CASAS ED 346

LA REVISTA DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y DECORACIÓN DE COSAS

Especial Casas de campo peruanas

INTERVENCIÓN

La Casa Batlló en Barcelona se reinventa

ILUMINACIÓN

Cómo iluminar tu casa el próximo invierno

INTERNACIONAL NACIONAL

Francesco Mariotti y un legado vinculado al Perú

James Turrell inaugura una nueva instalación en Dinamarca

Guía de casas de campo, una curaduría de diseño de autores peruanos 18 29

INTERIORISMO

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PATRIMONIO

PROLIMA presenta “Monumentos en el Bicentenario”

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INTERIORISMO

Naike Malachowski presenta Proyecto DVD en San Isidro

OPINIÓN

El comedor, entre representación y convivencia, según Sebastián Cillóniz

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PERSONAJES

Alexander Calder regresa a París con una ambiciosa exposición

ESPECIAL

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Camila Nossar transforma un hogar en experiencia

Lo último en casas de campo

OPINIÓN

Claves para una mesa de verano, según Isabel Maguiña

DISEÑO

Descubre lo último de la Semana del Diseño en París

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TEMA DE PORTADA

Casa Sert en Pachacámac, una joya de la arquitectura moderna

Diego Olivera Espacios con propósito

PARA EL ARQUITECTO DE INTERIORES Y VICEPRESIDENTE DEL DIP, DISEÑAR ES ARTICULAR VISIÓN, NEGOCIO Y OFICIO. DESDE LA ARQUITECTURA Y EL INTERIORISMO, IMPULSA PROYECTOS QUE COMBINAN FUNCIONALIDAD Y CARÁCTER, MIENTRAS CONECTA MARCAS, DISEÑADORES Y ARTESANOS EN UN ECOSISTEMA DONDE LA CREATIVIDAD TAMBIÉN ES ESTRATEGIA.

1. Una artista: Yayoi Kusama.

3. Un árbol: Pachypodium.

7. Un momento del día: el atardecer.

2. Un objeto: el Ónfalo de Delfos, considerado el “ombligo del mundo”.

5. Un edificio: la “Casa de Vidrio” (“Casa de Vidro”), de Lina Bo Bardi (1951), São Paulo.

Ámbito Home: Una alternativa integral en decoración

1.

y

2. Mueble de la colección medano, fabricado en madera Cumaru, los cojines de tela Dickson Orchestra y la alfombra es de bra de llama.

3. Muebles Catalina fabricados en aluminio pintado al horno. Alfombra en piezas de cuero.

4. Una foto: “Extraña casa en las colinas de Hollywood”, Julius Shulman.

6. Un libro: “La poética del espacio”, de Gaston Bachelard.

8. Un patrón: arte kené de Sara Flores.

Una

Esta tienda se erige como una de las mejores al momento de ofrecer soluciones en el decorado de un hogar. Con una tradición de más de treinta años, sus muebles, sombrillas, toldos y alfombras dan vida y alma a varias casas y espacios del país.

A inicios de los noventa surgió Ámbito, y pronto empezó a resonar como experta en brindar una amplia gama de productos para protección exterior del hogar y espacios comerciales e industriales. Con el tiempo la línea se amplió a muebles de madera para terrazas fabricada localmente y una colección importada, con materiales especialmente pensados para exteriores: aluminio pintado al horno, cuerda náutica y fibra técnica tipo ratán de alta resistencia. Las sombrillas y los toldos se consolidaron desde entonces como su especialidad y su principal carta de presentación dentro del área de hogar.

En 2019 nació Ámbito Home, la extensión más íntima de la marca. A partir de ese momento, Ámbito dejó de enfocarse únicamente en la protección exterior y en los muebles para terrazas, para incorporar también alfombras destinadas tanto al exterior como al interior de una morada. Se podría decir que miraron hacia adentro, se focalizaron en el corazón de un hogar. En el centro de una residencia.

MAKE IT EASY

En Ámbito existe una filosofía no escrita que, si sus paredes hablaran, la enunciarían a viva voz: la decoración debe ser práctica, sin complicaciones. Esto implica ofrecer productos de fácil mantenimiento, pensados para un usuario que llega a casa, descansa en sus muebles, contempla su entorno y se siente uno con él. En la práctica la idea máxima es que los productos de Ambito sean un disfrute pleno, sin preocupaciones ni exigencias innecesarias.

¿QUÉ VER EN EL LUGAR?

En su tienda central de Miraflores, Ámbito presenta una línea de muebles y sombrillas fabricadas en Perú, elaboradas en madera, acero y aluminio. A ello se suma una selección de muebles importados, toldos y sombrillas provenientes de Italia, telas francesas y americanas, alfombras de producción nacional y una línea importada de India.

A diferencia de la tienda ubicada en el kilómetro 67 de la Panamericana, en Miraflores se concentra casi toda la propuesta de alfombras. Estas piezas, capaces de otorgar identidad y carácter a un espacio, están diseñadas para complementar terrazas, salas o cualquier ambiente del hogar.

Ámbito desarrolla colecciones propias, algunas creadas a la par con diseñadores y arquitectos, y también confecciona alfombras a medida. El servicio es totalmente personalizado. Un cliente que adquiere un juego de muebles para terraza, por ejemplo, puede llevar a su casa una versión mediana de la alfombra elegida para probarla en su espacio, ver si funciona en su idea de decoración y solicitarla en la medida y colores idóneos.

El equipo visita el hogar del cliente para evaluar el lugar donde se instalarán las alfombras o muebles. El objetivo es perfeccionar la elección: muchas veces alguien se enamora de una pieza vista en tienda, pero no considera la iluminación real de su casa o elementos ya existentes. Ámbito busca afinar esos detalles. Su propósito no es convertir cada vivienda en un escaparate, sino ayudar a que alcance su mejor versión, una que resulte auténtica y plenamente disfrutable; es el arte de revitalizar.

TEORÍA DEL COLOR

Los productos exhibidos suelen presentar tonos neutros. El color influye directamente en el estado de ánimo; una alfombra de acentos tranquilos puede transmitir calma y equilibrio. Sin embargo, siempre están abiertos a propuestas disruptivas cuando el espacio lo requiere.

La elección de tonalidades neutras responde, además, a la durabilidad de sus productos, cuya vida útil puede acercarse a los diez años. Buscar colores atemporales permite asegurar una presencia prolongada y versátil dentro del hogar.

En cuanto a alfombras, la variedad de materiales es amplia, aunque destaca especialmente la fibra de llama por su resistencia y adaptabilidad. Esta se trata cuidadosamente para conservar sus propiedades naturales. Lo que comenzó como un intento por desarrollar procesos más ecológicos permitió descubrir características esenciales para su fácil conservación y durabilidad. Así, Ámbito Home hace honor a su nombre: su misión es configurar espacios ideales, soñados, pero reales, con los mejores elementos posibles, pensados para vivir plenamente. •

Av. El Ejército 156, Mira ores / Km. 67, Panamericana Sur. ámbito_home ambitoperu

Correo: info@ambitohome.com

Capas de luz, lámparas regulables y velas estratégicamente ubicadas: así transforman los suecos sus hogares en refugios luminosos capaces de contrarrestar los días nublados y el ánimo bajo que trae el invierno.

El secreto sueco para llenar de luz tu casa el próximo invierno

Mientras en Lima aún disfrutamos del verano, es buen momento para preparar los espacios para los días grises. Expertos escandinavos explican cómo usar la luz para crear ambientes cálidos, funcionales y llenos de bienestar.

En marzo, el sol todavía acompaña, pero sabemos que en Lima el invierno llega sin pedir permiso: cielos grises y ambientes que pueden sentirse más fríos de lo que realmente son. Anticiparse es clave. Y si hay alguien que sabe cómo convivir con la oscuridad, son los suecos. En invierno, pueden tener apenas una hora de luz natural al día. Por eso, han convertido la iluminación en una herramienta esencial de bienestar.

En Suecia, la luz no se deja al azar. Existe incluso una guía pública que orienta a las personas para lograr un “entorno lumínico óptimo” en casa, pensado para reducir fatiga, irritación y estrés. La premisa es simple: la iluminación no es solo decoración, es calidad de vida.

La experta en interiores Frida Ramstedt lo resume así: una lámpara nunca trabaja sola. La clave está en combinar distintas fuentes de luz –de techo, de pie, de mesa y apliques– para generar capas. La luz directa cumple una función práctica; la indirecta crea atmósfera. Juntas construyen equilibrio.

CAPAS DE LUZ Y REGULACIÓN

INTELIGENTE

En la mayoría de hogares suecos, las luminarias de techo ofrecen una luz amplia y regulable. Por la mañana pueden estar al máximo; por la noche, bajar la intensidad para una cena más íntima. Los dimmers son casi obligatorios.

A eso se suman lámparas de pie junto a sillones para lectura, lámparas de mesa sobre consolas para aportar calidez y apliques en pasillos o dormitorios que suavizan las transiciones entre espacios. Pensar en capas permite adaptar un mismo ambiente a distintos momentos del día.

