviden falto yo, que retrata la búsqueda

José Luis Castillo por encontrar a su hija: Esmeralda de Ciudad Juárez

Puntos de vista

El 25 aniversario del Serpentine Pavilio viene de la mano de un proyecto creado por manos mexicanas, que reimaginan la arquitectura de lo efímero.

El Serpentine Pavilion se ha caracterizado desde el 2000 como una comisión de arquitectura efímera en los jardines de Kensington que comenzó con Zaha Hadid, probando que ésta también puede generar emociones, construir mensajes que exploren las conexiones entre naturaleza, humanidad, sociedad e impermanencia, convirtiéndose con el paso de los años en una iniciativa que impulsa propuestas emergentes con crítica e innovación. Este año, cumple su 25 aniversario y, como una de las noticias más emocionantes en este escenario, sabemos que el proyecto estará a cargo de LANZA Atelier, un estudio mexicano liderado por Isabel Abascal y Alessandro Arienzo, que abrirá sus puertas en junio de 2026. Éste es el segundo despacho de diseño mexicano en alcanzar este logro,

después de que Frida Escobedo lo hiciera en 2018, probando que la arquitectura mexicana capta la atención del mundo.

“LANZA tiene ya 10 años y tiene sede en la Ciudad de México. Es un estudio de arquitectura cuyo interés siempre ha sido el desarrollo de conceptos o que entiende a la arquitectura como algo que trate de cuestionar. Siempre hemos estado conectados con el diseño de museografía e inmobiliario, y poco a poco hemos tenido más encargos residenciales, desde renovaciones hasta casas. Hace dos años terminamos el pabellón de cultura comunitaria de Chapultepec que transformamos lo que era el estado mayor, alrededor de 15 mil metros cuadrados, en un espacio para niños muy especial”.

“El proceso de la arquitectura permite poner a prueba el propio habitar,

CREADORES

Arriba: Isabel Abascal y Alessandro Arienzo, son los fundadores de LANZA Studio, que estará a cargo este año del Serpentine Pavilion. Izquierda: detalle del proyecto del estudio mexicano

y explorar lo que puede albergar y cómo puede conectar historias y contextos. En nuestro caso, depende el proyecto, pero buscamos que la gente comparta estas experiencias, porque eso es importante: sentirte parte de y que te permita estar coexistiendo con ellos”, dicen los fundadores del estudio.

Para LANZA, Latinoamérica pasa por un gran momento. “Yo creo que el arte de Latinoamérica está desde hace algunos años en un buen momento. Existe una manera de hacer las cosas completas, como se ve en Argentina, Colombia o Brasil. Creo que todos los países de Latinoamérica tienen arquitectos destacados y en ese sentido eso hace que sea relevante en el mundo”.

“La arquitectura permite crear comunidad, y en el caso del Pabellón es lo mismo, aunque creo que en nuestro

caso eso ya está presente en nuestros espacios públicos, la fuerza de la arquitectura permite que otras personas se junten. Es muy emocionante cómo se dieron las cosas porque mientras nosotros cumplimos 10 años, y ellos 25, creo que nosotros estamos comprometidos con nuestra idea de experimentar sobre todo para ver cómo la arquitectura puede ser más sustentable, más sostenible y más alineada con lo que el mundo necesita hoy. De hecho, desde Serpentine eso es algo que nos han dicho, que han buscado experimentar más, y eso es muy bonito. Hay cosas aquí que son transportables, por eso construimos unos muros muy permeables, porosos, con el fin que puedas ver a través de ellos por medio del tabique, que es un elemento que no se había usado aún en Serpentine”.

Atrás del FLASH

Nuestra melena, un elemento vital de nuestra feminidad se convierte en protagonista de esta historia en la que llevas tus favoritos a tu manera. Con la fotografía de CHUNG WOO YOUNG y el peinado por DO YOUG SHIN

INFINITAS POSIBILIDADES

Arriba, desde la izquierda: base de maquillaje Airbrush Flawless Blur Concealer, de CHARLOTTE TILBURY; barra de sombras y contour The Multiple, de NARS.

