Issuu

EDITORIAL Director de Proyecto B A N Editor Lucas Blumen

COMERCIAL Relaciones Institucionales Ariana Ramos Publicidad y Comercial Lucas Blumen Producción de Eventos Ezequiel Dafont Operaciones Santiago Camaño

REDACCIÓN Lucas Blumen Colaboradoras Patito Festa, Belén Mingrone Coordinación de colaboradoras Malena Nenna

DISEÑO Director Alejandro Ramos Diagramación Sergio Aguirre

AGRADECIMIENTOS Alan Medeiros, Bebe Pueyrredón, Camila Blousson, Camila Weder, Clara Lavalle Cobo, Cynthia Manta Agüero, Demi Vecchio, Emma Chambers, Florence Sillett-Scoggins, Henrique Mattar, Juana Dufour, Leandro Blanco, Leo Jurjevich, Leonardo Del Temple, Manuel Cia, Marllon Eduardo Gauche, Mateo Moldes, Matteo Molina, Melina Quiroz, Sebastián Arias, Sophie Carr y Thais Bello. Créditos foto de tapa Cecilia Minassian

CONTACTO

info@djmagla.com

a música electrónica nunca deja de moverse. Cambian los sonidos, aparecen nuevos artistas, la tecnología redefine la manera de crear y las ciudades encuentran nuevas formas de vivir esta cultura. Pero hay algo que permanece intacto: la capacidad de reinventarse sin perder su esencia.

Esta edición recorre ese momento de transformación. Desde los 30 años de Drumcode junto a Adam Beyer hasta el regreso de Ultra Buenos Aires y el crecimiento de Ultra Perú, pasando por la llegada de Buenos Aires Dance, las reflexiones de Richie Hawtin sobre la inteligencia artificial, el fenómeno global de John Summit y una nueva generación de artistas latinoamericanos que empieza a escribir su propia historia. También exploramos los sonidos que marcaron el año, el auge de nuevas tendencias, proyectos que desafían los formatos tradicionales y espacios que siguen ampliando los límites de la cultura electrónica. Junto a BOMBO, en DJ Mag Latinoamérica seguimos analizando y documentando la evolución de una escena que no deja de crecer. Porque hoy la música electrónica ya no se construye únicamente desde una cabina: se construye a través de las personas, las ideas y las comunidades que la mantienen en constante movimiento.

LUCAS BLUMEN Editor

CONTENIDO

22. JOHN SUMMIT

24. TECKTONIK

26. DYEN

28. RICHIE HAWTIN

30. STEVE ANGELLO

32. MONOLINK

34. AGUSTIN GIRI

36. PROFETIK

38. ADE

40. SURREAL PARK

42. D EDGE

12 ADAM BEYER QUÉ ESTÁ PASANDO

06. ULTRA BUENOS AIRES

EN EL RADAR

08. ULTRA PERÚ

INDUSTRIA

18. TRACKS DEL 2026

10. BAD LIFESTYLE

20. NOISE MAFIA/PETERBLUE

44. GUÍA NUTRICIONAL

46. NUEVOS ARTISTAS

QUÉ ESTÁ PASANDO

Texto: LUCAS BLUMEN

ULTRA BUENOS AIRES 2026: EL MOMENTO EN QUE ARGENTINA VOLVIÓ A SENTIRSE EN EL CENTRO DEL MAPA ELECTRÓNICO MUNDIAL ENTRE CIERRES MONUMENTALES, MOMENTOS EMOTIVOS Y UNA NUEVA GENERACIÓN RAVE TOMANDO PROTAGONISMO, ULTRA BUENOS AIRES 2026 VOLVIÓ A SENTIRSE MUCHO MÁS QUE UN FESTIVAL: UNA CELEBRACIÓN CULTURAL DE ESCALA MUNDIAL VIVIDA DESDE ADENTRO.

ay algo que pasa con ULTRA Buenos Aires que ningún otro festival termina de replicar del todo. No es solamente el tamaño, ni los fuegos artificiales, ni la cantidad de artistas gigantes compartiendo un line-up. Es la sensación de estar viviendo algo que, por un fin de semana, hace que Buenos Aires deje de mirar hacia afuera y se convierta en el lugar al que todos miran. Y esta edición 2026 tuvo exactamente eso. Durante dos jornadas en el Parque de la Ciudad, más de 80.000 personas atravesaron una edición que se sintió más ambiciosa, más diversa y mucho

djmagla.com

más conectada con el presente de la cultura electrónica mundial. Desde el ingreso aparecía esa sensación de escala internacional que convirtió a ULTRA en una referencia absoluta: estructuras gigantes, visuales impactantes y una producción que volvió a posicionar al festival como el evento electrónico más importante del país. El Main Stage volvió a funcionar como el gran corazón emocional del fin de semana. El primer día tuvo momentos de energía constante con shows enormes de KSHMR, Steve Angello y Dom Dolla, uno de los artistas que mejor entendió el espíritu actual de los festivales: grooves efectivos,

edits explosivos y una conexión inmediata con el público argentino. Más tarde, Zedd cerró la noche con un set cargado de himnos y melodías coreadas de principio a fin, recordando por qué sigue siendo uno de los artistas que mejor entiende cómo cerrar un Main Stage. El cierre con “Clarity”, acompañado por una lluvia de fuegos artificiales sobre el Parque de la Ciudad, terminó de transformar el Main Stage en uno de los momentos más emotivos de toda la jornada. En paralelo, RESISTANCE volvió a consolidarse como uno de los espacios más sólidos del

QUÉ ESTÁ PASANDO

festival. Envuelto entre las estructuras de una montaña rusa abandonada, el stage parecía una pequeña ciudad industrial perdida dentro de ULTRA. Carlita aportó elegancia y groove, Cloonee manejó el dancefloor con precisión absoluta y el B2B entre Joseph Capriati y Mau P dejó uno de los cruces más interesantes del fin de semana. Jamie Jones, por su parte, transformó el cierre en una fiesta interminable donde parecía imposible abandonar la pista. Pero gran parte de la intensidad de esta edición estuvo en RESISTANCE 2. Klangkuenstler, Patrick Mason e Indira Paganotto dejaron claro hacia dónde está evolucionando el sonido más extremo de la escena actual, mientras que 999999999 y Fantasm llevaron la energía del escenario a uno de los puntos más altos del festival.

El segundo día tuvo otra narrativa. Más melódica, más emocional y también más cinematográfica. deadmau5 ofreció uno de los sets técnicamente más sólidos del fin de semana, repasando varios de los clásicos que marcaron su carrera y presentando además “Science”, uno de los tracks más esperados de su nueva etapa musical. Después llegó Above & Beyond y el Main Stage cambió completamente de clima, con miles de personas cantando cada melodía trance bajo el cielo de Buenos Aires. El cierre de Alesso fue el golpe final que terminó de elevar la energía del Main Stage al máximo. Con una selección cargada de himnos festivaleros, visuales gigantes y un público completamente entregado, el sueco protagonizó uno de los momentos más impactantes del fin de semana cuando sonó “If I Lose Myself”, desatando una explosión de euforia y nostalgia. En RESISTANCE, el domingo tuvo una energía mucho más pesada desde temprano. Anfisa Letyago mantuvo el groove arriba durante todo su set, Enrico Sangiuliano llevó el stage hacia un sonido más hipnótico y Richie Hawtin apareció con esa oscuridad minimalista que todavía sigue sintiéndose futurista incluso después de tantos años. Ya entrada la noche, Charlotte de Witte tomó el control del cierre con

un RESISTANCE completamente explotado y una seguidilla de tracks que terminó llevando la tensión del stage al límite. Otro de los grandes aciertos de ULTRA 2026 fue el lugar que ocupó la escena argentina. Peces Raros ofreció uno de los lives más convocantes del fin de semana y artistas como Jay de Lys, Victoria Engel, Emiliano De Marco, Franco BA y Malena Narvay, entre muchos otros, demostraron el gran momento que atraviesa el talento local dentro de la electrónica regional. Al final del domingo, entre fuegos artificiales, abrazos y lágrimas de emoción, las pantallas del Main Stage anunciaron oficialmente el regreso de ULTRA Buenos Aires para el 2 y 3 de abril de 2027. La reacción fue instantánea: miles de celulares en el aire, gritos desde todos los rincones del predio y esa sensación de que, incluso después de dos días intensos, nadie estaba realmente preparado para que terminara. Porque más allá de los números o los escenarios, ULTRA Buenos Aires volvió a dejar algo claro. Argentina no solamente tiene público para la música electrónica. Tiene identidad, cultura y una escena capaz de sentirse nuevamente parte de la conversación global. Y por dos días, Buenos Aires volvió a ser el centro del mundo electrónico.

djmagla.com

QUÉ ESTÁ PASANDO

ULTRA PERÚ 2026: LIMA VOLVIÓ A VIBRAR HASTA EL AMANECER EL CALOR, LAS COLUMNAS DE FUEGO, EL SONIDO ATRAVESANDO TODA LA COSTA Y MILES DE PERSONAS MOVIÉNDOSE ENTRE STAGES CONVIRTIERON A ULTRA PERÚ 2026 EN UNA DE LAS NOCHES ELECTRÓNICAS MÁS INTENSAS QUE VIVIÓ LIMA EN LOS ÚLTIMOS AÑOS.

esde temprano, el Cultural Lima empezó a llenarse de ravers llegados desde distintos puntos de Latinoamérica para una edición que mezcló techno, progressive, hard dance y sonidos festivaleros en una programación que prácticamente no daba respiro. Y a medida que avanzaba la noche, la sensación era clara: ULTRA Perú ya no funciona solamente como una parada internacional dentro del circuito global, sino como uno de los encuentros electrónicos más importantes de la región. La cuarta edición del festival reunió a miles de personas frente al mar peruano con un line-up que combinó algunos de los nombres más relevantes de la electrónica mundial junto a una nueva generación de artistas locales que empieza

djmagla.com

a ocupar cada vez más espacio dentro del circuito sudamericano. Y uno de los momentos más esperados de toda la jornada llegó con Eric Prydz. Después de años de expectativa alrededor de su debut en Perú, Eric Prydz finalmente aterrizó en Lima para tomar el control del Resistance Stage con un set que terminó convirtiéndose en uno de los puntos más altos de todo el festival. Entre sus visuales distintivas, construcciones melódicas larguísimas y esa manera tan particular de generar tensión emocional dentro de la pista, Prydz transformó la carpa en un viaje que parecía avanzar constantemente entre la euforia y la introspección. Cuando sonó “Opus”, el stage completo explotó. Miles de personas levantando las manos al mismo

tiempo, celulares grabando cada segundo y un cierre que terminó confirmando por qué sigue siendo uno de los artistas más respetados de toda la cultura electrónica global. Su debut en Perú no se sintió solamente como una presentación más dentro del line-up: se sintió como uno de esos momentos que quedan asociados para siempre a una edición específica de ULTRA. Pero el festival nunca bajó la intensidad. En el Main Stage, Steve Angello fue el encargado de cerrar la noche con un show cargado de clásicos, visuales gigantes y una energía festivalera demoledora. El integrante de Swedish House Mafia volvió a demostrar por qué sigue siendo uno de los nombres más importantes de la escena mainstage moderna, llevando al

QUÉ ESTÁ PASANDO

público entre himnos melódicos, drops explosivos y un cierre acompañado por pirotecnia que terminó envolviendo todo el predio. Antes, Gryffin había aportado uno de los momentos más emocionales de toda la jornada con su mezcla de future bass y melodic dance, mientras Subtronics elevó completamente la intensidad del Main Stage con uno de los sets más agresivos y descontrolados de la noche. Pero gran parte de la personalidad de ULTRA Perú 2026 también apareció dentro de los stages Resistance. Adriatique construyó uno de los viajes más elegantes y profundos de toda la programación, Colyn volvió a conectar con el público latinoamericano a través de un set emocional y cinematográfico, mientras Nico Moreno convirtió el Resistance² en un verdadero caos

industrial de hard techno, kicks violentos y energía rave sin pausa. Reinier Zonneveld, con su clásico live set, terminó de consolidar una programación techno que prácticamente nunca perdió intensidad durante toda la madrugada. Más allá de los headliners internacionales, otra de las sensaciones más fuertes que dejó esta edición fue el crecimiento visible de la escena peruana dentro del festival. Nombres como Arbaiza, Romina Mazzini, Carlos Chaparro, Artattack, Damaray o M.E.R. compartieron line-up con algunos de los artistas más importantes del mundo, reflejando el momento que atraviesa la cultura electrónica local y la evolución que viene teniendo el circuito peruano en los últimos años. Y probablemente ahí esté una de las claves del crecimiento de ULTRA Perú.

