CASAS ED 340

LA REVISTA DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y DECORACIÓN DE COSAS

LA REVISTA DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y DECORACIÓN DE COSAS

Ondine Schvartzman

Una segunda piel para casa Wallqa

SOMOS EXPERTOS EN ACABADOS ÚNICOS

En Casa Rosselló te brindamos los acabados ideales para crear espacios únicos. Visítanos y conoce nuestras exclusivas líneas en porcelanatos, cerámicos, mosaicos empastados, piedras naturales, terrazos y más.

La selección de Patricia Villanueva en Ruraq Maki ¿Cómo decorar con libros? Secretos de Isabel Maguiña

La maestría de Ruraq Maki

› Huaca Lauri, arquitectura para el desarrollo cultural de Chancay

› CREADORES

ESPECIAL DE DISEÑO Y DECORACIÓN

Edward Venero dota de identidad gráfica al Festival de Cine de Lima

Nuevas tendencias de materiales, muebles, acabados e iluminación.

El “último” legado de Gerardo Chávez: una visita de la mano de su hijo, Gerardo Amador-Chávez, al taller del gran artista que será trasladado a Trujillo

TEMA DE PORTADA

La reinterpretación de Casa Wallqa: diez años después de haber realizado la arquitectura, Ondine Schvartzman regresa para intervernirla con un proyecto de interiorismo

Johann Schweig: arquitectura, investigación, muebles y proyectos

Mary Cooper nos presenta su nuevo proyecto frente al mar.

José Orrego

La arquitectura como provocación

“No siempre debe ser cómoda. Tampoco silenciosa, ni funcional en exceso. La arquitectura tiene el derecho –y tal vez la obligación– de provocar. Provocar es activar la conciencia del espacio. Es lograr que quien lo habita o lo recorre no solo lo use, sino que lo cuestione, lo sienta, lo recuerde. Y en ese acto, invita al otro –al habitante, al ciudadano, al cuerpo que atraviesa el espacio– a entrar no solo a un lugar, sino a una conversación. Una conversación que, si es honesta, ya no termina nunca”. José Orrego es arquitecto, director del Patronato Cultural del Perú (Pacupe) y líder del estudio Metrópolis.

Sus favoritos:

9. Un patrón:

hemiesférico entrelazado bidireccional, de Apple.

1. Sandra Pacaya, maestra en diseño kené del pueblo shipibo-konibo, crea textiles, cerámicas y esculturas con pigmentos naturales extraídos de cortezas, cenizas y barro.

2. Artemio Poma, ceramista de Quinua, modela a mano figuras y utilitarios con pigmentos minerales y cocción tradicional. 3. Irma Poma, desde Junín, transforma el mate y crea narraciones con burilados minuciosos que cuentan historias andinas.

Maestros del arte tradicional en

Ruraq Maki

Cerámicas, mates burilados, tejidos y tallados componen esta muestra que no puede pasar desapercibida. Ruraq Maki volvió al Ministerio de Cultura con doscientos diez colectivos de todo el país, presentando obras únicas elaboradas con técnicas ancestrales que celebran nuestra identidad e historia y nos muestran el alma de nuestras regiones.

4. Tater Vera, maestro cusqueño, trabaja cerámica vidriada con óxidos metálicos y hornos de alta temperatura, fusionando estética virreinal y contemporánea en piezas únicas.

5. Ayde Allcca talla a mano alabastro cristalino en esculturas religiosas y utilitarias, heredando una tradición familiar de Huamanga. 6. Isabel Shimpucat, ceramista awajún, crea vasijas, biojoyas y figuras con técnicas ancestrales de El Cenepa, Amazonas.

Los favoritos de Patricia Villanueva

La artista visual trabaja desde 2016 en el MALI, donde se desempeña como curadora de mediación y jefa de comunicaciones. En esta edición de Ruraq Maki, eligió piezas de distintas regiones del Perú, que describió como mágicas, conmovedoras y absolutamente memorables.

ANILLOS DE PLATA Y MATE BURILADO

Taller Familia Medina

Quechuas / Junín Cada vez que viajo, voy a mercados y compro algo que me sirva de amuleto. Estos anillos tienen escenas detalladas: pajaritos en vuelo sobre campos floridos. Simples y mágicos. Me lo llevo y empiezo mi aventura.

CRUZ DE CAMINO

TALLER ARTESANÍA

HUAMANÍ

Quechuas / Huancavelica

Hipólito Huamaní Ramírez crea piezas como la chaquitaqlla, la hoz, candados, llaves y más. En su puesto encontré cruces que nos hablan de caminos perdidos.

CANASTAS

AIXCÜNACHIMÜXÜ

JARRONES CON DISEÑOS PREHISPÁNICOS

Tater Vera Cerámica Cusco

El cartel como manifiesto: Edward Venero dirige el 29 Festival de Cine de Lima PUCP

“Nuestro festival se construye de distintas miradas y relatos, miradas que cuando se cruzan miran distinto, miran más, miran mejor”.

Ticuna / Loreto Los artesanos de la comunidad de Bufeo Cocha han traído la tradición ticuna con cestos tejidos con fibras como el tamshi. Estas piezas tienen una presencia casi escultórica. Son un tesoro.

TALLER DE JUGUETES FRANKLIN ÁLVAREZ

Cusco

¿Se requiere de un hada para dar vida a un muñeco de madera?

El maestro Franklin Álvarez usa la magia de su arte para crear piezas que hacen que mi corazón de 5 años se llene de inocencia y asombro.

Con su arte, el artista trae este año una nueva serie de jarrones que fusiona la tradición de la cerámica vidriada cusqueña y la geometría y color precolombino. Bellísimos.

ADORNOS

TEXTILES ASOCIACIÓN LAS EMPRENDEDORAS DE CHUGURMAYO, CELENDÍN

Cajamarca

Bolsos de colores y pajaritos a punto de besarse son, lo declaro, el musthave de todas las temporadas. Además, hay unas alfombras y pies de cama bellos.

DE ÁRBOL Y CANDELABROS DE HOJALATA

Lucy Araujo / Ayacucho

La maestra rescata la tradición de hojalatería, como bellísimos candelabros llenos de flores y colibríes que parecen balancearse en el aire. Tiene pequeños adornos en forma de estrella, vacas y mariposas.

Edward Venero es diseñador y fundador de la marca VNRO. Dirige por primera vez el Festival de Cine de Lima.

›|“El cine es una forma de mirar, pero también de ser mirado. El cartel debía contener ese doble gesto”, comenta el diseñador Edward Venero sobre su trabajo gráfico para el 29 Festival de Cine de Lima PUCP. La pieza que ha creado –sintética, simbólica y sobria–funciona como una declaración visual sobre la naturaleza del cine: encuentro de miradas, cruce de perspectivas, espacio de intercambio.

Venero, diseñador con estudios en Lima y Cataluña, y fundador de la marca VNRO, ha trabajado durante años en la promoción del diseño como agente cultural. En 2024, asumió la

dirección del Centro Cultural PUCP, y este 2025 dirige por primera vez el festival, marcando un giro hacia una visión más integrada del arte, el diseño y el cine.

En el cartel, Venero evita el recurso figurativo y opta por una imagen conceptual construida a partir de líneas, formas curvas y geometrías esenciales que sugieren un ojo. Más que representar, el afiche evoca: apela a la idea del cine como un lenguaje compartido que no necesita traducción literal. El uso limitado de color –tonos neutros con un acento cálido– y la elección de una tipografía sans serif

aportan claridad visual y jerarquía sin distraer del foco simbólico. Es un diseño que recuerda a los principios del diseño suizo y al minimalismo editorial, pero con una sensibilidad contemporánea anclada en el contexto latinoamericano.

