IDEAS+ PALABRAS
8 ] DANZA ESTRENARÁN KASPAR HAUSER EN EL CCJS
ILUSTRACIÓN: JUANOSBORNE.COM
DOMINGO 21 AGOSTO DEL 2016
4-5 ] BABELIA
García Lorca: La poesía y el hombre Lorca fue una leyenda en vida. Su obra solo es un pálido reflejo del aura que irradiaba el personaje. Él mismo tenía un fuerte sentido del mito, un certero instinto para acuñarlo. Y son esas raíces primigenias las que lo hacen tan universal.
3 ] ANIVERSARIO
6-7 ] ENTREVISTA
El Centro Cultural Paraguayo Japonés cumple 28 años
Diego Sánchez Haase, con la fuerza de la naturaleza
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IDEAS + PALABRAS
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BREVES +LIBROS
+LITERATURA
Gertopán y Delgado, premiadas
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n la semana que culmina, se emitió el fallo del jurado del Premio Municipal de Literatura del 2016. La escritora Susana Gertopán, por su novela “El señor Antúnez”, fue elegida para hacerse con el primer premio y en segundo lugar, premió a la poetisa Susy Delgado por su poemario “Yvytu yma”. En ambos casos, el jurado conformado por Enrique Marini Palmieri, Osvaldo González Real y Bernardo Neri Farina elogió la calidad de las obras de ambas autoras, una de ellas, creadora de una novela plena
de elementos literarios y creativos y la otra, como un poemario lleno de expresividad y talento con el uso del guaraní y el español. Según informaron desde la Dirección General de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Asunción, los premios consisten en una suma no menor a 20 salarios mínimos, a ser distribuidos entre el primer y segundo lugar, en una proporción de 70% y 30%. También recibirán menciones honoríficas las
obras literarias: “Crepúsculos”, de Teresa Albani; “Narciso”, de Guido Rodríguez Alcalá; “Del tiempo que he vivido”, de Víctor Casartelli; “Memorias del Planeta Extraño”, de Norma Flores Allende, “Animal marcado”, de Shirley Villalba; “Pyhare Mboyve, de Feliciano Acosta; “Según pasan los años”, de Raúl Silva Alonso; “El constructor de silencios”, de Rolando Duarte Mussi; “La luciérnaga alegre”, de Delfina Acosta; y “Los rostros del murallón”, de Francisco Pérez.
Harry Potter sigue ganando
La famosa escritora J.K. Rowling publicará tres nuevos libros sobre Hogwarts, pero sin Harry Potter. Las nuevas historias, que saldrán en versión digital y en ocho lenguas, ofrecen más “escenarios y personajes”, pero sin el protagonista de la saga. Joanne K. Rowling anunció que en septiembre tres nuevos libros en versión digital con historias cortas sobre los Hogwarts, la escuela del popular aprendiz de mago. El 6 de setiembre pondrá a la venta tres historias breves en versión digital en ocho lenguas -inglés, español, francés, alemán, italiano, japonés, holandés y portugués brasileño- en una serie bautizada como Pottermore presents en la que, sin embargo, no aparecerá el propio Harry Potter.
Las historias ofrecerán a los fans, sin embargo, más “historias, escenarios y personajes”, aseguró la autora. El pasado 30 de julio se estrenó en Palace Theatre de Londres la obra de teatro del aprendiz de mago Harry Potter and the cursed child, cuya versión literaria, la octava parte de la serie Harry Potter, ya está a la venta en inglés. En español llegará a las librerías el 28 de septiembre con el título Harry Potter y el legado maldito, una historia original de Rowling confirmada con John Tiffany y Jack Thorne. En noviembre llegará también a los cines Fantastic beasts and where to find them, protagonizada por Eddie Redmayne, considerada la precuela de la saga.
+CINE
Amodóvar en el MoMA Nada menos que el prestigioso MoMA de Nueva York rendirá un homenaje al director manchego, proyectando sus veinte películas. Semejante honor tiene agitado al expresivo y siempre activo director español, muy ilusionado, según lo ha dicho él mismo. El MoMA de Nueva York exhibirá este invierno la filmografía completa del director español Pedro Almodóvar, quien mantendrá un encuentro con el público y presentará su último trabajo, Julieta. Desde su primera película: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980) hasta sus últimos trabajos Los amantes pasajeros (2011) o La piel que habito (2013), el prestigioso museo neoyorquino proyectará del 29 de noviembre al 17 de diciembre las 20 películas del Almodóvar. El viajará a Nueva York para presentar su último trabajo el 29 de noviembre en una proyección especial de Julieta, que se adelantará al estreno en EEUU de la cinta protagonizada por Emma Suárez y Adriana Ugarte, previsto para el 21 de diciembre. Asimismo, el director podrá charlar con su público neoyorquino en una sesión de preguntas y respuestas. Los comisa-
rios de retrospectiva organizada por el MoMA, la más amplia llevada a cabo hasta la fecha del cineasta, han destacado en un comunicado la capacidad del director español de “explorar distintos géneros cinematográficos como el melodrama y la comedia” y “ahondar en temas como el deseo, la identidad y la transgresión”.
+MUSEOS
Dedicado a los inmigrantes
“Su trabajo contribuyó a la creación de un nuevo orden social y cultural en España y, a través de su productora El Deseo (fundada en 1986 junto a su hermano Agustín), ha realizado algunos de los films más influyentes a nivel mundial de los últimos 30 años”, han dicho al enviar la noticia a la prensa.
El martes 23, a las 19.30, se realizará la apertura del Museo de los Inmigrantes en la planta alta del Centro Cultural de la República El Cabildo (Avda. de la República y Alberdi). En el nuevo espacio, tendrán lugar interesantes objetos antiguos, documentos y distintos testimonios recogidos gracias al testimonio de representantes de diferentes comunidades que se instalaron en Paraguay en todas las épocas, desde pueblos precolombinos hasta los más cercanos en siglos pasados.
Este nuevo espacio, que puede representar una oportunidad muy importante de acercarse a las diferentes culturas y expresiones de los pueblos, apta para el disfrute y conocimiento de grandes y chicos, estará abierto al público en los horarios de visita del Cabildo, de 8.00 a 20.00 de lunes a viernes y de 9.00 a 17.00 los fines de semana y feriados; con acceso libre y gratuito. La curadoría y el asesoramiento estuvo a cargo de Carlo Spatuzza.