Porque el festival ya no se siente únicamente como una franquicia global aterrizando en Lima por una noche. Se siente como un evento que empieza a construir una identidad propia dentro de Sudamérica, conectándose con una nueva generación rave y con una escena local que cada edición gana más protagonismo. La música terminó cerca de las tres de la mañana, pero nadie parecía realmente listo para irse. Todavía había gente caminando entre stages, abrazándose después de los últimos tracks y mirando las luces del predio apagarse lentamente frente al mar. Y esa quizás sea la mejor señal de lo que dejó ULTRA Perú 2026: una edición que volvió a confirmar que Lima ya ocupa un lugar cada vez más importante dentro del mapa electrónico internacional. djmagla.com

QUÉ ESTÁ PASANDO

BAD

Texto: LUCAS BLUMEN / Fotos: DELFI PIGNATIELLO

LLEGÓ PARA CAMBIAR LA MANERA EN QUE BUENOS AIRES VIVE LA MÚSICA ELECTRÓNICA CON CONFERENCIAS, POP-UPS URBANOS, NETWORKING, EXPERIENCIAS INMERSIVAS Y UNA AGENDA QUE CRUZÓ CULTURA, INDUSTRIA Y COMUNIDAD, BAD TRANSFORMÓ LA CIUDAD EN UNA PLATAFORMA INTERNACIONAL PARA LA MÚSICA ELECTRÓNICA CONTEMPORÁNEA.

ay semanas que dejan shows memorables. Y hay otras que modifican la energía completa de una ciudad. Buenos Aires Dance logró exactamente eso. Del 11 al 16 de febrero, Buenos Aires vivió una experiencia inédita para la escena electrónica latinoamericana: seis días donde la música salió del formato tradicional de club y festival para expandirse hacia el espacio urbano, la educación, la tecnología, el networking y la cultura contemporánea. Más que un evento, BAD apareció como una declaración de intenciones sobre hacia dónde puede crecer la industria electrónica en la región.

djmagla.com

La coincidencia con una edición histórica de ULTRA Buenos Aires terminó potenciando todavía más esa sensación de escala global. Mientras miles de personas llegaban a Buenos Aires para vivir uno de los festivales más importantes del continente, BAD construía en paralelo otro tipo de experiencia: una inmersión total en el ecosistema electrónico actual. La ciudad completa parecía entrar en modo electrónico. El corazón institucional del proyecto se desarrolló en la Usina del Arte, donde durante dos jornadas convivieron conferencias, workshops, paneles y masterclasses abiertas al público. Pero lo más

interesante fue quizás la manera en que BAD logró mezclar perfiles completamente distintos dentro de un mismo espacio: artistas emergentes, productores, estudiantes, managers, bookers, labels, marcas y referentes globales compartiendo conversaciones sobre creatividad, industria y futuro. Por los paneles pasaron nombres como Richie Hawtin, Indira Paganotto, Carlita, Kolombo, Miguel Bastida, junto a referentes argentinos como Mariano Mellino, Jay De Lys, Juan Hansen y Emiliano Demarco. A eso se sumó la participación de compañías internacionales como Ableton, Spotify, Sony Music Entertainment, Billboard,

QUÉ ESTÁ PASANDO

Ultra Records y William Morris Entertainment, aportando una mirada global sobre el presente del negocio musical. Uno de los espacios más comentados fue Women In Music, un panel enfocado en el crecimiento de la equidad dentro de la industria electrónica, con la participación de Victoria Engel, Inda Jani, La Cintia y Lolu Menayed, reflejando una conversación cada vez más presente dentro de la escena global. En paralelo, la Expo BAD funcionó como uno de los grandes puntos de encuentro de la semana. Activaciones de marcas como Ableton, Pioneer DJ by AlphaTheta, Algoriddim, Arjaus y Thonet & Vander convivieron con productoras, clubs y colectivos fundamentales del circuito regional como Rio Electronic Music, Crobar, Savage, Fragment y Lado B. Pero si hubo algo que terminó definiendo el espíritu de BAD fue su capacidad para sacar la música electrónica a la calle y convertir Buenos Aires en una experiencia cultural viva. CUANDO BUENOS AIRES SE CONVIRTIÓ EN PARTE DEL SHOW Las Pop-Up Sessions fueron probablemente la imagen más potente de toda la semana. Ver a Richie Hawtin tocando frente a Floralis Genérica, con cientos de personas rodeando uno de los íconos urbanos más reconocibles de la ciudad, generó una de esas escenas que instantáneamente se sienten históricas. La electrónica abandonando el club para mezclarse con el paisaje porteño. Un día después, Indira Paganotto llevó su universo a Caminito, mientras Carlita hizo lo propio en Puente de la Mujer, dejando otra de las postales más cinematográficas de toda la agenda BAD. La ciudad no funcionaba solamente como contexto: era parte de la experiencia.

Las noches también expandieron el concepto con sideshows distribuidos en algunos de los venues más importantes de Buenos Aires. Massano en Palacio Alsina, Dom Dolla en Native, Joseph Capriati en Oasis, O.Bee y Tomas Station en Crobar, además de las presentaciones de Indira Paganotto y Charlotte de Witte en Crobar, terminaron de consolidar una semana donde prácticamente toda la escena electrónica internacional parecía orbitando alrededor de Buenos Aires. El cierre tuvo uno de los momentos más emotivos de toda la agenda. El lunes 16 de febrero, Above & Beyond realizó un Meet & Greet en el Obelisco, conectando directamente con fans argentinos en uno de los símbolos más reconocidos del país. Luego, el trío accedió al último nivel del monumento para una visita privada, dejando una imagen que rápidamente se convirtió en una de las postales definitivas de BAD 2026. Porque más allá de los nombres, los escenarios o la magnitud de la producción, BAD dejó algo todavía más importante: la sensación de que Buenos Aires puede ocupar un lugar mucho más central dentro del mapa global de la música electrónica. Durante una semana completa, la ciudad dejó de sentirse únicamente como una parada importante para artistas internacionales y empezó a funcionar como un verdadero punto de encuentro cultural para toda la industria. Y eso, probablemente, fue lo más valioso que dejó BAD en su primera edición.

djmagla.com

30 AÑOS AL FRENTE DE DRUMCODE Nacido en Suecia en 1996, Drumcode pasó de ser un pequeño sello financiado por un joven de veinte años a convertirse en una de las instituciones más influyentes del techno global. Tres décadas después, Adam Beyer habla con DJ Mag Latinoamérica sobre obsesión, consistencia, inteligencia artificial, nuevas generaciones y el legado que espera dejar. Texto: LUCAS BLUMEN

Foto: @MELLAMOJULIAN

Foto: @CECIMINASSIAN

n 1996, Adam Beyer tenía veinte años, trabajaba en una disquería de Estocolmo y estaba dispuesto a invertir su propio dinero para prensar los primeros vinilos de Drumcode. No existía una estructura detrás ni un plan para construir una marca internacional. Había una idea, una distribuidora, algunos contactos y una obsesión por convertir la música en una forma de vida.

países —entre ellos Marco Carola, Joseph Capriati y Bart Skils— hasta convertirse en una plataforma global para nuevas generaciones de productores.

Los primeros lanzamientos respondían a una lógica directa: cuatro tracks funcionales por vinilo, producidos para DJs y editados en cantidades limitadas. Beyer decidió no realizar nuevas prensadas de los primeros títulos, incluso cuando la demanda era alta. Cada llegada a las disquerías se transformaba así en una carrera por conseguir una copia antes de que desapareciera.

El relanzamiento artístico del sello y la creación de Drumcode Radio en 2010 marcaron un punto decisivo. El programa conectó directamente a la marca con una audiencia mundial y ayudó a consolidar una comunidad que ya no dependía solamente de los discos.

Durante su primera etapa, el sello estuvo concentrado en la escena sueca. Con el tiempo incorporó artistas de distintos 12

djmagla.com

La historia tampoco fue completamente lineal. A comienzos de los años 2000, los cambios dentro del techno llevaron a Beyer a publicar menos música en Drumcode y explorar otros sonidos.

Treinta años después, Drumcode es mucho más que un sello: es una plataforma global que sigue acercando nuevas generaciones al techno sin perder la identidad que la convirtió en una referencia del género.

DE SUECIA A LATINOAMÉRICA La celebración de las tres décadas de Drumcode tuvo uno de sus capítulos más intensos en Latinoamérica. Después de presentarse en Bogotá, la marca llegó a Buenos Aires para una fecha agotada en Mandarine Tent encabezada por Adam Beyer, junto a Bart Skils b2b Konstantin Sibold y Victoria Engel.

Cuando lanzaste Drumcode en 1996, eras un productor de poco más de veinte años que prensaba vinilos con su propio dinero. Si pudieras volver a ese momento y ver todo lo que ocurrió después, ¿qué sería lo que más te sorprendería de la historia en la que finalmente se convirtió el sello? Tenía veinte años, una visión y un impulso muy fuerte por construir una carrera como DJ. ¿Pensaba que treinta años después seguiría aquí, dirigiendo Drumcode? Probablemente no. Pero eso es lo que sucede cuando estás obsesionado con algo. Me sorprendió que se convirtiera en la misión de mi vida. Y sigo tan obsesionado hoy como cuando empecé. Es algo hermoso poder tener una pasión que te acompaña durante toda tu vida. Muchos sellos sobreviven durante algunos años. Muy pocos mantienen una identidad reconocible durante tres décadas. Mirando hacia atrás, ¿hubo alguna decisión que tomaste durante los momentos más difíciles de Drumcode que consideres esencial para que el sello continuara siendo relevante treinta años después?

La lluvia, la garúa persistente y una de las noches más frías del invierno porteño no modificaron la convocatoria. Mandarine Tent lució completamente llena desde temprano y el público acompañó cada presentación hasta el cierre de Beyer.

La celebración continuó al día siguiente con un pop up en Crobar, donde Adam Beyer y Bart Skils extendieron el aniversario durante varias horas en uno de los clubes más emblemáticos de Buenos Aires. En conversación exclusiva con DJ Mag Latinoamérica, Adam Beyer reconstruye los momentos decisivos de Drumcode y reflexiona sobre el futuro del sello que, según sus propias palabras, terminó convirtiéndose en la misión de su vida.

Uno de los grandes puntos de inflexión para mí fue en 2010, a mitad de la vida del sello, hace dieciséis años, cuando decidí comenzar Drumcode Radio. En ese momento no había muchos podcasts o programas de radio de ese tipo, y terminó siendo una gran manera de llegar a mis seguidores y a la gente que estaba interesada en el sello. Eso llegó después de un período un poco más bajo. El sonido cambió de manera bastante drástica alrededor de 2003 y 2004, y terminé publicando muchos lanzamientos en otros sellos y tocando un sonido ligeramente diferente. Durante un tiempo publiqué menos en Drumcode. Pero finalmente me inspiré en ese cambio y recuperé Drumcode con un nuevo sonido, influenciado por todo lo que estaba apareciendo, pero más duro y con un giro propio de Drumcode. Comenzar el programa de radio aproximadamente al mismo tiempo ayudó a construir la comunidad y a llevar al sello hasta lo que es hoy. La historia oficial de Drumcode está muy bien documentada. Pero me interesa más aquella historia que casi nadie conoce. ¿Existe algún momento, anécdota o decisión de los primeros años del sello que nunca se haya contado públicamente, pero que haya terminado cambiando su trayectoria?

Estoy seguro de que existe algo, pero nada que haya cambiado definitivamente la trayectoria del sello. Creo que Drumcode funcionó bien desde el primer lanzamiento. Logré conectar con algo que era realmente popular en ese momento y que también me interesaba personalmente. Era un enfoque muy orientado a los DJs: cuatro tracks utilizables en cada vinilo. También mantuve limitados los primeros lanzamientos. Aunque había una demanda enorme por los discos de Drumcode, hice una sola tirada de los primeros cinco o diez lanzamientos, sin nuevas prensadas. Entonces la gente iba a las disquerías y esperaba los nuevos lanzamientos, sabiendo que, si no conseguía una copia a tiempo, no tendría otra oportunidad. Esa escasez ayudó a construir el sello durante sus primeros años. Obviamente, necesitás algo que la gente realmente quiera, y la música conectó tanto con el público como con los DJs, así que funcionó. Drumcode Radio también fue una parte importante de eso y, más adelante, abrir el sello a una mayor cantidad de productores también ayudó. Comencé solamente con artistas suecos durante los primeros diez lanzamientos. Luego incorporé a algunos amigos de Italia: Marco Carola, Joseph Capriati y algunos otros. Lentamente lo abrí a una comunidad mundial de artistas hasta que se convirtió en algo global. Treinta años después de lanzar Drumcode, muchas de las personas que llenan tus shows ni siquiera habían nacido cuando comenzó el sello. ¿Qué se siente al ver que una visión creada en 1996 todavía conecta con nuevas generaciones alrededor del mundo? ¿Qué creés que continúa atrayéndolas hacia Drumcode? Sinceramente, cuesta creer que treinta años después la música todavía conecte con nuevas generaciones. Creo que se debe a que siempre miramos hacia adelante. Algunos sellos se vuelven sentimentales después de un tiempo y se aferran a su sonido original sin evolucionar, pero Drumcode logró marcar tendencias dentro del techno en algunos momentos y, en otros, tomar nuevas tendencias y convertirlas en la versión de Drumcode. Eso mantuvo al sello fresco y actual. Las personas que llegan por primera vez a la escena suelen querer escuchar primero el sonido actual, y luego algunas profundizan en territorios más underground. Drumcode se convirtió en uno de esos sellos que funcionan como puerta de entrada al techno.

“SIGUE SIENDO UNA OBSESIÓN” djmagla.com

Mucha gente comienza con Drumcode, después profundiza y finalmente vuelve. Lo escuché muchas veces porque lo que hacemos representa calidad, pero también se encuentra en el extremo más accesible del espectro. Hay canciones, hooks y grandes momentos. Creo que siempre existe una necesidad de eso dentro de la música electrónica: grandes drops, pero sin llevarlos demasiado lejos. Nos mantenemos firmes en ese punto medio en lugar de ir hacia los extremos. Durante las celebraciones por los treinta años de Drumcode en Latinoamérica fuimos testigos de una conexión muy especial entre los artistas y el público. Buenos Aires agotó sus entradas y tuvimos la oportunidad de acompañar parte del recorrido desde el backstage, tanto en Buenos Aires como en Bogotá. ¿Qué te llevás de estas presentaciones y qué diferencia a las audiencias latinoamericanas de las del resto del mundo?

LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL

tener la oportunidad de formar parte de la escena techno. No debería estar controlada por determinados artistas o territorios.

Fuiste testigo de la evolución del techno desde los estudios analógicos de los noventa hasta la llegada de la inteligencia artificial. En una época en la que cualquiera puede generar sonidos, voces o incluso tracks completos en segundos, ¿qué creés que seguirá separando a los artistas verdaderamente importantes del resto?

A veces lo comparo con el hip-hop: comenzó en Estados Unidos, pero se convirtió en un fenómeno global, con personas rapeando en sus propios idiomas y dentro de sus propias escenas locales. Al final, pasó a pertenecerles a todos. Creo que el techno debería ser igual. Le pertenece a cualquiera que quiera formar parte de él y a su propia interpretación de lo que es el techno. No tiene que sonar como el sonido original de Detroit o Berlín, independientemente de quién quiera atribuirse su propiedad.

Conecté muy temprano con el público latinoamericano y siempre me encantó venir. Es una audiencia muy agradecida, apasionada y rápida para reconocer la calidad.

Hoy, más que nunca, la integridad como artista, tener un legado y representar algo son cuestiones increíblemente importantes. Cualquiera puede ser DJ. Podés promocionarte a partir de tu apariencia o de otras cosas en lugar de hacerlo por tu capacidad como DJ. Pero tener una personalidad fuerte y representar algo real importa más que nunca, porque las personas buscan una conexión genuina con el DJ. Quieren creer que lo que están escuchando es real y quieren ir a una fiesta que signifique algo en un nivel más profundo, que exista un legado detrás o, al menos, que forme parte de uno.

Creo que el sonido de Drumcode funciona bien aquí porque no es demasiado duro. Históricamente, Latinoamérica no estuvo tan orientada hacia la música más dura, pero sigue existiendo impulso, energía y un mensaje positivo que conecta con el público sin volverse cursi ni ir demasiado lejos. Sabés bastante bien lo que vas a recibir y existe una conexión especial. Les gustan los sets más largos, y a mí me gusta tocar durante más tiempo que las dos horas estándar. También saben reconocer a un buen DJ, algo que tenemos en gran cantidad dentro de la familia Drumcode.

Por supuesto que existen nuevos artistas que presentan sonidos más actuales y la gente también quiere escucharlos. Pero creo que cada vez será más difícil sobresalir, porque generar y promocionar música es más fácil que nunca y el espacio está completamente saturado. Por eso las personas buscan una conexión genuina con el DJ y con el sonido que están disfrutando. En mi caso, siempre me adapté. El techno puede ser propenso a mucho gatekeeping, a la idea de que, si no se hace de la misma manera que hace treinta años, no es “real”. Nunca creí realmente en eso.

“DAR FORMA AL TECHNO PARA SIEMPRE”

Si observás la evolución del techno durante las últimas tres décadas, ¿existe alguna idea, sonido o valor de la cultura underground original que consideres que debería protegerse a cualquier costo mientras el género continúa creciendo?

djmagla.com

Creo en mirar hacia adelante. También creo que todas las personas, en cualquier lugar, deberían

Lo que sí creo que debería protegerse son los valores de la escena, ya sea techno o cualquier otra forma de música electrónica: paz, amor, unidad y respeto. Abierta para todos. Igualdad. Esos son los valores que más me importan. Todas las personas son bienvenidas en esa pista de baile y debería compartirse entre la mayor cantidad posible de colores, sexualidades y nacionalidades.

TRABAJO Y OBSESIÓN Cuando las personas hablan de Adam Beyer, normalmente hablan de éxito, influencia y longevidad. ¿Qué parte de la historia creés que suele quedar afuera? Las personas a veces creen que todo se debe al talento y, personalmente, no considero que sea cierto. Podés tener talento para algo, pero normalmente se trata más de la obsesión y del trabajo duro y la dedicación que aparecen cuando estás obsesionado. No creo haber sido nunca el mejor DJ ni haber dirigido el mejor sello, pero creo que la consistencia es lo que gana al final. Soy una persona consistente y nunca me rindo. Lucho mucho y aprendí a eliminar el ruido, las personas que te critican y todo eso. Después de treinta años, ¿qué aspecto de Adam Beyer todavía no comprende el público? Las personas a veces me encasillan exclusivamente dentro del techno, pero desde el comienzo siempre me gustó experimentar más allá del género. Hice alrededor de quince o veinte lanzamientos antes de que saliera el primer disco de Adam Beyer, y algunos eran más cercanos al house, mientras que otros eran hard acid o hard trance a 170 BPM. Siempre me gustaron todos los tipos de música electrónica y me encanta tocar sets diferentes. Toqué para fiestas como Elrow, fiestas más cercanas al house en Ibiza, Solid Grooves, Circoloco y todo tipo de marcas diferentes. Me encanta desafiarme y salir de las expectativas. A veces las personas no entienden por qué hago eso y se decepcionan. Muchas lo aceptan y lo valoran, pero algunas se decepcionan cuando no toco exactamente el sonido que esperaban de mí. Creo que eso es algo que el público no siempre comprende: como artista, tengo derecho a experimentar y tocar distintos tipos de sets. Hace treinta años habría sido imposible imaginar todo lo que Drumcode terminaría construyendo. Si pudieras proyectarte otros treinta años hacia el futuro, ¿cómo te gustaría que fuera recordado el sello y qué legado esperás que permanezca mucho después de que ya no estés al frente? Dios sabe durante cuánto tiempo seguiré haciendo esto, pero espero que Drumcode sea recordado como una fuerza positiva dentro de la música electrónica. Como algo que marcó el tono del techno y les dio a muchos artistas, tanto consolidados como nuevos, la oportunidad de construir una carrera dentro de esta industria. Tenemos un buen historial de artistas con los que trabajamos y que ahora están en el punto más alto de sus carreras, dirigiendo sus propios sellos y desarrollando trayectorias increíbles. Es algo que me genera mucho orgullo. Espero ser recordado por eso. Y quién sabe, tengo hijos y quizás uno, dos o tres de ellos se interesen lo suficiente como para querer continuar con el sello y su legado. Sería algo muy especial, aunque no es algo que espere. Será divertido descubrirlo. Pero sí, ese es el legado: dar forma y esculpir el techno para siempre. djmagla.com

INDUSTRIA

LOS TRACKS QUE MARCARON LA PRIMERA MITAD DEL 2026 Cada día hay más y más música nueva. Productores y productoras alrededor del globo periódicamente editan tracks que a su vez suenan en las pistas de todo el mundo. En la era de la globalización cada vez es más difícil determinar las canciones que han marcado un momento así que desde BOMBO/DJMAGLA nos encargamos de seleccionar los 10 tracks que, para nosotros, definieron la primera mitad de este 2026. Texto: PATITO FESTA

BETO’S HORNS FRED AGAIN.. / CA7RIEL & PACO AMOROSO Vimos evolucionar este track en vivo en los streams del artista británico junto a los argentinos. La inesperada unión de los tres desembocó en una canción tan impensada como poderosa. ‘Beto’s Horns’, un Bass House con vocales en castellano, un antes y un después en este año.

BAD ANGEL - ANYMA / LISA Siguiendo la línea del Melodic pero más cercana al Pop (o al K-Pop) se encuentra el focus track de la nueva era de Anyma. ‘Bad Angel’ junto a LISA, la también integrante de BLACKPINK, profundiza en el camino que Matteo Milleri explorará en la etapa de ÆDEN, su nuevo proyecto. 18

djmagla.com

PA CA - MASSANO / SILVER PANDA Y hablando de vocales en español, Massano y Silver Panda finalmente lanzaron este track que hace tiempo viene haciendo eco en las pistas. ‘Pa Ca’, Melodic Techno oscuro y pistero para quienes vienen esperándolo hace rato.

SCIENCE - DEADMAU5 / STEVIE APPLETON La primera mitad del año también quedó marcada por regresos de grandes productores de la escena. Deadmau5 volvió al estudio –y a las pistas– con ‘Science’, un house progresivo que, junto a Stevie Appleton, invita a acelerar el paso poco a poco, llevando hacia un clímax emocional.

INDUSTRIA

DURO - SKRILLEX / YOUNG MIKO Otro querido productor que ha hecho su comeback es el estadounidense Skrillex, que tras su álbum sorpresa de 2025, vino a experimentar con nuevos sonidos. ‘Duro’, junto a Young Miko, refuerza la unión que hay entre la escena de la música electrónica y la música urbana, sin dejar atrás el toque característico de Skrillex.

CONTROL - ARGY Cerrando con la serie de tracks melódicos que definieron este comienzo de año llega ‘Control’ del artista griego Argy. Su ‘NEWORLD II’ vino a cerrar un ciclo de 2 años en el que no ha perdido vigencia ni pulso y ‘Control’ bien lo demuestra.

NECK - MAU P No hay dudas de que este track viene sonando en las pistas desde hace tiempo. La nueva obra de Mau P, ‘neck’, demuestra que el holandés está cada vez más afinado en el estudio y sabe lo que el público pide.

A PRAYER FOR THE DANCEFLOOR CHARLOTTE DE WITTE Charlotte de Witte puso a los clubbers a rezar en la pista con un track que fusiona el infalible pulso del buen techno con vocales que invitan a sumergirse en su hipnosis característica. ‘A Prayer for the Dancefloor’ insta a mirar alrededor, reconocer el espacio como ‘sagrado’ y, por supuesto, bailar.

FALLING INTO ACID DREAMS - AMELIE LENS En 2026 también hay espacio para el Acid. De la mano del primer release del año de Amelie Lens encontramos lugar para los sonidos más crudos de la escena mainstream.

EASE YOUR MIND - ROSSI. El nuevo house está cada vez teniendo más espacio y Rossi. es sin dudas uno de sus referentes. Finalmente en febrero editó este track que viene gustando hace rato. ‘Ease Your Mind’ claramente define la primera parte de este año.

Sin dudas, lo que viene marcando estos primeros 6 meses es la variedad musical. Géneros y subgéneros conviven en pistas, playlists y auriculares por igual, demostrando que el crecimiento que ha experimentado la escena en los últimos años está teniendo su efecto en lo que se reproduce: cada vez más sonidos distintos. djmagla.com

INDUSTRIA

LA MÁQUINA

LATINA Textos: BELÉN MINGRONE

CÓMO UNA NUEVA GENERACIÓN DE ARTISTAS COLOMBIANOS ESTÁ LLEVANDO EL SONIDO LATINO AL CENTRO DE LA ESCENA GLOBAL A través de las historias de Noise Mafia y PETERBLUE, exploramos el crecimiento de una escena que encontró en sus raíces culturales una nueva forma de dialogar con el mundo.

ubo un tiempo en que los sonidos latinoamericanos ocupaban un lugar incómodo dentro de la música electrónica. Estaban presentes, pero rara vez eran protagonistas. Durante décadas, los grandes relatos de la electrónica se escribieron desde Berlín, Londres, Ámsterdam, Chicago o Detroit. Latinoamérica consumía, reinterpretaba y adaptaba esas influencias. Hoy, sin embargo, la dirección de la conversación parece estar cambiando. En los últimos años, algo comenzó a suceder en los clubes, los festivales y en internet. Otros ritmos empezaron a infiltrarse en sets de artistas nacionales e internacionales. La guaracha colombiana, la changa tuki venezolana, el baile funk brasileño, el dembow, el merengue dejaron de ser sonidos exclusivamente locales para convertirse en parte del vocabulario global de una nueva generación de productores y DJs. La transformación no ocurrió de un día para otro. Fue el resultado de años de experimentación, resistencia y búsqueda de identidad. Y si hoy existe una escena capaz de exportar una visión latinoamericana de la música electrónica, Colombia se ha convertido en uno de sus principales laboratorios creativos. Dentro de ese movimiento emergen figuras como Noise Mafia y PETERBLUE. Dos artistas con trayectorias distintas, pero unidos por una misma convicción: la idea de que la identidad latinoamericana no es un límite para dialogar con el mundo, sino precisamente la herramienta que permite hacerlo de la mejor manera. Mucho antes de imaginar una carrera artística, ambos crecieron en hogares rodeados de todo tipo de música.

