IDEAS+ PALABRAS
2 ] BREVES NOTICIAS DE CULTURA
DOMINGO 12 NOVIEMBRE DEL 2017
4-5-6 ] MÚSICA
Músicos nacionales reciben reconocimiento
Hace unos días, se conocieron los nombres de los ganadores del Premio Nacional de Música, el más importante galardón al talento de compositores de diversas disciplinas. Conversamos con uno de los premiados. 3 ] ACTUALIDAD
7 ] PLÁSTICA
Mafalda ya “habla guaraní” en Buenos Aires
Una artista argentina presenta una muestra original
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DOMINGO 12 NOVIEMBRE DEL 2017
+BREVES +PREMIOS
+ TELEVISIÓN
Andrés Barba gana el Herrald
El regreso de Penélope Glamour
El español Andrés Barba ganó el Premio Herralde de Novela con “República luminosa”, una oscura fábula sobre una ciudad tropical tomada por niños violentos, anunció la editorial Anagrama. La novela del escritor nacido en Madrid en 1975, presentada como “República” bajo el seudónimo de Thomas de Quincey, fue seleccionada de entre 626 obras, para alzarse con el premio dotado con 18.000 euros. El finalista de
esta 35ª edición del galardón fue el argentino residente en París, Diego Vecchio, con “La extinción de las especies”, una novela sobre un museo en Washington que se nutre de los más diversos especímenes. Con una docena de libros de ficción en su haber traducidos a más de diecisiete idiomas, Barba juega en “República luminosa” con la idea de la infancia y cómo esta puede redefinirse tras sucesos violentos. En ella, treinta y dos niños de origen desconocido trastocan
la apacible vida de la ciudad tropical de San Cristóbal, cuando la toman bajo control por año y medio. “Barba suma aquí, a su habitual audacia narrativa y su talento para las situaciones ambiguas, la dimensión de una fábula metafísica y oscura que tiene el aliento de los grandes relatos”, señaló Anagrama. En años anteriores, el Premio Herralde de Novela recayó en autores como Roberto Bolaño, Enrique Vila-Matas, Javier Marías o Juan Villoro.
Luego de varias décadas, el malvado Pierre Nodoyuna, su compañero Patán, el metrosexual Pedro Bello y los terribles hermanos Macana regresan a la pantalla chica con una nueva versión de “Los autos locos” que estrenará el canal Boomerang y mostrará a una Penélope Glamour que no necesitará a ningún galán que la rescate. La serie original, que se produjo entre 1967 y 1970 en los Estados Unidos, tuvo innumerables repeticiones desde entonces y mostraba una suerte de gran competencia internacional en el que once vehículos se disputaban el podio entre sí en diferentes pistas y rutas. De hecho, la serie lleva la locura de los autos del título hasta sus últimas consecuen-
cias, con escenas casi surrealistas y viajes en el espacio y el tiempo de la mano de tramas insólitas que harán reír a los más chicos y pondrán nostálgicos a sus padres. Uno de los personajes más icónicos del programa era Penélope Glamour, la única conductora mujer, una verdadera “damisela en apuros” que solo sabía maquillarse y pedir por ayuda ante cada contratiempo que se le presentaba. En esta fl amante versión, esto cambiará, según dijo su director a la prensa, ya que ahora Penélope será una mujer inteligente, preparada y autosuficiente, que no necesitará ayuda de ningún tipo.
+ACTUALIDAD
Lo nuevo del Cirque du Soleil
+MUSEOS
Obras del Vaticano, en Chile Unas 146 obras de arte, entre ellas varias inscripciones de las catacumbas romanas pertenecientes al Vaticano, forman parte de la exposición dedicada al cristianismo que se inaugurará este mes en Santiago de Chile, informaron fuentes religiosas. Titulada “El mito de Roma”, la exposición, que permanecerá abierta hasta marzo del 2018, ilustra la historia de Roma, desde su fundación en el 753 AC hasta los años de la cristianización, con el edicto del año 313 DC y la conversión oficial del emperador romano Constantino
I. Se trata de una importante exhibición de piezas arqueológicas que permitirá comprender a un público tan lejano lo que representó Roma para la historia y para los cristianos. Entre las obras que serán expuestas figuran copias realizadas en el siglo XIX de las inscripciones dejadas por los primeros cristianos en las catacumbas romanas, que solían tener frescos con las primeras representaciones de la Virgen María. La idea de la exposición fue promovida por la presidenta de Chile, Michelle Bachelet, tras su visita al Vaticano y al Papa en el 2015. La exposición permane-
cerá abierta además durante la visita del papa Francisco a Chile, del 15 al 18 de enero próximos. Los préstamos de importantes tesoros artísticos provenientes de los Museos del Vaticano son algo usual y forman parte de la política de la institución para fortalecer las relaciones con los otros Estados. La exposición forma parte de los proyectos que los Museos Vaticanos están preparando en diversos países de América Latina, entre ellos México, donde prepara para el 2018 una dedicada a la historia de los pontificados, desde San Pedro hasta Francisco.
