Issuu

sztuka współczesna

nowe pokolenie po 1989

au kc ja 2 9 wr z eś n i a 20 20 wa rsz awa

sztuka współczesna

nowe pokolenie po 1989

a u k c j a 2 9 WRZEŚNIA 2 0 2 0

cz a s aukc j i

29 września 2020 (wtorek), 19:00

w y s ta w a o b i e k t ó w

19 - 29 września poniedziałek - piątek, 11:00 - 19:00 sobota, 11:00 - 16:00

m i e j s c e a u k c j i i w y s ta w y

Dom Aukcyjny Desa Unicum ul. Piękna 1a, Warszawa

KOOR D YNATORZY

Katarzyna Żebrowska tel. 22 22 163 66 49, 539 546 701 k.zebrowska@desa.pl Marta Lisiak tel. 22 163 67 04, 788 265 344 m.lisiak@desa.pl

Z L E C E N I A L I C Y TA C J I

zlecenia@desa.pl, 22 163 67 00

zarząd desa unicum

JULIUSZ WIN D ORBSKI Prezes Zarządu

JAN KOSZUTSKI Wiceprezes Zarządu

MA Ł G ORZATA KULMA Główna Księgowa

IZA RUSINIAK

Dyrektor Departamentu Projektów Aukcyjnych

A G ATA SZKUP

Dyrektor Departamentu Sprzedaży

s e k r e ta r i at z a r z ą d u tel. 22 163 66 65 biuro@desa.pl

dział marketingu

dział księgowości

dz i a ł p r awny

Marta Wiśniewska Marketing Manager tel. 795 122 709, m.wisniewska@desa.pl

Małgorzata Kulma Główna Księgowa m.kulma@desa.pl tel. 22 163 66 80

Wojciech Dziakowski Radca Prawny w.dziakowski@desa.pl tel. 22 163 67 86 / 664 981 452

p u b l i c r e l at i o n s

Marlena Ulejczyk Zastępca Głównej Księgowej m.ulejczyk@desa.pl tel. 506 252 141

dział logist yczny

Agnieszka Marszał Business & Culture pr@desa.pl tel. 793 919 109 dział HR Małgorzata Basaj HR Manager m.basaj@desa.pl tel. 22 163 66 81, 539 196 530

Katarzyna Krzyżanowska Księgowa k.krzyzanowska@desa.pl tel. 538 052 090

Milena Lutomirska Dyrektor Działu m.lutomirska@desa.pl tel. 795 122 714 Kacper Tomaszkiewicz Kierownik ds. transportów i logistyki k.tomaszkiewicz@desa.pl tel. 795 122 708

d z i a ł F INANSOWY Rafał Czarnocki Dyrektor Finansowy r.czarnocki@desa.pl tel. 22 163 67 85, 661 661 703

dział it Piotr Gołębiowski Koordynator Projektów IT p.golebiowski@desa.pl tel. 502 994 225

k o n ta b a n k o w e

D ESA UNICUM SA

mBank S.A. Swift: BREXPLPWWA3 PLN: 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002 EUR: 43 1140 2062 0000 2380 1100 1005 USD: 16 1140 2062 0000 2380 1100 1006

ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, biuro@desa.pl NIP: 5272644731 / REGON: 142733824 / KRS: 0000718495 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st. Warszawy XII Wydział Gospodarczy, kapitał zakładowy 85 055 000 zł

okładka front poz.14 Agata Bogacka, "Tak", 2003 II okładka – strona 1 poz. 32 Mateusz Szczypiński, "Verbe Eternel", 2018 strony 2-3 poz. 37 Zbigniew Rogalski, "Longplay", 2003 strony 4-5 poz. 19 Dorota Buczkowska, Bez tytułu, 2019 strona 6 poz. 53 Agata Borowa, Bez tytułu, z cyklu: "Czy to jest namalowane", 2017 strona 8 poz. 24 Agata Kus, "Maszynka do płakania (Karolcia)", z cyklu: "Dziewczynki - maszynki", 2011 strona 10 poz. 16 Tymek Borowski, Bez tytułu - tryptyk, 2009 okładka III poz. 26 Norman Leto, "Landszaft - Friedrich" - dyptyk, 2020 okładka tył poz. 9 Wilhelm Sasnal, Bez tytułu, 2002 tytuł aukcji Sztuka Współczena. Nowe pokolenie po 1989 19 września 2020 ISBN 978-83-66377-96-7 kod aukcji 790ANS024 nakład 2 500 egzemplarzy koncepcja graficzna Monika Wojnarowska zdjęcia Marcin Koniak, Paweł Bobrowski, Marlena Talunas prenumerata katalogów prenumerata@desa.pl druk ArtDruk Kobyłka

D EPARTAMENT PROJEKTÓW AUKCYJNYCh Biuro przyjęć: tel. 22 163 66 10, wyceny@desa.pl, poniedziałek – piątek 11:00 – 19:00, sobota 11:00 – 16:00 wyceny biżuterii: tel. 795 122 718, bizuteria@desa.pl, środa 15: 00 - 19:00

Iza Ru s i n i a k Dyrektor Departamentu Projektów Aukcyjnych i.rusiniak@desa.pl 22 163 66 40 664 981 463

A rt u r Dumanowski Zastępca Dyrektora Departamentu Projektów Aukcyjnych a.dumanowski@desa.pl 22 163 66 42 795 122 725

ANNA SZYNKARCZUK Kierownik Działu Sztuka Współczesna a.szynkarczuk@desa.pl 22 163 66 41 664 150 866

To m a s z Dz i e w i c k i Kierownik Działu Sztuka Dawna t.dziewicki@desa.pl 22 163 66 46 735 208 999

JOANNA TARNAWSKA Ekspert Komisji Wycen i Ocen Sztuka polska XIX i XX w. j.tarnawska@desa.pl 22 163 66 11 698 666 189

MAREK WASILEWICZ Starszy Specjalista Sztuka Dawna m.wasilewicz@desa.pl 22 163 66 47 795 122 702

MA ŁG ORZATA SKWAREK Starszy Specjalista Sztuka Dawna m.skwarek@desa.pl 22 163 66 48 795 121 576

KATARZYNA Ż EBROWSKA Starszy Specjalista Fotografia Kolekcjonerska k.zebrowska@desa.pl 22 163 66 49 539 546 701

MAG DALENA KUŚ Starszy Specjalista Sztuka Użytkowa m.kus@desa.pl 22 163 66 44 795 122 718

CEZARY LISOWSKI Starszy Specjalista Sztuka Użytkowa, Design c.lisowski@desa.pl 22 163 66 51 788 269 908

AG ATA MATUSIELA Ń SKA Specjalista Sztuka Współczesna a.matusielanska@desa.pl 22 163 66 50 539 546 699

KAROLINA KO ŁTUNICKA Specjalista Sztuka Młoda i Najnowsza k.koltunicka@desa.pl 22 163 66 43 664 150 864

ALICJA SZNAJ D ER Asystent Sztuka Współczesna a.sznajder@desa.pl 22 163 66 45 502 994 177

MARCIN LEWICKI Asystent Sztuka Współczesna m.lewicki@desa.pl 22 163 66 15 788 260 055

PAULINA A DAMCZYK Asystent Sztuka Dawna p.adamczyk@desa.pl 22 163 66 14 532 759 980

Anna Ko wa l s k a Asystent Sztuka Wspó łczesna a.kowalska@desa.pl 22 163 66 55 539 196 531

Michał S z a re k Asystent Sztuka Dawna m.szarek@desa.pl 22 163 66 53 787 094 345

OLG A WINIARCZYK Asystent Komiks i Ilustracja o.winiarczyk@desa.pl 22 163 66 54 664 150 862

J u dy ta M a j ko w s k a Asystent Sztuka Użytkowa j.majkowska@desa.pl 787 923 202

JULIA MATERNA Kierownik Działu Projekty Specjalne j.materna@desa.pl 22 163 66 52 538 649 945

D EPARTAMENT s p r z e d a ż y

AG ATA SZKUP Dyrektor Departamentu Sprzedaży a.szkup@desa.pl 22 163 67 01 692 138 853

MARTA LISIAK Doradca Klienta m.lisiak@desa.pl 22 163 67 04 788 265 344

ALEKSAN D RA ŁUKASZEWSKA Doradca Klienta a.lukaszewska@desa.pl 22 163 67 05 664 981 465

A l e ks a n d r a Kasprzyńska Doradca Klienta a.kasprzynska@desa.pl 506 252 031

MIC H A Ł BOLKA Doradca Klienta m.bolka@desa.pl 22 163 67 03 664 981 449

KAROLINA CIESIELSKA Doradca Klienta k.ciesielska@desa.pl 22 163 67 12 668 135 447

MA ŁG ORZATA NITNER Doradca Klienta m.nitner@desa.pl 22 163 67 02 514 446 892

JA D WI G A BECK Doradca Klienta j.beck@desa.pl 795 122 720

MAJA LIPIEC Doradca Klienta m.lipiec@desa.pl 22 163 67 07 538 647 637

Kinga Ja ku b o w s k a Doradca Klienta k.jakubowska@desa.pl 698 668 221

To m a s z Wysocki Doradca Klienta t.w ysocki@desa.pl 664 981 450

Te re s a S o l d e n h o ff Doradca Klienta t.soldenhoff@desa.pl 506 251 833

K ata r z y n a Ku l ec Doradca Klienta k.kulec@desa.pl 532 750 005

Kinga Wa l ko w i a k Doradca Klienta k.walkowiak@desa.pl 795 121 574

MIC H ALINA KOMOROWSKA Asystent m.komorowska@desa.pl 22 163 66 20 882 350 575

J u st y n a Pło c i ń s k a Asystent j.plocinska@desa.pl 22 163 66 03 538 977 515

b i u r o o b s ł u g i k l i e n ta poniedziałek – piątek 11:00 – 19:00, sobota 11:00 – 16:00, tel. (22) 163 66 00, bok@desa.pl

URSZULA PRZEPIÓRKA Dyrektor Działu u.przepiorka@desa.pl 22 163 66 01 795 121 569

Anna A u g u st y n o w i c z Specjalista ds. rozliczeń a.augustynowicz@desa.pl 22 163 66 09 664 150 867

KORA KULIKOWSKA Specjalista ds. rozliczeń k.kulikowska@desa.pl 22 163 66 06 788 262 366

MAG DALENA O ŁTARZEWSKA Asystent ds. rozliczeń m.oltarzewska@desa.pl 22 163 66 03 506 252 044

d z i a ł a d m i n i s t r o w a n i a o b i e k ta m i

Dz i a ł Foto g r a f i cz ny

Punkt wydań obiektów: poniedziałek – piątek 11:00 – 19:00, sobota 11:00 – 16:00 tel. 22 163 66 20, wydania@desa.pl

KAROLINA ŚLIWI Ń SKA Kierownik Działu k.sliwinska@desa.pl 22 163 66 21 795 121 575

PAWE Ł WĄTROBA Specjalista ds. obiektów p.watroba@desa.pl 22 163 66 21 514 446 849

PAWE Ł WO ŁYNIAK Asystent ds. obiektów p.wolyniak@desa.pl 22 163 66 21 506 251 934

MARCIN KONIAK Kierownik Działu m.koniak@desa.pl 22 163 66 74 664 981 456

MARLENA TALUNAS Fotoedytor m.talunas@desa.pl 22 163 66 75 795 122 717

PAWE Ł BOBROWSKI Fotograf p.bobrowski@desa.pl 22 163 66 75

indeks Althamer Paweł 28

Jaklewicz Karolina 51

Bałka Mirosław 27

Janas Piotr 11

Bańda Basia 20-21

Kokosiński Bartosz 18

Bogacka Agata 14

Kosiec Małgorzata 50

Borowa Agata 53

Kowalski Tomasz 2

Borowski Tymek 16 Bownik Paweł 52 Brzeski Olaf 15 Brzeżańska Agnieszka 23 Buczkowska Dorota 19 Bujnowski Rafał 7-8 Chamczyk Izabela 41 Chlebek Monika 39

Krok Sebastian 44 Kus Agata 24 Kuśmirowski Robert 29 Leto Norman 26 Maciejowski Marcin 10 Matecki Przemysław 49 Mioduszewski Jan 30 Otocki Bartek 36 Podlaska Dorota 40

Chylak Mikołaj 43 Przybylski Igor 47 Ciepielewska Ewa 22 Rogalski Zbigniew 37 Ciężki Jakub 33 Curyło Julia 25 Czajkowski Piotr 46 Czech Martyna 38 Czerepok Hubert 55 Dąbrowski Mateusz 45 Dunal Paweł 42 Dyndo Wiktor 34

Sasnal Wilhelm 9 Sawicka Jadwiga 13 Slezkin Michał 35 Szczypiński Mateusz 31-32 Szlaga Radek 3 Śliwiński Paweł 1 Turek-Gaś Marzena 48 Uklański Piotr 12

Fliciński Jarosław 57

Załuska Natalia 17

Gomulicki Maurycy 6, 56

Ziółkowski Jakub Julian 4-5

Huculak Łukasz 54

Żmijewski Artur 28

Paweł Śliwiński 1984

"Bitwa farby", 2008 olej/płótno, 140 x 140 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'PAWEŁ ŚLIWIŃSKI 2008' estymacja: 5 000 - 8 000 PLN 1 200 - 1 900 EUR

W malarstwie Pawła Śliwińskiego ważna jest improwizacja. Autor porównuje malowanie do swobodnej wirtualnej jam session. Wyznaczając punkt początkowy snuje malarską opowieść kreując nowe elementy, łącząc kolejne motywy, urywając obraz czy nabudowując go kolorami i kształtami. Linie przenikają się, a plamy z farby zyskują swoje znaczenia. „Bitwa farby” z 2008 to praca, która powstała w nawiązaniu do akcji artystycznej, w której uczestniczył Śliwiński. W 2007 roku Paweł Śliwiński wraz Tymkiem Borowskim na ścianie galerii zaprezentowali malarski performance. Pierwowzorem do akcji „Kartofel” była popularna niegdyś zabawa o tym samym tytule, w której linia narysowana na kartce przez jedno dziecko, kontynuowana była przez następne.

Tomasz Kowalski 1984

Bez tytułu (Ogień w górach), 2006 olej/płótno, 60 x 73 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'T. KOWALSKI | 06' estymacja: 15 000 - 20 000 PLN 3 400 - 4 600 EUR

Twórczość Tomasza Kowalskiego jest silnie osadzona w historii sztuki: widać w niej wpływy wielkich mistrzów, jak Bruegel, Bosch czy malarze-manieryści z północy Europy. To również wycieczka w świat wyobraźni, który łączy ze sobą wiele elementów: tych pochodzących z krainy snów oraz znanych nam z codzienności przedmiotów oraz wydarzeń. Znajdziemy w niej silną reprezentację fauny oraz flory, ale też postaci wywodzące się ze świata ludzkiego. Są one jednak tylko, zdaje się, wspomnieniem człowieka, częściej kojarzącym się z manekinem lub marionetką. Bogato wypełniony świat Kowalskiego przypomina przedstawienie teatralne, którego atmosfera bardziej niż sielankę przywołuje uczucie niepokoju. „Zmęczony rzeczywistością” artysta ucieka swoją twórczością w świat marzeń. Onirycznymi przedstawieniami Kowalski szybko zdobył popularność i zaczął pokazywać swoje dzieła na wystawach w kraju i za granicą. Prezentowana praca ma charakterystyczną dla Kowalskiego aurę – zaczerpniętą z dawnych mistrzów paletę barw i tajemniczą atmosferę. Malowane skrótowo, spiętrzone szczyty górskie, pokryte drobną siatką przywodzą na myśl krajobrazy tworzone niegdyś przez Nikifora Krynickiego, polskiego mistrza sztuki nieprofesjonalnej.

Radek Szlaga 1979

„Późna Polskość”, CSW Zamek Ujazdowski, Warszawa 31.03-06.08.2017 LITERATURA :

Radek Szlaga, Galeria LETO / Puritan, Warszawa 2014

Odwrót od obowiązujących kanonów oraz malarska spontaniczność sprawiają, że twórczość Radka Szlagi można kojarzyć z neoekspresjonizmem stojącym niejako w opozycji do popularnych w rodzimej sztuce lat 70. i 80. założeń konceptualnych. Za potraktowanymi z pozoru niedbale spontanicznymi bazgrołami kryją się niezwykle rozważne gesty, gdzie każda konkretna plama barwna bądź naklejenie papierowego fragmentu jest rezultatem przemyślanej i świadomej decyzji autora. Te zlepione malarską materią urywki rzeczywistości są rozpoznawalne, ale tylko częściowo, tworząc tym samym dla odbiorcy niezwykle bogate pole do interpretacji. W tym pozornie pozbawionym logiki, chaotycznym świecie Szlagi nie sposób nie dostrzec pewnej grupy tematów, do których artysta stale powraca i kontynuuje w kolejnych cyklach. Należą do nich elementy społecznej krytyki, liczne wątki popkulturowe oraz potraktowane pastiszowo motywy graficzne. Szlaga nie stroni również od tematów związanych z tożsamością narodową, językiem oraz historią, za pomocą których dokonuje wnikliwej wizualizacji współczesności. W ciągu ostatnich lat Szlaga bowiem stał się wyjątkowo sprawnym i spostrzegawczym komentatorem rzeczywistości, który niezwykle żwawo i sprawnie reaguje na dziejące się na jego oczach przemiany, zarówno te kulturowe, jak i te o charakterze politycznym. Malarstwo Szlagi jawi się zatem jako dokumentacja pewnego procesu, gdzie przy pomocy powszechnie rozpoznawalnych i kojarzonych kategorii oraz znaków ujawnia niepokoje swoich czasów, zachowując przy tym swoiste zasady decorum. Szlaga nawiguje przez natłok obrazów i ikon zglobalizowanego świata, czerpiąc zeń fragmenty wybrane wedle tylko jemu znanych kryteriów. W efekcie uzyskujemy potraktowaną niezwykle ekspresyjnie osobistą panoramę współczesności, która mimo swojego enigmatycznego, zagadkowego charakteru wywołuje u odbiorcy intymne obserwacje oraz przywołuje wspomnienia. Na wskroś indywidualny, hipertekstowy język Radka Szlagi porusza i kwestionuje związki pomiędzy medium malarskim, w jego tradycyjnym ujęciu, a najnowszymi możliwościami, jakie niesie technologia cyfrowa. W ostatnich latach Szlaga stał się niejako narratorem opowieści o nowym pokoleniu ujawnionej na kanwie ruin starych podziałów, których artysta był naocznym świadkiem. Również w przypadku prezentowanej tu pracy zatytułowanej „Spółdzielnia” z 2014 Szlaga we właściwy dla siebie sposób sięga po atrybuty narodowej oraz społecznej identyfikacji stanowiących niejako punkt wyjścia do kreacji zupełnie nowych znaczeń, nierzadko dalekich od optymistycznej wizji przyszłości. Użyty przez Szlagę krój napisu „Spółdzielnia” przywodzi na myśl utrwalony w świadomości Polaków font „Solidarności” będący niejako konfrontacją przechowywanych przez pokolenia wyobrażeń o istocie polskości z takimi procesami jak chociażby wielowymiarowa rzeczywistość globalna. Prezentowana praca jest zatem głęboką diagnozą pokolenia określonego mianem późnej polskości, którego poczucie przynależności narodowej przypadło na czas określany przedrostkiem post, tj. postmodernizm, postindustrializm czy postkolonializm.

Jakub Julian Ziółkowski 1980

Bez tytułu, 2004 akryl/płótno, 24 x 28 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'JAKUB JULIAN | ZIÓŁKOWSKI | 2004 III' estymacja: 10 000 - 14 000 PLN 2 300 - 3 200 EUR WYSTAWIANY :

„Montaż atrakcji”, Galeria Zderzak, Kraków, 14.07-31.07.2007

Debiut Jakuba Ziółkowskiego przypadł na 2004, gdy na rodzimej scenie artystycznej dominowało pokolenie grupy Ładnie prezentującej wdzięczny pop-banalizm, który już wkrótce miał przekształcić się w komentujące rzeczywistość malarstwo w pełni dojrzałe. Rok później artysta uzyskał dyplom w pracowni malarstwa prof. Leszka Misiaka na krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ziółkowskiego nie zainteresowała jednak ani zastana, ani przepuszczona przez medialny filtr rzeczywistość. Swoją twórczością podejmuje wyraźny dialog zarówno z postawą konserwatywnych akademickich profesorów, jak i z twórczością artystów działających w okolicach 2000 roku. Jak przyznaje sam Ziółkowski: „Odkąd zacząłem malować, miałem jakieś wewnętrzne przekonanie, że w malarstwie akademickim, realistycznym tkwi kłamstwo, że wszystko, co widzą moje oczy to dzban, który dopiero po rozbiciu pokazuje swoją zawartość”. Rzeczywistość i całą wielką historię sztuki Ziółkowski postrzega jako autonomiczną sferę przepełnioną własnymi motywami oraz kodami. Te z kolei w twórczości artysty łączą się z niepohamowaną grą wyobraźni, intuicji oraz tym, co nienazywalne. Nad pracami Ziółkowskiego unosi się bowiem duch eksperymentowania oraz ciągłego poszukiwania, który z tożsamą siłą ujawnia się zarówno podczas malowania martwych natur, jak i pogłębionych portretów psychologicznych. Prace Ziółkowskiego można ulokować gdzieś na pograniczu jawy i snu. Balansując wdzięcznie pomiędzy fikcją a obłędem, podejmują z wyraźną łatwością coraz mniej obecny wątek wielkich narracji, wzbudzając przy tym sympatię krytyki oraz publiczności swoją bezpretensjonalnością. W pracach artysty odnajdziemy natomiast odniesienia do tradycji ekspresjonizmu, abstrakcjonizmu, surrealizmu, komiksu czy konwencji rysunkowych, a jest to zaledwie kilka z najbardziej oczywistych punktów zaczepienia. W obrazach Ziółkowskiego na próżno szukać komentarza do aktualnych wydarzeń. Zamiast tego wyrzuca na płótna emocje, nastroje oraz wspomniane przeczucia. Prace artysty przywodzą na myśl szkatułkowe przedstawienia, gdzie poszczególne elementy kompozycyjne tworzą całą rozległą siatkę znaczeń. W tym na pozór chaotycznym świecie paradoksalnie panuje jednak porządek. Ziółkowski wydaje się wnikliwym miniaturzystą oraz wiernym reportażystą ludzkiego szaleństwa. Częstym tematem twórczości artysty, podobnie jak w prezentowanej tu wczesnej pracy, jest martwa natura, która w ujęciu Ziółkowskiego oddawana jest niezwykle szczegółowo, ornamentalnie wypełniając całą przestrzeń płótna. Podobnie studia postaci, wnikające również w jego psychiczne i fizyczne wnętrze, namalowane są płasko, bez modelunku. Prezentowana praca powstała w 2004 i jest wczesną malarską realizacją Jakuba Ziółkowskiego. Martwa natura została namalowana rok przed ukończeniem przez artystę akademii i zbiega się z momentem jego debiutu na polskiej scenie artystycznej. Ziółkowski zaczynał od rysunku, a ulubionym formatem, na którym realizował swoje malarskie wizje była kartka A4. Jeszcze przed rozpoczęciem studiów otrzymał kilka tysięcy sztuk papieru tego wymiaru w pożółkłym kolorze, na którym przez wiele kolejnych lat malował ołówkiem oraz tuszem. Gdy zaczął używać farb olejnych, siłą przyzwyczajenia starał się oddać kolor starego papieru przez grunt malarski, co widać w prezentowanej kompozycji, gdzie beżowe tło kontrastuje z nasyconymi, rozwibrowanymi barwami surrealistycznej martwej natury z narzędziami.

