LA REVISTA DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y DECORACIÓN DE COSAS
ESPECIAL CASACOR 2026
BAJO EL CONCEPTO “MENTE Y CORAZÓN”, CASACOR
INAUGURA UNA NUEVA ETAPA EN EL JOCKEY CLUB DEL PERÚ CON UNA EDICIÓN CONSTRUIDA DESDE CERO QUE REÚNE ARQUITECTURA, INTERIORISMO, ARTE Y PAISAJISMO EN UN RECORRIDO INMERSIVO SOBRE NUEVAS FORMAS DE HABITAR. EN LA FOTO, “CASA UNACEM”.
CASAS / 1 de junio de 2026 / N.º 349
La Casa de Osambela vuelve a revelar su historia | Guía de arte: una selección especial para coleccionar | Cómo cuidar nuestras orquídeas,por Isabel Maguiña | El regreso del laqueado: brillo y profundidad en los interiores | Heinz Mack: crear a los 95 | Los favoritos de Olinda Silvano
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MIS FAVORITOS
La amazonía desde los ojos de Olinda Silvano.
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NOTICIAS
Desde el Congreso Mundial de Arquitectos 2026 en Barcelona hasta la exposición futurista de Liam Young en Londres
NACIONAL
El arquitecto peruano Fausto Castañeda ganó el EuroShop Retail Design Award 2026 en la categoría Hospitality.
INTERNACIONAL
La casa más emblemática de Smiljan Radic vuelve al centro de la conversación tras el Pritzker 2026.
12 ›
OPINIÓN
El baño, el último bastión de desconexión física, según Sebastián Cillóniz.
52 › 15
ARTE
A sus 95 años, conoce la filosofía artística y vida de Heinz Mack en su hacienda taller en Ibiza.
18 › EVENTO
Un especial con lo mejor del interiorismo y la decoración en CASACOR 2026.
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PATRIMONIO GUÍA DE ARTE
En la intervención de la Casa de Osambela, el color se utiliza como una herramienta para recuperar la “memoria material”.
58 VIAJES
Nuevos hoteles boutique en Porto, Escocia y Beverly Hills.
Una selección de pinturas, esculturas y obras de artistas nacionales e internacionales.
TENDENCIAS
El acabado de alto brillo vuelve a ser protagonista.
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INTERIORISMO
El diseñador y paisajista Bill Bensley transformó un terreno en Tailandia en un jardín tropical con inspiración mexicana.
Olinda Silvano Kené y resistencia
PARA LA ARTISTA Y ACTIVISTA SHIPIBO-KONIBO, CREAR ES PRESERVAR MEMORIA, IDENTIDAD Y TERRITORIO. DESDE EL ARTE TEXTIL, LA PINTURA Y EL KENÉ –LENGUAJE VISUAL ANCESTRAL DE LA AMAZONÍA–, DESARROLLA UNA OBRA QUE REIVINDICA LOS SABERES INDÍGENAS Y LA FUERZA DE LA TRADICIÓN ORAL. ACTUALMENTE PRESENTA SU PRIMERA MUESTRA INDIVIDUAL EN EL MALI, MARCANDO UN MOMENTO CLAVE EN SU TRAYECTORIA Y EN LA VISIBILIZACIÓN DEL ARTE AMAZÓNICO CONTEMPORÁNEO.
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la abuela me regaló los colores del kené”.
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6. Un momento del día: muy temprano, cuando todos duermen y yo puedo trabajar.
1. Una artista: Graciela Arias.
7. Una actividad: viajar.
Un árbol: el aguaje.
Un edificio: el Humboldt Forum.
Un patrón: el kené.
10. Una época del año: la vaciante.
9. Un recorrido: el río Ucayali.
CALMA Y CONFORT FRENTE AL MAR
Las líneas limpias, las texturas orgánicas y la vegetación integrada definen la fachada de “Almarea”, el proyecto de FW Arquitectos inspirado en la calma de los balnearios tradicionales. La propuesta busca conectar arquitectura y paisaje en un refugio contemporáneo frente al mar.
“Almarea” reinterpreta la casa de playa contemporánea como un refugio donde la arquitectura, la luz y el paisaje invitan a bajar el ritmo y reconectar con el bienestar.
Inspirado en balnearios tradicionales como Ancón y Santa María, “Almarea”, de FW Arquitectos, propone una experiencia donde interior y exterior se integran de manera natural. La instalación nace de una reflexión sobre la velocidad de la vida contemporánea y la necesidad de crear espacios que inviten a detenerse. “Queríamos transmitir calma, libertad y una sensación de refugio”, explica Karen Lazarte, socia y cofundadora. La propuesta combina líneas modernas con formas curvas inspiradas en el movimiento del
mar y la erosión natural de la costa. Vidrio, revestimientos pétreos, texturas minerales y vegetación –con paisajismo a cargo de Marcia Lenz– construyen una atmósfera cálida y luminosa donde cada decisión responde tanto a criterios funcionales como emocionales. Más allá de seguir tendencias, el proyecto apuesta por una arquitectura honesta y conectada con el entorno. Uno de los mayores desafíos fue desarrollar el concepto articulando diseño, paisajismo, materialidad y construcción bajo una misma visión.
La colaboración con distintas marcas y especialistas, además del trabajo de Carlos Mateo como colaborador en la ejecución de obra, permitió consolidar una propuesta que pone en valor la relación entre arquitectura y calidad de vida. “Creemos en una arquitectura donde cada decisión tiene una razón de ser”, señala Lazarte. El resultado es un espacio contemporáneo que busca generar una experiencia sensorial y recordar cómo el diseño puede influir en nuestras emociones, hábitos y manera de habitar. •
Fotos: Marcel Suurmond
La propuesta erige una elipse modular de madera, vegetación tropical adaptada al clima limeño, cielos de fibras naturales, concreto pigmentado y conchuela peruana.
SENDERO PARA LOS SENTIDOS
Natura presenta en CASACOR 2026 una experiencia inmersiva que combina arquitectura, aromas y sostenibilidad en un recorrido inspirado en la biodiversidad amazónica.
Entre aromas, texturas y materiales naturales, Natura propone una pausa para conectar con los sentidos. Su instalación en CASACOR 2026, llamada “Sendero Sensorial”, ha sido diseñada por el arquitecto Mateo Peschiera, de Vicca Verde, como un espacio envolvente que invita a recorrer, observar y habitar el entorno desde una experiencia íntima y emocional. La propuesta reúne algunas de las líneas más representativas de la marca, como Aura Alba, Essencial, Homem e Ilía en perfumería Prestige; Bothanica para el bienestar del hogar; y los clásicos productos corporales de Ekos.
La arquitectura toma forma a partir de una estructura elíptica construida con maderas sostenibles y conchuela, bajo principios de economía circular. Cada elemento del espacio ha sido pensado para reutilizarse una vez terminada la muestra, desde el mobiliario hasta los componentes arquitectónicos.
La experiencia se desarrolla como un itinerario olfativo inspirado en la Amazonía, donde los aromas, la iluminación tenue, las sombras y los sonidos sutiles acompañan el recorrido. Así, “Sendero Sensorial” transforma la visita en una experiencia pausada y contemplativa, donde el diseño y la naturaleza dialogan de manera fluida. •
La Casa de UNACEM fue concebida por Katty Rondón, arquitecta de UNACEM, y José Orrego, arquitecto de Metrópolis.
MATERIA PERMANENTE
Casa UNACEM convierte al concreto en el eje de una propuesta arquitectónica que explora nuevas formas de habitar desde la eficiencia, el diseño y la conexión con el entorno.
En CASACOR 2026, Casa UNACEM propone una mirada contemporánea sobre la vivienda a partir de un material tradicionalmente asociado a lo industrial. Desarrollado por UNACEM, junto al estudio Metrópolis, liderado por el arquitecto José Orrego Herrera, el proyecto toma como punto de partida el concepto de “Eternidad Consciente” para construir un espacio pensado desde la permanencia, la funcionalidad y el vínculo con el paisaje.
La propuesta despliega una estética brutalista contemporánea, marcada por volúmenes sólidos, aperturas precisas y una relación equilibrada entre luz, vegetación y materialidad. El concreto se convierte en protagonista de una atmósfera cálida y sofisticada al dialogar con elementos como madera, piedra, vidrio y acero, generando contrastes que aportan profundidad y textura al recorrido. Con 190 m2 construidos dentro de un terreno de 400 m2, Casa UNACEM también explora las posibilidades de la prefabricación aplicada a la arquitectura y el paisajismo, mostrando una vivienda que combina eficiencia constructiva con una experiencia espacial abierta, flexible y conectada con su entorno. •
El concreto como motor de desarrollo: un material versátil que habilita soluciones rápidas, seguras y sostenibles
Grupo UNACEM presenta en CASACOR 2026 una vivienda prefabricada que reivindica el concreto como material del futuro.
UNACEM, empresa líder en la producción de cemento y concreto en el país, presenta en CASACOR 2026 una vivienda prefabricada pensada en agilizar las construcciones de manera sostenible.
Bajo el concepto de ‘Eternidad Consciente’, Casa UNACEM se proyecta como uno de los espacios más representativos de CASACOR.
Con 400 m 2 de área asignada y 190 m 2 construidos, la vivienda invita a los visitantes a experimentar de primera mano el potencial del concreto, con cierta reminiscencia al brutalismo.
Pero, ¿qué es una casa prefabricada en términos de diseño? “Cuando uno habla de prefabricación, lo que está haciendo es industrializar el proceso. Es decir, la vivienda se desarrolla a través de módulos de ciertas dimensiones específicas por proyecto, y estos módulos llegan a la obra solo a ensamblarse”, refiere Fabián Agudelo, gerente de Industrialización & Especialización Técnica de UNACEM.
“Lo que buscamos es que las obras pasen de puntos de trabajo específico a una zona de ensamblaje. Eso agiliza el proceso, lo hace más limpio. Una construcción como la Casa UNACEM se puede montar en menos de cinco días”, añade Fabián Agudelo.
Los elementos prefabricados de la Casa UNACEM son sus muros verticales, sus losas horizontales, previgas, adoquines del piso e incluso las bancas, macetas y la zona de baño.