La edición 29 del Festival de Cine de Lima PUCP se celebrará del 8 al 16 de agosto, con funciones presenciales en salas de Cineplanet y la PUCP, además de una nutrida programación en línea. La competencia oficial reunirá más de 40 películas latinoamericanas y una agenda paralela de charlas, retrospectivas y talleres. •

Decorbell: 25 años de calidad y compromiso

La firma peruana especializada en cortinas, rollers, toldos y papeles decorativos fortalece su servicio basado en una asesoría personalizada, productos de alta calidad y soluciones a medida para hogares, negocios y proyectos.

Su fundador y gerente general, Nelson Leyva, siempre estuvo comprometido con construir una marca basada en la calidad del servicio, el conocimiento técnico y una atención personalizada.

“Nuestra estrategia siempre ha sido entender la necesidad de las personas, familias o empresas que nos buscan, y darles no solo un producto, sino una solución cercana y eficiente, tal como si atendiésemos a nuestra familia o a nuestros amigos”.

Desde su fundación en el año 2000, Decorbell se posicionó como una marca confiable en el rubro de la decoración interior y exterior. Con una trayectoria de veinticinco años, la empresa ofrece una amplia gama de productos –como cortinas personalizadas, rollers, persianas, toldos retráctiles y papeles decorativos– pensados para todo tipo de ambientes: casas, oficinas, hoteles y espacios comerciales.

Con insumos importados y materiales cuidadosamente seleccionados, la marca trabaja con cuatro canales de distribución, incluidos sus

propios showrooms en Lima, donde se pueden ver y tocar los productos terminados, conocer las texturas y comprobar la calidad del acabado. “Siempre invitamos a nuestros clientes o aliados a que nos visiten al showroom para que vean la variedad de productos que tenemos y, sobre todo, para que los vean terminados y exhibidos. Es una señal de compromiso que genera seguridad y confianza”, comenta Leyva.

El equipo de Decorbell asesora tanto a profesionales del rubro –decoradores, arquitectos e interioristas– como a personas o empresas particulares que buscan embellecer sus espacios. “Queremos que quien nos visita se lleve una experiencia satisfactoria y sienta que nos comprometimos y lo ayudamos a invertir bien su dinero”, añade Leyva.

Entre sus productos más valorados están los sistemas de cortinas motorizadas compatibles con asistentes inteligentes, telas pesadas con excelente caída y acabados modernos para

toldos con iluminación incorporada. “Tenemos una colección de toldos de alta calidad, iluminados y con texturas muy sofisticadas que renuevan y permiten darle más valor a una terraza, que de por sí es un espacio de encuentro, idóneo para pasar momentos especiales”, enfatiza.

El compromiso con sus usuarios, el hambre de innovación y una atención personalizada han sido la clave para que Decorbell genere confianza y fidelidad en estos veinticinco años. Para quienes aún no conocen su propuesta, les recomendamos visitar sus showrooms y descubrir de primera mano las múltiples opciones que ofrece para transformar cualquier espacio con estilo y funcionalidad. •

Av. Guardia Civil 1323, Surquillo 99836-8997

decorbell.com

@decorbellperu

¿CÓMO DECORAR MI CASA CON LIBROS?

POR ISABEL MAGUIÑA

Cuando se piensa en los elementos que forman parte del hogar, los libros siempre tienen un lugar especial. Los encontramos en todas las casas y, correctamente ubicados, pueden convertirse en un elemento estético capaz de aportar gran calidez. Por supuesto, lo más común es encontrarlos en una biblioteca, la cual debería hacer uso de toda la tecnología luminaria de hoy para pasar a ser un lugar que invite a leer, pero que también destaque por su belleza. No dudes en complementar tu decoración con plantas de interior, esculturas o platos decorativos, y tendrás un espacio bien logrado.

Pero, como sabemos, los libros también son un elemento estético que puede estar en cualquier lugar de la sala, por ejemplo, en la mesa de centro. La recomendación para dar vida a este espacio es no tener miedo de poner más de uno, complementarlos con adornos e incluso apilar uno encima de otro. En cuanto al comedor, este también se puede beneficiar de la decoración con libros, al igual que la cocina, concretamente, al colocar recetarios que aportarán calidez al ambiente y estarán a la vista para ser usados, ya que, en el fondo, los libros dan la sensación de que una casa es habitada.

A lo largo de mi vida, he comprado muchos acerca de temas de mi interés, los he leído y recurro a ellos constantemente, por lo cual estoy segura de que un error común es percibir los espacios como un escaparate, donde los libros son exhibidos, pero están intactos y parece que nunca fueron leídos.

Ahora, ¿qué tal ponerlos en el baño? Suena descabellado en un primer momento; sin embargo, es una costumbre bastante común en Europa, donde se suele colocar libros de chistes en pequeñas canastas, como un guiño hacia el invitado de parte del anfitrión.

El uso de los libros como elemento decorativo ya no se limita a los hoteles o lobbies de apartamentos, que recurren a los estantes de gran tamaño y muy elevados donde se expone una variedad de títulos, con bibliotecas correctamente iluminadas y salas dedicadas para leer. Esa es la otra cara de la moneda; no está diseñada para un hogar, pero hay algunas ideas que podemos utilizar.

“Es necesario hacer hincapié en que la casa que parece sacada de una postal y luce perfecta no existe, porque perdería su humanidad, parecería habitada por espíritus”, comenta Isabel Maguiña, cuya casa está retratada en la foto superior derecha.

Afortunadamente, hay que tener en cuenta que muchas de las editoriales de nuestra época son conscientes de que los libros pueden ser un poderoso elemento decorativo, y además de los temas interesantes que podemos encontrar en ellos, cada vez hay portadas más impactantes y llamativas que calzarían perfectamente en ese rincón al que le falta vida. Finalmente, es necesario hacer hincapié en que la casa que parece sacada de una postal y luce perfecta no existe, porque perdería su humanidad, parecería habitada por espíritus. Lo ideal es que los libros sean hojeados, leídos y amados. Estoy segura de que, si hubiera un incendio en mi casa, correría por mis fotos y mis libros, porque aportan alma a mi hogar. Y con estos consejos fáciles de aplicar, también serán parte esencial de cada espacio del tuyo. •

Por Alejandro Saldaña Fotos Joselyn D'Angelo y Johann Schweig

Arquitectura, diseño y proyectos

La ponderada síntesis de Johann Schweig

Formado en Cornell y el MIT, Johann Schweig regresa al Perú con tres proyectos en desarrollo: un edificio en la calle Francia, una casa taller en Arica y una línea de mobiliario utilitario. Su foco es diseñar desde lo local, con identidad y visión contemporánea.

Johann Schweig, arquitecto, historiador y fotógrafo, compone en Lima una práctica que busca trascender. Nacido el 20 de enero de 1988, con nacionalidades belga y peruana, se formó como arquitecto en la Universidad de Cornell y, en 2024, completó una maestría en el Massachusetts Institute of Technology (MIT), donde fue distinguido con la Royal-Anderson Award

–reconocimiento que premia la excelencia académica–, además de recibir una beca de posgrado. Su trayectoria lo consagra como un destacado académico y uno de los arquitectos peruanos actuales a los que hay que prestar atención.

Desde 2016, conduce su firma homónima con la exactitud de un maestro relojero: proyectos residenciales

y edificios multifamiliares que imponen su autoría. Al mismo tiempo, encabeza la vanguardia de la investigación histórica en el país, como coeditor de la monografía

“Th. Cron” (Mirada Libre, 2023) y autor de una tesis sobre George Kubler en el Perú. “Siempre lo supe. No hubo mucha deliberación. Pensé en algún momento que quería estudiar Periodismo, y de hecho trabajé para una publicación de arquitectura en Nueva York mientras estudiaba.

Luego me di cuenta, a través de la investigación histórica, que también podía escribir siendo arquitecto”, reflexiona Johann.

