La revista de arquitectura, diseño y decoración de COSAS
BAJO EL LEMA “SEMBRANDO SUEÑOS”, LA FIESTA DEL DISEÑO Y LA ARQUITECTURA CELEBRA TRES DÉCADAS DE ESTILO, AUDACIA Y SOFISTICACIÓN. EN LA FOTO, “RENACER”, DE KARÍM CHAMAN.
La silla Batlló de Antoni Gaudí relanzada en Nueva York | Consejos de Isabel Maguiña para tener un bar ideal en casa | La silla escultórica S34A de Pierre Chapo, en palabras de Roque Saldias | Proyectos de NFA Arquitectos y Roberto Riofrío
Treinta años no pasan en vano. Por ello, la edición 2025 de CASACOR tenía que marcar un antes y un después, consolidando una vez más este evento como un hito en la escena del diseño y la arquitectura nacional. La celebración de su 30 aniversario los encuentra instalados en el Pabellón Víctor Larco Herrera del Puericultorio Pérez Araníbar, una locación extraordinaria y difícilmente superable, plagada de espacios con un aura mágica. Aquí, cerca de medio centenar de diseñadores y arquitectos han creado ambientes que oscilan entre el lujo y lo onírico, y que, siguiendo la premisa esencial del oficio, buscan amalgamar lo estético
REVISTA CASAS Edición Nº 338 31 de mayo de 2025 E-mail: suscripcionesperu@cosas.pe / Web: cosas.pe/casas
DIRECTORA Elizabeth Dulanto de Miró Quesada COLABORADORES Fiorella Iberico, Pablo Panizo, Giacomo Roncagliolo, Roque Saldias, Cynthia Sánchez DISEÑADOR Orosco PRODUCCIÓN Javier Neyra
ABRA EDICIONES S.A.C. / GERENTA GENERAL COORDINADOR COMERCIAL Andrés Noain Elizabeth Vela, Katia Best, Esperanza Montoya, Dolca Velarde
PERIODICIDAD MENSUAL. PROHIBIDA LA REPRODUCCIÓN TOTAL O PARCIAL DEL MATERIAL DE ESTA REVISTA. REVISTA CASAS NO SE HACE RESPONSABLE DEL CONTENIDO DE LOS ANUNCIOS.
Hecho el Depósito Legal en la Biblioteca Nacional del Perú Nº 2001-2415
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(Pasaje Santa Rosa N° 140, Ate) Lima, Perú
Este año, el lema “Sembrando sueños” tiene como propósito estimular la reflexión en torno a la construcción de futuros colectivos a través del diseño. Por eso los cincuenta y cinco ambientes que se encuentran en exhibición no solo fusionan modernidad y tradición, sino que además destacan el uso de materiales sostenibles y técnicas ancestrales, y plantean visiones frescas y actuales que apuntan a responder a las necesidades de hoy. Rincones de bienestar y reconexión con nuestro mundo interior; estancias dotadas de tecnología para hacer de cada elemento una herramienta de simplificación de lo cotidiano; ambientes exteriores e interiores que nos devuelven a lo natural y lo rústico para no perder de vista lo esencial: todo esto encuentra su lugar en la instalación, abriendo un diálogo necesario sobre cómo habitamos y hacia dónde debemos apuntar.
Tengamos presente que CASACOR Perú 2025 no es solamente una exposición, sino principalmente una plataforma que impulsa la conversación sobre el estado actual y el futuro del diseño, así como su incuestionable impacto en la sociedad. Esta edición es, pues, una invitación a imaginar y construir espacios que reflejen nuestros sueños colectivos, un propósito ambicioso, pero que bien vale la pena trazarse tras tres décadas de fructífera trayectoria.
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La silla Batlló: una obra maestra que vuelve a la vida
Una remodelación con alma de Nicole Futterknecht
Lo más destacado de la feria de diseño y arquitectura más
ARQUITECTURA
Juegos de volumetría en el proyecto de Roberto Riofrío
Marianne McKenna y Shirley Blumberg ganan el RAIC 2025
El Royal Architecture Institute of Canada (RAIC) ha seleccionado a las socias fundadoras de KPMB Architects, Marianne McKenna y Shirley Blumberg, como ganadoras de la medalla de oro del premio RAIC 2025, en reconocimiento a su influencia en el desarrollo de la arquitectura en el país norteamericano. La dupla ha sabido plasmar en su arquitectura una amalgama de las cualidades que distinguen a cada una: mientras McKenna muestra un fuerte interés por el arte, la cultura y la comunidad, Blumberg ha destacado por su preocupación en áreas como la inclusión, la equidad y el bien público.
Hasta siempre, Kristin Feireiss
La arquitectura alemana está de luto. Ha fallecido Kristin Feireiss, recordada no solo por ser la fundadora de Aedes Architecture Forum, sino por su extenso trabajo de cuatro décadas como escritora, curadora y editora. De profesión historiadora del arte y filósofa, Feireiss promovió el cambio social y el desarrollo urbano a través de diversas iniciativas, y encontró un hogar para sus causas en el ANCB The Aedes Metropolitan Laboratory, fundado en 2009 en alianza con Hans-Jürgen Commerell y merecedor en 2010 del German Innovation Prize.
TE ACOMPAÑAMOS EN TODO EL PROCESO CREATIVO DE TU ESPACIO: DISEÑAMOS Y DAMOS FORMA A CADA PIEZA. LAS IDEAS SE CONVIERTEN EN MUEBLES, VITRALES, MOSAICOS, ESCULTURAS, TELARES...CADA DETALLE RESPIRA ARTE HECHO A MANO
Inauguran el museo científico más sostenible de China
Shenzhen, la metrópolis con el cuarto puerto más grande del mundo, ha inaugurado un nuevo espacio desde donde busca revolucionar el trabajo científico y tecnológico: el Shenzhen Science & Technology Museum. A cargo de Zaha Hädid Architects, este museo ocupa 35 mil metros cuadrados para exposiciones temporales y permanentes, 5400 para laboratorios de trabajo científico y 6000 para teatros y cines. Sus instalaciones han logrado el más alto estándar en sostenibilidad entregado por el gobierno chino, entre otras razones, por lograr un ahorro en el consumo de agua de casi 15 mil metros cúbicos anuales.
EN ARTESANOS DON BOSCO CREEMOS QUE EL ARTE NO DEBERÍA ESTAR LEJOS, NI GUARDADO DETRÁS DE UN VIDRIO. EL ARTE PUEDE ESTAR EN TU CASA, EN LO QUE USAS CADA DÍA. EN UNA LÁMPARA QUE SUAVIZA LA NOCHE, UN MOSAICO QUE TE DA LA BIENVENIDA, O UN VITRAL POR DONDE LA LUZ ENTRA DE OTRA MANERA.
Yasmeen Lari gana el Lisbon Triennale Millennium bcp Lifetime Achievement Award
Tras una carrera histórica en la que se cuenta el hecho de ser la primera mujer arquitecta de Pakistán, Yasmeen Lari ha ganado el Lisbon Triennale Millennium bcp Lifetime Achievement Award. Con un trabajo basado en la inclusión, la resiliencia ambiental y la justicia social, Lari se enfoca en criterios de sostenibilidad basados en cero carbono, cero residuos y cero pobreza. “Nuestro trabajo no es algo solo para los ricos; las comunidades pobres de todo el mundo necesitan un buen diseño, porque tiene un valor aun mayor para ellos”, ha señalado Lari.
Lujo cafetero
Con una filosofía de combinar estética con innovación, Tom Dixon diseñó esta elegante jarra de café de borosilicato, un material altamente resistente al calor y a los golpes, en comparación con otros vidrios comerciales. Su filtro de acero inoxidable tiene una capacidad de 400 mililitros y, gracias a un diseño minimalista de doble pared, aísla perfectamente el calor de la bebida. Fabricado a mano en Londres, en su estudio de King Cross, este producto es uno de los más exclusivos de su emblemática serie Bump, de artículos para cocina.
Bump Coffee Carafe & Filter Set store.moma.org
Ármala tú mismo
En tiempos en que tener un smartphone equivale a tener una cámara de fotos, volver a la esencia de lo análogo es un placer para el ojo inquieto. La Konstruktor F no solo cumple esta misión, sino que es en sí misma una introducción a la fotografía: viene totalmente desarmada, para que sea el mismo comprador quien la ensamble y, en el proceso, entienda la mecánica que convierte la luz en una imagen. La primera cámara DIY de Lomography es también su primera cámara réflex. Permite exposiciones largas y regulares, y puede adaptársele un flash de la marca.
Konstruktor F shop.lomography.com
Florero pop art
Inmortalizado por Andy Warhol en la portada de “The Velvet Underground & Nico”, hace casi siete décadas el plátano pasó de los mercados a ser un ícono del arte. Este divertido florero retoma la figura de esta fruta para recordar la belleza de lo cotidiano al mejor estilo de Warhol, y para dar un toque de color y alegría a la sala del hogar. Consta de dos extremos en los que se colocan las flores y está fabricado en cerámica y pintado a mano por el estudio catalán DOIY. Sus medidas: 22 x 6 x 19 centímetros.
Banana Shaped Vase doiydesign.com
La arquitectura escandinava es fácilmente reconocible por sus premisas más extendidas: simplicidad, minimalismo, funcionalidad y aprovechamiento de materiales locales. Una nueva generación de arquitectos nórdicos mantiene viva esa escuela, aunque ha sabido aportar una voz propia que este libro celebra. Dividido en cuatro capítulos (cabañas rurales, refugios costeros, casas adosadas y casas de campo), “New Nordic Houses” abre las puertas de los cuarenta proyectos más interesantes de la zona en los recientes años, a manos de arquitectos como Jon Danielsen Aarhus, Tham & Videgård, Snorre Stinessen, Reiulf Ramstad y Todd Saunders.