IDEAS + PALABRAS CENTRO CULTURAL PARAGUAYO JAPONÉS ]
Un espacio con múltiples rostros
Pocos lugares ofrecen la variedad de posibilidades que pone al alcance de la gente el Centro Cultural. A punto de cumplir 28 años, sigue avanzando.
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l próximo 23 de agosto, el Centro Paraguayo Japonés para el desarrollo de los recursos humanos cumplirá 28 años, en el marco del festejo de los 80 años de la inmigración japonesa al Paraguay. En el marco de la conmemoración, los responsables del equipo humano, encabezados por su directora Techi Cusmanich, han programado numerosas actividades culturales. Las mismas, según nos dice la propia directora, “tienen el objetivo de ofrecer a los vecinos y a la ciudadanía en general, alternativas para el ocio y el sano esparcimiento con acceso libre y gratuito en todos los casos”.
a costos muy accesibles, dirigidos a niños, jóvenes y adultos, insertándolos en el campo laboral con herramientas sustentables. Ofrece cursos de idiomas, computación, danza, música, artes visuales, y deportes. SUS ESPACIOS El CPJ cuenta con varios espacios, con capacidad diferente, que se adapta a las necesidades de los diferentes eventos.
Los institutos de formación, los artistas y trabajadores culturales encuentran en el Centro Paraguayo Japonés, un espacio y un punto de apoyo para el desarrollo de sus actividades en condiciones flexibles y muy accesibles.
El más conocido es el Teatro Agustín Pío Barrios, que es uno de los mejores de la ciudad y el país, que tiene una gran capacidad, con una platea con 468 cómodas y modernas butacas con asientos rebatibles y dos palcos con cien butacas cada uno. El teatro está totalmente climatizado y es de una estética muy elegante. También ofrece comodidades para artistas y usuarios de diferentes disciplinas, ya que hay camarines grupales e individuales con sanitarios y duchas. El teatro tiene un excelente sistema de sonido e iluminación de última generación. Sistema de audio y sistemas de Iluminación.
El CPJ es frecuentemente utilizado por delegaciones diplomáticas, grupos de artistas y agentes culturales, nacionales e internacionales, gremios de profesionales, académicas, empresariales y uno de los sitios permanentes para los programas educativos y culturales que encara la Municipalidad de Asunción.
Como dato no menor, podemos mencionar que el mismo cuenta con un amplio Foyer de acceso totalmente alfombrado y sistema independiente de acondicionamiento de aire, lo que lo convierte en una elección segura para todo tipo e espectáculos, shows y funciones teatrales, entre otras actividades.
El Centro, desde su nacimiento ha contribuido con la ciudadanía en el desarrollo de los recursos humanos, ofreciendo cursos de capacitación
ESPACIOS DIFERENTES
ABIERTO A TODOS
mentos innovadores como puertas iluminadas, siluetas en suspensión, juego de telas y nuevas herramientas tecnológicas, creadas especialmente para la obra. Una innovación de calidad y envergadura internacional, con montaje de última generación nunca antes visto en nuestro país. Una propuesta de Novo Dance Company, bajo la Dirección y Creación conjunta de Ma. Paz Carrizosa, Giannina Fernández, Pilar Rojas (P. R.producciones). Las puestas fueron seleccionadas por su calidad, su valor estético y su contenido. Además porque son propuestas que llegaron de las manos de talentosas y jóvenes mujeres que apuestan a la cultura y al arte como medios expresión. También porque es nuestro deseo siempre tender puentes entre la cultura japonesa y la cultura paraguaya, cultivando, aportando, integrando; especialmente este año en que se celebra el 80 aniversario de la migración japonesa al Paraguay. Si bien contamos con invitados especiales, la ciudadanía toda también está invitada a compartir esta fiesta ciudadana para celebrar los 28 años del CPJ
UNA RICA HISTORIA El Centro Paraguayo Japonés Para el Desarrollo de los Recursos Humanos, es la primera Institución integral para las actividades de educación social en el Paraguay. Fue inaugurado el 23 de agosto de 1988. El edificio está construido sobre una superficie de 7.500 y fue donado por el gobierno y pueblo del Japón, gracias a una asistencia financiera no reembolsable de carácter general. Como su nombre lo indica, uno de los ejes del Centro Paraguayo Japonés es la promoción de los Recursos Humanos, centrado principalmente en la formación de jóvenes paraguayos para posibilitar su ingreso al mercado de trabajo, habilitándolos en el campo de la informática, el conocimiento de idiomas, las artes plásticas, la música, la danza y los deportes. Fue creado como punto insustituible de encuentro, cooperación e integración de ciudadanos paraguayos y japoneses.
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Además del teatro, existen otros espacios muy interesantes, cada uno
de ellos, apropiados o recomendados para la realización de diferentes eventos. Por ejemplo, la Sala Seminario Branislava Susnik, que tiene una capacidad para 200 personas, totalmente equipada en sonido, audio y proyecciones audiovisuales, ideal para la realización de conferencias, seminarios, cursos. Otro espacio muy utilizado para diferentes actividades es el Anfiteatro Óscar Cardozo Ocampo, que ya es un símbolo de las actividades culturales al aire libre. Tiene capacidad para unas mil personas, con sanitarios sexados en los laterales. También es bueno mencionar la Sala de Exposiciones “Jacinto Rivero”, con espacio climatizado y adaptado a la posibilidad de servir de marco a diferentes y variadas disciplinas artísticas. La Sala de Reuniones “Agustina Miranda” está destinada a reuniones de trabajo y a charlas, ya que tiene capacidad de albergar a 50 personas. Por otra parte, la Biblioteca “Herib Campos Cervera”, que tiene más de 5 mil volúmenes y materiales y textos sobre todo tipo de temas de interés general y también en su espacio, se encuentra la Biblioteca Ymaguare, que le pertenece a la Fundación del mismo nombre, mediante un convenio vigente con la Municipalidad. La misma, es una biblioteca especializada en Historia Paraguaya de autores nacionales e internacionales y es muy utilizada por investigadores e historiadores. LAS ACTIVIDADES DEL FESTEJO Desde el fin de semana, se puede visitar la muestra “Destellos” en la sala Jacinto Rivero. La muestra, a cargo de “Grupo Tierra, Color y Arte” se extiende hasta el 27 de agosto, en
horario de 8:00 a 20:00 de lunes a viernes y los sábados de 8:00 a 12:00.