djmagla.com

En la casa de Noise Mafia sonaban vallenatos, merengue, salsa, reggae y rock con la misma naturalidad con la que más tarde llegarían Daft Punk o Skrillex. En el caso de PETERBLUE, las mañanas de fin de semana estaban marcadas por ‘Una hora con la Sonora’, que sonaba en aquella familia profundamente conectada con Cali, la capital mundial de la salsa. Esas influencias terminarían convirtiéndose en la materia prima de sus proyectos. “Producir música es como cocinar. Se pueden agarrar distintas cosas y de ahí puede salir algo distinto y único”, explica Noise Mafia. PETERBLUE llegó a una conclusión similar desde un recorrido diferente. Antes de sumergirse en la electrónica, formó bandas de rock alternativo y post punk en Bogotá como Carrera Séptima y Dramatical Service. La pandemia y mudarse a Buenos Aires poco antes de cumplir los 18 años, terminarían cambiando su rumbo. Lejos de Colombia, comenzó a extrañar los sonidos con los que había crecido. “Creo que añoraba y echaba mucho de menos mi casa, la música que se escucha en mi país. Fue algo muy genuino. Estaba en la noche con mi laptop queriendo hacer cosas diferentes y en un momento se me dio por probarlo”. La revelación llegó en un club porteño. Allí escuchó a un DJ mezclar una canción de Totó la Momposina con música electrónica. “Fue como: ‘Ok, esto suena mejor de lo que parece’. Llegué a mi casa y empecé a probar cosas. Recuerdo que lo primero que hice fue una versión de la canción ‘Fuego’ de Bomba Stereo y fue tan bien recibida que seguí haciendo cosas así. En

INDUSTRIA

ese momento todo era diferente. El nicho en el que estábamos era hard techno y que llegara un chico y sonara así era algo novedoso”. Lo que siguió fue una exploración por las conexiones entre la música latina y la electrónica. Descubrió que mucho antes de que las redes sociales hablaran de tendencias o nuevos movimientos, artistas como Proyecto Uno, Fulanito o Sandy & Papo ya habían construido puentes entre el merengue y la electrónica. Aquello que muchos percibían como una novedad tenía raíces mucho más profundas. En paralelo, una nueva generación comenzaba a abrirse camino en internet. SoundCloud se transformó en el punto de encuentro de productores que no encontraban un lugar para su música. Allí los géneros se mezclaban sin pedir permiso y comenzaba a construirse gran parte del lenguaje que hoy define a esta escena. “SoundCloud fue un catalizador enorme para muchos artistas de esta generación”, sostiene PETERBLUE. “Era un lugar donde cada quien podía subir lo que quisiera. Un remix de cualquier cosa, de chacarera house si querés. La gente simplemente conectaba con la música”. Noise Mafia también pertenece a esa generación que encontró en internet una

plataforma para mostrar su música. Su ascenso comenzó desde la producción, mucho antes de consolidarse como DJ. Un edit de “Paper Planes”, de M.I.A., terminó llegando a los sets de Sara Landry y puso su nombre frente al mundo. Más tarde llegarían las giras internacionales y escenarios como EDC, Awakenings o Tomorrowland Brasil. “Siento que ahí fue cuando pensé: ‘¿Qué está pasando? Esto realmente está creciendo muchísimo’”, recuerda. Sin embargo, el crecimiento individual de estos artistas es apenas una parte de una historia mucho más amplia. La pregunta más interesante es cómo estos sonidos pasaron de ser expresiones locales a convertirse en un lenguaje que hoy encuentra eco en pistas de baile de todo el mundo. Para Noise Mafia, una de las claves está en la naturaleza misma de la escena colombiana. “Nosotros somos artistas que tenemos un gusto por la música en general. No nos quedamos en un solo sonido. La guaracha, que fue el sonido que comenzó todo esto, se fue transformando hasta el punto en que los europeos empezaron a decir: ‘Aquí está sucediendo algo’”. PETERBLUE comparte esa mirada. “Si voy a España o Alemania, quiero que la gente diga: ‘Así suena la música electrónica en este lado del mundo’. No tiene que sonar a trance, no tiene que sonar a techno o a house. Puede sonar a otra cosa”. Ese “otra cosa” es precisamente lo que hoy comienza a captar la atención global. Pero el camino hacia la aceptación estuvo lejos de ser lineal. Durante años, muchos de estos sonidos fueron recibidos con cierta resistencia dentro de los propios países latinoamericanos. La electrónica observaba con desconfianza aquellas propuestas que incorporaban elementos considerados demasiado populares o demasiado cercanos a la música urbana o regional. PETERBLUE cree que esa tensión tiene raíces más profundas que una simple discusión musical. “Tristemente siempre hemos tenido un complejo de inferioridad, hablando culturalmente, musicalmente, en todos los sentidos. Siempre buscamos la aprobación de otros”. Durante décadas, gran parte de la legitimidad artística pareció venir desde afuera. Y, de alguna manera, la música electrónica no escapó a esa lógica.

“Es un poco triste porque para nosotros empezar a ver valor en lo que somos necesitamos la aprobación de otros”, continúa. “Pero ahora estamos empezando a ver que nuestra energía y nuestra cultura tienen un poder muy especial”. Noise Mafia percibe una situación similar. “Siento que a veces estamos un poco cerrados a adaptar lo de nosotros y llevarlo afuera. Pero lo que hacemos acá puede significar algo mucho más grande”. Quizás por eso ambos artistas hablan menos de tendencias y más de responsabilidad. Para ellos, el desafío ya no consiste en hacer hits, sino en representar una identidad. “Es algo que nos representa, es algo que nos identifica frente al mundo de la música electrónica”, afirma Noise Mafia. “Y nosotros tenemos la responsabilidad de llevar lo que somos al resto del mundo”. Más que de un género, se trata de una idea. Un paraguas capaz de reunir todo tipo expresiones artísticas. “Me gusta llamarlo La Máquina Latina, no tanto para definir un sonido”, explica PETERBLUE, “sino para darle fuerza e impulso a todos estos sonidos que están ahí, que son de Latinoamérica, que tienen su historia y tienen su peso”. Por eso ambos artistas imaginan sus próximos pasos de forma colectiva. Incluso trabajan en proyectos conjuntos que buscan devolver algo a la escena que los formó. “Queremos hacer algo juntos que pueda significar algo muy bueno para la cultura y para el país”, adelanta Noise Mafia. “No solamente hacer música o giras. También devolverle a Colombia todo lo bueno que nos ha dado”. Quizás lo más interesante de este fenómeno no sea su alcance internacional, sino la naturalidad con la que está ocurriendo. Para artistas como Noise Mafia y PETERBLUE, incorporar elementos latinos no responde a una estrategia ni a una tendencia. Es simplemente la música con la que crecieron, reinterpretada a través de las herramientas y los códigos de una nueva generación. Y aunque todavía resulte difícil definir qué es exactamente el “sonido latino” dentro de la electrónica, algo parece estar claro: cada vez más artistas están encontrando formas propias de llevar su contexto, sus influencias y su historia a la pista de baile. 

djmagla.com

JOHN

SUMMIT EL CONTADOR QUE ESCAPÓ DE LA OFICINA Y TERMINÓ CONQUISTANDO LA MÚSICA ELECTRÓNICA. Antes de cerrar Ultra Miami, vender estadios completos y convertirse en uno de los nombres más convocantes de la música electrónica mundial, John Summit trabajaba como contador en Chicago. Hoy, mientras CTRL ESCAPE refleja el camino que lo llevó desde una oficina corporativa hasta algunos de los escenarios más importantes del planeta, su historia se transformó en uno de los fenómenos más singulares que vivió la escena electrónica durante la última década. Textos: LUCAS BLUMEN

ocos artistas electrónicos han experimentado un crecimiento tan vertiginoso como John Summit durante los últimos años. Lo que comenzó como el proyecto paralelo de un contador que producía música después del trabajo, terminó transformándose en una de las carreras más exitosas de toda la música dance contemporánea. La historia resulta todavía más llamativa porque, hasta no hace mucho tiempo, Summit estaba lejos de los escenarios que hoy encabeza alrededor del mundo. Antes de las residencias en Ibiza, los cierres de festivales y los estadios agotados, trabajaba en el sector financiero mientras dedicaba sus noches a producir música. Durante años, la música funcionó como un proyecto 22

djmagla.com

paralelo, una pasión que convivía con una carrera profesional estable y con un futuro que parecía desarrollarse lejos de la industria del entretenimiento. Sin embargo, a medida que sus producciones comenzaron a captar la atención de la escena estadounidense, la posibilidad de dedicarse completamente a la música dejó de parecer una fantasía para convertirse en una opción real. Deep End fue uno de los primeros puntos de inflexión de ese recorrido. El éxito del track coincidió con un momento de transformación dentro de la cultura electrónica y abrió la puerta a una serie de lanzamientos que terminarían posicionándolo como uno de los artistas más importantes de su generación.

Tracks como Human, La Danza, Shiver, Go Back y especialmente Where You Are ampliaron rápidamente su alcance. Mientras gran parte de la escena continuaba fragmentándose en nichos cada vez más específicos, Summit desarrolló una propuesta mucho más abierta, capaz de absorber influencias provenientes de distintos rincones de la música electrónica sin perder identidad. Su crecimiento coincidió además con un momento de transformación dentro de la cultura electrónica. Las nuevas generaciones comenzaron a consumir música con menos prejuicios respecto a los géneros y los artistas dejaron de sentirse obligados a permanecer dentro de una única identidad sonora.

Hoy acumula más de 1.500 millones de reproducciones globales y una capacidad de convocatoria reservada para muy pocos artistas electrónicos. Madison Square Garden agotó más de 17.000 entradas en menos de dos horas. Tres fechas consecutivas en el Kia Forum de Los Ángeles reunieron a más de 45.000 personas, mientras que sus shows propios continúan creciendo en escala alrededor del mundo. Pero el ascenso de Summit nunca dependió únicamente de los lanzamientos.

La filosofía detrás del proyecto refleja la misma libertad creativa que define su carrera. Lejos de limitarse a un único sonido, Experts Only se convirtió en un espacio donde conviven distintas corrientes de la música electrónica contemporánea, acompañando una generación que presta cada vez menos atención a las fronteras tradicionales entre géneros. Esa misma búsqueda de libertad creativa aparece reflejada en CTRL ESCAPE, el álbum que mejor resume el momento que atraviesa su carrera. No por casualidad, el proyecto gira alrededor de la idea de abandonar una realidad corporativa para perseguir una vida construida alrededor de la música. Construido a partir de esa transición, el álbum toma elementos directamente inspirados en el recorrido que llevó a Summit desde una oficina corporativa hasta algunos de los escenarios más importantes del mundo. El concepto funciona además como una declaración artística para un productor que, después de años de crecimiento constante, parece cada vez menos interesado en responder a las expectativas externas y más enfocado en expandir los límites de su propuesta. A lo largo de sus trece tracks aparecen colaboraciones con nombres como Feid, The Chainsmokers, Julia Wolf, Devault y Julia Church, reflejando una visión artística que continúa ampliándose a medida que crece su alcance global.

Quizás por eso su historia sigue generando tanta atención dentro de la industria. No se trata únicamente de los números, los festivales o los estadios agotados. Se trata de un artista que entendió antes que muchos hacia dónde estaba evolucionando la música electrónica y logró construir una carrera capaz de crecer junto con esa transformación. Mientras la escena continúa buscando a sus próximas superestrellas globales, John Summit ya parece haber asegurado su lugar dentro de esa conversación. 

“

LO QUE COMENZÓ COMO UN PROYECTO PARALELO TERMINÓ TRANSFORMÁNDOSE EN UNA DE LAS CARRERAS MÁS EXITOSAS DE LA MÚSICA DANCE.

“

Summit entendió rápidamente ese cambio y construyó una carrera que creció al mismo ritmo que esa nueva forma de relacionarse con la música. Mientras generaciones anteriores tendían a moverse dentro de escenas mucho más definidas, Summit desarrolló una propuesta capaz de convivir con house, techno, drum & bass e influencias rave sin perder identidad, reflejando con bastante precisión cómo consume música una nueva generación de clubbers. La expansión de su universo creativo también quedó reflejada en proyectos como su reinterpretación de I Wanna Go junto a Britney Spears, una colaboración que evidenció hasta qué punto Summit comenzó a moverse con naturalidad entre la cultura club y referencias provenientes del mainstream global. Una muestra más de cómo su proyecto dejó hace tiempo de dialogar exclusivamente con la escena electrónica. Los resultados no tardaron en aparecer.

La creación de Experts Only amplió considerablemente el alcance de su proyecto artístico y terminó convirtiéndose en una de las plataformas más influyentes de la nueva generación electrónica. Lo que comenzó como un sello discográfico evolucionó rápidamente hacia una comunidad global con showcases, festivales y eventos propios distribuidos por distintos continentes.

djmagla.com

¿EN QUÉ MOMENTO EL

TECKTONIK

VOLVIÓ A SER COOL? Textos: JUANA DUFOUR

l baile que dominó YouTube a finales de los 2000 volvió a aparecer casi dos décadas después. Mientras los sonidos y las estéticas de aquella época encuentran una nueva audiencia, uno de los fenómenos más inesperados de internet protagoniza uno de los regresos más improbables de 2026. Para 2026 ya habíamos aceptado el regreso de varios sonidos dosmileros. Lo que todavía parecía imposible era volver a ver gente bailando Tecktonik. Y, sin embargo, acá estamos. Videos de brazos girando a toda velocidad llegaron a nuestro feed. Aparecieron tutoriales, recreaciones y miles de comentarios de personas descubriendo este fenómeno por primera vez en las nuevas generaciones. Mientras algunos lo reconocen al instante, otros se preguntan qué es exactamente ese extraño baile que acaba de invadir su algoritmo. Lo más raro es que funciona. Porque durante años el Tecktonik parecía estar condenado a existir únicamente en videos viejos de YouTube. Claro que internet tenía otros planes.