Jakub Julian Ziółkowski 1980

Bez tytułu, 2007 gwasz/papier, 65 x 50 cm estymacja: 20 000 - 28 000 PLN 4 600 - 6 400 EUR POC H O D ZENIE :

kolekcja Stanleya Hollandera, USA kolekcja prywatna, Polska

„Możesz mnie żartobliwie nazwać malarzem jaskiniowcem. Nie oglądam TV, sporadycznie czytam gazety, nie interesuję się sztuką zaangażowaną. Wolę przeznaczyć kilka godzin na malowanie niż analizować teksty o upadku malarstwa. Jeszcze nie doszedłem do takiej doskonałości, żeby mi się obrazy same malowały. Może wówczas miałbym czas na dywagacje o tym, co się kończy, a co zaczyna – najlepiej w stylu Prousta. Każdy obraz jest na jakiś temat, czy na współczesny – to zależy od interpretacji, uniwersalizmu tego co i jak jest namalowane”. JAKUB JULIAN ZIÓ Ł KOWSKI

Maurycy Gomulicki 1969

Justyna, z cyklu: "Bibliophilia", 2011 lambda/dibond, papier fotograficzny, 60 x 90 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'BIBLIOPHILIA | JUSTYNA (PORTRAIT WITH BOOK) | 1/5 + 2AP 2011' ed. 1/5 estymacja: 20 000 - 30 000 PLN 4 600 - 6 800 EUR WYSTAWIANY :

„Maurycy Gomulicki. Bibliophilia”, Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie MOCAK, Kraków, 20.05-8.09.2011

Projekt „Bibliophilia” skupia się wokół postaci dziadka artysty, uznanego krytyka i literaturoznawcy Juliusza Wiktora Gomulickiego oraz jego bogatego księgozbioru, a także wspomnień, jakie Gomulicki wyniósł z domu, gdzie mieszkał przez pierwsze 6 lat swojego życia. Jak przyznaje sam artysta: „Zapach kurzu i marzenia o dziewczętach doskonale koegzystują w mojej świadomości. Do dziś dnia przyłapuję się na tym, że kiedy oglądam zdjęcia pornograficzne, których tłem są książki, zamiast skupić się na rozkosznie prężących się ciałach, zaczynam odcyfrowywać tytuły na półkach. (…) Książki i kobiety stały się w moim życiu tak detonatorami marzeń, jak i wehikułem ich spełnienia. Moja osobista historia pełna jest kobiet czytających i piszących”. Cykl fotografii traktuje zatem o pożądaniu oraz pięknie, jakie niesie za sobą twórczość literacka. Jest połączeniem intelektu oraz fantazji erotycznej, klasyki literatury i rozkosznej zmysłowości, w jaką ubrane są pozujące dla Gomulickiego młode dziewczęta, często przyjaciółki i znajome artysty. Modelki artysta sfotografował na tle księgozbiorów warszawskiego antykwariatu Logos, swojej prywatnej biblioteki oraz kolekcji Jaimego Garcii Terrésa.

Wystawa Maurycy Gomulicki Bibliophilia, MOCAK, 2011, fot. R. Sosin

Rafał Bujnowski 1974

Bez tytułu, z cyklu: "Lamp Black", 2007 olej/płótno, 30 x 30 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'BUJNOWSKI/2007' estymacja: 25 000 - 35 000 PLN 5 700 - 8 000 EUR

„Myślę, że moje obrazy są poza kolorem. To świadoma decyzja. Jestem wrażliwy na kolory, ale w moich obrazach są niepotrzebne, byłoby to o jeden walor, jedną wartość za dużo. Poza tym między bielą a czernią jest tyle wartości malarskich i spora przestrzeń do wykorzystania, można dzięki temu przekazać mnóstwo informacji”. R a fa ł B u j n o w s k i

Rafał Bujnowski 1974

Interior, 2005 olej/płótno, 73,5 x 100 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'BUJNOWSKI / 2005' estymacja: 80 000 - 100 000 PLN 18 100 - 22 700 EUR

Rafał Bujnowski to jedna z najciekawszych postaci współczesnej polskiej sceny artystycznej. Rozgłos przyniosła mu działalność w grupie Ładnie, którą wraz z Markiem Firkiem, Marcinem Maciejowskim, Wilhelmem Sasnalem i Józefem Tomczykiem tworzył w latach 1995-2001. Artyści początkowo studiowali na Wydziale Architektury Politechniki Krakowskiej. Spotkali się na zajęciach koła rysunkowego, gdzie nawiązali znajomość. Działalność grupy od początku miała charakter kontestatorski – świadczy o tym chociażby przewrotna nazwa, która miała odnosić się do korekt profesorskich w Akademii. Mimo że w większości członkowie grupy zaistnieli jako malarze, działalność Ładnie skupiała się na akcjach i interwencjach artystycznych w przestrzeni miejskiej. W indywidualnej twórczości Bujnowski kontynuuje niektóre z problemów poruszanych przez grupę. Wiele z prac artysty wiąże się z przestrzenią publiczną oraz zagadnieniem obrotu pieniędzy w świecie (nie tylko) sztuki. Tym samym w jego dorobku można znaleźć realizacje, w których dzieło traktowane jest i sprzedawane jako tani towar (seria „ObrazyPrzedmioty”) lub produkt, który łatwo można zmultiplikować (jak w przypadku pracy „Last saved”, przedstawiającej skopiowaną etażerkę, należącą niegdyś do Karola Wojtyły). Od wielu lat artysta konsekwentnie zajmuje się malarstwem i jako malarz bardziej interesuje się rozwiązaniami technicznymi niż treścią i wiernością przedstawienia, gdyż te w jego odczuciu są domeną fotografii. Wiele z jego przedstawień to odosobnione, proste przedmioty, umieszczane na jednokolorowym tle. Od kilku lat realizacje Bujnowskiego sytuują się na granicy pomiędzy realizmem a abstrakcją, a tematem często staje się badanie właśnie tej granicy. Jego najnowsze eksperymenty malarskie cechuje stopniowe ograniczanie palety barwnej, które wieńczy seria Nokturnów z 2014, realizująca koncepcję „czarnego obrazu”. Tym minimalistycznym pracom nie można odmówić jednak walorów dekoracyjnych, przejawiających się w harmonii barw i bezbłędnej kompozycji. Tematem kolejnych projektów Bujnowskiego – obrazów, materiałów wideo, obiektów czy akcji – są zarówno konwenanse związane ze społecznym funkcjonowaniem artysty i jego wytworów, jak i konwencjonalność samej sztuki. Obrazy to w pełni świadome malarstwo konceptualne – przedmioty zmieniające sens w zależności od otoczenia, w jakim zostaną umieszczone, to swoiste modele dzieł sztuki ujawniające napięcie między procesem artystycznej produkcji i konsumpcji. Niewątpliwy i nieprzeciętny talent plastyczny artysty sprawia zarazem, że jego prace są również traktowane jako „samobieżne dzieła malarskie”, wyjątkowo dobre obrazy. Bujnowski na przestrzeni lat eksperymentował z wieloma strategiami malarskimi, dzięki czemu jego realizacje cechuje niezwykłe bogactwo. Artysta otwarcie przyznaje się, że wykorzystuje różne maniery, rozwiązania osiągnięte wcześniej przez innych twórców, a swoje dokonania określił: „to, co robię, to jest bardziej didżejka malarska niż malarstwo. Sample” (Uprawiam dzidżejkę malarską. Rozmowa Patrycji Musiał z Rafałem Bujnowskim o bieżących projektach i realizacjach, „Obieg”, 29.10.2007). Prezentowana praca, „Interior”, jak inne obrazy z późniejszych lat twórczości Bujnowskiego, jest kompozycją lawirującą na granicy abstrakcji i przedstawieniowości. Czarna, błyszcząca farba, dzięki nadaniu duktowi pędzla odpowiedniego kierunku, tworzy wrażenie trójwymiarowości. Przy mistrzowskim użyciu bardzo prostych środków, artysta wykreował złudzenie przestrzeni. Prace z tej serii konfundują oko widza i zmieniają swoje oblicze w zależności od odległości oglądającego od płótna.

Wilhelm Sasnal 1972

Bez tytułu, 2002 olej/płótno, 60 x 60 cm estymacja: 130 000 - 180 000 PLN 29 500 - 40 800 EUR WYSTAWIANY :

„Accrochage: Selected Works. Wilhelm Sasnal”, Galeria Marc Jancou Fine Art, Nowy Jork, 04.03-06.04.2005 POC H O D ZENIE :

Marc Jancou Fine Art, New York kolekcja prywatna, Polska

Prezentowana praca pochodzi z 2002 będącego niejako przełomem w twórczości Wilhelma Sasnala. W tym samym roku Fundacja Galerii Foksal na targach Art Basel pokazała monograficzną wystawę prac artysty. Obrazy Sasnala niemal natychmiast wzbudziły olbrzymie zainteresowanie krytyki i publiczności, a on sam został zaproszony do wzięcia udziału w niezwykle głośnych i ważnych międzynarodowych wystawach malarstwa, jak „Urgent Painting” i „Painting on the Move”. Rok wcześniej, w 2001 Sasnal zamknął okres swojej twórczości, określany mianem „pop-banalistycznym” oraz odszedł od działającej przez pięć lat krakowskiej grupy „Ładnie”, której twórczość zwrócona była ku codziennemu doświadczeniu. Jak sam przyznał, miał już dosyć wesołej, bezkrytycznej twórczości i zaczął intensywnie poszerzać stylistyczne i warsztatowe środki wyrazu. Jako artysta o ugruntowanej już pozycji oraz świadomości niezawodności własnej intuicji podjął odważną decyzję, aby porzucić rozpoznawalny komercyjnie, syntetyczny styl, z jakim utożsamiane były jego wcześniejsze prace. Sasnal również coraz wyraźniej zaczął zaznaczać swoją postawę jako artysty zaangażowanego, nie stroniąc od trudnych tematów dotyczących Polski i tożsamości narodowej. Sasnal nie jest twórcą malującym z natury. Ogromną rolę inspiracji dla Sasnala odgrywa fotografia. Często są to zdjęcia zrobione przez samego artystę, bywa, że wynajduje je w prasie. Korzysta również z doświadczeń filmu, komiksu, plików znalezionych w otchłani Internetu, bazując niejako na materiałach przedstawiających rzeczywistość już przetworzoną. Sam artysta przyznał: „Mój umysł nie jest w stanie wyprodukować fikcji. Zawsze staram się bazować na czymś, co istnieje”. W pracach Sasnala odbiorca odnajduje więc cytaty, echa przetworzonych przez mass media fragmentów rzeczywistości, zarówno tej potocznej, jak i tej wyniesionej przez kulturę. Sasnala nieustannie interesuje problem granic i możliwości reprezentacji oraz badanie procesu postrzegania. Jego malarstwo jest więc niejako uosobieniem twórczego napięcia między pragnieniem ukazania rzeczywistości oraz odwoływania się do przeżywanego doświadczenia. Sasnal dąży zatem do pewnego specyficznego wycofania realizmu ze wpisanym w niego krytycznym dystansem do spontaniczności obrazów, które towarzyszą nam na co dzień. Sasnal traktuje malarstwo dosłownie jako medium, pewną wypowiedź będącą jednocześnie odniesieniem do rzeczywistości, ale także czymś, co sprawia, że kontakt z nią nigdy nie będzie bezpośredni. Twórczość artysty jawi się zatem jako pośrednictwo w budowaniu przedstawienia przy jednoczesnym zatrzymywaniu uwagi skupionej na warstwie koloru czy dukcie pędzla. Prezentowana praca utrzymana w charakterystycznej dla „nowego Sasnala” czerni i bieli. Artysta operuje syntetycznym skrótem, redukując przedstawienie do rodzaju emblematu. Syntetyzuje malowane kształty do prostego graficznego znaku, który jest czytelny zarówno w formie, jak i w treści. Sam Sasnal określa się jako „malarz realizmu”, który utrwala wszystko, co budzi w nim emocje i zaciekawienie. Nie inaczej jest w przypadku prezentowanej kompozycji, gdzie z pozoru trywialna scena zyskuje miano sytuacji, którą warto uwiecznić. Tym samym Sasnal sugeruje, że źródła inspiracji tkwią nawet w najbardziej banalnej historii czy najprostszym obiekcie. Właśnie dzięki łatwo rozpoznawalnym motywom uwidocznionym na płótnach Sasnala oraz inspiracji wspomnianą codziennością malarzowi udaje się nawiązać bezpośrednią relację z odbiorcą jego dzieł, a przez swój nadany status obiekty-symbole stają się natychmiast rozpoznawalne i zyskują rangę znaku obecnych czasów.

Marcin Maciejowski 1974

"Discovery civilisation", 2005 olej/płótno, 40 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: '"DISCOVERY | CIVILISATION" | M.MACIEJOWSKI | 40x50 05' estymacja: 30 000 - 50 000 PLN 6 800 - 11 400 EUR POC H O D ZENIE :

dom aukcyjny Grisebach, 27.11.2015 kolekcja prywatna, Polska

„Dyskurs na temat Maciejowskiego jest ułożony od dawna. Maciejowski jest realistą. Maciejowski jest rodzajowym malarzem obrazującym współczesne gesty, pozy, a nawet język. Agata Jakubowska pisała o nim jako autorze wielkiego ‘szkicu obyczajowego’, porównywała go z Baudelaire’em, figurą ‘malarza życia nowoczesnego’; inni wspominali o Balzaku i ‘komedii ludzkiej’. O Maciejowskim mówiło się jako o malarzu narracyjnym, opowiadaczu anegdot. To wszystko z grubsza jest prawdą, tak kiedyś, jak i teraz, bo przecież Maciejowski robi wciąż ‘to samo’. Maluje sceny z życia. Jest malarzem tematycznym: życie płynie, więc ten temat się nie wyczerpuje, nie da się go wymalować do końca”. S ta c h S z a b ł o w s k i

Prezentowana praca powstała we wczesnym etapie twórczości Maciejowskiego, lecz widoczne są w niej charakterystyczne dla artysty cechy. Należą do nich przede wszystkim migawkowość oraz schematyzm ujęcia postaci oraz prostota komunikatu. Do jednego z najbardziej rozpoznawalnych zabiegów stosowanych przez malarza należy także umieszczanie w przestrzeni obrazu tekstu, często ograniczonego jedynie do kilku słów, stanowiących swoisty komentarz wzmacniający narrację. W tym przypadku jest to widoczne w prawnym górnym rogu, jak w ekranie telewizora, logo „Discovery Civilisation” – tematycznego kanału telewizyjnego, który przekształcony w 2008 roku na Discovery World nadawał filmy dokumentalne oraz popularnonaukowe programy historyczne. Sama kompozycja, utrzymana w charakterystycznej dla artysty palecie różnych odcieni szarości przedstawia dłoń wodzącą po zawiłej linii przypominającej kontur rzeki bądź zarys granic. Maciejowski reinterpretuje propagowany przez mass-media przekaz oraz analizuje jego odbiór przez zwykłego człowieka. Poprzez uproszczone, często komiksowe w swoim charakterze, kadry trafia w samo sedno, wynosząc na pierwszy plan znaczenie oraz treść.

Praca Maciejowskiego jest utrzymana w stylu lapidarnego malarstwa figuratywnego, które charakteryzuje wyraźny kontur wypełniany płaskimi plamami koloru. Równocześnie, jego obrazy niepozbawione są delikatnej szkicowości oraz widocznej swobody w prowadzeniu pędzla. Twórczość artysty, zwłaszcza ta wczesna, zanurzona była w zmieniających się realiach transformacyjnej Polski. Najnowsze prace artysty wykorzystują podobne mechanizmy, lecz traktują o życiu współczesnego kapitalistycznego społeczeństwa. Maciejowski nieustannie czerpie inspiracje z literatury, filmu, anegdot czy scen z życia towarzyskiego, zarówno tych prawdziwych, jak i nie mających z prawdą nic wspólnego. Ilustracje, które go zainteresują bądź rozśmieszą, gromadzi w specjalnie przeznaczonych do tego zeszytach, aby kolejno przenieść je na płótno. W pracach artysty pojawiają się zatem kadry z filmów oraz Internetu, wycinki prasowe, ikony popkultury. Mimo tych formalnych uproszczeń oraz pozornej banalizacji za każdą z prezentowanych historii kryje się ludzkie przeżywanie. Obrazy artysty dotykają bowiem wspólnych historii, z których wybrzmiewają echa przeszłości. Maciejowski stworzył wręcz kronikarski zapis współczesnej sobie rzeczywistości, gdzie z dozą satyry i czułości komentuje zastaną codzienność.

Piotr Janas 1970

Bez tytułu, 2013 olej/płótno, 248 x 148 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'PIOTR JANAS | 2013 | 'UNTITLED'' estymacja: 35 000 - 45 000 PLN 8 000 - 10 200 EUR WYSTAWIANY :

„Palindrom”, Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie, Sopot, 20.06-16.08.2015

„Te ostentacyjnie nieprzedstawiające kompozycje ze śladami przedstawień zirytowały już niejednego. Są doskonałe w swej dezynwolturze wobec oczekiwań kulturalnego odbiorcy – rzadko trafia się malarstwo, które w tak perfekcyjny sposób potrafi obrazić smak widza i pozostawić go w całkowitej niewiedzy co do powodów odczuwanego niesmaku”. Ad a m S z y m c z a k

Zainteresowania artystyczne Piotra Janasa należy usytuować na pograniczu abstrakcji i figuracji. Na wielkoformatowych płótnach artysta umieszcza nieokreślone, amorficzne kształty, często będące wynikiem przypadku, chociażby przez rozlanie farby lub odcisk sąsiadującego płótna. Artysta pozwala bowiem spływającej materii malarskiej na swobodne, przypadkowe zajmowanie miejsca w kompozycji. Powstałe w ten sposób nieoczywiste formy konfrontowane są ze starannie zaplanowanymi, ostrymi przedmiotami, takimi jak zapałki, nożyki, młotki, igły. W ten sposób Janas niejako dookreśla będącą wynikiem przypadku materię, dodając do kompozycji elementy zaczerpnięte z rzeczywistości. W rezultacie powstają uwodzące abstrakcje traktujące nie tylko o zaniku, ale przede wszystkim o sile i możliwościach malarstwa. Stosowana przez Janasa paleta barwna ograniczająca się zwykle do kontrastów czerwieni oraz różu (powszechnie kojarzonych ze światem żywym) z grzeszną czernią wzmaga u odbiorcy poczucie napięcia oraz niepokoju. Całość wybrzmiewa na nieskazitelnie białym podobraziu. Niektóre z prac Janasa przywodzą na myśl przedstawienia ludzkich wnętrzności, tkanek, zaskakując zderzeniem ostrych, zgeometryzowanych obiektów z miękkimi organicznymi formami. Prace artysty wydają się niezwykle dynamiczne poprzez zogniskowanie momentu napięcia czy też konfliktu walczących o swoje miejsce w kompozycji form. Janas osiąga w ten sposób mistrzostwo, jeżeli chodzi o balans formalnej abstrakcji i cielesnego konkretu. Piotr Janas jest absolwentem warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie w 1996 uzyskał dyplom z grafiki warsztatowej w pracowni profesora Rafała Sterna. Krytyka często określa Janasa mianem surrealisty, podkreślając przy tym nieodzowny wpływ mistrza i nauczyciela artysty – Jerzego Tchórzewskiego, ale także prekursorem „zmęczonych rzeczywistością” młodych neosurrealistów, W twórczości Janasa widoczne są także nietypowe nawiązania do strukturalizmu.

