Festival de Teatro Rafaela 15 07 by Diario Castellanos

SÁBADO 15 DE JULIO DE 2017

Los Zarabella, una deliciosa comedia circense Y siguen las tardes dedicadas a la familia en la programación del FTR 2017, esta vez la cita fue en la vecinal del barrio Jardín, y estuvieron a cargo de la función el dúo compuesto por los destacados artistas Mariana Zarabozo y Martín Carella. Ninguno escapa a la búsqueda del verdadero amor. De eso se trata esta historia. Pipi y Atilio son dos artistas que viven en su carromato y tienen un bebé, el bebé llora y esa situación va desatando otras que ponen en jaque a la pareja. Por eso deciden repasar su historia bailando y haciendo acrobacias a través de los momentos que construyeron su amor. Invitan al público a través de un lenguaje físico y expresivo a recorrer la historia también y todos se vieron envueltos en las desopilantes situaciones contadas a través de acrobacias y clown con estos simpatiquísimos personajes. Se aman o se amaban? Es la pregunta que repica una y otra vez. Lo cierto es que a través del baile y mucho humor le van poniendo sonrisas a cada uno de los que atentamente sigue el espectáculo. Es inevitable

emocionarse también. Después de mucho contar de ambos la balanza se inclina para el lado del amor. Sin duda pusieron calor y alegría en las caras de chicos y grandes. Los Zarabella se presentó en numerosos festivales: Festival de Teatro de Calle de Medina del Campo (Valladolid, España), Umore Azoka (Leioa, España), Feria de Teatro de la Comunidad Valenciana (Alcoy, España), Festival del círculo (Lima, Perú), Festival Circo en Escena (Córdoba, Argentina), Festival Yo me Río Cuarto (Río Cuarto, Argentina) Festival Estival (San Martín de los Andes, Argentina). En 2014 fue seleccionado para formar parte del catálogo INT Pres, por lo cual ha recorrido numerosas provincias y festivales.

Fotos: D. Camusso

Acerca de Mariana Zarabozo y Martín Carella En el 2004 este dúo de artistas interdisciplinarios creó la compañía "Patas pa Arriba" y, por algunas circunstancias de la vida, decidieron renombrarla "Muñeca de Aquiles", con la cual buscan desarrollar un

lenguaje físico expresivo utilizando elementos de acrobacia, danza y teatro. En 2005 estrenaron en Madrid su primer espectáculo: Los Zarabella. Con él participaron de festivales en España, Perú y Argentina.

Ficha artística y técnica. Intérpretes: Mariana Zarabozo y Martín Carella. Escenografía: Carlos Monzón y Agustín Digiglio. Vestuario: Liliana Piekar.

Colaboraron en el proceso creativo: Gerardo Hochman, Rosa Díaz y Walter Velázquez. Idea y Dirección general: Muñeca de Aquiles. / Verónica Imoberdorf.-

SÁBADO 15 DE JULIO DE 2017

Tres hombres, tres sillas, más de tres historias Con dos funciones a sala llena se presentó "Volver a Madryn", en el Centro Cultural La Máscara. La obra empieza de manera narrativa, contando la historia de tres muchachos que vivían en Puerto Madryn. De a poco los actores van ingresando en otras historias que están por dentro, y van representando a otros más que a los dos hermanos y el cuñado. Tres hombres y más de tres historias. Si bien hay individualidades a la vez se unen en algo. Aparece el padre de los hermanos, la hermana, un prestamista usurero a quien el padre le debe plata. Y empieza a montarse un plan: asaltar al usurero. Mientras tanto las historias siguen entrecruzándose en una coordinación absoluta y específica de cada movimiento. Los actores se desdoblan todo el tiempo y fluctúan entre realidad y ficción a un ritmo monumental. Solo tres sillas son la herramienta escenográfica. Es bestial el trabajo de los actores, mantener el ritmo y la energía requiere gran preparación, entrenamiento y concentración. Recursos con ritmo televisivo y cinematográfico obligan a actores y espectadores a estar atentos al ir y venir de la ficción. El humo-tiniebla y las luces tienen una fuerte presencia e impacto en la puesta. La trama toca los vínculos humanos, la reacción de las personas frente a situaciones extremas, y como, bajo presión se puede actuar de manera impensada.