EL ROL DEL CONCRETO
Casa UNACEM también busca que el concreto sea visto en su expresión natural, sin ningún acabado ni retoque ni tarrajeo. “El concreto es un elemento totalmente funcional para su acabado final, y apenas combinarlo con una iluminación correcta produce un ambiente acogedor”, sostiene Fabián. Y agrega: “Con Casa UNACEM queremos demostrar que el concreto prefabricado no solo puede transformar la manera en que construimos, sino también ampliar la forma en que imaginamos la vivienda del futuro. Esta propuesta reúne diseño, eficiencia, innovación y propósito, y refleja nuestra visión de impulsar soluciones constructivas capaces de responder a los grandes desafíos del país”.
La Casa UNACEM tiene un sistema que puede adaptarse a diversas configuraciones habitacionales y ofrecer viviendas seguras, eficaces y replicables.
Asimismo, Casa UNACEM pone sobre la mesa un tema clave para el país: el potencial del concreto prefabricado para contribuir al cierre de la brecha habitacional en el país. “La brecha es gigante –advierte Fabián Agudelo–. Se requiere de un millón y medio de viviendas u hogares y solo se construyen 50 mil casas. Si no cambias los procesos o buscas métodos más rápidos, la situación no va a variar. La industrialización es un granito de arena para crear viviendas de manera más rápida, con procesos limpios y sostenibles”.
El desarrollo de la vivienda es resultado del trabajo conjunto entre UNACEM y el estudio Metrópolis, liderado por el arquitecto José Orrego Herrera. A ello se suma la participación del equipo de industrialización de UNACEM y Entrepisos Lima, empresa especializada en sistemas estructurales de concreto industrializado. Esta articulación entre arquitectura, ingeniería e innovación refleja la evolución estratégica del grupo hacia un modelo de soluciones constructivas integrales. •
Nicole Prutsky y cómo diseñar espacios que trasciendan
Desde Atemporal Deco & Home, la diseñadora impulsa una consultoría que apuesta por interiores pensados para durar y cuyos elementos dialogan con la honestidad, porque, como afirma, “lo honesto es el verdadero lujo”.
“Las formas de vivir y habitar van cambiando con el tiempo. En el diseño lo importante es estudiar las nuevas formas de vida y las tendencias, y entender qué se toma de cada una de ellas para que el diseño se vuelva atemporal”, es la visión de la diseñadora Nicole Prutsky. “La cultura no solo está en el arte, sino en la decoración y en las piezas que uno coloca”.
Esa premisa es la que está detrás de la Consultoría Atemporal, el servicio liderado por Nicole desde Atemporal Deco & Home, su tienda de diseño y referente mobiliario. La consultoría va dirigida a quienes ven el diseño interior como una inversión de largo plazo: familias que están renovando su hogar, personas que se mudan, clientes que desean elevar un espacio específico o simplemente quienes sienten que su casa ya no representa su presente. Nicole y equipo conversan con los clientes, planifican, guían en
el proceso y acompañan en la implementación de cada proyecto.
“El servicio es afín con una nueva generación de clientes sofisticados: personas que han aprendido a distinguir entre el lujo visible y el lujo vivido”, agrega Nicole. “En Atemporal hablamos del ‘buen vivir’, que es básicamente que cada quien debe vivir de la manera que se sienta cómodo”, añade.
“Cuando uno se hace una casa o remodela su espacio, no sabe muy bien qué dirección tomar: tiene un montón de ideas y referencias. Es estresante para el cliente. Nuestra labor es que bajen ese estrés y disfruten el proceso”, asegura y agrega que ofrece a sus clientes un concepto de lujo más personal y honesto: si te sientes cómodo con algo, eso hará que el espacio transmita confianza. “Y aplicamos eso con el ejemplo: buscamos ser transparentes
Nicole y el equipo de Consultoría Atemporal proponen ambientes que acompañen conversaciones largas y un merecido descanso.
Butacas de cuero Professor, de Timothy Oulton.
“El Arte de Habitar”: maderas recuperadas y alabastro. Los espejos Inception, de Timothy Oulton, simulan ser portales suspendidos.
El sofá Alison, de Eichholtz, define el salón principal con una silueta asimétrica. Complementan la escena las mesas Florence de travertino.
y con argumentos reales; cuando la gente entiende eso, confía en nosotros. Ser honesto es el verdadero lujo”, refiere.
EN CASACOR
La filosofía de tomar referencias de diferentes épocas también puede sentirse en “El Arte de Habitar”, el espacio presentado por Nicole en CASACOR Perú 2026. En la propuesta vemos piedras naturales como el travertino, “que viene del imperio romano”, anota Nicole. Los muebles tienen un carácter clásico, pero con curvas modernas. Vemos también el retorno de la tendencia de baño de gloss sobre ciertas superficies; Nicole lo aplica sutilmente sobre las columnas de madera enchapada. Las piezas seleccionadas desde Atemporal –de Timothy Oulton y Eichholtz–destacan no por imponerse, sino por dialogar con el entorno desde una opulencia discreta, una materialidad honesta y una presencia escultórica silenciosa.
“No es fácil encontrar marcas hoy en día. Nuestras marcas son premium. Timothy Oulton es más clásica, tiene toda esta herencia británica reinterpretada a lo glam”, dice. Por su parte, Eichholtz plasma una reinterpretación sutilmente moderna de tipologías clásicas en sus piezas.
Nicole Prutsky, diseñadora, fundadora y gerenta general de Atemporal, fue formada inicialmente en Física Pura en la Universidad de Tel Aviv y transitó luego hacia el diseño de interiores, una disciplina donde encontró otra forma de comprender el mundo, esta vez a través de la materialidad, la emoción y el comportamiento humano.
En un mercado donde abundan decisiones rápidas y soluciones efímeras, la Consultoría Atemporal es una invitación a detenerse antes de comprar y preguntarse cómo queremos vivir y qué espacios podrían elevar nuestra percepción de la vida cotidiana. •
Nicole Prutsky selecciona piezas de Timothy Oulton y Eichholtz buscando crear composiciones que equilibren diseño, materialidad y personalidad. Una mirada curatorial que define el enfoque de Consultoría Atemporal y su manera de construir espacios con carácter y autenticidad.
Nicole Prutsky y su equipo de Consultoría Atemporal proponen una distribución ideal del espacio, seleccionando materiales y piezas de marcas europeas que revelan una opulencia sutil y una sofisticada funcionalidad.
DIEZ AÑOS DE BUEN VIVIR
Atemporal Deco & Home celebra diez años acercando al Perú una selección de piezas y marcas internacionales donde el diseño, la artesanía y los materiales nobles dialogan con naturalidad.
Desde hace una década, Atemporal Deco & Home ha construido una propuesta centrada en el diseño europeo y en la búsqueda de piezas que combinan historia, materia y oficio. Sofás icónicos como Togo y Kashima de Ligne Roset, junto al reconocido Westminster de Timothy Oulton y las colecciones de Eichholtz, forman parte de un catálogo que apuesta por objetos con identidad propia y una estética pensada para perdurar. Piezas elaboradas con maderas recuperadas, piedras exóticas, metales y vidrios trabajados artesanalmente, donde cada detalle pone en valor la riqueza de los materiales.
Con el tiempo, Atemporal se ha consolidado como un referente local del diseño, arte y savoir-faire, fortaleciendo vínculos con marcas internacionales, interioristas y clientes que buscan espacios con personalidad y sensibilidad estética. Detrás de este recorrido está también la visión de Nicole Prutsky y un equipo enfocado en el acompañamiento cercano, entendiendo cada proyecto como una oportunidad para crear ambientes que transmitan carácter, calidez y autenticidad.•
Las formas sinuosas, la iluminación cálida y la paleta neutra construyen la atmósfera serena de “Pausa Japandi”, el espacio diseñado por Giselle Manrique y Valeria Tello.
UNA PAUSA PARA HABITAR
Madre e hija imaginan un refugio sereno donde el diseño Japandi, los materiales nobles y una atmósfera de calma construyen una experiencia pensada para bajar el ritmo.
“Pausa Japandi”, de Giselle Manrique y Valeria Tello, nace como una invitación a detenerse. Inspirado en la armonía entre el diseño japonés y la calidez escandinava, el espacio propone un living de 132 m2 concebido para desacelerar y reconectar con el bienestar desde una forma más consciente de habitar. “Queríamos transmitir una sensación de pausa: un lugar donde la arquitectura, el diseño interior, la curaduría y el paisajismo convivieran de manera armónica”, comentan las diseñadoras. La propuesta combina piedra, texturas orgánicas, iluminación cálida y
vegetación en una composición que privilegia la calma y el lujo silencioso. Biombos con canales cuadrados, superficies claras y muebles de formas sinuosas terminan de construir una atmósfera acogedora y natural donde cada elemento acompaña sin imponerse. Uno de los protagonistas del proyecto es la barra suspendida de mármol travertino, elaborada pieza por pieza para mantener la apariencia de un solo bloque de piedra. Concebida como un wine bar íntimo, la zona fue pensada para sentarse a leer, relajarse o simplemente disfrutar del
espacio. La experiencia se complementa con una cuidada selección de objetos artesanales traídos de Japón, Marruecos, Bali y Tailandia, además de piezas orgánicas creadas por el artista ayacuchano Johnny Romaní. La terraza, integrada como una extensión natural del interior, refuerza esa conexión con la calma que guía todo el recorrido. “La idea era que, mientras recorres el espacio, vayas bajando las revoluciones y entrando en un estado de calma”, explican. El resultado es un refugio contemporáneo donde el diseño se vive desde lo sensorial y cotidiano. •
La gran mesa escultórica y la cubierta trapezoidal definen el corazón de “Inmanencia”, el espacio creado por Mario Mogollón, de Hiro Arquitectos. Maderas cálidas, iluminación tenue y referencias a la identidad peruana construyen una atmósfera inmersiva pensada para la contemplación y el silencio.
LA NATURALEZA ESCULPIDA DE “LOFT MID-CENTURY”
El arquitecto y paisajista Raúl Arróspide reinterpreta el diseño Mid-Century desde una mirada contemporánea en “Loft Mid-Century”.