En España ya se han colocado los afiches promocionales del nuevo espectáculo presentado por el Cirque du Soleil que estrenará un nuevo e impactante show. La imagen muestra a uno de los artistas principales de este nuevo espectáculo montado, el de Umi, un artista japonés que aparece formando la segunda te de Totem. Totem se llama el espectáculo que presenta y que según anunció a la prensa el director del Cirque, Robert Lepage, narra un viaje fascinante por la evolución humana. Y el artista japonés que ilustra el afiche es una de las “cuatro ranas” que comienzan el show en el que las acrobacias de ellas se desarrollan dentro del caparazón de una tortuga que representa el origen de la vida en la tierra. Peces, anfibios y todo tipo de especies saltan por los aires casi rozando. Así comienza la obra que han creado para asombrar nuevamente en una temporada que seguramente traerá a la compañía al sur del mundo a fines del 2018. La directora de vestuario, Kym Barrett, ha estudiado con detalle
animales, plantas y aves reales para el diseño de los trajes. Para crear el amplio abanico de texturas y colores que se encuentran en la naturaleza, se ha concentrado en el tratamiento de las telas más que en las telas mismas, usando técnicas avanzadas de estampación, pigmentos fluorescentes, fragmentos de espejos y cristales sobre lycra y cuero. En total, el vestuario está compuesto por 750 piezas.
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Mafalda ya habla guaraní
En un ambiente de alegría y con la presencia de Joaquín Lavado, “Quino”, el autor de la historieta de la niña que lo cuestiona todo, se presentó en Buenos Aires la primera traducción al guaraní de la obra.
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ajo el lema de “Mafalda también habla guaraní”, el jueves presentaron en Buenos Aires la primera traducción a la lengua guaraní de la gran historieta que es patrimonio argentino pero también universal. Emocionadas, participaron su traductora, la profesora María Gloria Pereira de Jacquet y Vidalia Sánchez, de la editorial Servilibro que se ocupó de la edición de la obra. La presencia del “papá de Mafalda”, Joaquín Lavado Tejón, “Quino”, dio un marco especial al encuentro. Este trabajo es aporte del Programa Sur de la Cancillería Argentina con el apoyo de la embajada paraguaya en ese país vecino. La traducción de Mafalda al guaraní es la número 27 de las diferentes traducciones a distintas lenguas. El acto se realizó en el Centro de Altos Estudios Universitarios (CAEU) de la Organización de Estados Iberoamericanos para la
Educación, la Ciencia y la Cultura (OEI) de la capital argentina. Esta publicación de los dos pri-
meros volúmenes es apenas el comienzo, ya que se prevén ocho más, como parte del mismo programa.
Haciendo un poco de historia, recordemos que la primera vez que apareció Mafalda fue en 1964, en el semanario Primera Plana de
Argentina y sus publicaciones fueron hasta junio de 1973 vendiendo más de 20 millones de ejemplares de los libros.
+LIBROS
+ACTUALIDAD
“La Brujita del mar” visita Paraguay
Escritor Róga invita a una charla
La obra de María Irma Betzel, publicada por Fausto Ediciones, es analizada en este espacio por la escritora Delfina Acosta.
El doctor José Luis de Diego, investigador sobre políticas editoriales y mercado, dará una charla el 4 de diciembre próximo en Asunción.
“La Brujita del mar” trae una propuesta vital en los folios. El libro es un perfi l poético de una valiente criatura marina, cuya simpática y entretenida historia nos cuenta en versos la escritora María Irma Betzel. Brujita viene al Paraguay con el ideal de sembrar la idea del cuidado de la naturaleza, vale decir, la flora y los recursos naturales. La concientizadora Brujita llega a nuestras tierras para inculcar a los niños el cuidado que deben dar al medio ambiente para mantener en sano equilibrio el ecosistema. Brujita tiene la extraña sabiduría de una criatura salida de las celestes aguas. Reúne las virtudes que buscamos afanosamente en las personas: coraje, determinación, sentimientos nobles, amor por el entorno, firmeza de carácter. Su carisma conquista el corazón de los niños. Su inteligencia la convierte en una líder natural.
La agrupación Escritor Róga convoca a los escritores paraguayos a una charla-encuentro con el director del Instituto de Investigaciones en Humanidades de la Universidad de la Plata (Argentina), quien se ha especializado en teoría literaria, literatura e historia intelectual. Se trata del doctor José Luis de Diego, quien en los últimos años trabaja en Políticas Editoriales y mercado, se encuentra realizando una investigación sobre la historia editorial de Latinoamérica, que es lo que le trae a nuestro país. La charla-encuentro del doctor José Luis de Diego con escritores paraguayos se realizará el lunes 4 de diciembre próximo, a las 19:00, en el Fausto Cultural (Eligio Ayala entre Brasil y Estados Unidos). En la oportunidad, De Diego hablará sobre “El escritor y la industria editorial latinoamericana hoy”.