FERIA ‘TEMBI’U, PURAHÉI HA JEROKY’
El acto central de los festejos será la ‘Noche Aniversario’ que tendrá lugar mañana lunes 22 del corriente a las 20:00 en el Teatro ‘Agustín Pío Barrios’. En el evento, se presentará un mix de dos espectáculos maravillosos presentados en esta temporada en el CPJ. Un espectáculo compuesto, parte por un fragmento de la obra de teatro ‘Ayumu michi’ o ‘Caminar el camino’, un espectáculo escenifico con estética contemporánea, presentado por Sachiko Tanaka es creadora y directora de obras de teatro y teatro-danza, e, Imagine es presentada en distintas dimensiones, con un gran diseño de luces y efecto mapping, utilizando además ele-
La Feria gastronómica también será un elemento de integración de las culturas ya que el público asistente podrá gozar tanto de los platos de la paraguaya como japonesa en un ambiente festivo que será amenizado con danza y música, que estará a cargo del ballet de Adultos Mayores del Area Social de la Municipalidad de Asunción como también la Banda y Ballet Folklórico Municipal y la Banda de la Aeronáutica. Todas las actividades son de acceso libre y gratuito para que los vecinos y la ciudadanía en general vengan a compartir gratos y divertidos momentos.
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EN PORTADA ]
Lorca era una galaxia
viaje a Río de la Plata donde experimentó todo aquello con lo que sueña un escritor: reconocimiento de sus pares, admiración popular e independencia económica. Entre Buenos Aires y el poeta se tiende una doble vía por donde discurre la mirada enamorada de Lorca hacia la ciudad porteña y la apropiación amorosa del granadino por parte de Argentina, que, desde hace 80 años, no cesa de rendirle homenajes y de representar sus obras.
El jueves 18 se cumplieron 80 años del fusilamiento en Granada del autor de ‘Bodas de sangre’. Diez especialistas en su obra retratan a este escritor poliédrico y universal.
POR AGUSTÍN SÁNCHEZ VIDAL- PARA BABELIA, DE EL PAÍS DE ESPAÑA
EL MITO (Por Agustín Sánchez Vidal) Lorca fue una leyenda en vida. Su obra solo es un pálido reflejo del aura que irradiaba el personaje. Él mismo tenía un fuerte sentido del mito, un certero instinto para acuñarlo. Y son esas raíces primigenias las que lo hacen tan universal. Buñuel y Dalí, que le reprocharon su “costumbrismo”, no calibraron ese entramado que subyace bajo el fulgor de las metáforas, ni el pasadizo hacia la modernidad inaugurado por el ciclo neoyorquino. El asesinato hizo cerrar filas en torno a su memoria a séniors como Antonio Machado, a sus compañeros de la generación de 1927 o a sucesores como Miguel Hernández, quien tenía en la celda donde murió un ejemplar del Romancero gitano. El mito no dejó de crecer. Cuando el presidente Eisenhower visitó España en diciembre de 1959, en su entrevista con Franco puso el nombre de Lorca sobre la mesa. Le informó del manifiesto publicado por intelectuales estadounidenses, acusándolo de tender la mano a los asesinos del poeta. El Caudillo atribuyó su muerte a incontrolados, y el primer mandatario norteamericano lo dejó en evidencia indicándole detalles muy precisos, proporcionados por sus servicios secretos. A las dos décadas de su fusilamiento, ya era una cuestión de Estado. POPULAR Por Mario Hernández La obra entera de Federico García Lorca, del Romancero gitano a Bodas de sangre, Doña Rosita la soltera, Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, Seis poemas galegos o Diván del Tamarit, está atravesada por un profundo sentido de lo popular español, que atiende tanto a saberes, creencias y sentimientos como al modo de celebración de la vida (y la muerte) en las manifestaciones folclóricas de toda la Península. Su maestro de elección, Manuel de Falla, alabó públicamente su condición de folclorista y musicólogo, y esa vertiente le sitúa en la estela de poetas como Juan del Encina, Lope de Vega o Luis de Góngora, incluida
su rica variedad de registros. Lorca es, a su vez, como los tres, un poeta capaz de expresarse en formas líricas o dramáticas, dentro de una tradición literaria que, sin desconexión con la cultura europea, trata de dar voz a anhelos colectivos. Esa raíz popular aparece en él quintaesenciada, transgredida, refinadamente transfigurada. ‘La casada infiel’, por ejemplo, no es una celebración machista de un don Juan gitano, sino la versión lírica y exquisitamente irónica de la narración originaria. Lorca es, en definitiva, un poeta siempre consciente y culto, capaz de renovar una voz anónima de siglos. MODERNO Por Luis García Montero García Lorca fue un moderno. A principios del siglo XX, se sumó en Granada a la rebelión de las provincias para regenerar España con maestros como Fernando de los Ríos y Manuel de Falla. Fue también un moderno cuando llegó a la Residencia de Estudiantes en 1919 y buscó a Juan Ramón Jiménez. Pronto abandonó la elocuencia sentimental para ensayar la síntesis de las canciones y el poder conceptual de los versos. Fue moderno al comprender el valor de las metáforas ultraístas y al acompañar a Salvador Dalí en su paso del cubismo al surrealismo, un viaje que Lorca caracterizó con las etapas de la imaginación, la inspiración y la evasión. Por si fuese poco viajó en 1929 a Nueva York, leyó a Whitman y a Eliot y sintió de manera muy personal la deriva al vacío de la civilización contemporánea. Quizá por esto colocó a Garcilaso y san Juan de la Cruz sobre la tierra baldía, porque dudó del camino lineal que se llama progreso y quiso habitar un presente perpetuo o un eterno retorno en el que actualizar el pasado. No es raro que buscase en su último libro, Diván del Tamarit, un abrazo entre los aires clásicos y la expresión radicalizada. FLAMENCO Por Pedro G. Romero Su mitología del cante estaba llena de errores y mixtificaciones, pero la poiesis, el modo de hacer eran jondos, puro flamenco. Lorca merece estar en cualquier antología flamenca junto a La Niña de los Peines, su contemporánea. Por ejemplo, el concurso de Granada de 1922 fue un fiasco artístico y un éxito publicita-