Autor: Dominic Bradbury
Editorial: Thames & Hudson
Precio: US$46
Páginas: 320
Disponible en thamesandhudson.com
Alexander McQueen: Savage Beauty
Apenas un año después de que, en 2010, el diseñador británico Alexander McQueen decidiese terminar con su vida, el Metropolitan Museum of Art lanzó “Savage Beauty”, la muestra definitiva sobre su trabajo. Este libro recopila lo mejor de dicha muestra, en la que más de cien trabajos del genio creativo retrataron su huella indeleble en el mundo de la moda, con una inconfundible identidad que “Vogue” definió como “dramática, barroca, onírica y dolorosamente bella”. La publicación incluye citas de McQueen, un prefacio de Andrew Bolton y una entrevista a Sarah Burton, directora creativa de su firma.
Autor: Andrew Bolton
Editorial: The Metropolitan Museum of Art Precio: US$50
Páginas: 240
Disponible en metmuseum.org
En este libro, la canadiense Christiane Lemiex se propone elaborar una suerte de guía para entrenar el ojo del lector en la siempre complicada misión de saber qué es realmente de calidad y qué no, cuando de muebles, textiles o accesorios de decoración se trata. Para ello, visita a un amplio rango de expertos en lo suyo, a quienes sumerge en conversaciones que se centran, principalmente, en dónde radica la calidad de un objeto. Al mismo tiempo que una especie de manual, “The Finer Things” es un viaje estético por lo mejor de lo mejor en el diseño de interiores.
Autora: Christiane Lemieux
Editorial: Clarkson Potter Precio: US$44
Páginas: 416
Disponible en Amazon
Pierre Chapo
EL TRABAJO DE CHAPO COMBINA LA ANTIGUA HABILIDAD DE LA CARPINTERÍA TRADICIONAL CON UN ENFOQUE CONTEMPORÁNEO.
Pierre Chapo (París 1927-1987) nació en una familia de artesanos, lo que definitivamente influyó en su temprana inclinación hacia las artes. Aunque inicialmente se interesó por la pintura, su encuentro con un carpintero naval en 1947 despertó su pasión por la madera y la carpintería, lo que lo llevó a formarse como arquitecto en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts en París. Tenía 21 años cuando dejó Francia para ir hacia Inglaterra y, luego, hacia los países escandinavos. Tres años más tarde, de regreso en París, conoció a su esposa, Nicole. Juntos viajaron por Centroamérica y Estados Unidos, y en esta travesía Chapo sumó a su carrera una pasantía en un estudio de arquitectura en Arizona. Cabe destacar que entre los lugares que conocieron durante su tiempo en este estado estuvo nada menos que Taliesin West, la casa y estudio de Frank Lloyd Wright. Esta visita tendría una influencia perdurable en los trabajos futuros del francés. Nuevamente de vuelta en París, a fines de la década de los cincuenta, Pierre Chapo comenzó a crear sus propios diseños y a comercializarlos con la ayuda de su esposa. No pasó mucho tiempo antes de que sus piezas atrajeran a una clientela devota. Uno de sus primeros compradores fue el dramaturgo y novelista Samuel Beckett, para quien creó la “cama Godot”, que lleva ese nombre en honor a su célebre obra, “Esperando a Godot”. Inicialmente, Chapo vendió su trabajo a través de la Galerie Chapo, una tienda de alta
gama que él y Nicole fundaron en 1958 en la capital francesa. Ahí exhibían también el trabajo de otros artistas y artesanos, entre quienes resalta particularmente el nombre del estadounidensejaponés Isamu Noguchi. Pierre Chapo compartía el enfoque orgánico de Noguchi hacia las artes y la artesanía, y ambos resistieron el aspecto industrial austero que fue dominante en el periodo de posguerra. Chapo quería algo más que pura “utilidad”, y creía que el diseño de muebles debía ser, además, estéticamente agradable. Por ello, defendió diseños que fueran individuales, atemporales y reunieran calidad universal, demostrando creatividad y sinceridad. Y fue, asimismo, un gran defensor de la importancia de la proporción áurea.
En 1960 recibió la medalla de oro de la ciudad de París. Y para 1968, se trasladó junto con su familia a Gordes, cerca de Avignon. Inspirado en el paisaje, sus diseños se volvieron aun más robustos y atrevidos. Fue en esta época que fundó su propio negocio de muebles, el Chapo Gordes S.A., el cual, al día de hoy, continúa en operación.
La silla S34A que protagoniza esta página fue diseñada alrededor de 1973. Esta pieza asimétrica ejecutada en madera, con respaldo descentrado y base cruzada, es un verdadero ícono que representa muy bien los diseños complejos y divertidos de Chapo. •
En todo hogar debe haber un lugar organizado y listo para atender en cualquier momento a nuestros invitados o, por qué no, a los miembros de nuestra propia familia. Este no tiene por qué estar a la vista, necesariamente. Si no se cuenta con espacio, puede ser algo tan simple como unas cuantas repisas de un mueble o, incluso, un lugar debidamente ubicado dentro de la cocina. Caso contrario, cuando contamos con un área más amplia, podemos aprovechar para poner una linda mesa para lucir en ella nuestras copas y licoreras. Lo más importante es que este sea un rincón pensado para ser un buen anfitrión.
Tengamos muy presente que estamos hablando de un bar de casa, no del bar de un barman, de un restaurante o de un evento, por lo cual no es necesario ser tan exigentes. Lo que sí queda claro es que, en lo que respecta al menaje, en una casa no deben faltar vasos altos y bajos, copas de vino blanco y tinto, y copas de champán. Asimismo, es necesario contar con jarras, posavasos, una hielera, una champañera, un buen abridor de vino, azafates, pinzas para el hielo y colador, o un kit de bar.
En cuanto a las bebidas, lo principal es tener permanentemente en reserva vino blanco y champán helado, vino tinto, whisky, vodka, cerveza, bebidas gaseosas, agua con gas, agua tónica y jugo de naranja. Para complementar todo esto, por supuesto, son imprescindibles hielos
y limones a la mano. Evidentemente, hay personas a las que les gusta tener un bar mucho más surtido. Generalmente, se trata de familias que suelen recibir invitados en casa y que disfrutan de largas tertulias y sobremesas. En estos casos, se encontrará también el infaltable pisco (con el respectivo amargo de Angostura), Cointreau, Cognac, Aperol, Campari, gin, vermut, limoncello, licor de menta, Bayleys, amaretto, y frangelico. A grandes rasgos, esto sería lo elemental. Por supuesto que todo puede variar de acuerdo con los gustos del dueño de casa y de sus amigos, así como según la vida social que lleve. Lo primordial es saber que uno siempre debe estar listo para invitar algo agradable, ya sea con o sin alcohol. Por ejemplo, hoy en día, que predomina un estilo de vida mucho más saludable que antaño, ofrecer aguas saborizadas con frutas o verduras (hechas en casa) es una alternativa muy grata y satisfactoria para los visitantes.
Finalmente, tengamos en cuenta que la presentación es importantísima. No se puede olvidar que todo entra por los ojos. Por ello, los licores y bebidas deben servirse con servilletas de tela tamaño coctel –nunca con servilletas de papel–, y es vital usar lindos azafates y que, en general, nuestra vajilla sea hermosa. Sin duda, hay que asegurarnos de mantener las copas limpias, ya que con el tiempo y la humedad estas adquieren un mal olor. Con estos consejos sencillos, siempre estaremos preparados para dar la bienvenida a nuestra casa. •
Karím Chaman Boutique ofrece una selección exclusiva de marcas internacionales que desafían lo convencional y prometen transformar los espacios en refugios contemporáneos de color y excepcionalidad.
En una esquina estratégica de San Isidro donde convergen el movimiento urbano y el circuito comercial de diseño, Karím Chaman Boutique se ha consolidado como un espacio pionero en la representación exclusiva de marcas de lujo internacionales en Lima. A poco de cumplir 20 años, la empresa nacida en 2006 es más que una tienda de mobiliario y piezas de decoración: es una declaración de audacia, íntimamente ligada a la búsqueda constante de elementos con carácter y autenticidad, y en la medida de lo posible, revolucionarios. Al principio, la labor de la arquitecta y diseñadora Karím Chaman reveló una ausencia en el mercado peruano. Y es que sus proyectos de interiorismo no encontraban correlato en la oferta de objetos decorativos de la capital. Nació así la necesidad de crearlas ella misma. El diseño y la manufactura de alfombras –hoy vigentes como uno de los productos más representativos de su boutique– dio paso
rápidamente a la idea de traer al Perú marcas internacionales en exclusividad que pudieran seguir un espíritu moderno e innovador. Baccarat y Missoni Home fueron algunas de las primeras, y a ellas luego se sumaron Verpan, Jonathan Adler, Kartell, Bosa Ceramiche, Lladró y Reflections Copenhagen, entre otras, con líneas de lámparas, objetos decorativos, muebles, cojines y toda clase de piezas que manifestaran una intención de modernidad y vanguardia.
Con el tiempo, la propuesta de Karím Chaman Boutique abrió su servicio de consultoría, con un equipo humano formado en diseño de interiores que no se limita a vender objetos, sino que acompaña a los clientes en la elección, propone composiciones, realiza visitas para pruebas en el espacio real y ofrece estilismo in situ. En estos procesos, además, la experiencia y la intuición estética de Karím se vuelven herramientas clave.