CONSTRUIR EN EL PERÚ

Tras sus primeras experiencias profesionales en Pei Architects (Nueva York) y MVRDV (Róterdam), Johann Schweig

Proyecto de complejo residencial frente al mar, ubicado en Máncora, compuesto por dos edificios que conectan con un espacio en común, guardando una cuidadosa y armónica relación con la naturaleza y el espacio. regresó al Perú y trabajó entre 2012 y 2016 en Leonmarcial Arquitectos, donde participó en proyectos que iban desde una propuesta para el concurso del Museo Nacional de Arqueología hasta un edificio de departamentos en Miraflores y viviendas en Barranco y Chaclacayo. Y tras completar una maestría en el MIT, una vez más volvió al país, pero esta vez con una convicción más clara: “Estudiar en Estados Unidos no me ha marcado tanto. Me gusta más la manera en que se construye en el Perú. Me interesa explorar las posibilidades que esto permite, porque creo que hay la oportunidad de crear una arquitectura peruana con identidad, pero también internacional”, afirma.

Hoy desarrolla varios proyectos que reflejan esa búsqueda: un edificio en la

Johann Schweig

calle Francia y una casa-taller de cerámica en la playa Arica, ambos en colaboración con el estudio Costa + Herrera.

“También estoy trabajando en proyectos de diseño de mobiliario y en un taller de arte y gastronomía en Quincemil, que es un poblado en la selva de Cusco, junto con el estudio Puna”, detalla el arquitecto. Con todos estos proyectos, admite que le gustaría “crecer y encontrar una manera de integrar la investigación con el diseño, y que ambos se retroalimenten”.

Además, durante el último año, junto con el artista Philippe Gruenberg, ha estado documentando casas y edificios históricos de valor arquitectónico, obras de las cuales ha obtenido lecciones diferentes y valiosas. “Lo que me interesa es encontrar la forma de plasmar ese aprendizaje en mi propio trabajo”, señala.

TRES PILARES

Schweig combina la meticulosidad del historiador, el ojo del fotógrafo y la sensibilidad del proyectista. Para él, la

Espacios iluminados y amplios que conectan el interior con el exterior aprovechando la luz y las vistas de la forma más simple y directa.

arquitectura no es solo construcción: “La arquitectura tiene mucho que ver con la investigación y con la imagen”.

“Yo creo que están todas interrelacionadas. En verdad, la principal es la arquitectura, porque la arquitectura tiene mucho que ver con la investigación y con la imagen. Por ejemplo, me di cuenta, mientras trabajaba el proyecto sobre Theodor Cron, que siendo arquitecto tenía herramientas para acercarme a su obra de una manera distinta que otros tipos de historiadores”, señala Schweig.

Johann cuenta que para su investigación sobre el arquitecto suizo Cron redibujó todos los planos de sus obras, lo que se convirtió en un valioso aprendizaje.

“Realmente, al seguir su trazo, pude entrar un poco en su mente, ver cómo racionalizaba sus proyectos y entender qué cosas de ahí me servían a mí para mis propios proyectos”, explica.

Simultáneamente, Schweig cultiva un archivo fotográfico personal de más de veinte años en rollo. Su primera muestra

individual en Voma & Amigos partió de un principio claro: “Abrí el archivo y comencé a buscar material que había dejado de lado por mucho tiempo, y que de alguna manera refrescaba esa idea de la memoria a través de la imagen”.

PROYECTOS ESENCIALES

Suburban Retreat for an Art

Historian: “Para mí, la obra alude a otras casas, tenía ciertas proporciones, ciertas dimensiones, que la hacían relacionarse con esos espacios que yo ya conocía”, explica Johann. El diálogo entre muros ciegos y galerías vidriadas acentúa la transición entre interior y exterior, envolviendo al usuario en una atmósfera de memoria.

Garden Pavilion: “Se mantuvieron los muros principales, pero se demolieron las tres columnas redondas y se agregó esta especie de jardinera de concreto rosado que dialoga con la vegetación”, detalla el arquitecto. Durante la pandemia, se optimizó la planta para incorporar una kitchenette y un

en pisos, mobiliario y accesorios pensados y diseñados para integrarse con la iluminación, la fluidez y las proporciones de los espacios.

bar-lounge luminoso, mientras el acabado rosado crea un contrapunto cromático frente al verde del jardín.

Colección de mobiliario: “Hicimos una colección que cuestionaba qué era el mueble: si era una pieza para ser vista o si era una pieza utilitaria”, explica Johann. Las piezas de terracota y los muebles de madera a medida, concebidos para necesidades específicas –un gabinete para copas, un módulo de escritorio– enriquecen cualquier interior con su presencia escultórica.

Family Beach Compound: “Pasamos por varias propuestas distintas hasta que llegamos a esta, en la que realmente sentíamos que las casas empezaban a reflejar las personalidades de las propietarias”, señala Schweig. Con plataformas de concreto en planta baja y celosías de madera que articulan el vínculo con el paisaje, priorizó también el diseño de un gran patio interior para no depender únicamente de la vista al mar.

Design‑Build Apartment

Customization: “Abrimos vanos en ciertos espacios, abrimos ventanas en puertas e incluso huecos para que sus gatos pudieran entrar y salir”, detalla el arquitecto. Cada elemento, desde el pavimento de cuarzo blanco hasta la carpintería inspirada en Japón, convierte el espacio en un reflejo íntimo de su usuaria.

Edificio 575: “Se utilizó el concreto de una manera realmente escultórica, llevándolo un poco a su límite”, explica Johann. La ligereza visual de los balcones de canto mínimo contrasta con un interior envuelto en madera y muros blancos, produciendo un equilibrio de sofisticación y calidez. •

Historiador: José Ignacio Beteta Arquitecto: Alex Hudtwalcker

Huaca Lauri

Arquitectura para el desarrollo

cultural de Chancay

Una alianza entre la sociedad civil y el sector privado busca rescatar uno de los sitios arqueológicos más importantes de Chancay con una propuesta arquitectónica que integra armónicamente la historia, el paisaje y el desarrollo económico de las comunidades que rodean y protegen la Huaca Lauri.

ARRIBA Proyecto de ingreso peatonal al centro de interpretación de la Huaca Lauri.

DERECHA Proyecto de Mirador desde el cual se pueden apreciar tanto el centro de interpretación como el área de intervención arqueológica.

TAN CERCA Y A LA VEZ TAN LEJOS… Pocos dimensionan la enorme riqueza arqueológica del llamado “Norte Chico” de Lima. Solo en la cuenca del valle ChancayHuaral se han identificado más de setecientos sitios prehispánicos. Entre ellos destaca la Huaca Lauri, ubicada en el centro poblado de Pampa Libre, a apenas 70 kilómetros de Lima, a 3 kilómetros de la Panamericana Norte y a menos de 20 minutos del futuro Megapuerto de Chancay. Por su ubicación estratégica y su enorme valor patrimonial, Lauri podría convertirse en uno de los núcleos culturales del territorio, si se actúa con celeridad y decisión. Las sociedades Chancay florecieron en este valle entre los años 1000 y 1470 d.C., y convivieron posteriormente con la

expansión del Tawantinsuyu, manteniendo relaciones estrechas con los pueblos Chimú e Ichma. Según el Sistema de Información Geográfica de Arqueología, el sitio arqueológico de Lauri abarca 226,7 hectáreas y un perímetro de 7 km. A simple vista, puede parecer un terreno baldío, pero diversas investigaciones han revelado un conjunto monumental oculto. Gracias al cruce de estudios arqueológicos realizados desde 1991 (Kranowsky, Alvino e Hidalgo), documentos históricos, ortofotografías aéreas de 1945 y un levantamiento reciente a cargo del equipo del proyecto, se han identificado al menos veinte estructuras piramidales de distintas tipologías arquitectónicas, entre las que predomina un edificio con rampa central.

