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Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Carrera de Arquitectura - Área de Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2021-1

EXTRAÑOS COMIENZOS Arte en la Prehistoria

Oro, dios de La Guerra

Antes de muchos años, la actitud respecto a los cuadros y a las estatuas fue análoga. Estos eran concebidos como objetos que poseían una función definida. No existe diferencia entre construcción útil que son para resguárdalos y creación de imagen, los protegen contra las fuerzas que son, en su concepto, tan reales como las de la naturaleza.

Algunos primitivos no consideran que lo esencial sea darle a esa figura la imagen correcta de un hombre, pero, al fijarnos nuevamente en ellos, nos damos cuenta de que con ello le confiere un aspecto de misterioso poder. Otras tribus que celebran festivales en los que sus componentes se disfrazan de animales e imitan los movimientos de éstos en danzas solemnes y se hallan tan absorbidos por ellos que poseen muy pocas posibilidades de situarse fuera y contemplar críticamente su conducta. Ellos también creen que esto ha de darles poder sobre sus presas.

La mayor parte de su arte se halla íntimamente ligada a ideas análogas acerca del poder de las imágenes.

Han desarrollad para represent diversas figuras Nosotros sin un posible compre creación, pero representan an tribus. Así suce obras de arte p función y el valo

do elaborados sistemas ar ornamentalmente las y tótems de sus mitos. a explicación no nos es ender el objetivo de esta para los nativos estos ntiguas leyendas de sus ede frecuentemente con primito, no entendemos la or de ellos.

Los cazadores primitivos creían que con el poder de la creación de imágenes, es decir, solo pintando sus presas ya sea en la pared o sus lanzas, los animales verdaderos sucumbían también a su poder

La historia del arte es una historia del cambio de ideas y exigencias.

Nueva York

siglo XIX

Vemos cuán lejos de nuestro criterio. Podemos llegar a percibir algún vislumbre de las razones que han conducido, a veces, a este método. Si consideramos la extraña mentalidad que creó esos terribles ídolos, podemos llegar a comprender cómo la realización de imágenes en esas civilizaciones primitivas no se hallaba relacionada sólo con la magia y la religión, sino que también era la primera forma de escritura.

Sabemos que al rayar esos retratos no perjudica en nada a los representados, pero sentimos que herimos su imagen. En la era atómica, es bastante menos sorprendente que nociones semejantes existan en los pueblos llamados primitivos.

PODER DE LAS OBRAS DE ARTE

La composición presenta varios puntos de interés, a la derecha vemos el cuerpo sin v rodeado por sacerdotes y conquistadores españoles, entre ellos Francisco Pizarro; a la izqu mujeres indígenas que irrumpen demandando ser sacrificadas junto al difunto inca y son soldados; el ultimo, en la parte baja del centro, observamos a una mujer suplicando al s que el le echa agua bendita. La diferenciación de los dos mundos de esta jerarquía es el nativo, reprimido se ha q candelabro del primer plano; y el español, de pie e inconmovible. El cuadro da forma visual a un pasaje sobre la muerte del inca, tomado de la céle conquista del Perú” de William H. Prescott. El autor acudió a diversas fuentes para establecer el rostro de españoles, sacerdotes, mu rostro de Atahualpa, Montero retrató el cuerpo sin vida de su amigo peruano.

Título: Los Fune

Se observa a Cristo co e imágenes de la virg Los colores de la ves virgen y San Juan de demas y el espacio muestra a Cristo com El material del cual s ancho. Esta pintura se Autor: Stefan Lochner Titulo: El Juicio Final Fecha: 1435

La pintura representa poder pues la figura principal es la Virgen de Belén ya que está a más iluminada que las imágenes secundarias que giran en torno a ella. La Virgen religión católica impuesta por los españoles al pueblo cusqueño. La Virgen se encue parihuela procesional, frente a un altar con retablo de estilo barroco colonial y tien emblema que es un escudo que podría representar a la iglesia católica. La vestimenta un vestido adornado y posee una corona grande que representa su poder . A los pies d encuentra orando el obispo Mollinedo mostrando su admiración hacia las imagen d imágenes de los lados representan el camino recorrido en la procesión de la imagen d Belén, desde su llegada al virreinato hasta llegar a Cusco. Al lado derecho se desta Iglesia de Belén y como llega la virgen. En el lado izquierdo se narra un milagro ocurrido halló la imagen en el Collao.

Autor: Basilio de Santa C Obra: La F

vida de Atahualpa uierda, un grupo de rechazadas por los sacerdote mientras

quebrado como el

ebre “Historia de la

ujeres. Pero, para el

Autor: Luis Montero erales de Atahualpa Fecha: 1865 - 1867

omo la figura que representa poder, el se muestra sentado en un arcoiris con ángeles, gen, San Juan y al inferior personas en el suelo pidiendo piedad a Cristo. stimenta, entre las mas resaltantes el color rojo, la posición, Cristo en el superior, la ebajo de él y personas en el suelo, la escala, el tamaño de la figura poderosa y las entre personajes y Cristo, hacen notable la jerarquía que existe en esta imagen, y mo la principal figura de esta. se basó esta obra fue óleo en tabla, con una dimensión de 124 de alto y 178 de e encuentra en el museo de Wallraf-Ritchartz en Alemania.

al centro y está n representa la entra sobre una ne al centro un a de la virgen es de la imagen se de la virgen. Las de la Virgen de aca parte de la o en Cusco que

Cruz Pumacallao. a Virgen de Belén Fecha: 1661-1700

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Poder y Placer en La Ant

Esta obra de arte representa poder porque es la imagen idealizada del emperador Octavio Augus de gala y una coraza que debió formar parte de un monumento conmemorativo de las últimas sosteniendo un cetro levantando la mano derecha, arengando a las tropas en actitud hero paludamentum vienen a representar las insignias del poder imperial y la grandeza de quien lo en descalzo y con un Cupido, que cabalga sobre un delfín que le abraza la pierna, esto nos informa so Si hablamos del placer que nos transmite la escultura, esta se encuentra presente en los detalles alrededor de toda esta obra. Su indumentaria militar tiene relieves alusivos, y bien elaborados, a diversos dioses romanos, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por él. También contamos con las proporciones del cuerpo que acoge la forma de contrapposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.