La tienda funciona como una galería viva, donde cada pieza expuesta –ya sea una lámpara de Baccarat diseñada por Philippe Starck, una alfombra tejida a mano, un mueble de acrílico diseñado por Joe Colombo para Kartell o un jarrón escultórico de Bosa Ceramiche– tiene impresa sobre ella la huella del deseo y de una visión sin límites. •
Av. Tudela y Varela 195, San Isidro. https://boutique.karimchaman.com +51 98128-2661
BD Barcelona y CASA VALLE presentaron una relectura contemporánea de la emblemática pieza modernista, con solo cincuenta ejemplares numerados que celebran el legado del arquitecto catalán.
Nueva York, cuna de creación y cultura, fue el escenario perfecto de un retorno que une historia, arte y diseño: la Silla Batlló de Antoni Gaudí reinterpretada por BD Barcelona –la primera empresa en reproducir y comercializar los diseños originales admirados del catalán– y la galería CASA VALLE, en una edición limitada de apenas medio centenar de piezas, acabadas en tono ébano. La presentación se llevó a cabo el 13 de mayo, como parte de la exposición de CASA VALLE durante la NYCxDesign Week.
Diseñada originalmente entre 1904 y 1906 por Gaudí para el comedor de la Casa Batlló –declarada Patrimonio Mundial por la Unesco–, esta silla representa la esencia del Modernisme catalán. Sus formas curvas, líneas escultóricas y estructura ergonómica fusionan belleza, comodidad y artesanía. Se trata, sin duda, de una pieza cargada de la energía artística del arquitecto español, así como de un tributo a la artesanía, la creatividad y la naturaleza.
La colaboración entre BD Barcelona y CASA VALLE rinde homenaje a esta poderosa herencia, al tiempo que actualiza su estética para un público contemporáneo. Así, el acabado en ébano busca aportar sofisticación y acentúa los contornos orgánicos que caracterizan a la silla, gracias a lo cual consigue reafirmar el equilibrio entre tradición y modernidad.
Cada ejemplar ha sido elaborado a mano por artesanos en Barcelona, replicando fielmente el diseño original con los mismos materiales y técnicas empleados hace más de un siglo. Asimismo, la autenticidad de cada silla viene garantizada por un certificado firmado por el director de la Cátedra Gaudí.
Para Giancarlo Valle y Jane Keltner de Valle, fundadores de CASA VALLE, esta edición limitada
representa “una oportunidad para volver a contar la historia de Gaudí desde una perspectiva actual, en diálogo con la energía creativa de Nueva York y su visión del futuro”. Esta pieza forma parte de la Gaudí Collection de BD Barcelona, integrada dentro de sus Art Editions, una línea de ediciones numeradas que pretende borrar los límites entre el mobiliario funcional y el arte coleccionable. Cabe mencionar, además, que esta colección incluye también obras icónicas del artista surrealista Salvador Dalí.
Con esta edición, la Silla Batlló trasciende el tiempo para convertirse en un objeto de deseo contemporáneo, reafirmando el poder del diseño como vehículo de memoria, innovación y belleza. •
Por Giacomo Roncagliolo Fotos: Renzo Rebagliati
Nicole Futterknecht
El proyecto de remodelación de la arquitecta no busca replicar el pasado, sino reinterpretarlo. A través de exploraciones tanto sopesadas como atrevidas, la vivienda se transforma en un espacio luminoso donde conviven lo nuevo y lo heredado.
En una calle tranquila de Miraflores, un distrito marcado por el crecimiento urbano y la pérdida progresiva del patrimonio residencial, la arquitecta Nicole Futterknecht asumió el reto de intervenir una casa de los años cuarenta que había sido modificada en exceso: la fachada, por completo alterada; la escalera interna, eliminada y sustituida por una exterior; el jardín trasero, reducido a costa de construcciones adicionales. Tal situación orientó a Futterknecht hacia una remodelación profunda, que mantuviera elementos puntuales y ciertas proporciones, geometrías y detalles, pero que no tuviera miedo de modificar espacios, devolviéndoles el esplendor original y a su vez acercándolos a su propia visión de hogar.
TRANSFORMACIÓN INTEGRAL
La separación entre el primer y el segundo piso que había convertido cada uno en una vivienda distinta también había acabado por compartimentar demasiado la arquitectura interior. Por ello, uno de los primeros objetivos fue “abrir” la casa. Para lograrlo,
se intervino la ubicación de los ambientes comunes, trayendo la cocina hacia un primer plano y colocando la sala y el comedor en el fondo, conectados directamente con la terraza. De esta forma, el área social se convirtió en una secuencia continua y abierta de límites flexibles y circulación fluida.
Futterknecht también añadió un tercer nivel a la casa y realizó una intervención completa sobre la fachada. A falta de atributos originales que valiera la pena conservar, optó por una reinterpretación contemporánea, cambió de lugar la puerta de ingreso y los ventanales, y adelantó el frontis para generar un garaje no visible. A ello se sumó uno de los elementos más representativos de la remodelación: la nueva escalera interior, ubicada donde se encontraba la original y diseñada como una pieza escultórica. La arquitecta, además, se atrevió a teñir la madera de los escalones de un tono muy oscuro, saliendo de su zona de confort para conseguir un contraste visual potente que, sin embargo, se integró perfectamente con los pisos de roble.
La casa, mod ficada a lo argo de décadas, recupera orden, luz y sent do a través de una operación arqu tectónica que prior za tanto el contexto actua como las historias del pasado
Diseño y memoria conviven en cada pieza de mobiliario y en cada objeto elegido para habitar la casa, reflejando la identidad de la familia.
IMPRONTA PERSONAL
El empleo extensivo de la madera fue un eje del proyecto que respondió a una intención estética y funcional, pero también a una influencia cultural, pues Futterknecht señala que tomó como inspiración su paso reciente por algunos países nórdicos y el uso que en esas latitudes le dan a la madera: “Es un material que no te va a cansar nunca. Además de ser muy fácil de combinar, es completamente acogedor”. En ese sentido, no se utilizó únicamente como decoración, sino como parte central del lenguaje de la vivienda. La encontramos en los pisos, en todos los muebles del comedor y también en los arcos que acompañan el paso de un ambiente social al siguiente. Rectos en los lados y curvados
solo en las esquinas, estos arcos fueron recuperados por Futterknecht del diseño original, como un elemento característico al cual le sumó marcos de madera que dialogaran con el nuevo espíritu de la casa. Más allá de cercanías y distancias con los distintos estadíos que la vivienda había experimentado en sus ocho décadas de vida, Futterknecht procuró que su
ha hecho de ella un gran centro de reunión.
ABAJO Aunque fue renovada casi por completo, la fachada consigue vincularse con su propio pasado en el diálogo con las casas vecinas.
hogar también acogiera las historias de sus propias familias, tanto aquellas de las que ella y su esposo provienen, como la que han formado juntos. Así, en el comedor se luce la mesa que los padres de la arquitecta compraron en Suiza poco después de casarse, y el bar que antes había sido el armario de la habitación de su abuela. En la sala, a su vez, brillan retratos de otros
siglos, desde donde miran sus antepasados, al igual que una obra del artista Miguel Aguirre en la que se plasma el paisaje de la ruta Barcelona-Madrid que Futterknecht, años atrás, recorría cada fin de semana para visitar a su esposo. Asimismo, el diseño y la ejecución del proyecto tiene la huella de una dinámica conjunta y familiar en la que todos pudieron participar. “Siento que mis hijos han descubierto en qué consiste mi trabajo, lo que hago todos los días”, celebra la arquitecta. Concluida la intervención, la vivienda no solo recuperó orden y fluidez espacial y visual, sino también un lenguaje arquitectónico coherente con el pasado y con el tiempo actual. Lejos de ser una restauración nostálgica, el proyecto logró reconciliar historia y expresión contemporánea, todo amarrado a los deseos, sueños y visiones de una arquitecta y su familia. En cada rincón, hay un recuerdo o una elección en los que se plasma la personalidad de sus habitantes. Al fin y al cabo, la remodelación fue también una forma de reconstruir, además de muros, vínculos y memorias. •
Por Fiorella Iberico Fotos de Renzo Rebagliati
Roberto Riofrío
Blanco como punto de partida, como lienzo y como luz. En este proyecto firmado por Roberto Riofrío, el color no es ausencia, sino protagonista: un recurso que amplifica la espacialidad de planos que se cruzan, revela las formas suspendidas y acentúa la arquitectura.
Hay casas que son diseñadas para el presente y otras que se anticipan al tiempo. Esta obra de Roberto Riofrío se inscribe en la segunda categoría. Ubicada en un condominio suburbano aún en desarrollo, esta vivienda combina contundencia estructural con ligereza visual, y se despliega como una exploración espacial de recorridos, luz y materiales.
La residencia ha sido concebida para acompañar el crecimiento y las transformaciones de quienes la habitan: una joven pareja que proyecta su vida a largo plazo. Cinco dormitorios, múltiples áreas sociales y una circulación protagónica construyen una arquitectura pensada para acompañar la evolución de sus dueños, adaptándose a sus necesidades presentes y futuras, y permitiendo disfrutar plenamente del espacio.
V sta desde el ingreso, una galer a a dob e altura organiza la circulac ón pr nc pal y enmarca la v sual hac a a terraza y a piscina, eje estructural y s mbólico de toda la viv enda
Las columnas del primer nivel refuerzan la idea de un volumen suspendido, mientras que la visual hacia la piscina y el jardín prolonga la arquitectura hacia el paisaje y acentúa la continuidad del recorrido.
GEOMETRÍA Y LUZ
El proyecto nace desde la libertad. Los propietarios, cercanos a otros trabajos del arquitecto, confiaron plenamente en su visión y le dieron carta abierta para explorar. Esa apertura dio paso a una propuesta que encuentra su estructura en el movimiento; una circulación longitudinal que atraviesa la casa y articula sus espacios principales.