Pero Lauri está en riesgo. En ausencia de un plan de protección y ordenamiento territorial, el sitio ha sido invadido y deteriorado. Según el último estudio en la zona, cerca del 36% del sitio –unas 82 hectáreas– se ha perdido de forma irreversible. Si no se actúa con urgencia, la destrucción avanzará, y con ella desaparecerá una parte fundamental de nuestra historia.

ESPACIO CULTURAL LAURI: PATRIMONIO, PAISAJE Y FUTURO Lauri ofrece múltiples oportunidades de experiencias culturales, paisajísticas y deportivas. Una cadena montañosa contiene el polígono del complejo en sus lados norte, este y oeste, generando

una topografía accidentada idónea para la práctica de actividades culturales, educativas, de aventura o de observación. Sin embargo, todo esto es un complemento posterior a una necesaria y urgente intervención arqueológica que comprenda acciones de investigación, análisis, conservación y puesta en valor. En este contexto, y por invitación de la empresa COSCO Shipping, CONECTA –centro de innovación en desarrollo sostenible–, en alianza con HUDTWALCKER –oficina de pensamiento arquitectónico y urbano–, vienen desarrollando el proyecto “Espacio Cultural Lauri”: una propuesta arqueológica, paisajística y arquitectónica orientada a la protección y recuperación del Sitio Arqueológico. Esta iniciativa, una de las más relevantes del distrito

frente a la llegada del megapuerto, busca impulsar el desarrollo económico y cultural del valle, fortaleciendo la identidad de los chancayanos ante esta nueva etapa de transformación.

La propuesta de intervención se realizó en distintas escalas y etapas de trabajo. A partir de un diagnóstico realizado a escala de territorio, se desarrolló una propuesta de zonificación. La estrategia establece un sistema de zonas que permite controlar las actividades existentes, incorporar nuevas intervenciones arquitectónicas y facilitar el acercamiento progresivo al patrimonio arqueológico, garantizando tanto su conservación como su integración responsable al paisaje.

Una de las zonas propuestas concentra las principales intervenciones de diseño y se divide en dos sectores que podrán ejecutarse por etapas: el Centro de Visitantes y la Zona de Interpretación.

El Centro de Visitantes se ubica en el sector oeste del sitio, en una zona libre de restos arqueológicos, y constituye el acceso principal al complejo. Allí se proyectan tres edificaciones principales que albergan programas culturales, educativos y de ocio, como un museo de sitio, un restaurante, áreas administrativas y una zona de eventos. El ingreso peatonal se organiza a través de dos plazas de distinta escala y vocación: una gran explanada de uso flexible, ideal para ferias y actividades públicas, y una plaza ornamental que marca el inicio y fin del recorrido hacia la Zona de Interpretación. El acceso vehicular se resuelve mediante una rotonda de llegada con estacionamientos para vehículos particulares y turísticos.

Por su parte, La Zona de Interpretación, de 60 hectáreas, alberga la mayor concentración de huellas y restos arqueológicos identificados. Para su recorrido se plantea un sistema de caminos

PÁGINA ANTERIOR Interpretaciones de dos recintos ubicados en Lauri, actualmente ocultos debajo de la superficie.

ESTA PÁGINA El equipo del proyecto en la Huaca Lauri en visita de campo. Festividad religiosa celebrada en la Huaca con participación de las poblaciones de la zona.

perimetrales e internos, con paradas estratégicas que permitan a los visitantes transitar de manera segura y respetuosa. Una ruta paisajística –concebida como una franja natural que recorre el conjunto de este a oeste– aprovecha elementos existentes como el borde agrícola, un canal de agua y un reservorio. Se propone además un sendero perimetral, la Ruta Monumental, que actúa como contención y guía al visitante por el exterior del conjunto, del cual se desprenden caminos secundarios hacia los hitos arqueológicos. Finalmente, se proponen plataformas con elementos informativos, zonas de descanso y estructuras de observación: infraestructuras ligeras, modulares y adaptables a nuevas condiciones según los hallazgos que se realicen. Este nuevo proyecto busca convertir a Lauri en un polo de desarrollo turístico y cultural, y en un modelo ejemplar de colaboración público-privada, donde el diseño contemporáneo

convive e interactúa respetuosamente con un patrimonio arqueológico milenario.

SE NECESITA ACTUAR CON RAPIDEZ Y COMPROMISO

Quienes escriben esta nota vienen impulsando la creación de un patronato que trabajará por la protección de Lauri, en alianza con la ciudadanía, las autoridades y el sector privado. Su primera tarea es clara: rescatar el corazón de Chancay, la Huaca Lauri. Este patronato está además conformado por Mauricio Novoa, decano en la Facultad de Artes Contemporáneas, Ciencias Humanas y Educación de la UPC; y Enrique Santillana, reconocido arquitecto y catedrático, con experiencia en el desarrollo de planes y proyectos de desarrollo urbano en Chancay. La alerta está enviada. El compromiso de la academia, el sector privado y la sociedad civil es real. ¿Responderá el Estado a esta llamada? •

En un rincón de la casa-taller de Gerardo Chávez, dialogan tres tiempos: una figura de San Lucas Evangelista tallada en madera y pan de oro del siglo XVIII, una cruz del camino de inicios del siglo XX y un velero virreinal.

Por María Jesús Sarca Antonio Fotos: Edi Hirose

El “último” legado de

Gerardo Chávez

Tras la muerte del artista trujillano, su taller en un penthouse de San Isidro –donde concibió su obra más emblemática y reunió una colección ecléctica de objetos–emerge como un espacio en el que conviven creación, memoria y legado. Su hijo menor, Gerardo Amador Chávez-Maza, abre las puertas de esta casa-taller, escenario íntimo que pronto podrá ser disfrutado por todos.

El taller donde Gerardo Chávez creó su obra y albergó, durante décadas, una constelación de objetos, rituales y silencios, cerró sus puertas para siempre. Aquel espacio suspendido en un penthouse de San Isidro ya no volverá a abrir al público. Muchas de sus piezas más significativas están siendo trasladadas a Trujillo, donde serán resguardadas por la Fundación Gerardo Chávez o integradas al acervo del Museo de Arte Moderno. El lugar, que fue corazón de su proceso creativo, entra ahora en la esfera de la memoria y marca el inicio de una nueva etapa en la conservación de su legado.

A lo largo de más de seis décadas, el artista Gerardo consolidó un legado excepcional no solo a través de su obra

plástica, sino también mediante una intensa labor de gestión cultural que dio origen a instituciones como la Bienal de Arte de Trujillo, el Museo de Arte Moderno y el Museo del Juguete. Su reciente fallecimiento, a los 87 años, ha vuelto la mirada hacia uno de sus espacios más íntimos: su taller, ubicado en un edificio residencial de San Isidro. Se trata de un lugar con una carga casi mítica. El número 13, correspondiente al piso, fue suprimido del ascensor por superstición; en su lugar, solo se lee “PH”. “Eso le gustaba a mi papá, pues también era un

poco supersticioso”, comenta su hijo menor, Gerardo Amador Chávez-Maza.

UN TALLER Y UN HOGAR A LA VEZ

Concebido a fines de los años ochenta como casa-taller, el espacio respondía a una lógica dual: por un lado, funcionaba como un departamento completo; por otro, una fracción del área estaba dedicada estrictamente a la producción artística. El resto, cuidadosamente dispuesto, albergaba una colección heterogénea de objetos cargados de historia y sentido: arte moderno, cerámica precolombina, esculturas africanas, platería colonial, arte popular peruano y mobiliario de época.

“El taller fue un universo personal convertido en una especie de templo”, explica su hijo. “Para mi papá, sus espacios siempre reunían objetos diversos que construían un relato visual intuitivo, a veces sobrecargado, pero con una estética propia y con intención clara”.

En ese relato doméstico, lo ornamental no era accesorio, sino constitutivo del acto creativo. Cada objeto tenía una razón de ser y ocupaba su lugar como parte de un todo simbólico y afectivo.