En zonas de trabajo –cocina, escritorios o mesas de estudio–, la recomendación es optar por lámparas colgantes o dirigidas que iluminen con precisión sin encandilar. Para leer en un sillón, funcionan mejor las pantallas metálicas u oscuras que concentren la luz en el libro. En el dormitorio, los apliques flexibles a cada lado de la cama son prácticos y evitan depender de una luz general.

¿Parpados

caídos?

Descubre la ‘blefaroplastia sin cirugía’ con tecnología híbrida

Llega a Medi Esthetic un revolucionario procedimiento que tensa y provee de juventud a los párpados sin cirugías invasivas.

Con el paso de los años, la piel de los párpados –la más delgada de todo el cuerpo– comienza a ceder. Esto se debe a la pérdida progresiva de colágeno y elastina, proteínas responsables de mantener la piel tersa y en su lugar.

Este desgaste es más evidente entre los 30 y 35 años, pero puede acelerarse por factores como la genética, la exposición solar sin protección y el estilo de vida de cada uno.

La solución para este tema que preocupa a más de uno ha llegado al Perú de la mano de Medi Esthetic: la ‘blefaroplastia sin cirugía’ de Alma Hybrid, la tecnología más sofisticada del mundo para tensar y rejuvenecer los párpados de forma no invasiva.

EL RESPLANDOR QUE CAMBIA EL ÁNIMO

No todo es función. También importa el brillo envolvente. Lámparas con pantallas de tela, esferas luminosas o faroles de papel ayudan a crear una luz ambiental suave, ideal para el living o el comedor. Incluso un gesto sencillo –colocar una lámpara en el alféizar de la ventana– puede hacer que la casa se vea más acogedora desde dentro y desde fuera.

Y, por supuesto, están las velas. En Suecia, son parte del ritual cotidiano. Encender una al amanecer o al volver a casa marca un cambio de ritmo y aporta una sensación inmediata de refugio.

Aún estamos en verano, pero preparar la casa con una iluminación bien pensada es adelantarse al invierno limeño. Porque cuando el cielo se vuelva gris, la diferencia entre un espacio frío y uno acogedor estará, literalmente, en cómo decidimos encender la luz. •

A diferencia de la cirugía tradicional, que requiere cortes y puntos, la ‘blefaroplastia sin cirugía’ utiliza la combinación híbrida de láser de CO2 + láser no ablativo. Esto genera un efecto de contracción inmediata en la piel del párpado, eliminando el exceso de flacidez y estimulando la producción de colágeno nuevo desde la primera sesión. El procedimiento es ambulatorio y diseñado para la comodidad del paciente.

¿POR QUÉ SE LE LLAMA ‘BLEFAROPLASTIA SIN CIRUGÍA’?

Porque logra un efecto de ‘levantamiento’ y retracción de la piel del párpado similar al resultado quirúrgico, pero utilizando energía láser de alta precisión sin incisiones.

¿CUÁNTAS SESIONES SE NECESITAN PARA VER RESULTADOS?

Muchos pacientes notan una mejoría significativa desde la primera sesión, aunque el protocolo ideal se determina tras una evaluación personalizada en Medi Esthetic.

¿ES UN TRATAMIENTO DOLOROSO?

No. Al ser un procedimiento ambulatorio y no invasivo, se maneja con anestesia tópica, garantizando la comodidad del paciente en todo momento.

ARRIBA: El procedimiento usa un láser de CO2 y un láser no ablativo para eliminar el exceso de acidez en el párpado sin dolor. ABAJO: Soraya Vidalón, gerente general de Medi Esthetic.

¿CÓMO PUEDO SABER SI SOY CANDIDATA?

Cada mirada cuenta una historia diferente: algunos pacientes presentan una flacidez incipiente que se resuelve con radiofrecuencia; otros requieren el poder regenerativo de los bioestimuladores, y muchos encontrarán en la ‘blefaroplastia sin cirugía’ con Alma Hybrid la solución definitiva para abrir su mirada. Antes de realizar este o cualquier otro procedimiento estético, el paso más importante es la seguridad. Por ello, en Medi Esthetic ofrecemos una evaluación médica diagnóstica que no tiene ningún costo. •

Medi Esthetic

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Francesco Mariotti: El último destello del visionario de la luz (1943-2026)

Pionero del arte electrónico y fundador del mítico colectivo E.P.S. Huayco, el artista suizo-peruano falleció a los 82 años, dejando un legado donde la tecnología y la ecología se funden en una eterna “danza de luciérnagas”.

El arte contemporáneo peruano pierde a una de sus figuras más luminosas. Francesco Mariotti, el hombre que convirtió la electricidad en una herramienta de crítica social y misticismo andino, falleció el 22 de enero de 2026. A lo largo de seis décadas, Mariotti construyó ecosistemas lumínicos que desafiaron la comprensión de su época, ganándose el título de “genio incomprendido” que encontró su lugar en la historia como el puente definitivo entre el arte, la ciencia y la sociedad.

Nacido en Berna en 1943, Mariotti llegó al Perú a los diez años, una mudanza que marcaría su ADN creativo. Se formó en Hamburgo y París en los años 60. En 1968 participó en la Documenta 4 de Kassel con el proyecto “Geldmacher-Mariotti”, donde adelantaba su fascinación por la interactividad y la tecnología como un lenguaje democrático.

En 1969, Mariotti expuso “El Movimiento Circular de la Luz ” en la X Bienal de São Paulo. A su regreso al Perú, Mariotti y Luis Arias Vera organizaron el Contacta 71 y 72 en el Parque Neptuno y el Parque de la Reserva, donde congregaron a 250 mil personas, entre artistas, artesanos, músicos y poetas.

GESTIÓN EN SINAMOS

Francesco Mariotti fue contratado por el gobierno de Juan Velasco Alvarado para trabajar en el Sistema Nacional de Movilización Social (SINAMOS). Allí estuvo junto a María Luy –su compañera de vida y arte–, para desarrollar proyectos

Francesco Mariotti, pionero del arte electrónico en el Perú, convirtió la luz en un lenguaje crítico y poético, tendiendo un puente entre tecnología, ecología y misticismo andino a lo largo de más de seis décadas de creación.

de arte en sectores populares. Además, organizaron los festivales Hatariy (1972) e Inkarri (1973 y 1974) en Cusco. En 1976 crearon el curso “Concepción y desarrollo de proyectos de arte y comunicación” en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, siendo la primera vez que se impartía en el país.

RETORNO A EUROPA

Francesco Mariotti entendió que el arte debía ser un huayco que arrasara con las élites. Por ello, junto a artistas como María Luy, Herbert Rodríguez y Juan Javier Salazar, fundó el colectivo E.P.S. Huayco (Estética de Proyección Social). Su obra más icónica es “ Sarita Colonia ” (1981), elaborada con miles de latas de leche recicladas sobre una duna de la Panamericana Sur.

COSAS PARA CASAS

Casa Rosselló

El gres es un acabado de alta resistencia. En Casa Rosselló lo podemos encontrar en colores como el rojo, crema y spanish gray, en formato 30 x 30 cm. Gracias a su durabilidad y estilo atemporal, es ideal para patios, terrazas y espacios interiores. Soporta alto tránsito y ofrece baja absorción y fácil mantenimiento.

Si lo que se busca es textura y carácter en cualquier rincón, otro material que podemos encontrar en Casa Rosselló es el Ladrillo Rococho, un material tradicional fabricado artesanalmente. Sus ligeras variaciones de tono y acabado generan profundidad visual, convirtiendo a los muros en los protagonistas del espacio. Funciona tanto en interiores como en exteriores, integrándose con distintos estilos arquitectónicos. Duradero y de bajo mantenimiento. Formatos: 6 x 20 cm, 6 x 24 cm, 10 x 10 cm, entre otros.

Sin embargo, Mariotti regresó a Suiza. De 1981 a 1986, colaboró con Rinaldo Bianda en la Galería Fabiana y en el Festival de Videoarte de Locarno, llegando a ser secretario general. En 1987 se trasladó a Zúrich, donde vivió y trabajó hasta 2025, realizando sus tecnoesculturas inspiradas en los tocapus incas y el comportamiento de los insectos, buscando reconectar al ser humano con la naturaleza.

Su última exposición fue “El pensamiento es un jardín híbrido”, presentada en el MALI y el MAC Lima. Ambas entidades destacaron que “ su incansable práctica artística y activismo cultural fueron siempre inseparables de su compromiso ético y su profunda convicción en relación al arte”. Descansa en paz, genio. •

El travertino peruano es una piedra natural que aporta calidez y durabilidad. Sus tonos cremas y beiges iluminan los espacios con una estética serena. Resistente al sol y al paso del tiempo, mantiene una temperatura agradable incluso en exteriores. Un revestimiento noble, versátil y fácil de mantener, pensado para proyectos que valoran la belleza natural. Formatos 60 x 60 cm, 30 x 60 cm, 20 x 20 cm, 10 x 10 cm, entre otros.