Piotr Uklański 1968

Bez tytułu (Krwawy Księżyc), 2015 tusz, gesso/płótno, 165 x 165 cm sygnowany, datowany i opisany na blejtramie: 'UNTITLED (BLOOD MOON) | 2015 P.U.' na blejtramie wskazówka montażowa estymacja: 220 000 - 300 000 PLN 49 800 - 67 900 EUR

„Polska jest zasadniczym tematem mojej praktyki artystycznej ostatnich dwudziestu lat. Historia Polski, narodowa ikonografia, religijna symbolika i zbiorowe mitologie były tematem tworzonych przeze mnie prac, jak również źródłem ich estetyki”. P i otr U kl a ń s ki

„ W jego twórczości polskość nie jest już rzeczą dostępną tylko ‘prawdziwym’ Polakom, której odmawia się wszystkim innym. Przestaje być funkcją nacjonalistycznej identyfikacji i manipulacji. Staje się nadmiarem, którym możemy obdarowywać innych. Dobrem powszechnym, dostępnym każdemu, kto chce poddać się jej pięknu z całym jego dwuznacznym stosunkiem do rozkoszy – każdemu, kto da się uwieść i podporządkować biało-czerwonej pasji. Dzięki Uklańskiemu każdy przynajmniej na chwilę może przemienić się w Polaka, w akcie afirmacji polskich symboli narodowych”. Ja ro s ł aw Lu b i a k

Piotr Uklański jest niewątpliwie jednym z najbardziej znaczących polskich artystów na arenie międzynarodowej. Jego pełna polemiki, różnorodna formalnie, charakteryzująca się pewnym konceptualnym rygorem twórczość postrzegana jest jako jedna z najciekawszych praktyk artystycznych ostatnich dekad. Prezentowana praca „Untitled (Blood Moon)” z 2015 pochodzi z cyklu nakrapianych abstrakcji, które artysta zaczął tworzyć od 2007, a których spoiwem jest motyw krwi. Prace te są niejako aluzją do minimal artu i abstrakcyjnego ekspresjonizmu, a jednocześnie obdarzone są uwodzicielskim, wzbudzającym pasję pięknem. W pracach z cyklu Uklański pragnął odwołać się do polskiej narodowości, a raczej, jak sam przyznał w jednym z wywiadów: „do stereotypowego rozumienia zapłaty krwi, której dokonuje się za utrzymanie narodowej tożsamości”. Część prac z tego cyklu wystawiana była na pokazie artysty w Dallas Contemporary. Podstawową cechą formalną kompozycji są punktowo nakrapiane czerwone punkty – w przypadku prezentowanej kompozycji szare – pokrywające białe płótno. Nieregularne w kształcie barwne plamy gęsto wypełniają powierzchnię pola obrazowego, tworząc tym samym dekoracyjny, harmonijny efekt. Z pozoru abstrakcyjna forma kompozycji składająca się z drobnych punktów ma na celu imitację rozbryzganej krwi. W ten sposób Uklański chciał nawiązać do wydarzeń II wojny światowej, gdzie tysiące ludzi poniosło niepotrzebną śmierć. Abstrakcyjne kompozycje, choć pozornie są zbiorem losowym plam i kropek, w rzeczywistości stanowią również odniesienie do powojennej twórczości Rothko oraz grupy Gutai, które przykuły uwagę Uklańskiego podczas oglądania kolekcji zgromadzonych wokół Dallas. W pracach z cyklu artysta wykorzystał jedną z podstawowych cech malarstwa abstrakcyjnego, jaką jest możliwość wywoływania wizualnych skojarzeń, wytwarzanych przez z pozoru przypadkową zbieraninę plam farby. Pokryte abstrakcyjnymi znakami rozlanej krwi obrazy Uklańskiego stają się nie tylko piękną, ale intrygującą medytacją nad upływem czasu oraz nieuchronnym widmem śmierci. Uklański nie boi się łączyć w obrębie kompozycji dekoracyjnej formy oraz polemicznej treści. Gdyby nie tytuły prac: „Untitled ( A cup of blood)”, „Untitled (Frozen blood)”, „Untitled (Blood moon)” temat abstrakcyjnej przemocy ukazywany przez artystę byłby prawdopodobnie nie do rozpoznania. Płótna z serii wykonywane są w niezwykle żmudnym i czasochłonnym procesie, przy użyciu technik nawiązujących do tradycyjnej sztuki Wschodu. W pracach z cyklu Uklański użył bowiem japońskiego tuszu Sumi oraz tzw. shellac ink, czyli nasyconego, lakierowanego atramentu, dla którego stosuje się kredowogipsową bazę gesso. Uklański jest artystą multimedialnym, który pracuje niemal w każdym medium: malarstwie, rzeźbie, fotografii, instalacji, filmie, a odniesienia artysty są równie daleko idące i nieoczekiwane jak wykorzystywane przez niego materiały. Światową sławę i uznanie krytyki zyskał dzięki „Nazistom” z 1998, pracy będącej zbiorem 164 fotosów filmowych przedstawiających hitlerowców granych przez polskich oraz zagranicznych aktorów. Dzieło to zostało zaliczone do jednych z najważniejszych prac rodzimej sztuki krytycznej z silnym społecznym przesłaniem.

Jadwiga Sawicka 1959

"Swoje kształty zawdzięcza między innymi diecie...", 1996 olej/płótno, 130 x 90 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'JADWIGA | SAWICKA | 1996' estymacja: 20 000 - 30 000 PLN 4 600 - 6 800 EUR

„O ile w pracach wykorzystujących słowa mieliśmy do czynienia z ciągle nowymi ‘komunikatami’, ubrania się nie zmieniają. Od kilku lat ciągle powracają te same (a w każdym razie bardzo podobne) spodnie, marynarki, sukienki. Tym, co różnicuje poszczególne realizacje, jest zastosowana technika przedstawiania. Jadwiga zaczynała od malarstwa. Jest absolwentką pracowni profesora Nowosielskiego w krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych. Po jakimś czasie zaczęła coraz częściej ‘zdradzać’ malarstwo na rzecz fotografii i druku. Na rzecz ‘fajnej formy’, jak określa ją sama w jednym z katalogów. Przedmioty są nie tylko malowane, ale też fotografowane czy ulepione (z plasteliny). Jadwiga wykorzystuje formy o różnym znaczeniu i przypisywanej szlachetności”. Ag ata J a k u b o w s k a

Agata Bogacka 1976

"Tak", 2003 akryl/płótno, 146 x 114 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'AGATA | 2003 | TAK' estymacja: 50 000 - 60 000 PLN 11 400 - 13 600 EUR WYSTAWIANY :

„Ja krwawię!”, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Warszawa, 26.04-08.06.2003

„Malowanie jest dla mnie jak terapia albo jak pisanie pamiętnika. Prowadzę malarski dziennik stanów psychicznych”. Ag ata B o g a c k a

Debiut Agaty Bogackiej przypada na moment wyraźnej zmiany pokoleniowej. W latach 2000 zarówno w instytucjach muzealnych, jak i galeriach sztuki współczesnej echem odbijają się ostatnie podrygi sztuki krytycznej, a do głosu zaczynają dochodzić urodzeni w latach 70. artyści, tacy jak Rafał Bujnowski, Wilhelm Sasnal czy Marcin Maciejowski, których punktem odniesienia do pracy jest opis codziennego życia w Polsce po transformacji. Nie inaczej jest w przypadku Agaty Bogackiej, której całą twórczość, zwłaszcza tą wczesną, można sprowadzić do rodzaju egzystencjonalnego autoportretu. Niezaprzeczalną siłą Bogackiej na tym tle był skupiony na płci egocentryzm oraz towarzyszące mu międzyludzkie relacje, które artystka niezwykle umiejętnie potrafiła wykorzystać do wyrażania stanu ducha swojego pokolenia. Na rodzimą scenę artystyczną wkroczyła z impetem w lekko skandalizującej aurze. Tuż po studiach na Wydziale Grafiki na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, które ukończyła w 2001 roku, wzięła udział w wystawie „Rzeczywiście, młodzi są realistami” w Centrum Sztuki Współczesnej, a zaledwie rok później otworzyła tam indywidualną wystawę „Ja krwawię!”, gdzie również wystawiona została prezentowana tu praca. Na wspomnianą wystawę złożyło się 16 prac, które powstały w przeciągu dwóch lat. Wszystkie płótna wyraźnie łączyły wątki autobiograficzne, będące niejako zapisem intymnych stanów samotności. Główną bohaterką większości obrazów z cyklu jest młoda kobieta ukazana w sieci skomplikowanych, często erotycznych w wydźwięku relacji. Nie sposób nie odnieść wrażenia, że pojawiająca się na płótnach postać jest porte parole samej autorki. Bogacka ukazała ją jako świadomą swojej atrakcyjności istotę, która bez skrępowania zwraca się do siebie na poziomie ciała oraz fizjologii. O cielesności i seksualności Bogacka mówi bowiem wprost, nie ukrywając swoich stanów psychicznych, częstokroć sinusoidalnie wahających się pomiędzy euforią a depresją. To właśnie zmagania młodej dziewczyny, która po raz pierwszy wkracza w świat intymnych relacji, jest wiodącym tematem prac z tego okresu. Powstał w ten sposób niezwykle sugestywny pamiętnik, niedaleki od kontrowersji. Na zaprezentowanych w Centrum Sztuki Współczesnej obrazach Bogacka pokazała siebie obserwującą w lustrze własną waginę, cieknący mocz, kapiącą spomiędzy ud krew, ujętą również na twarzy bohaterki trzymającej w ręku karton z sokiem. Wszystko by bliski konsternacji odbiorca nie mógł jasno odpowiedzieć, czy to tylko krew, czy tylko napój. Pracując nad obrazami, Bogacka wykonywała najpierw sesję fotograficzną wedle starannie opracowanego scenariusza. Do zdjęć pozowali jej najbliżsi: przyjaciele, znajomi, ludzie, z którymi wiążą ją głębsze relacje. Kolejno artystka wybierała jedno zdjęcie, które redukowała do niezbędnego minimum: samej postaci oraz definiujących ją atrybutów. Na przestrzeni lat Bogackiej udało się wypracować zupełnie indywidualny sposób obrazowania, który stał się rozpoznawalny niemal na pierwszy rzut oka. Ten łatwy do skonsumowania styl bliski jest językowi popularnych mass-mediów. Kompozycje zbudowane są bowiem przy pomocy wyraźnego konturu oraz płaskiej plamy barwnej. Artystka redukuje wszelkie detale, postać czyni schematyczną, jakby wyciętą z szablonu, umieszczając ją w pustych przestrzeniach. Maluje akrylem, używając określonej palety barwnej, często ograniczającej się jedynie do różnych odcieni szarości. Bogacka w charakterystyczny sposób łączy wspomnianą syntetyczną, plakatową formę z wciągającymi narracjami, nierzadko prywatnymi i emocjonalnymi. Nie bez powodu twórczość artystki uważana jest za symboliczny portret niemogących odnaleźć się w zastanej rzeczywistości oraz czujących powierzchowność w relacjach z innymi ludźmi pokolenia liberalnych dwudziestokilkulatków.

fot. Maria Zbaska/Reporter

„Brzeskiego fascynuje postać wandala czy łobuza. Wystawa ‘Zza grobu’ (2008) sprawiała z kolei wrażenie nie tyle skończonej instalacji, ile pracy w trakcie realizacji. (…) Wśród bałaganu artysta rozmieścił, częściowo zniszczone, porcelanowe kowadła sygnowane ‘Brzeski’. Znalazł się tu także przekształcony przez Brzeskiego tors Laokoona z antycznej rzeźby, z doklejonymi kończynami-protezami, jakby pożyczonymi od tajemniczego stwora”. K a ro l S i e n ki e w i c z

Olaf Brzeski 1975

"Laokoon", 2009 ceramika szkliwiona, żeliwo, 36 x 14 x 15 cm sygnowany i datowany na podstawie: 'OLAF BRZESKI | olafbrzeski | 2009' estymacja: 10 000 - 15 000 PLN 2 300 - 3 400 EUR WYSTAWIANY :

por. „Zza grobu”, Galeria Piekary, Poznań, 25.11-23.12.2008

Tymek Borowski 1984

Bez tytułu - tryptyk, 2009 akryl/płótno, zawiasy, 40 x 105 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'TYMEK BOROWSKI | 2009' estymacja: 14 000 - 20 000 PLN 3 200 - 4 600 EUR WYSTAWIANY :

„Good New Days”, Galeria A, Warszawa, 2009

„Zrozumiałem, że mimo iż sztuka nie zbawi świata, to jest w nim, działa jak wiele innych rzeczy. I chyba nawet jest ludziom do czegoś potrzebna”. TYMEK BOROWSKI

Tymek Borowski to jeden z przedstawicieli „zmęczonych rzeczywistością” artystów. Terminu tego Jakub Banasiak użył, by opisać praktykę, w której twórca chętniej niż do codzienności, odwołuje się do wykreowanego przez siebie świata. Problemem badawczym staje się materia farby i kolor. Mimo że w malarstwie Borowskiego można zauważyć wpływy XX-wiecznych tradycji, szczególnie surrealizmu, młody artysta wykreował niepowtarzalny styl. Borowski posługuje się całym wachlarzem środków formalnych – od klasycznego malarstwa po nowoczesne technologie, umożliwiające tworzenie obrazów cyfrowych. Jego sztuka nieustannie ewoluuje: po kilku latach od debiutu jest to złożona, często krytyczna analiza charakteru współczesnego systemu artystycznego, a także próba opowiedzenia o statusie (rozterkach, pokusach i tęsknotach) malarza funkcjonującego w jego obrębie. Jednocześnie twórczość Borowskiego zachowuje parametry, dzięki którym zdobyła uznanie w momencie, gdy artysta był jeszcze na studiach: to malarstwo pełne dezynwoltury, nieustannie pogrywające z kanonami stosowności, drażniące strażników „legalnych” estetyk, w końcu – przykład przewrotnego pokoleniowego buntu. W 2015 roku artysta otrzymał Paszport „Polityki” w kategorii sztuki wizualne za „nowatorskie podejście do sztuki i przedefiniowanie roli artysty we współczesnym społeczeństwie”. W twórczości Tymka Borowskiego forma tryptyku właściwie się nie pojawia. Prezentowana praca jest z racji tego wyjątkowa. Niezwykłości dodaje mu również sposób ekspozycji. Artysta na wzór średniowiecznych ołtarzy połączył poszczególne płótna w jedną całość za pomocą zawiasów. Praca Borowskiego nawiązuje do słynnego obrazu Lucasa Cranacha Starszego „Sybilla, Emilia i Sydonia Saska” z 1535 roku, znajdującego się w zbiorach wiedeńskiego Kunsthistorisches Museum. Obraz dawnego mistrza przedstawia trzy saksońskie księżniczki, których podobizny zostały umieszczone obok siebie w ciasnej kompozycji. Obraz młodego artysty jest na swój sposób współczesną interpretacją klasyka malarstwa, która równocześnie odwołuje się do tradycji ołtarzowych tryptyków. Kompozycja była wystawiana podczas indywidualnej wystawy artysty „Nowe Dobre Czasy” w Galerii A w Warszawie.

Natalia Załuska 1984

Bez tytułu kolaż, technika mieszana/karton, 47 x 38 cm (w świetle oprawy) estymacja: 8 000 - 12 000 PLN 1 900 - 2 800 EUR

„Pod koniec studiów w Wiedniu zaczęłam wykorzystywać karton passe-partout do tworzenia przestrzennych struktur na płaszczyźnie obrazu. Chciałam poszerzyć swoją definicję malarstwa i samej pracy. Karton dawał mi zaskakująco dużą swobodę działania oraz eksperymentowania. Zaczęłam go docinać, formować, nadawać mu różne kształty i kolory. Fascynowało mnie, że moje prace stają się ciężkie, przestrzenne, że pojawia się w nich dodatkowy wymiar, cień, miejsca załamania światła, gra między powierzchniami o zróżnicowanej grubości. To, czym się zajmuję jako artystka, wywodzi się z moich fascynacji przestrzenią. Lubię, gdy prace wchodzą w dialog z otoczeniem – na przykład kiedy w czarnych, lśniących obrazach można znaleźć odbicie otaczających je kształtów i kolorów lub gdy w zależności od natężenia światła uwydatniają się albo giną w nich różne niuanse. Niezależnie od tego, że często pracuję z kartonem, uważam moje prace za malarskie”. N ata l i a Z a ł u s k a

Minimalistyczny język wypowiedzi Natalii Załuskiej niewątpliwie czerpie z dokonań klasyki awangardy, której pionierem był Henryk Stażewski. Ulubionym materiałem artystki jest papier konserwatorski, z którego buduje wielowarstwowe kompozycje, używając do tego ograniczonej niemal do bieli i czerni palety ze sporadycznymi przebłyskami koloru. W prezentowanej kompozycji czystość bieli została zaburzona niezwykle subtelną interwencją w postaci przecinających płaszczyznę linii, które potęgują jej głębie oraz reliefowy charakter. Dzięki temu zabiegowi udało się jej uzyskać quasi-architektoniczny obiekt. Do pracy artystka używa tektur o różnej grubości, fakturze oraz odcieniach. Powstałe w ten sposób luki pokazują złożoność procesu tworzenia oraz samego konceptu. Załuska jawi się jako artystka wielce wrażliwa, która w kreacji kieruje się własną logiką łączenia i kompilacji form oraz cofania ich w czasie poprzez ingerencje w formie nacięć oraz pęknięć.

Bartosz Kokosiński 1984

Bez tytułu, 2011 olej/płótno, 123 x 67 x 16 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Bartosz | Kokosiński | 2011 | olej na płótnie | 123x68x16 cm' estymacja: 12 000 - 16 000 PLN 2 800 - 3 700 EUR WYSTAWIANY :

„Przekroczenie II”, Ośrodek Działań Artystycznych, Piotrków Trybunalski, 12.10-04.11.2012

„Bartosz Kokosiński, podejmuje artystyczną refleksję nad fenomenem obrazu, ponawiając pytanie o jego status i znaczenie. Nie interesuje go aspekt ilustracyjności medium malarstwa, ale sam proces malarski, fizyczność materii, z której powstaje obraz. Artysta poddaje obrazy deformacji: wygina ich strukturę, wywraca płótna na drugą stronę, wpycha do nich różne przedmioty. Jego dzieła bywają ułomne, ‘chorują’, prezentują widzom swoje niedoskonałości (…). Malarstwo Kokosińskiego ma w sobie silny pierwiastek autentyczności, jest zapisem doświadczeń i emocji, zwątpień i podejmowanych na nowo prób wypracowania własnego języka wypowiedzi w tym nieuznającym kompromisów medium”. E wa G o r z ą d e k

Prezentowana praca namalowana w 2011 to monochromatyczny malarski relief. Sama kompozycja uwidacznia niejednoznaczność tekstury, wyrażoną przez liczne ingerencje, deformacje oraz wypiętrzenia materii. Kokosińskiego nie interesuje bowiem aspekt ilustracyjności medium malarskiego, lecz sam proces tworzenia oraz fizyczność materii, z której obraz jest konstruowany. Kompozycja przywodzi na myśl powstałą w wyniki laboratoryjnego eksperymentu zastygłą prostokątną formę, którą artysta ujął na wygiętym blejtramie. Praca ta może stanowić preludium do bodaj najbardziej rozpoznawalnego w twórczości artysty cyklu „Obrazów pożerających rzeczywistość”, które powstawały od 2011. Kokosiński zaczął wówczas wprowadzać przedmioty codziennego użytku, często przypadkowo przez niego znalezione w przestrzeń płótna, poprzez zagarnięcie ich w blejtram. Przekształcone w trójwymiarowe, hybrydalne obiekty zawłaszczają i podporządkowują sobie przestrzeń w której się znajdują. Jak przyznaje sam artysta: „Chciałem po prostu zamknąć w płótnie rzeczy, które można namalować”. Reliefowe kompozycje Kokosińskiego określone są mianem obrazów, jednak wyraźnie przekraczają granice klasycznie rozumianego malarstwa sztalugowego, mimo, że namalowane są olejem na płótnie oraz naciągnięte są na drewniany blejtram. Balansują na granicy malarstwa a instalacji. Artysta w ten sposób nawiązuje do wielkiej tradycji malarstwa, wchodząc niejako w dialog z jej odgórnie narzuconymi konwencjami. Poprzez kolejne nowatorskie eksperymenty z medium Kokosiński poddaje w wątpliwość status malarstwa w dzisiejszych czasach.

Bartosz Kokosiński, fot. Adam Gut, dzięki uprzejmości artysty

Dorota Buczkowska 1971

Bez tytułu, 2019 akryl/płótno, 80 x 60 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'DBuczkowska 2019' estymacja: 7 000 - 10 000 PLN 1 600 - 2 300 EUR WYSTAWIANY :

„Obecność”, BWA Olsztyn, Olsztyn, 05.03-17.06.2020 „Okoliczności”, Bydgoskie Centrum Sztuki, Bydgoszcz 29.11.2019-18.01.2020

Wystawa „Okoliczności”, Bydgoskie Centrum Sztuki, 2019, fot. Anna Fronckiewicz-Spodnik, dzięki uprzejmości autorki

Charakterystyczne dla malarstwa Doroty Buczkowskiej są delikatność i świetlistość, co można zauważyć w jej obrazach. Subtelności kolorów, niekiedy jedynie podbitych mocniejszą, bardziej zdecydowaną kreską w kontrastowej barwie, a także zwiewność malarskiego gestu sprawiają, że płótna Buczkowskiej określane są jako „liryczne abstrakcje”. Otwarte, niedopowiedziane prace, tworzone intuicyjnie, bez nadmiernej kontroli, w których artystka daje się prowadzić własnym emocjom i odczuciom. Buczkowska chętnie przenosi na płótno odczuwanie chwili, jej impresyjne momenty. Umiejętność oddania na obrazach ciszy i kontemplacji, łagodnego spokoju to jedna z wyjątkowych cech malarstwa Buczkowskiej. Podobnie jest w pracy „Bez tytułu” prezentowanej na aukcji. To pastelowy obraz stworzony z iluzji, nieświadomego i niewidocznego, w których zawarte są emocje.