El espacio reemplaza el jardín natural por un mural de cedro tallado a mano, diseñado por el propio Arróspide, que se convierte en el alma del proyecto. La pieza dialoga con consolas de travertino gris, una isla de cocina monumental que parece flotar y un techo brutalista de concreto encasetonado. Aunque el mobiliario pertenece a colecciones actuales, cada elemento evoca la sofisticación y las líneas limpias del diseño de mediados del siglo XX. El resultado es un espacio cálido, escultórico y atemporal.•
ARQUITECTURA HACIA ADENTRO
Un recorrido inmersivo donde la arquitectura, la acústica y la materialidad crean un refugio abstracto inspirado en la identidad peruana.
“Inmanencia”, de Hiro Arquitectos, propone una experiencia que busca desconectar al visitante del ruido exterior para sumergirlo en un espacio de contemplación y abstracción. Desde el ingreso, un bosque de eucaliptos en penumbra funciona como filtro sensorial antes de revelar un loft dominado por una gran cubierta trapezoidal diseñada para controlar la acústica del ambiente. “Quería transmitir la sensación de abstracción, que el usuario se cuestione un poco dónde está”, comenta Mario Mogollón. La propuesta combina piedras rosadas y grises, textiles que evocan la alpaca y patrones precolombinos reinterpretados en madera para construir una atmósfera profundamente ligada a la peruanidad. El recorrido culmina con una lámpara escultórica interactiva que proyecta la silueta del visitante, cerrando una experiencia donde arquitectura, sonido, arte y materialidad conviven como un universo propio. •
La imponente isla de cocina parece flotar bajo el techo encasetonado de concreto, creando un diálogo entre la calidez de la madera y la fuerza del brutalismo.
El jardín de madera tallado a mano es una pieza orgánica cuya calidez complementa el brutalismo propuesto en el techo.
El alma de la mitad de siglo según Arróspide
Raúl Arróspide presenta en CASACOR “Loft MidCentury”, un proyecto que refleja la entrega de su estudio por el diseño de esa época, pero actualizado al 2026.
Por Christian Reto
Fotos:
Víctor Ruiz
El público pretende etiquetarlo en un solo oficio: si es arquitecto, si es interiorista o si es paisajista. Él no se hace problemas. “Cuando me dicen escoge, yo decido integrar”, argumenta para defender sus más de quince años de trabajo interdisciplinario, enfocado en el desarrollo de proyectos que trabajan de la mano con la arquitectura, el interiorismo y el paisajismo. “Mi verbo es diseñar. Mi sustantivo cambia: a veces es plantas; otras, espacios y, a veces, muebles. Estoy casado con esa idea”, manifiesta. Es ar quitecto colegiado. En 2018 se especializó en Paisajismo y en Stage Design, ampliando su enfoque hacia experiencias espaciales, sostenibles y escenográficas. “Mi
Raúl presentó en CASACOR un loft que reinterpreta el diseño de mediados del siglo XX desde una mirada contemporánea.
formación incluye estudios en Historia del Arte y Curaduría, lo que me permite abordar cada proyecto desde una mirada conceptual y estratégica”, añade.
En C ASACOR, en muchas ocasiones ha participado como paisajista. Ahora lo hace como arquitecto interiorista con una propuesta llamada “Loft Mid-Century”. “Dicha década es un momento donde se consolida el diseño, la manufactura propia de la Bauhaus. Es una época donde el diseñador eleva su expertise y el consumidor le pone mucho valor al objeto diseñado”, asegura Raúl Arróspide sobre su propuesta, que tiene como pieza central un jardín tallado de madera que él mismo diseñó y que fue elaborado por un ebanista.
Su estudio es socio del MALI (Museo de Arte de Lima), lo que implica que mantiene una alianza estratégica o convenio corporativo con el museo. “Lo artístico es muy importante en mi vida”, postula. La selección de arte que ha puesto en “Loft Mid-Century” es parte de la narrativa que tiene el proyecto. Asegura que él pondera los materiales con los que trabaja; es decir, equilibra o hace que coexistan los materiales fríos y los cálidos: que el espejo, el acero y el mármol convivan en armonía con la madera o la fibra. •
LUJO ENTRE DUNAS
Inspirado en la estética del desierto y las raíces árabes de su autora, Hotel Zahara, en colaboración con Natuzzi Editions, proponen en CASACOR una experiencia hotelera donde el diseño, la calma y la sofisticación conviven de manera natural.
Con una propuesta de 410 m2, Hotel Zahara transforma el imaginario del desierto en un espacio envolvente y sereno. Diseñado por la arquitecta Eliana Basma para CASACOR, el proyecto toma referencias de la arquitectura y la atmósfera árabes para construir una experiencia marcada por formas orgánicas, tonos tierra y vegetación desértica. El resultado es un refugio contemporáneo donde cada ambiente transmite calma, amplitud y una sensación de lujo discreto.
La propuesta incorpora piezas de Natuzzi Editions en la suite presidencial y la sala de descanso, integrando diseño italiano y materiales nobles dentro de la narrativa espacial. Sofás y sillones en cuero genuino, como Venecia y Levante, además de la cama New York, aportan confort y una estética atemporal que dialoga con la materialidad cálida del proyecto. Entre curvas suaves, iluminación tenue y texturas naturales, Hotel Zahara construye una experiencia sensorial pensada para habitar el descanso desde la contemplación y el bienestar. •
La amplitud del espacio, las texturas cálidas y la presencia de distintas plantas definen “Galería Habitada”, el loft creado por VE Arquitectura.
La arquitecta Eliana Basma asegura que ZAHARA - A Design Hotel es una experiencia hotelera contemporánea, sofisticada y con identidad.
UN ESPACIO QUE INVITA A LA DESCONEXIÓN
Una propuesta cálida y habitable donde el arte, las texturas y la calma construyen un espacio pensado para disfrutar la vida sin apuro.
“Galería Habitada”, de VE Arquitectura, nace como un loft concebido para desconectar del ritmo cotidiano y reconectar con el bienestar. Pensado para una pareja amante del arte, el jazz y los pequeños rituales de todos los días, el proyecto apuesta por una atmósfera cálida y cercana donde diseño y funcionalidad conviven en equilibrio. “Queríamos crear un espacio real, donde los visitantes pudieran entrar e imaginarse viviendo ahí”, explican Luciana Escobar y María Fernanda Valdettaro. La amplitud de los techos, junto con una cuidada selección de materiales, colores y texturas, construye un ambiente sereno y acogedor pensado para relajarse, compartir y disfrutar cada momento. El mayor reto fue desarrollar el espacio completamente desde cero y en tiempo récord, cuidando cada detalle para transmitir esa sensación de calma y autenticidad que define la propuesta. El resultado es un refugio contemporáneo que invita a vivir con pausa y sensibilidad.•
GLAMOUR EN CADA DETALLE
Un espacio elegante y envolvente donde la madera, la piedra y un diseño fluido construyen una experiencia pensada para quedarse.
“Trascender”, de Yesenia Schulz, propone un espacio contemporáneo donde la elegancia y la calidez conviven en equilibrio. Concebido como un hall de ingreso integrado a un baño de visitas, el proyecto busca generar impacto desde el primer momento a través de una atmósfera sofisticada y envolvente. “Quería crear un ambiente elegante y con mucho glam”, comenta la diseñadora. La propuesta trabaja principalmente con madera y piedra, materiales que aportan textura, profundidad y una sensación atemporal al espacio. Uno de los mayores retos fue desarrollar la estructura desde cero evitando columnas centrales, para permitir que el diseño del cielo raso se convirtiera en uno de los protagonistas del proyecto. El resultado es un ambiente amplio y fluido que invita a permanecer, donde cada detalle fue pensado para transmitir paz, confort y una experiencia sensorial ligada al bienestar. •
La combinación de madera, piedra y una iluminación cuidadosamente integrada define la atmósfera sofisticada de “Trascender”.
La terraza con cocina integrada y el dormitorio principal se abren hacia el exterior mediante grandes mamparas que integran el paisaje. El uso de maderas claras, tonos tierra y una densa vegetación interior refuerza esa atmósfera de calma y armonía con el entorno.
ENTRE ÁRBOLES Y TIERRA
Una casa de campo contemporánea donde materiales nobles, arquitectura abierta y naturaleza conviven en perfecta armonía.
“Casa Sierra Morena”, de la interiorista Carolina Roque, propone una casa de campo donde la arquitectura y el diseño interior dialogan de manera constante con el paisaje natural. Rodeada de árboles centenarios, la propuesta se concibe con una arquitectura abierta y grandes mamparas hacia el exterior, generando una conexión fluida con el entorno. La atmósfera cálida se construye a partir de materiales nobles como madera, arcilla y piedra, además de colores tierra, texturas naturales e iluminación indirecta que acompañan cada ambiente. La construcción prefabricada –desarrollada con estructura metálica y paneles SIP– permitió optimizar tiempos y costos sin dejar de lado el diseño arquitectónico ni el cuidado en los acabados. El resultado es un refugio contemporáneo donde la naturaleza entra de manera sutil al interior y cada espacio transmite calma, armonía y sensación de permanencia. •
Las líneas curvas, la circulación abierta y los acentos de color transforman “Manto Bazar Ann Sullivan” en una experiencia pensada para recorrer y descubrir.
RECORRIDOS COMPARTIDOS
“Manto Bazar Ann Sullivan” transforma la experiencia de compra en un espacio abierto donde el recorrido, la pausa y el encuentro construyen nuevas formas de habitar.
Lejos de funcionar como una tienda convencional, “Manto Bazar Ann Sullivan”, de Cotacero Studio, se plantea como una plaza interior donde el visitante descubre el espacio a través del recorrido. La propuesta nace luego de un trabajo cercano con el Centro Ann Sullivan, entendiendo sus dinámicas, relaciones y procesos antes de diseñar el proyecto. “El proyecto dejó de pensarse como un objeto cerrado y empezó a entenderse como una condición espacial abierta, en constante transformación”, explica Hideki Shimizu, cofundador del
estudio. La arquitectura se organiza a partir de un sistema continuo de cobertura, estructura y mobiliario que permite múltiples formas de uso y apropiación. Acero expuesto, lona tensada, sistemas secos y materiales honestos construyen una espacialidad clara y flexible que evita los excesos decorativos para priorizar la experiencia. Uno de los mayores retos fue mantener la coherencia entre la idea conceptual y la construcción del espacio, especialmente en el desarrollo de la cobertura y el sistema estructural. Más allá de lo
técnico, el objetivo era lograr que recorrido, estructura y mobiliario funcionaran como un solo lenguaje. La instalación propone así un ambiente abierto y cambiante que invita a quedarse, descubrir y construir una experiencia propia. “Esperamos que las personas puedan conectar con la esencia del Centro Ann Sullivan y entender el valor de los procesos colectivos y de las distintas formas de habitar el espacio”, señala Shimizu. El resultado es una propuesta donde arquitectura y comunidad conviven desde la flexibilidad y el encuentro. •
EL COLOR COMO PROTAGONISTA
American Colors presenta en CASACOR 2026 una experiencia inmersiva que explora la relación entre espacio, forma y color desde el origen mismo del proceso creativo.