El recorrido empieza en una galería a doble altura –el eje visual y espacial de
la vivienda– que conecta el ingreso con la terraza posterior y remata en una piscina lineal. A lo largo del trayecto, se cruzan visuales, puentes, escaleras, y se revelan los distintos niveles, como si el espacio se desplegara progresivamente.
“El recorrido invita a cruzar la casa desde el ingreso hasta el jardín”, explica Riofrío. “Quise que esa circulación se sienta inevitable, como una línea de deseo. Y la piscina al fondo refuerza esa dirección”, subraya.
El otro gran eje conceptual es la composición volumétrica. Riofrío trabajó a partir de una superposición de planos que no solo organizan las fachadas, sino que definen la manera en que la luz entra a la casa y cómo se protegen o abren los distintos ambientes. Parasoles, terrazas, techos y vigas se repiten para crear una lectura clara, rítmica y serena.
Aunque la volumetría tiene presencia –con grandes vigas y bloques de concreto expuesto–, el conjunto consigue una absoluta sensación de liviandad. Esto se logra gracias a la manera en que los volúmenes superiores parecen flotar sobre un zócalo revestido con un enchape de piedra de tonos cálidos y variados. Esta base define el primer piso y resalta aun más la fluidez del concreto en los niveles superiores.
“Quería que, a pesar de la fuerza de los materiales, la casa se sienta liviana, como si estuviera suspendida. Las vigas se extienden al máximo para generar una imagen lineal y continua, una especie de gran cornisa que enmarca lo que sucede adentro”, sostiene Roberto.
FUNCIONALIDAD PENSADA
A FUTURO
Aunque su concepto general es audaz y contemporáneo, la casa no descuida el aspecto más funcional y utilitario. En el primer piso, tiene todo lo que se esperaría de una casa: una amplia sala comedor,
ARRIBA Desde el exterior, la vivienda se presenta como una pieza escultural de líneas limpias y ritmo geométrico, donde el concreto expuesto actúa como piel y estructura a la vez.
ABAJO Líneas precisas, espacios amplios y una sobriedad cuidadosamente medida definen el proyecto de Riofrío.
una cocina bien equipada, un escritorio, un dormitorio de invitados y una escalera que conduce al segundo piso, donde se encuentra el área privada. Arriba, el dormitorio principal se ubica en una posición privilegiada: ocupa toda la fachada interior y tiene una vista plena hacia el jardín y la piscina. Su recorrido interno –desde la habitación al walk in closet y luego al baño– también se concibe como una pequeña galería que permite disfrutar la luz, el paisaje y un extenso balcón. En ese mismo nivel, tres dormitorios secundarios, cada uno con su propio baño, completan el área íntima de la casa.
Un family room conecta todo este segundo nivel y balconea sobre la galería
principal, generando una conexión visual y espacial entre ambos pisos. “La casa está pensada para ser vivida plenamente desde ahora, pero también para recibir a la familia que vendrá. Es un proyecto que mira hacia adelante, con espacios que crecen junto a quienes los habitan”, comenta el arquitecto. La arquitectura de esta casa no sería la misma sin el trabajo con el blanco. En el interior, las paredes y cielos pintados de blanco puro permiten que la luz –filtrada por las franjas y las vigas– genere sombras que resaltan los planos, las texturas y las proporciones. Es un blanco que no busca desaparecer, sino hacer visible cada gesto de diseño de este audaz y contundente proyecto. •
Por María Sarca y José Ignacio Beteta Fotos de Gonzalo Vera Tudela
En su séptima participación consecutiva en la Bienal de Arquitectura de Venecia, el Perú presenta “Andamio Vivo”, una instalación que reinterpreta la inteligencia colectiva de uros y aimaras como respuesta arquitectónica a situaciones desafiantes.
La participación del Perú en la Bienal de Arquitectura de Venecia no es un hecho aislado ni eventual. Desde 2012, el país sostiene una presencia continua bajo el comisariado de José Orrego, quien ha participado en las siete ediciones. Esto ha permitido afinar el enfoque, elevar la calidad de las propuestas y consolidar un equipo logístico en Italia. “Cada edición es un aprendizaje acumulado”, afirma Orrego, arquitecto y actual director del Patronato Cultural del Perú, entidad que gestiona el pabellón.
La propuesta de este año se titula “Andamio Vivo”, y toma dos momentos constructivos como ejes estructurantes: la creación de islas flotantes en el Titicaca y el ensamblaje de una gran balsa de totora en Punta Negra. El proyecto dialoga con el tema curatorial de la bienal –Intelligens. Natural. Artificial. Colectivo– desde la perspectiva de “un lugar, una solución”.
El objeto que se muestra en el pabellón reinterpreta de forma sintética el andamiaje usado para ensamblar la gran balsa Uru –que cruzó el océano Pacífico en 1988– y las estructuras subacuáticas de las islas flotantes de los uros, rememorando también lo que pudieron ser los antiguos astilleros prehispánicos, mientras invita al espectador a una experiencia
inmersiva. “El visitante va a poder caminar debajo del andamio, y podrá ver un espacio que remite a los cimientos invisibles sobre los que se sostienen; no solo las arquitecturas, sino las propias civilizaciones”, cuenta Orrego.
La propuesta incluye contenidos audiovisuales que registran los espacios de análisis, la historia, y las sesiones de diálogo del equipo curatorial con los uros realizadas a orillas del Lago Titicaca: entrevistas, registro de técnicas y testimonios de los guardianes de estos conocimientos ancestrales, un ejercicio que valora respetuosamente lo colectivo como punto de partida para pensar futuros sostenibles y territorios posibles.
UN SISTEMA CURATORIAL CON RAÍCES
El proceso previo a la gran inauguración del pabellón peruano en el Arsenale de Venecia es vital. El Perú selecciona sus propuestas a través de un concurso abierto. “Yo personalmente organizo un concurso curatorial, junto con el Patronato Cultural del Perú, para poder llevar la mejor propuesta”. Así, según el comisario del pabellón peruano, el objetivo no es solo representar bien al país, sino activar preguntas internas en el medio local.
“Andamio Vivo” fue e eg da entre 41 propuestas nac ona es, y desarrol ada ba o un mode o de gestión compar t da entre el Estado, e Patronato Cu tural de Perú y a bienal
La participación del Perú en la bienal, como plataforma de investigación y reflexión, permite discutir temas tan diversos como la Amazonía, las comunidades andinas o la vivienda social.
“Siempre pedimos que la participación implique una reflexión sobre el Perú”, menciona el director del Patronato Cultural del Perú.
Más allá de Venecia, este proceso sirve para mirar hacia adentro y repensar la arquitectura desde nuestras particularidades. “El Perú tiene muchos arquitectos que trabajan, reflexionan y que todavía tienen contacto con nuestro territorio”. Para Orrego, esto es esencial en un país tan diverso y multiescalar: “Hay muchas culturas que todavía están vivas dentro de nuestro acervo cultural, y queremos ponerlas en valor, mostrarlas al mundo, con un ánimo académico y de promoción de nuestra identidad”.
El ejemplo de los uros es clave, “una tecnología que no solo resiste el paso del tiempo, sino que ofrece claves para el futuro. Me parece sugerente cómo
todavía podemos encontrar este tipo de intervenciones donde la profunda relación con la naturaleza sigue siendo parte esencial del balance”, explica Orrego. Para él, esa capacidad de integración y adaptación evidencia una sabiduría que la arquitectura contemporánea debe aprender a valorar. “Eso habla muy bien de un país con memoria, historia y que tiene una forma propia de mirar el futuro”, añade.
UNA ARQUITECTURA POSIBLE Construir un pabellón en Venecia no es sencillo. Orrego señala: “La sensación que tenemos cada vez que llevamos estos pabellones es que estamos enviando una nave a Marte. Venecia es complicada para entrar y llevar cosas”.
Pese a todo, el equipo logra montar instalaciones de alto impacto. “Quizá el Perú debe ser uno de los pabellones que tienen el menor presupuesto para montar. Eso nos obliga a ser muy sintéticos para explicar de la mejor manera lo que queremos transmitir”, comenta.
La obra combina tradición y síntesis contemporánea para explorar nuevas formas de habitar desde el agua, la memoria y la colaboración.
La participación del Perú en la bienal, como plataforma de investigación y reflexión, permite discutir temas tan diversos como la Amazonía, las comunidades andinas o la vivienda social.
Este año, “Andamio Vivo” será replicado localmente. “Nuestra intención siempre es recrear al año siguiente el pabellón en el Perú, para abrir discusiones sobre cómo imaginar la mejor forma de hacer ciudades y abordar problemas arquitectónicos”, adelanta el comisario. El equipo curatorial, por su parte, ya está organizando eventos y espacios de reflexión en Lima, así como actividades en Puno, a orillas del Titicaca, con los actores principales de esta historia: uros y aimaras.
UNA VITRINA PARA EL MUNDO
La presencia peruana en la Bienal de Arquitectura de Venecia ha ganado visibilidad y prestigio entre la crítica interna-
cional. José Orrego afirma: “El pabellón peruano siempre se ha destacado. Es más, considero que la muestra que hemos hecho debe estar entre las diez mejores de la bienal. Los comentarios y la cobertura sobre nuestro pabellón este año han sido muy valiosos y notorios”.
Para él, esta consistencia ha convertido a “Andamio Vivo” en un punto obligado dentro del recorrido: “Estoy muy orgulloso de imaginar que la gente está privilegiando la visita al pabellón peruano, y he podido ver sus reacciones. Nos gustaría en algún momento replicar la muestra fuera del país. En la segunda bienal en la que participamos llegamos a Montevideo y São Paulo”.