Brujita propone un viaje entretenido en compañía de sus amigos. Ella va instalando la conciencia
del amor y el cuidado que debemos dar a los recursos naturales, sostenes de la vida presente y de la vida futura. Motiva este simpático personaje con su actitud valiente, su espíritu dinámico. La intrépida criatura llega al Chaco, donde la aguardan los montes y las campiñas, hoy en peligro de deforestación agresiva. ¿Cómo no aplaudir su generoso interés por nuestra tierra, nuestros ríos? ¿Cómo no reconocer un llamado de atención en los versos que pintan un perfil del Chaco? Los niños, bajo la guía de los padres, de los profesores, deben ser atentos lectores de esta obra. Por los versos de Betzel asoma un paisaje colorido. La flora es remar-
cada en el contexto de la estructura poética. El libro es una importante propuesta literaria, que despierta en los niños sentimientos de ternura y abre las puertas de la imaginación.
De Diego es doctor en Letras (Universidad Nacional de La Plata).
Se desempeña como profesor de Introducción a la Literatura y Teoría Literaria II de la Facultad de Humanidades (UNLP). Fue, durante tres períodos, decano de esa institución. Actualmente se desempeña como director del Instituto de Investigaciones en Humanidades y Ciencias Sociales, con lugar de trabajo en Centro de Estudios de Teoría y Crítica Literaria. Es miembro del Comité Asesor del Doctorado en Comunicación de la UNLP y evaluador de la Comisión de Investigaciones Científicas de la Provincia de Buenos Aires. Ha dictado cursos y conferencias en las Universidades de Buenos Aires, Complutense de Madrid, Carlos III, Granada, Oviedo, Valencia, Angers, Poitiers, Berlín, Colonia, Trieste, Ljubljana, entre otras. Se ha especializado en temas de teoría literaria, literatura argentina e historia intelectual. En los últimos años, trabaja sobre políticas editoriales y mercado.
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Premio Nacional de Música reconoce a creadores locales Tanto en música clásica como en popular, se conocieron a los ganadores del más importante galardón destinado a reconocer el trabajo de los músicos nacionales.
En la categoría Popular Vernácula, el galardón corresponde al músico Esteban Matto Sostoa, con su composición “Muchachita de Ypakarai”.
Con la obra “El Luisón del Yvytyruzu”, el maestro Diego Sánchez Haase se alzó con la presente edición del Premio Nacional de Música, en la categoría Clásica o Selecta.
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ace pocos días, se conocieron los ganadores del Premio Nacional de Música 2017, creado por Ley 348/94. Los ganadores fueron Diego Sánchez Haase en la categoría Clásica o Selecta, y Esteban Matto Sostoa, en la categoría Popular Vernácula. La decisión fue unánime del jurado, además otorgó más premios y menciones especiales. Sánchez Haase ganó con su obra “El Luisón del Yvytyruzú”, un concierto para violonchelo y orquesta, inspirado en un poema del también guaireño Ramiro Domínguez. El primer premio de música Popular Vernácula, el trabajo ganador fue del compositor Esteban Matto Sostoa, “Muchachita de Ypacaraí”, que fuera presentado al festival de Ypacaraí en el 2009, quedándose entonces con el segundo premio del certamen del festival, al ser defendida por el grupo Trova Bohemia. Según el sitio Portal Guaraní, Matto Sostoa ha producido numerosas obras musicales, muchas de ellas con poemas de Manuel Ortiz Guerrero. Ha integrado varios grupos musicales nacionales del país y en el extranjero.
MENCIONES El jurado otorgó varias menciones y reconocimientos. En música clásica o selecta, fue reconocido el autor Carlos Cazal, con su obra “Batalla de Ingavi”, una composición épica destinada a homenajear al heroísmo en medio de la tragedia. Otras menciones de honor otorgadas fueron, en la categoría Popular Vernácula, a la obra Un solo canto, de Liza Bogado, y a la obra Así es mi tierra, de Alberto de Luque. “ESTÍMULO Y LOGRO” Conversamos con el maestro Diego Sánchez Haase sobre el momento tan especial que atraviesa, luego de ganar el premio: –Apenas transcurridas unas horas desde el anuncio de que has obtenido el Premio Nacional de Música por una de tus obras ¿Qué sentimientos te invaden? –Me siento muy feliz y emocionado. Recibí la noticia en pleno ensayo de mi orquesta, trabajando la Segunda Sinfonía de Brahms, una de mis
piezas sinfónicas favoritas. Es difícil de describir lo que se siente cuando, en la pausa de un ensayo tan inspirado, te llamen para darte tan buena noticia. –¿Qué significa ganar un premio, el más importante de las artes en el país, para un joven creador como vos? –Significa un estímulo y también un logro muy importantes. Más aún porque es la segunda vez en mi carrera que me honran con el premio más importante de las artes del Paraguay. Cuando gané la primera vez, tenía 33 años. Hoy lo recibo mediante una composición de aquel tiempo, pero que ya tuvo una amplia trascendencia nacional e internacional. –La obra premiada es una creación que estrenaste ¿cuándo? ¿Cómo elegiste motivo y título para la misma? –“El luisón del Yvytyruzú” es un concierto para violoncello y orquesta, basado en el poema “Las cuatro fases del luisón”, del escritor e intelectual guaireño Ramiro