OBJETOS CON MEMORIA

Entre los elementos más emblemáticos del taller destaca un maniquí del siglo XVIII, encontrado por Chávez en París, y por el cual no se detuvo hasta que fuera suyo. Durante los años setenta, este maniquí fue protagonista de una serie de estudios en pastel graso centrados en la figuración humana y la transparencia del cuerpo. “Lo vio en la calle, lo llevó a un anticuario y luego ahorró hasta poder comprarlo. Se volvió una especie de amuleto”, recuerda su hijo.

En medio de la sala se impone también un gran caballo de madera de la India, montado sobre un eje giratorio. “Como un carrusel: muchas personas se han subido, incluyéndome de niño. También sus nietas”, cuenta Gerardo Amador. Un objeto lúdico, casi escenográfico, que reflejaba el modo en que el artista articulaba la monumentalidad y el juego que de alguna forma caracterizaron su vida.

JUEGO, ENSEÑANZA Y ADMIRACIÓN

El taller fue, además, espacio de transmisión. Gerardo Chávez cultivó allí un vínculo íntimo con su hijo menor, basado en la observación, la enseñanza de la perspectiva, el trazo y la composición. “Fue una historia de complicidad educativa entre padre e hijo. Me enseñó a mirar, a pintar, a entender los bodegones”.

Aunque parte del departamento era usado por la familia, otras zonas, pobladas de piezas valiosas, imponían cierta distancia. “Para mi papá, era un espacio del hogar no habitable. No podía haber un niño de dos años corriendo entre obras y objetos frágiles”, recuerda. En sus últimos años, la relación del artista con su taller se volvió aun más íntima y lúdica: “Ya no decía que iba a trabajar. Decía: ‘Voy a jugar’. El término ‘juego’ abría ese espacio a su corazón de niño”.

UN LUGAR DE ENCUENTRO

Más allá de lo introspectivo, el taller fue también un lugar de reunión. Se organizaron allí cenas, tertulias y encuentros con artistas e intelectuales. Entre sus visitantes frecuentes estaban Alfredo Bryce Echenique, con quien compartía veladas musicales –piano y guitarra–, así como Susana Baca, Antonio Seguí, Roberto Matta, Carlos Revilla, Venancio Shinki y Elda Di Malio. Un hito especial en la historia de este lugar fue la boda del artista, celebrada el 16 de noviembre de 1996, coincidiendo con su cumpleaños. La ceremonia, pensada como algo íntimo, se transformó en evento público tras el encuentro fortuito con un periodista en el ascensor. “[El periodista] le preguntó por qué estaba tan elegante y él le respondió: ‘Hoy me caso’. Al final, llegó más gente y vino la prensa. Resultó muy lindo”.

DERECHA Caballos de Ayyanar en terracota, traídos de la India, de fines del siglo XIX. EN VITRINA Colección Nasca y platería virreinal ABAJO Destaca una escultura Ejo de la cultura Urhobo, tres piezas de Marina Núñez del Prado, obras de Portocarrero y Seguí, junto a máscaras africanas y de Oceanía.

La ambientación fue obra de Marisa Guiulfo, amiga cercana del artista. “Le puso coronas de rosas a todas las esculturas de caballos en la sala. Todas las mesas tenían arreglos florales”.

UN ESPACIO ÍNTIMO QUE ABRIRÁ SUS PUERTAS PARA TODOS Actualmente, el taller permanece cerrado mientras la familia trabaja en la reapertura del Museo de Arte Moderno, prevista para setiembre. “Nuestro objetivo es mantener el legado, que es para mí mantener el espíritu de mi papá vivo en los espacios que él creó”, señala Gerardo Amador.

En paralelo, la Fundación Gerardo Chávez digitaliza su archivo personal (notas, fotografías, prensa, referencias visuales) y prepara exposiciones póstumas en Washington, México y París. Una de las obras centrales en este nuevo ciclo es “La procesión de la papa”, realizada en ese mismo taller en 1995. “Ese año murió su hermano, un momento muy duro que lo aleja temporalmente de la pintura. Esta obra marca su retorno. Es, sin duda, su pieza más icónica dentro del arte peruano moderno”. Actualmente, se encuentra en proceso de ser declarada Patrimonio Cultural de la Nación.

Gerardo Chávez concibió su taller como una obra total: un lugar de producción, contemplación, enseñanza y encuentro. Hoy, ese espacio se trasladará a Trujillo y se convertirá en una experiencia de memoria y aprendizaje, abierto al diálogo con el tiempo. “Soy como un fan de su trabajo”, concluye su hijo, “y creo en la trascendencia y atemporalidad de su obra. Tiene un lenguaje tan profundamente peruano como universal”. •

Ondine Schvartzman

Las nuevas ondas de Casa Wallqa

Las nuevas ondas de Casa Wallqa

Diez años después de haber diseñado la arquitectura de esta casa en San Isidro, Ondine Schvartzman regresó al mismo espacio para realizar un proyecto de interiorismo. El resultado es una intervención donde cada decisión busca responder tanto a la identidad de la vivienda como a la vida presente de sus dueños, buscando el “lujo en la sencillez”.

Una década atrás, la arquitecta e interiorista Ondine Schvartzman participó en el diseño de una casa ubicada en San Isidro junto con las arquitectas Claudia Casabonne y Kathy Grimberg. De forma rectangular y angosta, resaltaba en ella la presencia de un jardín que hoy –gracias al tiempo– luce un gran árbol que era solo un pequeño tronco cuando se culminó el proyecto. En la actualidad, Ondine fue convocada nuevamente: “La clienta me dice: quiero que hagas el proyecto de interiorismo”.

Para esta intervención, uno de los retos fue el diálogo entre la arquitectura original y la nueva propuesta, aunque Ondine asegura que fue un proyecto muy “natural” para ella, ya que

conocía el espacio. “Había que hacer una especie de superposición de pieles en la casa, porque a mí me parece bien importante que no haya una noción del tiempo de intervención tan clara. Tiene que parecer que todo siempre estuvo ahí”, explica. Esa continuidad entre lo antiguo y lo nuevo fue más que una decisión estética: “Es lo que la casa pide que pase con el espacio, mezclado con las necesidades del cliente y la expectativa de la experiencia que quiere tener”. A nivel general, el proyecto mantiene una paleta sobria, materiales en su estado natural y una atmósfera que refleja la personalidad y el estilo informal pero elegante de su propietaria.

Escultura perteneciente a la familia, enmarcada con una pared en tonos tierra.

ARRIBA La sala de la casa cuenta con una luminaria conformada por cintas metálicas atravesadas con tubos de luz, un diseño con curvas para la mesa hecha especialmente para la clienta, un sofá DS-600 en cuero blanco, una silla Elda Chair verde y un tótem de Aldo Chaparro.

DERECHA En la parte superior destacan tres cuadros, herencia de la mamá de la clienta.

DERECHA La propietaria cuenta con una colección de cerámicas del artista Carlos Runcie Tanaka que hoy se lucen en el librero construido específicamente con ese fin.

ABAJO Sofás Soriana en color marrón.

INTERIORISMO, CURVAS Y DETALLES

El recorrido por Casa Wallqa empieza en el hall de ingreso, un espacio donde resalta un cuadro de Mariu Palacios instalado de tal forma que parece flotar. Se ha colocado también una banqueta y una escultura que se enmarca en una pared pintada exclusivamente para destacarla. “Yo creé como una atmósfera de esta esquina que abrazara un poco la presencia de esta escultura”. Esta pieza formaba parte de la colección de la familia. En el pasillo se observan cuadros de Valentina Maiolo y Mateo Liébana que se pueden ver desde el exterior. Una vez dentro, un elemento continuo y horizontal atraviesa la estructura desde la sala hasta el comedor. Esta base sostiene una chimenea, una bufetera adosada y un librero que fue diseñado a doble altura en la sala para albergar la colección de cerámicas del artista Carlos Runcie Tanaka que posee la propietaria. “La intención de este espacio es que fuera una cosa muy sencilla, un lujo más silencioso, no tan extravagante". En este ambiente también se luce un tótem del artista Aldo Chaparro.