El director del Patronato Cultural del Perú se ha propuesto proyectar a nivel internacional nuestra arquitectura, y es que, desde 2012, asegura, la visibilidad ha crecido: “Ha habido un destaque importante de arquitectos que han empezado a trabajar fuera del país y a llevar un discurso nacional a otros medios”. Esta misma proyección también ha generado una reflexión sobre la formación de nuevas generaciones. “Creo que la universidad tiene una deuda por recuperar estos conocimientos ancestrales, para que puedan ser reconocidos como un bagaje cultural valioso que permita sus reinterpretaciones y la aplicación en una nueva arquitectura peruana” •
CASACOR cumple 30 años y lo celebra con una edición que mira al futuro. Bajo el lema Sembrando sueños, cuarenta ambientes proponen formas de habitar que anudan la belleza, el equilibrio y la innovación. Del 20 de mayo al 13 de julio, en el Puericultorio Pérez Araníbar, diseño, arquitectura, arte y paisajismo convergen en una experiencia que promueve el encuentro entre lo humano y lo natural.
Por Fiorella Iberico y Giacomo Roncagliolo Fotos de Joselyn D’Angelo y Jaime Gianella
En “Brisa Marina”, los contrastes cromáticos del mobiliario de CASA100 acentúan la fluidez del espacio y refuerzan su inspiración marina con un lenguaje visual envolvente.
Luis Escobar
Este es un refugio costero donde la arquitectura ligera y el mobiliario se alinean con el ritmo del mar, pero también es una propuesta que une funcionalidad, estética y diseño modular.
Inspirado en el movimiento del océano, Luis Escobar presenta “Brisa Marina”, un ambiente que combina arquitectura modular, eficiencia constructiva y una atmósfera sensorial inmersiva. Concebido como una casa de playa contemporánea, el espacio demuestra que es posible crear viviendas ligeras, rápidas de construir y sostenibles sin sacrificar diseño ni calidad. Todo el proyecto gira en torno a la fluidez: volúmenes curvos, pisos que simulan olas, reflejos en el techo de acero espejado y una iluminación cuidadosamente planeada para que el espacio cobre nueva vida de noche.
El mobiliario de CASA100 juega un rol fundamental en esa narrativa. El sofá principal, con su silueta suave y color en contraste, introduce un guiño visual que dialoga con el entorno. La mesa de centro, inspirada en el coral, y las mesas auxiliares de vidrio, que evocan burbujas, refuerzan el concepto marino. En la cocina, las sillas en tonos sobrios aportan equilibrio visual. Cada pieza fue elegida no solo por su estética, sino también por su funcionalidad y capacidad de integrarse al concepto general. “Brisa Marina” es, en esencia, una experiencia habitable que conecta naturaleza, arte y diseño desde una mirada fresca y muy personal •
La firma deslumbra en CASACOR 2025 en una serie de ambientes que amalgaman lo bello, lo exquisito y lo funcional, reafirmando así su posición como referente del interiorismo de lujo.
Ubicada en el corazón de San Isidro, CASA100 se ha consolidado como la boutique de diseño de interiores más exclusiva del país. Este 2025, además, reafirma su liderazgo en el mundo del interiorismo de alta gama con una participación destacada en CASACOR, la muestra más importante de arquitectura, diseño y paisajismo del Perú. Más que una exhibición, su propuesta es una experiencia sensorial que celebra el arte de habitar con estilo, autenticidad y sofisticación.
En esta edición de CASACOR, CASA100 presenta un portafolio más amplio que en años anteriores, sumando piezas decorativas que enriquecen su cuidada selección de mobiliario de autor. Destaca particularmente la incorporación de Polspotten, marca holandesa
reconocida por sus objetos decorativos audaces, artísticos y con un espíritu irreverente que rompe con lo convencional. Esta línea complementa con armonía a las firmas que definen el ADN de CASA100, tales como Saccaro, Adriana Hoyos, Jader Almeida e Impatia, todas las cuales comparten una visión clara: elevar lo cotidiano a través del diseño.
La propuesta de CASA100 en CASACOR 2025 se ha materializado gracias a la colaboración con los reconocidos arquitectos peruanos Fiorella Henríquez, Luis Escobar, Andrea Benavides, Xiomary Santos y Zoe Beteta, quienes han elegido sus piezas para crear espacios que combinan identidad, carácter y un profundo respeto por la estética y la funcionalidad. Cada ambiente es una declaración de estilo en la que el mobiliario y la materialidad dialogan en total armonía. CASA100 no sigue tendencias, las interpreta y transforma desde una mirada contemporánea. Su showroom es un punto de encuentro para quienes valoran el diseño auténtico, la atención personalizada y una curaduría que trasciende el tiempo. Por ello, su participación en CASACOR forma parte de una visión que apuesta por seguir liderando el diseño interior de lujo en el Perú, a través de lograr conexión con quienes buscan vivir rodeados de piezas que inspiran y elevan sus espacios. •
Showroom: Calle Miguel Dasso
San Isidro Instagram: @casa100peru
Kathy Cárdenas, Caroline Feldman, Marcia Lenz
Un refugio sin muros es la base para una propuesta que integra conexión real con productos de alto desempeño y diseño sofisticado, en sintonía con la naturaleza.
En tiempos de hiperconectividad y sobreestimulación, el diseño tiene el poder de recordarnos lo que realmente importa. “In/Out” –a cargo de las arquitectas y diseñadoras Kathy Cárdenas y Caroline Feldman, con paisajismo de Marcia Lenz– aparece este año en CASACOR como una respuesta elegante y decidida a esa necesidad. El espacio encarna una propuesta que busca restablecer el vínculo directo con la naturaleza y el tiempo desacelerado. A través de una disposición circular y estructuras elevadas que permiten una vista limpia del entorno, “In/Out” integra sala, comedor, cocina, parrilla y una zona de fogata en un mismo gesto arquitectónico. En él, cada ambiente se proyecta como una extensión
del paisaje mediante materiales, formas y decisiones que privilegian lo sensorial por encima de la imposición formal. El área de cocina y parrilla, claves para la convivencia, fueron resueltas con productos Kohler, cuya presencia técnica y estética se incorpora de forma idónea al lenguaje general del proyecto. Destaca la grifería Purist, suspendida desde el techo; una pieza que desafía lo convencional en cocinas al aire libre y eleva la experiencia de uso con su diseño innovador. Por su parte, el lavadero Strive de gran formato aporta funcionalidad y robustez sin comprometer la pureza visual, todo en el acabado Vibrant Stainless, elegido por su refinamiento y durabilidad •
Tanto en un espacio emocional como en un entorno contemplativo, las cortinas Decorbell se manifiestan como un medio expresivo, capaz de modular la luz, definir la atmósfera y profundizar la experiencia sensorial.
En CASACOR, el diseño encuentra en las cortinas un recurso sutil para domesticar la luz y generar emociones. Dos de sus espacios les sacan provecho, proyectando una conexión entre lo íntimo y lo expuesto.
Inspirado en la leyenda del hilo que conecta a las personas que estaban destinadas a encontrarse, “Hilo invisible”, de la arquitecta Fiorella Henriquez, busca materializar esa conexión emocional en un ambiente que trasciende lo físico, con piezas que cuentan historias y vuelven visible lo intangible. La paleta de materiales –piedra sinterizada, acero retroiluminado, madera y textiles suaves– apuesta por contrastes sutiles y texturas que absorben y reflejan. En esta experiencia, las cortinas de Decorbell cumplen un rol protagónico. No son un fondo ni un complemento, sino una capa esencial del relato. Sus telas ligeras dejan pasar la luz exterior y transforman el espacio durante el día, mientras que al caer la noche construyen una atmósfera íntima.
En “El espacio de artes y joyas”, el arquitecto Fernando Álvarez concibe el proyecto como una galería poblada de vitrinas y pedestales en los cuales exhibir estas piezas de lujo. La simetría y el ritmo –presentes tanto en las joyas como en la arquitectura original del espacio– definen la organización, mientras que la madera, el terrazo y una paleta neutra, al servicio de la contemplación, evocan sofisticación y pureza. Las cortinas de Decorbell, de la línea Onda Perfecta, son clave en esta composición. Combinando tul traslúcido y tela pesada en tonos crema, aprovechan la altura de casi cinco metros para dibujar, a ambos lados del proyecto, caídas imponentes que aportan elegancia y calidez •
Con diez años como diseñadora de interiores y curadora, Nicole Prutsky, fundadora de Atemporal Deco & Home, es una referente del mundo del diseño destacada por su exquisito gusto y conocimiento.
Movida por entender cómo funcionaba el universo, Nicole Prutsky estudió Física Pura en Israel, un destino que eligió por su avance en ciencias y tecnología, el prestigio de sus universidades y sus propias raíces. Si bien las fórmulas eran su idioma principal, cuando terminó la carrera en Tel Aviv, se mudó a Venezuela por una oportunidad laboral.
Fue así que, luego de un tiempo entregada al 100% a la investigación científica, se dio cuenta de que tenía otra gran pasión: el diseño de interiores.
“Surgió el sueño de poder influir en el entorno y crear conexiones armoniosas desde el diseño de nuestros ecosistemas personales”, relata. Cuando llegó a Lima en 2014, comenzó su nuevo camino.
“Para mí, el diseño es una forma de ordenar, interpretar y habitar el mundo con sentido y desde una mirada artística”, reflexiona.