ANTES DE TIKTOK, ANTES DE LOS REELS Como muchas de las mejores historias de la cultura club, esta también empezó en una pista de baile. En 2002, Cyril Blanc y Alexandre Barouzdin organizaban fiestas de hardstyle en Metropolis, un club ubicado en las afueras de París. “Tecktonik Killer” era el nombre con el que se conocían aquellas noches. Sin embargo, todavía no existía un baile asociado a ellas ni una estética definida. Eso llegaría más adelante. A principios de siglo, en Francia existían clubes, DJs y una escena electrónica cada vez más activa. Pero no contaba con una danza propia. Y fue entonces que mientras gran parte de la cultura “club” europea miraba hacia Berlín, Londres o Ámsterdam, un grupo de adolescentes en los suburbios parisinos empezó a construir algo distinto. Las fiestas de Metropolis mezclaban hardstyle holandés, jumpstyle belga y la energía de una generación que quería diferenciarse. Lo que nació dentro de ese club terminó expandiéndose en el resto de la ciudad. Quizás por eso el fenómeno creció tan rápido. Era distinto, no parecía una copia. Por un momento, Francia tuvo una subcultura propia, única y completamente diferente respecto de cualquier otra. Lo que vino después era casi inevitable. A medida que los videos empezaron a circular, el nombre dejó de pertenecer únicamente a un club. Se transformó en una verdadera identidad y, poco después, en un fenómeno internacional. Internet se encargó del resto. La gente rápidamente comenzó a pasar horas viendo tutoriales, aprendiendo movimientos y grabando sus propias versiones para subirlas a las redes. Si viviste aquella época, probablemente todavía recuerdes a los Russian Tecktonik Brothers: dos chicos rusos bailando de forma perfectamente sincronizada en un video que terminó convirtiéndose en uno de los grandes tesoros del internet dosmilero. 24

djmagla.com

Y si el baile era imposible de ignorar, la música que sonaba de fondo tampoco pasaba desapercibida. Temas emblemáticos como “Alive” de Mondotek o “Now you’re gone” de Basshunter, así como distintos tracks de electro y hardstyle europeos, terminaron convirtiéndose en la banda sonora no oficial del fenómeno. Cuando llegó a la TECHNO PARADE de 2007, ya no era una curiosidad. Era un fenómeno nacional que estaba a punto de convertirse en una de las exportaciones culturales más inesperadas de Francia. Lo más sorprendente es que, visto desde 2026, todo resulta familiar. Hablamos de tutoriales, videos caseros y coreografías viajando por la interfaz. Básicamente lo que hoy conocemos como TikTok, pero sin high definition.

EL MAGNETISMO DE LO VISUAL

EL REVIVAL DE 2026 En los últimos meses empezaron a aparecer cuentas dedicadas a rescatar el espíritu del Tecktonik. Entre ellas, sobresale la de Sasha Cheba (AKA Cheba Man), con vídeos que acumulan millones de reproducciones y funcionan como puerta de entrada para una nueva audiencia. Lo curioso es que, esta vez, nadie parece interesado en recuperar el pack completo. Los peinados futuristas, las remeras ajustadas y los colores fluo propios del TCT quedaron en 2008. Lo que volvió fue el movimiento. Y tampoco llegó solo. Hace tiempo que los años 2000 vienen encontrando una nueva audiencia dentro de la música electrónica. El hardgroove, el hard house, el eurodance y distintos sonidos asociados a esa década reaparecieron después de años fuera del radar. En ese contexto, el regreso del Tecktonik nos deja de sorprender un poco.

Mientras otros estilos dependían de un trabajo de piernas, este baile llevaba toda la atención hacia arriba. Brazos cruzándose alrededor de la cabeza, movimientos rápidos de muñecas y cambios bruscos de dirección. Era imposible confundirlo. Y ahí estaba buena parte de su atractivo. Bastaban unos segundos para entender exactamente de qué se trataba lo que estabas viendo. Por eso, muchos de aquellos primeros videos siguen circulando hoy en día. Desde las reuniones en el Trovcadéro de París hasta los clips de adolescentes bailando en plazas, de a poco se convirtieron en pequeñas cápsulas del tiempo.

Uno de los ejemplos más llamativos surgió este año de la mano

de INNELLEA. A comienzos de 2026, el productor alemán habló públicamente sobre el agotamiento creativo que sentía con respecto a su proyecto. Semanas después de esas palabras, no defraudó y reapareció con una imagen completamente renovada.

UNA SEGUNDA VIDA A diferencia de otros movimientos nacidos dentro de la cultura electrónica, rara vez se lo recordaba por la música. Lo que quedó en la memoria fue una estética que parecía concentrar todo lo exagerado del Y2K.

Entre las diversas publicaciones que realizó en esta nueva etapa apareció una en particular que llamó especialmente la atención. En el video se lo ve practicando movimientos de Tecktonik e incluso enseñando algunos pasos básicos. El texto que acompañaba la publicación era simple: “I am officially bringing back Tecktonik”. Y, quizás, no estaba tan equivocado.

Pero el paso del tiempo es impredecible y suele hacer cosas raras que desembocan en que tendencias que parecían haber quedado en el olvido, terminan encontrando una segunda oportunidad. Para quienes les tocó ser protagonistas de aquella época funciona como un déjà vu y para la Gen Z aparece como una novedad dentro del algoritmo. Para ellos, no es una tendencia vieja, es algo que descubren por primera vez.

Durante años, el Tecktonik ocupó ese lugar reservado para las tendencias que internet había decidido archivar. Era el ejemplo perfecto de algo que parecía ligado a una época y era imposible que volviera a ponerse de moda. Pero lo viejo funciona y quizás por eso el regreso del Tecktonik ya no se siente tan extraño. O, tal vez, simplemente resulta muy entretenido ver a alguien moviendo los brazos a toda velocidad como si estuviéramos otra vez en 2008.

Y tiene mucho sentido: es visual, reconocible en segundos y tiene movimientos que llaman la atención incluso sin sonido. En otras palabras, parece diseñado para las plataformas actuales aunque haya nacido hace casi veinte años.

Sea cual sea la explicación, hay algo que está claro: contra todo pronóstico, el Tecktonik volvió a verse cool.  djmagla.com

DYEN Texto: LUCAS BLUMEN

Y EL MOMENTO DONDE EL HARD TECHNO EMPEZÓ A MIRAR MÁS ALLÁ DEL IMPACTO

Mientras prepara el lanzamiento de HERE WE ARE, su esperado álbum debut, el productor neerlandés reflexiona sobre la evolución del hard techno, la presión de una escena en expansión constante y la búsqueda de una identidad propia en medio del ruido.

l crecimiento del hard techno durante los últimos años fue tan explosivo como caótico. BPMs cada vez más rápidos, drops más agresivos y una escena global obsesionada con el impacto inmediato terminaron transformando al género en uno de los movimientos más dominantes de la cultura electrónica contemporánea. Pero mientras gran parte de esa evolución parecía concentrarse únicamente en la intensidad, DYEN decidió construir algo mucho más personal.

DYEN – ‘HERE WE ARE’ 01 DYEN – ‘IS IT?!’ 02 DYEN X MADDIX – ‘GABBER’ 03 DYEN – ‘HERE WE ARE’ 04 BASSJACKERS X DYEN – ‘BAGUETTE’ 05 DYEN – ‘MOONLIGHT’ 06 DYEN X VIEZE ASBAK – ‘MAAK ME NOU NIET GEK’ 07 DYEN – ‘CRAZYHOUSE’ 08 DYEN X EMBERS – ‘RED EYES’ 09 DYEN X MR POLSKA – ‘BALENCI’ 10 DYEN – ‘FREAK INSIDE OF ME’ 11 DYEN – ‘VIEZE KICK’ 12 DYEN – ‘LGFM’

djmagla.com

HERE WE ARE, su esperado álbum debut, llega después de años de desarrollo artístico y funciona como una síntesis de todo lo que fue absorbiendo durante su recorrido. “Quería crear mi propia visión de la música dura dentro de un álbum, combinando distintos géneros a lo largo de doce tracks”, explica. La idea era trasladar al formato álbum la misma diversidad que siempre caracterizó a sus sets, donde conviven influencias hardcore, reverse bass, sonidos old school y momentos mucho más melódicos. Esa amplitud sonora es también una de las razones por las que ve al hard techno como uno de los movimientos más interesantes de la electrónica actual. “La gente siempre quiere poner la música dentro de una caja. Esto es hardcore, esto es psytrance. Pero una de las razones por las que el hard techno funciona tan bien es porque es un género increíblemente amplio. Dentro de un mismo set pueden convivir muchísimas influencias diferentes”. Esa filosofía aparece reflejada en las colaboraciones del álbum. Maddix, Bassjackers, Mr. Polska y Vieze Asbak aportan identidades muy distintas sin perder cohesión dentro del proyecto. “Todos formamos parte de lo que hoy se llama hard techno, pero cada uno viene de una escena diferente y aporta su propio estilo”, cuenta. “Me encanta que cada track tenga su propia historia e identidad mientras sigue formando parte de una narrativa más grande”. Aunque es su álbum debut, la idea llevaba años rondando en su cabeza. Después de más de una década lanzando música y años de giras constantes alrededor del mundo, DYEN sintió que finalmente era el momento adecuado para hacerlo realidad. “Siempre quise lanzar mi visión de la música dura en forma de álbum. Hace alrededor de un año y medio

decidí volver a enfocarme en desarrollar mi propio sonido”. El lanzamiento también coincide con una etapa de crecimiento sin precedentes para la escena. “Pasamos de tocar en clubes para doscientas o trescientas personas a actuar en algunos de los escenarios más grandes del mundo en muy poco tiempo”, recuerda. “Es increíble ver cómo tanta gente conecta con una música que realmente amo”. Quizás por eso HERE WE ARE funciona como algo más que un álbum debut. Más que perseguir el track más duro o el drop más viral, el proyecto parece interesado en demostrar que la música dura también puede ser diversa, emocional y profundamente personal. “Espero que la gente entienda que la música dura no es solamente ruido ni algo que deba encasillarse. Podés ser creativo, original y diverso sin dejar de hacer música dura”, concluye. “HERE WE ARE representa mi recorrido dentro de una escena que sigue evolucionando constantemente. Acá estamos. Y acá estoy yo”. 

IA, NUEVAS GENERACIONES Y EL FUTURO DEL TECHNO

EN BUENOS AIRES

n la previa de su regreso a Buenos Aires para presentarse en Ultra y participar de Buenos Aires Dance, Richie Hawtin volvió a poner sobre la mesa algunas de las preguntas más incómodas (y necesarias) de la escena electrónica actual: ¿qué significa hacer música en una era dominada por la inteligencia artificial? ¿El techno todavía suena al futuro? ¿Y qué buscan realmente las nuevas generaciones en una pista?

“El techno necesita evolucionar. Tiene que sonar distinto a lo que ya fue”, dijo. “Ese es el desafío cuando entro al estudio: encontrar sonidos que sigan perteneciendo al linaje del techno pero que puedan ir más allá”.

Lejos de quedarse en la nostalgia, Hawtin habló con BOMBO/DJMAGLA desde un lugar inquieto, experimental y profundamente humano. Después de décadas empujando los límites entre música y tecnología, el artista canadiense reconoció que estamos entrando en “una etapa interesante, loca y hasta aterradora”.

“Primero apareció toda una generación post-Covid que vivió la música electrónica desde las pantallas. Pero ahora ya pasaron años en clubes y festivales reales, y creo que están buscando algo distinto”, explicó. “Se preguntan qué viene después, qué los puede conectar realmente con la música”.

“Hay muchas personas que quieren fusionar humanos y máquinas lo más rápido posible”, explicó. “Estoy completamente a favor de usar la tecnología para elevarnos como seres humanos, pero si termina pasándonos por encima, empezaremos a perder nuestra humanidad”. La conversación aparece en un momento donde la inteligencia artificial (IA) atraviesa cada vez más aspectos de la cultura electrónica: desde producción musical hasta visuales, diseño y contenido generado automáticamente. Y aunque Hawtin aseguró sentirse optimista, también admitió convivir con contradicciones constantes. “Paso mucho tiempo experimentando con IA, leyendo, escuchando podcasts… y voy pasando de ‘wow, esto es increíble’ a ‘estamos completamente jodidos’”, confesó entre risas. Pero quizás una de las ideas más interesantes apareció cuando habló del techno y su vínculo histórico con el futuro. “Cuando empezamos con el techno en la década del ‘90, todo sonaba nuevo. Realmente parecía música del futuro. Ahora estamos viviendo ese futuro que imaginábamos”, reflexionó. “Tal vez no tengamos autos voladores, pero sí IA y robots”. Es allí donde aparece el gran desafío para artistas como él: cómo seguir innovando dentro de un género que siempre se definió por empujar hacia adelante.

Hawtin también habló sobre las nuevas generaciones que llegaron a la escena después de la pandemia y cómo eso está transformando nuevamente las pistas.