Domínguez. Lo compuse en un lapso de tres semanas, en Villarrica, en enero del 2003. La versión original es para viola, pero luego hice una transcripción para violoncello. El estreno mundial se llevó a cabo en la ciudad de Newton, Kansas, Estados Unidos, cuando dirigí por primera vez como invitado a la Mid-Kansas Symphony, en un concierto memorable llevado a cabo el 24 de octubre del 2004. Fue solista el magnífico violoncellista norteamericano Andrew Kolb. Luego, la obra se interpretó en varios países y con varias orquestas. El poema de Ramiro Domínguez me atrajo desde el principio. Muchas situaciones relatadas en el mismo están descriptas en la música. El primer movimiento describe al joven Juan León, de quien el pueblo sospecha que por las noches se transforma en luisón. En el segundo movimiento, el violoncello imita el lamento del luisón en un viernes de luna llena en el Yvytyruzú. Solo una niña, representada por un solo de violín, puede conversar con él. En el tercer movimiento, el pueblo sale a darle muerte al luisón, y finalmente
su cuerpo cae rodando por el cerro. La música combina ritmos populares del Paraguay con elementos de la música contemporánea, que es la base de la estética de mi música. –¿Diego Sánchez Haase se dedica a la música desde cuando? Y sobre todo ¿Porqué eligió esa carrera para dedicarle a ella la vida? –Hago música desde niño, creo que desde los siete años. Crecí en un ambiente lleno de música. Por eso, los cinco hermanos somos músicos, si bien dedicados a varios estilos musicales. Siempre supe que quería ser músico profesional. En un momento de mis estudios en el colegio, tuve la idea de hacerme ingeniero civil. No se qué hubiera sido de mí si me hubiera quedado con esa opción. Luego, recuerdo que empecé a estudiar el Concierto para piano N. 2 de Rachmaninov, y al descubrir esa maravilla, me prometí que iba a llegar a la meta de ser músico profesional. Era difícil en ese momento pensar en una carrera de director de orquesta en Para-
guay. Había una sola orquesta sinfónica que tenía tres directores. Pero igual me decidí. Si los caminos estaban cerrados, tenía que abrir mi propio camino. El apoyo de mis padres fue fundamental en ese momento. –¿Dónde desarrollaste tus estudios superiores? Un resumen de tus estudios cursados desde el comienzo… –Realicé mis estudios básicos de piano, dirección orquestal y composición en Paraguay. En Villarrica tuve como maestros a Ana María Barrios de Fariña, Elva O. de Mussi y Nicolás Ayala Casco. En Asunción a Balbina Salcedo y Florentín Giménez. Luego tuve la suerte de acceder a varias becas de perfeccionamiento, del IILA de Italia, de la Unesco para Alemania, de la OEA para Venezuela, y otras. En la Internationale Bachakademie de Stuttgart, Alemania, me especialicé en la interpretación de la música de J.S. Bach. Considero a mi gran maestro de dirección orquestal a Helmuth Rilling, uno de los más prestigiosos directores alemanes.
–Y también de la carrera profesional, trabajando de regreso al Paraguay. –Cuando volví al Paraguay, me di cuenta que el único camino para iniciar mi carrera de director era formando mi propia orquesta. Presenté un proyecto a la Municipalidad de Villarrica para formar la Orquesta de Cámara Municipal de Villarrica. Luego de varias tratativas, en las que el apoyo de la directora de Cultura de entonces, la Dra. Esther Lisboa Mussi, fue fundamental, el proyecto se concretó, y tuvo un gran impacto. Luego de unos años, creamos la Fundación Filarmónica Guaireña, y la orquesta se convirtió en Orquesta Filarmónica Guaireña. Fue mi orquesta escuela. Con esta agrupación, conformada por músicos jóvenes muy talentosos, aprendí realmente a dirigir. Paralelamente seguí perfeccionándome, y también me empezaron a llegar las primeras invitaciones para dirigir en el exterior. Luego, en el 2001, fui convocado por la Uninorte para ponerme al frente de su orquesta, que se estaba creando. Dirigí la
Orquesta de Uninorte por diez años. Adquirí allí una gran experiencia como director de ópera y ballet. De hecho, creo que soy el director paraguayo más experimentado dirigiendo ópera y ballet. También creamos el Festival de Música Barroca y el de Música Contemporánea. En el 2005, luego de aquel estreno mundial de “El luisón del Yvytyruzú” con la orquesta de Kansas, la MidKansas Symphony me ofrece el cargo de director titular, cargo que ocupé hasta el 2009, en paralelo con mi trabajo en Uninorte. En ese tiempo también dirigí bastante en el extranjero, y dejé un poco de lado la composición. Pero desde el 2000 mis composiciones se empezaron a estrenar en diversos países, y eso me entusiasmó mucho. Inclusive, la prestigiosa editorial italiana VP Musicmedia publicó mis obras. EL CONCURSO –¿Y luego? –Cuando se crea la Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional, en el 2012, concursé para el cargo de
SOBRE EL CONCURSO Para el premio, según los organizadores, en esta ocasión, se presentaron 63 obras a la consideración del jurado conformado por José Antonio Moreno Ruffinelli, Gustavo Luque, José Luis Miranda, José Carlos Cabrera, Higinio “Teto” Molinas y la diputada Cynthia Tarragó. De acuerdo al informe presentado en el acto de anuncio por Luque, para elegir las ganadoras en diferentes disciplinas, se reunieron durante más de un mes y analizaron cada obra presentada, reuniéndose para consensuar criterios. Eligieron a los finalistas por unanimidad.