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tigua Roma

Chauca Yaranga, Claudia Mariana Haro Muñoz, Rosslyn Camila Nina Campana, Adrianna Karelya

Esta obra representa la idea de poder al ser una edificación dedicada a todos los dioses, la palabra “panteón” derivada del griego, significa “todos los dioses''. Asimismo, se glorifica a los emperadores ya divinizados y al emperador reinante: Adriano, quien era la máxima autoridad. El edificio estaba concebido para unir al hombre con la divinidad, pero sobre todo con el emperador, proclamado dios a ojos del pueblo. Las estatuas de dioses y emperadores divinizados simbolizan la glorificación del emperador y de sus predecesores La idea de placer se visualiza en la proporción y el orden con el que está construido esta edificación. Tiene influencias griegas como las columnas del pórtico en la entrada. La bóveda interior es esférica y está decorada con casetones. También, se abre un óculo central de 9 metros de diámetro que deja entrar la luz del sol y a medida que avanza el día va cambiando su posición e iluminando alternativamente cada uno de los altares de los diferentes dioses. La decoración está constituida por elementos arquitectónicos que no tenían función Nombre de la obra: Panteón de Agripa Autor: Mandado construir por Adriano en el lugar del templo erigido por Marco Agripa Fecha: Construido entre los años 118 y 125. Ubicación: Italia, Roma Estilo: Arquitectura Romana

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sto , el cual aparece vestido con un traje militar victorias del emperador, con la mano izquierda oica y decidida. La corona, coraza, el cetro y ncarna. Por otro lado, Augusto ha sido retratado obre la consideración que recibe como "dios“. Nombre de la obra: Augusto de Prima Porta Autor: Desconocido Fecha: Posterior al año 14 d.C Ubicación: Museos Vaticanos. Roma (Italia) Estilo: Escultura romana Material: Mármol

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Poder y Pla

En la antigua Roma, la necesidad que más p manera sencilla, la descripción de los hechos y

Los romanos transformaron la idea de poder a emperador, pues era considerado como un d ejemplo para sus construcciones con el dise emperadores de la época.

La belleza y el placer hace alusión a los det fotografía. Por ejemplo, el vestuario, que per evidencia la influencia griega al tener una f esculturas.

El poder se denota con las obras, unas por e color, la posición, el tamaño, etc. En Roma apa un papel en la religión, una muestra de poder. dio importancia al detalle para expresar.

Gombr

Gombrich,

acer en La Antigua Roma

prevalecía era la de expresar con claridad y precisión una narración que represente de y de sus victorias, retratos con una expresión y de los antepasados.

al construir templos que servían para el culto a sus dioses y al mismo tiempo glorificar al dios para el pueblo. Asimismo, asimilaron ideales estéticos de los artistas griegos por eño de las columnas y el realismo en esculturas humanas para esculpir a diferentes

talles, los cuales hacen que la obra se demuestra como una escena captada, como una rmite ver si la escultura (en este caso de una persona, está en movimiento o no). Esto función decorativa y al querer plasmar realismo con movimientos y emociones en las

ejemplo muestran una jerarquía utilizando elementos, como la expresión, el vestuario, el areció la necesidad de poseer obras con una expresión realista, las cuales desempeñaron También aparece la necesidad de demostrar sus victorias y campañas, para lo cual, se le

rich, E. (1951). EL REINO DE LA BELLEZA Grecia y el mundo griego, del siglo IV a.C. al I. En Historia del Arte (pp. 99–115). Editorial Diana México. E. (1951). CONQUISTADORES DEL MUNDO Romanos, budistas, judíos.y cristianos, del siglo I al IV. En Historia del Arte (pp. 116–131). Editorial Diana México.

A.R.T.E DE LA A.N.T.I.G.U.E.D P O D E R

Princi

A lo largo de la historia del arte las culturas y civilizaciones tuvieron diferentes formas y razone poder. En la prehistoria las segundas comunidades que llegaban a estar una cueva que ya h costumbre de dejar una marca territorial, dejando una pintura encima de una pintura antigua. Por otro lado, en Mesopotamia representaban el poder mediante sus obras de arte definiendo u la más grande, la que todos miraban y la de mayor detalle. Esta imagen podría representar a rey Asimismo, en Egipto, influenciado por Egipto, dan jerarquía a los elementos que componen la im más grande es más importante. Consideraban a los faraones como descendientes de los diose para mostrar su autonomía lo cual era sinónimo de poder. También, se construyeron templos d poder. En Grecia, las esculturas más humanas, realistas y con control corporal representaban poder. esculturas de sus dioses pues la religión y el poder estaban muy relacionadas. En Roma, influenciada por Grecia, la idea de poder se representaba con construccione emperadores y los dioses. Los emperadores mandaban a construían o tallar elementos que repre para dejarlo como legado de sus triunfos en vida. En esta civilización, se construían templos m demostrar su poder con construcciones impresionantes y que los otros pueblos acepten ser parte En conclusión, las civilizaciones mencionadas utilizaron el arte para manifestar poder sobre dominar, representar el cargo de poder que ocupaban y mostrar el poder de la religión con sus d

P L A C E R

El placer hace alusión al detalle; el cual fue importante para las obras de las civilizaciones antigu historia y el significado de cada escultura, pintura, estructura, etc. Para las distintas civilizacione necesidad. Mientras más detalladas, eran consideradas más placenteras. En las civilizaciones antiguas griegas, fue importante la representación realista de las figuras h mitología, para la representación de los dioses y en la arquitectura incorporaron majestuosos deta Por otro lado en las civilizaciones romanas, en sus esculturas, le dieron importancia al retrato, ten personajes en los primeros años del imperio y hacia el final adoptaron rasgos más expresivos. A retratos siempre buscaron reproducir de manera naturalista los personajes que representaban. En Mesopotamia, la finalidad del detalle en el arte era decorativa para generar mayor belleza ta las pinturas. el detalle usado, también ayudaba a identificar la jerarquía presente en las expresividad y los rasgos eran individuales. Finalmente, en las civilizaciones mediterráneas, la belleza de la obra se expresaba con element provoca sobre el color y sobre las superficies que alumbra o ensombrece, diversas texturas, lín complementar el significado de la obra. En la escultura, por otro lado, el realismo fue fundamenta En conclusión, el realismo, los distintos efectos aplicados, el color del retrato con una expresión y un gran detalle a las obras, lo que hacía que complemente al significado y se aprecie la belleza

