PROGRAMA MENSUAL MARZO 2026

AKI KAURISMÄKI

Patrimonio Fílmico Colombiano

Dossier: Aki Kaurismäki

Ambulante 2026. Geografías humanas: el cine de Claire Simon

Ambulante 2026. El cine es un país Foco: Kamal Aljafari

A pie de página: Los guiones desconocidos sobre Benito Juárez

CINETECA NACIONAL

Av. México Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México

Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

PATRIMONIO FÍLMICO

EN PORTADA

Memorias del subdesarrollo, 1968

Dir. Tomás Gutiérrez Alea

ABREVIATURAS

D: Dirección.

G: Guion.

A: Animación

B/N: Fotografía en blanco y negro.

Dist: Distribución.

CP: Compañía productora.

PC: Procedencia de copia.

Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

DOSSIER

AKI KAURISMÄKI: UN CINE

PROFUNDAMENTE AUTÉNTICO

MAURICIO MATAMOROS

AKI KAURISMÄKI: EL MUNDO DE TODOS LOS DÍAS

RAFAEL GUILHEM

A PIE DE PÁGINA

LOS GUIONES DESCONOCIDOS

SOBRE BENITO JUÁREZ

GABRIELA MÁRQUEZ UGALDE

PATRIMONIO FÍLMICO COLOMBIANO

EL CINE TAMBIÉN NOS UNE: UNA HISTORIA COMPARTIDA ENTRE COLOMBIA Y MÉXICO

DEL 11 AL 13 DE MARZO

La colección "El cine también nos une" busca rescatar y celebrar la rica historia cinematográfica compartida entre Colombia y México. A través de una selección de películas emblemáticas, esta recopilación nos invita a reflexionar sobre la compleja y fascinante relación cultural entre estos dos países hermanos.

Este trabajo también hace parte fundamental de los archivos audiovisuales como la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano, en tanto que la memoria audiovisual permite traspasar sus propias fronteras para analizar los impactos sociales de la cinematografía e investigar y ahondar en estas obras y sus repercusiones. Este proceso sólo es posible una vez que las películas han “vuelto a la vida”, a través de procesos de digitalización y restauración digital, que nos permiten en retrospectiva, pero también con los pies en el hoy, escudriñar su pasado y entender el presente y por supuesto mirar al futuro.

Este renacimiento de la obra audiovisual en el mundo digital, es para siempre.

Las películas que componen esta colección hacen parte del trabajo de restauración realizado por la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano como en el caso de El milagro de sal (1958), Cada voz lleva su angustia (1965), Un ángel de la calle (1967), Semáforo en rojo (1964) y La vorágine: (abismos de amor) (1949), esta última con negativos preservados en México por la Filmoteca de la unam. Estos filmes emblemáticos, son más que simples obras cinematográficas; son testigos de la creatividad y el talento de los artistas y cineastas de ambos países y nos permiten entender la forma en la que el cine ha sido un vehículo para expresar la identidad, la cultura y la historia de nuestros pueblos.

La presentación de este legado cultural en la Cineteca Nacional de México, acompañado de esta exposición y una exhibición de las películas, es una cita obligada no sólo con colegas con quienes compartimos el trabajo por nuestra memoria audiovisual, sino con un público que podrá reconocer a través de estas obras cinematográficas, la identidad compartida entre pueblos latinoamericanos.

Alexandra Falla Zerrate Directora de Fundación Patrimonio Fílmico

Colombiano

LA VORÁGINE (ABISMOS DE AMOR)

México, 1949, 132 min.

D: Miguel Zacarías. G: Miguel Zacarías, con base en la novela de José Eustasio Rivera. F en B/N: Ignacio Torres. Con: Armando Calvo, Julio Ahuet, Rafael Alcayde, Amparo Arozamena, Eduardo Arozamena, Victorio Blanco, Sara Cabrera. CP: Diana Films.

Adaptación de La vorágine, novela del escritor colombiano José Eustasio Rivera. La película sigue la historia de amor entre el poeta Arturo Cova y la joven adinerada Alicia. Su romance se enmarca en la selva amazónica durante la fiebre del caucho, una época marcada por las duras condiciones de vida de los indígenas esclavizados y los abusos del empresariado extractivista. Custodiada por la Filmoteca de la unam, la película fue recientemente restaurada por la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano.

EL MILAGRO DE SAL

Colombia, 1958, 105 min.

D y G: Luis Moya Sarmiento. F en B/N: Felipe Frías. Con: Teresa Quintero, Julio Sánchez Vanegas, Bernardo Romero Lozano, Betty Valderrama, Hugo Pérez, David Manzur. CP: Cinematográfica Colombiana.

Narrada como una crónica periodística, este clásico del cine colombiano explora la realidad social del país a través del relato de las difíciles condiciones en las que laboran los trabajadores de una mina de sal en la ciudad de Zipaquirá. Tomando como centro la historia de Andrés, un minero que el día de su boda queda atrapado por un derrumbe, la película explora la humanidad tanto de la clase obrera como de los patrones, mientras explica el origen de la famosa Catedral de Sal excavada en la mina.

La vorágine (abismos de amor) ∙ 1949

SEMÁFORO EN ROJO

Colombia-México, 1964, 95 min.

D: Julián Soler. G: José Caparrós Aguiar. F en B/N: Jorge Stahl Jr. Con: José Gálvez, Ofelia Montesco, Enrique Pontón, Jaime Velázquez, Germán Robles, Roberto Cañedo, Carlos Muñoz. CP: Cofilms, Producciones Sotomayor, Productora Colombiana de Películas.

Cuatro hombres planean asaltar una joyería del centro de Bogotá. Unos buscan dejar atrás su vida criminal y otros salir de la pobreza. Mientras se lleva a cabo el minucioso robo, cuatro mujeres lidian con la ausencia de sus parejas; unas desde el anhelo, otras desde la desesperación. Adaptando los modelos del cine mexicano clásico y el noir hollywoodense a su idiosincrasia, este clásico del cine colombiano encarna los valores de una sociedad que se entregaba a la era moderna de los años 60.

MARÍA 100 AÑOS DE AMOR

Colombia, 2022, 60 min.

D: Alexandra Falla, Germán Pérez y Jhonatan Marulanda. CP: Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano, Canal Universitario Zoom y el Cineclub de Colombia.

En 2022 se cumplieron cien años del estreno de María, película dirigida por Máximo Calvo y Alfredo del Diestro, considerada como el primer largometraje del cine colombiano. La cinta está basada en la novela de Jorge Isaacs, que capturó la esencia del Valle del Cauca en el siglo XIX, a través de la historia de amor imposible entre María y Efraín. Este documental presenta un recorrido por las múltiples adaptaciones para cine y televisión que se hicieron de la obra en Colombia, México y Puerto Rico.

AKI KAURISMÄKI

Aki Kaurismäki (Orimattila, 1957) ha construido una obra que parece mínima en la superficie y, sin embargo, ha representado un termómetro social de su país, Finlandia, y el norte europeo en general. Desde sus primeros largometrajes, realizados a mediados de la década de los 80, su cine consiste en una depuración del relato hasta lo esencial: planos fijos, diálogos escuetos, humor marcado y seco y un ritmo pausado. Pero esa economía de recursos narrativos no se puede limitar simplemente a un estilo particular; consiste en sí misma en una decisión moral y política que al reducir la complejidad argumental a gestos cotidianos, desplaza el foco hacia quienes suelen quedar fuera del encuadre: desempleados, inmigrantes, obreros, “perdedores dignos”. Su estilo dialoga con la tradición europea de cineastas como Robet Bresson, Jacques Tati o el neorrealismo italiano, aunque adaptado a lo largo de más de treinta años a una cultura pop contemporánea y un escenario que muy a menudo incluye una Helsinki atemporal y retratada a través de una estética

DEL 3 AL 29 DE MARZO

minimalista y formal muy particular: tonos secos, encuadres minuciosamente trabajados en composiciones geométricas y colores casi siempre saturados, aporte del cinefotógrafo que ha acompañado a Kaurismäki desde sus primeras obras: Timo Salminen.

Con películas que hoy se han convertido en clásicos inolvidables del cine internacional, como Sindicato de calamares (1985), La muchacha de la fábrica de cerillos (1990), Le Havre: el puerto de la esperanza (2011), o la más reciente Hojas de otoño (2023), todas ellas parte de esta retrospectiva que recorre la larga trayectoria del director a través de 18 largometrajes, el cine de Aki Kaurismäki recuerda que el humanismo, cuando se filma con precisión y humor, es capaz de convertirse en un arma incisiva de empatía política.

Cineteca Nacional

CRIMEN Y CASTIGO

Rikos ja rangaistus, Finlandia, 1983, 93 min.

D: Aki Kaurismäki. G: Aki Kaurismäki y Pauli Pentti, con base en la novela homónima de Fiódor Dostoievski. F en C: Timo Salminen. M: Pedro Hietanen. Con: Markku Toikka, Aino Seppo, Esko Nikkari, Hannu Lauri, Olli Tuominen, Matti Pellonpää. CP: Villealfa Filmproductions.