En el medio se cuentan las relaciones de amistad durante los estudios secundarios, se redondean personalidades, se plantean dilemas morales y de identidad y se le busca sentido a vidas que parecen fundirse con el mar y el paisaje desolado. El plan de robar al financista se lleva a cabo, un hecho que pone a la comunidad en alerta y cambia el destino de sus vidas y del pueblo entero. Al poco tiempo estos tres hombres abandonan el pueblo, con distintos destinos y por distintos motivos. Y ahora, un tramo de vida después, deciden volver a Madryn, a esparcir las cenizas del padre y a contar la historia.

La respuesta del público Después de hora y tanto de función, los espectadores estallaron en ovación y de pie aplaudieron la puesta. Merecido reconocimiento se han llevado los muchachos cordobeses. Esta obra se presentó en la Fiesta Nacional del Teatro (Mendoza), en la Fiesta Provincial del Teatro (Córdoba), en el Festival Pensar con Humor (Villa María), en el Teatro de la Paz (San Miguel de Tucumán), en la Sala El Cuenco Teatro (Córdoba), en la Sala "Teatro de la Ciudad" (La Rioja), en la Sala "Espacio Quality" (Córdoba),

D. Camusso

y en la Sala "El Teatrino" (Salta).

Acerca de Rodrigo Cuesta Es Licenciado en Teatro y socio fundador del grupo y la sala "El Cuenco Teatro". Docente en la Universidad Nacional y Provincial de Córdoba. Desde 1998 hasta la actualidad, dirige talleres de actuación y dirección. Como director, lleva estrenadas más de veinte puestas teatrales, con las que ha participado en diversos y prestigiosos Festivales, tanto nacionales como internacionales, y entre las que destacan: "Funeral", "N/Narco", "Por capricho", "Por accidente", "Matar al otro", "El tamaño del miedo" y "La desconfianza", entre otras. Del 2008 al 2009 dirigió el Elenco Universitario de la UNC; en el 2014 fue convocado para montar un espectáculo de su autoría con la Comedia Cordobesa. Ha recibido gran cantidad de premios por su trabajo como director y dramaturgo, entre los que se destacan: Premio Provincial de Teatro

de Córdoba: Mejor Obra (2017), Mejor Dirección (2017) y Mejor Dramaturgia (2016 y 2017); Premio BANCOR (2015); Premio Mejor Dirección - Municipalidad de Córdoba (2006, 2007 y 2013); Mejor Director - Fiesta del Teatro de Córdoba INT (2011 y 2017); entre otros.

Ficha artística y técnica Dramaturgia, Dirección y Pues-

ta en escena: Rodrigo Cuesta. Elenco: Ale Orlando, Hernán Sevilla y Ignacio Tamagno. Diseño escenográfico: Rodolfo Ramos y Rodrigo Cuesta. Diseño de iluminación: Samuel Silva y Rodrigo Cuesta. Fotografía y Diseño gráfico: Marcos Rostagno. Producción ejecutiva y distribución: Gabriela Marsal y Leila Barenboim (Mika Project). / Verónica Imoberdorf.-

SÁBADO 15 DE JULIO DE 2017

Historias paralelas, peleas de poder A sala llena se presentó en la Sociedad Italiana del Centro Cultural Municipal "Algo de Ricardo". El telón abierto nos deja ver el escenario en todo su esplendor. Un actor moviéndose, caminando, balbuceando. Su vestimenta: pantalón y remera negra, descalzo. Hay dos hileras de sillas, una a cada costado del escenario con personas sentadas. Una pantalla en el fondo, un banco, una mesa, una silla con la cabeza de un animal en su respaldo. "Solo se necesita un actor" repite el protagonista una y otra vez. En ALGO DE RICARDO, un actor narra su experiencia de participación en el montaje de esta tragedia. En el abordaje del personaje de Ricardo III, este actor se identifica con la lucha del mismo Ricardo III. De a poco se dejan al descubierto las dos historias paralelas, los dos pelean por ser el número uno, y los dos matarán a quien se interponga en sus caminos. Ambos recurren al uso de su inteligencia y el manejo de sus palabras para deshacerse de sus enemigos, hasta solo quedar enfrentados con ellos mismos. El personaje del actor menosprecia a sus colegas de reparto y a los espectado-