Basia Bańda 1980

Bez tytułu asamblaż/papier, 15 x 21 cm estymacja: 1 200 - 2 000 PLN 300 - 500 EUR

„Symbol jest bardzo obecny w moich pracach. Często wertuję słownik Władysława Kopalińskiego w poszukiwaniu tego najwłaściwszego albo po prostu inspiracji. Czasami posługuję się znakami, które tylko dla mnie mają wymiar symboliczny, mimo to zdarzyło się, że odbiorca odczytał ukryte treści. Pomogła mu pewnie intuicja i podobne do moich doświadczenia i wrażliwość”. B a s i a B a ńd a

Basia Bańda 1980

"Albo zepsuty ząb albo piękny narzyczony", 2005 technika mieszana/płótno, 50 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na blejtramie: '"ALBO ZEPSUTY ZĄB ALBO PIĘKNY NARZYCZONY" | BASIA BAŃDA 2005 - LISTOPAD' estymacja: 4 000 - 5 000 PLN 1 000 - 1 200 EUR

Basia Bańda jest niewątpliwie jedną z najbardziej interesujących artystek debiutujących na rodzimej scenie artystycznej po 2000 roku. Na przestrzeni lat artystka wypracowała swój charakterystyczny, dystynktywny styl, który rozpoznawalny jest niemal na pierwszy rzut oka. Owa stylistyka odcinająca się niejako od akademickich standardów i narzędzi balansuje na pograniczu antyprofesjonalizmu i kiczu. Paleta barwna utrzymana jest w pastelowych, kobiecych odcieniach różu i bieli kojarzonych zwykle z cielesnością i zmysłowością, jednak w prezentowanej pracy nabrała infantylnego, bieliźniano-koronkowego wymiaru kojarzonego zwykle z dziecięcymi akcesoriami. Zafascynowana światem dziecka wraz z przynależnymi mu elementami gry, zabawy i beztroski Bańda snuje niezwykle intymną opowieść. W centrum kompozycji widzimy różowe stworzonko utrzymane w charakterystycznym dla artystki kreskówkowym stylu. W niewielkiej, pozornie niewinnej kompozycji artystka podejmuje próbę pogodzenia dziecięcej naiwności z seksualnymi konotacjami wynikającymi z gry formą.

Ewa Ciepielewska 1960

Nas nie dogoniat, 2015 akryl/płótno, 40 x 30 x 2 cm na odwrociu sygnowany monogramem wiązanym i datowany: 'CE | 2015 2/3' estymacja: 4 000 - 6 000 PLN 1 000 - 1 400 EUR

Ewa Ciepielewska wywodzi się z wrocławskiego środowiska i przez wiele lat była związana ze sławną grupą Luxus, którą w 1983 roku założyła wraz z kolegami z PWSSP we Wrocławiu. Grupa działała przeciwko wszystkiemu, co obowiązywało w komunistycznej codzienności, z iście punkowym podejściem, bagatelizując ideały sztuki wypracowane na przestrzeni wieków. Ich głównym motorem napędowym było kontestowanie szarej rzeczywistości PRL-u, a tematem – ikonosfera kultury popularnej. Chętnie z niej korzystali, komentując aktualne trendy i wydarzenia w świecie sztuki. Tworzyli w estetyce kampu, wydawali zin „Luxus – nieregularny magazyn psychoaktywny”, nigdy nie podpisywali swoich prac. Ich dzieła są ciekawym komentarzem, który charakteryzuje się dużym poczuciem humoru i groteską. W płótnach Ewy Ciepielewskiej często powracają współczesne i historyczne postaci kobiet istotne dla ruchu feministycznego. Artystka, od lat zaangażowana w sprawy społeczne i ekologiczne, w jednej z serii prac sportretowała ważne postaci, znane na scenie krajowej i międzynarodowej (cykl „Kobiety” zaprezentowano w 2014 roku w BWA we Wrocławiu). Szczególna w przypadku wszystkich prac była zastosowana technika. Wizerunki zostały wykonane przy pomocy szablonu – formy kojarzącej się głównie z działalnością street artową, a jednocześnie sztuką rewolucyjną, aktywizmem eksponowanym na ulicach miast. „Nas nie dogoniat” to praca nawiązująca do działalności Femenu – ukraińskiej grupy feministycznej, która manifestuje równościowe poglądy w miejscach publicznych. Aktywistki znane są głównie z kontrowersyjnych wystąpień w charakterystycznych wiankach na głowach, przepasanych kolorowymi wstążkami. Ich głównym środkiem ekspresji jest nagie ciało, które staje się nośnikiem postulowanych treści, wypisanych na skórze kobiet. Oprócz walki o swoje prawa angażują się również w sprawy praworządności na Ukrainie. W prezentowanej pracy dwie aktywistki, obnażone od pasa w górę, uciekają przed goniącym je funkcjonariuszem. W dłoniach trzymają flagi, ich głowy przyozdabiają kwiaty, przypominające tradycyjny strój spotykany na Ukrainie. Scena przypomina kadr z reportażu, który często obserwujemy w mediach. „Nas nie dogoniat” może z jednej strony odwoływać się do determinacji protestujących, walczących o lepszą przyszłość. Z drugiej jednoznacznie kojarzy się z tytułem popularnej na początku lat 2000 piosenki t.A.T.u. Rosyjski duet Leny Katiny i Julii Wołkowej zasłynął w mediach jako kontrowersyjna para – piosenkarki wykreowały pozory romansu, którego istnienie podkreślały w kolejnych piosenkach i teledyskach. „Nas nie dogoniat” to opowieść o niezrozumianych przez społeczeństwo nastolatkach, które uciekają, pragnąc wolności.

fot. AFP/EastNews

Agnieszka Brzeżańska 1972

Double Happiness, 2002 akryl/płótno, 54 x 65 x 2,5 cm estymacja: 14 000 - 18 000 PLN 3 200 - 4 100 EUR

„Brzeżańska jest nieprzeciętnie uwrażliwiona na estetykę, ale nie dba o decorum, nie przestrzega zasad poprawności ani artystycznej, ani intelektualnej. W sensie intelektualnym jest awanturniczką, piratką, która pływa, gdzie chce, po oceanach myśli i ducha, i bierze, co jej się podoba. Jako artystka również nie dba o to, co wypada: z równą swobodą maluje zachody słońca i sięga po motywy skatologiczne albo bardzo śmiałą erotykę”. S ta c h S z a b ł o w s k i

Agata Kus 1987

"Maszynka do płakania (Karolcia)", z cyklu: "Dziewczynki - maszynki", 2011 akryl/płótno, 50 x 40 cm sygnowany na odwrociu: 'A.Kus' sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'A. Kus | z cyklu "Dziewczynki - maszynki" | - "Maszynka do Płakania" ("Karolcia") | akryl na płótnie | 2011 | 50 x 40 cm' estymacja: 3 000 - 4 000 PLN 700 - 1 000 EUR LITERATURA :

Agata Kus, Katarzyna Kukuła, kuku kuku book, kuku kuku group, Kraków 2012, s. 30

Agata Kus ukończyła Akademię Sztuk Pięknych w Krakowie w 2012, a 6 lat później obroniła tam doktorat. Proces twórczy artystki w dużej mierze opiera się na kolekcjonowaniu wycinków, zdjęć i obrazków, które później zespala w jedno, by stworzyć niecodzienne sceny na płótnie. Na język artystki składa się wiele pojęć, pozornie ze sobą niezwiązanych, które – dzięki ciekawym zestawieniom – tworzą nowe, zaskakujące znaczenia. W jej pracach dominuje swego rodzaju delikatność i dziewczęca wrażliwość, a bohaterkami przedstawień często są kobiety: „Uwielbiam malować dziewczyny i pewnie dlatego feminizm to częsty klucz do interpretacji moich prac. Faktycznie wydaje się pasować do niektórych z nich, jednak ja sama nigdy nie odważyłabym się nazwać swojej sztuki feministyczną. Nie mam programu ani misji. Zachowując krytyczną postawę, staram się patrzeć na świat tak, by dostrzegać jego wrażliwe miejsca”. Ważną część zajmuje tu również pojęcie seksualności kobiety, jej dojrzewania, a opowiadane przez artystkę historie często przybierają osobisty charakter. „Maszynka do płakania” to jedna z serii prac przedstawionych w ramach projektu Grupa Kuku Kuku stworzonego wraz z Katarzyną Kukułą w 2008. Na innych płótnach Kus „dziewczynki-maszynki” niejednokrotnie przybierają formę dzikich zwierząt, jednak zawsze przedstawiane są jako skomplikowane mechanizmy wytwarzające emocje.

Julia Curyło 1986

"Jeff Koons i Damien Hirst dzielą rynek sztuki", 2013 olej/płótno, 150 x 220 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'JULIA CURYŁO | "Jeff Koons & Damien Hirst share | the artmarket" 2013' opisany na blejtramie: 'Koons & Hirst' estymacja: 25 000 - 30 000 PLN 5 700 - 6 800 EUR WYSTAWIANY :

Santa Monica Art Studios, Sata Monica, Los Angeles, USA, 2016 „Cudowne opowieści”, wystawa indywidualna, Galeria Zamek Reszel 2.05-29.06.2015 Ostrale Festival of Contemporary Art, Drezno, Niemcy, 18.07-28.09.2014 „Hello Modernity”, wystawa indywidualna, Galeria Miejska Wrocław, Wrocław 11.10-09.11.2013 LITERATURA :

Cudowne opowieści, katalog wystawy indywidualnej, Olsztyn 2015, s. 8 Hello Modernity, katalog wystawy indywidualnej, Wrocław 2013, s. 33

„Twórczość Jeffa Koonsa interesuje mnie w sensie formalnym, czyli upodobania tego artysty do produktów kultury masowej, kiczu, blichtru czy dmuchanych elementów. Jego sztuka jednak jest nastawiona na odbiór bezpośredni, pozbawiona jest warstw symbolicznych, jego dzieła nie są też nośnikiem idei, które są obecne w moich obrazach, tak więc Jeff Koons inspiruje mnie formalnie, jednak jego podejście do sztuki i cele jej stawiane są zupełnie inne”. J u l i a C u ry ło

Norman Leto 1980

"Landszaft - Friedrich" - dyptyk, 2020 akryl/płótno, 150 x 110 cm (wymiary każdej pracy) sygnowany, datowany i opisany na odwrociu każdej części: 'NORMAN LETO 2050 | LANDSZAFT - FRIEDRICH | DYPTYK' estymacja: 20 000 - 30 000 PLN 4 600 - 6 800 EUR

„Wędrowiec nad morzem mgły” należy do najbardziej rozpoznawalnych obrazów Caspara Davida Friedricha, który zapisał się w historii sztuki jako jeden z najważniejszych romantyków niemieckich. Obraz Friedricha to nie tylko dzieło docenione przez historię sztuki, ale też historyczno-artystyczny szlagier – powielany w milionach kopii w reprodukcjach, pocztówkach, albumach… Norman Leto, który w swoim dyptyku „Landszaft – Friedrich” dokonał pastiszu wskazanego arcydzieła, podjął zatem zarówno temat wielkiego dzieła, jak i obrazu popularnego, obecnego w zbiorowej wyobraźni. U Friedricha postaci konfrontują się z pejzażem – uwidacznia się w jego twórczości wątek stosunku człowieka wobec natury. Kontemplowanie natury to czynność, której często oddają się postaci w jego obrazach. Leto, jakby na przekór tej tendencji odseparował tytułowego wędrowca od jego otoczenia. Efekt rozgraniczenia, odizolowania jest dodatkowo wzmocniony poprzez strukturę dyptyku – wędrowiec został „oderwany” od swojego otoczenia i przeniesiony na inne płótno. Być może artysta starał się ukazać, że bez postaci obserwującej pejzaż, jego wyjątkowość ulega zatarciu i staje się on po prostu „landszaftem”. W ten sposób sam

tytuł swoją strukturą przedstawiałby znaczenie dyptyku: po jednej stronie krajobraz, po drugiej obserwator utożsamiony z autorem pierwowzoru. Być może jednak zamysł obrazu był inny. Niezależnie od tego, zabieg rozbicia oryginału na dwie części zaciera przede wszystkim związek człowieka z naturą, tak ważny u Friedricha. Wędrowiec umieszczony w próżni wygląda tak, jakby dało się go wpisać w każdą imaginatywnie wytworzoną rzeczywistość, zdaje się czekać na dopełnienie. Skoro panteistycznie rozumiejący przyrodę Friedrich tak często ukazywał ją jako tę, z którą człowiek pozostaje w duchowym związku, czy ta separacja również ma znacznie symboliczne? Norman Leto zasłynął jako artysta-samouk wypowiadający się z powodzeniem w wielu mediach. Tworzy zarówno tradycyjne malarstwo, jak i sztukę wideo oraz animację. Artysta interesuje się naukami ścisłymi oraz nowymi technologiami, których obszar często pozostaje źródłem inspiracji dla jego twórczości. Światy biologii, komputerów i wirtualnej rzeczywistości łączą się w jego dziele – jak widać – z tradycją sztuki europejskiej.

Mirosław Bałka 1958

"Ostatnia wieczerza", 2005 instalacja/drewno, plexi, szkło, 23,5 x 45,5 x 24,6 cm (wymiary całości) sygnowany, datowany, numerowany i opisany na naklejce: 'Miroslaw Balka The Last Supper, 2005 | Glass and MDF wall object, 13 x 21,5 x 18 cm | Edition of 12 + 2 A.P. Published by Edition Schellmann | Munich-New York for 51. Biennale di Venezia | 10/12 MBałka' ed. 10/12 estymacja: 15 000 - 20 000 PLN 3 400 - 4 600 EUR

Wspólnym mianownikiem prac Mirosława Bałki jest minimalistyczna forma powiązana z bardzo świadomie dobranym materiałem, który nadaje jej odpowiedniego znaczenia. Prace te są zwykle sposobem na poszukiwanie śladów ukrytego lub przywróceniem wymazanego; są reakcją na odruch odtwarzania tego, co minęło: nieobecność miewa większy ciężar gatunkowy niż obecność. Prezentowana praca jest zbudowana z dwóch przezroczystych szklanek ustawionych na drewnianej tacy. Została ona pozbawiona jakichkolwiek ozdób – ma proste, wręcz surowe kształty. Ich minimalizm nasuwa skojarzenia z nowoczesnym designem unikającym dekoracyjności, operującym syntetyczną, zgeometryzowaną formą. Kluczem do interpretacji tej pracy jest jej tytuł wskazujący na biblijne odwołania. Ostatnia Wieczerza była ostatnim posiłkiem Jezusa, po którym czekała go męka i śmierć. Jednocześnie stanowiła zapowiedź obmycia ludzkości z grzechów. Pracę Bałki można uznać za symbol tego wydarzenia, ale również jako swego rodzaju podsumowanie 2000 lat dalekich od idei chrześcijańskich – pełnych przemocy, wojen i tragedii. Inną możliwą interpretacją jest odwołanie się do często podejmowanego przez Bałkę tematu Holocaustu – w tym kontekście szklanki mogą opowiadać historię ludzi, którzy chcieli z nich skorzystać, ale nie zdążyli. Według artysty skontrastowanie nowoczesnej formy instalacji z tradycyjnym „motywem Ostatniej Wieczerzy” ma na celu przypomnienie o powtarzalności historii i dziejów: „Myślę, że szybko zapominamy i zwalamy winę na innych. Dlatego ja chcę przypominać”.

Artur Żmijewski 1966 Paweł Althamer 1967

Bez tytułu, z cyklu: "Rozmowy", 2019 kolaż, technika mieszana/karton, 105 x 35 cm sygnowany w kompozycji, pieczęcie autorskie w kompozycji estymacja: 6 000 - 8 000 PLN 1 400 - 1 900 EUR

„Ludzie nie myślą o sobie jako o artystach, sądząc, że brak im talentu. A to kolosalna pomyłka. Tracimy ogromną radość bycia twórcami, jaką mają dzieci”. PAWE Ł ALT H AMER

Robert Kuśmirowski 1973

"Elektryk", 2009 C-print/papier fotograficzny, 6 x 8,5 cm (x3) sygnowany, datowany i opisany na nalepce na odwrociu: 'Kuśmirowski Robert | "Elektryk" sekw. z filmu, | fotografia, 2009 r.' estymacja: 5 000 - 7 000 PLN 1 200 - 1 600 EUR

Krytycy nazywają Roberta Kuśmirowskiego „geniuszem atrapy” lub „genialnym imitatorem”. Artysta świadomie i w sposób perfekcyjny fałszuje rzeczywistość i manipuluje nią, żeby zwieść widza. Duża część prac Kuśmirowskiego powstaje dzięki rekonstrukcji, tworzeniu kopii dokumentów, przedmiotów lub fotografii. Autorskie imitacje są łudząco podobne do oryginałów. Prezentowana na aukcji praca nawiązuje do historii Lecha Wałęsy i jego warsztatu elektrycznego w Stoczni Gdańskiej w latach 80., a w rolę „elektryka” wciela się sam Robert Kuśmirowski.

Jan Mioduszewski 1974

'Erotyzm ruin', 2018 akryl, drewno, płyta, 71 x 82 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: '[sygnatura] | wrzesień - październik | 2018 | EROTYZM RUIN' obraz kształtowany na odwrociu pieczęć: 'Fabryka | Mebli' estymacja: 5 000 - 7 000 PLN 1 200 - 1 600 EUR WYSTAWIANY :

„Narracja obrazu”, Muzeum im. Boleslawa Biegasa, Warszawa, 17.01.–06.02.2020 „Untiled- Znaki i litery”, Centrum Spotkania Kultur, Lublin 04.10.– 06.11.2019 „Untitled – Śmierć tytułom”, Galeria Neon, Wrocław, 2019 „Obrzeża i bocznice”, Galeria 18A, Warszawa, 24.01.- 31.01.2019

„Przypadkowy stan materii budzi więcej emocji niż rzeczy w ich skończonej formie. Fascynacja ruinami jest zakorzeniona w kulturze od czasów romantyzmu. Ruiny są fetyszem oka”. Jan Mioduszewski

Mateusz Szczypiński 1984

"Infantka IV", 2011 kolaż, olej/płótno, 40 x 40 cm sygnowany i datowany na odwrociu: '[monogram autorski] | Mateusz Szczypiński | 2011' estymacja: 4 000 - 6 000 PLN 1 000 - 1 400 EUR WYSTAWIANY :

„Sztuka w sztuce”, Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie MOCAK, Kraków 28.04-01.10.2017 POC H O D ZENIE :

prywatna kolekcja, Warszawa

„Najbardziej charakterystycznym aspektem mojej twórczości wydaje mi się wykorzystywanie kolażu. Chodzi mi tu nie tylko o technikę, ale także sposób myślenia, który ona narzuca. Korzystając z gotowych elementów, mogę odnieść się do konkretnych, bardzo wyraźnych treści, jednak wyrwanych ze swego oryginalnego kontekstu. Z jednej strony to operowanie cytatem, odwoływanie się do powszechnie znanej tradycji, ikon sztuki, obrazów, które w jakiś sposób zakodowane są w masowej świadomości, z drugiej jednak to pójście dalej. Przy ich pomocy mogę kreować nowe treści, sytuacje, często nie mające wiele wspólnego z ‘bazą’, od której wychodzę”. M at e u s z S z c z y p i ń s k i

Mateusz Szczypiński 1984

"Verbe Eternel", 2018 kolaż, olej/płótno, 60 x 70 cm sygnowany i datowany na odwrociu: '[monogram autorski] | 2018 | MATEUSZ SZCZYPIŃSKI' estymacja: 7 000 - 10 000 PLN 1 600 - 2 300 EUR WYSTAWIANY :

„Ruins Reserve”, Museum Burg Vischering, Ludinghausen 2019 „Stadt Gottes”, lokal_30, Warszawa, 2019

Elementy składowe prac Mateusza Szczypińskiego współistnieją w ramach kompozycji na równych prawach, niezależnie od tego, czy są to partie dzieła stworzone od podstaw przez niego, czy może zostały skądinąd zapożyczone. Artysta niejako przywłaszcza gotowy materiał estetyczny, umieszczając go w zupełnie nowym kontekście i przypisuje mu odmienne znaczenie. Jak przyznaje sam artysta: „Sklejając obrazy z różnych elementów, w tym konkretnych dzieł znanych z historii sztuki, osadzam je w nowych kontekstach, przez co całkowicie zmieniam ich wymowę. Powstaje taki moment napięcia, w których obraz jest równocześnie czymś znajomym i obcym. Myślę, że jest w to również wpisana nostalgia, za ‘złotym wiekiem’ – okresem modernizmu, w którym sztuka ‘wciąż była sztuką’”. Szczypińskiemu bliska jest postawa artystów działających na początku XX wieku, którzy to w swoich poszukiwaniach stawiali pytania o obecność rzeczy w obrazie, o formę i metody łączenia oraz zestawiania elementów gotowych w sztuce. Owa strategia recyklingu, jaką posługuje się Szczypiński, nie ma jednak na celu jedynie odbycia zarówno przez niego, jak i odbiorców jego dzieł sentymentalnej podróży. Fascynacja przeszłością oznacza zarówno reinterpretację dorobku dawnych mistrzów, jak i odwoływanie się do zakamarków własnej pamięci. Postaci znajdujące się na jego pracach nierzadko pozbawione są zbędnych szczegółów. Plamy barwne, będące zarysem postaci oraz dodatki wycinane z czasopism stanowiące twarze i inne części ciała, to swoista gra z odbiorcą. Ponieważ bez problemu udaje się rozszyfrować pierwowzór, Szczypiński zaprasza nas do gry, w której to on ustala reguły – nowoczesność miesza się tutaj z klasyką i żadna z nich nie przegrywa.