En CASACOR 2026, American Colors reafirma su presencia como pintura oficial de la muestra con una propuesta desarrollada junto a Omar Riva y Daniel Hinojosa, de DOF Arquitectos, que invita a recorrer el camino detrás de cada proyecto arquitectónico. Bajo el concepto “Espacio, Forma y Color x American Colors”, la instalación plantea una experiencia envolvente donde las ideas, los materiales y el color se transforman en ambientes capaces de despertar emociones y estimular los sentidos. A través de un recorrido dinámico y sensorial, la propuesta conecta arquitectura y creatividad en un mismo lenguaje, reforzando el vínculo histórico de la marca con el diseño y la expresión personal dentro del hogar. •
Este es uno de los espacios más lúdicos de CASACOR, pues los visitantes pueden visualizar tonos grises o colores cálidos según su posición, o disfrutar de los bocetos de las distintas áreas en las que participa American Colors.
El ambiente ofrece un recorrido donde el color y la arquitectura son una experiencia sensorial.
Atrévete,
disfruta, decora como
los expertos: American Colors rinde homenaje a los arquitectos en CASACOR 2026
En CASACOR Perú, donde cada ambiente es una historia y cada detalle responde a una intención, American Colors vuelve a consolidar su presencia como pintura oficial del evento, reafirmando su vínculo histórico con la arquitectura y el diseño en el país. Este 2026, la marca propone algo distinto: no solo intervenir el espacio, sino poner en valor el origen mismo de la creación arquitectónica.
Bajo el concepto “Espacio, Forma y Color x American Colors”, la propuesta diseñada por Omar Riva y Daniel Hinojosa, de DOF Arquitectos, se construye como un homenaje al proceso creativo. Un recorrido que invita al visitante a sumergirse en el pensamiento del arquitecto, entendiendo cómo nace una idea y cómo evoluciona hasta convertirse en un espacio tangible, habitable y, sobre todo, emocional.
La experiencia empieza con un gesto simple pero potente: el papel en blanco. Ese punto de partida silencioso donde todo es posible. A partir de ahí aparecen las primeras líneas, luego las formas, los volúmenes y finalmente el color, que no llega como un elemento decorativo, sino como el cierre natural de todo el proceso creativo. Es el momento en el que la arquitectura cobra vida.
Inspirado en referentes como Luis Barragán, John Hejduk y Tadao Ando, el espacio plantea una narrativa donde el color es protagonista. No solo define superficies, sino que construye atmósferas, genera sensaciones y guía el recorrido. La paleta elegida, en diálogo con el Color del Año
2026, Solmira, combina tonos intensos y vibrantes que transmiten energía, profundidad y carácter, evidenciando el poder transformador del color en el diseño contemporáneo.
Más allá de la propuesta conceptual, American Colors refuerza su rol como aliado estratégico para arquitectos y diseñadores. Su portafolio de productos, Mate, Semi Satinado, Satinado y Ultra Lavable, no solo responde a exigencias estéticas, sino también funcionales. La alta lavabilidad, la resistencia a la humedad, el bajo olor y la facilidad de aplicación permiten que cada proyecto mantenga su calidad en el tiempo.
A esto se suma su capacidad de ofrecer una amplia variedad de colores, facilitando la materialización de ideas complejas y propuestas altamente personalizadas. En un contexto donde los espacios buscan ser cada vez más auténticos y sensoriales, el color se posiciona como una herramienta clave para generar identidad y conexión.
Dentro de CASACOR, el visitante deja de ser un simple espectador para convertirse en parte del proceso. Recorre, observa y experimenta cómo
una idea abstracta se transforma en un entorno lleno de intención. Es una invitación a mirar la arquitectura desde su origen, pero también a reconocer el valor de quienes la hacen posible. Con esta participación, American Colors celebra a quienes imaginan, diseñan y transforman los espacios que habitamos. Un homenaje al talento creativo de arquitectos y diseñadores, y al color como herramienta capaz de convertir una idea en una experiencia. •
La propuesta es un trabajo de Daniel Hinojosa y Omar Riva.
COMPARTIR, CREAR Y HABITAR OLENKA MARQUINA
“Start-Up Home”, de la arquitecta Olenka Marquina, propone en CASACOR 2026 una vivienda contemporánea donde el trabajo, el descanso y la vida social conviven en un mismo espacio flexible y funcional.
Diseñado como un departamento de co-living de 200 m2 para dos jóvenes emprendedores, “Start-Up Home” explora nuevas formas de habitar desde una mirada contemporánea y adaptable. La propuesta integra tecnología, bienestar y ambientes fluidos que responden a distintas dinámicas del día, tomando como eje central una gran área social pensada para trabajar, compartir y descansar. Inspirado en las tendencias globales de vivienda híbrida, el proyecto combina materiales cálidos, iluminación envolvente y vegetación para crear una atmósfera cercana y relajada. Destacan también sus dormitorios “día y noche”, iguales en distribución, pero opuestos en colores y sensaciones, mostrando cómo el diseño puede transformar por completo la experiencia de un mismo espacio. •
La arquitecta Olenka Marquina asegura que su propuesta es un departamento que nace de la necesidad de mezclar bienestar, confort y tecnología.
“Start-Up Home”, de Olenka Marquina: un espacio para vivir y compartir
En esta edición de CASACOR
Perú 2026, la arquitecta
Olenka Marquina presenta un proyecto que imagina cómo viven hoy dos jóvenes emprendedores. Tecnología integrada, ambientes fluidos, materiales cálidos y una distribución abierta marcan un recorrido pensado para disfrutar la casa todos los días, sin formalidades y con el bienestar como prioridad.
Por Renzo Espinosa
Fotos: Víctor Ruiz
Desde el ingreso, “Start-Up Home” transmite una sensación clara: todo está pensado para ser vivido. El departamento creado por Olenka Marquina para CASACOR propone una nueva forma de habitar la casa, especialmente para quienes trabajan desde ella, reciben amigos, comparten espacios y buscan comodidad sin dejar de lado el diseño.
Este año, CASACOR planteó un formato distinto. Los interioristas partieron desde cero, con un terreno completamente libre. A Marquina le tocó desarrollar el departamento de dos roommates emprendedores y decidió llevar la idea más allá de lo decorativo. “Quise darle un fondo más empresarial o una versión inmobiliaria, que es lo que está en tendencia ahora con estos departamentos grandes y compartidos”, cuenta.
La propuesta gira alrededor de un gran eje social y de trabajo. La sala funciona como núcleo del proyecto: un espacio abierto donde conviven reuniones virtuales, conversaciones cotidianas y momentos de descanso. “La premisa principal siempre fue tener una sala de trabajo que sea el eje central de donde todo giraba”, explica.
MATERIALES CÁLIDOS
Y ESPACIOS FLEXIBLES
La cocina resume muy bien el espíritu del
proyecto: funcionalidad, diseño y calidez en un mismo ambiente. La madera domina todo el espacio y se combina con superficies oscuras, iluminación tenue y detalles metálicos que le dan un aire contemporáneo sin perder comodidad. La isla central, de formas curvas y acabado brillante, funciona como punto de encuentro para cocinar, trabajar o simplemente conversar. Detrás, el escritorio integrado refuerza esa idea de un hogar híbrido donde la vida personal y laboral conviven de manera natural.
Al recorrer el departamento, esa idea se siente de inmediato. Los tonos tierra, marrones, negros y grises dominan toda la paleta y generan una atmósfera cálida y relajada. Hay madera, texturas naturales y una sensación constante de calma inspirada en el diseño brasileño, una de las principales referencias de la interiorista. “Tiene mucha naturaleza metida, mucha madera y materiales muy acogedores. La vibra del espacio cuando ingresas es muy acogedora”, comenta.
La experiencia cambia a medida que uno avanza. Desde una pantalla touch se controlan las luces, cortinas, aire acondicionado, música y distintos escenarios del día. Todo el departamento está automatizado. Con un solo toque, la iluminación se adapta según el momento: despertar, trabajar, recibir invitados o relajarse al final del día.
La interiorista Olenka Marquina presenta “Start-Up Home”, un departamento pensado para una nueva generación que trabaja, comparte y vive la casa de manera flexible, cómoda y conectada.
El comedor combina materiales cálidos, iluminación tenue y formas orgánicas en un ambiente pensado para compartir largas conversaciones y disfrutar la vida cotidiana sin formalidades.
El comedor mantiene la misma línea acogedora del departamento. Una gran lámpara escultórica cae sobre la mesa redonda de vidrio sostenida por una base orgánica de madera que se convierte en la gran protagonista del ambiente. Las butacas en tonos tierra claros aportan suavidad, mientras que la iluminación cálida y los paneles de madera hacen que el espacio se sienta íntimo y relajado, pensado más para largas conversaciones que para reuniones formales.
“Las casas tienen que ser hogares y están hechas para vivirlas”, dice Olenka. La frase resume bien el espíritu del proyecto. En “Start-Up Home” no hay un comedor reservado solo para ocasiones especiales ni una sala que nadie pueda usar. La idea es exactamente la contraria: integrar bienestar, confort y funcionalidad en espacios cotidianos.
UN RECORRIDO PENSADO PARA COMPARTIR
Uno de los puntos más llamativos del recorrido aparece al llegar a la zona privada. Un gran arco conecta las habitaciones y enmarca una obra de estética futurista con una Madonna robótica del artista Antonio Zegarra. A cada lado se ubican los dormitorios, ambos con mamparas que se abren hacia un patio interior. Este espacio conecta los ambientes y aporta mayor luz y amplitud gracias a un revestimiento en lámina reflejante.