C R E E N C I A S

Las creencias también están plasmadas en las diferentes obras de arte de esta época q supervivencia, lo que generaba la necesidad de satisfacer sus necesidades. Una creencia es un para satisfacer un deseo, generalmente sobre un hecho real o imaginario del cual se desc explicación racional. Los individuos que comparten una creencia, darán por buena dicha pro fuese verdadera, recopilando dogmas y/o estableciendo normas morales que suelen ser nece Las distintas creencias que existían en las civilizaciones de esta época lo concierne a lo sobrena códigos morales, prácticas, rituales, valores e instituciones relacionadas a dicha creencia. En la prehistoria tenían la creencia de que pintar a los animales les daba poder sobre ellos; ade que las personas vean estas lo que se encontraban en lugares en donde la gente no accedía. En Mesopotamia y Egipto, creían que sus civilizaciones estaban gobernados por más de un dios, diferencia de Mesopotamia, se realizaba un ritual funerario a las personas con una alta jerarquí de una necesidad por alcanzar la vida después de la muerte. La creencia en las civilizaciones mediterráneas, Grecia y Roma estaba relacionado con antig varias divinidades, mediante pinturas, esculturas y templos, en especial a los doce dioses olímp diversos aspectos en función del lugar, del culto y de la función que cumplía. La única difere romanos eran más humanos que en Grecia.

D.A.D ipales Ideas

es para representar la idea de había sido habitada, tenían la

na imagen principal que fuera yes o dioses mitológicos. magen por su tamaño, mientras es y sus esculturas eran rígidas de sus dioses como símbolo de Además, construían templos y

es, esculturas o imágenes de esentaran sus batallas ganadas más altos y más vistosos para del Imperio Romano. algún elemento que querían dioses o seres mitológicos.

uas. Este ofrece una visión de la es el placer se veía como una

humanas y la influencia de la alles ornamentales. ndieron a la idealización de los A pesar de esas diferencias, los

anto en las esculturas como en obras, así también como la

tos como los efectos que la luz neas y formas que conlleva a al. y características únicas daban del arte.

que estaba implicado por la n modelo creado por la mente conoce o no se acepta una oposición y actuarán como si sarias para poder sustentarlas. atural, sagrado o divino, y a los

emás se consideraba peligroso

que ellos las crearon. Egipto, a ía que fueron la manifestación

guos dioses, rindiendo culto a picos para ser invocados bajo encia es que los dioses de los

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A.R.T.E

Título: Sarcófago ………Ludovisi Autor: Desconocido Fecha: 251 d.C. Civilización: Roma Estilo: Romano https://n9.cl/imagen_sarcofago_ludovisi

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Título: El discóbolo Autor: Mirón Fecha: 450 a.C. Civilización: Griega Estilo: Griega ………Clásica https://n9.cl/png_discobolo

https://n9.cl/analisis_discobolo

Título: Pintura de la ………Cueva de ....……Lascaux Autor: Desconocido Fecha: 15 000 a.C. ………..aprox. Civilización: Roma Estilo: Paleolítico https://n9.cl/info_cueva_lascaux

https://n9.cl/foto_lascaux

E DE LA A.N.T.I.G.U.E.D.A.D Análisis de las Obras

Está obra de arte representa la idea de poder porque ubica al personaje principal al centro de toda la pieza y porque en sí plasma una de sus batallas ganadas entre romanos y bárbaros. Se observa la expresión de cansancio y sufrimiento en los gestos y movimientos de los bárbaros, quienes perdieron la batalla. De esta manera, los emperadores mostraban su poder dejando un legado como símbolo de su trayectoria en vida. Es este caso el personaje principal es Hostiliano -hijo del emperador Trajano Decio. El aspa marcada en su frente es un símbolo del mitraísmo, una religión mistérica que tuvo numerosos adeptos en las legiones romanas entre los siglos I y IV d.C. Esto podría representar la relación que tenían los romanos con sus dioses para que bendigan sus batallas y poder ganar las batallas.

La segunda obra es conocida por formar parte de las grandes obras de la antigüedad clásica. Es una obra realizada originalmente en bronce y recreada en mármol. El discóbolo es una escultura que representa a un atleta justo en el momento de preparación para el lanzamiento del disco, una de las competiciones atléticas legadas por la Antigüedad Clásica. La pieza revela el interés principal de los artistas griegos: la imitación (observación) de la naturaleza por un lado, y la admiración y estudio del cuerpo humano por el otro. El placer que representa el detallismo y los usos de cada elemento de la escultura. Se puede observar como el tronco de una palmera sirve de soporte para la escultura. La posición del personaje hace alusión al instante en el que va a lanzar el disco, con los brazos arqueados de manera uniforme y la inclinación de sus piernas que aluden a la tensión. Los detalles realzados en el cuerpo denota la tensión muscular, las venas que sobresalen, el busto, las costillas y algunas articulaciones. La expresión supone el instante de la máxima concentración mental y física del atleta. La serenidad usada en el rostro representa un ideal de belleza perfecta que expresa la simetría, proporción y equilibrio del cuerpo humano. Finalmente se concluye que entonces el discóbolo no representaría a un atleta sino al ideal atlético.

La ultima obra, es una imagen de las pinturas de la Cueva de Lascaux en donde la idea fundamental son las creencias y lo sobrenatural. Los cazadores primitivos creían que con el poder de la creación de imágenes de los animales, es decir, solo pintando a sus presas, ya sea en la pared o sus lanzas, los animales verdaderos sucumbían también a su poder con lo que seria mas fácil cazarlos. También se decía que estas pinturas no estaban hechas para que la gente las viera porque eran lugares sagrados podían comunicarse con el mas allá y sus dioses, incluso se consideraba peligroso que las personas vean estas lo que se encontraban en lugares en donde la gente no accedía. Otra característica que representa es el poder, ya que observamos la mezcla de dos técnicas que posiblemente eran de comunidades distintas, dándonos a entender que una comunidad realizo su pintura primero y luego otra comunidad vino y pinto encima dejando su marca territorial, una marca de poder.