Jakub Ciężki 1979

"Linie 7", 2009 akryl, emalia akrylowa, olej/płótno, 120 x 150 cm sygnowany, opisany i datowany na odwrociu: 'JAKUB CIĘŻKI | LINIE 7, 2009' estymacja: 10 000 - 14 000 PLN 2 300 - 3 200 EUR WYSTAWIANY :

„Sceny rodzajowe” (wspólnie z Tomaszem Kulką), Propaganda, Warszawa, 21.04-06.06. 2012 „Meta – Biel”, Freies Museum, Berlin, 11.11-08.12.2011 „To read between the lines”, BWA, Sanok, 15.01-26.02.2010 „To read between the lines”, Lubelskie Towarzystwo Zachęty Sztuk Pięknych, Lublin, 10.12-31.12.2009

„Zainteresowanie strukturami z metalu kieruje w roku 2009 uwagę Ciężkiego na ogrodzenia i kraty, wskutek czego powstaje seria ‘To read between the lines’, rok później zaś na rusztowania. Motyw ten, eksploatowany w kilku pracach przynosi artyście Grand Prix na Biennale Malarstwa Bielska Jesień 2011”. M a r ta S m o l i ń s k a

Wiktor Dyndo 1983

Wiktor Dyndo niewątpliwie jest artystą, którego zaangażowana twórczość zyskuje żywy oddźwięk, niezależnie od miejsca, w którym jest eksponowana. Artysta porusza tematykę związaną z konfliktami międzynarodowymi i religijnymi, terroryzmem oraz polityką zagraniczną, wedle czego twórczość ta wydaje się niezwykle aktualna i wymowna. W prezentowanej pracy zatytułowanej „Ciekawe co powie” z 2012 Dyndo w szczególny sposób inscenizuje estetykę władzy. Pomiędzy dwiema flagami Unii Europejskiej oraz Polski pojawia się mikrofon, przez który zaraz ma przemówić orator. Mówca jednak nigdy nie pojawia się w obrazach artysty, co pokazuje, że prawda wydaje się bardziej złożona, aniżeli nam

się wydaje. Schematyczny, niezwykle oszczędny sposób prezentacji służy Dyndo do wizualizacji świata budowanego na kanwie medialnych informacji oraz propagandowej manipulacji. Artysta zapożycza obrazy z telewizji i Internetu, które na płótnach przywołuje fragmentarycznie, nadając im zupełnie nowe znaczenie. Niczym kartograf operuje płaską plamą barwną, znakiem oraz wyraźnym konturem. Schematyczny sposób ukazywania fragmentu rzeczywistości lokuje Dyndo w roli chłodnego, uważnego obserwatora, który nie opowiada się po żadnej ze stron, nie dokonuje także moralnej oceny, zostawiając tym samym odbiorcy jego prac szerokie pole do interpretacji.

„Co ma do powiedzenia malarz w dyskursie globalnej polityki zagranicznej? Kiedy artysta staje się kartografem kreślącym polityczne mapy świata i wskazującym na nich rejony konfliktów? Jak na dwuwymiarowej powierzchni obrazu odbija się wielowymiarowe doświadczenie jednostki mierzącej się z ogromem informacji na temat zglobalizowanej rzeczywistości? Wiktor Dyndo odpowiada na te pytania, posługując się środkami, jakie ma do dyspozycji malarz; maluje formy geostrategicznych wyobrażeń, pokazuje kolory ideologii, analizuje estetykę władzy, reprezentuje wizualne znaki lęku i manipulacji”. S ta c h S z a b ł o w s k i

Michał Slezkin 1960

"Kredytowa 9/26", z serii: "Inna przestrzeń", 2018 olej/płótno, 200 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'KREDYTOWA 9/26 DUCH | 2018 | OLEJ NA PŁÓTNIE 150x200 cm | MICHAŁ SLEZKIN | [sygnatura] estymacja: 9 000 - 12 000 PLN 2 100 - 2 800 EUR WYSTAWIANY :

„Problemy pierwszego świata: życie przed śmiercią”, Fundacja Stefana Gierowskiego, Warszawa, 26.01-31.03.2019

„Wkraczając na terytorium malarstwa Slezkina, musimy się pogodzić z tym, że będzie tu więcej mroku niż światła. Musimy też przystać na to, że choć artysta jest interesującym kolorystą (…), to najwięcej będzie w tym malarstwie czerni”. S ta c h S z a b ł o w s k i

Bartek Otocki 1978

Bez tytułu, z cyklu: "Zostało mniej czasu niz się wydaje", 2016 olej/płótno, 150 x 100 cm sygnowany i datowany na blejtramie: 'B.OTOCKI 2016' sygnowany opisany na blejtramie: 'BEZ TYTUŁU | Z CYKLU "ZOSTAŁO MNIEJ CZASU NIŻ SIĘ WYDAJE" [sygnatura]' estymacja: 7 000 - 9 000 PLN 1 600 - 2 100 EUR WYSTAWIANY :

„Przyszłość jest nieunikniona, ale może się nie wydarzyć”, Galeria Olimpus, Łódź, 2018 „Zostało mniej czasu, niż się wydaje”, Galeria Bielska BWA, Bielsko-Biała, 2017

„Instynktowny niepokój dotyczący naszej przyszłości to główny powód powstania cyklu prac ‘Zostało mniej czasu, niż się wydaje’. Przybiera on formę mniej lub bardziej surrealnej wizji, w której przeplatają się rzeczywiste i – być może – urojone zagrożenia. Chronologiczna sekwencja wydarzeń jest trudna do ustalenia – niektóre z obrazów to zaledwie przebłyski tego, co nastąpi już po katastrofie. Nie wynika z nich jednak, że to właśnie ludzie będą świadkami tych wydarzeń”. Ba rt ło m i e j Oto c ki

Prezentowana praca należy do malarskiego cyklu Bartłomieja Otockiego, którego głównym przesłaniem wydaje się wyrażenie podświadomego lęku przed tym, co nieuchronne. Owa obawa dotyczy przede wszystkim przyszłości oraz towarzyszącym jej zagrożeniom, zarówno tym realnym, jak i wyimaginowanym. Otocki jak zwykle zaskakuje doborem tematu. Artysta w charakterystyczny dla siebie sposób posłużył się niwelującym krawędzie miękkim modelowaniem. Mglista i rozmyta kompozycja przedstawiająca tajemniczą zwierzęcą postać utrzymana jest w ciemnych, mrocznych barwach wzmagających u widza przeczucie zagrożenia. Otocki bowiem w swojej twórczości często skupia się na tematach związanych ze zjawiskami paranormalnymi. Jego obrazy wydają się próbą uchwycenia krótkiego momentu w czasie, w którym odbiorca zdaje sobie sprawę, że coś jest nie tak, lecz nie jest jeszcze świadom wynikających z tego konsekwencji.

Zbigniew Rogalski 1974

"Longplay", 2003 olej/płótno, 30,5 x 30,5 cm sygnowany na odwrociu: 'ZBIGNIEW ROGALSKI' datowany i opisany na nalepce na odwrociu: 'Z.Rogalski | Long play 03' na odwrociu nalepka Galerii ŻAK | BRANICKA estymacja: 12 000 - 18 000 PLN 2 800 - 4 100 EUR

Rogalski przez krytykę jest określany mianem „reżysera obrazów”. Do tworzenia narracyjnych, złożonych pod względem treści kompozycji artysta wykorzystuje zarówno doświadczenie fotograficznych ujęć, jak i techniczną sprawność warsztatu malarskiego. Swoje prace Rogalski często realizuje seriami, wykorzystując motywy gatunkowe, znane z malarstwa dawnego, takiego jak portrety, czy pejzaże. Malarstwo artysty jest rozpięte pomiędzy samem aktem malarskim, a znaczeniowymi oraz fabularnymi kontekstami odczytywanymi przez odbiorców jego prac. W pierwszej dekadzie swojej twórczej aktywności Rogalski zainteresował się tematyką powstawania różnorodnych efektów optycznych, czego przykładem może być prezentowana praca z 2003 roku. Jej kompozycja oscyluje pomiędzy abstrakcją a realizmem, a jej tematem jest płyta gramofonowa potocznie nazywana longplayem. Malarstwo Rogalskiego pełne jest odniesień oraz gier z przestrzennymi złudzeniami. Artysta w swojej twórczości częstokroć bowiem podejmuje problem percepcji oraz fizjologii widzenia. Sama płyta namalowana jest swobodnymi, jednolitymi pociągnięciami pędzla. Rogalskiemu oddało się oddać refleksy światła odbijające się na płycie oraz przynależną jej chropowatą, pełną wklęsłości oraz uwypukleń strukturę. Malarstwo Rogalskiego przez krytykę często przyrównywane jest do medium fotografii. Wynika to przede wszystkim z wyjątkowych umiejętności warsztatowych artysty, ale także ze względu na nowoczesną estetykę oraz sposób kadrowania.

Martyna Czech 1990

"Vena", 2017 olej/płótno, 40 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MARTYNA CZECH "VENA" 40X60 CM | OLEJ NA PŁÓTNIE, 2017' estymacja: 5 000 - 7 000 PLN 1 200 - 1 600 EUR

„Śmieszne jest to, że nigdy nie interesowała mnie historia sztuki. W trakcie studiów moim problemem było zdobywanie pieniędzy na materiały i farby. Nawet w 2015 roku, gdy wygrałam Bielską Jesień, nie miałam pojęcia o istnieniu tej grupy czy o polskich neoekspresjonistach. Zawsze zakładałam, że mam tyle swoich doświadczeń życiowych do tworzenia historii malarskich, że nie czułam po prostu potrzeby do sięgania po katalogi i wyszukiwania w nich inspiracji. Rolą krytyków jest szufladkowanie, nie mam wpływu na to, jak moja sztuka jest interpretowana w kontekście historii sztuki”. Mart yna Czech

Martyna Czech to niewątpliwie jeden z najciekawszych debiutów ostatnich lat. Edukację artystyczną otrzymała, studiując malarstwo na katowickiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie uzyskała dyplom w 2017 w pracowni Andrzeja Tobisa. Jeszcze jako studentka trzeciego roku zdobyła uznanie krytyki oraz główną nagrodę w prestiżowym konkursie Bielskiej Jesieni, gdzie doceniono jej dojrzałość w komponowaniu obrazów oraz operowanie wyrazistym kolorem. Artystka maluje płótna niezwykle szybko, łapczywie,

zdecydowanymi pociągnięciami pędzla. Ze względu na formę oraz podejmowaną tematykę twórczość Czech kojarzona jest z dorobkiem malarzy nowej ekspresji lat 80. Coraz częściej także określa się ją jako przedstawicielkę współczesnego surrealizmu. Prace artystki charakteryzuje świadomy, rozpoznawalny gest malarski, którego ekspresja współgra z podejmowanymi przez nią tematami.

Monika Chlebek 1986

"Trufla", 2018 olej/płótno, 57 x 63 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MONIKA CHLEBEK | TRUFLA | O/P | 57x63 | 2018' estymacja: 4 000 - 7 000 PLN 1 000 - 1 600 EUR WYSTAWIANY :

„Obrazy niepodobne”, Galeria Miejska Arsenał, Poznań, 08.03-7.04.2019

Twórczość Moniki Chlebek otacza aura tajemnicy oraz niedopowiedzeń. Przygaszone barwy, fragmentarycznie ujęte postaci, sytuacja, której charakter jest zaledwie wyczuwalny – to wszystko składa się na fenomen młodej artystki. Swoimi pracami snuje pewną opowieść, prowadząc odbiorcę jedynie do ściśle określonego momentu, po którym pozostawia go z poczuciem ogarniającego niepokoju, ale również z szerokim polem do interpretacji dzieła. Jest to w pełni świadome działanie ze strony Chlebek, która właśnie wspomnianymi niedomówieniami, lukami w przedstawionych wizjach buduje narrację swojej intrygującej twórczości. Obrazy Chlebek mogą przywodzić na myśl kadry z filmów grozy, nie są to jednak paranoiczne wizje, raczej uwodzicielskie sugestie, jak w przypadku prezentowanej pracy zatytułowanej „Trufla” z 2018. Trzymana w zębach bliżej nieokreślonej postaci tytułowa trufla zajmuje większą część obrazu. Drobnymi, zamaszystymi pociągnięciami pędzla Chlebek zasugerowała chropowatą strukturę trufli, która gdyby nie tytuł kompozycji, byłaby ledwie rozpoznawalna. Jest to typowy zabieg dla twórczości artystki, która pozostawia widza z całym uzasadnionym, choć niewypowiedzianym zdziwieniem, dając mu tym samym możliwość do nadawania własnych konotacji i skojarzeń do prezentowanych scen. Monika Chlebek artystyczne wykształcenie uzyskała na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie, gdzie studiowała malarstwo w pracowni prof. Leszka Misiaka. Oprócz malarstwa zajmuje się również rysunkiem oraz kolażem. Artystka zaliczana jest do grona nowych surrealistów. W ujęciu Chlebek sceny zaczerpnięte z codziennego życia, dzięki nietypowemu ujęciu, nabierają cech nadrealnych.

Dorota Podlaska 1968

Bez tytułu, 2020 akryl/płótno, 65 x 81 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'Dorota Podlaska | 2020' estymacja: 6 500 - 9 000 PLN 1 500 - 2 100 EUR WYSTAWIANY :

„Zadra / Thorn”, Wizytująca Galeria, Warszawa, 07.02-07.03.2020

„Prace Doroty nie są trudne w odbiorze, wręcz przeciwnie, a jednak mają w sobie coś, co może wprawić widza w lekką dezorientację. (…) Dorota Podlaska nie wciela się w żadną z popularnych artystycznych ról: nie występuje jako demiurgiczny artysta-kreator, ani też jako wyrachowany artysta-designer ‘projektujący’ swoje prace zgodnie z najnowszymi trendami na rynku estetyki i idei. Artystka podejmuje ryzyko wypuszczenia powietrza z nadętego balonu sztuki i zajęcia pozycji outsiderki. Charakter sztuki Doroty najwierniej oddaje słowo ‘prywatny’. (…) Styl jej malarstwa budzi skojarzenia z komiksem, sztuką naiwną, karykaturą. Istotą jej postawy jest pojmowanie sztuki jako praktyki dnia codziennego i to właśnie raczej prywatnej części tego dnia, kiedy człowiek jest rozluźniony i zajmuje się tym, co lubi”. S ta c h S z a b ł o w s k i

Wachlarz artystycznych zainteresowań Doroty Podlaskiej wydaje się niezwykle szeroki. Artystka zajmuje się przede wszystkim malarstwem figuratywnym, ale również fotografią, instalacją czy interwencjami w przestrzeni publicznej. Podlaska projektuje także książki i wydawnictwa. Tym, co cechuje twórczość artystki, jest narracyjność oraz liczne odwołania do prywatnej sfery życia, które pełne refleksji tworzą rodzaj osobistego dziennika. Podlaska częstokroć posługuje się naiwną, wręcz sentymentalną konwencją, a każda z jej prac przywodzi na myśl filmowe kadry bądź komiksowe rysunki. Miniaturowe zazwyczaj obrazy wypełniają na poły realistyczne, na poły schematyczne postaci, których cielesność wydaje się wyłącznie umowna. Podlaska swoich bohaterów traktuje z reporterskim oglądem, nie roszcząc sobie prawa do opiniowania tego, co ją otacza. Pozycja artystki na tym tle wydaje się peryferyjna, dzięki czemu w niezobowiązujący sposób kreśli historię o napotykanej, niezwyczajnej rzeczywistości.

Izabela Chamczyk 1980

"Renifer", z cyklu: "Odłamki Wojenne", 2013 technika mieszana/płótno, 70 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'I.Chamczyk 2013 | RENIFER | z cyklu: "Odłamki wojenne"' estymacja: 2 000 - 4 000 PLN 500 - 1 000 EUR

„Kolor to dla mnie najważniejsze narzędzie pracy, a obraz jest najważniejszym nośnikiem wszystkiego, co chcę powiedzieć. W kolorze jest coś ukryte i zaklęte. Każdy miesiąc ma swój kolor, który odzwierciedla mój stan ducha i rodzaj walki, jaką toczę w danym miesiącu. Malarstwo pozostaje dla mnie sposobem komunikowania się, jako niewerbalny nośnik informacji”. IZABELA C H AMCZYK

Paweł Dunal 1978

Bez tytułu, 2008 olej/płótno, 20 x 20 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'Paweł Dunal | 2008' estymacja: 2 000 - 3 000 PLN 500 - 700 EUR WYSTAWIANY :

„Zielona fala, dmuchane flamingi...”, Galeria m2, Warszawa 2008

„(…) Dunal wprowadza nas w niebezpieczny, sugestywny, nadrealny świat marzeń poplątanych z obawami, pragnień przemieszanych z niechęciami; lęków i fascynacji”. Ja ro s ł aw Tryb u ś

Mikołaj Chylak 1975

"Tragarz", 2017 olej/płótno, 50 x 65 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Mikołaj Chylak 2017 | "TRAGARZ" | ol./pł 50/65 cm' estymacja: 2 600 - 3 500 PLN 600 - 800 EUR WYSTAWIANY :

„Atlas”, Instytut Polski, Berlin, 09.06-21.06.2017 „Atlas”, Instytut Polski, Lipsk, 27.06.2017

Sebastian Krok 1985

"Wodzu prowadź nas na Kowno", 2016 akryl, lakier/płótno, 95 x 63,50 cm sygnowany, opisany i datowany na odwrociu: 'Wodzu | prowadź | nas na Kowno | 2016 | Sebastian Krok' estymacja: 5 500 - 7 000 PLN 1 300 - 1 600 EUR WYSTAWIANY :

„Human Resources”, Galeria Sektor I, Jaworzno, 30.06-15.08.2017 „Eus Deus Kosmateus”, Galeria Sztuki w Legnicy, Legnica, 20.07-14.08.2016

Mateusz Dąbrowski 1980

"Interaction", z cyklu "Orion", 2019 olej/płótno, 121,5 x 50,5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MATEUSZ DĄBROWSKI | "ORION" SERIES INTERACTION | 2019 OIL ON CANVAS' estymacja: 4 500 - 6 000 PLN 1 100 - 1 400 EUR

Piotr Czajkowski 1973

"Hotel de Ville", 2020 akryl/płótno, 150 x 100 cm sygnowany i datowany p.d.: 'CZAJ | KOW | SKI | 2020' opisany na odwrociu: 'PIOTR CZAJKOWSKI | "HOTEL DE VILLE" | 2020 | Cykl METRO' estymacja: 5 000 - 10 000 PLN 1 200 - 2 300 EUR

Prezentowana praca pochodzi z cyklu „Metro”, który Piotr Czajkowski zaczął malować w 2012. Artysta mówi, że „Metro” jest jego osobistym notatnikiem. Na każdy z obrazów autor wprowadza ciągi tekstowych fraz, które układają się w znaczenia nawiązujące do nazw stacji i linii paryskiego metra. Czajkowski nie epatuje kolorem. Wręcz przeciwnie. Tworzy stonowane kolorystycznie, a czasem monochromatyczne kompozycje. W ten sposób próbuje zapisać emocje towarzyszące mu podczas eksplorowania podziemnych korytarzy metra w Paryżu.

Igor Przybylski 1974

"1014 - 014 3 WIEN", 2005 olej/płótno, 73 x 100 cm sygnowany i datowany p.d.: '17 IP'05' opisany na odwrociu na blejtramie: '17'05 IP 1014 - 014 - 3 WIEN' estymacja: 3 500 - 5 000 PLN 800 - 1 200 EUR

Głównym motywem pojawiającym się w twórczości Igora Przybylskiego jest transport. Przez wiele lat aktywności artystycznej malarz powielał wątki związane z powszechnie nam znanymi środkami komunikacji publicznej. Pracując w seriach, stworzył między innymi dokumentację warszawskich autobusów marki Ikarus, cykl przestawiający lokomotywy pociągów czy detale widoków charakterystycznych dla poszczególnych stacji kolejowych. Nietypowe hobby artysty, związane ze środkami transportu publicznego, było powodem do wytworzenia ciekawego języka malarskiego, w którym próżno szukać człowieka – dominują tu maszyny i związana z nimi infrastruktura. Artysta nie skupia się na jednym medium. W jego dorobku znajdziemy również instalacje, filmy oraz fotografie. Prezentowana praca to ujęcie pokazujące logo Austriackich Kolei Państwowych (ÖBB). Pozornie prozaiczny temat zaskakuje ciekawą formą plastyczną i kolorystyczną. Może być odbierany jako prawie abstrakcyjna kompozycja.