director titular y gané el concurso. Ese cargo lo ocupo hasta ahora. También coordino la Casa Bicentenario de la Música y dirijo el Instituto Paraguayo de Musicología, pues la investigación musical también me apasiona. En ese campo, tengo publicados tres libros: “La música en el Paraguay. Historia y Análisis” (Editorial El Lector, 2003), “La obra de J.S. Bach en la enseñanza musical paraguaya” (Editorial Uninorte, 2004), y “Carlos Lara Bareiro. Apóstol de la música y de la dignidad” (Colección “Creadores del Bicentenario”, 2014). –La admiración por Bach tam-
bién es parte de tus pasiones. –Sí. Otro proyecto personal en el que trabajo con mucho entusiasmo desde hace varios años es el de la Sociedad Bach del Paraguay, que fundamos en el 2008, y con la cual hago lo que me apasiona: BACH. Hemos presentado innumerables primeras audiciones en Paraguay de obras tan grandes como “La Pasión según San Juan”, el “Oratorio de Navidad”, el “Oratorio de Pascuas”, y muchísimas otras composiciones de Bach que nunca se habían interpretado en Paraguay. En forma paralela a mi labor de director orquestal, en el ámbito de la composición, mis
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–Tengo una hermosa familia. Mi esposa también es artista, además de diseñadora de moda. A mi hija, de cinco años, le apasionan la música y el ballet. El apoyo de ellas es también muy importante para mí. Mi esposa entiende perfectamente mi sistema de trabajo. Ensayo de lunes a jueves por la mañana con la orquesta, luego voy a la Casa de la Música, y cuando llego a mi casa sigo trabajando en mi estudio, pero por las noches (cuando no tengo conciertos) me dedico de lleno a mi familia.
obras se estrenaron en Paraguay, Argentina, Brasil, Chile, Uruguay, Perú, México, Puerto Rico, República Dominicana, Estados Unidos, Italia, España, Inglaterra, Grecia, Suiza, Marruecos, Nueva Zelanda, Australia, y otros países. SACRIFICIO Y AUTODISCIPLINA –Un profesional que a pesar de la juventud ha logrado ubicarse en un sitial de privilegio como vos, ¿cuánto debe sacrificar o dedicar a desarrollar un trabajo serio? –Se sacrifican muchas cosas. Uno debe imponerse una férrea autodisciplina para el estudio y el trabajo. Y eso implica muchos renunciamientos. Pero al final de cuentas, todo vale la pena cuando uno desarrolla con pasión su trabajo. Para mí, la música no es un trabajo, sino un placer y un goce constante. Cuando estoy en proceso de creación, disfruto plenamente de cada idea que surge, así como del trabajo de artesano de pulir cada nota. Lo mismo me pasa con la orquesta. El cansancio físico que se siente al finalizar cada ensayo queda ampliamente compensado por la magnífica experiencia de construir el sonido orquestal, de moldear una interpretación. –¿Es difícil en un país como el nuestro dedicar tanto esfuerzo y dedicación a la música o cualquiera de las disciplinas artísticas? –Sí. Tiene sus dificultades. Pero aún así, el esfuerzo vale la pena. Nuestro país, como la mayoría de los países latinoamericanos, tiene sus problemas. Y la cultura lastimosamente no es prioridad. Pero también, lo retrasado que estamos en nuestro proceso de desarrollo musical con respecto a otros países, tiene sus ventajas. Mientras en otros países ya está todo hecho, aquí está prácticamente todo por hacerse. Y eso yo lo veo como una oportunidad para crear espacios y para dejar un legado importante. –Podrías contarnos cuáles son tus composiciones y algunos detalles que te parezcan relevantes sobre ellas. –Tengo cerca de cuarenta composiciones en mi catálogo. Las características de mi lenguaje son, como señalé más arriba, la combinación de algún elemento de la cultura paraguaya (sea un ritmo musical, o la mitología guaraní, o inclusive la gastronomía paraguaya) con elementos de la música contemporánea. Así, tengo composiciones que apuntan al vanguardismo, y otras más
–¿En qué obra está trabajando ahora?
DIEGO SÁNCHEZ HAASE Director de Orquesta, Compositor, Pianista y Clavecinista. Director Titular de la Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional del Paraguay. Director de la Casa Bicentenario de la Música “Agustín Barrios”. Director del Instituto Paraguayo de Musicología. Director Artístico de la Sociedad Bach del Paraguay. Embajador Turístico del Paraguay.