En ese contexto, el canadiense también dejó abierta la posibilidad de un regreso de ciertas raíces minimalistas, aunque aclaró que no se trata de repetir el sonido de los 2000. “No creo volver al minimal de aquella época tal cual era. Pero sí siento que hay tracks nuevos con esa esencia: más rápidos, más energéticos y más reducidos al mismo tiempo”. Durante la charla también hubo espacio para hablar de Argentina, un país con el que Richie mantiene una relación especial desde finales de los ‘90. “Cada vez que vengo conozco productores jóvenes que me muestran música nueva. Y siento que muchos de los chicos que antes estaban solamente en la pista ahora encontraron su propia identidad como artistas, sellos y colectivos”, contó. “Eso es increíble”. Lejos de mostrarse como una figura distante, Hawtin dejó algo claro: incluso después de tantos años, sigue viendo la música electrónica como un territorio en movimiento. Y quizás por eso sigue conectando con distintas generaciones. Porque mientras gran parte de la escena parece obsesionada con repetir fórmulas, Richie todavía sigue haciéndose la misma pregunta que atraviesa al techno desde sus comienzos: ¿cómo suena el futuro? 

djmagla.com

Texto: MALENA NENNA

STEVE ANGELLO “LA PASIÓN ES LA CLAVE. SI LO HACÉS POR AMOR, SIMPLEMENTE LA ESTÁS PASANDO BIEN”

SELLO

GÉNERO

DESDE

Reflections

Size Records

Progressive House

Suecia

djmagla.com

Febrero, Parque de la Ciudad. La sexta edición de Ultra Buenos Aires reunió en el Main Stage a algunos de los nombres más influyentes de la escena electrónica global. Entre ellos, Steve Angello. Ícono del big room, miembro fundador de Swedish House Mafia, y uno de los pocos artistas que lleva más de dos décadas en la escena global sin perder vigencia ni pasión.

“

EN ESTE MOMENTO LA ESCENA ESTÁ MUY ABIERTA. LOS ARTISTAS SE ESTÁN METIENDO EN DISTINTOS SUBGÉNEROS Y LO CIERTO ES QUE PUEDE IR PARA CUALQUIER LADO

Minutos antes de subirse al escenario principal se tomó el tiempo de conversar con BOMBO/ DJMAGLA demostrando interés no sólo en venir

tracklist que cruzó épocas sin perder coherencia.

a tocar a su música, sino también en contar su

En su pendrive siempre hay lugar para algún

historia.

clásico del trío, aunque elegir su favorito le resultó imposible. “Es muy difícil quedarse con uno solo”,

¿QUÉ TE SIGUE MOVIENDO DESPUÉS DE

dijo, como le debe pasar a tantos fanáticos del

TANTOS AÑOS?

tridente sueco.

“La pasión. Si amás algo y lo hacés por placer,

¿HACIA DÓNDE CREÉS QUE VA EL EDM?

simplemente la estás pasando bien. Yo estoy disfrutando esto, y esa es la clave.”

“En este momento la escena está muy abierta. Los artistas se están metiendo en distintos

Esta no era su primera vez pisando Argentina.

subgéneros y lo cierto es que puede ir para

Según contó, recuerda una fecha de hace veinte

cualquier lado. Veremos qué pasa”.

años en un club a pocas horas de Buenos Aires,

Una respuesta honesta de alguien que lleva

en una ciudad que él mismo describió como

suficiente tiempo en la escena como para saber

“conocida por sus hinchas”, un término que en el

que las predicciones duran poco. Lo que no

país se utiliza para señalar a los fanáticos de algún

cambia, sostuvo, es lo básico: el amor por la

club de fútbol.

música y el momento en que la pista responde.

“Fue un buen recuerdo”, expresó. El contraste con el Parque de la Ciudad no podía ser mayor, y eso

Minutos después, el Main Stage y el público fueron

también le gustó.

suyos, llevando a todos por un viaje nostálgico y a la vez bailable.

¿CÓMO VA A SER TU SET ESTA NOCHE COMPARADO CON LO QUE HAS HECHO CON

Tras su paso por Ultra Buenos Aires en febrero,

SWEDISH HOUSE MAFIA?

Steve Angello regresó a Latinoamérica en mayo para presentarse en Ultra Perú revelando el

“Es diferente. Toco desde mi propio lugar, desde

compromiso del artista con sus fanáticos que

mi sello, desde lo que soy hoy. Es otro momento.”

desde hace tiempo lo esperan de este lado del mundo.

Su set recorrió los grandes éxitos de Swedish

Y, si la pasión lo sigue guiando, tal vez lo volvamos

House Mafia y su carrera como solista, con un

a ver pronto por estas tierras  djmagla.com

MONOLINK Texto: LUCAS BLUMEN

Y LA BELLEZA DE DETENERSE Hay artistas que producen canciones para la pista. Otros construyen universos enteros alrededor de una emoción. Monolink pertenece claramente al segundo grupo.

n The Beauty Of It All, el músico y productor alemán vuelve a explorar ese territorio donde la electrónica convive con la introspección, las texturas orgánicas y una sensibilidad casi cinematográfica. Lejos del impacto inmediato o la lógica del club, su música encuentra fuerza en los silencios, en la vulnerabilidad y en esa manera tan particular que tiene de transformar experiencias personales en paisajes sonoros. En conversación con DJ Mag Latinoamérica, Monolink habla sobre el costado más íntimo del álbum, el equilibrio entre la vida y la música, y la importancia de seguir creando desde un lugar honesto en medio de una industria cada vez más acelerada.

djmagla.com

Este nuevo álbum transmite una atmósfera profundamente íntima y reflexiva. ¿En qué momento personal surgió The Beauty of It All y qué necesidad artística buscabas expresar a través de él? La idea de que la apreciación de la belleza debería ocupar un lugar central en nuestras vidas es algo a lo que volví una y otra vez antes y durante la creación de este álbum, y que todavía resuena profundamente en mí. Parece ser una de las primeras cosas que se pierde en una sociedad moderna dominada por algoritmos, basada en la inmediatez, en la distracción constante y en compararnos todo el tiempo. Creo que la capacidad de ver la belleza a nuestro alrededor y dentro de nosotros mismos es, de algún modo, clave para vivir una vida feliz. Cuando comencé a escribir y grabar el álbum, acababa de regresar de una etapa intensa de giras y me estaba cuestionando muchas de las cosas que hacía. Ya no conectaba tanto con mi propia música y, al mismo tiempo, sentía la presión de crear nuevo material para mis próximos shows. Así que finalmente frené y me tomé un largo descanso. Para reconectarme con la razón por la que hago música y con lo que amo de ella. Quería volver a sentirme conmovido por mis propias canciones y hacer música que no tuviera otro propósito más que ese. Así fue como nació The Beauty Of It All.

Durante el proceso también volví a escuchar muchos de mis discos favoritos de todos los tiempos, canciones que, de algún modo, resistieron el paso del tiempo y siguen sonando relevantes y conmovedoras incluso 50 años después de haber sido creadas. Espero poder escuchar mi propia música dentro de 50 años y seguir sintiéndome conmovido por ella.

Gran parte del disco fue escrito en aislamiento. ¿Cómo influyó ese retiro en tu proceso creativo y en el sonido final del álbum? Sí, totalmente. Quería salir de la ciudad y de mi propio estudio para poder concentrarme realmente en hacer música, sin distracciones. Mi amigo Toby acababa de terminar de construir un hermoso espacio de grabación en el campo, a dos horas de Berlín, así que parecía el lugar perfecto para mí. Al principio incluso me impuse una regla: no abrir ninguna canción ni proyecto a menos que estuviera allí, para mantener viva la esencia y la atmósfera del lugar. También me recordó mucho a mi pasado: crecí en un suburbio de Hamburgo donde literalmente no había nada que hacer para los jóvenes, así que cuando mi amigo y yo descubrimos la guitarra y empezamos a hacer música, eso era todo lo que hacíamos. En cierto modo, hacer este disco me llevó de vuelta a esos tiempos. Dedicarme por completo al estudio fue lo mejor que pude haber hecho en ese momento, y realmente me reconectó con la música que amo. Si tuvieras que elegir una sola canción del álbum, ¿cuál sería y por qué? Diría que “Mesmerized” es la canción que reúne la mayoría de mis facetas musicales. Es una pieza folk profundamente personal que se transforma en un paisaje sonoro cinematográfico y distópico de downtempo, para luego volver nuevamente a su punto de partida. De algún modo, me recuerda a mis últimos veinte años como músico. Pero también amo mucho “Promised Land”… ¡Es difícil elegir! A lo largo del álbum se perciben guiños a distintas etapas de tu carrera —desde tus raíces acústicas hasta tus exploraciones electrónicas más profundas—. ¿Ves este disco como una síntesis de tu camino artístico? Sí, absolutamente. Por eso fue tan divertido hacerlo. Ya no sentía la necesidad de ajustarme a un sonido o género específico; simplemente quería combinar todas las cosas que amo de la música y ver si podían coexistir en un mismo disco. Creo que sí pueden, y me encanta lo versátil que resultó este álbum.

Durante la última década, lograste tender puentes entre la cultura de club y el formato de concierto. ¿Cómo imaginás que este álbum se trasladará al vivo y qué tipo de energía querés compartir con el público? Mi objetivo es encontrar ese punto justo entre rave y concierto, pero con aún más contrastes que antes. Creamos un nuevo diseño de escenario y un show de luces completamente renovado para sumergir al público en la música. Ahora también toco el piano en vivo, lo que aporta una capa adicional muy emocionante también para mí. Quiero crear un espacio cálido donde las personas puedan conectarse y disfrutar de la música juntas, y realmente hacer que todo gire en torno a la experiencia de escuchar. Cuando estabas creando este álbum, ¿imaginabas un escenario “perfecto” para escucharlo? ¿Dónde te gustaría que la gente disfrutara The Beauty of It All? El “escenario perfecto” probablemente sería el estudio en el que lo hicimos. Rodeado de quietud y nieve. Pero creo que puede escucharse en cualquier lugar, con un buen par de auriculares. Diría que es un álbum que requiere un poco de atención, eso sí —preferentemente con los ojos cerrados. Al final, la música de Monolink parece funcionar como una pausa en medio del ruido. Un espacio donde la emoción todavía tiene tiempo para desarrollarse lentamente. Y quizás ahí esté justamente la esencia de The Beauty Of It All: recordar que, incluso en un mundo obsesionado con avanzar rápido, todavía existe belleza en detenerse a sentir. 

djmagla.com

AGUSTIN GIRI TRANSFORMA AÑOS DE BÚSQUEDA EN UNIVERSAL MAPS

Texto: LUCAS BLUMEN

El productor argentino reúne diez tracks que recorren todas sus facetas musicales, desde su costado más melódico hasta las exploraciones más experimentales, en un álbum que funciona

espués de años consolidando una identidad propia dentro de la escena electrónica, Agustín Giri dio un paso que hoy resulta cada vez menos habitual: lanzar un álbum conceptual. En tiempos donde la industria prioriza sencillos y EPs pensados para el consumo inmediato, Universal Maps apuesta por el recorrido completo, reuniendo diez producciones que condensan la evolución artística del productor argentino. Lejos de ser una colección de tracks aislados, Universal Maps nació de forma orgánica junto a Rummel, sello fundado por Djolee y Gespona. Con el tiempo, distintas producciones comenzaron a convivir bajo una misma identidad sonora hasta encontrar el formato ideal para convertirse en un álbum. “Siempre quise hacer un álbum, pero nunca encontraba el momento. Hoy la industria empuja mucho los EPs cortos o los hits, y un álbum va un poco en contra de eso. Al principio había unos 17 tracks, pero estos diez terminaron siendo el mejor resumen de mi carrera como productor.” Desde el primer minuto, Universal Maps propone un recorrido por las distintas influencias que marcaron la evolución de Giri. La apertura con Strange Outside funciona como una introducción cinematográfica construida únicamente con atmósferas y sintetizadores, preparando el terreno para Birdbot, donde aparecen un groove profundamente underground, un bajo oscuro y una tensión constante entre la melodía principal y el bassline.

djmagla.com

En Ramp, las texturas metálicas y una producción cargada de pequeños detalles sostienen un groove constante, mientras que Gerwol rompe con las estructuras tradicionales al abandonar el bombo en negras para sumergirse en un ritmo breakbeat acompañado por una vocal femenina. La segunda mitad del disco profundiza su costado más underground. Let’s Talk y especialmente 1212 reflejan la influencia que dejaron en Giri sus años viviendo en Copenhague y su constante vínculo con la escena de Berlín. Los sintetizadores oscuros, las progresiones armónicas y una estética marcadamente europea convierten a estos tracks en algunos de los momentos más contundentes del álbum. Capture It, BackBackBack y Seek recuperan algunos de los elementos que definieron sus producciones de los últimos años: bajos sólidos, melodías distintivas y una construcción dinámica que alterna momentos de tensión con explosiones de energía. En Seek, el productor introduce un pasaje breakbeat justo antes del breakdown principal, generando un contraste que potencia el regreso del bombo en negras y le aporta una nueva dimensión a uno de los momentos más logrados del álbum. El cierre queda reservado para la canción que le da nombre al proyecto. Universal Maps combina una base breakbeat con una vocal saturada y una melodía melancólica que funciona como la conclusión natural del recorrido.

UNIVERSAL MAPS

como el retrato más completo de su identidad artística.

Para Giri, esa era precisamente la intención. “En este álbum está el Agustín que empezó a hacer música, el que fue creciendo como productor y el de hoy. Resume todas las etapas que viví y todas mis facetas como artista.” La edición en vinilo termina de reforzar esa idea. “Tener este álbum también en vinilo me hace muy feliz. Es algo que queda para siempre y tener una edición de colección es un verdadero honor.” Más que un debut en formato larga duración, Universal Maps funciona como una declaración artística. El resultado es un álbum que conecta las distintas etapas de Agustín Giri y confirma una identidad sonora que sigue evolucionando sin perder personalidad. 