Marzena Turek-Gaś 1972

"Shapes of colours / All size", 2010 akryl/płyta HDF, 29 x 49,5 x 4 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MARZENA TUREK-GAŚ | SHAPES OF COLOUR / ALL SIZE | 2010 | 3D MTG No 2.' estymacja: 1 600 - 2 000 PLN 400 - 500 EUR

„Interesują i inspirują mnie rzeczy i zjawiska najprostsze, nie lubię komplikować, lubię tworzyć odważnie i bez skrępowania. Moje wypchnięcie obrazu z ram jest zjawiskiem naturalnym, wynikającym raczej z mojego temperamentu i konieczności tworzenia niż poszukiwaniem odpowiedzi na pytanie – czy ja wychodzę poza jakieś ramy w malarstwie, czy nie? Niekiedy angażuję widzów, aby mogli bezpośrednio je poczuć, w nie wejść. Malarstwo dotyka przede wszystkim sfer niewerbalnych i w tym tkwi jego siła. Może być ono mocne, zdecydowane i czułe zarazem”. M a r z e n a T u re k- G a ś

Przemysław Matecki 1976

Bez tytułu (Plac Piastowski), 2009 olej/płótno, 146 x 116 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'P.MATECKI | "BEZ TYTUŁU" (PLAC PIASTOWSK) | 2009' estymacja: 20 000 - 28 000 PLN 4 600 - 6 400 EUR WYSTAWIANY :

„Plac piastowski”, Galeria Raster, Warszawa, 24.10-17.11.2009

Prezentowany obraz powstał w 2009. W tym czasie artysta pokazał swoje prace na indywidualnej wystawie w Galerii Raster w Warszawie, zatytułowanej „Plac Piastowski”. W pracach z tego okresu Matecki osiągnął nową jakość obrazu. Kompozycje złożone z dziesiątek nawarstwionych fotografii, zdjęć gazetowych i aplikacji z malowanej tektury oddają stan permanentnej niemocy skupienia. Ujawniają one niezwykły krytyczny potencjał prac artysty, opisują współczesne doświadczenie kultury wizualnej i napięcie pomiędzy nią a sztuką. Sam artysta mówi, że maluje „szumy”, efemeryczne i ambiwalentne sytuacje i towarzyszące im emocje. Za pomocą zrównania porządków sztuki wysokiej ze sztuką używkową, artysta opowiada o współczesności i miejscu sztuki, która z jednej strony służy przyjemności i rekreacji, jako świadectwo wysokiego statusu, z drugiej zaprzęgnięta jest w znacznie poważniejsze aspekty ludzkiej aktywności, takiej jak tworzenie tożsamości, kult religijny czy polityczne utarczki.

Małgorzata Kosiec 1975

"Red trace", 2016 olej/płótno, 120 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MAŁGORZATA | KOSIEC | RED | TRACE | 2016' estymacja: 10 000 - 14 000 PLN 2 300 - 3 200 EUR WYSTAWIANY :

„Phantoms”, Konduktorownia, Częstochowa, 2018 „Alchemia”, Galeria Płocka BWA, Płock, 22.06-19.08.2018

Karolina Jaklewicz 1979

"Obiekt nieplatoniczny VII", 2017 olej/płótno, 100 x 100 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'JAKLEWICZ | OBIEKT NIEPLATONICZNY | VII | 2017' estymacja: 9 000 - 12 000 PLN 2 100 - 2 800 EUR WYSTAWIANY :

„Konsekwencje”, Galeria Miejska, Wrocław, 15.01-18.01.2018 „Konsekwencje”, Dom Plastyków, ZPAP OK, Kraków, 22.09-05.10.2017

„W sztuce linia jest jednym z kluczowych środków formalnych. Artyści eksplorują jej właściwości wizualne i symboliczne w każdym możliwym kierunku. W niemożliwym także. Są linie wrażliwe, czułe na najmniejsze zmiany i drgania. To linie-sejsmografy. W takie linie wyposażeni są niektórzy ludzie. Mają skórę na lewą stronę, silnie odczuwają każdy impuls. Ich ph nigdy nie jest neutralne i obojętne na świat. Oni reagują. Są linie ostro cięte lub idealnie płynne. Linie te mają potencjał architektonicznego stwarzania przestrzeni, konstruowania układów czystej formy. Te linie prowadzą do światów idealnych. Takich, o jakich marzymy. Linie-tęsknoty. Linie, o które wciąż walczymy”. K a ro l i n a Ja kl e w i c z

Paweł Bownik 1977

"Koło 18", z cyklu: "Kolory straconego czasu", 2019 fotografia, wydruk pigmentowy/dibond, papier archiwalny, 60 x 48 cm sygnowany, datowany i opisany na oprawie: 'KOŁO 18 | 3/6 + 2 AP / 2019 | Bownik' ed. 3/6+ 2 AP estymacja: 7 000 - 10 000 PLN 1 600 - 2 300 EUR

„Najczęściej pracuję, wychodząc od pojęć, a w tym projekcie interesowało mnie zjawisko wymierania gatunków i cykliczności w przyrodzie – stąd koło jako symbol cyklu, powtórzenia w naturze, ale i przyśpieszenia. Jak wiemy, w naszych czasach problemem jest przyśpieszenie wymierania gatunków, a nie to, że one wymierają, bo wymierały zawsze, jednak nigdy w takim tempie jak teraz”. Pa w e ł B o w n i k

Koła z cyklu „Kolory straconego czasu” powstały w wyniku sfotografowania kręcącej się obrotowej tarczy, do której artysta przymocował fotografię bądź rycinę przedstawiającą ptaka, który wymarł z powodu zaniedbań człowieka. Materiału do pracy Bownik poszukiwał w brytyjskich archiwach historii naturalnej, antykwariatach, ale także internetowych encyklopediach. Wizją Bownika nasycone kolory ptasiego upierzenia zamieniły się w rozedrgane widmo spektroskopowe. Koła z cyklu nie są poddane żadnym rygorystycznym regułom. Utrwalone na fotografii wirujące kolory ptasiego upierzenia zdają się rozpływać. Pod pozorem abstrakcyjnego kształtu kryją się jednak konkretne gatunki wymarłych już istnień. Przybierają subtelne odcienie, które łączą się ze sobą w nieoczywisty sposób. Jak przyznaje sam artysta, zarówno koncept, jak i jego forma podyktowane były myślą, że coś, co jeszcze niedawno wydawało się wizją zupełnie abstrakcyjną, nagle stało się namacalne. Każda praca z cyklu posiada jedynie numer, mimo że jest artystyczną rejestracją konkretnego, nieistniejącego już gatunku. „Kolory straconego czasu” stanowią zatem dokument traktujący o zanikającym w wyniku aktywności człowieka świecie przyrody oraz jego potrzebach panowania nad otoczeniem. Tę nieodwracalną stratę Bownik pokazuje w zaskakujący formalnie sposób, tak by uczynić z niej poruszającą, uświadamiającą metaforę.

Agata Borowa 1979

Bez tytułu, z cyklu: "Czy to jest namalowane", 2017 akryl/płótno, 120 x 120 cm estymacja: 9 000 - 12 000 PLN 2 100 - 2 800 EUR

„Lubię ten moment, kiedy oglądający podchodzi do mojego obrazu i dotyka powierzchni płótna, chcąc sprawdzić, czy to na pewno nie jest wydruk albo rzeźba. Zależy mi na tym wrażeniu iluzji – malarstwie, którego odbiór wiąże się z niepewnością, które stawia pytania i nie daje jednoznacznej odpowiedzi”. Ag ata B o r o w a

Łukasz Huculak 1977

Bez tytułu, 2010 akryl, technika własna/papier , 23,7 x 68,5 cm (w świetle passe-partout) sygnowany i datowany l.g.: 'Huculak 10.' estymacja: 1 500 - 3 000 PLN 400 - 700 EUR

„Kiedy proporcje – zarówno jeśli chodzi o zestawienia kolorystyczne, jak kompozycję, kształty – są przewidywalne czy banalne, to obraz nie jest intrygujący. Chciałbym, żeby stosunki przestrzenne i chromatyczne były zawsze jak najmniej oczywiste, nazywalne. Mam wrażenie, że jest taki stan, gdzie relacja wielkości czy kolorów skupia w sobie coś w rodzaju energii, ewokującej uczucia, których właśnie od sztuki oczekuję, chociaż to kolejne mało precyzyjne i skrajnie subiektywne określenie”. Łuk asz Hucul ak

Hubert Czerepok 1973

Bez tytułu, 2005 ołówek/papier, 72 x 51 cm sygnowany i datowany p.d.: 'Czerepok '5' estymacja: 2 600 - 3 200 PLN 600 - 800 EUR WYSTAWIANY :

por. „Notebook”, Galeria Arsenał, Białystok, 11.12.2015-24 .01.2016

Wystawiony na aukcji rysunek Huberta Czerepoka z 2005 przypomina jedną z prac artysty z cyklu „Seanse”, a zaprezentowaną na wystawie „Notebook” w Galerii Arsenał w Białymstoku w 2015. Prawdopodobnie jest jednym ze szkiców do tej pracy. Cykl „Seanse” powstawał przez kilka lat. Składa się z ogromnych murali, wielkoformatowych prac na papierze, sitodruków, a także z niewielkich rysunków. Jak pisała Izabela Kopania: „Łączy je formalny minimalizm: czytelna kompozycja, szkicowość, ograniczenie środków wyrazu do nieco nerwowego rysunku, który w sposób skrótowy, a jednocześnie precyzyjny charakteryzuje uchwyconą sytuację. Tematyka ‘Seansów’ przeplata się z problemami, jakie Czerepok analizuje w innych wypowiedziach – obecna jest w nich kwestia przemocy, zła, erotyki, a także fascynujące artystę zjawiska i wydarzenia, których przyczyny trudno wytłumaczyć”. Hubert Czerepok czerpie inspirację z obrazów dostępnych powszechnie w różnego rodzaju mediach. Przetwarza gazetowe zdjęcia reportażowe, ale także odwołuje się do arcydzieł należących do kanonu historii sztuki. Artysta podnosi w swoich pracach temat wszechobecności i manipulacyjnej funkcji obrazów. Czerepok zwraca uwagę na zmianę roli artysty z kreującego przedstawiany świat na przekazującego istniejące już obrazy w nowych kontekstach.

Maurycy Gomulicki 1969

"Leona", z cyklu: "Nimfy w Kwiaciarni", 2018 serigrafia barwna, sitodruk/papier, 70 x 50 cm (w świetle oprawy) sygnowany i datowany ołówkiem p.d.: '[sygnatura]2018 opisany ołówkiem l.d.: 'LEONA' numerowany ś.d.: '21/28' ed.: 21/28 estymacja: 1 600 - 2 200 PLN 400 - 500 EUR

„Nie widzę nic kontrowersyjnego w piersiach. Jeżeli zaś chodzi o fetyszyzację ciała – jest to, w moim odczuciu, absolutnie naturalne podejście do podstawowego obiektu ludzkich fascynacji. Nie ja wymyśliłem to tabu. Upolitycznienie ciała, strach przed nim, to są twarde współczesne tematy, które siłą rzeczy mnie dotykają. Natomiast estetyzacja przedmiotu pożądania wydaje mi się czymś oczywistym, szczególnie z perspektywy artysty. Staram się, żeby moje próby komunikowania zachwytu ciałem były spójne i konsekwentne. Nie mam problemu z erotyką – to świat go ma”. M a u rycy G o m u l i c ki

Jarosław Fliciński 1963

"As soon as you begin to talk", 2010 akryl, olej/płótno, 50 x 40 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'FILICINSKI | EST JUNE 2010 | AS SOON AS YOU | BEGIN TO TALK' estymacja: 8 000 - 14 000 PLN 1 900 - 3 200 EUR

Jarosław Fliciński jest absolwentem Wydziału Architektury na Politechnice w Gdańsku oraz Wydziału Malarstwa na gdańskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie w 1991 uzyskał dyplom w pracowni prof. Hugona Laseckiego. Przez kolejne lata z konsekwencją tworzył wielkoformatowe, abstrakcyjne płótna z powtarzającymi się geometrycznymi motywami takimi jak: linie, koła, pasy oraz seryjne wzory. Fliciński nie ogranicza się jedynie do malarstwa. Początkowo pracował głównie na płótnie. Z czasem jednak jego prace zaczęły wchodzić w bezpośredni dialog z otoczeniem. Artysta zaczął tworzyć więc na ścianach, a nawet aneksować całe przestrzenie. Fliciński nieustannie eksperymentuje z medium, wykorzystując w swoich kompozycjach fotografię, video czy dźwięk. Coraz częściej sięga także po język op-artu, tworząc wizualną iluzję, często polegającą na zwielokrotnieniu prezentowanych form.

SZTUKA WSPÓŁCZESNA

j a n ta r a s i n

„Narodziny przedmiotów”, 1997

KL ASYCY AWA NG A RDY PO 194 5 A u k c j a 1 pa ź d z i e r n i k a 2 0 2 0 , 1 9 : 0 0

m i e j s c e a u k c j i i w y s ta w y

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1a, Warszawa

w y s ta w a o b i e k t ó w

21 września – 1 października 2020

Rzeźba i Formy Przestrzenne

Ig o r M i t o r a j

„Nudo”, 2004

A u k c j a 2 9 pa ź d z i e r n i k a 2 0 2 0 , 1 9 : 0 0

m i e j s c e a u k c j i i w y s ta w y

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1a, Warszawa

w y s ta w a o b i e k t ó w

19 – 29 października 2020

DAWNI MISTRZOWIE

„Święty Sebastian”, manierysta, krąg praski, XVI/XVII w.

A u k c j a 6 pa ź d z i e r n i k a 2 0 2 0 , 1 9 : 0 0

m i e j s c e a u k c j i i w y s ta w y

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1a, Warszawa

w y s ta w a o b i e k t ó w

28 września – 6 października 2020

Sztuka Dawna

S ta n i s ł aw J a k u b Ro s t w o ro w s k i

„Tannhäuser i Wenus”, 1885

XIX wiek , Modernizm , Międzywojnie A u k c j a 2 2 pa ź d z i e r n i k a 2 0 2 0 , 1 9 : 0 0

m i e j s c e a u k c j i i w y s ta w y

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1a, Warszawa

w y s ta w a o b i e k t ó w

12 – 22 października 2020

grafika artystyczna

H en ry k H ay d en

Ilustracja do programu koncertu Ravel-Satie, 1916

SZ TU K A DAW N A

A u k c j a 2 7 pa ź d z i e r n i k a 2 0 2 0 , 1 9 : 0 0

m i e j s c e a u k c j i i w y s ta w y

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1a, Warszawa

w y s ta w a o b i e k t ó w

17 – 27 października 2020

grafika artystyczna

V i c t o r Va s a r e ly

Bez tytułu, 1975

SZ TU K A WSPÓ ŁCZESN A

A u k c j a 2 7 pa ź d z i e r n i k a 2 0 2 0 , 1 9 : 0 0

m i e j s c e a u k c j i i w y s ta w y

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1a, Warszawa

w y s ta w a o b i e k t ó w

17 – 27 października 2020

Udział klienta w aukcji regulują WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ, WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI oraz niniejszy PRZEWODNIK DLA KLIENTA. Zachęcamy do zapoznania się z trzyczęściowym regulaminem, który ma na celu przedstawienie stosunku prawnego pomiędzy Domem Aukcyjnym DESA Unicum a kupującym w ramach aukcji. DESA Unicum pełni funkcję pośrednika handlowego pomiędzy komitentami wstawiającymi obiekty na aukcję a kupującymi. Warunki mogą być przez DESA Unicum odwołane lub zmienione poprzez aneksy dostępne w sali aukcyjnej lub poprzez obwieszczenie aukcjonera.

PRZEWODNIK DLA KLIENTA I. PRZED AUKCJĄ 1. Cena wywoławcza Cena wywoławcza jest kwotą, od której aukcjoner rozpoczyna licytację. Zwyczajowo cena wywoławcza zawarta jest między połową a trzy czwarte dolnej granicy estymacji. Cena wywoławcza może być podana w katalogu. 2. Opłata aukcyjna Do kwoty wylicytowanej doliczamy opłatę aukcyjną. Opłata aukcyjna stanowi dodatkowe wynagrodzenie DESA Unicum z tytułu obsługi transakcji sprzedaży i wynosi 18% końcowej ceny obiektu (kwoty wylicytowanej). Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej, w przypadku kiedy obiekt nie został sprzedany w ramach aukcji. Kwota wylicytowana wraz z opłatą aukcyjną zawiera podatek od towarów i usług VAT. Na zakupione obiekty wystawiamy faktury VAT marża. Wystawiamy je na wyraźne życzenie klienta. Jeżeli w dniu ewidencjonowania sprzedaży na kasie rejestrującej ( w dniu wystawienia paragonu fiskalnego), klient nie jest pewny, czy chce otrzymać fakturę VAT marża, powinien on podać kasjerowi numer, za pomocą którego jest zidentyfikowany na potrzeby podatku lub podatku od wartości dodanej (NIP), w celu umieszczenia tego numeru na paragonie fiskalnym. DESA Unicum nie może wystawić faktury do paragonu, który nie będzie zawierać numeru NIP nabywcy, pomimo zgłoszenia takiego żądania przez klienta w ustawowym terminie. Jeżeli kwota należności ogółem nie przekracza kwoty 450 zł albo kwoty 100 euro, jeżeli kwota ta określona jest w euro, paragon fiskalny zawierający NIP stanowi fakturę uproszczoną, co do której nie zachodzi konieczność wystawienia dodatkowej faktury VAT marża. 3. Estymacja Podana w katalogu estymacja jest szacunkową wartością obiektu i ma charakter wskazówki dla zainteresowanego nim klienta. W celu uzyskania dodatkowych informacji odnośnie estymacji rekomendujemy kontakt z naszymi doradcami. Licytacja zakończona w przedziale estymacji lub powyżej górnej granicy estymacji jest transakcją ostateczną. Estymacje nie uwzględniają opłaty aukcyjnej ani żadnych opłat dodatkowych. 4. Estymacje w walutach innych niż polski złoty Transakcje aukcyjne zawierane są w polskich złotych, jednakże estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być podawane w euro lub dolarach amerykańskich. Kurs walut w dniu aukcji może się różnić od tego w dniu druku katalogu, informacja ta ma więc charakter orientacyjny. 5. Cena gwarancyjna Jest to najniższa kwota, za którą możemy sprzedać obiekt bez dodatkowej zgody sprzedającego. Jest równa bądź niższa niż dolna granica estymacji. Poszczególne obiekty mogą, jednak nie muszą, posiadać ceny gwarancyjnej. Jeżeli w drodze licytacji cena gwarancyjna nie zostanie osiągnięta, zakończenie licytacji skutkuje odczytaniem przez aukcjonera słowa "pass". Oznacza to, że transakcja nie została zawarta. Fakt ten zostaje ogłoszony bez uderzenia młotkiem. Opcjonalnie, jeżeli transakcja nie osiągnie ceny gwarancyjnej, aukcjoner może ogłosić zawarcie transakcji warunkowej. Fakt ten zostaje ogłoszony po uderzeniu młotkiem. 6. Pass "Pass" zostaje odczytany przez aukcjonera w momencie, kiedy licytacja danego obiektu nie osiągnęła poziomu ceny gwarancyjnej i nie dochodzi do zwarcia transakcji w ramach aukcji. Klienci zainteresowani takim obiektem mogą zgłaszać oferty zakupu po zakończeniu aukcji. Dom Aukcyjny zastrzega sobie prawo przyjęcia więcej niż jednej oferty poaukcyjnej, Klient, który złożył ofertę w wysokości ceny gwarancyjnej, ma pierwszeństwo zakupu. Dom Aukcyjny zastrzega sobie również prawo do nieoferowania obiektów w sprzedaży poaukcyjnej. 7. Transakcja warunkowa Możliwość zawierania transakcji warunkowych w ramach aukcji musi być ogłoszona przez aukcjonera przed rozpoczęciem aukcji. Tego typu transakcja zostaje zawarta w momencie, kiedy licytacja nie osiągnęła poziomu ceny gwarancyjnej i aukcjoner ogłosił taki fakt po uderzeniu młotkiem. Transakcja warunkowa traktowana jest jako wiążąca oferta nabycia obiektu po cenie wylicytowanej. Zobowiązujemy się do negocjacji ceny z komitentem, jednak nie gwarantujemy możliwości zakupu po cenie wylicytowanej. Jeżeli w toku negocjacji klient zdecyduje się podnieść ofertę do poziomu ceny gwarancyjnej lub zaakceptujemy wylicytowaną kwotę, umowa sprzedaży dochodzi do skutku. Jeżeli negocjacje nie przyniosą pozytywnego efektu w okresie pięciu dni roboczych liczonych od dnia aukcji, obiekt uznajemy za niesprzedany. W okresie tym zastrzegamy sobie prawo do przyjmowania po aukcji ofert równych cenie gwarancyjnej na obiekty wylicytowane warunkowo. W przypadku otrzymania takiej oferty od innego oferenta informujemy o tym fakcie klienta, który wylicytował obiekt warunkowo. W takim przypadku klient ma prawo do podniesienia swojej oferty do ceny gwarancyjnej i wtedy przysługuje mu prawo pierwszeństwa nabycia obiektu. W przeciwnym wypadku transakcja warunkowa nie dochodzi do skutku, a obiekt może zostać sprzedany innemu oferentowi. 8. Obiekty katalogowe Zapewniamy fachową wycenę oraz rzetelny opis katalogowy powierzonego nam do sprzedaży obiektu. Wykonywane są one w najlepszej wierze z wykorzystaniem doświadczenia i fachowej wiedzy naszych pracowników oraz współpracujących z nami ekspertów. Mimo uwagi poświęcanej każdemu z obiektów w pro-