En medio de ambas habitaciones aparece otro de los elementos más comentados del proyecto: el baño compartido. En el exterior, dos
lavaderos de diseño con griferías minimalistas descansan sobre una gran cubierta de piedra sinterizada. Los espejos curvos completan una composición que remite a la estética de hoteles y espacios comerciales contemporáneos. El negro, gris y blanco dominan el ambiente, mientras que la iluminación indirecta resalta las texturas y da profundidad al espacio. Más adentro, el inodoro y la ducha permanecen separados y privados. “Hemos trasladado un poco esa tendencia del retail y comercial a un departamento”, explica la arquitecta.
La terraza, ubicada en otro sector del departamento, funciona como un pequeño refugio verde dentro del recorrido. Las plantas de distintas alturas rodean el ambiente y contrastan con los tonos cálidos de la madera y la iluminación tenue. Dos sillas bajas y una mesa auxiliar crean un rincón pensado para desconectarse, leer o simplemente hacer una pausa en medio del ritmo cotidiano del departamento.
Detrás de cada ambiente hubo también un importante trabajo de coordinación con marcas y proveedores. Para Marquina, uno de los mayores retos fue encontrar equilibrio entre todos los elementos del proyecto. “Todos están aquí para mostrar lo mejor que tienen en sus catálogos, sin abrumar o recargar los ambientes”, señala. El resultado final logra justamente eso: un espacio tecnológico y contemporáneo, pero al mismo tiempo cálido, relajado y cercano. Un departamento que no busca impresionar desde la distancia, sino invitar a quedarse. •
Texturas nobles y tonos tierra envuelven los distintos ambientes de la casa, creando un espacio continuo que invita a la calma. Los detalles en madera, cuero y textiles suaves se complementan con un cuidadoso diseño de iluminación que aporta calidez a cada ambiente.
“Casa de Campo” fue elaborada pensando en la luz desde el primer boceto. Cada área, ya sea la cocina, la sala, el baño, los pasadizos, la terraza o el dormitorio, cuenta con su propia luminaria.
CURADA SELECCIÓN DE TEXTURAS Y COLORES
Una casa de campo concebida desde la calma y la cercanía, donde la luz, los materiales nobles y el entorno natural construyen una atmósfera cálida y familiar.
“Casa de Campo”, bajo el sello de Mónica Prialé Home Design, propone una atmósfera cálida y acogedora inspirada en la vida campestre contemporánea. El proyecto destaca por el uso integral del terrazo, el material más versátil de Casa Rosselló, presente en cada espacio como elemento conductor de la propuesta estética. La sala y la cocina incorporan pisos de baldosas Blanco Jaspe en acabado pulido, creando una base luminosa. Uno de los elementos protagónicos del ambiente es la isla central o mesa principal, fabricada a partir de retazos de baldosas reutilizadas. La ducha introduce baldosas negras con granos dorados, y la terraza, por su parte, adopta una tonalidad natural con baldosas Salmón en acabado pulido, evocando la serenidad de los espacios exteriores rurales. El dormitorio completa la experiencia sensorial con baldosas Habano, cuyos tonos tierra aportan profundidad, calidez y confort a través de una cuidada selección de texturas y colores.
ARQUITECTURA ENTRE JARDINES Y LUZ
La propuesta de la interiorista Mónica Prialé nace a partir de un amplio jardín rodeado por dos grandes casuarinas que terminaron definiendo el carácter del proyecto. Concebida como un refugio familiar, la casa busca acompañar la vida cotidiana desde la honestidad material y una arquitectura que privilegia el confort antes que las tendencias. “El objetivo fue crear un espacio que no responda a una moda, sino que te invite a quedarte por su natural sensación de hogar”, explica la diseñadora. Terrazo, concreto, madera y acabados texturizados aportan calidez a espacios donde la luz se convierte en protagonista, filtrándose a través de celosías y vigas para transformar continuamente la atmósfera interior. El resultado es una casa luminosa y coherente con su entorno, pensada para compartir, construir recuerdos y habitar con calma. •
INMGENIO INMOBILIARIA UN INGRESO CON IDENTIDAD
La fachada y el lobby de ingreso de CASACOR 2026 reinterpretan los tocapus andinos desde una mirada contemporánea, convirtiendo la llegada a la muestra en una experiencia arquitectónica y emocional.
El primer encuentro con CASACOR 2026 comienza desde el ingreso. La fachada principal y el lobby, construidos por Inmgenio, fueron concebidos como un espacio capaz de marcar una transición entre la ciudad y el universo creativo de la muestra.
Más que una entrada funcional, el proyecto plantea un umbral pensado para despertar emociones desde el primer momento. Durante la noche, la iluminación acentúa los contrastes y convierte la fachada en un elemento vivo que cambia según el recorrido y la perspectiva del visitante. El lobby, en tonos cálidos y líneas sobrias, aporta una sensación de pausa y bienvenida que acompaña la experiencia desde el acceso. Para Inmgenio, empresa con catorce años de trayectoria en el rubro inmobiliario y de la construcción, esta participación marca además un hito, al convertirse en la primera inmobiliaria y constructora en formar parte de CASACOR, reafirmando una visión donde la arquitectura no solo se contempla, sino que también se vive. •
“La Plaza”, de César Lee y Marcia Lenz, se erige como el punto de encuentro de todo el recorrido de CASACOR 2026. Su arco está hecho de acero inoxidable gris claro.
La gran lámpara suspendida del lobby y la fachada con motivos andinos, que por la noche cambia de color, destacan entre los elementos más representativos de la propuesta.
SUPERFICIES QUE
MULTITOP presenta en CASACOR 2026 materiales de gran formato y acabados industriales que convierten la arquitectura en una experiencia visual y escultórica.
En esta edición de CASACOR, MULTITOP destaca con una propuesta centrada en materiales exclusivos para el mercado peruano, como sus paneles de acero inoxidable para exteriores, desarrollados bajo procesos industriales y con altos estándares para proyectos corporativos, empresariales y residenciales. En el espacio diseñado por César Lee y Marcia Lenz, la marca apuesta por volúmenes de hasta seis metros de altura que funcionan como piezas escultóricas dentro del entorno arquitectónico y paisajístico. El resultado es una instalación donde materialidad, escala y diseño dialogan de manera contemporánea, aportando fuerza visual y una nueva dimensión al espacio.•
Multitop celebra 45 años y presenta su portafolio ante más de trescientos asistentes
CASACOR 2026 representa un hito importante para Multitop, especialmente en el año en que la empresa celebra 45 años de trayectoria. En su evento realizado en “La Plaza”, la marca presentó su portafolio ante empresas, fabricantes industriales, estudios de arquitectura, clientes y aliados estratégicos.
Staff de Multitop.
Kimberly García de La Cruz, Jefa de Canal de Venta Empresa.
Francis Torrejón, Úrsula Vértiz, Sarita Oliden Balarezo, Carlos Javier Collazos, Carlos Javier Stapleton, Claudia Javier Stapleton y Eduardo Melo.
Profesionales de Casacor + Staff de Multitop.
Kimberly García de La Cruz, Carlos Javier Stapleton, Karim Chamán, Liss Watanabe y Santiago del Risco.
Presentación de Fiorella Montellanos.
Sue Zacnich, Sofía Caballero, Kimberly García, Luis Escobar, Carla Canales, Alessandro Chio y Úrsula Vértiz.
Foto del evento.
ENCUENTROS ALREDEDOR DE LA MADERA
Un espacio contemporáneo que celebra la madera peruana, los oficios y el encuentro a través de una atmósfera cálida y consciente.
“Manos & Aromas del Bosque” explora la relación entre arquitectura, gastronomía y cultura a través de una propuesta donde la madera peruana se convierte en protagonista. Inspirado en los procesos artesanales, las cocinas abiertas y los espacios de encuentro, el proyecto construye un ambiente cálido y sensorial que pone en valor el origen sostenible de los materiales y su transformación en experiencias contemporáneas. La estructura abierta, los detalles constructivos visibles y la integración con el paisaje refuerzan una atmósfera pensada para compartir y permanecer. Entre iluminación tenue, vegetación y mobiliario de líneas honestas, la propuesta conecta territorio, oficio e identidad desde una mirada contemporánea ligada a la artesanía y al consumo consciente. •
DISEÑOS PARA PERMANECER
“Trascender”, de Yesenia Schulz, y “Esencia Cosmopolita”, de Valeria Tantaleán, proponen en CASACOR 2026 dos espacios contemporáneos donde la luz, las texturas y los materiales construyen atmósferas pensadas para generar bienestar y conexión.
Inspirado en la idea de aquello que permanece más allá del tiempo, “Trascender” plantea un interior sereno y envolvente que entiende el diseño como una experiencia emocional y duradera. Formas suaves, tonos neutros y una iluminación cuidadosamente trabajada crean un recorrido pausado y silencioso, pensado para despertar sensaciones que continúan incluso después de abandonar el espacio. Como parte de la propuesta, destacan las cortinas de Decorbell, que filtran la luz de manera sutil y aportan una sensación etérea y ligera que acompaña a la arquitectura. Por su parte, “Esencia Cosmopolita” reinterpreta el concepto de refugio urbano a través de un loft contemporáneo pensado para quienes viven la ciudad entre viajes, trabajo y momentos de pausa. La propuesta combina sofisticación y calidez mediante materiales, iluminación y texturas que generan equilibrio y confort. En la zona social destacan las cortinas ripplefold con tul Avalon de Decorbell, que permiten una entrada de luz suave y translúcida, mientras que en el dormitorio se incorporan blackout en tono taupé y lino decorativo para crear una atmósfera más íntima y acogedora.•
Desde los bancos de líneas limpias hasta los exhibidores que iluminan sombreros y textiles, el proyecto celebra la manufactura peruana.
ARRIBA
Yesenia construye en “Trascender” una atmósfera cálida y envolvente, donde la luz filtrada por las cortinas de Decorbell aporta serenidad y profundidad al espacio.
ABAJO
La atmósfera creada por Valeria Tantaleán se construye a través de texturas envolventes y una iluminación cuidadosamente matizada por cortinas.