PROFETIK

CINCO AÑOS DE SILENCIO PARA ENCONTRAR UN SONIDO EN EL QUE REALMENTE CREYERA Texto: LUCAS BLUMEN

n una industria donde la velocidad parece ser una obligación, cinco años pueden sentirse como una eternidad. Mientras la mayoría de los productores intenta mantenerse vigente publicando música de forma constante, Profetik eligió desaparecer. No dejó de producir ni de escribir canciones. Simplemente dejó de lanzar. La decisión fue tan poco habitual como deliberada. Sentía que el sonido todavía no reflejaba aquello que imaginaba y prefirió guardar cada idea antes que publicar música con la que no estuviera completamente convencido. Cuando finalmente regresó este año, lo hizo con una identidad prácticamente nueva: una propuesta donde el melodic techno y el melodic house conviven con atmósferas cinematográficas, referencias a antiguas escrituras y un universo conceptual que atraviesa cada producción. Más que una colección de tracks, Profetik parece construir capítulos de una misma historia. Sus composiciones buscan transmitir la sensación de ingresar a un paisaje desconocido, donde las melodías funcionan como escenarios y el diseño sonoro ocupa un lugar tan importante como la pista de baile. 36

djmagla.com

Esa búsqueda también dio origen a Seraph Records, el sello desde el que ahora desarrolla su nueva etapa con total libertad creativa. Sobre ese largo proceso de reconstrucción artística, el productor explica:

Esa visión explica por qué su música combina bajos contundentes y sintetizadores monumentales con una fuerte carga narrativa. Para Profetik, el objetivo nunca fue construir un sonido de fondo, sino generar una experiencia.

“Pasé cinco años sin lanzar un solo track, y nunca fue porque hubiera dejado de producir. Simplemente no estaba listo. El sonido todavía no había alcanzado lo que escuchaba en mi cabeza y prefería mantenerme en silencio antes que publicar algo en lo que no creyera completamente. Este regreso solo ocurrió cuando la música finalmente evolucionó hasta convertirse en el artista que quería ser.”

“Es melodic techno construido con sonidos monumentales, grandes líneas de bajo y un diseño sonoro muy particular, acompañado por atmósferas pensadas para transportarte a una escena, en lugar de quedarse simplemente sonando de fondo.”

Su manera de entender la producción también se aleja de la lógica habitual de la música electrónica. “Cada track es realmente un mundo. No se trata solo de sumar capas de sintetizadores; intento transportar a quien escucha hacia un lugar donde nunca estuvo. Gran parte de esas imágenes provienen de antiguas escrituras y de las visiones de los viejos profetas. Intento presentarlas tal como aparecen en esos textos: inmensas, extrañas y hermosas.”

En este nuevo capítulo, además, encontró una respuesta inesperada en Latinoamérica. “Algunos de los primeros y más fuertes apoyos llegaron justamente desde Latinoamérica, y eso significa muchísimo para mí. Hay una apertura muy especial hacia la música electrónica cinematográfica y emocional, y la energía del público realmente me motiva a seguir profundizando este camino. Amo Latinoamérica por eso.” Más que un regreso, Profetik entiende este momento como el comienzo de una obra de largo recorrido. Después de cinco años de silencio, su objetivo ya no parece ser volver al lugar donde estaba, sino construir uno completamente nuevo. 

ADE 2026 AMSTERDAM DANCE EVENT

21-25 OCT

CAMINO A ADE: ¿POR QUÉ MILES DE ARTISTAS INDEPENDIENTES SIENTEN LA NECESIDAD DE IR? LA MIRADA DE UNA DJ Y PRODUCTORA EMERGENTE LATINOAMERICANA SOBRE EL ENCUENTRO MÁS IMPORTANTE DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA. Texto: MELINA QUIROZ (MELINE)

Hay algo que pasa cada octubre en Amsterdam

La última edición reunió casi 3.500 artistas, más de

que cuesta explicar desde afuera. Y quizás por

1.200 eventos y alrededor de 600.000 visitantes

eso, durante años, tantos artistas independientes

distribuidos en distintos puntos de la ciudad. Pero

imaginamos lo que significa estar ahí.

ADE no se volvió importante solamente por sus números. Lo que hace especial al festival es el

No es solamente un festival, ni una conferencia,

choque cultural, la pasión por la música, la búsqueda

ni una semana llena de DJs. Durante unos días,

de oportunidades y el encuentro entre artistas que

la ciudad se transforma en el punto de encuentro

muchas veces pasan el resto del año conectados

de una comunidad global que vive la música

únicamente a través de una pantalla.

electrónica desde lugares completamente distintos

Hay una conexión que existe mayormente online

pero conectados entre sí. Eso es, quizás, lo que hace

con una escena enorme alrededor del mundo, y ADE

tan especial al Amsterdam Dance Event 2026.

funciona como el lugar donde todo eso finalmente se vuelve real.

Este 2026, ADE cumple 30 años. Lo que comenzó en

Para miles de artistas independientes, viajar a

1996 como una pequeña conferencia en un hotel de

Amsterdam significa muchas veces materializar

la capital neerlandesa con apenas 300 delegados y

años de trabajo. Música creada en habitaciones,

30 DJs, hoy se convirtió en el encuentro de música

estudios caseros y escenas locales pequeñas que

electrónica más influyente del mundo. Durante

por unos días encuentra un espacio físico donde

cinco días, Amsterdam pasa a ser una especie de

coexistir junto al resto del mundo.

capital temporal de la música electrónica mundial.

Ahí aparece algo profundamente humano.

djmagla.com

Muchos descubren que la escena global no es tan lejana como imaginaban. ADE pone frente a frente dos realidades de la música electrónica: los headliners, los sellos grandes, la industria y los escenarios gigantes; y al mismo tiempo, miles de artistas construyendo carreras silenciosas desde distintos rincones del mundo, viajando con ahorros, expectativas y sueños. En una era donde las escenas, las métricas y los vínculos parecen existir cada vez más detrás de una pantalla, Amsterdam Dance Event encontró la manera de transformar esa conexión digital en un encuentro real. Por un momento, las métricas, los algoritmos y la lógica constante de las redes parecen quedar en segundo plano.

LO QUE QUEDA ES ALGO MUCHO MÁS SIMPLE Y HUMANO: LA MÚSICA Y LAS PERSONAS QUE LA HACEN POSIBLE. TAL VEZ ESA SEA LA VERDADERA ESENCIA DE ADE DESPUÉS DE 30 AÑOS. Más allá de los escenarios gigantes, los nombres consagrados o la industria, sigue existiendo algo profundamente humano: miles de personas viajando desde distintos rincones del mundo para encontrarse alrededor de una misma cultura. Y este año, después de mucho tiempo creando música, ahorrando, imaginándolo y viéndolo desde lejos, yo también voy a estar ahí. No solamente como espectadora, sino como una artista emergente latinoamericana intentando encontrar su lugar dentro de una escena global, viviendo la experiencia y encontrándome con artistas de todo el mundo. Quizás de eso se trata realmente ADE. De entender que, aunque a veces parezca lejano, todos formamos parte de la historia que mantiene viva esta cultura.  djmagla.com

SURREAL PARK Textos: MARLLON EDUARDO GAUCHE

UN PARQUE ENTERO DEDICADO A LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN BRASIL

Con 135.000 m², cinco escenarios fijos y capacidad para hasta 20.000 personas, el complejo brasileño convierte cada evento en una experiencia de festival

magina un parque de atracciones. Pero en este parque no hay montañas rusas, ni norias, ni ningún otro tipo de atracción que haga que tu corazón casi se te salga por la boca. Lo que hay es una zona de unos 135.000 m², grandes carpas, graneros rústicos e incluso una capilla. También hay esculturas artísticas, paisajismo, abundante naturaleza alrededor de todo el espacio y, lo más importante de todo: mucha música. Música para todos los gustos, estilos, géneros y edades. Para algunos, puede parecer una utopía, pero este lugar existe, está en el sur de Brasil y se llama Surreal Park. Inaugurado en diciembre de 2021, en una ciudad llamada Camboriú, en el estado de Santa Catarina, el Surreal nació como un proyecto difícil de encajar en las definiciones

tradicionales de un club. Ideado por Renato Ratier, también fundador del icónico D-EDGE (que lleva más de 25 años en activo), el complejo fue concebido para reunir música, arquitectura, naturaleza y arte a escala de festival. En 2026, alcanzó la 10.ª posición en el Top 100 Clubs de DJ Mag. No es para menos, es el club más grande del mundo en extensión territorial, con capacidad para recibir hasta 20.000 personas y adoptar formatos muy diferentes de una fecha a otra. En algunas noches, solo se activa una pista, creando una experiencia más intimista. En otras, diferentes escenarios funcionan simultáneamente, permitiendo que el público circule por el parque y construya su propio recorrido entre sonoridades y ambientes distintos.

Esa flexibilidad es una de las características que más acercan al Surreal a la experiencia de un festival. Además del tamaño, puedes caminar libremente entre pistas, zonas verdes, espacios de convivencia, bares, zonas de restauración e instalaciones artísticas a lo largo de una misma noche. La diferencia es que, en lugar de estructuras temporales montadas para unos pocos días, el parque cuenta con pistas permanentes, cada una con su propio estilo e identidad. Actualmente, cinco escenarios forman este ecosistema. El Ritual es el más grande y funciona como el escenario principal del complejo, con capacidad para aproximadamente 12.000 personas. Su estructura monumental, construida con materiales como bambú, madera y telas, fue pensada para recibir grandes producciones y algunos de los nombres más importantes de la música electrónica mundial. Por allí ya han pasado Carl Cox (2x), Charlotte de Witte, Black Coffee, Joseph Capriati, Seth Troxler, Carl Craig b2b Moodymann, PAWSA y, por supuesto, Ratier, ideólogo del escenario junto a su esposa, Sara Cardoso. El Nomad, con capacidad para unas 4.000 personas, está integrado en el paisaje del parque y se ha convertido en una de las pistas más versátiles del Surreal. A lo largo de los años, ha acogido noches de progressive house, house, melódico, techno y drum’n’bass, además de largos sets y otros formatos especiales. El Bells sigue una dirección más cerrada e intensa. Instalado en una estructura que recuerda a una gran nave industrial, el escenario alberga aproximadamente a 3.300

djmagla.com

personas y mantiene una relación más cercana a la atmósfera de los clubs tradicionales. El techno, el progressive house, el indie dance y las sonoridades más densas suelen encontrar allí su lugar. En las escalas más pequeñas aparecen el Raw Room y la Church. El primero, con capacidad para unas 1.500 personas, apuesta por una estética rústica y una mayor proximidad entre cabina y pista, y suele asociarse al minimal, deep tech y house. El segundo, con espacio para aproximadamente 1.300 personas, fue construido frente a una pequeña capilla y suele acoger curadorías más específicas, showcases de sellos y propuestas de carácter más intimista. Esta división, sin embargo, no funciona como una regla. Un mismo escenario puede adoptar identidades diferentes según el evento, el horario y la propuesta curatorial. Es en esta combinación entre arquitectura y programación donde el Surreal evita la sensación de repetición, incluso manteniendo una agenda activa durante todo el año. Hay eventos todos los meses, sin excepción. Durante el verano brasileño, cuando Santa Catarina recibe turistas de diferentes regiones y países, el calendario se intensifica y puede llegar a varias fechas en un solo mes. En ocasiones de mayor envergadura, el público no solo viene de otras partes de Brasil. Clubbers argentinos, chilenos, uruguayos y de otros países latinoamericanos también han empezado a incluir Camboriú en sus rutas, sobre todo cuando el parque acoge festivales, aniversarios o atracciones internacionales. Aun así, la dimensión del Surreal no depende únicamente de los headliners. La curaduría es uno de los pilares del proyecto y a menudo acerca a artistas consagrados, nombres históricos de la escena brasileña, nuevas generaciones, sellos independientes y proyectos poco conocidos por el gran público. En lugar de armar line-ups solo a partir de números o de la popularidad de un DJ determinado, el club a menudo asume riesgos que otros espacios suelen evitar. Artistas de nicho pueden ocupar horarios importantes, escenas específicas se adueñan de noches enteras y curadorías invitadas amplían el repertorio del parque. El house, el techno, el progressive, el minimal, el psytrance, el electro y el drum’n’bass conviven en el calendario sin alejar al Surreal de su relación con el underground. Por eso, las pistas más pequeñas son tan importantes como el Ritual. Mientras el escenario principal permite recibir grandes producciones y artistas reconocidos mundialmente, espacios como la Church preservan la cercanía, la investigación musical y el descubrimiento. El próximo paso de esta expansión ya está en desarrollo. Proyectada para principios de 2027, la Jet Set será la sexta pista del parque y tendrá como elemento central un Boeing

EL RITUAL

NOMAD

RAW ROOM

BELLS

CHURCH

JET SET 727 instalado en una de las zonas más altas del terreno. Más que una nueva atracción visual, el proyecto refuerza la idea de que el Surreal aún está en proceso de construcción, buscando nuevas formas de ocupar su propia dimensión. En menos de cinco años, el Surreal Park pasó de ser una propuesta ambiciosa a uno de los espacios más reconocibles de la música electrónica brasileña. Su tamaño impresiona, pero no lo explica todo. Lo que diferencia al parque es la forma en que sus 135.000 m² están organizados para permitir experiencias muy distintas dentro de una misma noche.