Asimismo, se ha colocado una mesa que define un concepto lleno de curvas y fue diseñada con tres tableros superpuestos. “Es muy ondeada, muy orgánica, como para darle un contrapeso a una arquitectura que es de ángulos rectos”. Para Ondine, el uso de elementos con ondas, como el sofá estilo setentas DS-600 que también se ajusta a este patrón, tiene que ver con su preferencia por lo orgánico. “Ese contraste con las líneas rectas me parece potente, da una sensación de paz”. Por eso trató de “eliminar esquinas en lo que sea posible”.

La luz natural se potencia gracias a las superficies de vidrio, que dan la sensación de estar dentro y fuera a la vez. En paralelo, la iluminación artificial fue pensada para brindar calidez al espacio y “acentos”, como las luces led que se aprecian en el librero. La lámpara principal en la sala de estar impresiona por

ARRIBA El comedor cuenta con una lámpara Gervasoni, mesa de cuarcita y sillas tapizadas.

ABAJO Ondine diseñó una alfombra hecha con lana de llama, en tonalidad oscura y con líneas que la atraviesan de lado a lado inspirándose en la textilería precolombina.

su tamaño y forma, con cintas metálicas colgando atravesadas con tubos de luz. Destacan también una silla Elda Chair en tonalidad verde y un sofá ubicado entre la sala y el bar que da sensación de continuidad.

EL BAR COMO ESPACIO DE ENCUENTRO

Uno de los ambientes más importantes del proyecto fue el bar, un espacio bisagra entre la sala y el comedor que da cuenta del carácter sociable de sus dueños. “Me pedían mucho este ambiente de bar, que era clave en la vida de su casa, por eso tiene ese protagonismo espacial”.

un toque “informal” al espacio, y coronada con una lámpara de Gervasoni. En la pared descansa una pintura de Eli Bedón hecha a pedido.

TERRAZA Y ARTE

En este espacio, los materiales se conjugan con libertad. Un ejemplo perfecto es la lámpara de piso a techo que se aprecia en él, cuya deformación le da un toque singular: “Ahí se hizo como un perfil con el ojo que es como un foco; era la broma del palo de pole dance convertido en silueta para dar un toque lúdico a esa zona”.

El tablero de este ambiente es de cuarcita natural exótica. Tiene además una alfombra de lana de llama blanca que transmite “una reminiscencia a la textilería precolombina”. Las banquetas, talladas en madera shihuahuaco, tienen formas que evocan lo primitivo. “Yo quería que tenga como un aire un poco prehistórico, tosco a propósito, por la proporción del espacio”.

Al lado, en el comedor, reposa una mesa de cuarcita con sillas tapizadas de respaldar bajo, para darle

Ondine también trabajó una intervención estructural en la terraza sin alterar su armonía original. “Se trató de hacer una segunda capa de techo que no se peleara con el techo sol y sombra que había dejado anteriormente”. El sistema de tubos anclados a una viga permitió suspender lámparas y plantas colgantes, y definir un comedor exterior relajado.

“Con una mesa muy orgánica, con sillas distintas unas de otras, para darle un ambiente un poco más divertido”.

En esta casa, que tiene forma de “L”, la idea era “tener la mayor huella posible de verde”. Por otro lado, cabe destacar que las obras de arte que hoy la decoran provienen de la colección de la clienta o de su familia; no obstante, llaman la atención de manera especial

En el bar, una de las zonas más importantes de la casa, se ubica una lámpara de piso a techo que hace un guiño a un tubo de pole dance transformado en lámpara con forma de un rostro de perfil. Acompañan unas bancas de madera de shihuahuaco de aspecto rudimentario y una barra trabajada con cuarcita exótica.

ARRIBA Para la terraza se usó un sistema de tubos anclados a una viga que permitió colgar lámparas y plantas. ABAJO Una piscina, que formaba parte del proyecto original, destaca al lado del comedor exterior, con sillas en color negro y blanco, y una lámpara para invitar a sus habitantes a tomar un descanso.

tres cuadros colocados en la pared superior entre la doble altura de la sala y el bar. “Esos, por ejemplo, son herencia de la mamá de la clienta; había que ponerlos en un lugar importante”. Asimismo, el área exterior cuenta con una piscina que remata magistralmente la zona del jardín y dialoga con lo natural.

El proyecto Casa Wallqa no solo destaca por su diseño o la elección de materiales –entre ellos, cuarcitas, maderas, textiles de llama o concreto–, sino también por la visión de Ondine para adaptarse a lo que el cliente necesita. En tal sentido, explica que para este diseño destacó la proporción. “Es algo como invisible al ojo no experimentado, pero la sensación de bienestar y de armonía se percibe cuando se logra”.

Ha trabajado ocho meses para conseguir el resultado que califica como “potente porque tiene lo que tiene que tener”. “Es contundente, pero no es recargado. Yo traté de buscar el lujo en la sencillez”, asegura la interiorista, a la par que destaca que fue, sin lugar a dudas, un proyecto “íntimo y personal”. •

Calor para el hogar

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COSAS PARA CASAS

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Se caracteriza por ser monocromática y de forma hexagonal, sin elementos de color en su diseño. En su lugar, utiliza relieves que permiten que la luz y las sombras generen un efecto dinámico en el pavimento, lo que representa un valor adicional. Cada loseta incluye una decoración donde podemos apreciar motivos marinos, como estrellas de mar, fósiles y algas. Es un piso perfecto para cualquier tipo de ambiente interior o exterior.

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“Retablo”: sensibilidad romántica para muebles y otras creaciones

Stand de Retablo presentado en la Semana del Diseño de Milán, donde se exhibió un retablo modular inspirado en el Templo Falcónidas de la cultura Chavín.

ABAJO Retablo es un estudio que se caracteriza por ser multidisciplinario, donde, más allá de los muebles, se trabajan aspectos como ilustraciones, animaciones y poesía.

Edith Arana dirige este estudio de muebles que cuenta historias a través de la madera. Con un equipo de gran habilidad y sensibilidad, ha llegado a la Semana del Diseño de Milán a base de “una sencillez cuidadosamente elaborada”.

Debido a cuestiones de presupuesto, los jefes de la diseñadora Edith Arana –de quienes aprendió grandes lecciones– tuvieron que dejarla ir. Lejos de ser una mala experiencia, ella se dio cuenta de que había llegado el momento de cumplir un sueño personal: fundar su propio estudio. Así, tras aliarse con el maestro carpintero Julio Mautino, con el que hizo los muebles de su casa, Edith armó su emprendimiento llamado “Retablo”. Empezaron vendiendo un par de muebles, y cinco años más tarde han llegado hasta el Salone del Mobile. Como directora y fundadora, Edith sigue haciendo crecer su marca, y parte de ello se debe a su talentoso equipo, conformado por las talentosas Rosse Paraguay, Silvia Castillo y Mara Calle, además de sus maestros carpinteros Julio Mautino y Ulises Núñez.

UN MUEBLE, UNA HISTORIA

Edith, que estudió Diseño Profesional de Interiores, había querido dedicarse a la Comunicación, porque le gustaba “hacer cine y contar historias”. Sin embargo, cuando vio a un colega sentado por largas horas editando clips de video, se dio cuenta de que eso no era para ella. “Lo que más me gusta es generar atmósferas”, explica la fundadora. “Me gusta llevar Retablo como un proyecto de contar historias”, detalla. Sobre los primeros meses de Retablo, su fundadora recuerda: “Lo primero que lanzamos fueron los muebles modulares que hoy nos caracterizan. Estos no requieren herramientas para su armado y permiten diferentes configuraciones”. Asimismo, hay una frase que Retablo usa para definirse: “Una sencillez cuidadosamente elaborada”. Se trata de un concepto que, como

En el sentido del reloj: Edith Arana, la directora y fundadora de Retablo, lidera un equipo de creativas formado por Mara Calle, Silvia Castillo, Rosse Paraguay y maestros madereros como Julio Mautino y Ulises Núñez.