Memoria cromática
La Casa de Osambela reaparece desde la lectura de sus capas históricas, en una intervención de Prolima que convierte el color en memoria material y oficio recuperado.
Por Luis Mauricio Málaga Fuenzalida
En el jirón Conde de Superunda, la Casa de Osambela vuelve a entrar en escena. No por una restauración integral ni por una transformación estructural, sino por una operación más precisa: el tratamiento del color como parte de un sistema técnico y urbano mayor.
La intervención se desarrolla en coordinación entre el Ministerio de Educación y Prolima, dentro de una lógica que viene ejecutándose desde la aprobación del Plan Maestro del Centro Histórico. En ese esquema, Ricardo Rivera coordina el equipo de conservación y gestión de riesgo en patrimonio cultural, una posición que articula diagnóstico, criterios técnicos y ejecución.
“Trabajo en Prolima desde 2017, desde la etapa en la que se elaboraba el
Plan Maestro. Participé en su formulación y, desde entonces, hemos pasado a la fase de implementación”, dice. Ese paso –de la planificación a la obra– es el que hoy se hace visible en Osambela.
UN PROCESO ANTES QUE UN ACABADO
Aunque el resultado más evidente es el nuevo tratamiento cromático de la fachada, el proceso no comienza en el color, sino en su desmontaje. Antes de definir cualquier tonalidad, el edificio es leído materialmente.
En una primera fase, se realizó una investigación cromática que abarcó no solo la fachada, sino también elementos de madera y superficies interiores. La finalidad no era elegir un color, sino establecer criterios: qué capas pertenecen a
La fachada se entiende como lectura estratificada del tiempo. Cada intervención revela decisiones técnicas sobre lo visible, donde el color no es acabado, sino construcción de criterio dentro del trabajo desarrollado en Prolima por Ricardo Rivera y su equipo.
El plano funciona como herramienta de interpretación patrimonial. Desde allí se ordenan capas, técnicas y decisiones de intervención, articulando una lectura previa al trabajo material que estructura el proceso de conservación en Prolima bajo la coordinación de Ricardo Rivera.
qué momentos, qué técnicas fueron utilizadas y qué lógica constructiva subyace a e sos acabados.
“El objetivo era definir criterios técnicos de la propuesta, especialmente en acabados y tratamiento de color”, explica Rivera.
Ahí entra el equipo de cromatología de Prolima, compuesto por conservadoresrestauradores que operan en dos niveles simultáneos: investigación y ejecución. Mientras un grupo realiza calas y analiza los estratos, otro traduce esa información en superficie construida.
“El equipo de investigación formula la propuesta técnica, y el equipo operativo se encarga de materializarla en el i nmueble”.
Esa traducción no es automática. Entre la evidencia y el resultado hay un margen de decisión: no todo lo que aparece en una cala se restituye, ni todo lo restituible resulta pertinente en términos urbanos. El color final es, por tanto, una síntesis.
La pintura deja de ser superficie decorativa para convertirse en sistema de análisis aplicado. El tratamiento cromático responde a estudios previos de estratos y materiales, integrando investigación y ejecución en el trabajo técnico desarrollado dentro de Prolima.
RECUPERANDO TÉCNICAS
Lo que distingue esta intervención de otras en el Centro Histórico no es tanto el color elegido como la manera de aplicarlo. En lugar de una pintura plana, se han recuperado recursos pictóricos que introducen variación, profundidad y lectura.
“El moteado, el trampantojo, ciertos tipos de iluminación pictórica y los velados” –enumera Rivera– forman parte de un repertorio que había quedado oculto bajo capas sucesivas de pintura industrial.
Su reaparición implica algo más que una decisión estética. Supone la reconstrucción de un oficio. Los equipos encargados del pintado han sido formados específicamente para ejecutar estas técnicas, lo que introduce una variable poco visible pero estructural: la transmisión de conocimiento.
“Se están reintroduciendo y también se enseñan a los trabajadores, con el objetivo de desarrollar un oficio especializado en la intervención de edificios patrimoniales”.
En ese sentido, la fachada deja de ser solo un soporte para convertirse en un campo de ensayo donde se cruzan investigación, técnica y capacitación.
IN TERVENCIÓN PREVIA
El estado actual de la Casa de Osambela no puede entenderse sin su intervención en los años ochenta, cuando fue sometida a un reforzamiento estructural significativo. La incorporación de elementos metálicos en muros y la consolidación general permiten que hoy el trabajo se concentre en capas menos invasivas.
“El inmueble se encuentra en un estado estructural regular. Requiere
mantenimiento, como cualquier edificio patrimonial, pero no presenta una situación crítica”.
Las acciones recientes han sido más específicas: mantenimiento de carpintería, revisión de balcones, reparación de elementos puntuales. El Ministerio de Educación ha ejecutado estos trabajos, mientras Prolima define criterios y supervisa su coherencia con el conjunto.
El resultado es una intervención que no busca reconfigurar el edificio, sino ajustar su legibilidad.
UN EJE, NO UN OBJETO
Osambela forma parte de un sistema mayor. El jirón Conde de Superunda ha sido identificado como uno de los corredores estratégicos dentro del Plan Maestro, no solo por su valor patrimonial, sino por su capacidad de articular recorridos.
En ese eje se concentran intervenciones recientes: la iglesia de Santo Domingo, la capilla de la Veracruz, la plazuela de Santo Domingo, el entorno de Santa Rosa. A esto se suma la Casa Vilela, en proceso de recuperación, que funcionará como la Casa del Plan Maestro.
“ La idea es consolidar un espacio caminable, recorrible y atractivo”, señala Rivera. Pero hay un matiz importante: no se trata solo de mejorar la experiencia urbana, sino de estructurar un circuito con lógica propia.
El flujo turístico refuerza esa condición. Muchos visitantes ingresan por la
La ornamentación revela un nivel de lectura constructiva donde técnica y oficio se reactivan. Su recuperación no busca imitación, sino continuidad de saberes aplicados al patrimonio, integrando investigación material y práctica especializada en intervenciones contemporáneas de conservación.
A lameda Chabuca Granda y recorren estas cuadras antes de llegar a la Plaza Mayor. Es, en la práctica, una secuencia de primer contacto con el Centro Histórico.
Dentro de ese recorrido, Osambela actúa como punto de transición: no es el inicio ni el cierre, sino una pieza intermedia que ayuda a ordenar la lectura del conjunto.
USO Y PERMANENCIA
La intervención no se agota en la fachada. Hay una intención explícita de reactivar el edificio, de devolverle un uso que lo inserte en la dinámica contemporánea del centro.
“Un edificio patrimonial necesita uso para sostenerse en el tiempo”, plantea Rivera.
Ese uso aún no está completamente definido, pero se proyecta dentro de un esquema mixto, con participación pública
y posibilidad de articulación privada. La lógica es pragmática: la conservación depende de la ocupación.
UN PROCESO ABIERTO
Más que un proyecto cerrado, la Casa de Osambela es una fase dentro de un proceso más amplio que sigue en desarrollo. El Plan Maestro establece una dirección, pero su implementación avanza por tramos, con distintos niveles de intervención.
“Es un trabajo constante, de largo plazo, cuyos resultados ya empiezan a notarse”, dice Rivera.
Lo que ocurre en Osambela no es excepcional, pero sí representativo: muestra cómo el patrimonio empieza a gestionarse no como objeto aislado, sino como parte de una estructura urbana, técnica y productiva más compleja. •
Arte sin fronteras: guía de obras para coleccionar
Una selección de artistas nacionales e internacionales reúne pintura, escultura, diseño y técnicas mixtas en piezas que abarcan distintas épocas, estilos y lenguajes visuales. Entre los nombres destacados figuran María Yzaga, Olinda Silvano, Inés Wiese y Marcelo Gonzalez, junto a creadores internacionales como Philippe Hiquily, Roby Dwi Antono y Béatrice Bizot.
Por Micaela Simón
“10 P.M.”, ANDRÉS CHÁVEZ-ALCORTA Óleo sobre lienzo (61 x 50 cm) por el artista peruano. @andreschavezal Precio: US$800.
“RASTRO”, DANIELA BUSTAMANTE
Obra realizada en óleo sobre lienzo (100 x 100 cm) por la artista peruana en 2026. @dbf_____ A pedido.
“CONFIDENCE”, BÉATRICE BIZOT
Escultura realizada en bronce (30 x 20 x 7 cm) por la escultora contemporánea nacida en Milán en 2019. @beatricebizot Precio: US$2944.
“A BIRD”, MILKO DOBREV Escultura realizada en bronce (46 x 27 x 3 cm) por el emergente artista búlgaro contemporáneo. Precio: US$2085.
“LA BANDERA”, VALERIA GUERRA-GARCÍA
Obra realizada en óleo y pastel blando sobre lienzo (70 x 80 cm) por la artista peruana en 2025. @valeriaguerragarciaarte Precio: US$1050.
“AUBE”, FRANCESCO MARINO DI TEANA
Escultura de edición limitada cobriza realizada en acero y objeto (11 x 10 x 2 cm) por el artista italiano en
“PELUDIS”, LÉO SOUTON
Escultura realizada en madera, cerámica y ensamblaje (104 x 16,5 x 16,5 cm) por el artista francés en 2024. @souton_ leo_studio Precio: US$2944.
“ONDULATION”, MAUDE OVIZE
Serigrafía (49 x 70 x 0,1 cm) realizada por la artista francesa Maude Ovize en 2025. La artista vive y trabaja en Lyon. @maudeovize Precio: US$368.
“SOÑADORES”, INÉS WIESE
Obra realizada en óleo sobre lienzo (150 x 180 cm) por la artista peruana en 2025. @ineswiese Precio: US$3300.
“SBTI”, STEFANO MAZZOLINI
Obra realizada en canvas (100 x 80 x 8 cm) por el artista italiano
@stefanomazzolini
Precio: US$2453.
“MARATHONIENNE”, PHILIPPE HIQUILY
Escultura realizada en acero (16 x 11,5 x 6 cm) por el artista francés. @philippehiquily
Precio: US$1227.
“JOHANNA - FLORA SILVESTRE”, MARÍA YZAGA
Obra realizada por la artista peruana en 2022, inspirada en la obra de Man Ray (3 x 270 x 70 cm).
@maria_yzaga A pedido.