UNA MARCA PIONERA
En 2016, abrió las puertas de Filamento y, en plena pandemia, durante 2020, la marca se transformó en Atemporal Deco & Home, la primera tienda multimarca de firmas europeas de muebles de lujo en el Perú. “Queremos acompañar a las personas en el entendimiento de lo que significa ‘el buen vivir’ para ellos y lo que desean para su hogar”, afirma. Como parte de su visión como diseñadora, Nicole se involucra a fondo con cada cliente, entendiendo qué lo inspira y le brinda bienestar; se enfoca en unir funcionalidad y belleza y en hacer que cada pieza responda a una historia única; y explora combinaciones de materiales con un enfoque innovador. “Deseo que cada objeto seleccionado y cada espacio diseñado tengan un carácter atemporal, que no dependa
expresión creativa de quiénes somos y cómo queremos vivir; Talenti Outdoor Living, firma italiana de mobiliario exterior; Koziel, que ofrece papel tapiz y pertenece a un escenógrafo teatral que sigue el estilo ‘trampa al ojo’, entre otras.
de modas, sino una estética elegante, sofisticada y discreta, centrada en la calidad y calidez”. Hoy, Atemporal Deco & Home reúne nombres como Timothy Oulton, marca inglesa que presenta una combinación audaz de artesanía tradicional, diseño británico clásico y una sensación de lujo moderno, todo con un fuerte enfoque en la narrativa histórica. “Le da mucha importancia a los materiales: los cueros son de Argentina y Uruguay; las maderas, recuperadas de Inglaterra y China; y las piedras, de Italia y la India. Utiliza materiales como el rock crystal, que sobresalen por sí solos y dan mucho carácter a cada pieza y espacio”. Luego, está la francesa Ligne Roset, conocida por sus colaboraciones ingeniosas –tanto con talentos establecidos como emergentes en el diseño contemporáneo–, por el empleo de tecnología de punta y por su je ne sais quoi. “Las espumas, por ejemplo, son de otro nivel, y el confort que te dan sus piezas no se puede describir con palabras”, explica la experta.
En la tienda también está Eichholtz, marca holandesa que plantea los entornos como
La mirada curatorial de Nicole se nutre de sus viajes por el mundo, las visitas a ferias de diseño y fábricas, y las conversaciones con genios como los mismos Timothy Oulton, Teo Eichholtz y la familia Roset. Según sus propias palabras, su deseo es traer todas las marcas europeas de calidad y originalidad que los peruanos se merecen. En estos diez años como diseñadora de interiores, su sello se ha vuelto uno: crear espacios honestos, habitables, humanos, donde cada uno pueda conectar consigo mismo, que eleven lo cotidiano y brinden bienestar, y que nacen de la escucha y entendimiento profundo del cliente. “Creo en crear espacios con alma, que respondan al presente de cada cliente, pero que conecten con su historia y su futuro”, concluye. Este año, la interiorista presenta en CASACOR “Nodo”, nombre inspirado en su background de física, y en el que destacan las piezas de Eichholtz. Si bien Nicole participó en CASACOR 2022, 2023 y 2024, esta es la primera vez que presenta una propuesta en solitario, y seguramente, esta dará qué hablar. •
En el escenario perfecto para un diálogo entre diseño y materia, surgen propuestas que combinan elegancia y atrevimiento, y que renuevan el imaginario del mueble contemporáneo.
En esta edición de CASACOR, el mobiliario se presenta como un gesto de autor con intención estética y ejecución precisa. Los materiales y las composiciones proponen un nuevo lujo –discreto pero elocuente– que prioriza lo táctil, lo sensorial y lo esencial. Entre las marcas presentes, destaca Atemporal Deco & Home, una tienda de muebles de marcas europeas que trae una propuesta íntima y sensible. Su filosofía de vida y diseño, apoyándose en lo humano y lo duradero, crea espacios que hablan de quienes lo habitan y los acompañan en el tiempo con elegancia. Cómo vive cada persona, qué la hace sentir bien, qué busca conservar o transformar, son preguntas que sirven de insumo para proponer piezas únicas que aportan belleza y funcionalidad.
Atemporal Deco & Home participa este año en CASACOR a través de la marca holandesa Eichholtz, con piezas en diálogo que pueden encontrarse tanto en el espacio “Nodo”, de Nicole Prutsky, como en “Raíces de luz”, de la arquitecta Gisella Buendía, quienes captan y comparten a la perfección el ethos de la marca. En estos proyectos, Eichholtz ofrece diseños que fusionan lo moderno y lo artesanal con materiales nobles y novedosos, tales como el alabastro, el travertino, tapices de texturas innovadoras y el metal envejecido, todo bajo un dominio del detalle sin concesiones •
Las piezas de Eichholtz presentadas por Atemporal Deco & Home aportan diseño europeo, elegancia e innovación, e invitan a experimentar una forma de lujo calmo e introspectivo.
Dos instalaciones donde el detalle importa –un taller de perfumista y un bar con motivos de sastrería– destilan carácter y peculiaridad en sus propuestas, ganando coherencia con un elemento fundamental: las alfombras.
En el “Atelier del Perfumista” y el “Bar Sastrería Martínez”, las alfombras de Nathan dan acento y calidez, subrayando la identidad de cada ambiente.
En el “Atelier del Perfumista”, el arquitecto David Zwiebach imagina el home office de un creador de aromas que recibe a sus clientes como si fueran confidentes. El espacio –bañado por luz natural y respetuoso del carácter patrimonial del edificio– se construye a partir de tres pilares: calidez, sofisticación y sostenibilidad. Materiales nobles como la madera y la piedra conviven con plantas y texturas suaves. Pero es en una esquina íntima, donde ocurre ese encuentro casi terapéutico entre perfumista y cliente, que una alfombra de Nathan amarra la escena: suma contención, color y esa dosis justa de acogida que todo diálogo necesita.
A pocos metros, inspirado en el universo de la sastrería clásica, el arquitecto César Lee diseñó la instalación “Bar Sastrería Martínez”, un bar oculto, como una propuesta elegante y sobria donde cada ambiente –desde el atelier del sastre hasta la cava y la galería– se revela como una pieza hecha a medida. El punto de partida fue el piso original, parte del patrimonio del edificio, que dialoga con una iluminación precisa y una paleta de colores discreta. En esa secuencia, las alfombras de Nathan aportan textura y acento, subrayando zonas clave y reforzando la identidad de cada ambiente sin romper la armonía del conjunto •
ELEGANCIA PARISINA
Marilú Salcedo
El “Loft de Margaux” equilibra lo clásico y lo contemporáneo con mobiliario de Veralima, cuyas formas curvas en combinación con una paleta cálida refuerzan el carácter habitable del espacio.
Inspirado en un imaginario departamento parisino, el “Loft de Margaux” combina mobiliario de Veralima, formas curvas y una paleta de neutros con acentos verdes, piedra y madera.
En CASACOR 2025, la arquitecta de interiores Marilú Salcedo presenta un espacio que combina sofisticación, calidez y una historia personal. El “Loft de Margaux” nace de la luz natural y la amplitud del lugar, evocando un departamento parisino con alma contemporánea. Inspirado en un personaje ficticio, Margaux –una chef francoperuana que convierte su loft en refugio creativo–, el ambiente fluye entre lo clásico y lo moderno con equilibrio y estilo. La propuesta destaca por sus formas curvas, molduras, textiles y una cuidada paleta de neutros con acentos verdes, piedra y madera. Pero son los muebles de Veralima los que terminan de dar carácter al conjunto: desde la sala y el comedor hasta las consolas y sillas junto a la chimenea, cada pieza fue elegida por su escala, presencia y coherencia con el relato. “Quería muebles grandes, con personalidad, que hablen con la arquitectura del lugar”, explica Salcedo. Todo en este loft respira diseño habitable: es una instalación pensada para ser vivida, no solo admirada. Un espacio donde los materiales, las texturas y las proporciones se combinan con naturalidad para invitar a quedarse •
Fabio Tienforti, Josef Prinoth y Francesca Giono Calvetto
Inspirada en el universo poético de Paul Klee, esta suite convierte el arte en espacio habitable. Una oda a la artesanía, la sostenibilidad y el diseño con propósito.
La instalación de Artesanos Don Bosco en CASACOR 2025 trasciende la noción de mobiliario para proponer una experiencia arquitectónica sensorial y simbólica. La “Suite Paul Klee” es una pequeña casa de huéspedes inmersa en la naturaleza, concebida a partir de una planta en cruz dentro de un cuadrado. Mientras el eje central está techado, los laterales se abren como brazos hacia el entorno, dando lugar a un patio de entrada y una terraza. Una rampa flanqueada por mosaicos y pinturas conduce al visitante a un universo que fusiona geometría, materia y color.
Inspirada en el legado del artista suizo-alemán Paul Klee, la instalación convierte sus obras en vitrales, paneles, esculturas, vajillas, lámparas y objetos decorativos. Cada pieza de la “Suite Paul Klee” es una obra original de Artesanos Don Bosco, resultado del trabajo conjunto entre diseñadores y artesanos. Más que un taller de muebles, ofrece un servicio integral de diseño y ejecución, donde todo se concibe de forma personalizada. La instalación demuestra que el diseño puede nacer del arte y la tradición, sin renunciar a la innovación ni a la contemporaneidad. Más que una suite, el espacio funciona como un manifiesto que invita a mirar el diseño con otros ojos: desde lo visible hacia lo esencial •
Todas las piezas de la “Suite Paul Klee” fueron diseñadas y fabricadas por Artesanos Don Bosco, que va más allá del mobiliario para crear objetos con identidad y oficio.
En Lynch, arquitectura, cocina y territorio se funden. Con ecos eclesiásticos y texturas contrastantes, propone una narrativa espacial que honra el paisaje y la memoria del norte peruano.
Peatonal
En el contexto vibrante y efímero de CASACOR, el restaurante Lynch, diseñado por el estudio Peatonal, convierte el acto de comer en una experiencia sensorial completa. Con una atmósfera cargada de simbolismos, el espacio culinario evoca paisajes, costumbres y memorias del norte peruano.