El primer largometraje de Aki Kaurismäki es una adaptación minimalista y modernizada de la novela clásica de Fiódor Dostoyevski. Ambientada en la Helsinki contemporánea (a principios de la década de los 80 en su momento), la película sigue a Rahikainen (equivalente a Raskólnikov), un trabajador de un matadero que irrumpe en el apartamento de un hombre de negocios y lo mata aparentemente sin motivos. En ese momento llega Eeva y le aconseja al asesino que escape. Con una atmósfera gris, triste y opresiva, en esta primera obra de Kaurismäki ya se deja ver el estilo que marcaría su futura filmografía, caracterizado por su austeridad en la puesta en escena y un humor tan ácido que roza el cinismo.

SOMBRAS DEL PARAÍSO

Varjoja paratiisissa, Finlandia, 1986, 74 min.

D y G: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. Con: Matti Pellonpää, Kati Outinen, Sakari Kuosmanen, Esko Nikkari, Kylli Köngäs, Pekka Laiho. CP: Villealfa Filmproductions.

Nikkander, un solitario conductor de un camión de basura, se encuentra sin rumbo después de la muerte de un compañero de trabajo. Una improbable redención llega cuando conoce a la cajera de supermercado Ilona, con quien comienza una tímida relación amorosa. La primera parte de la Trilogía del Proletariado de Kaurismäki es una comedia romántica reducida a una serie de gestos sobrios y una melancolía tragicómica, en la que el director hace florecer una inesperada esperanza en medio de un entorno gris.

SINDICATO DE CALAMARES

Calamari Union, Finlandia, 1985, 81 min.

D, G y Prod: Aki Kaurismäki. F en B/N: Timo Salminen. M:

Mattila, Jone

Timo Eränkö, Kari Heiskanen, Asmo Hurula, Sakke Järvenpää, Sakari Kuosmanen, Dave Lindholm. CP: Villealfa Filmproductions.

En Helsinki, un grupo de hombres desesperados, todos llamados Frank, deciden abandonar el barrio de trabajadores en el que llevan una vida triste y gris para dirigirse al lujoso e idílico barrio costero de Eira. Acompañados por un hombre angloparlante llamado Pekka, transitan por calles, cafés y el metro en un periplo urbano, caótico y delirante. En su segunda película, Kaurismäki se apropia del cine policiaco estadounidense y francés para darle su toque en una cruza singular entre comedia satírica, surrealismo y cinefilia. Una obra en la que sugiere la imposibilidad del progreso a través de la vagancia, el azar y la muerte con una narrativa fragmentaria, diálogos breves y música rock finlandesa.

HAMLET EN LOS NEGOCIOS

Hamlet liikemaailmassa, Finlandia, 1987, 89 min.

D, G y Prod: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. Con: PirkkaPekka Petelius, Esko Salminen, Kati Outinen, Elina Salo, Esko Nikkari, Kari Väänänen, Puntti Valtonen. CP: Villealfa Filmproductions.

Adaptación del clásico de Shakespeare ambientada en el despiadado mundo financiero, bajo la particular mirada minimalista de Kaurismäki. Hamlet, un joven empresario, lucha por mantener el control de la empresa familiar presidida por su tío tras la muerte de su padre en extrañas circunstancias. El director reajusta los códigos del noir a su imaginario en la fría Finlandia, dando lugar, de la mano de una fotografía en blanco y negro, a una película de reminiscencia clásica e inusitada modernidad.

ARIEL

Finlandia, 1988, 72 min.

LOS VAQUEROS DE LENINGRADO VAN A AMÉRICA

Leningrad Cowboys Go America, Finlandia, 1989, 79 min.

D, G y Prod: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. M: Esko Rahkonen, Bill Casey. Con: Turo Pajala, Susanna Haavisto, Matti Pellonpää, Eetu Hilkamo. CP: Villealfa Filmproductions, Finnish Film Foundation.

Taisto es un minero que, tras el suicidio de su padre y el cierre de su mina, viaja al sur en busca de una nueva vida. Enfrentado al desempleo, corrupción, vigilancia policial y encarcelamiento injusto, encuentra algo de esperanza al enamorarse y soñando con dejar Finlandia. Al ritmo de tango finlandés y música pop báltica, Aki Kaurismäki emprende una road movie en la que sería la segunda parte de su Trilogía del Proletariado, una historia de escape y sobrevivencia que desborda anhelo existencial.

D: Aki Kaurismäki. G: Aki Kaurismäki, Mato Valtonen y Sakke Järvenpää. F en C: Timo Salminen. M: Mauri Sumén. Con: Los Leningrad Cowboys, Matti Pellonpää, Kari Väänänen. CP: Villealfa Filmproductions, Svenska Filminstitutet.

Los Leningrad Cowboys, una banda musical siberiana con exagerados tupés y botas picudas, viaja a Estados Unidos en busca de fama y fortuna. Mientras cruzan el país intentando llegar a una boda en México, son seguidos por el tonto del pueblo que desea unirse a ellos. El humor seco de Europa Oriental se encuentra con la idiosincrasia estadounidense en este clásico de Kaurismäki que mezcla rock, country y polka. La banda ficticia se volvió tan famosa que terminó existiendo y dando giras en la vida real.

CONTRATÉ A UN ASESINO

I Hired a Contract Killer, Finlandia-SueciaAlemania-Francia-Reino Unido, 1990, 68 min

D, G, E y Prod: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. Con: Jean-Pierre Léaud, Margi Clarke, Joe Strummer, Kenneth Colley, T.R. Bowen, Imogen Claire. CP: Villealfa Filmproductions, Swedish Film Institute.

Henri Boulanger, un joven solitario y pobre que acaba de ser despedido, decide suicidarse. Al no poder hacerlo él mismo, contrata a un asesino, sin imaginar que está por conocer a Margaret, el amor de su vida. Tras quedar profundamente enamorado de ella, comienza una búsqueda desesperada del asesino antes de que éste lo encuentre primero y termine con el trabajo. Este filme desarrolla uno de los tópicos más recurrentes del autor, quien se caracterizó por retratar historias de amor de la clase proletaria.

LA VIDA BOHEMIA

La vie de bohème, Finlandia-FranciaSuecia-Alemania, 1992, 103 min.

LOS VAQUEROS DE LENINGRADO ENCUENTRAN A MOISÉS

Leningrad Cowboys Meet Moses, FinlandiaAlemania-Francia, 1994, 94 min.

D, G y Prod: Aki Kaurismäki con base en la obra homónima del escritor francés Henri Murger. F en B/N: Timo Salminen. Con: Matti Pellonpää, Evelyne Didi, André Wilms, Kari Väänänen. CP: Sputnik, Pyramide Productions.

Saliendo de sus características paletas desaturadas, Kaurismäki construye un filme que juega con el romanticismo monocromático de las películas clásicas a blanco y negro. La cinta retrata la vida de tres artistas que viven en la pobreza. Marcel, un escritor sin trabajo; Rodolfo, un pintor albanés sin papeles; y Schaunard, un compositor irlandés, configuran un fresco que muestra el lado oscuro del mundo capitalista, donde el arte no tiene cabida y la amistad se convierte en una trinchera de supervivencia.

D, E y Prod: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. Con: Twist-Twist Erkinharju, Ben Granfelt, Sakke Järvenpää, Jore Marjaranta, Ekke Niiva. CP: Sputnik, Pyramide Productions, Pandora Filmproduktion.

La segunda parte de la cómica Los Vaqueros de Leningrado van a América, retoma las aventuras del carismático y desafortunado grupo ruso que, tras la primera parte, ahora reside en México. En esta entrega, se reencuentran con su exrepresentante quien, después de perderse en el desierto, regresa a sus vidas creyéndose Moisés, el mesías. Con el mismo tinte cómico de su antecesora, esta cinta retrata desde lo paródico a esta banda de personajes futuristas y excéntricos que siguen intentando triunfar.

CUIDA TU MASCADA, TATIANA

Pidä huivista kiinni, Tatjana, FinlandiaAlemania, 1994, 62 min.

D, E y Prod: Aki Kaurismäki. G: Sakke Järvenpää, Aki Kaurismäki. F en B/N: Timo Salminen. Con: Kati Outinen, Matti Pellonpää, Kirsi Tykkyläinen, Mato Valtonen, Elina Salo. CP: Sputnik, Pandora Filmproduktion.

Esta roadmovie poco convencional, sigue la vida de cuatro personajes. Los dos iniciales son Valto, un costurero de pocas palabras, y Reino, un mecánico irritable. A esta peculiar dupla que un día decide sólo subirse a un auto sin destino fijo, se le suman dos mujeres, la estoniana Tatjiana y la rusa Klavdia. El resultado de este planteamiento se articula a través de la fórmula puramente kaurismakiana: la economía estética y narrativa configura una cinta profundamente tierna sobre los tránsitos de la vida.

LA MUCHACHA DE LA FÁBRICA DE CERILLOS

Tulitikkutehtaan tyttö, Finlandia-Suecia, 1990, 69 min.

D, G y E: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. M: Badding Rockers. Con: Kati Outinen, Elina Salo, Esko Nikkari, Vesa Vierikko. CP: Villealfa Filmproductions, The Swedish Film Institute, Esselte Video, Finnkino.