Mausoleo Gur-e Amir

Mausoleo de Tamerlán

Éste imp en D del Tam

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Cons islám decor con organ simp octaé expre perm una s segu grand un s encu

e es el mausoleo más destacado de toda Samarcanda y uno los más importantes de todo Uzbekistán. Ocupa un portante lugar en la historia de la arquitectura islámica como precursor y modelo de las grandes tumbas de Humayun Delhi y del Taj Mahal en Agra, La parte más antigua del complejo fue construida a finales del siglo XIV y la construcción mausoleo comenzó en 1403, tras de la muerte espontánea del Sultán Muhamad, el heredero y nieto predilecto de merlán. Durante el reinado de este ultimo, el mausoleo se convirtió en la cripta de la familia de la Dinastía Timúrida.

mausoleo es un gran ejemplo de la arquitectura medieval artesanal por lo que en la actualidad, los tructores contemporáneos, aun admiran la armonía de sus proporciones. Lo que más impresiona de mausoleo es su particular cúpula celeste estriada y el bello portal de entrada, convirtiéndolo en otro os imprescindibles que ver en Samarcanda durante tu visita.

sideramos este mausoleo especial por la calidad en los detalles y a la utilización de los recursos micos muy marcada. Es interesante como se usan diferentes patrones y formas geométricas para la ración exterior e interior. El uso del color azul y sus diversos tonos unifica toda la estructura junto otros colores como el amarillo y el naranja siendo este un contraste fuerte. Además de la nización exterior e interior de la estructura. Este mausoleo tiene una única cúpula. Es destacable su plicidad en la construcción y la solemne monumentalidad de su apariencia. Es una construcción édrica coronada y hermosa por una cúpula azul celeste. Los profundos ribetes verticales dan una esividad sorprendente a la cúpula. La nueva entrada al mausoleo la cual es alta y ancha, lo que mite tener una visión clara del interior. La entrada al interior de este mausoleo está compuesta por serie de rombos sobresalientes y doblados los cuales se muestran posicionados de forma ovalada, uida por una serie de mosaicos que conforman una puerta, el interior es amplio, de techos altos con des espacios a los lados y decoración diversa. En el techo hay un candelabro en forma semejante a ol, la cual se complementa con los patrones utilizados para rodearlo. Además en el interior se uentran las lapidas del conquistador asiático Tamerlán, sus descendientes y su consejero espiritual.

Composiciones geométricas siguiendo patrones

Detalle de mosaicos de azulejo de cerámica

Románic & G

El arte gótico es la e románico, el cual redescubrimiento d comparación del a artistas góticos d observadores y ade en la iglesia, el a preocupaba por el se preocupaba representación real

Titulo: Majestad de Batlló Fecha: Siglo XII Material: Madera

Esta escultura pertenece al estilo Románico, que nos muestra Jesús crucificado vestido de manera solemne y sin ningún signo de sufrimiento, ya que se observan sus ojos abiertos y la mirada serena representando su triunfo sobre la muerte. Gracias a su composición marcada por la frontalidad y la geometrización notamos el carácter solemne que tiene. Además, el aspecto policromo lujoso de la túnica, basada en la combinación de rojo y azul, nos recuerda los refinados tejidos bizantinos o hispanomusulmanes.

En las dos imá podemos observar c representa a una menos detallista y r muestra lo contrar como en el arte ro una túnica a Cristo ver detalles mínimo cambio en el arte una figura con un pa podemos observa cuerpo como el co refleja al de una También la posició estas, mientras la ro lo cual no llega a u mantiene una exp gótico comprende que refleja al d crucificada con u dolor.

co Gótico

evolución del arte consiste en un de este mismo, a arte románico, los de vuelven más emás, mientras que arte románico se símbolo, el gótico más por la de este.

ágenes utilizadas como el románico figura de cristo realista y el gótico rio. Podemos ver ománico le ponen o, lo cual permite os del cuerpo, en gótico se observa añuelo, por el cual ar detalles del olor de la piel, que persona muerta. ón y expresión de ománica es rígida, un realismo en sí y presión neutra; el con una posición de una persona una expresión de

Titulo: Cristo Crucificado Fecha: ca. 1300 Material: Mármol

Esta escultura Gótica representa un arte más realista donde el artista quiere transmitir la idea de sufrimiento y cansancio que se muestra en la expresión tristeza, el gesto de dolor , la cabeza inclinada, los ojos cerrados, . Asimismo, el artista quiere convencer de esta idea haciendo que los espectadores sientan empatía y entiendan el mensaje de esta escultura. La forma curva y los rasgos de la anatomía del cuerpo refleja también la idea de dolor y dan mayor sensación de tensión y gravedad.

ROMÁNICO GÓTICO

RENAC

De acuerdo a la evoluci gótico, podemos conclu de esta con el arte del re representación con un n Se nota que los artistas perfeccionando las técn definición. Para comp imágenes del tema cruci

La expresión de este cr gótico y románico, repr tranquilidad, además de ojos semicerrados y la bo nos hace entender al ins sufrió. Comparando la po damos cuenta que rep muerto, pues sus brazo piernas dobladas, pues e del resto del cuerpo, po sus manos, están clavada tiene la cabeza recosta que le da un parec impresio TITULO: Majestad de Batlló AUTOR: Desconocido FECHA: Siglo XII MATERIAL: Madera

TITULO: Cristo Crucificado AUTOR: Desconocido FECHA: ca. 1300 MATERIAL: Mármol

La primera escultura pertenece al estilo Románico, que nos muestra Jesús crucificado vestido de manera solemne y sin ningún signo de sufrimiento, ya que se observan sus ojos abiertos y la mirada serena representando su triunfo sobre la muerte. Gracias a su composición marcada por la frontalidad y la geometrización notamos el carácter solemne que tiene. Además, el aspecto policromo lujoso de la túnica, basada en la combinación de rojo y azul, nos recuerda los refinados tejidos bizantinos o hispanomusulmanes. La segunda pertenece a lo Gótico representa un arte más realista donde el artista quiere transmitir la idea de sufrimiento y cansancio que se muestra en la expresión tristeza, el gesto de dolor , la cabeza inclinada, los ojos cerrados, . Asimismo, el artista quiere convencer de esta idea haciendo que los espectadores sientan empatía y entiendan el mensaje de esta escultura. La forma curva y los rasgos de la anatomía del cuerpo refleja también la idea de dolor y dan mayor sensación de tensión y gravedad.