Entre grandes carpas, naves, una capilla, zonas de naturaleza y, en breve, un avión transformado en pista de baile, el Surreal es uno de los proyectos más grandiosos de la música electrónica jamás construidos en América Latina y una de las realizaciones más ambiciosas de la cultura clubber global. Un parque de atracciones sin atracciones tradicionales, pero con muchas posibilidades de recorrido capaces de mantener a cualquier amante de la música electrónica ocupado hasta el amanecer. 

djmagla.com

25 AÑOS ENTRE LUZ, SONIDO Y CULTURA DE PISTA. DESDE CAMPO GRANDE HASTA SÃO PAULO Y RÍO DE JANEIRO, LA MARCA HA FORJADO UNA DE LAS TRAYECTORIAS MÁS EMBLEMÁTICAS DE LA ESCENA ELECTRÓNICA GLOBAL. Texto: MARLLON EDUARDO GAUCHE

urante más de dos décadas, miles de personas han entrado en una caja negra ubicada en São Paulo, Brasil, para bailar. En su interior, paredes, techo y suelo responden a la música a través de líneas luminosas, mientras un sistema de sonido envuelve una pista compacta y oscura. Ese lugar es D-EDGE, uno de los clubes más longevos e influyentes del mundo. La historia comenzó en la ciudad de Campo Grande, en el estado de Mato Grosso do Sul, región Centro-Oeste de Brasil, donde Renato Ratier ya producía fiestas desde la década de 1990. En 2000, inauguró la primera versión de D-EDGE en esa misma ciudad, lejos de los principales circuitos brasileños de música electrónica. La propuesta ya contenía dos elementos centrales: formar una escena donde aún no estaba estructurada y utilizar la tecnología como parte del espacio. Tres años después, el proyecto llegaría a São Paulo, la principal metrópolis del país. Instalado en una zona aún marcada por galpones industriales y alejada del circuito tradicional de la noche de la gran ciudad, D-EDGE abrió oficialmente en abril de 2003, en el barrio de Barra Funda. La sede fue concebida como una estructura donde música, diseño y arquitectura funcionaran en conjunto. Esa visión cobró forma en la colaboración entre Ratier y el renombrado arquitecto brasileño Muti Randolph, responsable del lenguaje visual que se convertiría en una de las señas de identidad del club. En el oscuro interior de la pista principal, rectángulos de luz distribuidos por paredes, techo y suelo creaban una arquitectura en movimiento. Conectadas al audio, las líneas luminosas reaccionaban a la música y alteraban la percepción de profundidad, volumen y ritmo dentro de la sala.

fue el primer club del mundo en utilizar LED a gran escala [ D-EDGE ] y también el primero en integrar sistemas de sonido y luz. 42

djmagla.com

Más que iluminar la pista, el sistema hacía que el entorno respondiera a lo que se estaba reproduciendo. Antes de la popularización de los grandes paneles de LED y las instalaciones audiovisuales en el entretenimiento nocturno, D-EDGE ya trataba la luz y el sonido como partes inseparables de una misma experiencia. El reconocimiento internacional llegó rápidamente. Durante su primera década, el club apareció en publicaciones como Wallpaper, Mixmag y DJ Mag, llegando al Top 10 del ranking mundial de clubes en 2009. El reconocimiento provenía tanto de su programación como de una identidad arquitectónica reconocible fuera de Brasil. En 2010, el edificio fue ampliado con una segunda pista, lounge, nuevas áreas de circulación y una terraza con vistas a la ciudad. La expansión aumentó las posibilidades de programación sin borrar la atmósfera compacta que había definido el local. El proyecto tecnológico continuó actualizándose. En 2016, D-EDGE se convirtió en el primer club del mundo en recibir el entonces nuevo sistema Sound Force, desarrollado por la española D.A.S. Audio para combinar presión sonora y distribución precisa en una pista compacta. En 2021, la Pista 1 estrenó una nueva configuración desarrollada por Renato Ratier y KW Audio, con altavoces fabricados bajo pedido por la italiana B&C Speakers y amplificadores producidos en Brasil por Elite Audio Acoustics. La longevidad también puede medirse por la frecuencia, ya que a lo largo de su trayectoria, D-EDGE ha realizado más de 7.000 noches y se presenta como

¨El club con mayor número de aperturas en América Latina¨ En ciertos períodos, llegó a funcionar prácticamente todos los días de la semana. Actualmente, mantiene una programación regular de jueves a domingo a través de sus ya tradicionales fiestas: Moving, Freak Chic, NAVE y Superafter. Aun así, la cabina ha recibido a algunos de los nombres más importantes del house y el techno. Jeff Mills, Derrick Carter, Sven Väth, Ricardo Villalobos, Solomun, Charlotte de Witte y John Digweed han pasado por el club. En varios casos, DEDGE los recibió antes de que alcanzaran la dimensión global que tienen hoy. Esa mirada hacia artistas en ascenso siempre ha convivido con la valorización de la escena brasileña. DJ Mau Mau, Anderson Noise, DJ Marky, Gui Boratto y Renato Cohen se encuentran entre los nombres ligados a la historia de la casa. House, techno, minimal, electro, progressive, drum’n’bass e incluso noches de rock ocuparon el espacio a lo largo de los años. La marca también se expandió hacia otros frentes. D-EDGE Records, OLGA y D-EDGE Records Black pasaron a representar diferentes vertientes de la producción electrónica. La DJ College, la D.Agency, Dance Art y los festivales realizados fuera de Barra Funda ampliaron la actuación del grupo hacia la formación, representación, lanzamientos y eventos de mayor escala.

UN NUEVO CAPÍTULO EN LA CIUDAD MARAVILLOSA El paso más reciente de esta expansión ocurrió en Río de Janeiro. La relación de la marca con la ciudad comenzó años antes de la inauguración oficial, cuando el edificio aún en obras recibió eventos experimentales. Tras un largo proceso, D-EDGE Rio abrió definitivamente en noviembre de 2023, en Porto Maravilha. Instalado cerca del Museo del Mañana, el complejo ocupa unos 2.500 m² de un edificio construido a principios del siglo XX, cuyo lenguaje industrial aún conserva huellas de la historia portuaria de la ciudad. La pista principal, ubicada en el tercer piso, tiene capacidad para 800 personas y fue diseñada para mantener la proximidad entre artista y público. La unidad reúne una segunda pista, galería, áreas de convivencia y azotea con vistas a la Bahía de Guanabara. Muti Randolph volvió a participar en el proyecto, creando una instalación luminosa adaptada a la arquitectura industrial del edificio. En total, se utilizaron 2 mil metros de tiras de LED, 1.250 puntos de luz y 35 kilómetros de cables eléctricos. El sistema de sonido principal fue desarrollado por Sound System 4vias, con componentes fabricados por B&C Speakers, en Italia. Así, Río preserva el lenguaje de São Paulo sin simplemente reproducirlo. Las dos unidades representan momentos diferentes de una misma historia. São Paulo ha acumulado más de dos décadas de recuerdos, noches inolvidables y transformaciones de la cultura clubber brasileña. Río es la expansión de una marca que llevó su experiencia a un edificio más grande, conectado al arte, la gastronomía y otros formatos culturales. Entre la caja negra de Barra Funda y la nueva sucursal en el edificio histórico carioca, D-EDGE ha construido más que dos pistas reconocidas internacionalmente. Ha construido una historia que atraviesa 26 años, diferentes generaciones y algunos de los momentos más importantes de la música electrónica en el mundo.

djmagla.com

LIFESTYLE

Textos: BELÉN MINGRONE

CO ME R TAM BIÉ N ES

PARTE DEL RITUAL La guía nutricional definitiva para el antes, durante y después de una noche electrónica, según NutriTechno

ntre largas horas de baile, festivales que se extienden hasta el amanecer y fines de semana cargados de música, el cuerpo también tiene algo para decir. Hablamos con Nutri Techno, la creadora de contenido que encontró la forma de unir nutrición y cultura electrónica para derribar mitos y demostrar que disfrutar de la noche y cuidarse no son caminos opuestos. Existe un aspecto fundamental que muchas veces queda fuera del radar cuando se habla

de salir de fiesta: la alimentación. Ahí es donde aparece NutriTechno. Nutricionista, raver y creadora de contenido, encontró un nicho poco explorado dentro de la escena: hablar de nutrición aplicada a la vida nocturna. Su proyecto nació casi por casualidad. Mientras cursaba una especialización en nutrición deportiva, vio a equipos de reducción de daños repartiendo frutas entre el público durante una

“Me pareció increíble que estuvieran pensando en el cuerpo dentro de ese contexto. Ahí fue cuando hice el click y empecé a preguntarme cómo podía aportar desde la nutrición.” Desde entonces, convirtió sus redes en un espacio donde demuestra que la pasión por la música electrónica y los hábitos saludables pueden ir de la mano.

fiesta y tuvo una revelación.

ANTES DE SALIR EL COMBUSTIBLE IMPORTA

Uno de los mitos más frecuentes dentro de la escena es evitar las comidas una fiesta para sentirse más liviano.

antes de

Error. na “Mucha gente piensa que tiene que ayunar antes de salir, pero cuando empieza durante comer antes de ir notan que tienen más energía y se sienten mucho mejor la noche.” La clave está en elegir alimentos que aporten energía sin generar pesadez.

¿Qué conviene comer? • Hidratos de carbono para tener energía: arroz, papa, batata, pastas, pan, wraps, avena o frutas. • Proteínas fáciles de digerir: pollo, huevo, queso, yogur, atún, carne magra o tofu. • Buena hidratación durante todo el día. 44

djmagla.com

¿Qué conviene evitar? • Comidas muy grasosas. • Llegar a la fiesta después de muchas horas sin comer.

LIFESTYLE

EL KIT BÁSICO PARA LA PISTA

DURANTE LA FIESTA ENERGÍA PARA SEGUIR BAILANDO

Agua

Bailar durante horas implica un gasto físico real. Por eso, mantenerse hidratado es fundamental. Sin embargo, NutriTechno advierte que tomar agua en exceso

Electrolitos

tampoco es la solución. “Hay que hidratarse durante toda la noche, pero sin exagerar. Cuando bailamos también perdemos electrolitos y es importante reponerlos.”

Gomitas, caramelos o chupetines

Los dulces pueden aportar glucosa rápida cuando aparece el cansancio, mientras que las frutas siguen siendo la opción ideal porque además aportan agua y minerales.

Fruta, cuando sea posible

“La fruta tiene hidratos, agua y electrolitos. Por eso me parece tan importante que esté presente en las fiestas.”

EL DÍA DESPUÉS

RECUPERAR TAMBIÉN ES PARTE DE LA EXPERIENCIA

Dormir, hidratarse y escuchar al cuerpo son las primeras recomendaciones. Después viene la comida. sy “Lo importante es hacer una comida completa que combine hidratos, proteína algo de grasa para ayudar a la recuperación.” bien, Algunas opciones pueden ser pastas con pollo o carne, con crema si te resulta con huevos , arroz con pollo y vegetales, wrap de atún y palta, sándwich completo tostadas, yogur con avena y frutas, o pancakes de banana y avena.

RECETA RECOVERY X NUTRITECHNO

PANCAKES DE BANANA Y AVENA INGREDIENTES

• 1 cucharadita de polvo de hornear • Esencia de vainilla (opcional)

• 1 banana madura • 2 huevos • 3 o 4 cucharadas de avena

PREPARACIÓN

s en una sartén Pisá la banana, mezclá todos los ingredientes y cociná pequeñas porcione lado. antiadherente durante aproximadamente dos minutos por Extra recomendado: miel, pasta de maní, frutas o frutos secos.

¿POR QUÉ FUNCIONAN?

y el magnesio, Porque combinan carbohidratos, proteínas y minerales como el potasio noche larga. nutrientes importantes para ayudar al cuerpo a recuperarse después de una

La música electrónica siempre encontró nuevas formas de reinventarse. Quizás una de las más interesantes no esté en

las cabinas ni en los escenarios, sino en la manera en que aprendemos a vivir cada experiencia. 

djmagla.com

EN EL RADAR

TIELLO

Si te gustan los sonidos melódicos con una fuerte carga emocional, Tiello es uno de esos nombres que merece un lugar en tu radar. Integrante del colectivo Amancay, encontró durante la pandemia el impulso para desarrollar un sonido propio que rápidamente llamó la atención de sellos como Siamese y VOD, el subsello de Keinemusik, e incluso lo llevó a presentarse junto a Adam Port frente a las pirámides de Giza.

Textos: BELÉN MINGRONE

3 ARTISTAS

QUE NO PODÉS PASAR POR ALTO La nueva generación de productores y DJs que está creciendo en la escena electrónica y merece tu atención antes de que explote.

VICTORIA

WHYNOT En pocos años, Victoria Whynot pasó de ganar un concurso internacional de DJs a convertirse en uno de los nombres argentinos con mayor proyección global. Tras ser reconocida por la academia de Pete Tong, hoy suma fechas junto a Carl Cox, como su más reciente paso por UNVRS en Ibiza y el lanzamiento de Nudity, un sello que refleja su búsqueda artística sin etiquetas ni restricciones.

djmagla.com

PERT

Si buscás un techno que escape de las fórmulas, Pert es un nombre que no puede faltar en tu radar. Cofundadora del sello Gruvalismo, la artista argentina construyó una identidad donde el groove manda. Una búsqueda que hoy se refleja tanto en sus sets como en sus producciones.