DIRECCIONES:

CHORRILLOS: Av. El Sol, cuadra 14. Urb. La Campiña

MIRAFLORES: Calle Dos de Mayo 664

www.rossello.com.pe

Facebook: CasaRossello

Instagram: @casarossello

James Turrell y la cúpula que redefine la percepción del cielo

La nueva instalación permanente en Dinamarca transforma la contemplación del rmamento en una experiencia arquitectónica, sensorial y temporal dentro de un museo.

En junio de 2026, el Museo de Arte ARoS Aarhus, en Dinamarca, abrirá al público “As Seen Below - The Dome”, una instalación permanente del artista estadounidense James Turrell. Concebida como un Skyspace, la obra se convertirá en la más grande realizada por el artista dentro de un contexto museístico.

@sierramueblesperú ›|

Con 16 metros de altura y 40 metros de diámetro, la estructura adopta la forma de una gran cúpula atravesada por un óculo central que enmarca el cielo. El acceso se realiza a través de un corredor subterráneo bañado por luz, que conduce al visitante hacia un espacio amplio donde la iluminación cuidadosamente calibrada modifica la percepción del color, la profundidad y la distancia.

ARQUITECTURA PARA LA PERCEPCIÓN

En “As Seen Below ”, la arquitectura no funciona como contenedor, sino como instrumento perceptivo. La luz se convierte en un elemento tangible que envuelve el espacio y altera la relación entre interior y exterior. El cielo aparece simultáneamente cercano y vasto, transformado por la interacción entre luz natural y artificial. Bancas dispuestas a lo largo del perímetro interior invitan a detenerse y observar cómo los cambios cromáticos afectan los sentidos. La experiencia no se basa en el desplazamiento, sino en la permanencia y la atención sostenida, permitiendo que cada visitante experimente el paso del tiempo de manera consciente.

LUZ, TIEMPO Y RITMO NATURAL

La obra cobra especial intensidad durante el amanecer y el atardecer. En esos momentos, sesiones de luz programadas dialogan con los ciclos naturales y las estaciones, anclando la visita al ritmo del día. Los colores se transforman gradualmente, el espacio parece expandirse o contraerse, y la frontera entre luz natural y artificial se vuelve difusa. Con “As Seen Below ”, ARoS completa su visión institucional conocida como The Next Level, y refuerza su posición dentro del circuito internacional del arte de instalación. Para James Turrell, quien desde la década de 1960 explora la luz como medio principal, esta obra reúne décadas de investigación sobre percepción, cielo y conciencia en una sola experiencia inmersiva y contemplativa. •

Alexander Calder vuelve a París con “Calder. Rêver en Équilibre”: más de trescientas obras y el regreso del mítico Cirque Calder celebran al artista que revolucionó la escultura con movimiento y equilibrio.

Por Renzo Espinosa Mangini

Equilibrio en el aire: Calder regresa a París

La Fundación Louis Vuitton presentará en abril de 2026 una ambiciosa exposición dedicada a Alexander Calder, con más de trescientas obras y el regreso del célebre Cirque Calder a París.

En París, la cuenta regresiva ya empezó. Del 15 de abril al 16 de agosto de 2026, la Fondation Louis Vuitton presentará “Calder. Rêver en Équilibre”, una de las exposiciones más esperadas del calendario cultural europeo y un gran homenaje a Alexander Calder, el artista que transformó la escultura al darle movimiento, juego y una nueva relación con el espacio.

La muestra conmemora dos fechas clave: los cien años de la llegada de Calder a la capital francesa y los cincuenta años de su fallecimiento. Un doble aniversario que sirve de punto de partida para revisar una obra que, desde los años 20 hasta los 70, cambió para siempre la forma de entender el arte moderno. Además, la iniciativa pondrá por primera vez en diálogo las obras del artista con los grandes espacios interiores y exteriores del edificio diseñado por Frank Gehry.

El recorrido reunirá cerca de trescientas piezas, entre móviles flotantes y stabiles –como el propio Calder llamaba a sus esculturas estáticas–, además de retratos en alambre, pinturas, dibujos, esculturas

en madera e incluso joyería concebida como pequeñas obras escultóricas. Obras que se mueven entre la precisión casi técnica y una libertad lúdica que sigue resultando sorprendentemente actual.

Uno de los grandes atractivos será el regreso del legendario Cirque Calder a París, por primera vez en quince años.

Prestada por el Whitney Museum of American Art, esta recreación circense de 1931, con acróbatas, animales y personajes en miniatura, devuelve a escena la idea de Calder de que la escultura no era solo un objeto, sino una acción viva. En estas funciones, el artista orquestaba verdaderas performances ante la vanguardia parisina,

“Dispersed Objects with Brass Gong” (1948), Shirley Family Calder Collection, prometido al Seattle Art Museum. Una composición suspendida que integra sonido y movimiento en un delicado juego espacial.

desdibujando los límites entre arte visual, teatro y juego.

El proyecto ha sido concebido en estrecha colaboración con la Calder Foundation, principal prestadora de la muestra, junto a importantes museos internacionales y colecciones privadas. Esta articulación permite una lectura amplia y rigurosa de su producción, abarcando más de medio siglo de creación y subrayando los ejes que atravesaron toda su obra: el movimiento, la gravedad, el equilibrio, el azar, la luz y la relación directa con el entorno.

Un punto de inflexión decisivo en su trayectoria fue su visita al estudio de Piet

1. “The Brass Family” (1929), colección del Whitney Museum of American Art, Nueva York. Una temprana exploración en alambre que anticipa su interés por el movimiento y la línea en el espacio.

2. “Aztec Josephine Baker” (1930), Calder Foundation, Nueva York. Retrato en alambre dedicado a la icónica artista, donde el gesto y la síntesis formal capturan su energía escénica.

3. “The Helices” (1944), Calder Foundation, Nueva York. Un ejemplo de sus investigaciones cinéticas, donde forma y equilibrio se activan con la más mínima corriente de aire.

4. Alexander Calder en su estudio parisino, espacio clave en su evolución artística, donde transformó el alambre, el aire y el azar en una nueva concepción de la escultura moderna.

Mondrian en París, en 1930. Impactado por la abstracción geométrica y la concepción del espacio como una experiencia total, Calder dio un giro definitivo hacia la no figuración. Al año siguiente, Marcel Duchamp acuñó el término “móvil” para describir sus esculturas cinéticas, obras que abandonaron los mecanismos para moverse con la más mínima corriente de aire, incorporando el tiempo como una dimensión esencial de la escultura.

La exposición también pone en contexto su universo creativo a través del encuentro con obras de amigos y contemporáneos como Jean Arp, Barbara Hepworth, Paul Klee, Pablo Picasso y Piet Mondrian. A esto se suma una selección de más de treinta fotografías de archivo firmadas por figuras clave del siglo XX –Henri Cartier-Bresson, Man Ray, Irving Penn, Agnès Varda, entre otros– que ofrecen una mirada íntima al artista, siempre en equilibrio entre vida y obra.

El recorrido culmina con las esculturas monumentales que Calder desarrolló entre las décadas de 1960 y 1970, piezas que redefinieron el arte público a gran

1. “Black Widow” (1948), Instituto de Arquitectos de Brasil, São Paulo. Una de sus esculturas monumentales, donde la tensión estructural se convierte en gesto escultórico.

2. Ugo Mulas, “Calder with Snow Flurry” (1948). El fotógrafo italiano retrata al artista en plena acción creativa, subrayando el vínculo entre obra, cuerpo y entorno.

escala. Instaladas en plazas, parques y espacios urbanos de todo el mundo, estas obras consolidaron su legado como uno de los artistas que transformaron de manera definitiva nuestra relación con el espacio, el paisaje y la escultura contemporánea.

“Calder. Rêver en Équilibre” se suma así a un renovado interés internacional por la obra del artista y confirma a París, una vez más, como el escenario natural para celebrar a quien supo encontrar equilibrio, movimiento y poesía en el aire. •

Gaudí en clave contemporánea

La Casa Batlló abre un nuevo capítulo: una galería de arte contemporáneo donde robótica, diseño experimental y memoria modernista se encuentran en equilibrio bajo una intervención sutil que escucha antes de imponer.

Por Alessia Carboni

La Casa Batlló de Antoni Gaudí, esa innovadora casa artnouveauen Barcelona, ha inaugurado una nueva galería de arte contemporáneo, justo a tiempo para conmemorar el centenario de la muerte del icónico arquitecto catalán y la designación de Barcelona como Capital Mundial de la Arquitectura 2026 por la Unesco-UIA.

Este espacio expositivo de 230 metros cuadrados, denominado Casa Batlló Contemporary, ha sido diseñado por el emergente estudio local de arquitectura y diseño Mesura. Se ubica en el segundo piso del edificio, en habitaciones que anteriormente no estaban abiertas al público. Diseñada por Gaudí entre 1904 y 1906 como una remodelación de un edificio de 1877, la Casa Batlló es un Sitio del Patrimonio Mundial de la Unesco y uno de los principales destinos turísticos de Barcelona, que abrió sus puertas para visitas públicas en 2002. Se destaca por su arquitectura orgánica, fluida y decorativa, conocida como modernisme, la versión catalana del art nouveau.