res desinformados. El actor va creando conflictos con el director y sus compañeros hasta que, finalmente, los hace renunciar al proyecto. El actor hace una metáfora de la historia que marcó a Ricardo III", en el fondo, acepta que estuvo conspirando para dejarse el papel protagónico y el puesto del director. Sus acciones son parte de una estrategia bien planificada para salirse con la suya. En el tránsito de la obra, el protagonista se desdobla en un actor que a su vez, se desdobla en Ricardo III. La obra explora las tensiones entre ficción y realidad. Con el apoyo de proyecciones en video y cambios de vestuario en escena, también encarna a diversos caracteres femeninos de la tragedia original. Con un gran manejo de su cuerpo, una segura presencia escénica y una muy buena interpretación, esta obra nos deja con la idea de que Ricardo III hubo uno solo, pero el modelo se sigue repitiendo. Ricardo III reinó en Inglaterra desde 1483 hasta su muerte y se deshizo de todos aquellos que le impedían su objetivo.

Fotos: D. Camusso

Acerca de "Algo de Ricardo" Es una obra del dramaturgo uruguayo Gabriel Calderón inspirada

en el poderoso texto Ricardo III de William Shakespeare, bajo la dirección de Mariana Percovich. La versión apunta a visitar los mecanismos del poder contemporáneo, las relaciones del actor con el espectador y del teatro con su público. A partir de revisar tanto la prosa como el verso, los mecanismos de representación del teatro isabelino y la mirada del género sobre los personajes, vamos conociendo a un actor al que han invitado a protagonizar Ricardo III y que tiene tantos obstáculos para llegar a su meta, como lo tuviera el famoso personaje de Shakespeare. Algo de Ricardo es el sexto espectáculo que realizará Percovich con Saffores dentro de COMPLOT. Percovich tiene una larga experiencia con los unipersonales. Su carrera comenzó en 1995 con el premiado Te Casarás en América (con Andrea Fantoni) que se presentó en varias ciudades del mundo en los años 90. En el 2000 el unipersonal Ayax (con Claudio Castro) sobre el

poema de Heiner Muller la coloca como una de las mejores directoras del cambio de siglo; el unipersonal recorre festivales de Argentina, Brasil y Chile. En 2003 dirigió Yocasta (con Elisa Contreras), su propio texto para una actriz, que ha tenido exitosas versiones en francés (Montreal), preparándose en la actualidad una nueva versión por parte de una directora uruguaya. En 2009 escribe y dirige su monólogo Medea del Olimar (con Bertha Moreno) premio de dramaturgia para un solo actor del CCE, un espectáculo que además de la temporada en Montevideo representa a Uruguay en el Festival del Monólogo de México. En 2012 escribe y estrena dos unipersonales que se presentan en simultáneo: Clitemnestra (con Marisa Bentancur), falso monólogo griego/ Agamenón (con Iván Solarich), presentando los dos puntos de vista sobre el asesinato de Ifigenia para los espectadores divididos por géneros. / Verónica Imoberdorf.-

SÁBADO 15 DE JULIO DE 2017

Payasos en busca de su destino Fotos: D. Camusso

También fue el turno de Kaplum!, ayer a las 17 horas en la Escuela J. D. Perón del barrio 17 de Octubre. A pesar del día gris la gente no dudó a la hora de movilizarse para llegar a la función. Son tres payasos soldados que juegan a encontrarse, con ellos y entre ellos. La gestualidad exaltada y la utilización de un lenguaje propio y singular en el que pocas palabras suenan familiares, la mayoría son onomatopeyas inventadas o derivadas de sonidos propios de la escena. Eso crea una complicidad con el público logrando que todos se sumen a las aventuras y desventuras de este trío disparatado en la búsqueda de sus destinos.