Si hablamos de la anato se aprecian los detalles p una túnica. En el arte figura con un pañuelo, apreciar los detalles del y formas que lo compo pero sin color. Ya en el observar una gran ca comparación a los representada es la ad músculos y las heridas entiende por el color realismo que el arte g curvas y formas están además el color es comprender el contexto

CIMIENTO

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omía, en el románico no porque esta cubierto por gótico se observa una , por el cual podemos cuerpo como las curvas one reflejando realismo renacimiento, podemos antidad de detalles en demás. La anatomía decuada, resaltando los s con sangre, que se r, dando mucho más gótico. Su composición, muy bien generadas, lo que nos ayuda a de la escultura.

TITULO: Cristo de las injurias AUTOR: Diego de Siloé FECHA: (Burgos, h. 1425 - Granada, 1563) Hacia 1520 MATERIAL: Madera de nogal policromada Esta escultura de la crucifixión de Jesús pertenece al estilo renacentista, por lo que recupera la esencia de civilizaciones pasadas con los conceptos de humanismo, realismo, antropocentrismo e idealismo. Representa a Cristo muerto, sujeto a la cruz por tres clavos, con los brazos rectos e inclinados considerando peso del cuerpo. Tiene la cabeza inclinada hacia la derecha, el torso en disposición frontal, con el pecho hinchado y el vientre hundido, y las piernas arqueadas hacia la derecha. Las proporciones del cuerpo son correctas, y se observa en el buen trabajo realizado respecto a la anatomía la cual muestra la tensión muscular para dar mayor realismo. La corona que lleva fue hecha con una soga que lleva insertadas espinas de hierro, una que atraviesa la piel de la frente generando mayor naturalismo. La composición de la cara con los ojos rasgados con la mirada perdida y la boca entreabierta generan la expresión de la muerte provoca sentimiento de compasión. El uso del color se aprecia en la piel pálida, huellas de los azotes por todo el cuerpo, gotas de sangre y partes amoratadas, como los párpados, labios, tobillos, dedos, etc. Gracias a estos elementos se puede inferir los hechos anteriores como los azotes a Jesús. Asimismo, todas las características, que hacen la obra más realista, permiten transmitir un mensaje claro al espectador.

LUZ en el Barroco “ L a

j o v e n

d e L a

Hora: 1:29:42 Contexto: Griet mira desde la puerta a …………….Johannes para ver si se acerca …………….a ella, cosa que no hace La luz que recae en esta escena hace contraste a la emoción de la protagonista. Aquí resalta el hecho de que este mirando de tras de la puerta y también las facciones de su rostro como sus ojos cerrándose poco a poco y su boca semi abierta que demuestra tristeza y decepción, este ultimo también es captado por su mano, la cual permanecía levantada en señal de esperanza; sin embargo esta poco a poco fue bajando porque se decepciono y entendió que no serviría de nada estar ahí. La razón para resaltar la escena es porque detalla el fin de toda una historia y que tenia una idea equivocada que la llevo a la decepción.

P e r l a ”

Este estilo se d renacentista. E y pasionales. U tenebrismo, qu lugar y perspe

dio en Europa, entre los siglos XVII Y XVIII, el cual surgió ante la reacción frente al estilo El Barroco representa acusados contrastes, creatividad y exageraciones tanto teatrales Uno de los aspectos que resaltan mas en este estilo es el claroscuro , a veces llamado ue consiste en incidir la luz en objetos y personas, creando efectos que determinan un ctiva. Hora: 44:02 Contexto: Johannes le pide a Griet que le consiga algo sin que su esposa …………….se entere La luz recae de manera directa a los personajes principales generando perspectiva entre ellos dos armonizando la escena con el espacio. Los dos tipos de iluminación que se presentan acá, luz natural y claroscuro, esta presente en esta escena ya que es importante esta escena para el resto de la película. Los elementos mas resaltantes son los dos personajes, el primero en el que recae la iluminación es el principal, la cual esta expuesta a algún peligro, es decir se encuentra en una posición frágil por el hecho de que siente frio; además, según sus facciones muestra asombro y angustia. Para nuestro segundo personaje se presenta el claroscuro para señalar misterio, por lo cual no se puede ver su rostro, además el hecho de que voltee en la dirección opuesta de donde se encuentra el primer personaje advierte que no quiere ser visto al momento de hablar con este. Teniendo en cuenta los puntos vistos podemos decir que el segundo personaje se acerca a el primer personaje de manera inesperada, asegurándose de que no haya nadie para entablar una conversación, por lo que el primer personaje se encuentra asombrado y en una parte frágil.

ARTE PREIMPRESIONISTA Diferencia al barroco, al neoclásico y al romanticismo

Ticmas Educación. (2020, Copplestone, T.

El color d

DIFERENCIAS

TEMAS REPRESENTADOS : En el arte barroco se consideran temas relacionados a la religión, a la patria y

al arte barroco pero le adiciona dos temas, que destacan más que los anteriores, el erotismo y la locura. En mitología romana, siempre haciendo referencia a la moralidad, la política, la historia de aquellos temas, las más bien comienza a hablar de la realidad, de esta manera; en general se enfoca en transmitir lo observado establecimiento de navegación y baño, con un café flotante. .

FUNCIÓN : El arte del barroco busco expresar las diferencias entre las creencias y la razón, el cual refl

problemáticas presentes en ese entonces y se dice que fue propagandística, pues en ese entonces ocurrían opuso a la fe en la razón humana, más que todo , busco valorar más el sentimiento, la subjetividad y las lib razón y la moral y dejando de lado los sentimientos y emociones; además de la búsqueda de equilibrio y la como directa, ilustrando con intención de producir percepciones visuales en momentos determinados .

LUZ : En el barroco hay un contraste muy marcado entre luz y sombra en las pinturas. En el romanticismo

pinturas impresionistas al ser obras de paisajes, naturaleza o actividades al aire libre, se busca retratar las p .