A lo largo de los años, el edificio ha experimentado importantes renovaciones, en las décadas de 1970 y 1990, pero la visión única de Gaudí ha perdurado gracias a los esfuerzos continuos de preservación y restauración.

UN NUEVO ESPACIO EN EL CORAZÓN DEL MODERNISMO

La nueva galería ocupa espacios que históricamente sirvieron como apartamentos

residenciales y, más tarde, como taller de conservación y mantenimiento. Ahora, se ha transformado en un lugar donde el público puede interactuar con el arte contemporáneo dentro de un hito arquitectónico cargado de historia. El espacio albergará

La escalera principal de la Casa Batlló sintetiza la arquitectura orgánica de Gaudí: madera curvada, muros ondulantes y luz natural ltrada desde lo alto, en un recorrido que convierte el tránsito en experiencia sensorial.

La nueva galería apuesta por una arquitectura silenciosa y neutra que permite que el arte sea protagonista, en un equilibrio entre memoria modernista y lenguaje contemporáneo.

1. El techo diseñado por Mesura introduce una intervención contemporánea: láminas metálicas moldeadas con tecnología robótica que evocan el movimiento del agua y re ejan la luz como una super cie líquida en constante cambio.

2. El patio interior, con su degradé de azules intensos, optimiza la entrada de luz natural y la ventilación. Aquí, color y función se funden en una de las soluciones más brillantes del modernisme catalán.

3. La icónica fachada ondulante, revestida en mosaicos cerámicos y balcones escultóricos, rea rma el carácter marino y fantástico de la obra. Un símbolo de Barcelona que hoy dialoga con el arte contemporáneo.

dos exposiciones al año, cada una destinada a explorar la visión de Gaudí a través de nuevas perspectivas y creatividad. Maria Bernat, directora de Casa Batlló Contemporary, explica que el proyecto requirió una intervención que pudiera dialogar con el presente mientras respeta el legado del edificio. Cree que el diseño de Mesura honra el espíritu de experimentación, artesanía e innovación material de Gaudí, al tiempo que mantiene su propio carácter distintivo. Mesura abordó el diseño con cuidado, para equilibrar la arquitectura contemporánea creativa con la sensibilidad histórica necesaria. “Nuestro enfoque no fue agregar, sino escuchar”, afirma Carlos Dimas, socio de Mesura. “Entendimos el proyecto como un diálogo con la obra de Gaudí en lugar de una imposición sobre ella”. El equipo adoptó la filosofía guía de Gaudí, que ve a la arquitectura como un organismo vivo, profundamente conectado con la naturaleza.

INNOVACIÓN Y ROBÓTICA: EL TECHO METÁLICO DISEÑADO POR MESURA

El gesto principal en el espacio es un techo

ondulante y metálico, inspirado en una gota de agua cayendo sobre una superficie calma. Hace referencia al mar Mediterráneo que enfrenta Barcelona, y refleja las líneas onduladas tan centrales en la geometría inspirada en la naturaleza de Gaudí. El metal fue elegido por su capacidad para reflejar la luz y evocar el agua, comportándose “casi como una superficie líquida, en constante cambio”, según Dimas.

Para crear este techo, Mesura colaboró con Oxido Studio, un especialista local en ingeniería, artesanía y producción digital. Juntos, adaptaron un proceso industrial comúnmente usado en el sector automotriz, llamado conformado de metal por impulsión, utilizando un brazo robótico para moldear láminas de aluminio de 1,2 mm de espesor en formas ondulantes basadas en ondas concéntricas.

El otro elemento nuevo es el piso hecho de microcemento, que se completará en mayo de 2026 con un tono verde, recogiendo los matices de la fachada cubierta de mosaicos y profundizando la conexión con la naturaleza. Su superficie lisa y calmada está diseñada como un contrapunto al techo dinámico superior.

BARCELONA 2026: DIÁLOGO ENTRE EL LEGADO DE GAUDÍ Y EL ARTE ACTUAL

Intervenir en la obra maestra de Gaudí fue “tanto un privilegio como una responsabilidad”, dice Dimas. “Gaudí no es solo una referencia en nuestra profesión; es una figura cultural que trasciende la arquitectura y forma parte de nuestra identidad colectiva en Barcelona. Su trabajo ha moldeado el alma y la imaginación de la ciudad”.

La Casa Batlló “lleva un peso histórico y simbólico extraordinario” agrega, “y trabajar en ella requiere entender que el edificio en sí debe permanecer siempre como el protagonista”.•

Leer la ciudad a través de sus esculturas

Por siglos, los monumentos de Lima han sido testigos mudos del trajín diario. Hoy, la colección “Monumentos en el Bicentenario” rompe ese silencio, invitándonos a descubrir que cada escultura no es un objeto inerte, sino una página viva de nuestra historia cultural y estética.

Por Daniel Crespo Pizarro

Caminar por el centro histórico de Lima es, a menudo, un ejercicio de “miopía urbana”. Pasamos frente a imponentes figuras de mármol y bronce sin advertir los debates políticos, los anhelos de modernidad o el virtuosismo técnico que les dieron origen. La colección “Monumentos en el Bicentenario”, una ambiciosa obra de cinco volúmenes, llega para cambiar esta perspectiva.

Fruto de una rigurosa investigación liderada por PROLIMA y un equipo de historiadores del arte de la UNMSM, esta serie no solo cataloga, interpreta. A lo largo de más de 2700 páginas, historiadores e historiadores del arte proponen una lectura que integra archivo, análisis visual e interpretación historiográfica, con un objetivo claro: comprender cada monumento como una obra de arte inserta en un contexto social, político y espacial específico.

Uno de los aportes centrales de la colección es desplazar la mirada tradicional que reduce estas esculturas a símbolos estáticos o a simples hitos

Relieve del Monumento Dos de Mayo: la escena bélica, trabajada con minucioso detalle, revela cómo la escultura pública del siglo XIX fue concebida como un altar cívico, donde el sacri cio y la patria se funden en bronce.

Monumento al Libertador Simón Bolívar, Plaza del Congreso. La gura ecuestre, de modelado preciso y gesto contenido, traduce en bronce la épica republicana que marcó el siglo XIX.

Farola de Las

frente a la Plaza San

Inspirada en el imaginario clásico, esta luminaria escultórica combina ornamento y función en pleno corazón republicano.

urbanos. Aquí, cada conjunto es examinado desde su génesis: los debates que rodearon su encargo, las decisiones formales y materiales, los referentes estéticos de sus autores, su relación con el entorno y las transformaciones simbólicas que ha experimentado con el paso del tiempo. Esta perspectiva permite entender por qué, durante décadas, estas piezas fueron concebidas como verdaderos altares de la patria, destinados a encarnar valores cívicos, ideales republicanos y modelos ejemplares para la ciudadanía. La estructura de la colección responde a un criterio diacrónico y

Alegoría del Invierno, conjunto “Las Estaciones”. En Paseo Colón con Wilson, el anciano abrigado y la leña a sus pies traducen en mármol el frío estacional, llevando una escena cotidiana al lenguaje simbólico de la ciudad.

urbano. El primer volumen se concentra en las esculturas del siglo XIX, surgidas en el tránsito de una Lima amurallada hacia una ciudad en expansión, marcada por una narrativa fundacional y por vínculos culturales con Europa.

El segundo y el tercero abordan el siglo XX, un periodo atravesado por la memoria de la Guerra del Pacífico, las celebraciones centenarias, la exaltación de las ciencias y las letras, y la presencia simbólica de distintas comunidades extranjeras. El cuarto volumen se sitúa en el contexto del Oncenio de Leguía y el proyecto de modernización urbana de Santa Beatriz.

El quinto, bajo el subtítulo “Monumentos en diáspora”, rastrea esculturas que fueron desplazadas, descontextualizadas o desaparecidas, revelando una historia menos visible del patrimonio limeño.

Monumento a Cristóbal Colón. El conjunto escultórico, de liación académica y elaborado en mármol, articula una narrativa fundacional donde la gura del navegante se erige como símbolo de descubrimiento y expansión.

la

Elevada sobre su columna en la entrada del camposanto, la gura alada sintetiza el lenguaje clásico de la escultura pública limeña: arte y memoria fundidos en bronce, como una promesa de trascendencia que dialoga con la ciudad y su historia.

Fuente de los Tritones, Plaza Italia. Ubicada en la intersección de los jirones Junín, Huallaga y Huanta, la estructura se compone de una amplia taza basal, dos cuerpos superpuestos y una e gie alegórica –identi cada como Bona Dea o la Abundancia– que corona el conjunto, integrando simbolismo clásico y vocación ornamental en pleno casco urbano limeño.

A este recorrido se suma un trabajo visual de especial cuidado. Las imágenes no solo documentan, sino que argumentan: permiten apreciar detalles formales inaccesibles a simple vista y ponen en valor la destreza técnica y expresiva de escultores nacionales y extranjeros. La restauración digital de fotografías históricas, realizada bajo el principio de mínima intervención, refuerza ese diálogo entre pasado y presente.