rio. Falla abandonó el género por los clásicos castellanos, pero los flamencos se lanzaron como locos a la propaganda intelectual. Y es que Lorca inventó un público y una manera de entender el flamenco desde la cultura europea, lo “puro” debía más al purismo de Le Corbusier que a la impostura primitivista del cante. Es verdad que muchas veces lo que consideramos lorquismo es ajeno a Lorca. Pensemos, por ejemplo, en cómo ignoró a Carmen Amaya, que tan bien vendría a su tópico, y alabó a La Argentinita. Lorca es un efecto, una manera de enfocar. Por ejemplo, para el situacionista Debord el Romancero gitano era digno de Villon, el poeta delincuente. Su homosexualidad y su asesinato cierran su topología flamenca. Lorca es ajeno a cualquier binarismo —hombre/mujer, gitano/payo, humano/ animal— y se diría que es flamenco como ahora se dice, maricón, un calificativo despectivo tomado como bandera. Así, escuchamos a Shostakóvich con textos de Lorca y nos parecen flamencos. ¡Dios!, qué bien entendía a Lorca el cante, el decir de Enrique Morente. DRAMÁTICO Por Lluis Pasqual El teatro para Federico García Lorca fue siempre “la máscara” —el yo que adoptamos para relacionarnos con los demás— convertida en arte. A la que había que dominar y contra la que había que luchar. Lo intuyó desde niño cuando oficiaba ceremonias teatrales en forma de misa para las mujeres de la casa. Luego vendrían los títeres y más tarde las pequeñas funciones en la entrada de la Huerta de San Vicente. Después se apropió de la forma del teatro (como de tantas otras formas para salirse de sí mismo) con el acercamiento de los tímidos, buscando el antídoto contra la angustia de la soledad. El teatro es un espacio para compartir siempre con “otro”. Con el público por su misma naturaleza, y también con los compañeros de aventura en los ensayos que preparan ese encuentro, ya sea en Granada, en el Teatro Español o en cualquier pueblo de España de gira con La Barraca. El hombre de teatro, y Federico lo era, necesita siempre a los demás. Todos los personajes de Lorca están solos, desde Yerma hasta el director de El público. Y alivian su soledad compartiéndola con nosotros mientras, en un juego de espejos, nosotros atemperamos
la nuestra. La soledad de Federico y la nuestra aliviándose en una caricia mutua están en la raíz de su teatro.
El éxito que obtiene con Bodas de sangre y las dos ediciones que Victoria Ocampo realiza del Romancero gitano le parecen acontecimientos significativos y se suman a la publicación de sus versos prohibidos, la ‘Oda a Walt Whitman’, que el escritor y embajador mexicano Alfonso Reyes le entrega durante su escala en Brasil. Lorca siente que allí, en Río de la Plata, tiene un público devoto, pero sobre todo abierto, que se vuelca a las propuestas más atrevidas. Esa América que le hizo tomar conciencia directa sobre la relevancia de una lengua con tantos hablantes, y sobre la existencia de un continente de acogida en un mundo que ya anticipaba la brutalidad de los fusiles.
DIBUJANTE Por Juan Manuel Bonet Federico García Lorca lo tocó todo, y todo con duende: alhambrismo, Góngora, Galicia esencial, teatro propio y ajeno, cante jondo, piano, Nueva York y Walt Whitman, casi cine (con Emilio Amero), Cuba, Buenos Aires… Pero ahora toca recordar su voluntad de plástica. Con Apollinaire podía haber dicho aquello de “Y yo también soy pintor”. Esa vocación nace con sus deliciosos decorados para sus teatrillos, todavía en una Granada fallesca donde comparte afanes con Manuel Ángeles Ortiz, Ismael González de la Serna y Hermenegildo Lanz. Se afianza en Madrid, con Barradas, Maroto, Moreno Villa y Alberti — estos dos, siempre dobles militantes—, y naturalmente Dalí. Un faro: el álbum Dessins de Cocteau (1923). Lástima que no saliera el que planeaba con los suyos. En la Barcelona de 1927 enseñó algunos Josep Dalmau, inigualable cazador de talentos. Del año siguiente es la conferencia —con proyecciones— Sketch de la pintura moderna. En 1929 participa, siempre allá, en una colectiva en la Casa de los Tiros. Dibujos los suyos llenos de encanto y espanto, entre lo infantil, lo popular y lo surreal. Dibujos —preciosos los que hizo para plaquettes del argentino Molinari y el mexicano Novo— que son otra tesela del impar mosaico FGL.
UNIVERSAL Por Laura García Lorca
Un olivo cercano a la tumba de Federico García Lorca en Fuente Grande.
Según mi experiencia, es en lo concreto de las respuestas individuales donde se encuentra la traducción de la idea confusa de “universalidad”. No deja de asombrarme la gratitud y la alegría de las respuestas, siempre, a la llamada de Lorca. Su empeño en hacer llegar el conocimiento y el arte a todos lados, como escribió en su citadísima Alocución al pueblo de Fuentevaqueros sobre la importancia de los libros, y también en la práctica real de llevar el teatro a lugares donde no había llegado nunca, se ha producido con su propia obra. Ha llegado a todas partes. Que Poeta en Nueva York se publicara en esa ciudad por primera vez en 1940, acabó por tener una influencia real en autores de lengua inglesa tan diversos como Jack Spicer, Philip Levine, Allen Ginsberg, Derek Walcott, Patti Smith, Jim Harrison, John Giorno, Nicole Krauss, James Salter, Hanif Kureishi y Leonard Cohen, por nombrar sólo a unos cuantos que se han reconocido en la obra de García Lorca.