“STARRY 50”, JUNIOR FRITZ JACQUET
Obra realizada en papel e iluminación (60 x 50 x 50 cm) por el escultor y diseñador parisino en 2021. @juniorfritzjacquet Precio: US$1349.
SIN TÍTULO, MARCELO GONZALEZ
Obra realizada en óleo, óleo pastel y acrílico sobre lienzo (200 x 160 cm) por el artista peruano en 2026. @mgonzalezarte
Precio: US$12.000.
“MÁS ALLÁ DEL MURO PERIMETRAL”, FABIO SANTORI
Escultura realizada en madera (35 x 80 x 5 cm) por el artista contemporáneo italiano en 2023. @fabiosantoroart Precio: US$1440.
LAGUNA~B X DUSEN DUSEN Colaboración entre la firma italiana de cristalería artesanal Laguna~B y la marca neoyorquina de diseño Dusen Dusen. @dusendusen. Precio: US$1650.
“DOUBLE FACE”, MICHÈLE COUDERT
Escultura realizada en madera (38 x 26 x 10 cm) por la artista francesa. @michele.coudert Precio: US$1104.
“US”, ROBY DWI ANTONO
Obra realizada en madera y pigmentos (80 x 40 x 5 cm) por el artista contemporáneo indonesio en 2021. @dwiantonoroby Precio: US$2331.
DISEÑO KENÉ, OLINDA SILVANO
Obra realizada en acrílico y pan de planta sobre lienzo (95 x 67,3 cm) por la artista peruana en 2025. @olinda. silvano A pedido.
DESNUDO MASCULINO
SIN TÍTULO, LUIS CABALLERO
Litografía (38,1 x 27,2 x 0,3 cm) realizada por el artista colombiano Luis Caballero en 1990. Precio: US$1000.
Entre jardines tropicales, antigüedades y referencias a las haciendas mexicanas, la casa de Bill Bensley y Jirachai Rengthong en Chiang Mai construye un universo donde arquitectura, color y vegetación conviven con total libertad.
Bill Bensley abre las puertas de su refugio más personal
El diseñador y paisajista estadounidense transformó una propiedad en el norte de Tailandia en un espacio donde conviven referencias mexicanas, jardines tropicales, antigüedades y una visión del diseño ligada a la conservación.
En las afueras de Chiang Mai, al norte de Tailandia, entre templos budistas, selva y cultivos orgánicos, aparece una propiedad inesperada, pues no responde a la arquitectura tradicional tailandesa ni al minimalismo tropical que domina gran parte de la región. Estancia Botánica, la casa del diseñador y paisajista Bill Bensley y de su esposo, el horticultor Jirachai Rengthong, toma inspiración de las grandes haciendas mexicanas y construye un mundo propio, intenso y profundamente personal.
El proyecto ocupa cerca de ocho hectáreas en el valle de Mae Rim y fue concluido en 2024. Más que una vivienda, funciona como un pequeño
universo compuesto por nueve edificios independientes, jardines exuberantes y espacios donde el color, las texturas y las piezas antiguas conviven sin restricciones. Para q uienes conocen el trabajo de Bensley, la propuesta no sorprende. Desde Bangkok, ciudad donde vive desde hace décadas, el diseñador ha desarrollado algunos de los hoteles más reconocidos del sudeste asiático, como el Rosewood Luang Prabang, en Laos, o The Siam, uno de los hoteles más sofisticados de la capital tailandesa. También fue responsable de los tres hoteles que aparecen en la tercera temporada de la serie “The White Lotus”.
ARRIBA El corredor que conduce a la suite principal, con columnas, puertas y ventanas antiguas.
DERECHA La sala de estar, con sus sillones inspirados en la figura de un guepardo.
Una habitación amplia con dos camas dispuestas en paralelo y bloques de madera suspendidos en la pared, abierta hacia un jardín de rocas que enmarca la vista exterior.
UNA CASA CONSTRUIDA DESDE LOS VIAJES
La historia de Estancia Botánica comenzó hace cuatro años, cuando la pareja decidió construir un refugio alejado de Bangkok. El proyecto fue diseñado alrededor de piezas rescatadas en viajes por México e India: columnas, puertas, fuentes y elementos arquitectónicos que terminaron definiendo la i dentidad del lugar. “Esta casa trata sobre la felicidad”, resume Bensley. Uno de los edificios funciona como un enorme invernadero dedicado exclusivamente a plantas y flores. Otro alberga el dormitorio principal y un baño que parece una selva interior, con una gran bañera de mármol rodeada de vegetación tropical. En cada ambiente aparecen objetos recogidos durante años de viajes: lámparas italianas encontradas en mercados parisinos, escritorios de madera provenientes de Birmania y textiles diseñados por el propio Bensley.
La pareja pasa alrededor de tres meses al año viajando, y ha visitado más de cien países. Esa mirada global atraviesa toda la propiedad. Sin embargo, lejos de
sentirse como una acumulación caótica de referencias, la casa mantiene una narrativa coherente donde todo parece responder a una misma sensibilidad exuberante y teatral.
ENTRE
JARDINES
TROPICALES Y ARQUITECTURA
Aunque el diseño de interiores fue desarrollado en conjunto, Bensley trabajó c on su estudio para ejecutar la arquitectura y coordinar la construcción. L os jardines, en cambio, quedaron bajo la dirección de Rengthong. “Cuando se trata de los jardines, yo soy el jefe”, comenta entre risas. Su propuesta paisajística busca enmarcar las vistas hacia las colinas que rodean la propiedad y reforzar la conexión entre arquitectura y naturaleza.
La estética maximalista de Bensley tiene raíces antiguas. Creció en Anaheim, California, y durante su infancia visitaba con frecuencia Disneyland. También recuerda con especial entusiasmo los campamentos familiares y la relación temprana con los paisajes naturales. No es casual que muchos de sus proyectos más celebrados
Vista de los frondosos jardines de la casa de Bill Bensley y Jirachai Rengthong en Chiang Mai.
sean hoteles inspirados en experiencias de safari y contacto con la naturaleza, como Shinta Mani Wild, en Camboya, o Capella Ubud, en Bali.
Tras graduarse en Harvard Graduate School of Design en 1984, comenzó trabajando en el diseño paisajístico del Hyatt Regency Bali, donde descubrió la arquitectura tropical moderna y la influencia de figuras como Geoffrey Bawa. En Bali conoció además al paisajista Made Wijaya, quien lo acercó a la cultura, horticultura y arquitectura balinesas. Esa experiencia terminó definiendo gran parte de su lenguaje creativo.
Durante los años ochenta se instaló en Bangkok y fundó su propio estudio, dedicado a arquitectura, interiorismo y paisajismo. Más adelante a briría también una oficina en Bali. Rengthong, originario de la provincia tailandesa de Uthai Thani, llegó años después a su vida y ambos se casaron en 2005. Hoy, Bensley asegura sentirse más tailandés que estadounidense.
La sala de estar de la suite Kate Spencer; el sofá y los sillones están tapizados con tela Phoenix y Peony de Jim Thompson. La suite principal del dormitorio, con un antiguo portón arqueado de la India.
La casa de Bill Bensley y Jirachai Rengthong en Chiang Mai: el jardín botánico interior de la “dry house”, y el dormitorio principal con baño en suite, donde el arquitecto y su pareja comparten espacio con sus perros Sam y Jess.
DISEÑO, CONSERVACIÓN Y ARTE
El corazón de Estancia Botánica es un gran comedor instalado dentro de un edificio azul lapislázuli. Sobre la larga mesa central suelen aparecer arreglos florales preparados por Rengthong con rosas, aves del paraíso y zinnias de colores intensos. El patio interior está dominado por una monumental fuente de piedra encargada especialmente en San Miguel de Allende, México, decorada con grabados de flores y animales.
Cada espacio revela una obsesión por el detalle. En la sala, un grupo de sillones reproduce formas de guepardos.
La biblioteca está revestida por estanterías color rubí. El resultado tiene algo d e escenario cinematográfico, pero también transmite la sensación de una casa vivida y profundamente personal.
La sostenibilidad ocupa un lugar central en la filosofía del diseñador. Asegura que en décadas de trabajo nunca ha cortado un árbol para desarrollar un proyecto. Parte de sus colaboraciones textiles financian actualmente iniciativas de la Shinta Mani Foundation, organización enfocada en programas sociales y ambientales en Camboya.
En el estudio de arte de Estancia Botánica, instalado en uno de los edificios de dos niveles, Bensley desarrolla desde hace seis años otra faceta creativa: la pintura. Sus obras recientes están inspiradas en la fauna amenazada de las montañas Cardamomo, en Camboya, y retratan cálaos, pangolines y perros salvajes asiáticos. Varias de esas ilustraciones dieron origen a las telas y estampados que aparecen en la casa y también en futuros proyectos hoteleros, incluidos el Four Seasons Chiang Mai y un nuevo Ritz-Carlton en China.
Desde la terraza superior de su estudio, el diseñador señala un terreno cercano que él y Rengthong compraron recientemente para protegerlo ambientalmente. La intención es continuar adq uiriendo más áreas destinadas exclusivamente a conservación. Para Bensley, diseño y naturaleza no pueden separarse. Y aunque habla con preocupación sobre el futuro ambiental del planeta, insiste en mantener intacta una idea que atraviesa toda Estancia Botánica: vivir rodeado de belleza también puede ser una forma de resistencia. •
Heinz Mack posa en su estudio de Ibiza junto a una monumental obra de su serie “Chromatic Constellations”, donde el color, la luz y el ritmo continúan marcando el pulso de una práctica artística que sigue activa a sus 95 años.
Fotos: Daniel Schäfer
Heinz Mack y la luz que todavía no se apaga
A sus 95 años, el cofundador del movimiento Zero mantiene intacta su rutina, su curiosidad y su impulso creativo. En su hacienda de Ibiza, rodeado de esculturas, archivos y proyectos aún por realizar, el artista alemán sigue trabajando con la misma intensidad con la que imaginó una nueva forma de hacer arte después de la guerra.
“Cuidado por dónde caminas”, dice Heinz Mack mientras avanza con sorprendente agilidad entre senderos de piedra, esculturas de acero y bloques de mármol repartidos en el jardín de su casa en Ibiza. A sus 95 años, el artista alemán todavía recorre personalmente el antiguo terreno de cantera que convirtió en un parque escultórico al aire libre, donde cerca de cincuenta piezas dialogan con el viento, la luz y el paisaje seco de la isla.