“Monumentos en el Bicentenario” no busca clausurar interpretaciones, sino abrirlas. Invita tanto al lector especializado como al público general a detenerse, observar y preguntarse por el sentido de estas obras en la ciudad contemporánea. Leer esta colección es, en última instancia, una forma de recuperar la memoria material de Lima y asumir que su patrimonio escultórico no pertenece solo al pasado, sino a una ciudadanía que está llamada a reconocerlo, comprenderlo y protegerlo. •

El proyecto DVD transforma este segundo nivel en un gran espacio social donde estructura metálica expuesta, madera y piedra dialogan en equilibrio. Un ambiente diseñado para reunirse, conversar y disfrutar.

Proyecto DVD: un segundo nivel pensado para vivir y compartir

En este dúplex diseñado por la arquitecta e interiorista Naike Malachowski, el segundo piso se convierte en un gran espacio social donde la madera, el metal y la luz construyen una atmósfera cálida y auténtica.

El comedor se despliega en dos escenas conectadas: adentro, la mesa Cona y las sillas Kevin, piezas de Sierra Muebles, dialogan con el arte y la estructura metálica; afuera, las sillas Bertoya acompañan el comedor exterior que, bajo lámparas de bras naturales, prolonga la experiencia social hacia el paisaje.

En San Isidro, el proyecto DVD parte de una idea clara: este segundo nivel debía ser el contrapunto del primer piso. Si abajo la dinámica es más íntima y familiar, aquí la consigna fue crear un lugar para reunirse, hacer parrillas, ver televisión, conversar por horas y recibir amigos sin perder sofisticación.

Desde el inicio, los propietarios tenían algo muy definido. Aman el diseño, pero no querían un espacio ostentoso. Buscaban un ambiente coherente con su estilo de vida relajado, auténtico y sin artificios. Esa premisa marcó cada decisión.

ARQUITECTURA QUE SE ASUME

La estructura metálica expuesta –vigas y

columnas visibles– fue el punto de partida. En lugar de ocultarla, se decidió potenciarla. Todo se trabajó en un tono oscuro que abraza el espacio y genera contraste. Sobre esa base fuerte, la madera aparece en capas: en pisos, celosías, planos verticales y mobiliario. El resultado es un interior contemporáneo, con carácter, pero cálido.

Uno de los grandes retos fue integrar múltiples funciones en un mismo ambiente: chimenea, bar, una televisión de gran formato y amplias zonas de conversación. La clave estuvo en entender el núcleo de concreto del ascensor como eje articulador. Lejos de esconderlo, se convirtió en protagonista. El frente que integra chimenea, bar y TV consolida arquitectura

más que sumar objetos, y logra “neutralizar” visualmente la pantalla dentro de un conjunto equilibrado.

La celosía de madera y fierro en el ingreso-comedor aporta profundidad sin dividir. Los sofás amplios y la selección contenida de piezas permiten que el espacio respire.

MATERIALES CON NARRATIVA

Desde el inicio se optó por una paleta acotada. La piedra talamoye se utilizó en pisos, muros y también en el área de BBQ exterior, unificando el lenguaje material. La madera equilibra el peso del metal y genera continuidad; el cuero y las fibras naturales aportan textura y tactilidad.

El punto de partida conceptual fue un cuadro negro de los inicios de Gam Klutier, que ayudó a definir el tono cromático y a balancear el peso visual de las vigas. En el comedor, una fotografía de Renzo Rebagliati –una arbolada en México– introduce profundidad y conecta con el exterior. Los muebles del comedor interior pertenecen a Sierra Muebles, reforzando la coherencia material y la línea contemporánea del proyecto.

La iluminación fue determinante. En un espacio con estructura expuesta y base oscura, la luz debía ser estratégica y cálida. Rieles minimalistas, luminarias

El núcleo de concreto articula chimenea y televisión en un solo frente limpio. Sofás amplios, madera y metal en equilibrio de nen un ambiente contemporáneo y acogedor, pensado para reunirse y disfrutar.

empotradas y luz indirecta acentúan madera, concreto y arte, generando capas sin sobreiluminar.

UNA TERRAZA PARA VIVIR

Si hay un corazón en este proyecto, es la terraza. Con vista a eucaliptos, se trabajó el paisajismo para diluir el límite entre interior y exterior. Más vegetación en el perímetro, iluminación sutil con estacas y grandes lámparas de fibras naturales permiten que el espacio funcione tanto de día como de noche.

La piedra talamoye continúa aquí, reforzando la idea de unidad. El área de parrilla y la barra se integran a un gran comedor exterior bajo estructura metálica, donde las texturas naturales dialogan con el verde del entorno. Incluso se reutilizaron sillas que los clientes ya tenían, combinándolas con piezas de madera más rústicas para mantener esa sensación relajada y honesta.

DVD no es un departamento para exhibir; es un espacio para habitar. Aquí el diseño no impone, más bien acompaña. Y cada material, cada plano y cada luz están pensados para algo muy simple: disfrutar.•

EL COMEDOR: ENTRE REPRESENTACIÓN Y COTIDIANIDAD

El comedor ocupa un lugar ambiguo en la casa: es escenario y rutina, excepción y repetición. Entre la formalidad del comedor principal y la intimidad del diario, la mesa sigue siendo el lugar donde se negocian decisiones, se celebran acuerdos y se construye convivencia.

POR SEBASTIÁN CILLÓNIZ

www.cllz.pe

@cllz_arquitectura

Arquitecto y docente, formado en la Ponti cia Universidad Católica del Perú (PUCP) y con un Master of Advanced Architectural Design por la Universidad de Columbia en Nueva York. Combina la práctica profesional con la re exión crítica sobre la vivienda y los espacios cotidianos, entendiendo el diseño como una herramienta para pensar, ordenar y mejorar la vida diaria con rigor, sensibilidad y criterio técnico. Ha sido reconocido con el Hexágono de Oro (Plan Selva, 2016) y ha participado en proyectos curatoriales como “Living Scaffolding”, Pabellón del Perú en la Bienal de Arquitectura de Venecia. Actualmente dirige Sebastián Cillóniz Arquitectura, donde desarrolla proyectos residenciales que integran claridad conceptual, buen gusto y una gestión consciente del presupuesto, acompañando a sus clientes en decisiones complejas con solvencia intelectual y precisión proyectual.

“El Almuerzo” - Antonio Berni (1947) La mesa como escena social. La representación doméstica también deja entrever estructuras sociales que exceden lo íntimo.

Podemos pensar que la casa se organiza en espacios infraestructurales y espacios que no lo son. Vimos en la columna pasada que la cocina puede entenderse como el lugar donde se produce, se organiza y se acelera la vida doméstica. El comedor aparece como su contrapuesto natural: el espacio donde la producción se suspende y se privilegia el encuentro. No es casual que, históricamente, el comedor haya sido uno de los ámbitos más cargados de significado dentro de la vivienda. Allí no solo se come; allí la casa se muestra, se representa y ensaya una forma de vida compartida.

En las casas limeñas de casi cualquier sector social suelen existir, de manera explícita o velada, dos comedores. Por un lado, el comedor de diario, muchas veces dentro de la cocina, o reemplazado por la barra del counter, que asiste a lo cotidiano: comer algo antes de salir al colegio o al trabajo, una cena rápida, una conversación interrumpida. Por otro, el comedor principal: el espacio cuidadosamente dispuesto para recibir visitas, entretener gastronómicamente, celebrar ocasiones especiales. Es el espacio de la hospitalidad. Uno representa, el otro sostiene. Uno aparece en las fotos, el otro estructura la rutina. La representación, sin embargo, aún deja ver tensiones de jerarquías sociales al interior de la casa.

En Lima, esta duplicidad no es redundante. Expresa dos ideas culturales que se han imbricado con el tiempo. El comedor principal responde a la excepción, al evento y a la mirada del otro. El de diario pertenece a la repetición y a la intimidad. Entre representación y convivencia

Sarah Wigglesworth“Dining Tables” (2001) La mesa como dispositivo. Wigglesworth registra el comedor como campo dinámico de cuerpos, objetos y trayectorias.

se insertan las ideas de eficiencia e integración espacial heredadas de la posguerra europea, que acercan la mesa a la cocina por practicidad, pero sin eliminar del todo su espacio propio. Nuestra cultura local no ha renunciado a la sobremesa, y para que esta exista se necesita un lugar donde el tiempo pueda extenderse más allá de la preparación de la comida.

En este cruce aparece un híbrido particular: comedores funcionales, integrados, abiertos, que no están pensados para comer rápido. Comer en Lima sigue siendo, incluso en el día a día, un acto social. Alrededor de estas mesas se toman decisiones familiares, se discuten conflictos, se celebran acuerdos, se transmiten historias, se heredan posiciones. Cabe preguntarse si el auge de nuestra gastronomía en las últimas décadas no ha reforzado esta condición. Cocinar y comer han dejado de ser meros trámites domésticos para convertirse en prácticas culturalmente valoradas. La mesa recupera centralidad, no solo como mueble, sino como escenario de conversación.