CINÉFILO Por Román Gubern La generación del 27, coetánea del cine, vivió un idilio con su dinamismo y poética visual. García Lorca manifestó su querencia con su pieza El paseo de Buster Keaton, escrita en julio de 1925 pero publicada en abril de 1928, que, a través de su tímido protagonista, contiene muchas alusiones crípticas a su homosexualidad. Y en septiembre de 1928 escribió La muerte de la madre de Charlot (recién acaecida en California), en la que feminizó al cómico, llamándole “corazón de señorita (…) y del rubor de novia. Cursi. Bello. Femenino. Astronómico”, aunque el texto quedó inédito. Y en el intervalo de la quinta sesión del Cineclub Español que fundó Buñuel, en abril de 1929, recitó su Oda a Salvador Dalí, cuando
su amado pintor había desplazado su afecto hacia el cineasta aragonés. Se sintió aludido peyorativamente por Un perro andaluz y al llegar a Nueva York en 1929 escribió como probable réplica el guion de Viaje a la Luna — recuperado en 1989—, rico en ima-
ginería críptica, violenta y erótica, probablemente para emular y polemizar con sus amigos de la Residencia de Estudiantes. Fue llevado a la pantalla por el pintor Frederic Amat en 1998 con elegantes efectos cromáticos y digitales.
AMERICANO Por Reina Roffé Uno de los tramos más fulgurantes en la vida de Lorca fue su travesía cultural por América. Cada lugar
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(Estados Unidos, Cuba, Argentina, Uruguay) le reportó algún tipo de satisfacción profesional y una idea más universal del arte, permitiéndole descreer de las fronteras políticas y sentirse “hombre del mundo y hermano de todos”. Pero fue en su
El poeta chino Bei Dao cuenta la importancia que tuvo el hecho de que cayera en manos de un grupo de jóvenes disidentes de la dictadura de Mao una antología de Lorca hecha al final de los años veinte por un poeta chino que pasó por Madrid cuando iba a conocer a los surrealistas en París. Puede que fuera la primera traducción de la obra de García Lorca. El libro estuvo prohibido y cobró una especial importancia en ese grupo de intelectuales
y artistas, convirtiéndose la palabra “verde” del Romance sonámbulo en un símbolo de libertad. Recientemente, han formado parte de un proyecto interrumpido nada más arrancar Umberto Pasti (italiano afincado en Marruecos), el brasileño Bernardo Carvalho, Romesh Gunesekera (Sri Lanka), Fleur Jaeggy (Suiza), Adam Zagajewski (Polonia), Ida Vitale (Uruguay) y Anne Carson (EEUU). Esta lista puede ser larguísima y no se limita a escritores, sino que se abre a artistas visuales, músicos, estudiosos, etcétera. “Porque yo no soy un hombre, ni un poeta, ni una hoja, pero sí un pulso herido que sonda las cosas del otro lado”. MUERTO Por Ian Gibson “Se le vio caminar…”. Antonio Machado había seguido con asombro y regocijo la fulgurante carrera de Federico García Lorca desde su primer encuentro en Baeza en 1916. Diecisiete años más tarde salió conmovido de Bodas de sangre y le felicitó en una breve nota. Sabía —lo dice en su famosa elegía— que la muerte daba el hielo al estro del granadino. Por ello hace que le acompañe en su paseo final y escuche, atenta, su requiebro. El túmulo a García Lorca en la Alhambra que pedía Machado no se ha labrado. Tampoco hay abajo, en la ciudad, calle principal o plaza con su nombre, lo cual constituye casi una excepción nacional. El Ayuntamiento del Partido Popular solo quitó el monumento a José Antonio Primo de Rivera en el último momento, requerido por la ley. Y todavía, 80 años después del crimen, no sabemos dónde están los restos del desaparecido más famoso y más llorado del mundo, máximo símbolo del horror de la represión fascista y de los más de 100.000 víctimas que, para vergüenza de España, aún yacen en cunetas y fosas comunes. ¿Fueron trasladados a los pocos días por los sublevados —conscientes del magno “error” cometido— a un paradero secreto? ¿Podría ser cierto, como se rumorea a menudo en Granada, que el régimen de Franco los exhumara en una fecha posterior? ¿Aparecieron en 1986, cuando la Diputación Provincial vallaba el parque de Alfacar que lleva el nombre del poeta, y se ocultaron ilegalmente en otro rincón del paraje? Me parece que no es bueno para nadie que persistan tantas preguntas, tanta incertidumbre. Muchos de los que estamos en deuda con García Lorca, el hombre y su obra, queremos saber por una vez dónde, exactamente, descansan sus despojos mortales. Ojalá haya pronto noticias.
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ENTREVISTA ]
Diego Sánchez Haase: La fuerza de la naturaleza El joven maestro no descansa. O, mejor dicho, compone hasta cuando viaja para descansar.Y prueba de ello, es el estreno próximo de su concierto “Yguazú” y otros muchos encuentros y presentaciones de los que será protagonista en los próximos días, que concretará exitosamente seguro, en pocos días.