Los roles de los actores-clowns representan arquetipos de payasos clásicos: el Carablanca simboliza la autoridad, el mundo adulto; el Augusto al niño travieso, provocador, torpe; y el Contraaugusto lo sigue en su rol de amplificador de enredos. A medida que se desarrolla el relato estos roles se confunden y entrecruzan. Las narices rojas, los colores y el humor físico priman en esta historia; en donde una aventura lleva a otra y a otra y a otra. Los asistentes celebran con entusiasmo esta obra y todos se van

sonriendo. La Compañía ganó mejor espectáculo de la comedia municipal de La Plata 2017, participó en el Festival Bahía Teatro 2017 y fue seleccionada para ENTEPOLA México 2017.

Sobre Santiago Culacciati Se dedica a las artes escénicas y en sus años de formación hizo teatro, danza, circo y música. Conformó varios grupos creando espectáculos, participando de festivales, talleres y eventos culturales, dentro y fuera del país. Algunos de sus profesores fueron Gerardo Hochman y Toto Castiñeiras. Conformó los grupos "La Patera Teatro", "Compañía Prematura" y Espectáculos "El Partener", "Lustro", "Dos Payasos y Un Biombo", "Viceversa", "Ruedeenla", "La Comedia de los Herrores", "Kaplum!", "Mujerpájaro". Se presentó en los siguientes Festivales: Entepola, Rafaela, INT presenta, Bahía Teatro y Circovolante Brasil.

Ficha artística y técnica Dirección: Santiago Culacciati.

Actúan: Matías Streitenberger, Diego Leandro Bailen y Agustina Bermúdez. / Verónica Imoberdorf.-

SÁBADO 15 DE JULIO DE 2017

APUNTES SOBRE "UN VIAJE A CIEGAS"

Una buena dosis de felicidad Sabemos que la felicidad absoluta no existe, si no que se nos obsequia en dosis, administrada con mayor o menor frecuencia, quizás para que valoremos especialmente esta cualidad. Entonces, no exageraré al decir que anoche, la función de "Un viaje a ciegas", brindó a los centenares presentes una buena y sanadora dosis de felicidad. Quizás sea, en principio, porque nos hizo sentir parte, haciéndonos sentir de todo. Fuerte olor a café, alguien pide un cortado y arranca la comedia más original que he visto en los últimos tiempos. Compartiré la experiencia con extraños conocidos. No me moveré de mi lugar. Me concentraré como nunca. Me sentiré parte de ese universo. Es sabido que los bares son lugares de encuentro, y como tales, ricos en historias. Pues el boliche al que se nos invitó anoche, parecía tener vida propia, tan vital se sentía su pulso. Pero a esta característica se suman las improntas de los personajes, delineados con sensibilidad e inteligencia. Conoceremos entonces a Mar-

tínez, el propietario, que manifiesta inicialmente su deseo y/o necesidad de vender el bar. El mozo Ramírez, al que se lo nota baquiano y trabajador. Al típico parroquiano bebedor, Rosendo, con altísima cuota de humor en su decir y accionar. A la exquisita cantante Ernestina, sola de amores. Y a Álvaro, el encargado de la limpieza. Cada uno contará sus proezas, sus hazañas, evocará sus mejores recuerdos, entre tragos, cafés y clientes que asisten a todo este ritual. La delicada Ernestina hilvana estos momentos con interpretaciones originales y preciosas como Se dice de mí, a modo de presentación, Naranjo en flor, sumándose a estas algunas canciones que suenan también en la obra, pero no en vivo, aunque es curioso la vitalidad que insuflan a la obra: Palito Ortega, Heleno, La Mona Giménez, todo parece tener cabida en las historias de estos variopintos personajes, que bien podrían considerarse familia. De su mano estuvimos en África, entre animales salvajes; en Brasil, tomando jugos frutales bajo los cocoteros, pescando en aguas abiertas y