La pandemia terminó de tensionar esta condición. El comedor, tradicionalmente un programa estable, absorbió funciones inesperadas: oficina, aula, espacio de reunión permanente. Reveló así una flexibilidad latente que lo aleja de su definición clásica. Hoy, más que un recinto exclusivo para comer o recibir, el comedor se perfila como una infraestructura social de la casa: un espacio donde alimento, tiempo, conversación y conflicto se entrelazan para sostener la vida en común. •

Por Alessia Carboni Fotos: Renzo Rebagliati

El arte de materializar emociones en el hogar

La arquitecta de interiores Camila Nossar revela cómo transformó un departamento familiar en un refugio sensorial donde la psicología y el escaparatismo convergen para crear espacios con alma propia.

Para Camila Nossar, el diseño de interiores no comienza con un plano, sino con una conversación profunda. La arquitecta y especialista en visual merchandising sostiene que su proceso creativo parte de conocer "profundamente al cliente", priorizando el sentir sobre la estética superficial. En su más reciente proyecto residencial, Nossar demuestra que el verdadero lujo no reside en las tendencias, sino en la capacidad de un espacio para actuar como un espejo emocional de quienes lo habitan.

"No empezamos trabajando pensando en que el espacio se va a ver lindo o decorado; empezamos entendiendo qué quiere sentir la persona que va a habitarlo", explica la diseñadora. En este caso particular, el reto consistió en interpretar las necesidades de una psicóloga especializada en ansiedad que buscaba un refugio de calma, pero con "pequeñas sorpresas" que evitaran la monotonía.

EL EQUILIBRIO ENTRE LA CALMA Y LA EMOCIÓN

El resultado es un departamento que transmite neutralidad a primera vista, pero que esconde una gran riqueza de texturas y contrastes. Nossar describe su metodología como un "diseño desde la psicología y desde lo sensorial", una filosofía que busca que el cliente, al finalizar la obra, sienta que el espacio es genuinamente suyo.

A pesar de la paleta predominantemente neutra, la diseñadora logró que el espacio "grite" sin necesidad de estridencias, basando su estrategia en una meticulosa mezcla de texturas y materiales. Según detalla Nossar, la clave reside en el uso de diversas maderas en lugar de un solo tipo, integrando además una combinación equilibrada de componentes naturales y artificiales junto a capas de tapices elegidos cuidadosamente por la sensación específica que transmiten al tacto y a la vista.

"Se trata de ir jugando con matices, capas y contrastes sutiles que hacen que

el espacio, aunque neutro, esté lleno de profundidad", afirma la experta, subrayando que cada pieza fue diseñada a medida para dotar al ambiente de una personalidad propia y una riqueza sensorial única.

LA SORPRESA COMO RECURSO NARRATIVO

Uno de los puntos focales del proyecto es el mueble bar, una pieza que Nossar destaca como especial. Este elemento resume su enfoque emocional: presenta una trama exterior que cambia según la

incidencia de la luz, pero al abrirse, revela un interior rojo intenso.

Según la experta, este es un "guiño a la psicología de las emociones", evocando sorpresa e intensidad en medio de la serenidad del salón.

Esta capacidad de generar impacto visual proviene de su extensa trayectoria en el mundo comercial. Durante doce años, Nossar trabajó como escaparatista, una "gimnasia creativa" que hoy aplica al ámbito residencial. "Cada cliente es un mundo distinto y el espacio es como

una vitrina donde puedo explotar el arte de forma original", comenta, recordando cómo la experiencia de diseñar vitrinas de zapatos y perfumes le enseñó a adaptar su mente a escenarios radicalmente distintos.

LUZ Y ARTE: LOS PILARES DE LA ATMÓSFERA

La luz de Lima, a menudo gris y particular, es otro factor determinante en su obra. Nossar confiesa que lo primero que hace al visitar un espacio es "sentir la luz natural" para entender cómo evoluciona desde la

En este proyecto, la neutralidad cobra vida mediante una mezcla experta de maderas y tapices. El lujo se mani esta en capas sensoriales que invitan al tacto, huyendo de las tendencias genéricas.

Más allá de la estética, Camila Nossar diseña basándose en el sentir. Al priorizar la psicología del habitante, logra que cada rincón funcione como un refugio de calma personalizado.

La atmósfera de este departamento nace del estudio meticuloso de la luz natural de Lima.

mañana hasta el final del día. Solo después de este análisis, desarrolla la composición y la iluminación artificial que potenciará la experiencia, logrando que los objetos y la funcionalidad dialoguen en armonía.

Finalmente, el arte aparece como la "coronación del proyecto". En este departamento, la selección de piezas fue una búsqueda conjunta en la que Nossar acompañó a los clientes a diversos talleres y galerías hasta encontrar obras que "realmente les movieran el alma".

En este apartado, destacan piezas de gran fuerza visual: sobre la credencia reposa una pintura y una escultura de la artista peruana Silvana Pestana, mientras que el sofá es custodiado por un cuadro de Ham Gutier. La iluminación de este entorno artístico se completa con una lámpara de la firma Moooi.

Al alejarse de las tendencias pasajeras —las cuales afirma no mirar como guía principal—, Camila Nossar logra un equilibrio donde la arquitectura de interiores se convierte en una herramienta para alcanzar la felicidad tangible. •

Casa de campo: una selección para habitar con estilo

Una curaduría de diseño de autor peruano –con piezas de Puna Studio, Luciana Gamarra Studio, Layers y Las Pallas, entre otros– que suma textura y carácter a una casa de campo.

Por Micaela Simón

Tres obras de arte: El sofá Osiris, con brazos y respaldar reclinables, brinda máximo confort y calidez. Las poltronas Hadid, de diseño curvo y espuma extrasuave, aportan comodidad. La mesa Le Tour, en mármol, suma elegancia.

LAS PALLAS Espejo isabelino hecho a mano y pintado por el revés, inspirado en diseños coloniales, una pieza que combina historia y carácter decorativo. Precio: S/2800. @ artesania.laspallas

SOFISTIA Juego de ajedrez geométrico, hecho en Perú, tallado a mano en alabastro andino. Precio: S/2500. @so stia

PUNA STUDIO Plato Culto 3 en gres de alta temperatura, torneado y pintado a mano por artesanos locales, parte de la colección Culto. Precio: S/130. @puna_lima

ALFOMBRAS ÁMBITO HOME

En Ámbito Home se crean alfombras que abrazan tus espacios. Las bras, texturas y diseños de estas piezas están pensados para durar. Hechas a medida, son resistentes y llenas de calidez para cada ambiente.

PUNA STUDIO Serrucho 02 es un aparador de silueta dentada inspirado en patrones textiles ancestrales, con patas cilíndricas elaborado en madera sólida. Precio: S/10.700. @puna_lima

SOFISTIA Set de piezas en cerámica pintadas a mano que incluye 2 bowls medianos (15 cm), 1 plato de 27 cm y 1 plato de 20 cm. Precio: S/570. @so stia

GALERIA INDIGO

Tótem de María Pía Martínez, escultura en cerámica (33 x 30 cm) presentada en la exposición Carpe Diem. Obra disponible a pedido.

ARTESANOS DON BOSCO

Sillón Florencia elaborado en madera de nogal en color natural no teñido. @artesanosdonboscolima Precio: S/3970.

CASA STRATA

Alfombra en piel natural exótica jaspeada, con acabado en glicerina y contraborde en piel natural antideslizante de Alexandra Bryce. Precio: US$1170. @casastrata

LAYERS Alfombra Fos de diseño plano, elaborada en lana de ovino de 3 cabos con base de polipropileno y látex de caucho natural con doble backing. Precio: S/2730. @layers.pe

idóneo para casas de campo. De aspecto sobrio, se integra de manera natural con el paisaje. Es resistente, durable y adecuada, soporta cambios de clima y uso continuo.

NUMI FURNITURE Bulda es un sofá escultórico de marca peruana de formas suaves y redondeadas, inspirado en piedras erosionadas y tapizado en tela europea. Precio: US$5350

LUCIANA GAMARRA STUDIO Wavy Espresso Cup hecha a mano en arcilla natural, con exterior texturizado y esmalte interior azul. Precio: S/50.

ROBERTO HUARCAYA Artista peruano. (2019) Niños Danzantes de Tijeras #2. Fotograma de 3,60 x 1,08 metros, de la colección “Danzas Andinas”. Disponible a pedido.

MONOCROMO

Mesa lateral en madera con diseño grá co de tablero de ajedrez en blanco y negro. Compacta y funcional, ideal como mesa auxiliar. Precio: US$1100. @monocromo_lima

Por Renzo Espinosa Mangini Fotos: Renzo Rebagliati

La Casa Sert revive en Pachacámac como un manifiesto del patio moderno

La icónica casa patio que José Luis Sert proyectó para Chimbote en los años 40 y construyó en Cambridge en los 50 hoy tiene una nueva vida en Pachacámac.

El diseñador y gestor cultural Armando Andrade replicó esta joya de la arquitectura moderna, convirtiéndola en un refugio donde arte, memoria y luz dialogan alrededor de un patio central.