La tercera entrega de la conocida Trilogía del Proletariado de Kaurismäki (a la que también pertenecen Sombras en el paraíso, 1986 y Ariel, 1988) sigue la vida de Iris, una joven que pasa sus días en una fábrica, supervisando la producción totalmente mecanizada de cerillos. Esto ocasiona en ella una profunda soledad. Una noche conoce a Aarne, y tras un fugaz encuentro queda embarazada, pero Aarne la rechaza, orillándola a reconfigurar su vida. A través de este filme, Kaurismäki reafirma sus búsquedas estéticas, caracterizadas por la economía de los elementos cinematográficos y la presencia de historias sumamente dramáticas que se enarbolan como una crítica a las condiciones de vida de la clase obrera.

NUBES PASAJERAS

Kauas pilvet karkaavat, Finlandia-AlemaniaFrancia, 1996, 95 min.

D, G, E y Prod: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen Con: Kati Outinen, Kari Väänänen, Elina Salo, Sakari Kuosmanen, Markku Peltola CP: Sputnik .

El matrimonio de Ilona y Lauri es puesto a prueba cuando ella pierde su trabajo en un lujoso restaurante que no logra sobrevivir a los años, sólo para, inmediatamente después, descubrir que hace casi un mes su esposo Lauri ha sido despedido como conductor de tranvía. La búsqueda de nuevos empleos se convertirá en el telón de fondo de esta historia en la que Kaurismäki retoma a sus grandes referentes fílmicos, como Capra, De Sica y Ozu para configurar un filme de “neorrealismo a color”.

JUHA

Finlandia-Alemania-Francia, 1999, 79 min.

D, G, E y Prod: Aki Kaurismäki. F en B/N: Timo Salminen. M: Anssi Tikanmäki. Con: Sakari Kuosmanen, Kati Outinen, André Wilms, Markku Peltola, Elina Salo, Ona Kamu. CP: Sputnik, Pandora Filmproduktion, Pyramide Productions.

Marja es una campesina que vive con su esposo Juha, un hombre un poco mayor que ella. Llevan una vida de campo muy tranquila, pasando la mayor parte del tiempo cultivando y cuidando su ganado. Todo esto cambia cuando conocen a Shemeikka, un hombre citadino, cuyo auto se ha averiado y les pide ayuda, alterando para siempre sus vidas. Juha, adaptación de la novela homónima del autor finlandés Juhani Aho, es una película silente filmada en blanco y negro con diálogos en forma de intertítulos.

UN HOMBRE SIN PASADO

Mies vailla menneisyyttä, Finlandia-Alemania-Francia, 2002, 97 min.

D y G: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. Con: Markku Peltola, Kati Outinen, Juhani Niemelä, Kaija Pakarinen. CP: Sputnik, Pandora Filmproduktion, Pyramide Productions.

En esta segunda parte de la Trilogía Finlandia de Kaurismäki encontramos a un hombre que viaja a Helsinki en busca de trabajo. En el trayecto es asaltado y brutalmente golpeado. Debido a esta paliza pierde la memoria y todo rastro de su identidad, pues es incapaz de recordar hasta su propio nombre. Para su fortuna tropieza con personas de buenas intenciones que lo ayudan a recuperarse de ese fatídico evento. Este filme obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes del 2002.

LUCES AL ATARDECER

Laitakaupungin valot, Finlandia-Alemania-Francia-Italia-Suecia, 2006, 80 min.

D, G, E y Prod: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. M: Melrose. Con: Janne Hyytiäinen, Maria Järvenhelmi, Maria Heiskanen. CP: Sputnik, ZDF/Arte, Arte France Cinéma.

Koistinen, un solitario guardia nocturno, se ve envuelto en una serie de desventuras desde que conoce a Mirja, una femme fatale que está ayudando a un grupo de mafiosos a planear un robo. Estos mafiosos se aprovecharán tanto de la soledad de Koistinen como de su trabajo, pues es el candidato perfecto para su plan. Con una fotografía muy bien lograda y una iluminación minuciosa, además de la narrativa esperanzadora, con Luces al atardecer Kaurismäki concluyó su aclamada Trilogía Finlandia.

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

Toivon tuolla puolen, Finlandia, 2017, 98 min.

D y G: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. M: Tero Malmberg. Con: Sherwan Haji, Nuppu Koivu, Kati Outinen, Sakari Kuosmanen. CP: Sputnik Oy.

Esta comedia dramática narra las peripecias de Khaled, un refugiado de la guerra civil siria que, tras entrar de forma ilegal en Helsinki, conoce a Waldemar, el taciturno propietario de un restaurante. A pesar de sus personalidades opuestas, ambos entablan una inesperada amistad. Con un tono cínico y ligero, Kaurismäki juega con las convenciones del cine sobre la migración y pone en evidencia sus contradicciones, lo que le valió el Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Cine de Berlín de 2017.

LE HAVRE: EL PUERTO DE LA ESPERANZA

Le Havre, Francia-Finlandia, 2011, 93 min.

D y G: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. M: Tro Malmberg. Con: André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Blondin Miguel. CP: Janus Films.

Marcel Marx, un viejo escritor bohemio transformado en bolero, pasa los días caminando a través de las calles del pequeño pueblo costero de Le Havre, donde sus mayores preocupaciones son cuidar de su esposa y visitar su bar de confianza. Su vida cambia al encontrarse con Idrissa, un joven inmigrante africano, a quien acoge en su hogar, enfrentándose a las autoridades y su indiferencia sistemática. Mediante el uso de escenas cotidianas y lugares comunes resignificados entre la camaradería y el compañerismo, Kaurismäki busca exponer la inmigración, uno de los mayores tópicos de la Europa contemporánea. Esta película le valió el Premio del Jurado Ecuménico a Mejor Director en el Festival de Cannes 2011.

HOJAS DE OTOÑO

Kuoleet lehdet, Finlandia, 2023, 81 min.

D y G: Aki Kaurismäki. F en C: Timo Salminen. M: Tomi Leino. Con: Alma Pöysti, Jussi Vatanen, Nuppu Koivu, Janne Hyytiäinen. CP: Sputnik Oy, Finnish Film Foundation.

Ella se llama Ansa, trabaja en un supermercado acomodando cajas, es soltera y vive en Helsinki. Él es Holappa, no habla mucho, es un peón en una constructora y su mayor atributo es ser un alcohólico desenfrenado. Ambos son personas solitarias que se preocupan solamente de llegar al siguiente día de pago, pero una noche sus vidas se cruzan por casualidad en un karaoke, desatando una serie de encuentros que se transformarán en una inusual historia de amor. Ganador del Premio del Jurado a Mejor director en el Festival de Cannes de 2023, la más reciente película de Aki Kaurismäki es una galería de rostros sin expresión, pero con humanidad, una oda al humor de frases breves y situaciones bruscas.

AMBULANTE 2026

GEOGRAFÍAS HUMANAS: EL CINE DE CLAIRE SIMON

DEL 6 AL 14 DE MARZO

Esta retrospectiva, dedicada a la cineasta francesa Claire Simon, recupera y pone en diálogo algunos de los ejes centrales de su obra: la observación atenta de los cuerpos, la palabra, el aprendizaje y los espacios donde lo humano se encuentra, se confronta y se transforma. Simon construye un cine profundamente ético e íntimo, en el que la cámara escucha más de lo que impone y acompaña procesos vitales marcados por la fragilidad, el deseo y la experiencia colectiva. Esta selección de películas revela su interés por los espacios cotidianos: hospitales, escuelas, aulas y patios de recreo vistos como escenarios políticos y afectivos; al mismo tiempo, confirma su mirada sensible a las relaciones de poder, el cuidado, la infancia, el conocimiento y la intimidad: todas éstas, geografías humanas que atraviesan con gran sensibilidad su filmografía.

Cineteca Nacional

ESCRIBIR LA VIDA: ANNIE ERNAUX RELATADA POR

ESTUDIANTES DE BACHILLERATO

Écrire la vie – Annie Ernaux racontée par des lycéennes et des lycéens, Francia, 2025, 90 min.

APRENDER

Apprendre, Francia, 2024, 105 min.

D y F en C: Claire Simon. E: Luc Forveille. Prod: Emmanuel Perreau. CP: Rosebud Productions, Les films Hatari.

Figura destacada del feminismo contemporáneo y primera mujer francesa en recibir el Premio Nobel de Literatura, Annie Ernaux encarna una fuente de emancipación individual y colectiva. A través de las palabras de estudiantes y profesores, la cineasta Claire Simon ofrece una original representación de Ernaux. ¿Cómo se enseña la obra de la autora en las escuelas? ¿Cómo se recibe, se estudia y se comprende? ¿Cómo se apropian los jóvenes de hoy, ya sea en Francia o en otros lugares, de sus textos?

D y F en C: Claire Simon. E: Luc Forveille. Prod: Michel Klein. CP: Les Films Hatari, France 2 Cinéma.

30 años después de su película Recreos (1993), Claire Simon regresa a la escuela y coloca su cámara a la altura de los niños para capturar la diversidad ligada al proceso de aprendizaje. Ambientada en una escuela primaria pública a las afueras de París, el documental se centra en los medios y las técnicas educativas, así como en las reacciones del alumnado. Simon no sólo se enfrenta a estos estudiantes en sus propios términos, sino que también maneja su confianza con un nivel de cuidado inspirador.