@retablo_tienda +51 96179-6848

edarana@retablolima.com Colina 106c Barranco retablolima.com

la misma palabra explica, describe la sencillez de los muebles que producen, en los que no predominan los rasgos fuertes ni exagerados. Además, los diseños tienen influencia nórdica y japonesa. “Observamos sus proyectos y su tratamiento de la madera y lo aplicamos a nuestra manera aprovechando el conocimiento de los carpinteros peruanos sobre las maderas locales”, resalta.

LÁGRIMAS Y RISAS EN MILÁN

Para Edith Arana, estar en la Semana del Diseño de Milán era un gran sueño. Tras quedar fascinada por el Salone Satellite en una antigua visita, se prometió así misma ser una de las expositoras. El año pasado, cuando parecía que iba a lograr ese sueño con Retablo, una agencia defraudó al equipo. “Los muebles no salieron de Lima. Cuando ya iban hacia la feria, se detuvo todo”, explica.

“Fue bien chocante… fueron lágrimas”, recuerda la directora de Retablo. “Fue un golpe fuerte, porque la Semana de Milán dura siete días, pero la preparación es de por lo menos seis meses: desde que piensas la idea, desarrollas el prototipo en la carpintería, preparas la comunicación y las postales, además de separar el stand y comprar los pasajes”, detalla.

Un año después, Retablo logró llegar a Milán. “En el stand, la pieza principal fue un retablo modular con variaciones considerables. Combinamos dos tipos de madera, le pusimos patas torneadas en piedra y trabajamos cada accesorio para comunicar la inspiración en un templo chavín”, detalla Edith.

UN EQUIPO ROMÁNTICO

Al conversar con Edith y su equipo de creadoras –Rosse, Silvia y Mara–, se percibe rápidamente una sensación de paz, orden y sencillez. Eso mismo es lo que reflejan los proyectos de Retablo, que de hecho siguen evolucionando y expandiéndose. Está claro que aquí se ha formado un equipo bastante interesante que se respeta cuando van dando formas a las ideas. ¿Su secreto?: “Una sensibilidad romántica”.

“Cada diseño lleva algo de nosotras”, explica la directora de Retablo. “No hacemos videos explicativos o TikToks, pero comunicamos de forma sutil. Nuestro público, incluso clientes que nos siguen desde hace varios años, intuyen esa narrativa y poesía en el mueble”, cuenta.

Rosse, diseñadora en Retablo, remarca: “Tratamos de combinar nuestra propia esencia con la del cliente, porque cada persona tiene necesidades muy distintas”. A esto, Mara, del mismo equipo de diseño, añade: “No solo diseñamos muebles, sino que exploramos iluminación, investigaciones y hasta espacios exteriores. Esa sensibilidad romántica nos permite crear relaciones muy cercanas tanto con los clientes como entre nosotras”. Pensar en un mueble de madera de una manera romántica no suele ser algo habitual, pero Retablo ha logrado que eso sea posible. Ahora, mientras apuntan hacia México, a la par están dando un paso más con un proyecto de poesía y otros que exploran las culturas precolombinas del Perú. •

Especial Decoración Tendencias 2025

Un espacio de 140 metros cuadrados dentro de una casona restaurada del Centro Histórico de Lima alberga una interesante propuesta que pretende refrescar la oferta actual de las galerías de arte.

Fotos: Héctor Delgado

Mezcla de materiales y asimetría

Una de las tendencias en la decoración para este año es la combinación de materiales contrastantes, estilo muy utilizado, por ejemplo, en creaciones de Patricia Urquiola o Eugeni Quillet.

La unión de vidrio con fundas de piel, madera con cemento o cuero, e incluso cerámica con metal, se convierte en una estrategia para enriquecer los espacios con capas visuales.

Esta mezcla no solo aporta textura, sino que también da profundidad y

personalidad a cada ambiente, alejándose de lo plano o uniforme. En proyectos de este estilo se apuesta por distribuciones irregulares, mobiliario de siluetas libres y composiciones con cierto desorden visual controlado para generar dinamismo y fluidez. Grandes firmas como David Chipperfield Architects, Studio Ilse de Reino Unido o Snøhetta, de Noruega, también hacen uso de este estilo en sus proyectos.

ARRIBA IZQUIERDA

Jarrón Delta elaborado con cristal de Murano soplado, cubierto con una funda de piel rouge brique extraíble y una “H” perforada en su base.

ARRIBA DERECHA

Pieza de la colección Alberoni, que nació de la colaboración entre Patricia Urquiola y la marca italiana de superficies y muebles Cimento.

Pensando en la tendencia de asimetría y mezcla de materiales variados, destacan las creaciones de Roche Bobois: el sofá SENSE, con sus formas envolventes y orgánicas que evocan un guijarro suavemente modelado, con materiales de tejido elástico o cuero que se integran con facilidad en interiores modernos y expresivos en un guiño a los años setenta, cuyo diseño curvilíneo propone jugar con las profundidades del asiento adaptándose al cuerpo con total naturalidad; y las mesas CESTELLO, que combinan aluminio, madera y cristal en una forma circular.

Colaboraciones con famosos

Entre las propuestas que vinculan decoración y figuras del entretenimiento, destaca el icónico mueble Mah Jong de Hans Hopfer que ha diseñado la firma Roche Bobois de París en colaboración con Pedro Almodóvar. Con estampados coloridos, desprende informalidad y se transforma en un elemento visual potente. Asimismo, el S 64 Nordic Cantilever Chair edición Jil Sander reinterpreta una vez más un clásico que persiste en el tiempo.

Iluminación como pieza central

La iluminación tiene un lugar clave en el diseño de interiores este año. Lámparas escultóricas, piezas colgantes de gran escala o sistemas de luminarias protagonizan las estancias, crean atmósferas y delimitan zonas del hogar. El Spa Mii Amo, ubicado en Sedona, Estados Unidos, resume bien este concepto. Estudios especializados como L'Observatoire International, referente global en iluminación arquitectónica, o Licht Kunst Licht, responsables del diseño lumínico del Louvre Abu Dhabi, demuestran cómo la luz puede transformar por completo la percepción de un ambiente.

La línea de la diseñadora peruana Edith Arana, Retablo, tiene influencia nórdica y japonesa. A partir de la observación del tratamiento de la madera en estos países, se logró aprovechar el conocimiento de carpinteros locales sobre maderas nacionales para obtener un resultado que narra una historia a través de las piezas. Sus muebles modulares, característicos de la firma, permiten diferentes configuraciones y gozan de una sencillez elaborada de forma cuidadosa. Además, son un ejemplo perfecto del uso de materiales sostenibles y naturales en la decoración contemporánea.

Materiales naturales sostenibles

El interés por la sostenibilidad sigue marcando el rumbo del diseño. Por eso, no es casualidad que estudios como Kengo Kuma and Associates, de Japón; o Lacaton & Vassal, de Francia, ganadores del Premio Pritzker, máximo galardón en arquitectura, tengan inclinación por los materiales naturales y de bajo impacto ambiental.

Este año destacan la madera en acabados crudos o aceitados, al que hace guiño el diseño de la firma peruana Retablo, los textiles orgánicos, por ejemplo en cortinas, y el bronce. Esta tendencia no solo responde a una conciencia ecológica creciente, sino también a un deseo de habitar espacios más cálidos, honestos y conectados con lo esencial.