C
on el mismo ímpetu que la naturaleza utiliza para crear sonidos, perfumes y sensaciones, subiendo y bajando el volumen y eligiendo las notas adecuadas, el joven maestro Diego Sánchez Haase, sigue la senda de su inspiración y trabajo y compone, viaja, dirige y sueña, sin pausa. Tal vez, el secreto de tanto de lo que hace es la pasión que le pone a todo su trabajo, que también es un amor a prueba de todo. Lo encontramos a punto de comenzar una semana -y etapamaratónica, llena de compromisos y estrenos. - Está a punto de estrenarse su nuevo concierto “Yguazú”. ¿Puede resumir en palabras lo que inspiró su obra y por qué eligió plasmarla para oboe y orquesta? -En enero pasado visité, luego de muchos años, las Cataratas del Yguazú. Fui con mi familia con el objetivo de descansar por unos días en mis vacaciones. Pero casi no pude hacerlo, porque al ver tanta maravilla de la naturaleza, inmediatamente pensé en que debía trabajar en alguna pieza musical que deje plasmada esa impresión tan fuerte. El oboísta chileno José Luis Urquieta, de gran prestigio en Latinoamérica, me había encargado el año pasado un concierto para oboe y orquesta, y en el Yguazú encontré el tema perfecto
para desarrollar este proyecto. La obra tiene tres movimientos: “Preludio para la selva”, que recrea - en un lenguaje de vanguardia - los sonidos que he escuchado al visitar una reserva natural el primer día de mi estadía. Varios instrumentos de la orquesta se distribuyen en diferentes lugares de la sala, para imitar los sonidos lejanos con efectos especiales. El segundo movimiento se titula “Constanza y el coatí”, tratando de retratar ese primer encuentro de mi hija Constanza, de tres años, con los coatí, que andan sueltos por los senderos que llevan a las cataratas, y el tercer movimiento (el más complejo) se denomina “En la Garganta del diablo”, y refleja con un ritmo vertiginoso, la maravilla del salto más caudaloso de las cataratas. - ¿Qué cantidad de conciertos ha compuesto y cuántos de ellos se han estrenado aquí y en otros lugares del mundo? - Tengo en mi haber cerca de cuarenta composiciones sinfónicas y de cámara. La mayoría de ellas se han estrenado en el extranjero. En Estados Unidos (New York, Los Angeles, Washington, Kansas), Alemania (Berlín, Stuttgart), Italia, Inglaterra, Grecia, Marruecos, Nueva Zelanda, Australia, Puerto Rico, Cuba, Panamá, Perú, Chile, Argentina, Brasil, Uruguay. El próximo 25 de setiembre se llevará a cabo en Zürich, Suiza, el
estreno mundial de mi composición “Tríptico paraguayo”, para mezzosoprano y piano, que tiene textos de las poetas compatriotas Renée Ferrer y Lourdes Espínola. En octubre, otra composición mía tendrá su estreno en Puerto Rico. - ¿Qué lo impulsa a seguir componiendo tan abundantemente en la actualidad? ¿Se puede decir que la logrado hacerse un importante espacio entre los músicos nacionales y también en el exterior? - Tengo muchos encargos, actualmente. Para enero, debo entregar una obra para oboe y clavecín, que
será estrenada en el Brasil, y tengo un proyecto gigante para el 2017, que ya lo anunciaré oportunamente. La composición siempre fue un aspecto secundario de mi carrera, pues mi intensa actividad como director orquestal me deja poco tiempo para componer, pero últimamente - gracias a la repercusión internacional de mis obras- trato de dedicar más tiempo a escribir. La producción paraguaya de música clásica contemporánea es muy escasa, y en el exterior hay mucha curiosidad por saber qué es lo que escriben los compositores paraguayos actuales. Con cada estreno internacional, vamos contribuyendo
también para que el Paraguay se inserte en el ámbito de la creación musical contemporánea. - Además del concierto, ¿qué otros proyectos están a punto de hacerse realidad? Un disco, por ejemplo? ¿Cómo se llama y con quién lo grabó? ¿Dónde y cuándo se presentará? - Sí. Uno de los principales proyectos en los que hemos trabajado este año es la grabación del primer disco de la Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional del Paraguay, que el año que viene cumplirá cinco años de fructífera labor. El disco se llama “Sonata paraguaya”, y es
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COMENTARIO
también como un autoretrato mío, dado que muestra todas mis facetas de músico: director, compositor, arreglador, transcriptor, pianista y clavecinista, pues incluye tres composiciones mías: el Concierto para violoncello y orquesta “El Luisón del Yvytyruzú”; “Pitogüé. Leyenda guaraní”, para oboe solo, y la “Sonata paraguaya”, para orquesta de cuerdas. Además grabamos dos arreglos míos para piano y orquesta de obras de J.A. Flores, en las que yo mismo toco el piano, y también tres transcripciones mías para clavecín de obras de Agustín Pío Barrios, en las que también yo mismo toco el clave. Las obras orquestales han sida grabadas en Asunción, la obra para oboe ha sido grabada en Chile, y las piezas para clavecín en los Estados Unidos. Es un hermoso material que creo será una gran contribución a la documentación sonora de la música del Paraguay. El disco será presentado el próximo miércoles 24, y la presentación estará a cargo del maestro Luis Szarán.
Patrimonio Cultural en la época de la comida rápida
Habitamos en un mundo en el que se nos hace pensar que solo importa lo inmediato, lo banal, lo perecedero. Vivir la vida hoy. Lo que haya pasado antes o lo que venga después no importa y todo aquello que nos rodea debe ser construido, destruido o edificado en función a esa premisa. Para quienes viven en función a estos parámetros, lo pasajero reemplaza a lo esencial y lo “moderno” (lo bueno) reemplaza a lo “viejo” (lo malo y caduco).
- Háblenos también de la presentación en Buenos Aires del disco “Sonata paraguaya” y de la revista “Contrapunctus”, de la Sociedad Bach del Paraguay, que presentarán el jueves 25 de agosto. También del concierto en el bellísimo Museo de Bellas Artes de Buenos Aires... -El jueves 25, será la presentación internacional del disco “Sonata paraguaya”, y también de la revista “Contrapunctus”, de la Sociedad Bach del Paraguay, entidad que tengo el honor de presidir. Esta revista es también una contribución muy importante, pues se trata de una revista musicológica, en las que se publican trabajos de investigación musical de destacados músicos y musicólogos paraguayos y extranjeros. Colaboran en nuestra primera edición el gran clavecinista italiano Danilo Costantini, el renombrado laudista argentino Eduardo Sohns, y otros. La presentación se llevará a cabo en el salón “Elvio Romero”, de la Embajada del Paraguay en Argentina, y el disco será presentado por la destacada pianista argentina Estela Telerman, y la revista por la prestigiosa escritora y crítica musical del diario Ámbito Financiero Margarita Pollini. Al día siguiente, estaremos ofreciendo un concierto con el Bach Collegium de Asunción, organismo artístico de la Sociedad Bach del Paraguay, en el Museo Nacional de Arte Decorativo, de Buenos Aires, a invitación del Ministerio de Cultura de Argentina. Dedicaremos el programa completo a la música de J.S. Bach, que es mi especialidad. - ¿Siente que ha encontrado su lugar como músico en este
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Hoy en día no es raro ver, cada vez más seguido, como topadoras demuelen una antigua casona y tiempo después, en su lugar, descubrir un estacionamiento, un centro comercial, o un local de comida rápida. Tampoco es raro ver otrora señoriales residencias, hoy destechadas y abandonadas, para que el tiempo termine con ellas y así tener la excusa justa para derrumbar el predio. Si bien algunos creen que la historia es un simple refugio de nostálgicos, estoy convencido en que “un pueblo que desconoce y desprecia su pasado no puede comprender su presente y mucho menos puede proyectarse a un futuro promisorio. ¿Y cómo proyectarnos a un futuro con identidad si despreciamos los pocos vestigios del pasado que aún resisten al embate del tiempo y a la desidia de la cultura de la inmediatez?