–Estoy trabajando en varios proyectos a la vez: en primer lugar mi ópera “Pancha y Elisa”, que ya está prácticamente terminada. Me falta solamente una escena y luego el trabajo de orquestación; y mi ópera en guaraní “Ñomongueta”, basada en un concepto totalmente distinto al de la ópera tradicional. Además tengo varios encargos: un Concierto para clarinete y orquesta, que me solicitó la destacada clarinetista chilena Kathya Galleguillos, y que será estrenado en Chile y en Paraguay en el 2018, además de otras composiciones para oboe que me han encargado el oboísta brasileño Lucius Motta y el chileno José Luis Urquieta. En mis próximas vacaciones de enero trabajaré arduamente en estos proyectos. Como maestro dedicado a una carrera musical que le ha reportado muchos éxitos tanto en el país como en el extranjero, ¿cree que se debe ampliar la importancia de la enseñanza musical en las escuelas?
neoclásicas. En cuanto al lenguaje armónico, generalmente construyo una escala aleatoria, que utilizo como base para la armonía. También trabajo el contrapunto, tal vez como influencia de mi pasión por Bach, y generalmente las formas son neoclásicas.
–¿Cómo es la vida de un director de música y compositor en estos tiempos? Hay una imagen presentada por los clásicos, que nos pone ante la idea de unos seres solitarios y siempre apenados y sufrientes. ¿Tiene algo que ver con el ahora?
–¿Qué obra tuya, que puede o no ser la premiada en esta ocasión es la que sientes más cercana a tu corazón y por qué?
–Es una vida intensa, porque aparte de trabajar en la preparación o estudio de obras, ensayar, dirigir conciertos, planificar temporadas y ensayos, uno debe gestionar recursos para sus proyectos, y esa es una actividad muy desgastante. Lo de “apenados y sufrientes” por lo menos en mi caso no se da. Pero sí puede ser que sea un poco solitario. Cuando estoy en proceso de creación o estudiando alguna obra, necesito aislarme. Así también, los días en que tengo concierto, trato de estar solo.
–Por supuesto. Desde la escuela básica es necesario intensificar la enseñanza de la música, no a la manera de conservatorio pero sí enseñándoles a los niños a apreciar y saber escuchar música. Se debe llevar a los chicos a los conciertos, para que conozcan el teatro, para que vean cómo se prepara una orquesta, y para que se den cuenta de que la música en vivo es totalmente distinta a escuchar un simple disco. Para mí, no hay nada que pueda reemplazar a la música tocada en vivo. Este año tuvimos una magnífica experiencia con la OSIC. Organizamos el ciclo “Te cuento una música”, para los niños de las escuelas. Pero –salvo excepciones– no fuimos nosotros a las escuelas. Les trajimos al teatro, para que tengan esa vivencia de escuchar a la orquesta en un teatro. Estuvieron encantados. De cuatro conciertos programados, tuvimos que realizar catorce, a pedido de muchas escuelas.
–Además de dedicar tanto tiempo y esfuerzo a la música, Sánchez Haase tiene familia? ¿Cómo está ligado a su familia el trabajo?
Otro aspecto que me parece que falta estimular es la práctica coral en los colegios. En un coro se aprenden muchas cosas, no solamente a cantar. Integración, disciplina, diá-
–Todas son como hijas mías. A todas las quiero por igual. Pero si tengo que elegir entre las que más satisfacciones me dieron, puedo citar a “El luisón del Yvytyruzú”, “Pitogüe. Leyenda guaraní”, para oboe solo; “Sonata paraguaya”, para orquesta de cuerdas; “Tríptico paraguayo”, para mezzosoprano y piano; “En karumbé. Una estampa de Villarrica”, para piano solo; también estoy muy entusiasmado con mi más reciente creación, estrenada la semana pasada en México: “Omaggio a Puccini”, para ensamble instrumental.
logo, son valores que se aprenden practicando el canto coral. Y lamentablemente nuestro país tiene muy poca tradición coral. –La carrera musical como opción profesional siempre padeció prejuicios por parte de muchos que consideraban como “inviable económicamente” para quienes desean abrazarla. ¿Es así todavía o eso ha cambiado? –En el ámbito de la música erudita ha cambiado bastante, pues ahora hay más fuentes de trabajo que en la época en que yo iniciaba mi carrera de director. Ahora Asunción tiene nada menos que cinco orquestas sinfónicas profesionales, y además varios conservatorios y escuelas de música. En mis 27 años de carrera, siempre viví de la música, ya sea dirigiendo o enseñando. Gracias a Dios, nunca tuve que realizar otra actividad para subsistir. Pero a la vez, hay mucha gente estudiando por ejemplo dirección orquestal tanto en universidades y conservatorios de nuestro país y también en el extranjero. Veremos si todos tienen la oportunidad de trabajar aquí. Hay gente – de mi generación inclusive– que por no perseverar o por desanimarse rápidamente, quedan por el camino. Siempre digo que en el ámbito de la dirección orquestal “muchos son los invitados pero pocos los elegidos”. –Paraguay es indudablemente un “país musical”, con creadores e intérpretes de música clásica y también popular de gran calidad y trascendencia. ¿Cuáles son los referentes más importantes para vos? –En el ámbito de la música clásica, Paraguay tiene muchos intérpretes pero pocos creadores. Mis referentes históricos son Barrios Mangoré, Flores, Lara Bareiro y Moreno González, en lo que respecta a la música clásica. En cuanto a la música popular, de la que soy también un gran admirador, serían Cardozo Ocampo, Emiliano R. Fernández, Pérez Cardozo, Agustín Barboza y por supuesto Flores. –¿Todavía existen prejuicios hacia lo popular desde lo clásico y viceversa en el ambiente de los músicos del país o hay mayor respeto y conocimiento mutuo entre los que se dedican a ambas disciplinas? –En mi experiencia he visto todavía ciertos prejuicios, si bien creo que ya hay mayor respeto de ambas partes. Hay muchos músicos “clásicos” que hacen bastante música popular, y también hay músicos que vienen de lo popular y tocan en orquestas sinfónicas. Y es común por ejemplo ver en nuestros conciertos a muchos rockeros y metaleros, y gente de la música clásica –sobre todo los más jóvenes– en los conciertos de jazz o de rock.