Los productos de maquillaje nos invitan no solo a crear, sino a disfrutar y confirmarnos que las posibilidades que nos permiten reinventarnos, pueden acercarnos más a cómo nos sentimos, porque sinceramente, hoy no somos las mismas personas de ayer ni seremos las mismas para mañana. A veces simplemente necesitamos un toque extra de máscara de pestañas para abrir nuestra mirada o marcar un poco los labios con nuestro color favorito para brindarnos un toque de hidratación extra que no estábamos seguros que necesitábamos.

Actualmente, con la rutina a toda velocidad que tenemos, eso nos exige fórmulas amigables, de fácil aplicación y deslizamiento. Ese es el caso de los nuevos productos que han lanzado marcas como Dior Beauty y NARS, que nos deja en claro que la hidratación y la duración va de la mano con la innovación en las gamas tonales. Colores audaces se unen a portafolios clásicos para decantarnos con combinaciones que celebran a todas las pieles, y es que de eso se trata el maquillaje.

Recordemos nuestra infancia, en donde mezclar productos se vuelve un juego de niños, elevando la interacción del cuello a nuestra melena, pues esta también se muestra como una extensión de nosotros mismos que también podemos reinventar con colores y cortes (solo es importante recordar que aquí, la decisión de hacerle algo tiene un efecto mucho más permanente), manifestando nuestra identidad.

NOTAS en rojo

PEl universo de Libre posee un nuevo ingrediente : Libre Berry Crush, una sinfonía olfativa que celebra a la feminidad sin condiciones.

En el rebelde universo de YSL, todo es posible, y si eso lo extrapolamos a su universo de Belleza, sin duda

Libre es el perfecto emblema de eso. Libre de restricciones, libre de reglas, libre de ideologías obsoletas... libre de ser quien eres. Y como la libertad es demasiado amplia para entrar en una sola palabra, la firma ha creado un universo para que cada alma tome aquella botella con las notas que mejor expresen su libertad, a las que recientemente se les ha unido Libre Berry Crush Eau de Parfum.

Sí, como su nombre lo indica, las frambuesas son parte de su esencia; se convierten en un antojo afrutado que muestra que la libertad también puede ser dulce y auténtica.

Dentro de las tendencias que se mueven en el universo de las fragancias, notas como la vainilla o la cereza cobran protagonismo, pero a YSL Beauty le gusta hacer las cosas de manera distinta pues después de todo, parte del ADN de la marca es su pasión por el riesgo e ir a contracorriente. Ser divertido e inusual y crear un estallido de emociones que provoquen todo, menos aburrimiento.

No conformes con una nota poco ordinaria como estrella, los expertos detrás del universo de libre ornamentaron la frambuesa con crema de coco, que envuelve sigilosamente el corazón de la fragancia con su delicado terciopelo, lo que permite que tenga una profundidad de carácter adictivo. Para terminar con un golpe de irreverencia, los sellos de Libre se convierten en el acompañamiento perfecto de la frambuesa: la flor de azahar de Marruecos y la lavanda.

La creadora de esta fragancia, la maestra perfumera Anne Flipo, asegura que esta versión de Libre es una que no acepta disculpas, más bien dice lo que piensa y es firme con sus convicciones e ideas. Su musa es una que no pide disculpas y prefiere la honestidad, alguien leal y una femme que celebra su feminidad a través de cada gesto.

Si bien ya nuestra psique conecta a Dua Lipa como la embajadora oficial, para cuando estas líneas lleguen a ti, ya sabrás que Danna (quien además es nuestra estrella de portada) se une a este universo como amiga YSL Beauty. Si lo pensamos, la cantante, actriz y productora, posee todo eso que caracteriza a Libre, lo lleva sin inhibiciones en la piel. Es una estrella local (para nosotros) a la que le tenemos un profundo afecto, pero que ya alcanza una talla mundial, con un fulgor que no podemos esperar a que se haga cada vez más fuerte.

Notas de frambuesa, vainilla y crema de coco se conjugan con la lavanda y la flor de azahar de Marruecos para crear una armonía hipnótica.

Musa internacional

DANNA es una artista que ha crecido con nosotros: se ha enfrentado al mundo una y otra vez, dándonos lecciones infinitas. Hoy, una de tantas es tomar el control de su narrativa con el fin de crear, ya sea frente al micrófono o dirigiendo 1% Records. Ella sabe que la fuerza de tu voz, no la quita nadie más que tú, por eso llega con la intención de construir su propia historia, una que busca compartir con aquellos que han permanecido fieles en su camino y con los nuevos lazos que ha construido. Sin disculpas ni pretensiones, ella es perfecta para llevar en la piel una fragancia como Libre Berry Crush.