NUESTRO CUERPO

Notre corps, Francia, 2023, 168 min.

D, G y F en C: Claire Simon. M: Elias Boughedir. E: Luc Forveille. Prod: Kristina Larsen. CP: Madison Films, France 2 Cinéma.

Claire Simon sigue el funcionamiento cotidiano de la sala de ginecología de un hospital público de París. Ahí conoce a todo tipo de pacientes: jóvenes y mayores, cisgénero y trans. Simon atraviesa cada consulta para narrar historias de fertilidad, transiciones de género y enfermedad. Un documental elocuente en su significación sociológica y política a través de cada cuerpo, incluido el de la propia realizadora, que se convierte en parte del registro cuando los doctores le diagnostican un cáncer.

GEOGRAFÍA HUMANA

Géographie humaine, Francia, 2013, 101 min.

D, G y F en C: Claire Simon. E: Luc Forveille y Catherine Rascon. Con: Simon Mérabet. Prod: Richard Copans. CP: Film Factory, Les Films d'Ici, Vosges Télévision.

En 2013, Claire Simon realizó dos películas en la Gare du Nord, la estación de trenes más grande de Europa. Una fue una ficción y la otra este documental sobre las innumerables personas que cruzan la estación cada día, provenientes de París, del resto de Francia o del extranjero. La directora contó con la ayuda de Simon Mérabet, sociólogo de ascendencia argelina, para conversar con los empleados, comerciantes y viajeros apurados que relatan su vida en pocas palabras antes de tomar un tren y desaparecer.

LAS OFICINAS DE DIOS

Les bureaux de Dieu, Francia-Bélgica, 2008, 122 min.

D: Claire Simon. G: Claire Simon, Natalia Rodríguez y Nadège Trebal. F en C: Philippe Van Leeuw y Claire Simon. M: Arthur Simon. Con: Anne Alvaro, Nathalie Baye, Michel Boujenah. Prod: Philippe Carcassonne, Richard Copans, Philippe Kauffmann, Guillaume Malandrin, Françoise Platteborse. CP: Les Films d'Ici.

En un centro de planificación familiar, mujeres de todas las edades y de diferentes sectores de la sociedad buscan orientación sobre los métodos anticonceptivos, la virginidad, el aborto y el tabú de la sexualidad. Cinco consejeras hablan con ellas para ayudarlas a decidir qué hacer con su cuerpo y su vida. Claire Simon confecciona una especie de falso documental, en el que reúne a actrices conocidas y amateurs para interpretar las conversaciones reales que recogió en varios centros de este tipo.

CUESTE LO QUE CUESTE

Coûte que coûte, Francia, 1995, 100 min.

D, G y F en C: Claire Simon. M: Arthur H. E: Catherine Quesemand. Prod: Richard Copans y Serge Lalou. CP: La Sept-Arte, Les Films d'Ici.

Una pequeña empresa de comida de Niza lucha por sobrevivir económicamente mientras es acompañada por la cámara de Claire Simon. Con su característico estilo observacional, la mirada de la directora se hace invisible para registrar la cotidianidad del gerente y su pequeño equipo. Entre la oficina y la cocina, Simon observa el manejo financiero, la planificación de las comidas, la entrega a los supermercados, etc., para construir la crónica del fracaso capitalista mediante una tragicomedia documental.

RECREOS

Récréations, Francia, 1993, 57 min.

D y F en C: Claire Simon. M: Pierre-Louis Garcia. E: Suzanne Koch. Prod: Richard Copans y Serge Lalou. CP: Les Films d'Ici, La Sept.

En el patio de una escuela francesa, los niños de preescolar salen corriendo al recreo. Su tiempo libre adquiere dimensiones épicas con dramas de violencia, amor, celos y traición que se desarrollan en cada rincón. En uno de sus primeros documentales, rodado en el colegio de su hija, Claire Simon capta pequeñas pero intensas escenas de competencia, amistad, crueldad, soledad y compasión, descubriendo los orígenes de la sociedad en el laboratorio miniatura que puede significar el patio de juegos infantil.

AMBULANTE 2026

EL CINE ES UN PAÍS: FOCO KAMAL ALJAFARI

DEL 6 AL 14 DE MARZO

“El mapa no es el territorio”, nos recuerda Alfred Korzybski. Entre los conceptos y las cosas siempre persiste una brecha. El cine tampoco nos ofrece nunca el territorio en sí, sino sólo su abstracción: imágenes que son huellas. ¿Pero cómo trazar el mapa de un territorio al que se niega política y físicamente la posibilidad de ser? La obra de Kamal Aljafari surge de esta paradoja. Partiendo de la idea del cine como una herramienta que, debido a su capacidad de intervenir y reapropiarse de las imágenes, sirve a la memoria, sus películas componen una historia de pérdida que evidencia el paso del tiempo a través de lo que permanece: recuerdos en cintas MiniDV, imágenes de vigilancia convertidas en diarios de violencia cotidiana, y retratos familiares que encuentran en los hábitos de la vida diaria una forma de capturar las ruinas de un tiempo y un espacio que se quieren erradicar. Con imágenes de su familia, de su antiguo barrio de casas sin techo o incluso de aquellos que quieren destruirlo, Aljafari compone, en su filmografía, el atlas de una vida cotidiana cada vez más imposible: la de Palestina. Y así, gracias al poder de las imágenes y de la forma cinematográfica, retrasa lo que parece inevitable, y transfigura la frágil memoria personal en una colección perpetua e inolvidable de retratos fílmicos, históricos y políticos.

Cineteca Nacional

CON HASAN EN GAZA

With Hasan in Gaza, Palestina-AlemaniaFrancia-Catar, 2025, 106 min.

D, G, E, F en C: Kamal Aljafari. M: Simon Fisher Turner, Attila Faravelli, Lucy Railton. Prod: Kamal Aljafari, Flavia Mazzarino.

Tres cintas MiniDV grabadas por el cineasta y descubiertas recientemente recogen la vida en Gaza durante 2001. Lo que comenzó como la búsqueda de un antiguo compañero de prisión, dio lugar a un inesperado viaje por carretera del norte al sur de Gaza. Imágenes de lugares y tiempos que ya no existen configuran este filme que utiliza metraje recuperado a través del tiempo para inscribirse a la urgente necesidad de mostrar las historias del pueblo palestino que sigue sobreviviendo al genocidio israelí.

UN VERANO INUSUAL

An Unusual Summer, Palestina, Alemania, 2020, 80 min.

D, G y Prod: Kamal Aljafari. F en C: Abdeljalil Aljafari. E: Kamal Aljafari, Saebom Kim.

En 2006, el padre de Kamal Aljafari puso una cámara de vigilancia en su casa con el fin de descubrir quién le rompía la ventana del coche una y otra vez. Tras su muerte, Aljafari recuperó ese metraje para confeccionar una película llena de comentarios ingeniosos y descubrimientos fortuitos, cuyo emplazamiento —un gueto palestino de la ciudad de Ramla— es un punto de conflicto territorial donde sobrevive la memoria del pueblo palestino, marcada por la precariedad de varias generaciones.

RECUERDO

Recollection, Palestina-Alemania-Líbano, 2015, 70 min.

D, G y Prod: Kamal Aljafari. E: Kamal Aljafari, Daniel Franke.

Más de 60 cintas de películas israelíes y estadounidenses, grabadas dentro de la ciudad de Jaffa, entre los años 60 y 90, son la base de esta historia. Tomando e interviniendo el material, Aljafari logra borrar a los actores de cada uno de los planos en los que existían, dejando un escenario vacío formado únicamente por la ciudad. El director hace posible lo imposible al filmar el pasado recopilando un álbum de recuerdos, en un incansable esfuerzo por «liberar la imagen de la ocupación cinematográfica».

PUERTO

DE MEMORIA

Port of Memory, Palestina-AlemaniaFrancia, 2009, 62 min.

D: Kamal Aljafari. F en C: Jacques Besse. E: Marie-Helena Mora. Prod: Levon Melikian.

El escenario es Jaffa, una antigua y próspera ciudad portuaria palestina, los protagonistas son ciudadanos que esperan su inminente expulsión por parte de las autoridades israelíes. Este íntimo retrato sobre los procesos de desplazamiento atraviesa la experiencia propia de la familia de Aljafari y configura un doloroso registro sobre un lugar que está siendo transformado por la fuerza, donde los rituales cotidianos intentan sobrevivir, mientras las casas se convierten en testimonios vivos de la memoria.

EL TECHO

The Roof, Palestina-Alemania, 2006, 61 min.

D, G, E y Prod: Kamal Aljafari. F en C: Diego Martínez Vignatti.

¿Se puede terminar de construir una casa a la que ya no se pertenece? Tras reunirse con su familia en Ramla, el director se pone en escena y navega por esta pregunta sin intención de responderla. En su lugar, comienza a llenar los agujeros de las paredes con el tejido de la vida cotidiana y la contemplación melancólica de las ruinas externas e internas, configurando un filme ensayístico que se yergue como testimonio emocional a partir de los vestigios que ha dejado a su paso la ocupación israelí.