cesie opracowywania, dokumentacji pochodzenia, historii wystaw i bibliografii przedstawione informacje mogą nie być wyczerpujące, a w niektórych przypadkach pewne fakty odnoszące się do kolejnych właścicieli, ekspozycji oraz publikacji, w ramach których obiekt był prezentowany, mogą być celowo nieujawnione. 9. Stan obiektu Opisy katalogowe nie prezentują pełnego stanu zachowania obiektów. Brak takiej informacji nie jest równoznaczny z tym, że obiekt jest wolny od wad i uszkodzeń. Wskazane jest zatem, aby zainteresowani zakupem konkretnego obiektu dokonali jego dokładnych oględzin na wystawie przedaukcyjnej oraz przeprowadzili konsultacje z profesjonalnym konserwatorem, którego na wyraźną prośbę możemy rekomendować. Na specjalne życzenie klienta możemy dostarczyć szczegółowy raport stanu zachowania obiektu. Przygotowując taki raport, nasi pracownicy oceniają stan obiektu, biorąc pod uwagę jego szacunkową wartość oraz charakter aukcji, w ramach której jest on wystawiony na sprzedaż. Mimo że oceny przedmiotów pod tym względem prowadzone są rzetelnie, należy pamiętać, że nasi pracownicy nie są zawodowymi konserwatorami. Jeśli obiekt sprzedawany jest w ramie, nie ponosimy odpowiedzialności za jej stan. W przypadku obiektów nieoprawionych chętnie polecimy profesjonalną pracownię opraw. 10. Wystawa obiektów aukcyjnych Wystawy przedaukcyjne są bezpłatnie dostępne dla oglądających. W trakcie ich trwania zachęcamy do kontaktu z naszymi ekspertami, którzy chętnie odpowiedzą na wszystkie pytania i przekażą szczegółowe informacje o poszczególnych obiektach. 11. Legenda Poniższa legenda wyjaśnia symbole, które mogą Państwo znaleźć w niniejszym katalogu: - obiekty bez ceny gwarancyjnej - obiekty, do których doliczamy opłatę wynikającą z tzw. droit de suite, tj. prawa twórcy i jego spadkobierców do otrzymywania wynagrodzenia z tytułu dokonanych zawodowo odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy dzieł. Powyższa opłata jest obliczana według poniższych stawek: 1) 5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale do równowartości 50 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 2 000 euro opłata 100 euro) oraz 2) 3% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 50 000,01 euro do równowartości 200 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 80 000 euro opłata 3 400 euro) oraz 3) 1% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 200 000,01 euro do równowartości 350 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 300 tys. euro opłata 8 000 euro) oraz 4) 0,5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 350 000,01 euro do równowartości 500 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 400 tys. euro, opłata 8 750 euro) oraz 5) 0,25% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale przekraczającym równowartość 500 000 euro – jednak w kwocie nie wyższej niż równowartość 12 500 euro. W Polsce droit de suite reguluje art. 19-19(5) ustawy o prawach autorskich i pokrewnych z dnia 4 lutego 1994 r. z późniejszymi zmianami, zgodnie z obowiązującą w Unii Europejskiej dyrektywą 2001/84/WE Parlamentu Europejskiego i Rady z dnia 27 września 2001 r. w sprawie prawa autora do wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnego egzemplarza dzieła sztuki. Opłata obliczana będzie z użyciem kursu dziennego NBP z dnia poprzedzającego aukcję. Opłata obliczana będzie, gdy równowartość kwoty wylicytowanej przekroczy 100 EUR. Ω - obiekty sprowadzane z państw spoza Unii Europejskiej, do których ceny doliczamy podatek graniczny w wysokości 8% kwoty wylicytowanej - przedmioty wytworzone w całości lub zawierające elementy wytworzone z roślin lub zwierząt określanych jako chronione lub zagrożone ◊ - obiekty z pozwoleniem na wywóz 12. Prenumerata katalogów W sprawie prenumeraty katalogów prosimy o kontakt pod numerem telefonu: 22 163 66 00 lub drogą mailową na adres: prenumerata@desa.pl. Katalogi dostępne są również na naszej stronie internetowej www.desa.pl. Zachęcamy do pobierania darmowych katalogów w formacie PDF. II. AUKCJA Udział w licytacji można wziąć osobiście, po uprzednim złożeniu zlecenia licytacji telefonicznej lub zlecenia licytacji z limitem, a także za pośrednictwem Aplikacji Online (strona internetowa https://bid.desa.pl/ oraz bezpłatna aplikacja mobilna DESA Unicum służące do udziału w licytacji przez Internet). 1. Przebieg aukcji Aukcję prowadzi aukcjoner, który wyczytuje obiekty i kolejne postąpienia, wskazuje licytujących, ogłasza zakończenie licytacji oraz wskazuje zwycięzcę. Zakończenie licytacji obiektu następuje w momencie uderzenia młotkiem przez aukcjonera. Jest to równoznaczne z zawarciem umowy sprzedaży między domem aukcyjnym a licytującym, który zaoferował najwyższą kwotę. W razie zaistnienia sporu w trakcie licytacji aukcjoner rozstrzyga spór albo ponownie przeprowadza licytację danego obiektu. Zastrzegamy sobie prawo do utrwalania przebiegu aukcji za pomocą urządzeń rejestrujących obraz i dźwięk. Zastrzegamy sobie prawo do licytowania jedynie wcześniej zgłoszonych przez uczestników aukcji obiektów. W takiej sytuacji numery obiektów są przed aukcją zgłaszane obsłudze domu aukcyjnego. Aukcjoner ma prawo do

dowolnego rozdzielania lub łączenia obiektów oraz do ich wycofania z licytacji bez podania przyczyn. Opisy zawarte w katalogu aukcji mogą być uzupełnione lub zmienione przez aukcjonera lub osobę przez niego wskazaną przed rozpoczęciem licytacji. Aukcja jest prowadzona w języku polskim, jednak na specjalne życzenie uczestnika aukcji niektóre spośród licytacji mogą być równolegle prowadzone w językach angielskim i niemieckim. Prośby takie powinny być składane najpóźniej godzinę przed aukcją wraz z informacją, których obiektów dotyczą. Licytacja odbywa się w tempie 60-100 obiektów na godzinę. 2. Licytacja osobista W celu licytacji osobistej należy wypełnić formularz udziału w aukcji i odebrać tabliczkę z numerem. Nowi klienci powinni zarejestrować się przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji, by dać nam czas na przetworzenie danych. W celu ich weryfikacji możemy poprosić o dokument potwierdzający tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy). Dane osobowe klientów są informacjami poufnymi i pozostają do wyłącznej wiadomości DESA Unicum i spółek powiązanych, które mogą przetwarzać dane osobowe uczestników aukcji w zakresie niezbędnym do realizacji zleceń licytacji. Klientom, którzy posiadają nieuregulowane należności z tytułu zakupów na wcześniejszych aukcjach, możemy odmówić udziału w kolejnej. Prosimy o pilnowanie lizaka aukcyjnego. W przypadku jego zgubienia prosimy o natychmiastowe poinformowanie o tym naszej obsługi. Po zakończeniu aukcji należy zwrócić tabliczkę z numerem w punkcie rejestracji, a w przypadku zakupu należy odebrać potwierdzenie zawartych transakcji. 3. Licytacja telefoniczna Jeżeli nie mogą Państwo uczestniczyć w aukcji osobiście, istnieje możliwość licytacji przez telefon za pośrednictwem jednego z naszych pracowników. Klienci zainteresowani taką usługą powinni przesłać wypełniony formularz zlecenia najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Nie ponosimy odpowiedzialności za realizację zleceń dostarczonych później. Formularz zlecenia dostępny jest na ostatnich stronach katalogu, w siedzibie naszego domu aukcyjnego oraz na naszej stronie internetowej. Formularz należy przesłać faksem, pocztą, mailem lub dostarczyć osobiście. Wraz z formularzem prosimy o przesłanie fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych. Nasz pracownik połączy się z klientem przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w licytacji telefonicznej w przypadku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym przez klienta numerem telefonu. Dlatego rekomendujemy wskazanie maksymalnej kwoty (bez opłaty aukcyjnej), do której będziemy mogli licytować w Państwa imieniu. Zastrzegamy prawo do nagrywania i archiwizowania rozmów telefonicznych, o których mowa powyżej. Opisana usługa jest darmowa i poufna. 4. Licytacja w imieniu klienta Drugą opcją dla klientów, którzy nie mogą osobiście uczestniczyć w aukcji, jest złożenie zlecenia licytacji z limitem. Klienci zainteresowani taką usługą również powinni przesłać wypełniony formularz najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Obowiązuje ten sam formularz co w przypadku licytacji telefonicznej. Zawarte w formularzu kwoty nie powinny uwzględniać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień przedstawioną w dalszej części przewodnika. Jeżeli podana kwota nie jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień zostanie ona obniżona. Nasi pracownicy dołożą wszelkich starań, aby klient zakupił wybrany obiekt w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeżeli limit jest niższy niż cen gwarancyjna w wypadku niesprzedania obiektu w czasie aukcji, limit rozpatrywany jest jako oferta poaukcyjna. Opcjonalnie może dojść do zawarcia transakcji warunkowej. W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Opisana usługa jest darmowa i poufna. 5. We wszystkich aukcjach DESA Unicum można brać udział za pośrednictwem Aplikacji Online. Aby wziąć udział w aukcji należy założyć darmowe konto w Aplikacji Online, a następnie zarejestrować się do konkretnej aukcji – z uwagi na proces weryfikacji i dopuszczenia do aukcji prosimy o rejestrowanie się na aukcję nie później niż 12 godzin przed rozpoczęciem licytacji. Na każdą aukcję należy rejestrować się oddzielnie. Klient otrzymuje mailem informację o dopuszczeniu do aukcji. Klienci zarejestrowani później mogą zostać niedopuszczeni do licytacji. Po pierwszym pozytywnym procesie weryfikacji, klient może zostać dodany do listy klientów weryfikowanych automatycznie, co oznacza, że przy rejestracji na kolejną aukcję, informację o dopuszczeniu do aukcji klient otrzyma automatycznie od razu, bezpośrednio po zarejestrowaniu się. Uczestniczyć w aukcji można zarówno składając oferty na obiekty z aukcji przed rozpoczęciem licytacji (działa to wtedy tak jak zlecenie stałe) jak i składając oferty (kolejne przebicia) w tracie trwania aukcji na żywo, obserwując relację online w serwisie. DESA Unicum zastrzega sobie prawo do ustawiania klientom licytującym przez Internet limitów transakcyjnych. Opisana usługa jest darmowa i poufna. Ponadto, istnieje możliwość oglądania relacji audio-video z Sali Aukcyjnej. 6. Tabela postąpień

cena

postąpienie

0 – 2 000

100

2 000 – 3 000

200

3 000 – 5 000

200/500/800 (np. 3 200, 3 500, 3 800)

5 000 – 10 000

500

10 000 – 20 000

1 000

20 000 – 30 000

2 000

30 000 – 50 000

2 000/5 000/8 000 (np. 32 000, 35 000, 38 000)

50 000 – 100 000

5 000

100 000 – 300 000

10 000

300 000 – 700 000

20 000

700 000 - 1 500 000

50 000

1 500 000 - 3 000 000

100 000

3 000 000 - 8 000 000

200 000

powyżej 8 000 000

wg uznania aukcjonera

III. PO AUKCJI 1. Płatność Kupujący zobowiązany jest do zapłaty należności za wylicytowane obiekty w terminie 10 dni od dnia aukcji. Przekroczenie wyznaczonego terminu grozi naliczeniem odsetek ustawowych za okres opóźnienia w zapłacie. Akceptujemy płatność w gotówce do równowartości 10.000 EUR obliczonej według średniego kursu waluty ogłoszonego przez NBP, obowiązującego w dniu dokonania płatności, kartami płatniczymi (MasterCard, VISA) oraz przelewem bankowym na konto: mBank S.A. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002, Swift: BREXPLPWWA3. W tytule prosimy wpisać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu. 2. Płatność w walutach innych niż polski złoty Wszystkie transakcje zawierane są w polskich złotych. Na specjalne życzenie po wcześniejszym uzgodnieniu dopuszczamy wpłaty w euro, dolarach amerykańskich lub funtach brytyjskich. Wartość transakcji opłacanej w innej walucie niż polski złoty będzie powiększona o opłatę manipulacyjną w wysokości 1%. Przeliczenia dokonujemy po dziennym kursie kupna waluty mBank S.A. 3. Odstąpienie od umowy W razie opóźnienia nabywcy w zapłacie możemy odstąpić od umowy z nabywcą po bezskutecznym upływie terminu dodatkowego wyznaczonego na zapłatę. W przypadku skorzystania przez DESA Unicum z prawa odstąpienia, DESA Unicum może dochodzić od nabywcy odszkodowania tytułem utraconych korzyści, które obejmują m. in. szkodę spowodowaną brakiem uzyskania opłaty aukcyjnej. 4. Reklamacje Wszelkie możliwe reklamacje rozpatrywane są zgodnie z przepisami prawa polskiego. Reklamację z tytułu niezgodności towaru z umową można zgłosić w ciągu jednego roku od wydania obiektu. Wobec osób niebędących bezpośrednimi nabywcami na aukcji nie ponosimy odpowiedzialności za ukryte wady fizyczne oraz wady prawne zakupionych obiektów. 5. Odbiór zakupionego obiektu Przy odbiorze zakupionych obiektów wymagamy okazania dokumentu potwierdzającego tożsamość. Obiekty mogą zostać wydane nabywcy lub osobie posiadającej pisemne upoważnienie. Może to nastąpić tylko w momencie pełnej płatności i uregulowania wszystkich zobowiązań wynikających z wcześniejszych zakupów. Zakupione obiekty na aukcji powinny być odebrane w ciągu 30 dni od aukcji. W przeciwnym razie mogą one zostać odesłane do magazynu zewnętrznego, a klient obciążony kosztami transportu oraz magazynowania. Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Tym samym ponosimy odpowiedzialność za utratę lub uszkodzenie obiektu jedynie przez okres 30 dni od aukcji. 6. Transport i przesyłka Zapewniamy podstawowe opakowanie zakupionych obiektów umożliwiające odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki. 7. Pozwolenie na eksport Przed wzięciem udziału w aukcji potencjalnym licytującym radzimy, aby zorientowali się czy w razie potrzeby wywozu obiektu poza granice Polski nie są wymagane dodatkowe pozwolenia. Przypominamy, że reguluje to ustawa z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. nr 162 poz. 1568, z późn. zm.), zgodnie z którą wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz; w szczególności dotyczy to obrazów starszych niż 50 lat o wartości powyżej 40 000 złotych. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt. Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się sprawami formalnymi związanymi z eksportem dzieł sztuki. 8. Zagrożone gatunki Przedmioty zrobione z materiału roślinnego lub zwierzęcego albo zawierające je, tj. m.in. koralowiec, skóra krokodyla, kość słoniowa, kość wieloryba, róg nosorożca, skorupa żółwia, niezależnie od wieku, procentu zawartości, mogą wymagać dodatkowych pozwoleń lub certyfikatów przed wywozem. Prosimy pamiętać, że uzyskanie dokumentów umożliwiających eksport nie jest równoznaczne z możliwością importu do innego państwa. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt. Obiekty tego typu zostały oznaczone dla Państwa wygody symbolem „ ” opisanym w legendzie. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za błędy lub uchybieniaw oznaczeniu przedmiotów zawierających elementy wytworzone z chronionych lub regulowanych prawem gatunków roślin i zwierząt. 9. Wykonując obowiązek informacyjny, określony w ustawie z dnia 30 maja 2014 r. o prawach konsumenta (t.j. Dz. U. z 2019 r. poz. 134 z późn. zm.), niniejszym uprzejmie informujemy, że na podstawie art. 38 pkt 11 ww. ustawy, klientom nie przysługuje prawo do odstąpienia od umowy.

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI przedstawione poniżej określają prawa i obowiązki licytujących i kupujących z jednej strony oraz Domu Aukcyjnego DESA Unicum i komitentów z drugiej. Wszyscy potencjalni kupujący na aukcji powinni dokładnie przeczytać WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI zanim przystąpią do licytacji.

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ 1. WPROWADZENIE Każdy obiekt zaprezentowany w katalogu aukcyjnym przeznaczony jest do sprzedaży na warunkach określonych: a) w WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKACH POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, b) w innych informacjach podanych w pozostałych częściach katalogu aukcyjnego, w szczególności w PRZEWODNIKU DLA KLIENTA, c) w dodatkach do katalogu aukcyjnego lub innych materiałach udostępnionych przez DESA Unicum na sali aukcyjnej. W każdym przypadku zmiana warunków może nastąpić poprzez stosowny aneks bądź ogłoszenie podane do wiadomości przez aukcjonera przed rozpoczęciem aukcji. Poprzez licytację na aukcji, niezależnie czy osobistą, czy za pośrednictwem przedstawiciela, czy też na podstawie złożonego zlecenia licytacji telefonicznej lub z limitem, licytujący i kupujący wyrażają zgodę na brzmienie niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ ze zmianami i uzupełnieniami oraz WARUNKÓW POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI. 2. DESA UNICUM JAKO POŚREDNIK HANDLOWY DESA Unicum występuje jako zastępca pośredni działający w imieniu własnym, lecz na rachunek komitenta uprawnionego do rozporządzenia obiektem, chyba że inaczej zastrzeżono w katalogu, jego zmianach lub w ogłoszeniach podanych do wiadomości przed aukcją. 3. LICYTOWANIE NA AUKCJI 1) DESA Unicum może według swojego uznania odmówić dopuszczenia niektórych osób do udziału w aukcji lub sprzedaży poaukcyjnej. Wszyscy licytujący muszą zarejestrować się przed aukcją, dostarczyć wymagane informacje przewidziane w formularzu rejestracji, okazać dokument potwierdzający tożsamość oraz odebrać tabliczkę z numerem licytacyjnym. 2) Dla wygody licytujących, którzy nie mogą uczestniczyć w aukcji osobiście, DESA Unicum może zrealizować pisemne zlecenie licytacji. W takim przypadku nieobecni licytujący powinni wypełnić formularz „zlecenie licytacji”, który można znaleźć w katalogu, na stronie internetowej DESA Unicum lub otrzymać w siedzibie DESA Unicum. Kwoty wskazane przez licytującego w zleceniu licytacji nie powinny zawierać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień. Jeżeli podana kwota nie jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień, zostanie ona obniżona. Aukcjoner nie akceptuje zlecenia licytacji, w którym nie ma wskazanej maksymalnej kwoty, do której DESA Unicum może zrealizować zlecenie. DESA Unicum dołoży starań, aby klient zakupił wybrany obiekt w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeśli limit podany przez licytującego jest niższy niż cena gwarancyjna, a stanowi jednocześnie najwyższą ofertę, wówczas dochodzi do transakcji warunkowej. W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Wszystkie zlecenia licytacji wraz z fotokopią dokumentu tożsamości umożliwiającym weryfikację danych osobowych powinny być przesłane (pocztą, faksem bądź e-mailem) albo dostarczone osobiście do siedziby DESA Unicum przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Dostarczone później zlecenia mogą nie być zrealizowane. 3) Od osób zainteresowanych licytacją przez telefon wymaga się zgłoszenia chęci licytacji telefonicznej poprzez wypełnienie formularza „zlecenie licytacji”, dostępnego w katalogu, na stronie internetowej DESA Unicum lub w siedzibie DESA Unicum. Wszystkie zlecenia licytacji powinny być przesłane (pocztą, faksem, e-mailem) lub dostarczone osobiście do siedziby Desa Unicum przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Wymaga się również przesłania fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych osobowych. Dostarczone później zlecenia mogą nie być zrealizowane. Licytacja telefoniczna może być nagrywana, złożenie zlecenia jest równoznaczne z wyrażeniem zgody na nagrywanie rozmowy telefonicznej. Na wypadek trudności z połączeniem telefonicznym licytujący może określić na zleceniu limit, do którego pracownik domu aukcyjnego będzie licytować pomimo braku połączenia. Jeśli żaden limit nie jest określony na zleceniu, pracownik domu aukcyjnego uznaje w takim wypadku, że klient oferuje przynajmniej cenę wywoławczą. 4) Podczas licytacji, zarówno osobistej, telefonicznej, za pośrednictwem pracownika DESA Unicum oraz za pośrednictwem Aplikacji Online, licytujący bierze osobistą odpowiedzialność za zapłatę za wylicytowane obiekty, co opisane jest dokładniej w paragrafie 3 punkcie 5 poniżej, chyba że przed rozpoczęciem aukcji zostało wyraźnie uzgodnione na piśmie z DESA Unicum, że oferent jest pełnomocnikiem zidentyfikowanej osoby trzeciej akceptowalnej przez DESA Unicum. 5) Usługa licytacji na podstawie zlecenia licytacji nie podlega żadnej opłacie. DESA Unicum zobowiązuje się dochować należytej staranności w realizacji zleceń, jednak