¿Independencia?

La historia nos ha enseñado a celebrar nuestra independencia como Estado y sociedad, pero como mujeres, un gran número de elementos entran en juego cuando hablamos de ella. Con las palabras de CAMILA COLINA.

Quienes vivimos en alguna parte de Latinoamérica festejamos la independencia de nuestros países con orgullo, porque hemos aprendido sobre opresión y colonialismo. Sin embargo, hay otro evento histórico que tiene la misma importancia y del que pocas veces se habla: la independencia económica de las mujeres. Porque las mujeres siempre hemos trabajado, sí, pero no siempre —de hecho, casi nunca— hemos sido remuneradas por ello.

Si revisamos la historia de América Latina después de la conquista, encontramos que el papel de la mujer ha sido relegado casi exclusivamente a las labores domésticas, ya sea a través del matrimonio, la servidumbre o la esclavitud. El cuidado del hogar, de las infancias, de las personas mayores y la educación fueron asumidos como una extensión "natural" de nuestro género, no como trabajo. Tanto así que, para estudiar o acceder a cierta autonomía intelectual y material, muchas mujeres optaban por convertirse en monjas (véase Sor Juana Inés de la Cruz). Desde entonces —y hasta hoy— estas tareas han sostenido a la sociedad sin recibir pago, reconocimiento ni protección.

Según datos de ONU Mujeres y la CEPAL, alrededor de un tercio de las mujeres en América Latina ha vivido violencia económica o patrimonial. Esta es una forma de violencia que se manifiesta cuando una sola persona controla el dinero y las propiedades dentro del matrimonio y que, por lo tanto, puede usar su poder de decisión como mecanismo de control. Lo más difícil viene cuando entendemos que la violencia económica no siempre se vive como castigo explícito, sino que a menudo se disfraza de cuidado. Porque si tu pareja es tu principal fuente de ingresos, sea o no una buena persona,

dejarle se convierte en una decisión difícil, ya que implica colocarte en una situación económica vulnerable. Por eso no es exagerado decir que el trabajo —y una fuente de ingresos propios— son un seguro de vida, pues nos dan la libertad de construirla bajo nuestros propios términos.

Dado que el trabajo del hogar nunca se ha reconocido como lo que es —trabajo—, nuestras abuelas lucharon para incluirnos en la fuerza laboral y darnos el derecho a recibir un salario propio. En este contexto, el resurgimiento del deseo de "volver a ser ama de casa" que expresan muchas mujeres jóvenes hoy en día genera controversia. Pero pensemos: ¿qué implica "ser ama de casa" para estas mujeres que sueñan con dejar la fuerza laboral para regresar a cuidar del hogar? En redes sociales se muestran cuidando bebés, cocinando y atendiendo el jardín, pero rara vez nos muestran cómo lavan los baños o cómo planchan la ropa. Y así se abre una brecha entre las mujeres que anhelan la idea de hogar desde el privilegio y las mujeres que trabajan en el hogar a cambio de sueldos precarios y, muchas veces, sin acceso pleno a seguridad social.

A simple vista, este fenómeno parece apuntar hacia el deseo de una vida burguesa más sencilla, sin conciencia de las consecuencias que implica depender económicamente de otra persona. Pero si damos un paso más allá, el sueño de "la ama de casa" no viene necesariamente de una falta de deseo de trabajar, sino del sistema laboral al que nos enfrentamos. Porque, aunque hoy en día podemos trabajar y tener ingresos independientes, estos trabajos rara vez pagan lo suficiente para llevar una vida cómoda. Trabajamos más de 40 horas a la semana y, al final del día, ¿quién tiene energía para encargarse del hogar? Así que trabajamos más para

contratar a alguien que se encargue de la casa, replicando prácticas poco éticas que sostienen la precarización. Algo tiene que cambiar, y no es que las mujeres dejemos el trabajo, sino que el trabajo deje de ignorar las condiciones materiales de la vida.