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Artista argentina propone una muestra original La propuesta, colorida y singular, se trata de un montaje que simula un mercado de venta de telas, donde los lienzos no son las convencionales paredes. ADRIANA ZACARÍAS Periodista
adriana.zacarias@gruponacion.com.py FOTOS: GENTILEZA
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l próximo miércoles 15 de noviembre a las 19:30, el espacio múltiple de arte, Multiarte (Antequera 1175 c/ Rodríguez de Francia), presentará la exposición titulada “Qué se le ofrece” de la artista Verónica Narvajas, que en esta ocasión compartirá con el público obras plásticas recientes realizadas en distintas técnicas y formatos, que expresan su particular mirada sobre la naturaleza. La presentación y coordinación estará a cargo de Liliana Segovia, directora del mencionado espacio artístico, con texto curatorial de Ximena Huerta Arena. La muestra se extenderá hasta el viernes 15 de diciembre. “‘Qué se le ofrece’, la ilusión de lo inasequible… la pregunta que interpela al espectador de este despliegue de simbologías no es casual. Al igual que el disparador inicial del trabajo de patchwork que pasa de ser la primera experiencia con esa tradición en la infancia de la artista a plasmarse en la obra que lo amplifica… estas imágenes, que son la expresión más voluptuosa de la naturaleza, contienen a su vez la sombra de un miedo sin nombre que se insinúa en la irrupción de la oscuridad y la presencia de ciertas siluetas, que perturban lo ornamental desde la figura”, expresa parte del texto curatorial, a cargo de Ximena Huerta Arena.
LA ARTISTA Verónica Narvajas es de Candelaria, Misiones, Argentina. Profesora nacional de Pintura/ INBAPP y licenciada en Artes del Teatro/ Escenografía, USAL, Argentina. Actualmente cursa la maestría en Culturas Guaraní-Jesuíticas de la Universidad Nacional de Misiones. Ha realizado varias muestras individuales e intervenciones urbanas colectivas en la República Argentina desde el 2000. Ejerció la docencia como profesora titular en artes y dirigiendo talleres en instituciones educativas tanto públicas como privadas. Vive y trabaja entre Misiones y Buenos Aires. LA EXPOSICIÓN “‘Qué se le ofrece’ es una insta-
lación y exposición de pinturas, con el mismo sistema de montaje y de comercialización al de las tiendas textiles: a modo de mercado de venta de telas, emula el comercio que caracteriza la relación entre ambos países. Soy de la provincia de Misiones y habitante de una ciudad fronteriza. Como tal, crecí compartiendo costumbres en común, como lo es el intercambio cultural y comercial entre unos y otros”, explicó la artista. En este sentido, la exposición escenifica un comercio de venta de telas (utilizando el formato de los negocios especializados en el rubro), donde se exponen muestrarios de pinturas hechos sobre tela con calidades, tamaños y diseños diversos. Los mismos se disponen contra las paredes de la
sala; sobre mesas a modo de libros de artistas o sujetos a dispositivos para una mejor apreciación. Los muestrarios son catalogados y se les asigna un precio según el material y el diseño con el que fueron pintados: óleo o acrílico. LA IDEA “El proyecto sugiere a su vez la operación de compraventa de obra donde el espectador deviene en un potencial consumidor, pudiendo seleccionar un diseño, entre los ejemplos expuestos, y encargar la realización de una pintura: al elegir el modelo, encarga la concreción de una pintura y efectúa su compra. De esta manera, el espectador-cliente también es coautor de la pieza, puesto que decide tanto el formato como la realización efectiva de la obra y
su montaje”, puntualizó Narvajas. Habló también de la innovación y socialización de ideas a nivel regional: “La propuesta del proyecto también busca expandir la idea de pintura; cuestionar de qué manera dialoga en un mundo hiperindustrializado, y en reflexionar cómo ser parte activa dentro del arte contemporáneo. Por otra parte, implicaría contribuir a localizar otros escenarios culturales y artísticos en la región”. Por último, mencionó: “Personalmente, me permite seguir investigando con pinturas hechas sobre telas sin bastidor, con obras que caen en la inestabilidad, en lo indiferenciado. Que reflejan, casi como la tela misma, mi propia vulnerabilidad y la del medio que me rodea”.