profundas, nos mojamos bajo la lluvia, bailamos en un asalto de los 60 y nos enamoramos tirados en el césped bajo una noche estrellada. En todas las historias fuimos testigos y a la vez parte activa, sensorialmente activa, vale destacar. El final nos emociona sorpresivamente ante la evidencia de una amistad que se cristaliza de manera contundente, de lazos que se evidencian inquebrantables, de lo valioso de encontrar y poder conservar "nuestro lugar en el mundo", y compartirlo con quienes más queremos. La ceremonia culmina con los contagiosos acordes de Hit the road Jack, el clásico de Ray Charles en la voz de una Belén Cabrera (Ernestina) que descolla con su potente interpretación. Dejo para el final el detalle, no menor pero tampoco único, de que toda la obra se desarrolla en absoluta oscuridad, sin saber uno dónde está sentado, quién tiene al lado, etc. El dispositivo sonoro y la elección y utilización de los efectos especiales, coronan esta experiencia única, inclusiva e inspiradora, que tuvimos la suerte de disfrutar en Rafaela. Men-

ción aparte para los actores y sus trabajos de voces: matices, intencionalidades, potencia. ¡Chapeaux!

Lo que pasa en el cuerpo Me sentí en calma ante esta nueva experiencia, expectante sí, pero con absoluta confianza, y creo que eso sumado al maravilloso trabajo profesional de la compañía, hicieron que el disfrute sea total. Sí debo reconocer que, en los minutos que se demoran en acomodar al público, experimenté una sensación cercana a la claustrofobia, pero al iniciarse la obra se disipó de inmediato, y todo fue disfrute y felicidad por 90 minutos. Este espectáculo participó de numerosas giras nacionales e internacionales recorriendo más de 20 ciudades de Argentina, y participando durante las temporadas de 2015 y 2016 en la ciudad de Villa Carlos Paz. A nivel internacional, participó en Festivales en Chile, México, España y Bolivia con una recepción por demás satisfactoria del público.

Sobre el Centro Argentino de Teatro Ciego Es el único teatro en el mundo donde todos los espectáculos son desarrollados en total oscuridad. Se trata de un espacio cultural inclusivo donde los sentidos son los protagonistas. Cuenta actualmente con 10

propuestas en cartel, incluyendo un espectáculo gourmet, un show de magia, un infantil y tres musicales. La oscuridad permite una nueva percepción de la realidad haciendo innecesario el uso del sentido de la vista. Esto posibilita la participación plena de personas con discapacidad visual en cualquiera de las actividades desarrolladas. El Teatro Ciego brinda trabajo a 70 personas, de ellas el 40% con ceguera o baja visión. El deseo de fomentar la creación de nuevos espectáculos y el desarrollo pleno de la técnica produjo la necesidad de contar con un espacio propio. Gerardo Bentatti y Martín Bondone deciden encarar el ambicioso proyecto de poner en funcionamiento el Centro Argentino de Teatro Ciego. Luego de mucho trabajo y esfuerzo, el 4 de julio de 2008 abre sus puertas el primer Teatro Ciego del mundo, un espacio donde todos los espectáculos son presentados en la más absoluta oscuridad, buscando el desarrollo cooperativo e igualitario de sus miembros.

Ficha artística y técnica Director: Martín Bondone. Sonido: Ilan Brandenburg. Producción: Pamela Bocco. Actores: Facundo Bogarín, César Martínez y Nicolás Romero. Actriz y cantante: Belén Cabrera. Pianista: Carlos Cabrera. / María Emilia Sánchez.-

SÁBADO 15 DE JULIO DE 2017

ENTREVISTA A MARÍA EUGENIA "TATY" MARZIONI

"El arte, como bien cultural, es de todos" Es una mujer pulpo: docente de teatro y directora -en ambos casos lo hace en español e inglés-, madre de dos hijas, directora de una escuela media, titular de un instituto de enseñanza de idiomas, profesora de inglés y traductora. Hace poco, con una colega, publicó un libro que circula por el mundo. Y para completar, desde hace un tiempo, presidente la comisión directiva del Centro Ciudad de Rafaela (Teatro Lasserre). Creemos que no le faltan méritos que la habiliten a tomar la palabra y compartir sus reflexiones en torno al FTR y todo lo que desde él se dispara. A continuación, los pasajes más destacados de esta charla.