El comedor se abre hacia el patio central, rea rmando el corazón introspectivo de la casa. Las obras dialogan con la arquitectura moderna, tal como lo imaginó Sert: arte y vida cotidiana compartiendo un mismo espacio.

En Pachacámac, lejos del ruido de la ciudad y con el cielo abierto como telón de fondo, una casa dialoga con la historia. No es una vivienda más: es la reinterpretación peruana de la mítica Casa Sert, diseñada por el arquitecto catalán José Luis Sert en Cambridge, Massachusetts, a mediados de los años 50. Lo que pocos saben es que esa casa nació antes como una idea para Chimbote.

Gracias al diseñador y gestor cultural Armando Andrade, ese proyecto inconcluso en el norte del Perú encuentra, décadas después, una versión tangible en suelo limeño. La casa no es una copia literal, sino una réplica conceptual, fiel al espíritu del patio como corazón del habitar moderno.

DEL SUEÑO DE CHIMBOTE A CAMBRIDGE

En 1943, el gobierno estadounidense impulsó un ambicioso plan para convertir Chimbote en el gran puerto de América del Sur. Sert fue convocado para diseñar parte de esa nueva ciudad. Dentro de ese

proyecto, ideó una casa patio pensada para el clima del norte peruano: ventilación cruzada, orientación solar precisa y espacios contenidos pero generosos.

El golpe de Estado de Manuel Odría frustró el plan. La ciudad soñada no se construyó. Sin embargo, Sert retomó esa idea años después, cuando era decano de la Escuela de Arquitectura de Harvard y levantó en Cambridge su famosa Casa Sert (1957-1958). Allí, el patio central se convirtió en eje organizador y símbolo de introspección.

“La fachada no existe, no sacrificamos nada hacia afuera”, escribió Sert sobre su casa, definiéndola como un

El patio y la piscina extienden la casa hacia el exterior sin perder intimidad. La arquitectura se repliega hacia adentro, privilegiando la luz y la ventilación como parte esencial del diseño.

espacio introspectivo, volcado hacia su interior.

EL PATIO COMO CORAZÓN

La casa que Armando Andrade construyó en Pachacámac retoma esa esencia: dos volúmenes paralelos conectados por un patio central que articula la vida diaria. La división es clara y funcional: zona de día y zona de noche, con la cocina como punto de encuentro.

El patio no es solo un gesto estético. Es transición, luz, ventilación y pausa. Permite que el interior y el exterior se mezclen sin dramatismo. Las alturas controladas –cercanas a los 2,26 metros,

como en la casa original– generan una escala humana que evita la grandilocuencia. Aquí no hay excesos, sino proporción.

Andrade utilizó el Modulor de Le Corbusier como guía de medidas, respetando la lógica moderna, que prioriza la experiencia del cuerpo en el espacio. “Es impresionante sentir que los techos nunca se sienten pesados ni bajos”, comenta. “Visualmente, esa lateralidad expande la casa y logra un intercambio constante entre interior y exterior”. La ejecución del proyecto estuvo a cargo de Casa Roselló, responsable de los exteriores, la fachada y los interiores,

materializando con precisión esta reinterpretación contemporánea del diseño original de Sert.

La casa en Pachacámac también mantiene otro elemento central del proyecto de Sert: la chimenea como núcleo simbólico. No solo calienta; reúne. Andrade lo recuerda desde la memoria familiar: “Mi madre decía que el fuego no solo calienta el cuerpo, sino también el alma”. Pero hay una dimensión aún más personal detrás de esta réplica en Pachacámac. Andrade no la concibió solo como un ejercicio arquitectónico o cultural, sino como un proyecto de vida compartido. “Quizás el motivo más importante para construir esta casa fue el deseo de que me acompañase hasta la vejez al lado de mi esposa”, escribe. Las ampliaciones y ajustes en la parte posterior no fueron decisiones técnicas aisladas, sino el resultado de conversaciones largas y cotidianas entre ella, la casa y él.

UNA CASA PARA EL ARTE Y LA MEMORIA

Más que una vivienda, esta casa funciona como un museo íntimo. Sert concebía sus

espacios como escenarios para vivir el arte cotidianamente. En Cambridge, integró cerámicas de la cultura Chancay, pinturas cusqueñas y una obra monumental de Joan Miró.

En Pachacámac, Andrade sigue esa lógica. Cada muro sostiene recuerdos: cuadros perseguidos en galerías limeñas, piezas que dialogan con la arquitectura sin imponerse. La casa no exhibe; convive.

“El libro me abrió otras perspectivas”, recuerda Andrade sobre su descu-

En la zona social, el color y el arte contemporáneo conviven con una escala doméstica precisa. La proporción y la calidez reemplazan cualquier exceso, rea rmando la esencia moderna del proyecto.

ARQUITECTURA MODERNA EN CLAVE PERUANA

brimiento juvenil de Sert. “Aquella frase – ‘Hay un momento en la vida en que uno tiene que traer todo su bagaje cultural’–dejó de ser una cita para convertirse en el acto fundacional de mi existencia”. Esa declaración explica el sentido profundo del proyecto. No se trata solo de replicar una obra moderna. Se trata de traer a casa un linaje cultural, de cerrar un círculo histórico que empezó en Chimbote, se materializó en Cambridge y hoy encuentra eco en Pachacámac.

Cada ambiente funciona como un pequeño museo íntimo. Pinturas, textiles y objetos personales se integran al espacio con naturalidad, en una casa pensada para habitar el arte todos los días.

La casa de Pachacámac confirma que la arquitectura moderna no es fría ni distante cuando está bien entendida. El patio central, la luz controlada, la ventilación cruzada y la escala doméstica construyen un espacio cálido, introspectivo y profundamente humano.

En un momento en que muchas viviendas privilegian la fachada y la exhibición, esta casa apuesta por lo contrario: mirar hacia adentro. Como escribió Sert, es una arquitectura que no “sacrifica nada hacia afuera”. La experiencia está en el recorrido, en el patio bañado por el sol, en el tránsito fluido entre estancias.

La réplica de Armando Andrade no es nostalgia ni homenaje vacío. Es una declaración: la modernidad latinoamericana sigue viva cuando se entiende su esencia.

En Pachacámac, la casa que Sert soñó para Chimbote respira otra vez. Y alrededor de su patio central, la historia, el arte y la vida cotidiana vuelven a encontrarse.•

Por Alessia Carboni

Tendencias en casas de campo 2026: evolución hacia espacios sostenibles y auténticos

Más allá del retiro de n de semana, el diseño rural evoluciona hacia una arquitectura de vida plena, donde la sostenibilidad invisible y la honestidad material dictan las nuevas reglas del lujo en el paisaje peruano.

Las casas de campo han dejado de ser estructuras estacionales para convertirse en residencias principales o refugios de larga estancia. Esta transformación ha impulsado una tendencia que prioriza la eficiencia térmica, la autosuficiencia y una estética "silenciosa". Ya no se busca replicar el estilo rústico tradicional de forma literal, sino crear espacios que dialoguen con el entorno a través de materiales vernáculos como la piedra y el barro, pero bajo un estándar de confort contemporáneo y tecnológico.

En este nuevo paradigma, el lujo no reside en la opulencia, sino en la coherencia funcional. La tendencia actual apuesta por una paleta de colores minerales y texturas orgánicas que permiten que la vivienda se mimetice con el territorio. Se trata de una "súper evolución" del sector, donde la artesanía local y el diseño de bajo mantenimiento se unen para garantizar que la arquitectura envejezca con dignidad frente a los desafíos climáticos.

Para profundizar en este cambio de enfoque, conversamos en entrevista exclusiva con CASAS con Montserrat Gonzalez, arquitecta de interiores con más de tres décadas de trayectoria en proyectos rurales, quien nos revela las claves de un diseño que trasciende lo estético.

La arquitectura rural de hoy rompe el molde de lo estacional para crear hogares que respiran y funcionan los 365 días del año.

Para la arquitecta de interiores, el concepto de la casa de campo ha dejado de ser una simple "escapada romántica" de fin de semana. Según explica la especialista, nos encontramos ante un cambio de paradigma que prioriza un estilo de vida coherente y eficiente los 365 días del año. “No estamos viendo una tendencia estética, sino un cambio de enfoque completamente distinto a lo trillado y estereotipado”, afirma Gonzalez, subrayando que la arquitectura actual busca una relación genuina con el paisaje en lugar de limitarse a códigos visuales predecibles.

DE LA AMBIENTACIÓN

A LA PERMANENCIA

La evolución del sector se aleja del tradicional “estilo campestre” para enfocarse en lo que Gonzalez denomina “arquitectura honesta”. Esta visión se sostiene en la integración climática y el uso de materiales que respondan al entorno. Para la entrevistada, la diferencia clave del diseño contemporáneo radica en que “hoy se piensa en permanencia, no en ambientación”, un salto cualitativo que ella considera una “súper evolución” más que una moda pasajera.

Al elegir colores minerales y tonos tierra, la vivienda deja de competir con el paisaje peruano para convertirse en parte de su ADN.