IZQUIERDA Reciente renovación del lobby de Spa Mii Amo, en Sedona, Estados Unidos. DERECHA Un ejemplo del protagonismo en la iluminación.

Diseno biomórfico

Inspirado en las formas orgánicas de la naturaleza, el diseño biomórfico vuelve con fuerza para suavizar los espacios y enriquecerlos sensorialmente. Líneas curvas, volúmenes fluidos y siluetas que recuerdan a hojas, olas o cuerpos celulares se imponen en muebles, luminarias, superficies y arquitectura interior.

Este enfoque, además, prioriza la armonía visual y una conexión emocional con el entorno, a menudo empleando materiales sostenibles, iluminación natural y geometrías que introducen una nota de calma al hogar contemporáneo. Grandes firmas, como MAD Studio en China, Heatherwick Studio en Inglaterra o Studio Gang en Estados Unidos, utilizan este estilo para sus proyectos.

DECORBELL

RIVELSA

Con líneas que evocan la elegancia de otras épocas con la funcionalidad actual, Rivelsa apuesta por la grifería Artifacts de Kohler, que se integra con naturalidad en baños de estética clásica o transicional. Su diseño modular permite combinar diferentes manijas y picos, dando lugar a configuraciones personalizadas que suman carácter y sofisticación. El acabado, de alta calidad, refuerza su presencia escultórica. Más allá de su apariencia, cuenta con certificación WaterSense, lo que asegura un uso responsable del agua sin comprometer la experiencia ni el estilo.

Los materiales orgánicos y sostenibles se mezclan con la tecnología en el Ripple Fold motorizado, de Decorbell, cuyo sistema permite accionar las cortinas con un solo clic. Gracias a su tecnología Inteo, puede asociarse a asistentes como Alexa y controlarse mediante comandos de voz, integrándose de forma discreta en ambientes clásicos o contemporáneos. Su motor puede activarse también con un simple toque al cuerpo de la cortina, dando como resultado una experiencia más intuitiva y personalizada, que encaja con un estilo en el que se busca habitar espacios cálidos y honestos.

CASA DESIGN

Moroso, la nueva marca insignia que incorpora Casa Design –el estudio boutique dirigido por Mari Cooper–, representa una apuesta por el mobiliario contemporáneo más audaz. Sus piezas dialogan con las formas orgánicas y curvas propias del estilo biomórfico, proponiendo una estética que combina elegancia, vanguardia e innovación. Reconocida internacionalmente como una de las firmas más influyentes del diseño, Moroso integra el portafolio de Casa Design en una alianza que rinde tributo a la creatividad y el lujo en todas sus formas.

Por: Fiorella Iberico Fotos de Marcel Surmmound

Remodelar para reconectar

Un hogar para el encuentro

Maarri i C Cooooppeer r d diisseeñña u un n e essppaacciio o p paarra r reuunnir a a fam m l liia a e en n u unna a attmmóóssfferra d de e p paaz z y e enncuueenntrro Arrmmoon n a a, , c a arriiddaad d y fl fluuiiddeez z d deefifinnen n a p paar r tiir r d de e h hooy esstta c caassa a e en n p pllaaya L Las s G Grrammaass.

La unificación de terrazas permite una zona social continua que conecta piscina, parrilla, comedor y sala exterior.

Hay casas que nacen de cero y otras que, como esta en playa Las Gramas, encuentran una nueva vida a través de la transformación. Una vivienda originalmente concebida como parte de un par de casas contiguas ha sido completamente transformada por la interiorista Mari Cooper, junto con su brazo derecho, Jennifer Guerrero, en un proyecto de renovación integral que privilegia la conexión familiar, la luz y una armonía presente en los detalles. El inmueble, anteriormente más oscuro, compartimentado y de baja eficiencia espacial, fue reconvertido en una casa de playa contemporánea, abierta y serena.

El encargo vino de una pareja que reside fuera del país, y que buscaba un lugar de reunión familiar contiguo a la vivienda de la madre de ella. Esta necesidad –mantener cercanía sin perder

autonomía– determinó una estrategia proyectual centrada en la integración espacial y en la creación de ambientes que faciliten el compartir familiar sin renunciar a la privacidad.

Con total libertad creativa, Cooper intervino tanto en el interiorismo como en la arquitectura. Uno de los cambios estructurales más relevantes fue la sustitución de los techos bajos de machihembrado por una doble altura con lucernarios de vidrio, que maximizan la entrada de luz natural y redefinen la volumetría interior. Asimismo, se demolieron muros divisorios para articular una planta social continua, donde sala, cocina y comedor conviven sin barreras visuales ni físicas.

Este espacio sobresale especialmente por su calidez, apertura y versatilidad.

La propuesta de Cooper prioriza la circulación fluida, la amplitud visual y

la claridad. La cocina, uno de los ejes del programa, fue diseñada con superficies de piedra sinterizada en tonos cálidos y mobiliario en melamina Ágora, de acabado mate y sin vetas marcadas, lo que contribuye a una lectura visual limpia. Un sistema de celosías de madera permite modular la conexión entre ambientes, ofreciendo opciones de apertura o cierre parcial sin comprometer la iluminación ni la ventilación. El comedor –antes un ambiente separado– se integró al espacio principal. El uso de un espejo circular de gran escala optimiza la entrada de luz natural y amplía la percepción espacial. La sala, rediseñada como un espacio sin jerarquías funcionales, incorpora mobiliario de líneas curvas, tapizados en textiles neutros y fibras naturales, para generar una atmósfera acogedora y sencilla, sin excesos ornamentales.

La intervención incluyó también una redistribución completa de la zona privada: los cuatro dormitorios fueron reformulados con baños incorporados y mejoras en la capacidad de almacenamiento, como un walk-in closet más amplio en el dormitorio principal.

En el área exterior se implementó una estrategia de unificación: se eliminó la antigua división entre las terrazas de ambas casas para crear un frente social amplio y articulado, que conecta piscina, parrilla, comedor y sala exterior. Este planteamiento no solo resolvió una fragmentación funcional, sino que permitió una relación directa y armónica con el entorno costero.

El mobiliario exterior, de la firma Expormin y curado por Casa Design, fue seleccionado tanto por su resistencia a condiciones marinas como por su

La cocina se diseñó como un espacio sereno y funcional. Su integración con el comedor, a través de puertas de celosía de madera, permite mantener la conexión visual o cerrarla según el momento.

Es interesante anotar cómo la propuesta conceptual de Cooper se arraiga en el contexto costero peruano, y esa especie de “identidad” se puede percibir de forma vivencial a través de colores, materiales y motivos.

estética contemporánea. Se utilizaron maderas tratadas, fibras sintéticas de alto rendimiento y techos de PVC para garantizar durabilidad y bajo mantenimiento. Los textiles, en su mayoría italianos, fueron escogidos por su apariencia doméstica y tacto suave, a pesar de estar diseñados para exteriores.

A nivel cromático y en cuanto a la elección de materiales, el interior privilegia una paleta natural y coherente: lino, algodón, tonos tierra y fibras vegetales. Los recursos decorativos –cordones, tejidos, objetos artesanales– se integran como texturas complementarias, sin sobrecargar la composición. Es interesante anotar cómo la propuesta conceptual de Cooper se arraiga en el contexto costero peruano, y esa especie de “identidad” se puede percibir de forma vivencial a través de colores, materiales y motivos. Las piezas de arte, como la escultura de Eugenia Torre o la obra de Pablo Glis, cumplen una función curatorial precisa, orientada a reflejar la sensibilidad de los propietarios. Este proyecto no buscó únicamente responder a requerimientos funcionales, sino también plantear un espacio pensado para el encuentro, el cariño del hogar, el descanso y la conexión con lo esencial. En esta “nueva casa”, la propuesta de arquitectura interior de Mari Cooper se convierte en un vehículo perfecto para vivir estas experiencias. •

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