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domingo 12 noviembre deL 2017
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Diversas actividades marcarán inicio de Semana de la Cultura Ferias, conciertos, visitas guiadas por museos, la exposición del libro de oro, cine, gastronomía, entre otras acciones forman parte del programa.
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as actividades que forman parte de la Semana de la Cultura fueron dadas a conocer durante la reunión mensual del Consejo Nacional de Cultura (Concultura), realizada el pasado martes 7 de noviembre en la Academia Paraguaya de la Historia. En la ocasión, el ministro de la Secretaría Nacional de Cultura, Fernando Griffith, y el director General de Gabinete de la SNC, Marco Méndez, detallaron la agenda que incluyen los conciertos, ferias y exhibiciones, enmarcadas en “Cultura Celebra”, que se desarrollarán desde mañana lunes 13 de noviembre hasta el domingo 19. Se anunció la realización de “La Noche de los Museos”, que tendrá lugar el viernes 17, desde las 18:00 hasta la medianoche, que consistirá en la visita guiada por
ocho museos del Centro Histórico de Asunción. “Es una invitación a descubrir la ciudad a través de la cultura y sus distintas manifestaciones”, señaló Méndez. Se prevén, además, muestras de cine gratuitas, ferias artesanales y gastronómicas, exposiciones, festivales, conciertos, exhibiciones, deportes inclusivos y muchas otras actividades destinadas a toda la familia, destacó. Exhibición DEL LibRO DE ORO El ministro Griffith también brindó detalles acerca de la exposición del libro de oro, considerado una importante reliquia que reúne los nombres de las mujeres que ofrendaron sus joyas durante la Guerra Grande. La muestra se llevará a cabo en el Archivo Nacional, de 7:00 a 18:00, y los sábados de 8:00 a 12:00.
Entre la serie de actividades en el marco de la Semana de la Cultura figura la visita guiada por los museos de Asunción. TALLEREs Así también, con la finalidad de fomentar el intercambio de conocimientos y experiencias sobre las políticas culturales, el jueves 16 y viernes 17 de noviembre está prevista la Reunión de Planeación de las Autoridades de la Comisión Interamericana de Cultura (CIC) de la Organización de Estados Americanos (OEA), bajo la presidencia del ministro Griffith y con la presencia de varios países miembros.
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El “Mandyju guasu reko”
Los pa’i tavyterã han resguardado desde tiempos inmemoriales conocimientos sobre el algodón nativo. El próximo jueves 16 de noviembre, a las 18:00, se realizará el evento intercultural denominado “Man-
dyju guasu reko”, relacionado a los conocimientos ancestrales del algodón nativo, que el pueblo guaraní
pa’i tavyterã ha resguardado desde tiempos inmemoriales. En la presentación se estrenará un audiovisual, donde con protagonistas indígenas conocidos como tekoharuvicha, mba’ekuaha y jari, se muestra la importancia del resguardo de las plantas del algodón; siendo que ella representa los poderes y la sabiduría de una de las princi-
Además, se realizará el “Taller de Revitalización de Centros Históricos - Sirchal”, a partir de este lunes 13 al 15 de noviembre, a cargo del experto franco-chileno Leo Orellana, del Seminario Internacional de Centros Históricos de América Latina (Sirchal). Igualmente, el “Seminario de Sistema de Información Cultural” está previsto para el jueves 16, con la presencia de los expertos internacionales Ernesto Piedras, de
pales deidades femeninas conocida como Ñande Jari Guasu. Además, se presentará un relato fotográfico en formato de set/juego de postales, que contiene relatos breves acerca de los distintos usos y sentidos del mandyju guasu dentro de la inmensa belleza de la cosmogonía guaraní pa’i tavyterã. Este evento nace del interés de los pa’i tavyterã de compartir con la sociedad paraguaya sus saberes y sus luchas por permanecer en sus tierras y preservar su identidad y modo de vida. Cabe destacar que se contará con la especial presencia de sabias y sabios guaraníes.
Staff.
México, y Anahí Moyarano, de Costa Rica; mientras que el 14 y 15, se hará Camino al Micsur 2018 (Mercado de Industrias Culturales del Sur), con la finalidad de realizar un intercambio de experiencias sobre mercadeo cultural, a los efectos de prepararse para el concurso, del cual serán seleccionados los representantes de Paraguay para participar del encuentro previsto en el 2018, en San Pablo, Brasil. Este encuentro está dirigido a artistas, creativos, productores y gestores culturales.
Asimismo, en la fecha se realizará una exposición de los tejidos de algodón hechos a mano con técnicas ancestrales propias de las mujeres pa’i tavyterã. El evento está organizado por el Grupo Sunu de Acción Intercultural y cuenta con el apoyo solidario de fondos concursables de la cooperación cultural de las embajadas de los Estados Unidos, Nueva Zelanda y la agencia alemana Pan para el Mundo. Local: Casa Intercultural Sunu, situada sobre la calle Celsa Speratti 3865 c/ Radio Operadores del Chaco. Entrada libre y gratuita. Contactos: (+595 21) 208-641.
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