En este nuevo escenario, el equilibrio entre lo rústico y lo moderno no se trata de una mezcla azarosa, sino de saber jerarquizar los elementos. Gonzalez advierte que el error más común es intentar que todo tenga protagonismo. Por el contrario, sugiere que si la arquitectura es contundente —con materiales como piedra o adobe— el mobiliario debe ser “silencioso, sencillo y limpio”. Según la experta, el confort real no es solo visual: “Se estudia la

calidad térmica, los buenos cerramientos y la acústica”, integrando tecnología que aporte calidad de vida sin romper la conexión natural.

MATERIALIDAD Y UNA PALETA CON PROFUNDIDAD

En cuanto a la materialidad y el color, Gonzalez apuesta por una atmósfera construida a través de la textura. Recomienda el uso de piedra natural por su inercia térmica,

madera maciza por su acústica y revestimientos minerales como la arcilla o la cal por su transpirabilidad. Para la paleta cromática 2026, la especialista huye de los colores planos y propone tonos minerales y quebrados, tales como arenas cálidas, gris piedra, verde musgo y marrones profundos. En este esquema, el blanco puro pierde terreno por “aplanar” el espacio frente al paisaje; en su lugar, Gonzalez utiliza un blanco cremoso de Suvinil llamado “Cordillera de los Andes”, el cual aporta calidez y permite que la arquitectura respire entre la suma de texturas.

EL FUTURO: SOSTENIBILIDAD INVISIBLE

Mirando hacia adelante, la sostenibilidad se posiciona como la base estructural de cualquier proyecto. Para Montserrat Gonzalez, el futuro inmediato incluye la autosuficiencia energética y la gestión inteligente del agua, pero con una salvedad: “La tecnología, en entornos rurales, debe ser discreta, no invasiva”. El objetivo es lograr un diseño de bajo mantenimiento pero de alto impacto ambiental.

Finalmente, el toque maestro de sus proyectos reside en un estilismo con identidad. Gonzalez rechaza el uso de objetos como “relleno” y opta por incor-

En lugar de objetos de catálogo, la tendencia dicta rodearse de artesanía local y muebles que cuenten una historia real, dejando que la estructura hable por sí misma.

porar artesanía auténtica del lugar y piezas utilitarias que reflejen la vida real de la zona. “Actualizar no es añadir; es depurar y refrescar con equilibrio”, concluye la experta, cuya filosofía no se basa en seguir modas, sino en una lectura profesional y vivida del territorio rural.

EL NUEVO ESTÁNDAR DEL LUJO RURAL

En definitiva, las tendencias actuales para casas de campo marcan el fin de la decoración puramente ornamental. El diseño contemporáneo exige viviendas que no solo se vean bien en una fotografía, sino que funcionen como organismos vivos y autosuficientes en su entorno. La integración de la tecnología invisible, la apuesta por materiales que envejecen con dignidad y el retorno a una paleta cromática extraída de la tierra misma, definen el nuevo estándar de bienestar.

Más que una corriente estética, estamos ante un compromiso con la longevidad y el respeto por el territorio peruano. Como bien señala la filosofía detrás de estos proyectos, el futuro de la arquitectura rural no consiste en añadir elementos, sino en saber depurar el espacio para que la naturaleza y la vida cotidiana fluyan en perfecto equilibrio. •

ALMUERZO EN EL JARDÍN: CÓMO CREAR UNA EXPERIENCIA INOLVIDABLE

Aprovechando el verano, almorzar en el jardín es una excelente elección. Hay que disfrutar el clima y estar cerca de la naturaleza. Por supuesto, esos almuerzos deben tener menús frescos, con ingredientes de estación. Siempre hay que cocinar con lo que está en temporada: no solo es más económico, sino también más sabroso.

Que estos almuerzos en tu jardín sean desenfadados, sin grandes pretensiones, como se dice en inglés, effortless. Utiliza vajilla de cerámica, de madera o de loza, alegre y alusiva al jardín; no uses plaque ni platería.

Puedes aprovechar cubiertos con mango de bambú, platos en forma de hoja o con motivos naturales, manteles de fibras como el lino y flores acomodadas de manera muy natural, como si las hubieras cortado del campo.

Sé más informal en todo, incluso con la persona que te ayuda a atender la mesa. Sería una pena verla con un saco de manga larga, abotonado hasta arriba y con guantes, como solemos hacer en las cenas de gala. En lugar de ello, un saco fresco de rayas blancas y azules dará gusto, y será evidente que no está padeciendo el calor.

Tú también crea recuerdos. La vida se trata de los momentos que vamos construyendo y, si lo hacemos con arte, dejamos una huella.

Vístete con ropa de lino. ¡Utiliza colores! Como los pájaros que vuelan.

El jardín no es solo escenario: es parte de la experiencia. Observa cómo cae la luz, dónde se forma la sombra y deja que las plantas marquen el ritmo natural del almuerzo.

Entre hojas, ores y verde vibrante, la mesa cobra sentido. La naturaleza no decora: envuelve, refresca y convierte cada encuentro en un recuerdo de verano.

Observa tu jardín: fíjate por dónde cae el sol y en qué lugar hay sombra a la hora en que piensas servir el almuerzo. Una vez bien ubicado el espacio, coloca allí la mesa.

ACUÉRDATE DE DISFRUTAR ANTES EN LA TERRAZA. ¡Aprovecha el verano en todo sentido! Sirve tragos con frutas, como Bellinis o Rossinis; ofrece jugos de frutas de estación, postres con frutas, tiraditos y tartares. ¡Cuántas maravillas tenemos! Soy una enamorada del Perú: es un país prodigioso, todo es delicioso. Nuestros productos son tan sabrosos que, servidos con arte, no se necesita más.

Utiliza lindas fuentes, preferiblemente grandes, y coloca allí la comida de manera artística. Aprende a decorar todo lo que sirvas con hojas, pepas de granada, frutas, flores comestibles o germinados, pero evita que la comida se vea apretada en la fuente. Haz de cada plato un espectáculo. Recuerda que el verano se va y luego vendrán otro tipo de decoraciones: cada cosa tiene su momento. •

París marca el pulso del diseño

Con Maison & Objet y Paris Déco O 2026 como escenarios principales, la capital francesa volvió a convertirse en el epicentro del interiorismo global, confirmando el regreso de la artesanía sofisticada, el protagonismo del color y el lujo con conciencia sostenible.

1. Atelier Lison de Caunes x Garance Vallée. Tradición artesanal y geometría contemporánea en una colaboración de fuerte identidad visual. © Rodrigo Rize

2. Petite Friture reedita la Sandows Collection. El clásico tubular de René Herbst vuelve a escena con renovada vigencia. © Pauline Chardin

3. Haydn Von Werp presenta Arcus. Curvas y madera de nen la nueva colección presentada en Maison & Objet. © Mickaël Llorca

En Maison & Objet, el foco estuvo puesto en el regreso de la artesanía con mirada contemporánea. Medios franceses como “IDEAT” y “AD” France destacaron la consolidación de materiales nobles –maderas claras, metales cepillados, textiles naturales– trabajados con tecnología de precisión. La tendencia no es nueva, pero sí más depurada: líneas limpias, estructuras visibles y una búsqueda de equilibrio entre función y emoción.

París volvió a convertirse en el epicentro mundial del diseño con una nueva edición de Maison & Objet y Paris Déco O , dos citas que, más que ferias, funcionan como termómetro de lo que viene en interiorismo. Durante varios días, la ciudad desplegó una ruta creativa que fue del Parc des Expositions a las galerías de SaintGermain-des-Prés, confirmando que el diseño vive un momento de sofisticación consciente: menos exceso, más intención.

La escena de mobiliario mostró piezas casi escultóricas, donde la luz juega un rol protagónico. Luminarias etéreas suspendidas como móviles cinéticos y asientos de acero tubular reinterpretados desde la memoria modernista dialogaron con espacios expositivos de atmósfera teatral. La narrativa ya no gira solo en torno al objeto, sino a la experiencia que lo rodea. Por su parte, Paris Déco O –la ruta que activa showrooms de textiles y revestimientos murales a lo largo del Rive Gauche– confirmó el auge del color como gesto expresivo. Firmas internacionales apostaron por paletas saturadas, amarillos

solares, verdes profundos y azules tinta que conviven con estampados geométricos y botánicos reinterpretados. Según reportes de “Dezeen” y “ Wallpaper ” la textura es la gran protagonista de la temporada: terciopelos con relieve, bordados tridimensionales y papeles murales que funcionan como instalaciones artísticas. También se percibe una fuerte conciencia sostenible. Varias casas textiles francesas presentaron colecciones elaboradas con fibras recicladas o procesos de bajo impacto ambiental, alineándose con una industria que entiende que el lujo contemporáneo implica responsabilidad. El balance es claro: París reafirma su liderazgo como capital del diseño, pero desde una estética más reflexiva. Maison & Objet aportó la visión global; Paris Déco O el detalle íntimo. Juntas, dejaron una hoja de ruta donde la artesanía dialoga con la innovación y donde el interiorismo se entiende como un lenguaje cultural, capaz de contar historias a través de cada textura, cada lámpara suspendida y cada mesa vestida con precisión casi ritual. •