AKI KAURISMÄKI

AKI KAURISMÄKI: UN CINE

PROFUNDAMENTE

AUTÉNTICO

Mauricio Matamoros

Folleto para las retrospectivas de Carl Dreyer y Aki Kaurismäki. Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México

El cine del finlandés Aki Kaurismäki se ha convertido en referente inequívoco tanto del cine nórdico como del quehacer fílmico contemporáneo. Como sucede con otros cineastas incisivos, ya sea en aspectos históricos o sociales (como Zhang Yimou y Arturo Ripstein), a Kaurismäki se le critica en ocasiones por abordar y reflejar situaciones marginales que, para muchos espectadores, no semejan la realidad, en este caso la finlandesa. Pero tengamos presente que aún hoy se desconoce lugar alguno donde sean bien vistos los ecosistemas poblados por inadaptados sociales.

Aki Olavi Kaurismäki nació en Orimattila, Finlandia, el 4 de abril de 1957, un par de años después de que apareciera en el mundo su hermano Mika, igualmente cineasta. Desde niño se alimentó con una dieta sensorial de hasta seis películas por día, y antes de ponerse tras una cámara de cine, trabajó como cartero, lavaplatos y crítico de cine.

En 1980, junto a Pauli Pentti, escribió el mediometraje El mentiroso (Valehtelija), que terminó por dirigir Mika, pues él era quien poseía los conocimientos académicos de cine. El filme, protagonizado por el propio Aki, presenta los paseos de Ville, un joven romántico y filósofo de la vida, su alter ego, que transitaría por varios de sus filmes futuros. Estrenado en 1981, este esfuerzo presentó un respiro en el cine finlandés, y ese mismo año los hermanos Kaurismäki continuaron su carrera —compartiendo ya la dirección— con el documental de

Aki Kaurismäki en El mentiroso, 1980

rock finlandés La gesta de Saimaa (Saimaa-ilmiö). Al año siguiente, Aki escribió el guion de otro filme dirigido por Mika: Los indignos (Arvottomat).

En su juventud, quedó marcado por la novela Crimen y castigo de Fiódor Dostoievski, y no dudó en llevarla al cine como su primer trabajo en solitario. En 1983 Crimen y castigo (Rikos ja rangaistus) fue un esfuerzo sobresaliente que hizo despegar su filmografía e, igualmente, implicó el inicio de una serie de adaptaciones y variaciones de clásicos que seguiría con Hamlet en los negocios (Hamlet liikemaailmassa, 1987) y La vida bohemia (Bohemiel ämää, 1992).

Los hermanos Kaurismäki se embarcaron entonces en la fundación de dos distribuidoras: Sputnik y Senso Films, así como en la puesta en marcha de dos salas de cine de arte en Helsinki; pero el sueño se terminó cuando las distribuidoras no pudieron mantenerse y los espectadores en las salas eran únicamente ellos dos. De ahí que el paso a la apertura de un bar no se hiciera esperar, y aún hoy día mantienen una exitosa cadena de restaurantes y bares. Igualmente, los hermanos se encuentran al frente de una cadena de cines.

Kaurismäki prefiere «impactar profundamente de por vida a un solo espectador que impactar simplemente por dos horas a un millón de espectadores», pues, si lograra únicamente lo segundo, asegura que su búsqueda habría fallado. A pesar de esta consideración, la

conjunción de drama y humor negro, de anécdotas profundamente realistas mezcladas con ironía y situaciones increíbles, hacen de sus filmes mensajes de los que pocos espectadores pueden sentirse excluidos. Así, no extraña que un aparente absurdo como Los Vaqueros de Leningrado van a América (1989) haya sido su primer gran éxito, muy a pesar de que el mismo cineasta la considere una película “mala”.

En casi tres déadas de carrera profesional, la obra de este cineasta ganador de reconocimientos en festivales como Cannes y Berlín puede valorarse a través de seis filmes divididos en dos trilogías: Sombras en el paraíso (Varjoja paratiisissa, 1986), Ariel (1988) y La muchacha de la fábrica de cerillos (Tulitikkutehtaan tyttö, 1989), que componen la llamada “Trilogía del proletariado”; y Nubes pasajeras (Kauas pilvet karkaavat, 1996), Un hombre sin pasado (Mies vailla mennesyyttä, 2002) y Luces al atardecer (Laitakaupungin valot, 2006), que completan la “Trilogía del perdedor”.

A través de ellas se percibe un artista en constante movimiento. Por ello su opinión puede ser crítica, violenta, incómoda, festiva, dolorosa y fantástica, pero sobre todo, profundamente auténtica y real.

*Mauricio Matamoros es periodista; escritor; editor y traductor de cómics. Además de haber trabajado en la Cineteca Nacional, fundó la revista Belcebú

AKI KAURISMÄKI: EL MUNDO DE TODOS LOS DÍAS

Rafael Guilhem

Ciudad de México, 20 de febrero de 2026

El mundo de Aki Kaurismäki es el mundo de todos los días. No hay una sola de sus películas en que un espacio no sea definido con esmero, en que un oficio no esté descrito al grado de que aprendamos sus mecanismos e interioricemos el ritmo de sus acciones y gestos. También hay en este universo rituales, rutinas, muletillas, fraseos reiterativos y personajes, si no arquetípicos, por lo menos delineados a partir de dos o tres de sus comportamientos. En principio, un hombre, lo mismo que una mujer, son lo que hacen. Pero es sólo la superficie. Algo hay, en suma, de documental al interior de las ficciones de Kaurismäki: se puede conocer Helsinki, capital de Finlandia, con ver su filmografía. También se puede descubrir Le Havre, la ciudad portuaria de Normandía, en Francia, y que hoy es un punto geográfico insoslayable al hablar de migración en la Europa del bienestar, la misma que funge como telón de fondo en cada obra del realizador finlandés. En definitiva, hay en estas películas mucha información sobre los lugares y las personas, abstraída de una observación minuciosa de la realidad. Ficción y documental son, en Kaurismäki, dos elementos dialécticos, que nunca excluyentes, entre sí.

El director finlandés no está solo en ello. Jacques Tati, por ejemplo, es otro caso de un cineasta en que cada acción del Sr. Hulot —su personaje insignia, interpretado por el propio Tati— se incribe en un entorno al tiempo que lo constituye. Contenido y continente se elaboraban mutuamente. Ya sea en un centro vacacional a la orilla del mar o en un pequeño pueblo francés que recorremos de la mano de un cartero en su bicicleta, son los elementos de puesta en escena, los gags, los que hacen avanzar el relato y no al revés. La densidad espacial es tal, que arroja la necesidad de que el arco dramático sea un punto de fuga hacia el cual dirigir la acción. La ecuación, por supuesto, tiende a complicarse. La gran lección de Kaurismäki, lo

Luces al atardecer, 2006

Ariel, 1988

mismo que de Tati, Robert Bresson, Jim Jarmusch, Yasujirō Ozu, y de tantos cineastas más, es que ante la composición de un orden mecánico, rígido e invariable, cualquier perturbación, por mínima que sea, será expresiva.

Lo que logra Kaurismäki, sin embargo, es manterer un ritmo uniforme aun en los momentos de tensión y sinuosidad. Todas las emociones, que son muchas y de una gama vastísima, están circunscriptas a una estructura geométrica. Incluso si son películas falsamente monótonas, siempre hay tiempo para contemplar el cielo, permitirse un plano vacío y libre, acaso un silencio que interrumpa la partitura continua. Lo que es muy claro son los principios compositivos de Kaurismäki. Él lucha contra la definición de composición entendida como búsqueda del equilibrio. Su labor compositiva se acerca más a la propuesta de João Cabral de Melo Neto: «La composición es un elemento oculto en el cuadro; sustenta la apariencia pero se extingue en ella». Como la superficie intacta de un lago, su cine parece impasible, pero su construcción interna —las profundidades del lago— está llena de gradaciones y desequilibrio. Allí se gesta lo que apenas araña la lisura a la vista de todos.

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El mundo de Aki Kaurismäki es el mundo de todos los días. Y sin embargo da la impresión de ser un mundo extraterrestre. Es como si viéramos cada ser y cada sitio por primera vez. Son pocos los cineastas que logran que recuperemos una mirada renovada sobre las cosas a las que estamos habituados. Pero tal vez, a lo que son ajenos estos personajes es a la costumbre del cine: a cómo se supone que debería verse y escucharse el cine. Como espectadores sus películas nos parecen atonales, reducidas a trazos mínimos,

con diálogos monosilábicos e historias sencillas. Los rostros son minerales, muy expresivos por eso mismo. Las miradas de los personajes siempre están perdidas, como si se cristalizara en ellas una hondura que les pertenece y a la que no tenemos acceso, pero que deja huellas en el mundo resuelto, mecánico: el mundo de todos los días. Y aunque parecen los primeros humanos sobre la tierra, son herederos de la soledad. «Este mundo ya no me inspira. Pero no hagas lo mismo que yo», dice un hombre en Ariel (1988) a su hijo minutos antes de suicidarse. Al tedio le sigue la esperanza, y, en definitiva, en Kaurismäki, la soledad y la solidaridad pertenecen al mismo campo semántico.