En el restaurante Lynch, el punto de partida conceptual es una reinterpretación contemporánea del estilo eclesiástico, no desde lo puramente decorativo, sino como estructura simbólica. Allí, la penumbra modula la luz y el claroscuro guía el recorrido, revelando texturas y estimulando los sentidos, con una inspiración en las costumbres norteñas del Perú que ordena el espacio y celebra la memoria. El estudio
Peatonal –dirigido por Víctor Gamarra– explora en esta propuesta los contrastes entre superficies satinadas y mate, entre metales y tonos oscuros. Las luminarias, diseñadas por el propio estudio, funcionan como elementos escultóricos que emergen desde la oscuridad. La paleta, a su vez, es sobria y decidida: borgoñas profundos, negros intensos, maderas con diversos acabados. El paisaje no es fondo ni adorno ni anexo en Lynch, sino, en palabras de Gamarra, “una extensión emocional del interior”. Dos jardines se inspiran en pantanos y terrenos áridos, con islas que se organizan alrededor de un espejo de agua en el que se recoge la imagen de un sauce llorón. Cuando llega la noche, las luces anaranjadas de la fachada introducen una dimensión dramática, al tiempo que un zócalo negro articula todos los elementos. Desde las sombras interiores hasta la vegetación de sus jardines, el restaurante Lynch traduce el rito en una experiencia espacial envolvente. Lejos de buscar tendencia, quiere ser raíz. Y lo consigue •
Con una mirada empática y colaborativa, el estudio Peatonal apuesta por un diseño que comprende y traduce las necesidades de los clientes. Sus proyectos buscan conectar con quienes los habitan y proponen una visión interdisciplinaria para repensar el futuro desde lo cotidiano.
Fundado en 2020 y dirigido por Víctor Gamarra, Peatonal es un estudio de diseño y arquitectura que camina sobre una filosofía muy concreta: ponerse en los zapatos del otro. “Cuando nos colocamos en los pies del cliente, comenzamos a pensar como ellos, a entenderlos y a saber lo que necesitan, tanto hoy mismo como de aquí a diez años”, asegura Gamarra. Este ejercicio de empatía se refleja en la escala y variedad de sus proyectos, que integran desarrollo de mobiliario, interiorismo, arquitectura y todo campo en el que
el buen diseño y el compromiso con la mejora de la vida cotidiana puedan generar un cambio acertado.
En el núcleo del estudio se encuentra un grupo de arquitectos y diseñadores que trabaja en distintos niveles y en conjunto al mismo tiempo. En ese sentido, los proyectos son abordados colectivamente en un principio, con una lluvia de ideas masiva en la que todo el equipo pone sobre la mesa sus opiniones, enfoques y propuestas. Solo después se
NATURALEZA VIVA
Silvana Cossio
Silvana Cossio crea una atmósfera poética a partir de un juego dinámico entre vegetación, colores vibrantes y reflejos de luz. La memoria visual y afectiva se activa en un entorno donde la forma responde a una sensibilidad cultivada y profundamente personal.
define quién liderará cada encargo. La riqueza de esta dinámica permite abrir la mirada y evitar soluciones unilaterales.
Tras cinco años de camino, Peatonal avanza hacia una definición más amplia: la de un estudio interdisciplinario de diseño. Esa expansión responde a una necesidad observada en el día a día: muchos clientes llegan con una idea de negocio, pero sin una visión clara de marca, identidad o comunicación. Por ello, el estudio ha empezado a ofrecer análisis creativos, diseño de marca y soluciones visuales. Asimismo, comienza a explorar el diseño industrial y de producto. En su espacio de CASACOR 2025 –el restaurante Lynch–, todas las luminarias y parte del mobiliario fueron desarrollados de manera in-house, como una muestra de las nuevas apuestas que viene tomando.
Concebido como un puente entre el presente y el futuro, el trabajo de Peatonal se articula desde un compromiso claro con la ciudad, la comunidad y el entorno. Su práctica está orientada a producir impactos positivos a través de proyectos sostenibles, colaborativos y profundamente humanos. Para ellos, diseñar no es solo resolver, sino proponer nuevas formas de habitar, de conectar y de imaginar. •
En “Paisaje interior”, la arquitecta y diseñadora Silvana Cossio construye una experiencia sensorial que desborda el marco convencional del diseño interior. Su propuesta toma como inspiración distintos puntos de partida: el cuadro “Paraíso”, de la artista Tilsa Tsuchiya, el paisaje costero peruano, la obra de diseñadores italianos del siglo XX como Alessandro Mendini y la propia arquitectura del espacio asignado, de techos altos y estilo republicano. Allí, la selección botánica no responde únicamente a una lógica decorativa, sino a una afirmación identitaria de resistencia y de pertenencia que se refuerza en la elección de materiales locales, como el travertino peruano y la madera cachimbo.
A nivel visual, el espejo fue elegido como revestimiento principal de las paredes para activar la espacialidad, multiplicar la luz y generar un efecto onírico que transforma la percepción según el momento del día. En este juego de reflejos, sombras y penumbra, cada elemento se convierte en parte de una narrativa donde los objetos funcionan como personajes: seres híbridos, entre lo vegetal, lo animal y lo artificial. Se trata, ante todo, de una exploración muy personal que apuesta por el misterio y que va más allá de lo meramente funcional. En palabras de Cossio, “una oportunidad de materializar ideas, formas, conceptos y referencias que se han ido acumulando y que, casi por fuerza de gravedad, han aterrizado bajo el nombre de “Paisaje interior” •
Vegetación, reflejos y materia local se entrelazan para construir una atmósfera surreal que vibra con ecos de arte peruano e italiano, y que transciende los márgenes del diseño convencional.
Olenka Marquina ha construido una trayectoria sólida que combina técnica, sensibilidad y una mirada personal que transforma cada espacio en una experiencia única.
Arquitecta de formación y diseñadora de interiores por vocación, Olenka Marquina es una profesional creativa, meticulosa y apasionada por transformar los espacios en experiencias. Con más de quince años de trayectoria, ha desarrollado proyectos residenciales y comerciales en los que la estética y la funcionalidad conviven en equilibrio. Su enfoque parte siempre de un análisis profundo del espacio y de las necesidades del cliente, entendiendo que cada proyecto debe tener alma, propósito y sentido práctico.
En el campo del diseño interior, Olenka ha sabido construir un sello propio que evoluciona con las tendencias sin perder autenticidad. Cada proceso creativo empieza con la definición de un concepto claro, ajustado a los gustos, objetivos y estilo de vida de sus clientes. Pero cuando llega CASACOR, el juego cambia: “Aquí, el cliente somos nosotros”, comenta. “El reto es sorprender, contar una historia y crear un espacio que conecte emocionalmente con quien lo habita, aunque sea solo por unos minutos”.
Para esta edición, Olenka presentó Suite Duna, una instalación de 40 metros cuadrados inspirada en el paisaje desértico de Ica. El espacio destaca por sus formas orgánicas, superficies curvas y una paleta neutra que invita al descanso. Cada uno de los elementos elegidos busca evocar una sensación de fluidez, como si la arquitectura respondiera al ritmo natural del paisaje. Suite Duna es un ejemplo claro del enfoque sensible, técnico y funcional que caracteriza a la obra de Marquina.
Desde su primera participación en CASACOR hace quince años, esta plataforma se ha convertido en un punto de inflexión constante: un espacio para atreverse, experimentar y crecer. En paralelo, Olenka ha trabajado de cerca con importantes inmobiliarias, liderando el diseño de salas de ventas, áreas comunes, departamentos piloto y la especificación de materiales y acabados para grandes desarrollos.
Mirando hacia el futuro, ve en el rubro hotelero un campo fértil para seguir explorando: “Me atrae la idea de diseñar bungalows o habitaciones que se integren con el paisaje y generen bienestar”, señala. Con la misma sensibilidad que aplica a cada proyecto, Olenka Marquina continúa ampliando su universo creativo, combinando técnica y emoción en cada espacio que diseña. •
La “Suite
el viento y la arena en arquitectura: colores tenues y superficies curvas envuelven al visitante en una experiencia sensorial.
Inspirada en las dunas y el viento del desierto, “Suite Duna” propone una arquitectura fluida y envolvente: una instalación pensada para habitar con calma y ligereza.
En medio del paisaje árido y evocador del desierto, la “Suite Duna” se eleva como un sueño suspendido, modelada por el viento. La instalación de la arquitecta Olenka Marquina en CASACOR 2025 es un homenaje a las dunas iqueñas y a la energía constante de las paracas, vientos costeros que esculpen el entorno con su fuerza y movimiento. La propuesta se traduce en un refugio acogedor y funcional, que reúne dormitorio, baño y una zona de cocina y estar, todo integrado bajo una arquitectura fluida, sin ángulos rígidos. Las paredes parecen desplazarse con suavidad, como capas de arena acariciadas por el viento. Esta idea no solo es conceptual: se materializa mediante una estructura íntegramente construida con drywall prefabricado, lo que permite crear superficies curvas y continuas que rodean y conectan cada ambiente. “La idea era que todo fluyera –explica Marquina–, que el espacio se sintiera como un abrazo cálido, sin cortes visuales ni elementos que interrumpan la armonía”. El diseño apuesta por una paleta contenida, con texturas y acentos seleccionados con intención. De esta forma, “Suite Duna” se convierte en una experiencia envolvente, donde la arquitectura no solo delimita, sino acompaña •
Claudia Weis
Claudia Weis convierte el diseño en un lenguaje emocional que traduce el afecto en formas, colores, texturas y detalles vinculados a su propia experiencia vital.