PALETA DE COLORES : En el barroco utilizaban más colores monocromáticos. En las pinturas neoclási

principal. Por el contrario, en el impresionismo, usan más colores vividos y brillantes congruentes con la ilu .

TÉCNICA : En el barroco utilizan la técnica de claro oscuro tratando de hacer una representación más reali

para representar las diferentes texturas. En el impresionismo se usa pinceladas cortas y rápidas por el hech

, 30 noviembre). IMPRESIONISMO: Historia, características y artistas [Vídeo]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=D-BrY4HcWRY . (s. f.). La Grenouillere, Claude Monet: Analysis, Interpretation. ENCYCLOPEDIA OF ART EDUCATION. Recuperado 3 de julio de 2021, de http://www.visual-arts-cork.com/paintings-analysis/la-grenouillere-monet.htm de las cosas. (2016, 22 enero). deGranero Cursos dibujo pintura fotografía Madrid. Academia/Escuela. https://degranero.es/el-color-de-las-cosas/

Según el contexto histórico, esta obra es una representación del restaurante de las isla ¨La Grenouillère”, el cual era unos de los lugares favoritos de Monet y Renoir. Estos jóvenes pintores decían que encontraron en este lugar la inspiración, realizando varias obras donde pasaban tiempo comparándolas. El principal motivo de esta obra es practicar la representación de la luz en el agua. La técnica que utiliza Monet, la pincelada rápida, con extensos toque de color hacen que se consiguiera una mayor sensación de ubicarnos en el lugar; en cambio, Renoir, pintando el mismo lugar, usa otra técnica. Ambos artistas renunciaron a lo métodos tradicionales para poder plasmar la representación del agua a su gusto. Teniendo en cuenta lo mencionado brevemente, el rol del espectador es entender el efecto de la luz sobre el “color local” que es el color real, el cual nosotros sabemos que tienen los objetos; sin embargo, Monet le tomo mas importancia en pintar lo que vemos, no lo que ya sabemos. De hecho, bajo ciertos tipos de iluminación puede ocurrir que un objeto se vea con otro color que no es el que debería tener según nuestros conocimientos. Entonces podemos llegar a la conclusión que la luz puede cambiar la apariencia de las cosas, entendiendo así que el llamado “color local” es solo un convencionalismo, el cual debemos dejar atrás y dejar que nuestros ojos nos guíen

Título: La Grenouillère Fecha: 1869 Artista: Claude Monet Técnica: Pintura al oleo sobre lienzo

y a la mitología en forma de la muerte, guerras y pobreza. El romanticismo se enfoca en temas similares n el arte neoclásico destacan las obras relacionadas a la historia grecolatina, la revolución francesa y la virtudes y predominando en muchas obras, la filosofía. El arte del impresionismo no tiene un tema en sí, o, graficando paisajes, objetos y retratos. Por ejemplo, la temática de la obra escogida es representar un

lejó una introducción al gusto por lo que pasa y lo que no en las personas, también busco graficar las temas de corrupción en la iglesia, y este arte se encargó de opacarlos. En contraste el romanticismo se ertades creativas. El arte neoclásico cumplió la función de influir con buenas costumbres basadas en la a moderación. No obstante, el impresionismo busco una representación de la realidad, tanto espontánea

o al igual que el neoclásico la luz proviene de un punto fijo e ilumina la escena retratada. En cambio las propiedades de la luz por ejemplo el reflejo en el agua o el movimiento de los arboles.

icas y románticas usaban una gama de colores tenue y un color brillante que enmarcaba el elemento uminación natural.

ista. En el neoclásico y el romanticismo las figuras estaban bien definidas con pinceladas bien marcadas ho que se pintaba en el mismo momento de la escena.

NEOCLÁSICO LA MUERTE DE SÓCRATES CONTEXTO HISTÓRICO El cuadro enfoca el momento en el que Sócrates estaba dando un discurso a sus seguidores sobre que “La muerte no debe ser temida, sino aceptada como suceso natural de la vida”. Aquel discurso fue el último, pues lo dio antes de morir envenenado por la copa con aceite de cicuta, una sustancia venenosa, que se estaba acercando a él. Sócrates estaba en esta situación pues fue condenado a morir, ya que fue sentenciado por el gobierno de Atenas por “impiedad” y por “corromper a los jóvenes con sus ideas religiosas”, sucesivamente, le dieron a escoger entre, renunciar a sus creencias o beber el veneno para luego morir; para lo cual Sócrates escogió la segunda, demostrando que sus creencias eran más importantes que el. Para crear esta obra, David Jacques-Louis, se inspiró en el libro de El Fedón de Platón, obra que relata los últimos suceso en la vida de Sócrates, en el cual se puede encontrar que en la realidad fueron 15 los discípulos presentes, en contraste, David considera a 12 para la pintura, colocando seis a un lado y la otra mitad al otro, haciéndolo en inspiración a la Última cena para demostrar que la figura de Sócrates era igual de importante y con historias similares que la de Jesús. Entre los seguidores se encontraban Xanthippe, la esposa de Sócrates, con otros familiares; Crito, su estudiante más leal, sujetando la pierna de Sócrates; Apolodoro y Cebes y Simmias, seguidores destacados de Sócrates; Además de Platón, quien dio a conocer las ideas de Sócrates, a los pies de la cama, sin embargo; se dice que en realidad no estuvo presente en la escena, pero David lo coloca a él y al pergamino para hacer referencia a los textos que utilizó como inspiración. Tomando en cuenta el contexto en el que esta obra fue creada, se obtiene que fue de gran importancia en la década situada, pues da alusión a lo que ocurría en Francia, con la revolución francesa, la cual usaba el terrorismo como método de gobierno. Así también se relaciona con el hecho que los gobernantes de Atenas le dieron una sentencia a Sócrates por seguir con sus ideales.