Sus películas casi siempre siguen pasos idénticos: un espacio, generalmente una fábrica o un centro de trabajo, en el que los trabajadores —hombres y mujeres desposeídos, proletarios— se desenvuelven al pie de la letra. Algún exabrupto —un despido, una muerte, el hartazgo— desestabiliza su hoja de ruta. A menudo se trata del sentimiento amoroso. Parecen no saber amar ni cómo comportarse con eso que arde en su interior, y de ahí se originan algunas situaciones amargas, otras dulces, siempre oscilando entre la dureza y la ternura.

Kaurismäki se encarga de cuidar ese sentimiento que surge como un bien precioso: de principio a fin, todo tratará de cómo ese sentimiento se va transformando, cómo los personajes, que tienen deberes del día a día, a veces alienantes, lidian con su fulgor y cómo éste les presenta algunas consecuencias. En Nubes pasajeras (1996), Ilona se sube al tranvía de su esposo Lauri, en el que trabaja como conductor, para irse a casa juntos por la noche. Es un momento brevísimo pero hermoso, donde un sitio de trabajo, que además tiene una función de transporte público, pasa a ser un tiempo de complicidad entre la pareja. Como éstas hay muchas escenas más en que los sentimientos descubren escisiones en la organización de la vida común.

El mundo de Aki Kaurismäki es el mundo de todos los días. Pero parece, a la vez, un plató de cine. Los colores primarios de las paredes: azules, rojos y amarillos, con el lustre de Johnny Guitar (Nicholas Ray, 1954); las inusuales apariciones de grupos musicales, todos anacrónicos (sin olvidar las películas dedicadas por entero a un grupo inventado por el propio director finlandés: Leningrad Cowboys); y la condensación de elementos que parecen salidos de westerns, películas de acción o musicales; todavía más allá: la forma en que el cine moderno halla su poso en Kaurismäki. ¿De dónde nace esta ficción desmedida, contenida sin embargo? Son las pautas por todos conocidas, refugios como la música y el alcohol donde los solitarios personajes encauzan el desencanto: “sombras en el paraíso”, por retomar uno de sus títulos, cada cual expresivo y preciso por igual. Sin esas luminarias que quedan siempre en fuera de campo, sin esas expectativas que no tienen derecho a entrar de manera visible en el cine de Kaurismäki, sus personajes correrían otra suerte. Pero no se dejan vencer por la asfixia. Siempre hay un resquicio de nobleza y luminosidad que se sobrepone. Nos queda exclamar: el cine es el mundo de todos los días.

*Rafael Guilhem es programador y responsable editorial de Ambulante, y uno de los editores de la revista impresa El Cine Probablemente.

Los Vaqueros de Leningrad van a América, 1989

ESTRENOS

DESTACADOS

REBELADAS

Son los años 80 en México. Un grupo de mujeres se sube a una combi para iniciar otro viaje. Llevan un poco de ropa, comida, equipo para filmar y la única convicción de llegar a Yalálag, una comunidad zapoteca ubicada en la sierra norte de Oaxaca, y hacerle frente a una improbabilidad de ese tiempo: filmar a un grupo de mujeres indígenas, la Unión de Mujeres Yalatecas, durante su proceso de organización política contra el cacicazgo que asola a su comunidad. Es 2019 y ante la cámara, Guadalupe Sánchez Sosa recuerda entre risas y anhelo aquella aventura: la combi avanzando entre trompicones por la sierra, la inmensidad de la naturaleza, la fuerza de esas mujeres yalaltecas que les permitieron a ella y a sus compañeras registrar su vida. De todo esto nació Yalaltecas (1984), un mediometraje que pudo existir gracias a la unión de voluntades de todas las mujeres que conformaban el Colectivo Cine Mujer, el primer colectivo de cine feminista en México.

Yalaltecas es sólo uno de los ejemplos que se revisan en Rebeladas (2025), un documental de Tabatta Salinas y Andrea Gautier. Rebeladas hace un recorrido vivo por la obra creada dentro del Colectivo Cine Mujer gracias a un trabajo minucioso que pone en primer plano las voces de esas mujeres que marcaron un antes y un después en el cine mexicano. Es en esa minuciosidad en donde es posible reconocer la importancia de la película dentro de su carácter histórico, pues hasta hace muy poco, el Colectivo Cine Mujer había

México-España, 2023, 82 min.

D y G: Andrea Gautier, Tabatta Salinas.

F en C: Carlos Prieto, Juan Gautier.

Prod: Julio Fernández Talamantes, Dafne Espinosa, Mintxo Díaz, Andrea Gautier. Dist: Colectivo Colmena.

«Rebeladas tiene una mirada optimista, sí: las mujeres se manifiestan, gritan, cantan, bailan, ocupan espacios, pero trabajos como este también recuperan la relevancia de la interpelación, por más amarga que sea: ¿qué estamos haciendo ahora?, ¿desde dónde nos observamos y observamos a la otra?».

permanecido en los márgenes de la historia del cine nacional. Todas las mujeres que Salinas y Gautier colocan frente a la cámara miran y recuerdan su labor en un momento en donde el rol de la mujer era simplificado con violencia y condescendencia dentro de la industria cinematográfica.

Rebeladas está conformada por dos bloques: el primero permite contextualizar al Colectivo en su justa dimensión y entretejer una emocionalidad con los espectadores: ante nosotros son ellas y la cámara, ellas y su ingenio, ellas y sus ideales. Todo esto complejizado por las dificultades de ser cineastas, militantes, madres, hermanas, hijas y compañeras.

Es en ese espejeo entre lo que filman y su propia realidad, que Rebeladas da paso al segundo bloque: una unión entre tiempos para que las películas del Colectivo dialoguen con el presente. En esta revisitación es posible darse cuenta de la poca o nula transformación que se ha logrado en materia de derechos humanos para la mujer: el acceso al aborto, la erradicación de la violencia sexual y la dignificación del trabajo sexual, por mencionar algunos. El tiempo pasa y al mismo tiempo, no.

En ese tiempo suspendido es interesante observar el ejercicio del cuestionamiento al que las integrantes del Colectivo recurrían antes de filmar: largos procesos de investigación documental, reuniones para recrear puestas en escena teatrales: «¿cómo es un violador?», se preguntaban; días de lectura colectiva, de discusión, de acuerdos y desacuerdos. Era un mundo que estaba ante ellas y que era imposible ignorar.

Rebeladas tiene una mirada optimista, sí: las mujeres se manifiestan, gritan, cantan, bailan, ocupan espacios, pero trabajos como este también recuperan la relevancia de la interpelación, por más amarga que sea: ¿qué estamos haciendo ahora?, ¿desde dónde nos observamos y observamos a la otra?, ¿cómo dialogan en nuestro presente el cine y los feminismos? Al igual que pasó con ese grupo de mujeres, es posible que la respuesta no esté clara, pero al menos ya hay una pregunta lanzada.

Ciudad de México, 18 de febrero de 2026

UNA QUINTA PORTUGUESA

Existe en los mapas una cualidad estética que nos permite ordenar el mundo. Gracias a ese orden, invariable y certero con el que nombramos el espacio que vemos, nos volvemos también capaces de habitarlo. Ésta es, quizá, una de las principales razones por las cuales nuestro protagonista pretende conocer su mundo a través de la lectura de los mapas. Las certezas trazadas en papel le posibilitan ubicarse a sí mismo dentro de la vida que se ha intentado construir bajo la misma lógica de orden: su trabajo como docente, su rol como esposo, su visita diaria a su cafetería favorita. Fernando es un hombre de rutinas y reglas. Ante ello, el desbalance se anuncia como un peligro mortal, uno que amenaza con quemar todo registro de la vida que él había sostenido durante años. Ese desbalance comienza —y ya no termina— cuando su esposa decide irse sin previo aviso y en el abandono del espacio construido para ambos deja un enorme agujero negro. Como geógrafo, Fernando no es capaz de entender el comportamiento de este fenómeno que responde más a la astronomía que al estudio físico del terreno que configura su desenvolvimiento profesional y personal. Un agujero negro se manifiesta como un vacío voraz, uno que consume todo a su paso. Un agujero negro no puede cartografiarse.

El desconocimiento de su entorno, que comienza a consumirse de a poco, deja una pregunta en el aire: ¿Cómo se habita un espacio desconocido? La respuesta de Fernando

Portugal-España, 2025, 114 min.

D y G: Avelina Prat.

F en C: Santiago Racaj.

Con: Manolo Solo, María de Medeiros, Branka Katic, Rita Cabaco.

CP: Distinto Films, Jaibo Films, O Som e a Fúria.

Dist: Alfhaville Cinema.