Porque, aunque fue un gran mérito que las mujeres entráramos en la fuerza laboral, aún hoy no hemos logrado que el trabajo doméstico reciba el reconocimiento que merece, y seguimos valorando más trabajar fuera de casa

que quedarse y cuidar de ella, lo cual también es problemático. El problema no es elegir entre una oficina, el hogar o un emprendimiento propio. El problema es que, bajo un sistema que remunera solo ciertas actividades, el trabajo doméstico queda relegado al último lugar, sin prestigio ni protección. Y luego nos sorprende que, en una cultura que no considera el cuidado del hogar y de nuestros vínculos como una labor digna, atravesemos una crisis de soledad y desconexión sin precedentes.

La nostalgia por el hogar prometido no es casual, de hecho, tiene mucho sentido en esta economía.

La nostalgia por el hogar prometido en la infancia no es casual. De hecho, tiene mucho sentido en esta economía. Pero romantizarlo sin reconocer que la independencia económica es una condición mínima de libertad (una que a los hombres no se les ha condicionado nunca), es peligroso. Y mientras no la nombremos, no la garanticemos y no la celebremos con la misma fuerza con la que celebramos otras independencias, seguirá siendo la deuda histórica más silenciosa de nuestra región.

DE MUJER A MUJER

Esta es la iniciativa de PhotoVogue, que para 2026 celebra el poder de la feminidad y la revolución en códigos propios.

Con las palabras de ALESSIA GLAVIANO.

LA IGUALDAD DE GENERO suele describirse como una meta ya alcanzable. En realidad, sigue siendo profundamente desigual. En numerosos ámbitos, incluidos el arte y la creación de imágenes, las mujeres continúan enfrentándose a desequilibrios estructurales en términos de visibilidad, reconocimiento y poder. Derechos que antes se consideraban garantizados están cada vez más expuestos a reacciones políticas, sociales e ideológicas. Women by Women nace de esta realidad.

En este contexto, Photo Vogue sintió la gran urgencia de actuar; no para celebrar una victoria, sino para responder a un momento en el que el progreso no puede darse por sentado. Women by Women fue concebido como un espacio de total autoría y responsabilidad, donde las mujeres pudieran definir sus propias narrativas sin mediación ni expectativas impuestas.

El proyecto se apoya en la noción de la mirada femenina y, al mismo tiempo, la trasciende. Mientras esta cuestionó históricamente cómo han sido representadas las mujeres, Women by Women plantea qué sucede cuando las mujeres recuperan plenamente la autoría: cuando no solo son los sujetos de las imágenes, sino también sus creadoras y narradoras; cuando la representación se vuelve autodeterminada en lugar de reactiva.

Concebida con un alcance deliberadamente amplio, la convocatoria abierta recibió propuestas de fotografía y video en distintos géneros, desde moda y retrato hasta documental y prácticas de investigación a largo plazo. La respuesta confirmó tanto la urgen-

cia como la magnitud de esta necesidad. Más de 9,500 artistas mujeres de todo el mundo enviaron su trabajo, abarcando generaciones, geografías y contextos culturales diversos. Los proyectos seleccionados reflejan esta amplitud y abordan temas como identidad, moda, deporte, intimidad, cuidado, deseo, violencia, memoria, espiritualidad y resistencia, donde la experiencia personal suele entrelazarse con realidades sociales y políticas más amplias.

Women by Women no propone una estética unificada ni una definición única de lo que significa ser mujer. En su lugar, abraza la pluralidad y la complejidad. Lo que conecta a estas obras no es el estilo, sino la agencia: una insistencia compartida en la autoría y en el derecho a ser vistas en sus propios términos.

Lo que emerge es un coro de posiciones diversas, más que una declaración única. Cada proyecto afirma una forma de ver arraigada en la experiencia vivida, la especificidad cultural y la historia personal. En conjunto, conforman una constelación de voces que resiste la simplificación y rechaza la jerarquía, lo que nos recuerda que la multiplicidad en sí misma es una forma de fortaleza. En un momento en el que la visibilidad puede ser frágil y los derechos no pueden darse por sentados, Women by Women reivindica la creación de imágenes como un acto cultural con consecuencias reales. Se erige como una declaración colectiva y un recordatorio de que la representación nunca es neutral, y quién crea las imágenes sigue siendo fundamental

INSPIRACIÓN FEMENINA

En página opuesta: imagen de Francesca Allen, de Reino Unido de Gran Bretaña y Norte de Irlanda