Titulo: La Muerte de Sócrates (La Mort de Socrate) Autor: Jacques-Louis David Fecha: 1787 Técnica: Pintura al oleo

Aceite de ci

Xanthippe y Fam

icuta

miliares

Sócrates

Platón

Pergamino

Crito

Apolodoro

Cebas y Simmias

COMPOSICIÓN ELEMENTO PRINCIPAL: La cicuta esta literalmente al centro de la pintura y se podría considerar como un eje central del que parten las demás acciones. Sin embargo, Sócrates al ser el protagonista de la escena, al tener todas las miradas puestas en él y estar más iluminado se considera como el elemento central de toda la composición. Para David, Sócrates es símbolo de fortaleza sobre la pasión, compromiso con sus ideales incluso frente a su muerte

IMPRECISIONES HISTÓRICAS: Por otro lado, Jacques busca idealiza la anatomía de las personas la cual también tiene un significado. Sócrates tenía unos 70 años al momento de su muerte, edad en la que no tendría tal musculatura. Sin embargo, representa la fuerza y firmeza de los ideales de Sócrates, quien estaba dispuesto a morir por ellos. Asimismo, Platón no estuvo presente y debería tener unos 29 años para la muerte de Sócrates, pero se le aprecia como un personaje viejo, maduro y decaído por este recuerdo. Por los documentos de Platón, se sabe que estuvieron presente 15 personas al momento de su muerte, pero David solo considera 12, 6 a cada lado, haciendo referencia la pintura de la última cena y al número de apóstoles, ya que Sócrates al igual que Jesús, era visto como un icono, el cual las personas seguían y querían aprender de él, donde lamentablemente muere.

2 3

5 6

78 9

1 2 3 10

11 12

12 8 9 11 10 7

LECTURA 1.

De derecha a izquierda: Primero se aprecia la angustia de los ddiscípulos que se retuercen de tristeza. Seguidamente e observa a Sócrates calmado y firme que con sus brazos dirige nuestra mirada a la cicuta situada exactamente al centro, la cual beberá y será la causante de su muerte. Luego nos dirige al personaje que la sostiene afligido de dolor por entregársela a Sócrates. Y finalmente se observa a Platón sentado junto a la cama. 2.

De izquierda a derecha: La escena pate de la nuca de Platón recontextualizándola como un recuerdo, donde Platón hace el mismo gesto con la mano en la pintura de Rafael “Escuela de Atenas”

FONDO: El que más resalta es la pared plana, lisa, gris y casi bidimensional que ocupa más parte de la escena. El color hace oscurecer la habitación y no tiene relieve para forzar la atención del primer plano donde se encuentra Sócrates y sus discípulos. En el lado izquierdo, donde esta Platón sentado, se le agrega la profundidad dándole una textura más tridimensional, rugosa, y donde genera profundidad con la perspectiva. Se puede decir que los tonos, la luz y las texturas son diferentes para dividir los dos momentos presentes en la pintura, en la muerte de Sócrates y el recuerdo de Platón.

COLORES: La composición cuenta con una gama armónica, cromática y limitada de colores mayormente cálidos para mostrar simplicidad en la escena. Los colores más resaltantes se observan en el vestuario y en la pigmentación de la piel. El color que más prevalece es el blanco presente en el vestuario de Sócrates y Platón. El segundo que más resalta es el rojo, el cual llama la atención del espectador y está presente en tres personajes: el vestuario de quien ofrece la cicuta, Critón y el discípulo de espaldas con manos levantadas. Seguidamente la gama del amarillo que se observa en la sábana, la tarima de madera, el arpa, el vestuario de 2 disípalos y en algunos módulos del piso. David usa el color para enfatizar las emociones de algunos personajes. Por ejemplo, Platón y Sócrates, vestidos con contrastantes ropas blanco azulado, permanecen tranquilos. Por otro lado, los tonos de rojo están más apagados alrededor de los bordes de la imagen, y hacia el centro se vuelven más brillantes, alcanzando un clímax en un vestido rojo oscuro del verdugo que sostiene un cuenco de veneno.

ILUMINACIÓN LUZ: La iluminación es natural y se puede confirmar con la sombra proyectada en la pared, donde se corta por el ángulo de donde entra al cuarto. Por otro lado, esta luz recae directamente sobre tres personas en específico, principalmente a Sócrates, al centro de la imagen, luego al verdugo, quien le entrega cicuta y finalmente a Platón, de espaldas y al borde de la cama de Sócrates. David utiliza el claro obscuro en la composición para centrar la atención del espectador en Sócrates y luego genera el efecto de profundidad mostrando a Platón y más lejos a su esposa Jantipa.

Parte ligeramente oscura: Al lado izquierdo se encuentra Platón, luego en discípulo con las manos en la pared y finalmente Jantipa. Esta parte muestra la profundidad de la cárcel generada por una tenue oscuridad a lo lejos.

Parte más clara e iluminada: La parte más iluminada y donde la luz recae directamente es donde se encuentra Sócrates quien enseña y vive la filosofía y es el elemento central de composición. Su posición está remarcada por el uso de la luz que llega desde un foco que no se ve, pero incide directamente en el protagonista. Del mismo modo, esta luz resalta su vestimenta y la musculatura de su cuerpo.

Parte más oscura: La parte más oscura de la composición es a la derecha donde se encuentran los pies de discípulos, esto significa que ellos siguen pegados a este mundo por eso se lamentan y tratan de separarse levantar ligeramente sus pies para separarse del piso.

PERSONAJES

PLATÓN

Platón fue quien popularizó las enseñanzas de Sócrates con sus diálogos. Se encuentra a los pies de la cama, profundamente reflexivo y afligido con las manos juntas, la postura encorvada y los ojos cerrados. Por su aspecto se puede inferir su madurez intelectual, superior al resto de personajes. Al estar des espaldas a Sócrates, se podría inferir que está recordando esta escena, que parte desde su nuca, como si aún perdurara. Asimismo, se podría decirse que el pergamino y la tinta en sus pies representa la escritura de los últimos momentos de Sócrates que narró en el Fedón.

JANTIPA Se la ve a lo lejos en la parte más oscura, con una expresión atónita observando como su marido será juzgado de muerte. Tiene la mano derecha alzada como despidiéndose Abandona la celda junto con otros personajes también afligidos que probablemente son sus familiares o guardias.

APOLODORO Se la ve a lo lejos en la parte más oscura, con una expresión atónita observando como su marido será juzgado de muerte. Tiene la mano derecha alzada como despidiéndose Abandona la celda junto con otros personajes también afligidos que probablemente son sus familiares o guardias.