¿Estamos soñando o sólo hemos sido capturados por una casa llena de magia en la que parece que el tiempo y el espacio funcionan bajo lógicas distintas? [...] la cineasta elige la posibilidad de vivir en el sueño donde pasado, presente y futuro se desdibujan en el vacío, pero este vacío es diferente, éste no lo consume todo.

será, como sólo podía ser, radical. Su búsqueda por sobrevivir al vacío será, como sólo podía ser, un cataclismo que reestructurará por completo los espacios que él creía haber conocido, comenzando por su nombre. Porque el nombre también es espacio. El abandono del nombre trae consigo una transformación más profunda. Todo exilio tiene consecuencias. Fernando, abandona el territorio herido y llega a un nuevo espacio, a un nuevo capítulo en esta historia que se construye y reconstruye a partir del cambio. Fernando se vuelve Manuel. Esta decisión casi poética le ayuda a abandonar su pasado de certezas dibujadas y abrazar la incertidumbre propia del lenguaje de las plantas. Plantas que crecen en los bordes, en los límites, que invaden y reconstruyen el paisaje sitiado, plantas que, también, pueden elegir sólo no florecer pese a los planes humanos. En la quinta de Amalia, Manuel se transforma en jardinero y Fernando en fantasma. En la quinta de Amalia, las certezas son sustituidas por historias que podrían ser o no reales y que juegan con el imaginario para tejer mundos distintos que le permiten a Manuel encontrar un refugio dentro de los espacios oscuros, bajo los cuales se esconde para observar con calma la forma en la que el pasado pierde peso, densidad e importancia y termina por convertirse en la historia difusa de alguien más.

Todos estos elementos hacen que Una quinta portuguesa se vuelva un ir y venir de sensaciones y paisajes que en su condición de naturaleza imperturbable imprimen a la historia de un halo de onirismo. ¿Estamos soñando o sólo hemos sido capturados por una casa llena de magia en la que parece que el tiempo y el espacio funcionan bajo lógicas distintas? Al final, la directora Avelina Prat elige la posibilidad de vivir en el sueño donde pasado, presente y futuro se desdibujan en el vacío, pero este vacío es diferente, éste no lo consume todo. Por ello, cuando Manuel vuelve a la vida de Fernando, logra constatar que la añoranza de las certezas pasadas ya no configura su realidad y que, frente a él, se yergue la oportunidad de replantar sus sueños en terrenos más fértiles.

Bianca Ashanti Cineteca Nacional Ciudad de México, 31 de enero de 2026

LLAMARSE OLIMPIA

2025 · 75 min. · Color

México

D: Indira Cato.

G: Indira Cato y Jazmín Cato Sosa.

F en C: Laura Miranda.

Con: Olimpia Coral Melo, Marcela Hernández

Oropa, Prania Esponda.

CP: Chumbera

Producciones, EFICINE.

No es fácil llamarse Olimpia. Además de su connotación mitológica, que sea también el nombre de una ley que les ha dado esperanza a miles de mujeres ha traído consigo un protagonismo, un compromiso y una responsabilidad inimaginables para Olimpia Coral Melo. Y es que, sin realmente buscarlo, ella se ha convertido en la punta de lanza de un movimiento feminista que ha conseguido cambiar la legislación en favor de las víctimas de violencia digital en México. El 29 de abril de 2021, ella y una colectiva de mujeres comprometidas, consiguieron que se aprobara la Ley Olimpia a nivel federal en la Cámara de Diputados. Gracias a estas reformas al Código Penal, ahora la difusión, distribución, comercialización y publicación de contenido íntimo en medios digitales sin consentimiento es un delito en todo el país.

El camino de Olimpia ha estado lleno de tristeza, miedo y culpa, pero también de empatía, sororidad y optimismo. Su lucha es registrada por la cineasta Indira Cato en un documental que, acompañándola en su día a día entre conferencias, protestas y llamadas, nos permite conocer la historia de una mujer que supo encontrar la resiliencia en un oscuro vacío cibernético y legal. Una historia de reivindicación que comienza con la vergüenza provocada por un video viral en Huachinango, Puebla, y que terminó por encender un poderoso fuego morado en los congresos de Nayarit, Tabasco, Quintana Roo, Hidalgo, etc., hasta abarcar toda la república y más allá.

Israel Ruiz

Arreola, Wachito

Cineteca Nacional Ciudad de México, 23 de febrero de 2026

Hoy, llamarse Olimpia es sinónimo de empoderamiento y dignidad. Es un nombre que sigue abriendo debates en torno a la violencia de género, la legislación en internet, la educación sexual y la estructura patriarcal. Las diosas deben estar orgullosas, porque Olimpia no ha claudicado en su lucha feminista y cada vez tiene más fuerza.

DUSSEL: LA FILOSOFÍA ES UN DON PARA UN MUNDO SIN SENTIDO

2025 · 109 min. · Color Argentina-México

D y G: Cecilia Fiel.

F en C: Agustín Elgorriaga.

M: José Navarro, Lluvia de Palos.

CP: INCAA.

Ignacio Martínez

Cineteca Nacional Ciudad de México, 24 de febrero de 2026

La filosofía es la disciplina teórica más antigua del mundo, nacida para intentar comprender la realidad y sus más grandes misterios, utilizada para encontrar un sentido a la naturaleza humana. Enrique Dussel, un hombre de disciplina inquebrantable, para quien cada momento de ocio es una oportunidad más para discernir acerca de la vida, la belleza y la liberación, busca esas respuestas con una constancia admirable.

Entre libros marcados por la violencia de bombas y pasillos llenos de conocimiento, Dussel formula una nueva teoría de la estética, anclada a los verdaderos problemas de la realidad latinoamericana. La oposición al eurocentrismo nutre sus fundamentos; según él, es imprescindible alejarse de los sistemas establecidos, dar voz al disidente y reconocer su papel como víctima dentro de estructuras históricas de dominación que han moldeado la filosofía tradicional.

Lo que Dussel plantea desde la teoría, la cámara lo reafirma desde la imagen, sin mayor pretensión. Se utilizan planos sencillos para ilustrar el día a día del filósofo: en ocasiones de forma estática, mientras lee o habla hacia la cámara; en otras, siguiendo sus movimientos por pasillos, aulas y espacios cotidianos. Esto, más allá de empatar con la simpleza de un hombre que vive sin mayor lujo que el de una comida sencilla en una cafetería escolar, genera una sensación de intimidad, de estar inmerso en la conversación y ser incluido en sus momentos de reflexión.

Este metraje es testigo de la vida de un hombre que, tras exiliarse de su país de origen, Argentina, hizo de México su hogar, donde fundó una corriente filosófica latinoamericana crítica del eurocentrismo. El documental logra que su voz trascienda el tiempo, dejando abierta una conversación que continuará mientras persista la búsqueda de justicia, libertad y belleza.

VIOLENTAS MARIPOSAS

2024 · 101 min. · Color

México

D y G: Adolfo Dávila.

F en C: Federico Barbosa.

Con: Diana Laura Di, Alejandro Porter, Norma Pablo, Rodolfo Guerrero, Gabriela Mercado, Lilia Mendoza.

CP: Neural, Mandarina Cine, Cluster. Dist: Benuca Films.

Asesinatos, privación de la libertad de expresión, violación, brutalidad policíaca, abuso de autoridad, corrupción, impunidad: toda esta amalgama de podredumbre que carcome a la sociedad actual queda expuesta en Violentas mariposas, ópera prima del director mexicano Adolfo Dávila.

Eva y Víktor son dos jóvenes rebeldes y contestatarios que se conocen en un túnel de la Ciudad de México. Eva tiene 21 años y estudia derecho, pues cree en el sistema y en la impartición de justicia; por otro lado Víktor, de 19 años, es estudiante de filosofía, tiene ideales anarquistas y una confianza nula en el sistema.

Estos dos personajes que parecen tan diferentes construyen una historia donde poco a poco irán contagiándose de la ideología del otro, lo cual los lleva a experimentar situaciones atroces que los encaminan a un caótico final.

Dentro de un ambiente de punk, toquines, graffiti y manifestaciones siempre está presente el arte y la música. A través de Eva, que es la voz de su banda de punk, y de Víktor, que siente una conexión con las palabras y el graffiti, se va desdoblando la esencia de cada uno de ellos.

Tanto las letras de las canciones como las pintas en las paredes están cargadas de significado. Estos elementos más la música, la fotografía y las luces crean una armonía caótica y psicodélica, retratando una puesta en escena que significa desde todas sus partes.

Fernanda Espinosa Gutiérrez

Cineteca Nacional Ciudad de México, 19 de febrero de 2026

Adolfo Dávila plasma a un par de universitarios inconformes que no se van a callar y le harán frente a las situaciones que les tocó vivir, tomando la difícil decisión de hacer justicia por su propia mano. El director crea un retrato muy realista y político donde se combinan la ficción, la realidad, la música y el arte, volviéndose un grito desesperado de la juventud que exige justicia.

FLAMINGOS

2024 · 81 min. · Color

México

D: Lorenzo Hagerman.

G: Lorenzo Hagerman, Ajo Martín.

F en C: Yûta Tsukinaga.

Con: Gerrit Vyn, Eric Liner, Tim Laman, Lorenzo Hagerman.

CP: Cactus Docs.

Dist: Pimienta Films.