momento? ¿Se siente maduro como compositor y director? ¿Hacia dónde se dirige en su carrera? -Estoy muy contento con todo lo que voy alcanzando en mi carrera. En el ámbito de la dirección orquestal, estoy feliz por toda la enorme experiencia que ya he adquirido dirigiendo todo tipo de repertorio sinfónico, ópera y ballet. En cuanto a la composición, creo que he encontrado el lenguaje en el que me puedo expresar con total libertad y comodidad. Y en el aspecto más querido de mi carrera, que es el de intérprete de la música de
Bach, hemos recorrido un enorme camino, pero todavía nos queda muchísimo por hacer. Me satisface mucho comprobar el respeto que hemos logrado internacionalmente como intérprete bachiano, pero me gustaría fortalecer más la Sociedad Bach del Paraguay, que es una entidad sin fines de lucro, y para lo cual necesitamos el apoyo del sector empresarial privado, lo cual es bastante difícil en Paraguay, pues es un proyecto eminentemente cultural, y no comercial, como otros proyectos que logran mucho apoyo. Pero seguiremos trabajando con todas nuestras energías para fortalecer este proyecto.
Hace unos meses, en un viaje que realicé a la ciudad de Concepción descubrí, para algunos, un retazo de historia, para otros, una humilde casita en avanzado estado de deterioro que ocupa un lugar en pleno centro de la capital del primer departamento. Es difícil de imaginar, al ver el estado de la edificación, que su antiguo morador fuera nombrado Comandante de la guarnición de Concepción desde donde organizo la caballería que tendría destacada actuación en la Cam-
paña de Mato Groso, que peleo en Tuyutí obteniendo la Orden Nacional del Merito y que, desde Azcurra, asumió el mando del 1ª cuerpo de ejercito y organizó la retirada de López, su gabinete y comitiva, entre otras hazañas. A esta altura muchos reconocerán que el morador de esta vivienda, la cuál debería ser la oportunidad para recordar y valorar todo lo que este héroe ha dado por el Paraguay, fue el General Francisco Isidoro Resquín y lamentablemente, de no hacerse algo a la brevedad, seguirá el triste camino de la casa de los gobernadores españoles en Asunción, la casa “amarilla” del Mariscal López junto al actual panteón de los héroes, la casa en la que vivió en su infancia Roa Bastos en Villa Morra, la casona del mismo doctor Morra, ubicada en su época detrás de la actual plaza Infante Rivarola y otras tantas casonas y palacios que constituían una huella de nuestro pasado, una capsula del tiempo desde donde, de estar todavía en pie, el visitante podría ver y comprender a sus antiguos moradores a través de sus objetos y no pretender conocerlos por una lectura obligatoria en la escuela, una estatua, un busto de latón, o a través de la cacería de algún ser virtual con un teléfono móvil. Creo que es hora de valorar, restaurar y cuidar a nuestro patrimonio cultural y a través de este, conocer a nuestros héroes e historia ya que sólo así podremos “con identidad” proyectarnos al futuro que nos merecemos. A través de este artículo hago el llamado a propietarios, autoridades, mecenas y todos aquellos que se sensibilicen y reconozcan la importancia de este bien cultural, para que se tomen las medidas necesarias para la restauración y puesta en valor la casa del general Resquín en Concepción. Este es el momento, mañana será muy tarde.
(*)ALEJANDRO HERNÁNDEZ Nació en Buenos Aires en 1966 radicándose en Asunción República del Paraguay en 1985. Vicepresidente de la Sociedad de Escritores del Paraguay 20122016. Autor de: “Conspiraciones faraónicas”, “Bajo la mirada de la cobra”, “El asesinato del faraón”, “El aprendiz de brujo” y el hada, “El fotógrafo de Loma Tarumá”, entre otros.