Cómo siente el FTR Siempre es, como dice su nombre FELIZtival, una felicidad saber que va a venir el Festival de Teatro, este arte que uno quiere tanto y que abraza desde hace tantos años; el hecho de que la ciudad como que se para, se adorna, se viste, se prepara para toda esta gente que viene a traer su arte, es una felicidad. Hay una ansiedad incluso en quienes no son teatreros y sin embargo comentan o preguntan al respecto. Esta semana es como la noche de Cenicienta, vamos a disfrutar estos días creyendo que todos somos muy teatreros y el lunes que viene ya nos olvidamos del teatro, al punto que a nuestra institución le cuesta programar obras la semana siguiente por la reciente realización del Festival, cuando debiera ser al revés.

Cómo se vive desde la institución que preside

Delante y detrás de escena

Como representante del Teatro Lasserre, una de las entidades que lo recibe con placer y alegría, y como teatrera, la reflexión también es que a uno le gustaría que esa movida, esas ansias y esa felicidad se prolonguen todo el año para con las manifestaciones locales -o de afuera-, que no están enmarcadas en el Festival. A veces me queda esa sensación amarga de que lo propio o lo que sucede por fuera de la estructura del FTR no se valora lo suficiente. Por ahí vamos a ver producciones culturales en otras ciudades -de viaje o de vacaciones- y desconocemos o no vamos a las que se realizan acá. Parece que siempre lo de acá es desvalorizado. Ya sea desde el espectador como desde el empresariado local, que muchas veces invierte o apoya expresiones de afuera y no tanto lo hecho en la propia ciudad. Me parece que sería una problemática a tratar entre todos los que nos interesa y estamos en esto.

Empecé a dirigir luego de ver obras sobre las que pensaba "yo esto lo haría así o de esta otra manera". En mi academia de inglés, el trabajo anual que presentamos es una obra de teatro, y ahí siempre me pongo en algún personaje, el tema es que cada vez tengo menos memoria (risas), pero sabés que tengo muchas ganas de actuar, aunque es difícil actuar y dirigir, me gustaría que alguien me dirija, ya se dará…

Una posible salida Pienso en que ante esta problemática, todos los que nos dedicamos a las artes, debiéramos unirnos un poquito más. Y a la vez pienso que al haber una crisis ciudadana y de participación, la gente no quiere meterse en nada, quiere el placer inmediato sin tener responsabilidades, y esto influye. Creo que hay que asumir esta problemática y apropiarse más de la ciudad.

Sus inicios en el Teatro Mi primer recuerdo como espectadora es de cuando era muy chica viendo a Oralita y luego, de esto siempre me acuerdo, que fui a verlo a Osvaldo Terranova con mi abuelo y eso me había impactado, Yrigoyen era la obra, en el Lasserre, o sea que mi primer experiencia fue allí. Si bien al momento de "hacer", yo no empecé allí, si no en el Centro Cultural junto a Pepe Fanto. Y mi primera experiencia en es-

N. Gramaglia

María Eugenia Marzioni, flamante presidente del Centro Ciudad de Rafaela.

cena fue con un infantil que se llamó Payaseando y fue hermoso porque me di cuenta de que eso era lo que quería hacer, escapándome de mi casa para hacer teatro, era fuerte la cosa. Tuve intermitencias, y de hecho no es a lo que yo me dedico como medio de vida, pero fue combinando mi profesión con el teatro.

Deseo Que continúe, pero que se entienda que el Festival no es de un grupo sino de todos, y que como tal

nos apropiemos un poco más de él, pero para eso tenemos que responsabilizarnos todos. Y el punto está en entender, desde lo pequeño, que el arte es de todos, es un bien cultural, no se trata de entenderlo o no, si no de poder acceder a él y ser protagonista. Es un desafío para el grupo humano que formamos quienes estamos en las artes escénicas. Y por supuesto para quienes llevan adelante las políticas de gobierno, que tienen que asegurar que eso suceda, y nosotros que eso se cumpla. / María Emilia Sánchez.-

SÁBADO 15 DE JULIO DE 2017

Yendo de la sala al Anfiteatro

Casi sin darnos cuenta llegamos a la recta final del Festival de Teatro Rafaela 2017. Pero todavía nos queda mucho por disfrutar. En esta jornada de sábado tenemos más de diez funciones

por compartir y otras tantas mañana domingo. Más oportunidades para encontrarnos con los lectores habituales y con los nuevos. CASTELLANOS, el diario del festival.