Vestido completamente de azul marino, con zapatillas salpicadas de pintura y un pequeño gorro tejido, Mack observa cada obra como si acabara de terminarla. Algunas columnas metálicas reflejan el sol mediterráneo; otras estructuras móviles responden a la brisa con pequeños destellos. La luz sigue siendo el centro de todo. También el movimiento.
En la entrada del jardín aparece “König” (“Rey”), una escultura en bronce basada en una de sus primeras obras, realizada cuando apenas tenía 20 años y estudiaba
en la Kunstakademie Düsseldorf. Más de siete décadas después, Mack todavía habla de sus proyectos en presente. El pasado parece interesarle poco. “Prefiero mirar hacia adelante”, dice.
EL ARTISTA QUE QUISO EMPEZAR DESDE CERO
En 1957, junto al artista alemán Otto Piene, Heinz Mack fundó el movimiento Zero, una de las propuestas más radicales y experimentales de la posguerra europea. Desde un pequeño estudio en Düsseldorf, ambos artistas buscaban crear una nueva forma de expresión que dejara atrás el peso emocional y cultural que había dejado la Segunda Guerra Mundial. La idea era comenzar desde cero. Trabajar con silencio, luz, ritmo y espacio. En lugar de narrativas tradicionales o gestos expresionistas, Zero apostó por superficies monocromáticas, estructuras cinéticas y experiencias visuales que transformaban la percepción del espectador.
La amplia hacienda tradicional donde vive Heinz Mack fue construida en dos etapas: una parte tiene cerca de 300 años de antigüedad, y la otra, alrededor de 150.
Más adelante se sumarían nombres como Günther Uecker, Yves Klein, Jean Tinguely y Lucio Fontana.
Mack recuerda esos años como un momento decisivo. Alemania, dice, era un vacío intelectual y cultural. El arte debía encontrar otra dirección. Sus obras comenzaron entonces a explorar vibraciones ópticas, reflejos y repeticiones geométricas. El movimiento y la luz dejaron de ser efectos para convertirse en materia artística.
Esa obsesión continuaría en todos los periodos de su carrera: desde las instalaciones realizadas en el desierto del Sahara en los años sesenta hasta “The Sky Over Nine Columns”, la monumental instalación presentada durante la Bienal de Venecia de 2014.
IBIZA COMO REFUGIO CREATIVO
Mack llegó por primera vez a Ibiza en los años sesenta, y quedó fascinado por la arquitectura tradicional de la isla. Las casas campesinas blancas, simples y geométricas, llamaron inmediatamente su atención. “Es una especie de homenaje al cubo”, comenta. Para él, esas construcciones conectaban naturalmente con ideas modernas que también habían interesado a arquitectos vinculados al Bauhaus o a figuras como Le Corbusier.
Su búsqueda inicial era sencilla: quería una casa pequeña y aislada, apenas suficiente para dormir y trabajar. Lo que encontró fue una hacienda tradicional en el centro de la isla, cerca de Santa Gertrudis, compuesta por dos construcciones rurales de aproximadamente trescientos y ciento cincuenta años de antigüedad.
Cuando él y su esposa, Ute, compraron la propiedad en 1988, la casa no tenía electricidad y conservaba intactos muchos de sus elementos originales: una cocina a leña empotrada, un pozo interior, puertas anti-
Otra de las piezas metálicas de Heinz Mack, “10 Fresnel Lenses” (1987), instalada junto a la piscina de la hacienda.
IZQUIERDA Una de las obras de su serie “Chromatic Constellations”, realizada en 2026. ARRIBA La piscina de la hacienda, acompañada por la pieza metálica denominada “High Victory”.
guas y cerraduras de bronce que aún permanecen en uso. La restauración tomó más de diez años.
El interior conserva el espíritu de la finca. No hay muebles contemporáneos. Mack prefiere piezas antiguas de madera tallada hechas en Ibiza, cerámicas españolas y marroquíes, además de una importante colección de arte africano distribuida en distintos ambientes de la casa.
Afuera, el paisaje también fue intervenido lentamente. Entre palmeras y sabinas existentes, la pareja incorporó olivos, cipreses y pinos. El jardín escultórico terminó creciendo de forma orgánica alrededor de las obras.
Aunque Mack evita definirse como diseñador, muchos elementos de la propiedad fueron concebidos por él: desde una mesa de comedor de piedra hasta la piscina revestida con granito. También diseñó algunos de sus proyectos más recordados, incluido el traje plateado que utilizó durante sus intervenciones en el Sahara y el estudio completamente acristalado que construyó en su residencia de Mönchengladbach en los años ochenta.
ARRIBA El pasillo reúne piezas de la colección de arte africano de Heinz Mack.
IZQUIERDA El dormitorio principal de la hacienda.
ARRIBA El baño principal de la hacienda.
IZQUIERDA La cocina conserva varios elementos originales de la casa.
UNA DISCIPLINA INTACTA
La vida de Heinz Mack sigue organizada alrededor del trabajo. Cada mañana pasa exactamente tres horas en el estudio. Después del almuerzo y una siesta breve, vuelve a trabajar tres horas más. La rutina se repite tanto en Alemania como en Ibiza.
En su estudio ibicenco, continúa desarrollando sus “Chromatic Constellations”, series pictóricas en las que explora combinaciones de color, ritmo y estructura desde hace más de veinticinco años. No trabaja con asistentes ni grandes equipos de producción.
ARRIBA El estudio de pintura de Heinz Mack, donde trabaja tres horas por la mañana y tres por la tarde.
DERECHA Heinz Mack en su estudio dentro de la hacienda, junto a algunas obras de su serie “Chromatic Constellations”.
Todavía mueve lienzos y organiza obras por cuenta propia.
Durante las últimas décadas, el interés por su trabajo volvió a crecer con fuerza. En 2018, una de sus piezas cinéticas alcanzó más de un millón de euros en subasta. El año pasado, la galería Almine Rech presentó en Art Basel una importante instalación motorizada concebida originalmente en 1966.
Aun así, Mack parece más interesado en lo que todavía queda por hacer. Conserva bocetos de proyectos no realizados, incluyendo una casa en medio del desierto y una estructura de mármol blanco imaginada sobre un lago de mercurio.
La preservación de su legado ya comenzó a tomar forma. Parte importante de sus archivos y documentos
fueron entregados a la Zero Foundation, institución que él mismo ayudó a crear en Düsseldorf hace dieciocho años. En 2024 también se estableció la Mack Foundation, dedicada a conservar y difundir su obra en el futuro.
Su hija Valeria, que trabaja con él desde hace más de una década, asegura que el ritmo creativo del artista sigue siendo sorprendente. “Tiene una energía
enorme”, comenta. “Las obras que hace hoy siguen siendo muy dinámicas”. Mientras cae la tarde en Ibiza, Heinz Mack continúa caminando entre esculturas metálicas y superficies reflectantes. Observa cómo la luz cambia sobre cada pieza y vuelve a hablar de proyectos pendientes. A los 95 años, sigue trabajando con la sensación de que todavía hay algo nuevo por descubrir. •
Escapadas con diseño y carácter
De Porto a las Highlands escocesas y Beverly Hills, una nueva generación de hoteles boutique apuesta por experiencias más íntimas, arquitectura con identidad y espacios pensados para disfrutar el viaje sin excesos.
Los hoteles boutique siguen ganando terreno frente a las grandes cadenas. La fórmula parece simple: pocos cuartos, diseño cuidado y una sensación de cercanía difícil de replicar. Pero detrás de cada nueva apertura hay también una búsqueda por construir experiencias más personales, donde la arquitectura y el interiorismo tienen tanto peso como el servicio.
En Porto, una ciudad que desde hace algunos años compite directamente con Lisboa como destino creativo y sofisticado, acaba de abrir Casa Cedo. El hotel ocupa una casona restaurada del siglo XIX y tiene solo ocho habitaciones, lo que le permite mantener un ambiente tranquilo y casi doméstico. Sus propietarios, una pareja ítalo-irlandesa, convocaron a la arquitecta Joana Leandro de Vasconcelos y al estudio lisboeta Quiet Studios para desarrollar interiores cálidos, llenos de madera, texturas suaves y tonos tierra. Molduras originales, vigas rústicas y piezas hechas a medida conviven con un pequeño jardín interior pensado para desayunos largos o una copa de vino local al atardecer.
Escocia vive también un momento especialmente activo en hotelería de lujo. Entre las aperturas más comentadas aparece Dun Aluinn, una residencia de 1909 ubicada sobre el valle del río Tay, entre Perth y Cairngorms. La propiedad, que antes funcionaba como casa privada, fue transformada en un hotel boutique de nueve suites con una estética más depurada y contemporánea. Los interiores mantienen el espíritu clásico de las Highlands, pero con
una mirada minimalista: chimeneas encendidas, baños amplios, textiles generosos y espacios comunes pensados para quedarse horas, como un cine privado o una gran mesa de comedor de roble y bronce.
Más al oeste, en la península de Knoydart, abrirá próximamente Kilchoan Estate by Dunton, proyecto de los mismos propietarios del reconocido Dunton Hot Springs, en Colorado. El complejo ocupará más de 13 mil acres e incluirá cinco cottages, spa, sauna, estudio de yoga y The Long House, un espacio gastronómico enfocado en cocina y bebidas locales. La
Nuevas aperturas en Porto, Escocia y Beverly Hills apuestan por una hotelería más íntima, donde el diseño, la arquitectura y la experiencia del viajero se convierten en el centro de la estadía.
experiencia será completamente inmersiva: desde el ferry para llegar al lugar hasta caminatas guiadas por algunos de los paisajes más impresionantes de Escocia.
En Beverly Hills, Hôtel Lili propone una interpretación contemporánea del viejo glamour angelino. Instalado en un edificio residencial de 1939, el hotel combina referencias al Hollywood clásico con detalles inspirados en las casas de campo inglesas. Terciopelo, estampados, vinos californianos y un bar pequeño pero animado terminan de dar forma a uno de los nuevos refugios favoritos de Los Ángeles. •