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IDEAS + PALABRAS
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OPINIÓN ] Los múltiples rostros de la ciudad MABEL CAUSARANO Arquitecta
Tanta diversidad no suele contemplarse en los planes urbanos, inspirados en modelos que esquematizan las dimensiones sociales, físicas, económicas y culturales. Los planes enfrentan dificultades para capturar y manejar la complejidad, la simultaneidad y el dinamismo que concurren en cualquier espacio urbano, aun cuando esta convergencia no se perciba a simple vista. Junto con el lenguaje, la ciudad es la creación humana más compleja, polifacética y plurisémica. Sus rostros se combinan con los múltiples significados que cada lugar contiene y transmite, que cambian con los días (laborales o festivos), las horas (diurnas y nocturnas), las condiciones del tiempo, las estaciones y el clima. Cambian las percepciones de quienes la viven o la usan circunstancialmente, en función a las diversas facetas de la ciudad y a las condiciones de los sujetos. Una plaza es lugar de tránsito, de estar y de encuentro. Un barrio, un mercado, un centro administrativo, educativo o de salud, una terminal de ómnibus, un parque, una avenida, el área fundacional son partes constitutivas de la ciudad, utilizadas por una variedad de actores y de formas de apropiación, vividas de manera distinta de acuerdo con las situaciones y circunstancias individuales y colectivas. Tanta diversidad no suele contemplarse en los planes urbanos, inspirados en modelos que esquematizan las dimensiones sociales, físicas, económicas y culturales. Los planes enfrentan dificultades para capturar y manejar la complejidad, la simultaneidad y el dinamismo que concurren en cualquier espacio urbano, aun cuando esta convergencia no se perciba a simple vista. Por la mañana de un día hábil, un barrio puede parecer estático: los niños, en la escuela y los padres en el trabajo. Pero la calma aparente oculta otros actores y actividades: los ancianos, los enfermos, el personal de servicio y los transeúntes ocasionales. También la noche muestra y esconde una diversidad de situaciones, cambiantes con las horas y el lugar, que están relacionadas con la juventud, el entretenimiento, el ruido, cierto tipo de consumo y los lugares que los albergan. Décadas atrás, la nocturnidad se asociaba a la bohemia, a los artistas e intelectuales y se concentraba en determinados lugares de la ciudad. En la actualidad, la dinámica urbana nocturna integra aspectos relacionados con los cambios en la cultura urbana, el uso del tiempo libre, las formas de diversión y las condiciones laborales de los trabajadores que prestan servicios en los bares, restaurantes, comercios, teatros, transporte público. A los cambios de uso nocturno se suman nuevos actores y nuevas ofertas; hay más lugares de videojuegos que salas de cine; más pubs y lugares de baile y música para la juventud. Al analizar la cultura de la noche porteña Mario Margulis escribe: “Muchos territorios urbanos cobran de noche un significado diferente y se entrecruzan también complejos itinerarios. La cultura de la noche tiene sus epicentros en algunos barrios, pero además se despliega por localidades suburbanas. Las migraciones nocturnas se vinculan con complejas búsquedas juveniles y con la articulación de géneros y subgéneros integrados por variadas tribus” (www.cholonautas.edu. pe / Biblioteca Virtual de Ciencias Sociales). Hoy la noche es de los jóvenes, que se apropian de las calles. Lo vemos en Asunción y otras ciudades del país, en donde las actividades se extienden por las zonas renovadas y refuncionalizadas, que configuran nuevos circuitos y abren posibilidades para el diseño de políticas que regulen las actividades nocturnas y los comportamientos, mejoren la funcionalidad, la calidad de la oferta y de la experiencia vital. Son condiciones a considerar para promover una “economía nocturna” que genere empleo, revitalice el espacio público, mejore la sensación de seguridad, estimule el turismo y aumente el sentido de pertenencia de la ciudadanía.
DANZA ]
Kaspar Hauser, el huérfano de Europa La compañía española La Pharmaco ofrecerá un unipersonal basado en el misterioso “Huérfano de Europa”.
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l Centro Cultural de España Juan de Salazar presenta a la compañía española de Danza Contemporánea La Pharmaco, en un espectáculo unipersonal basado en el adolescente alemán Kaspar Hauser, famoso en Europa por el misterio en torno a su origen y a su muerte. El estreno está marcado para el miércoles 31 de agosto, a las 20:00, en el Auditorio del Salazar. La entrada es libre y gratuita. Con este espectáculo cierra la XV Edición del Encuentro Internacional de Danza y Artes Contemporáneas Crear en Libertad. PERSONAJE Y LA OBRA Kaspar Hauser fue un niño salvaje, por lo que se sabe que creció en cautiverio en completo aislamiento. Desde su aparición se especuló sobre su posible pertenencia a una casa real, en particular a la familia gobernante en Baden. Ha sido llamado el huérfano de Europa. Kaspar Hauser o cómo se baila el primer encuentro con el mundo después de 17 años de sombra y de silencio: mirarlo todo con los ojos de quien no esperaba ni necesitaba el mundo. Bailar la naturaleza poética y salvaje de lo humano. La experiencia de la identidad como un abismo oscuro que se precipita sin esperanza hacia la muerte: la crisis del tiempo; el animismo o la convivencia igualitaria con todo lo que existe; el panteísmo como religión original; la certeza de que todo cuanto sucede es real, incluso los sueños. Kaspar Hauser, conocido en su tiempo como “el Huérfano de Europa”, deslumbró por su sofisticada y al mismo tiempo ingenua inteligencia. Hipersensible a los aromas, colores, sabores y sonidos, al magnetismo de los metales, animales y hombres, se pasó sufriendo la invasión de las cosas y fenómenos durante los escasos cinco años de estancia en el corazón de Europa, de la que nunca pudo sentirse parte. La visión de la noche estrellada le provocó su primera e insuperable crisis de identidad, además de numerosas e incontestables preguntas sobre su pasado, presente y futuro, como la obsesión por encontrar a su madre. Hasta este
momento, añoraba su tranquilo encierro y al “hombre con el que siempre había estado”, y le parecía mucho más terrible aquella nueva vida trastornada por el impacto continuo y feroz de la realidad. La visión de la noche estrellada le causó una euforia que se transformó, un instante después, en llanto y reproche hacia quiénes le habían negado la belleza del mundo durante tanto tiempo y, a los pocos días, en una silenciosa melancolía que le acompañaría hasta su muerte. Kaspar Hauser sufrió el capricho, la violencia y el abandono del mundo civilizado. Su historia, tal y como la describiría Anselm von Feuerbach, es la de “un delito contra el alma del hombre”. Pero quizás, lo que nos trastorna tan profundamente del personaje es que encarna la esencia de la tragedia de todos los tiempos: la de la incapacidad del ser humano para comprender su propia experiencia. Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa, es un solo de danza contemporánea acompañado de música original e interpretada en directo al piano y la percusión. La obra se divide en cinco cuadros cuyos títulos recrean experiencias reales de la biografía de Kaspar Hauser, y su propia manera de nombrarlas. El proyecto cuenta con la colaboración del Centro de Danza Canal
Staff.
y es una actividad subvencionada por la Comunidad de Madrid y el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes de España. LA COMPAÑÍA Desde su nacimiento, en el 2009, La Pharmaco recupera el concepto clásico de ceremonia escénica: el espectáculo total, donde los elementos expresivos se reúnen y se afinan en una misma tonalidad, comprometida con el mensaje. La Pharmaco cree que la danza no se limita a una cuestión de géneros ni de estilos, su labor es tratar de hacer visible lo que estaba oscuro. Las formas y las dinámicas son siempre inesperadas, originadas en lo profundo y reveladas como secretos donde el alma puede manifestarse y reconocerse. La compañía encuentra en los clásicos de la literatura universal un espejo apropiado para reflejar nuestra época, al tiempo que reivindica la danza como mecanismo social, humanista.
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