VERDUGO Podría representar también a un médico o al carcelero. Tiene una postura encorvada, se lamenta y se tapa los ojos como gesto de rechazo a lo que está haciendo. Aparta la mirada de Sócrates como avergonzado de darle la cicuta a un maestro tan ejemplar.

SÓCRATES Muestra una expresión firme y su gesto feroz y desafiante demuestra que sigue luchando, predicando y enseñado hasta el final. Accede su muerte y a su propio juicio. Se cree que estuvo discutiendo con sus discípulos sobre la inmortalidad del alma. Parece que no teme beber la cicuta que lo llevará a la muerte. Él quiso defender lo que creía hasta el final pues él sabía que era lo correcto. Mano derecha: La mano que levanta puede estar señalando al más allá donde se dirige. También puede estar señalando hacia el cielo platónico y es como una petición a los discípulos para que vean hacia lo alto se preocupen por cosas realmente importantes y siguán avanzando a pesar de todo. Asimismo, puede referirse al gesto de Platón cuando enseñaba en la escuela de Atenas de Rafael, pues no se tiene claro se tiene claro en donde terminan las ideas de Sócrates y donde comienzan las de Platón, y es imposible separar uno del otro.

Mano izquierda: Este mano está alzado para tomar la cicuta. Es una señal de firme convicción y seguridad de lo que va hacer. No dirige la mirada hacia esta mano.

DISCÍPULOS En general todos están resignados, lamentándose y con gestos de aflicción. Se frotan las cienes y la frente en sufrimiento al presenciar un momento dolor y pena. Su postura encorvada da la impresión de estar en movimiento, a excepción de Sócrates, quien tiene una postura firme contraria a la agonía de sus seguidores.

CRITÓN Era uno de los estudiantes más viejo y fiel. Este personaje posa su mano sobre el muslo de Sócrates y lo contempla con devoción y preocupación. Por los diálogos Platónicos se sabe que apreciaba mucho a Sócrates y este gesto lo evidencia. Por otro lado, se cuenta que corrompió a los guardianes de la cárcel para liberar a Sócrates. Sin embargo, Sócrates se negó a escapar de la justicia y con esta acción quiso enseñar que la muerte no debe ser temida por los filósofos, sino que debe ser aceptada como una apoteosis del alma.

CANDELABRO

ELEMENTOS

Este elemento está casi al cen personajes. Representa una lu y la inteligencia. En otras palab intelecto. Por otro lado, podría Génesis que permitía observar

VENTANA CON REJAS Al observar este elemento nos da una primera idea de donde podría situarse la escena con las rejas que representan la prisión.

LIRA Este instrumento representa el arte y al estar cerca de las cadenas sobre la cama podría inferirse que con la muerte de Sócrates el arte se detiene.

PERGAMINO Y TINTA Este pergamino podría simbolizar las leyes y están en el piso porque la justicia ha fracasado, considerando una injusticia del estado al sentenciarlo por sus creencias. Por otro lado, al estar justo a los pies de Platón se puede decir que son las escrituras del Fedón donde narra la muerte de Sócrates y que las arrojo por la desesperación e impotencia al recordar lo ocurrido.

CADENAS EN EL PISO Hay tres interpretaciones. Primero, podrían ser cadenas de manos o de tobillo como elementos comunes dentro de una cárcel. En segundo lugar, pueden simbolizar las cadenas de las que se ha liberado Sócrates al partir de este mundo. Según Platón vivimos encadenados a este mundo. Asimismo, podría representar la liberación de la ignorancia el cual es considerado por Platón como el verdadero mal.

tro y por encima de los demás z superior como lo es la razón bras, es la superioridad del ser referencia a la luz en el toda la creación de Dios.

METAL CIRCULAR ENLA PARED Se puede inferir que pudo ser donde estaban puestas antes las cadenas.

CICUTA: Es el veneno que accedió a tomar Sócrates que podría hacer referencia a el Santo Grial o copa que utilizo Jesús en la última cena siendo Sócrates un personaje el cual cuenta con mucha similitud con el personaje de Jesús en la biblia. Este elemento se encuentra casi al y en el eje de las cadenas. Esto hace referencia a que Sócrates tenia que elegir entre morir o seguir atado a este mundo.

FIRMA DEL PINTOR Se puede apreciar sobre la piedra donde está sentado Critón y Platón la firma tallada del autor de la obra. Se considera que David lo hizo para demostrar su identificación y conexión con Sócrates, el elemento principal de la composición.

LADRILLO Se puede observar que Sócrates no pisa el suelo y sus pies están posados sobre el ladrillo. Esto anuncia su muerte y representa que Sócrates ya no pertenece a este mundo, ya partió y está por encima.

IDEA PRINCIPAL En esta obra de arte tenemos dos ideas principales; la primera, sobre las lecciones que nos la segunda, el motivo de la elaboración de la pintura.

Como primera idea, la pintura representa, como ya se menciono antes, un recuerdo de Platón donde narran la muerte de Sócrates. Entonces, podemos rescatar las ultimas lecciones que nos deja el filosos Sócrates, que sabe Platón, quien popularizo las ideas de su maestro. La primera lección que nos deja Sócrates, representada por su mano en alto, que la muert temida, si no aceptada como parte natural de la vida. La segunda lección se basa en el elemento de las cadenas que se encuentran de bajo de filosofo, la cual indica que, si no hubiese elegido la muerte, él habría tenido que renunciar a su vivir atrapado, capturado, por lo que esta lección nos enseña que debemos aferrarnos a nues religión a pesar de todo. La ultima lección es de la historia de la pintura, donde Sócrates se percata que persona Atenas presentan varias habilidades pero sobre todo, estaban convencidos que eran sabios, a Sócrates, que no se consideraba sabio, si no ignorante. El quiso mostrarles en cuanta igno pero esto solo le trajo odio, enemistad y probablemente lo que precipito su condena.

También se puede considerar como idea principal la importancia de esta obra, ya que se dice importante en su década porque es una critica de lo que ocurría en la Revolución Frances conoce como “El reinado del terror” en donde se abusaba del poder político, similar a la muerte de la archiduquesa María Antonieta presentando lo mencionado anteriormente.

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