nie ponosi odpowiedzialności za niezrealizowanie takich ofert, chyba że wina za brak realizacji zlecenia leży wyłącznie po stronie DESA Unicum. 4. PRZEBIEG AUKCJI 1) O ile nie zastrzeżono inaczej poprzez symbol, każdy obiekt oferowany jest z zastrzeżeniem ceny gwarancyjnej, która jest poufną minimalną ceną sprzedaży uzgodnioną między DESA Unicum i komitentem. Cena gwarancyjna nie może przekroczyć dolnej granicy estymacji. 2) Aukcjoner może w każdym momencie aukcji wycofać którykolwiek obiekt, ponownie zaoferować przedmiot do sprzedaży (również bezpośrednio po uderzeniu młotkiem) w razie zaistnienia błędu bądź sporu co do wyniku licytacji. W powyższym przypadku aukcjoner może podjąć wszelkie działania, które uzna za stosowne i racjonalne. Jeżeli jakikolwiek spór co do wyniku licytacji powstanie po aukcji, wynik sprzedaży w ramach aukcji uznaje się za ostateczny. 3) Aukcjoner rozpoczyna licytację i decyduje o wysokości kolejnych postąpień. W celu osiągnięcia ceny gwarancyjnej obiektu aukcjoner i pracownicy DESA Unicum mogą składać w toku licytacji oferty w imieniu komitenta bez wskazania, że czynią to w imieniu komitenta, bądź to przez składanie następujących po sobie ofert licytacyjnych, bądź też oferty w odpowiedzi na oferty składane przez innych oferentów. Jeżeli nie ma żadnych ofert na dany obiekt lub oferty są zbyt niskie, aukcjoner może uznać przedmiot za niesprzedany, co sygnalizuje terminem "pass". 4) Ceny na aukcji podawane są w polskich złotych i w tej walucie powinna być dokonana płatność. W odpowiedzi na potrzeby klientów zagranicznych estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być podawane także w euro, funtach brytyjskich i dolarach amerykańskich, odzwierciedlając w przybliżeniu cenę przy obecnym kursie waluty. Stosownie do tego estymacje podawane w euro, funtach brytyjskich i dolarach amerykańskich mają charakter wyłącznie orientacyjny. 5) Licytujący, który zaoferował najwyższą kwotę zaakceptowaną przez aukcjonera, jest zwycięzcą licytacji. Uderzenie młotkiem przez aukcjonera oznacza akceptację najwyższej oferty i zawarcie umowy sprzedaży między DESA Unicum a kupującym. Ryzyko i odpowiedzialność za obiekt przechodzący na własność kupującego opisane zostały w paragrafie 6 poniżej. 6) Każda poaukcyjna sprzedaż obiektów oferowanych na aukcji podlega również WARUNKOM SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WARUNKOM POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI. 5. CENA NABYCIA I OPŁATA AUKCYJNA 1) Do kwoty wylicytowanej doliczana jest opłata aukcyjna oraz opłaty dodatkowe wynikające z oznaczeń katalogowych obiektu. Opłata aukcyjna stanowi dodatkowe wynagrodzenie DESA Unicum z tytułu obsługi transakcji sprzedaży i wynosi 18% końcowej ceny obiektu (kwoty wylicytowanej). Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej. 2) Do kwoty wylicytowanej mogą zostać doliczone inne podatki i opłaty, jeśli w katalogu zaznaczone to zostało odpowiednimi oznaczeniami (patrz: paragraf 1 punkt 10 „Przewodnika dla klienta”: „Legenda”). 3) Jeśli nie uzgodniono inaczej, kupujący jest zobowiązany uiścić należność w terminie 10 dni od daty aukcji, niezależnie od uzyskania pozwolenia na eksport czy innych pozwoleń. Opłaty mają być uiszczone w polskich złotych gotówką, kartą lub przelewem bankowym: a) DESA Unicum akceptuje płatność kartami płatniczymi MasterCard, VISA b) DESA Unicum akceptuje płatność przelewem bankowym na konto mBank S.A.. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002, Swift: BREXPLPWWA3 W tytule przelewu proszę podać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu. 4) Własność zakupionego obiektu nie przejdzie na kupującego, dopóki DESA Unicum nie otrzyma pełnej ceny nabycia za obiekt opłaty aukcyjnej lub innych opłat, jeżeli odnoszą się do danego obiektu DESA Unicum nie jest zobowiązana do przekazania obiektu kupującemu do chwili przeniesienia własności obiektu na kupującego. Wcześniejsze przekazanie obiektu kupującemu nie jest równoznaczne z przeniesieniem prawa własności obiektu na kupującego ani zwolnieniem z obowiązku zapłaty przez niego ceny nabycia. 6. ODBIÓR ZAKUPU 1) Odbiór wylicytowanych obiektów jest możliwy po dokonaniu wpłaty pełnej ceny nabycia oraz uregulowaniu innych płatności wobec DESA Unicum i spółek powiązanych. Jak tylko nabywca spełni wszystkie wymagania, powinien skontaktować się ze swoim doradcą klienta DESA Unicum lub z Biurem Obsługi Klienta pod numerem tel. 22 163 66 00, aby umówić się na odbiór obiektu. 2) Kupujący powinien odebrać zakupiony obiekt w terminie 30 dni od daty aukcji. Po tym terminie DESA Unicum przesyła wszystkie wylicytowane obiekty do magazynu ze-

wnętrznego, a kupujący obciążony zostanie kosztami transportu oraz magazynowania. Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Zaakceptowanie niniejszego regulaminu równoznaczne jest z zaakceptowaniem regulaminu spółki magazynowej. Po upływie 30 dni od daty aukcji na kupującego przechodzi ryzyko utraty i uszkodzenia nieodebranego obiektu, a także ciężary związane z takim obiektem, w tym koszty jego ubezpieczenia. DESA Unicum odpowiada względem kupującego za szkody z tytułu straty lub uszkodzenia obiektu, jednak jedynie do wysokości ceny nabycia obiektu. 3) Dla wygody kupującego DESA Unicum nieodpłatnie zapewnia podstawowe opakowanie obiektu umożliwiające jego odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie kupującego DESA Unicum może pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki. Każde takie zlecenie odbywa się na odpowiedzialność klienta, DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności za nieprawidłowe wykonanie usług przez przewoźników bądź inne osoby trzecie. Jeżeli klient sam wybierze firmę transportową, jej przedstawiciel powinien skontaktować się z DESA Unicum telefonicznie przynajmniej 24 godziny przed planowanym odbiorem obiektu pod numerem telefonu: 22 163 66 20. 4) DESA Unicum będzie wymagała okazania dowodu osobistego przed przekazaniem obiektu nabywcy bądź jego przedstawicielowi, który dodatkowo powinien posiadać pisemne upoważnienie od nabywcy. 7. BRAK PŁATNOŚCI Bez uszczerbku dla innych praw sprzedający, w przypadku gdy nabywca nie uiści pełnej ceny nabycia za obiekt, opłaty aukcyjnej lub innych opłat, jeżeli odnoszą się do danego obiektu, w terminie 10 dni od daty aukcji, DESA Unicum może zastosować jeden lub kilka z poniższych środków prawnych: a) przechować obiekt w siedzibie DESA Unicum lub w innym miejscu na ryzyko i koszt klienta; b) odstąpić od sprzedaży obiektu, zatrzymując dotychczasowe opłaty na poczet pokrycia szkód; c) odrzucić zlecenie nabywcy w przyszłości lub zrealizować takie zlecenie pod warunkiem uiszczenia kaucji; d) naliczać ustawowe odsetki za opóźnienie od dnia wymagalności płatności do dnia zapłaty pełnej ceny nabycia, opłaty aukcyjnej lub innych opłat, jeżeli odnoszą się do danego obiektu; e) wszcząć postępowanie sądowe przeciwko kupującemu w celu odzyskania zaległości; f) potrącić należności nabywcy względem Desa Unicum z wierzytelności wobec tego nabywcy wynikających z innych transakcji; g podjąć wszelkie inne działania odpowiednie do zaistniałych okoliczności. 8. DANE OSOBOWE KLIENTA W związku ze świadczonymi usługami oraz wymogami prawnymi związanymi z przeprowadzeniem aukcji DESA Unicum może wymagać od klientów podania danych osobowych lub w niektórych przypadkach (np. w celu sprawdzenia wypłacalności, poświadczenia tożsamości klienta lub w celu uniknięcia fałszerstwa) pozyskać dane o kliencie od osób trzecich. DESA Unicum może również wykorzystać dane osobowe dostarczone przez klienta w celach marketingowych, dostarczając materiały o produktach, usługach bądź wydarzeniach organizowanych przez DESA Unicum oraz spółki powiązane. Zgadzając się na WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i podając dane osobowe, klienci zgadzają się, że DESA Unicum i spółki powiązane mogą wykorzystać te dane do ww. celów. Jeśli klient chciałby uzyskać więcej informacji o polityce prywatności, skorygować swoje dane lub zrezygnować z dalszej korespondencji marketingowej, prosimy o kontakt pod numerem 22 163 67 00.

9. OGRANICZENIE ODPOWIEDZIALNOŚCI 1) DESA Unicum wyłącza wszelkie gwarancje inne niż WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI w najszerszym zakresie dopuszczonym prawem. 2) Całkowita odpowiedzialność DESA Unicum będzie ograniczona wyłącznie do ceny nabycia zapłaconej przez kupującego. 3) DESA Unicum nie jest odpowiedzialna za pomyłki słowne czy na piśmie w informacjach podanych klientom oraz nie ponosi odpowiedzialności wobec żadnego licytującego za błędy w trakcie prowadzonej aukcji lub popełnione w innym zakresie związanym ze sprzedażą obiektu. 4) DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności wobec kupującego za szkody przewyższające cenę nabycia, niezależnie czy taka szkoda jest charakteryzowana jako bezpośrednia, pośrednia, szczególna, przypadkowa czy następcza. DESA Unicum nie jest zobowiązana do zapłaty odsetek od ceny zakupu. 5) Żaden przepis w niniejszych WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie wyklucza lub nie ogranicza odpowiedzialności DESA Unicum wobec kupującego, wynikającej z jakiegokolwiek oszustwa bądź świadomego wprowadzenia w błąd, lub z winy umyślnej. 10. PRAWA AUTORSKIE 1) Sprzedający nie przekazują wraz z obiektem prawa autorskiego ani prawa do reprodukowania obiektu. 2) Prawa autorskie do wszystkich zdjęć, ilustracji i tekstów związanych z obiektem sporządzonych przez lub dla DESA Unicum, włączając zawartość tego katalogu, stanowią własność DESA Unicum. Nie mogą być one wykorzystane przez kupującego ani inne osoby bez uprzedniej zgody pisemnej DESA Unicum. 11. POSTANOWIENIA OGÓLNE 1) Niniejsze WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ wraz późniejszymi zmianami i uzupełnieniami, o których mowa w paragrafie 1 powyżej, oraz WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI wyczerpują całość praw i obowiązków pomiędzy stronami w odniesieniu do sprzedaży obiektu. 2) Wszelkie zawiadomienia powinny być kierowane na piśmie na adres DESA Unicum. Powiadomienia kierowane do klientów będą przesyłane na adres podany w ostatnim piśmie do DESA Unicum. 3) Jeśli jakiekolwiek z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ okazałoby się nieważne, bezskuteczne lub niemożliwe do zastosowania, pozostałe postanowienia będą nadal obowiązywać. Brak działania lub opóźnienie w wykonywaniu praw wynikających z WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie oznacza zrzeczenia się praw lub zwolnienia z obowiązków ani nie uchyla obowiązywalności całości bądź części z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ. 12. PRAWO OBOWIĄZUJĄCE Prawa i obowiązki stron wynikające z niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WARUNKÓW POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, przebieg aukcji i jakiekolwiek sprawy związane z powyższymi postanowieniami podlegają prawu polskiemu. DESA Unicum w szczególności zwraca uwagę na przepisy: 1) ustawy z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. Nr 162 poz. 1568, z późn. zm.) – wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz, 2) ustawy z dnia 21 listopada 1996 r. o muzeach (Dz. U. z 1997 r. Nr 5, poz. 24, z późn. zm.) – muzea rejestrowane mają prawo pierwokupu zabytków bezpośrednio na aukcji za kwotę wylicytowaną powiększoną o opłatę aukcyjną.

WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI Przez autentyczność obiektu rozumiemy właściwe podanie autorstwa obiektu i prawidłowe jego datowanie. DESA Unicum udziela gwarancji autentyczności obiektów zaprezentowanych w tym katalogu na okres 5 lat od daty sprzedaży przez DESA Unicum z poniższymi zastrzeżeniami: 1) DESA Unicum udziela gwarancji autentyczności obiektu jedynie bezpośredniemu nabywcy obiektu (konsumentowi). Powyższa gwarancja nie obejmuje: a) kolejnych właścicieli obiektu, włączając w to osoby, które nabyły od bezpośredniego nabywcy obiekt odpłatnie, w drodze darowizny lub dziedziczenia; b) obiektu, co do którego trwa spór o autorstwo; c) obiektu, którego autorstwo jest jedynie domniemane, co w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest następującymi zapisami: brak dat życia po imieniu i nazwisku artysty, nazwisko artysty poprzedzone jedynie inicjałem imienia, znak zapytania w nawiasie lub bez nawiasu („?” lub „(?)”) po nazwisku artysty, przed lub po imieniu i nazwisku artysty określenia: „przypisywany/e/a”, „Attributed” lub skrót „Attrib.”; d) obiektu powstałego w bliżej lub szerzej rozumianym kręgu oddziaływania stylu danego artysty, co w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest użyciem przed lub po imieniu i nazwisku artysty jednego z następujących określeń: „krąg”, „szkoła” bądź „naśladowca”;

e) obiektu, którego określenie autorstwa było zgodne z ogólnie przyjętą opinią specjalistów, uczonych i innych ekspertów; f) obiektu, w przypadku którego podana w katalogu roczna data powstania różni się od faktycznej o mniej niż 15 lat; g) obiektu, w przypadku którego w datowaniu pojawiło się prawidłowe określenie stulecia, natomiast nieprawidłowe określenie części tego stulecia (połowy lub ćwierci); h) obiektów z XX w., XIX w. i starszych, w przypadku których faktycznie stwierdzone datowanie różni się w stosunku do podanego w katalogu „na korzyść” obiektu, tj. obiekt okazał się starszy, niż było to podane w opisie; i) obiektu, którego opis i datowanie zostały uznane za niedokładne przy użyciu metod naukowych lub testów, które nie były ogólnie przyjęte w czasie wydawania tego katalogu bądź w tamtym czasie były uznawane za nadmiernie kosztowne lub niewykonalne, albo według wszelkiego prawdopodobieństwa mogłyby spowodować uszkodzenia lub utratę wartości obiektu. DESA Unicum zastrzega iż opis uzupełniający (pochodzenie, historia wystaw, literatura) został wykonany w dobrej wierze i błędy w tym zakresie nie mogą być podstawą do reklamacji. DESA Unicum zastrzega, sobie również 5% jako granicę błędu w przypadku podawania poszczególnych wymiarów obiektu.

Z L EC E N I E L I CY TAC J I Sztuka Współczesna. Nowe pokolenie po 1989 • 790ANS024 • 29 września 2020 Zlecenie licytacji z limitem lub licytacja telefoniczna to proste sposoby wzięcia udziału w aukcji, które nie skutkują żadnymi dodatkowymi kosztami dla Nabywcy. Zlecenie licytacji z limitem

Zlecenie telefoniczne

Zlecenie musi być dostarczone (osobiście, pocztą, faksem lub e-mailem) do siedziby domu aukcyjnego nie później niż 24 godziny przed rozpoczęciem licytacji, w przypadku późniejszego dostarczenia nie gwarantujemy realizacji zlecenia, jednak dołożymy wszelkich starań, aby było to możliwe. Prosimy czytelnie wypełnić formularz, by uniknąć ewentualnych pomyłek.

Imię i nazwisko

Adres: ulica nr domu nr mieszkania

Miasto Kod pocztowy

Nie

Zlecenie telefoniczne W przypadku zlecenia licytacji telefonicznej prosimy o podanie numeru telefonu aktualnego w czasie aukcji. Pracownicy domu aukcyjnego połączą się z Państwem chwilę przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Przebieg rozmowy – licytacji telefonicznej może być rejestrowany przez Desa Unicum. Dom aukcyjny nie ponosi odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w wyniku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym numerem. W przypadku problemów z uzyskaniem połączenia zgadzam się na licytację w moim imieniu za kwotę równą cenie wywoławczej:

Tak

Adres e-mail

Nie

Numer telefonu do licytacji Ja niżej podpisany/-a oświadczam, że:

Telefon / faks Przed przyjęciem zlecenia licytacji pracownik domu aukcyjnego ma prawo prosić o podanie pełnych danych osobowych oraz o okazanie lub skopiowanie dokumentu potwierdzającego tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy; w przypadku zleceń przesyłanych e-mailem, pocztą lub faksem konieczne jest dołączenie kserokopii lub skanu takiego dokumentu). Dane są udostępniane dobrowolnie, jednak ich podanie jest warunkiem koniecznym do wzięcia udziału w licytacji.

Nr kat.

Maksymalna oferowana kwota (bez opłaty aukcyjnej) lub licytacja telefoniczna

Autor, tytuł

Należność za zakupiony obiekt Wpłacę na konto bankowe mBank S.A.. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002, Wpłacę w kasie firmy (pn.-pt. w godz. 11–19) Proszę o wystawienie faktury VAT bez podpisu odbiorcy

Skąd dowiedzieli się Państwo o DESA Unicum? z prasy

Zlecenie licytacji z limitem Podanie przez Klienta limitu licytacji jest informacją ściśle poufną. Dom aukcyjny będzie reprezentował w licytacji Nabywcę do podanej kwoty, gwarantując jednocześnie nabycie obiektu za najniższą możliwą kwotę. Dom aukcyjny nie przyjmuje zleceń bez górnego limitu. W przypadku zaistnienia kilku zleceń w tej samej wysokości dom aukcyjny będzie reprezentował Klienta, którego zlecenie zostało złożone najwcześniej. Zgadzam się na jedno postąpienie w górę w przypadku wystąpienia innego zlecenia o tej samej wysokości: Tak

Dowód osobisty (seria i numer) PESEL/NIP (dla firm)

tel. 22 163 67 00, faks 22 163 67 99 e-mail: zlecenia@desa.pl

z mailingu z reklamy internetowej z reklamy zewnętrznej

od rodziny/znajomych z imiennego zaproszenia

z radia

inną drogą

Desa Unicum SA, ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, faks 22 163 67 99, e-mail: biuro@desa.pl, www.desa.pl NIP: 5272644731 REGON: 142733824 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st. Warszawy XII Wydział Gospodarczy KRS0000718495.

Wyrażam zgodę na przetwarzanie moich danych osobowych w celach marketingowych oraz w celu składania ofert, a w szczególności w celu przesyłania na wskazane przeze mnie adresy korespondencyjne materiałów promocyjnych, informacji handlowych o obiektach i usługach świadczonych przez Desa Unicum. Wyrażam zgodę na używanie telekomunikacyjnych urządzeń końcowych w celu prowadzenia marketingu bezpośredniego przez Desa Unicum. Wyrażam zgodę na otrzymywanie od Desa Unicum informacji handlowej drogą elektroniczną. Wyrażam zgodę na przetwarzanie moich danych osobowych w celach marketingu produktów lub usług podmiotów powiązanych kapitałowo z Desa Unicum. Wyrażam zgodę na otrzymywanie od podmiotów powiązanych kapitałowo z Desa Unicum informacji handlowej drogą elektroniczną. Wyrażając zgodę na powyższe, oświadczam, że: • Zgadzam się na przetwarzanie moich danych osobowych przez spółkę Desa Unicum S.A. z siedzibą w Warszawie, ul. Piękna 1A w celach powyżej przeze mnie określonych. • Podanie danych jest dobrowolne. Podstawą przetwarzania danych jest moja zgoda. Odbiorcami danych mogą być Podmioty powiązane kapitałowo z Desa Unicum oraz Podmioty świadczące usługi na rzecz Desa Unicum. Mam prawo wycofania zgody w dowolnym momencie. Dane osobowe będą przetwarzane do odwołania zgody lub przez maksymalny okres 10 lat od dnia zakończenia wykonania umowy lub przez okres określony przez przepisy prawa, które nakładają na Desa Unicum obowiązek przetwarzania moich danych. • Mam prawo żądania od administratora dostępu do moich danych osobowych, ich sprostowania, usunięcia lub ograniczenia przetwarzania, a także prawo wniesienia skargi do organu nadzorczego. • Administratorem danych jest spółka Desa Unicum S.A. z siedzibą w Warszawie, z którą w sprawach dotyczących przetwarzania danych osobowych mogę się skontaktować, dzwoniąc pod numer telefonu +48 22 163 66 00 lub poprzez korespondencję elektroniczną na adres biuro@desa.pl. • Bardziej szczegółowe informacje dotyczące przetwarzania moich danych mogę uzyskać na stronie internetowej www.desa.pl. • Zapoznałem/-am się i akceptuję WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ I WARUNKI AUTENTYCZNOŚCI domu aukcyjnego DESA Unicum opublikowane w katalogu aukcyjnym. • Zobowiązuję się do zrealizowania zawartych transakcji zgodnie z niniejszymi WARUNKAMI, w tym do zapłacenia wylicytowanej kwoty powiększonej o opłatę aukcyjną oraz innych opłat, zgodnie z oznaczeniami w katalogu, w szczególności w przypadkach przewidzianych przepisami ustawy o prawie autorskim i prawach pokrewnych, wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy utworu (tzw. droit de suite) w terminie 10 dni od daty aukcji. • Wszelkie dane zawarte w niniejszym formularzu są prawdziwe i zgodne z moją najlepszą wiedzą. W przypadku zatajenia lub podania nieprawdziwych danych DESA Unicum nie ponosi odpowiedzialności.

Data i podpis klienta składającego zlecenie

c e n a 3 9 z ł ( z 8 % vat )

u l . p i ę k n a 1 a 0 0 - 4 7 7 W a r s z a w a t e l . : 2 2 1 6 3 6 6 0 0 e - m a i l : b i u r o @ d e s a . p l D ESA . PL

Sztuka Współczesna. Nowe Pokolenie Po 1989, 29 września 2020