Inspirado en la pureza formal de la icónica Casa Farnsworth de Mies van der Rohe, “Nido abierto”, de Claudia Weis, encarna un refugio íntimo donde la arquitecta rinde homenaje al lazo eterno con su pequeño hijo. En este espacio, cada textura y color ha sido elegido para sostener una experiencia de recogimiento y conexión auténtica con la que Weis replica un fragmento real de su vida cotidiana compartida. Así, lo arquitectónico y lo lúdico se vinculan a través de una narrativa emocional que transmite belleza y cercanía.
Elementos como los mosaicos tipo brick biselados y el panelwall articulan la espacialidad, brindando estructura y continuidad visual al diseño general. Por su parte, la combinación entre tonos profundos –grises, azules, maderas y lilas– son manifiesto de una personalidad muy específica que es potenciada por texturas, materiales y artículos decorativos que remiten a la idea de nido. La iluminación, concebida para afectar cada ambiente de manera indirecta, procura generar una dinámica íntima, relajada y emocionalmente envolvente, en sintonía con la fluidez de la arquitectura que la acoge. Completan el cuadro ventanales ubicuos y las plantas interiores y exteriores, que en conjunto dotan a “Nido abierto” de un carácter natural, vinculado a una maternidad que es animal y vegetal, pero, sobre todo, profundamente humana •
Weis proyecta una narrativa maternal que entrelaza diseño, afecto y naturaleza: un nido íntimo a la medida de su propia experiencia personal.
Karím Chaman Arquitectos
La propuesta de Karím Chaman Arquitectos transforma los tres pilares esenciales de la felicidad en espacios que despiertan emociones y que conectan con lo esencial. Un concepto que invita a vivir con intención y equilibrio.
“Renacer” surge de un enfoque simple pero profundo: un homenaje a la revalorización de los tres pilares de la felicidad –la salud, el amor y la abundancia– como base para una vida plena. Después de una década desde su última participación en CASACOR, el estudio de arquitectura regresa con un proyecto cargado de detalles minuciosos que reflejan su deseo de hacer una instalación memorable.
Este concepto, concebido para despertar la introspección y fomentar el equilibrio, se despliega en tres ambientes y cada uno se convierte en un símbolo tangible de esos pilares fundamentales. Más allá de la estética, “Renacer” es una experiencia multisensorial que abraza el tacto, la vista y el ánimo, lograda a través de un diseño cuidado, materiales seleccionados y una iluminación estratégica.
TEMPLO DE SERENIDAD
El primer espacio está consagrado a la salud: un santuario de quietud donde el blanco y sus matices dominan la escena y crean una atmósfera luminosa. El diseño partió de las
lámparas de gran formato, cuyas formas se abren y cierran en un gesto rítmico que evoca el acto de respirar. Paredes esculpidas a mano en mármol travertino y un espejo de agua desbordante aportan texturas suaves, perfectas para un ambiente contemplativo que invita a detenerse, mientras el agua y el olivo refuerzan una atmósfera de quietud y bienestar.
ABRAZO DE HOGAR
El segundo ambiente, un lounge bar muy acogedor, celebra el amor en todas sus formas: la familia, la amistad y las relaciones significativas. Aquí, los tonos ocres, profundos y terrosos envuelven el espacio mientras transmiten contención y energía. Por su parte, las repisas de ónix miele, la pared retroiluminada de mármol Snow White y los diferentes enchapes de madera, con su calidez táctil y visual, evocan la conexión humana. Al igual que en el espacio anterior, las lámparas colgantes vuelven a asumir un rol protagónico.
PROSPERIDAD EQUILIBRADA
Por último, la cabina de champán encarna la abundancia desde una perspectiva serena y consciente: no se trata de opulencia, sino de la tranquilidad que brinda la estabilidad económica. En este espacio compacto pero lleno de fuerza, el verde –color de prosperidad y equilibrio– se mezcla con materiales nobles, como la pared de mármol travertino teñido al agua en degradé de verdes, el acero brillante, los espejos y el piso de madera tintada en tono verde, para dar forma a una estancia que irradia confianza. El detalle es fundamental en “Renacer”: desde muebles diseñados a medida hasta una cuidada selección de piezas decorativas traídas especialmente desde Europa por Karím Chaman Boutique. Las lámparas Öiphorique de Parachilna y Pentalight, los objetos decorativos de cristal de Reflections Copenhagen, la cerámica de Bosa Ceramiche y Jonathan Adler, y los cojines de Missoni se integran con armonía para crear un ambiente auténtico y lleno de propósito, reforzando la narrativa de un renacer diario que invita a valorar lo que realmente importa . •
Diseñadas a medida por Karím Chaman Arquitectos, las alfombras en alto y bajo relieve articulan tanto el salón principal como el lounge bar, creando atmósferas que se sienten contenidas y abrazadas por un elemento central del espacio.
La marca de pintura premium preferida por arquitectos y diseñadores transforma los espacios de CASACOR 2025 con innovación, color y productos de alta calidad para el diseño de interiores.
Desde la llegada de CASACOR al Perú, American Colors ha sido un aliado clave para arquitectos y diseñadores, ayudándolos a expresar su estilo a través del color. Más allá de su estética, sus productos están pensados para responder a los desafíos del diseño contemporáneo: desde empaques más funcionales hasta fórmulas de alto rendimiento y bajo impacto ambiental. Además, su sistema tintométrico, capaz de reproducir más de 1500 colores con precisión, se ha convertido en una herramienta esencial en proyectos que apuestan por la personalización y el detalle. Entre sus productos más destacados se encuentran:
ULTRA LAVABLE
Pintura superpremium con acabado brillante, tecnología hidrorrepelente y efecto antimanchas. Es ideal para espacios húmedos o de alto tránsito. Su fórmula con resina 100% acrílica facilita la limpieza y asegura una gran durabilidad.
SATINADO
Ofrece un excelente poder cubriente y un acabado de alto brillo. Resiste la intemperie y los rayos UV. Gracias a sus moléculas humectantes, los colores se mantienen intensos por más tiempo.
En su edición especial por su 30 aniversario, American Colors vuelve a ser la pintura oficial de CASACOR.
SEMI SATINADO
Combina brillo medio con una fórmula 2 en 1 (pintura + sellador). Tiene bajo olor y seca rápido, lo que permite usar el espacio el mismo día que se pinta.
Brinda un acabado elegante y suave al tacto. Se puede limpiar sin dañar la superficie. Su formulación con resina acrílica lo hace ideal para interiores como salas, comedores y dormitorios.
ESMALTE AL AGUA BRILLANTE
Esmalte sintético elaborado con resina 100% acrílica. Es resistente al amarillamiento por rayos UV, tiene bajo olor y se diluye con agua (no necesita thinner). Perfecto para exteriores.
UNA EXPERIENCIA SENSORIAL DENTRO DE CASACOR
Este año, American Colors sorprende en CASACOR 2025 con una activación sensorial innovadora y llena de color que invita a los asistentes a experimentar de cerca la calidad de sus productos. A través de esta experiencia interactiva, los visitantes podrán poner a prueba la lavabilidad y resistencia a las manchas de su pintura Ultra Lavable, formulada con tecnología hidrorrepelente y resina 100% acrílica. Gracias a sus propiedades, esta pintura se posiciona como la opción ideal para espacios de alto tránsito o propensos a manchas cotidianas –como cocinas, baños y pasadizos–, ya que ofrece una combinación perfecta de durabilidad, protección y fácil limpieza. •
El Lúmino, color del año 2025 para American Colors, y el rosa terracota conectan tradición y modernidad, brindando vida y calidez a dos espacios peruanos.
Dos espacios de CASACOR 2025 exploran el vínculo entre artesanía, arquitectura e identidad. En ellos, el uso del color articula la tradición con una mirada contemporánea.
En “Perú Sostenible”, la instalación del Mincetur diseñada por Francesca Battilana y DOF Arquitectos, la artesanía peruana se integra al día a día a través de un recorrido cálido que conecta comedores, salas y terrazas con materiales nobles y objetos hechos a mano. Textiles, cerámicas, fibras vegetales y mobiliario en madera cultivada dialogan con el entorno de forma natural. El uso del color Lúmino de American Colors refuerza ese vínculo con la tierra, evocando las casas tradicionales de barro y creando una atmósfera acogedora. Lejos de funcionar como una vitrina, el espacio propone habitar la tradición desde una mirada moderna, funcional y sostenible.
Esa misma búsqueda de identidad actualizada atraviesa “Comedor Peruano”, de los arquitectos Aurelio Herrera y Milagros Lanza. Aquí, el mobiliario de líneas potentes, los materiales sin artificio y las piezas artesanales conviven con una arquitectura preexistente que se preserva. Las paredes, tratadas con estucados y vasijas cerámicas, adquieren dimensión táctil y simbólica. También aquí el uso de las pinturas de American Colors, en tono rosa terracota con una técnica cuidadosamente trabajada, unifica el conjunto y aporta profundidad cromática, permitiendo que cada elemento –desde una lámpara hasta una máscara textil– se exprese con claridad. Dos propuestas distintas unidas por una misma herramienta: el color como vehículo para comunicar. •
Una noche de novedades se vivió en el showroom de Kohler Signature Store, donde la firma presentó su marca de alta gama en acabados para baño y cocina Kallista; y lanzó sus productos de la línea Wellness, entre los que se cuentan la cabeza de ducha Spa Viva, con cabezales integrados para darse un masaje facial y corporal, y la tina Stillness, con funciones de aromaterapia, vapor y cromoterapia. La marca Kallista, por su parte, destaca por haber hecho colaboraciones con reconocidos diseñadores, como Laura Kirar y Yabu Pushelberg, empleando materiales premium como bronce fundido, porcelana vitrificada y acabados metálicos de lujo. Estos y otros productos ya están disponibles en Av. Santa Cruz 398, San Isidro •