Louise Gluck escribió en su poema Nostos: «Miramos el mundo una vez, en la infancia. El resto es memoria». Y es a partir de esta contundente frase que Hagerman se relaciona con sus imágenes, imágenes retratadas durante más de 700 días, donde se muestra el ir y venir de una de las especies más exóticas del país: los flamencos. Pero ¿cómo es que el documental logra hilar un poema tan profundamente humano con la experiencia de vida de una especie animal? La respuesta conjunta una complejidad narrativa que explicita el dominio del cineasta en los procesos de montaje, puesto que aquí, la imagen se resignifica una y otra vez a partir de los elementos externos que la acompañan: una narración en voice-over a cargo de Julieta Venegas y un diseño sonoro profundamente bucólico que nos sumerge en la construcción espacial de esta maravillosa historia.

La trama que Hagerman plantea es simple, la búsqueda es mostrar la forma en la que los flamencos siguen el proceso de reproducción para preservar la especie. Un proceso que cada año se vuelve más complejo debido a la crisis medioambiental marcada por la huella humana. Pero la sensibilidad onírica del filme preserva su control sobre la historia sin obviar la crítica al antropocentrismo, porque en Flamingos somos los espectadores los que nos volvemos parte del ecosistema; testigos mudos de la magia que supone la precisión de la naturaleza mientras nos enseña los secretos de estas aves que se resguardan y protegen a partir de la colectividad.

Bianca Ashanti

Cineteca Nacional

20 de febrero del 2026, Ciudad de México

«Vivir es una religión pagana y poderosa, sobrevivir es una ciencia exacta, minuciosa y agotadora», narra Venegas mientras de fondo observamos los coloridos paisajes rosados que se configuran a partir de la majestuosidad de estos ejemplares que dibujan con sus plumas un mapa de supervivencia, donde su entorno se vuelve refugio y testigo del incierto porvenir.

DEDO DE NOVIA

México, 2024, 64 min.

D, G, F en C, M y E: Giselle Elías Karam. CP: Cárcava Cine, Lafamosa. Prod: Giselle Elías Karam, Fernanda de la Peza, Daniela Maung. Dist: Piano.

En este documental se retrata la intimidad de una pareja libanesa/mexicana a través de la mirada de Giselle, su hija menor. La película muestra la cotidianidad del matrimonio de sus padres después de 48 años juntos; los conflictos, los momentos tristes y felices, pero sobre todo los marcados roles de género. Dedo de novia es un documental que invita a reflexionar sobre las estructuras cimentadas de una sociedad cerrada en sus tradiciones y también explora la búsqueda de la identidad fuera de estas reglas.

LA GRAZIA

La grazia, Italia, 2025, 133 min.

D y G: Paolo Sorrentino. F en C: Daria D’Antonio. Con: Toni Servillo, Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello. CP: El apartamento, Numero 10, PiperFilm. Dist: MUBI.

Mariano de Santis es el presidente ficticio de la república italiana, abogado de profesión, hombre religioso y profundamente humanista. El fin de su mandato se acerca, pero hay decisiones de gran importancia que lo sumen en la duda y hacen que reevalúe su sentido de responsabilidad. Entre dilemas morales y emociones que van más allá de lo político, este filme de Paolo Sorrentino explora las líneas difusas de la ética y el deber en un contexto donde la resolución de un hombre afecta la vida de una nación.

GERRY ADAMS: UN HOMBRE DE BALLYMURPHY. SESENTA AÑOS DE ACTIVISMO

Gerry Adams: A Ballymurphy Man, México, 2025, 117 min.

D y G: Trisha Ziff. F en C y B/N: Seamus McGarvey y Jerónimo Goded. Prod: Ross McDonnell, Trisha Ziff. CP: 212 Berlin, UNAM. Dist: Artegios.

Este documental, narrado en primera persona, sigue a Gerry Adams, veterano y activista político norirlandés, quien fue encarcelado y herido de bala por llevar del conflicto a la paz a Irlanda del Norte durante el evento conocido como Na Trioblóidi en la segunda mitad del siglo XX. A través de una selección de fotos de época que incluyen archivos familiares, obra fotoperiodística y otros registros, esta película representa la primera ocasión en la que Adams accede a participar en un largometraje sobre su vida.

LOS LAZOS QUE NOS UNEN

L'attachement, Francia-Bélgica, 2024, 106 min.

DOS FISCALES

Zwei Staatsanwälte, Francia-AlemaniaPaíses Bajos-Letonia-Rumania-Lituania, 2025, 118 min.

D: Carine Tardieu. G: Raphaële Moussafir, Agnès Feuvre, Carine Tardieu. F en C: Elin Kirschfink, Yann Maritaud. Con: Valeria Bruni Tedeschi, Pio Marmaï, Vimala Pons. CP: Karé Productions, France 2 Cinéma. Dist: Nueva Era Films.

Sandra, una mujer independiente a la que le apasiona su trabajo, se ve envuelta en la vida de su pequeño vecino Elliot, un niño de 6 años que vive con su hermana recién nacida y su padre viudo. Debido a diversos imprevistos, las vidas de los personajes comenzarán a unirse, creando un vínculo fuera de lo común, pero muy fuerte. Este filme explora los lazos familiares, su construcción y una idea de familia que está abierta a diferentes matices. Basada en la novela L'intimité de Alice Ferney.

D y G: Sergei Loznitsa, con base en un relato de Georgy Demidov. F en C: Oleg Mutu. Con: Alexander Filippenko, Alexander Kuznetsov, Anatoly Beliy. CP: SBS Productions - Saïd Ben Saïd. Dist: Mirada México.

En la Unión Soviética de 1937, las cartas de los prisioneros políticos son quemadas en una celda. Contra todo pronóstico, una llega a su destino: el escritorio del fiscal local Alexander Kornev, un bolchevique novato pero íntegro que hace todo lo posible por reunirse con el prisionero, víctima de agentes corruptos. Su búsqueda de justicia lo llevará hasta el Fiscal General en Moscú. En su más reciente filme, Sergei Loznitsa regresa al cine de ficción con esta adaptación de un relato de Georgy Demidov.

HOPPERS

Estados Unidos, 2026, 105 min.

D: Daniel Chong. G: Jesse Andrews, Daniel Chong. Animación: Jeremy Lasky, Ian Megibben. Voces originales de: Piper Curda, Bobby Moynihan, Jon Hamm, Meryl Streep, Dave Franco CP: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios. Dist: Disney.

Mabel, una amante de los animales, encuentra una tecnología revolucionaria que permite transferir la conciencia humana a animales robóticos. Al experimentar con esta innovación de manera impulsiva, la joven se convierte en un castor robot. Infiltrándose en el mundo animal y descubriendo misterios que jamás hubiera imaginado, Mabel forma una inesperada amistad con Rey George, un castor real. Juntos, luchan contra los planes de un promotor inmobiliario que amenaza con destruir su hábitat.

A PIE DE PÁGINA

COLECCIONES

DEL CENTRO DE DOCUMENTACIÓN DE LA CINETECA NACIONAL

Detalle de la fotografía en el guion publicado Aquellos años. Jorge Martínez de Hoyos (Benito Juárez) y Ernesto Gómez Cruz (Guillermo Prieto), 1972.

LOS GUIONES DESCONOCIDOS SOBRE BENITO JUÁREZ

Y. Gabriela Márquez Ugalde

Fotografía: Aylin Ravelo

La colección de guiones del Centro de Documentación de la Cineteca Nacional es una veta poco explorada. El guion es parte de un proceso creativo, es la base para la producción de una película, o como menciona JeanClaude Carriére, guionista y director francés, «el guion no es simple redacción literaria […] es un fragmento de literatura que hay que transformar enseguida en un momento de cine. Un guion es ya la película» (Carriere, 1991). Es un objeto efímero que suele desecharse, pero su conservación abre las posibilidades de visibilizar las ideas, las historias, la imaginación de los escritores cinematográficos, percibirlo también como un documento histórico que forma parte de la historia cinematográfica. Desde una perspectiva histórica y tomando la figura de Benito Juárez con motivo de los 220 años de su natalicio, descubrimos que la colección cuenta con siete guiones en torno a él, que retoman desde la Guerra de Reforma (1857-1861) hasta la intervención francesa y el Segundo Imperio (1861-1867), así como el periodo de la soberanía. Los guiones son un conjunto desconocido en torno a su figura, ya que sólo uno llegó a filmarse. En los años 70, en el periodo echeverrista, el Congreso de la Unión declaró por decreto que 1972 sería el “Año de Juárez” y se integraría la “Comisión Nacional para la Conmemoración del Centenario del Fallecimiento de don Benito Juárez”. Se montaron obras de teatro, se publicaron libros, se realizaron actos públicos, esculturas, monedas y estampillas conmemorativas; y todavía más calles, colonias y parques tomaron su nombre en todo el país. Además, se produjeron telenovelas y por supuesto, el séptimo arte no podía quedarse atrás.

Guiones editados por la Comisión para la Conmemoración del Centenario del Fallecimiento de don

Benito Juárez, 1972.

La Comisión para la Conmemoración publicó dos guiones de largometraje en un formato de folleto alargado, ambas publicaciones estuvieron a cargo de Carlos Payán en la edición y Ramón Puyol en el diseño. El tiraje fue de 15,000 ejemplares cada uno.

El primero es Juárez, el inmenso porque es inmenso, escrito por Miguel Ángel Asturias, Premio Nobel de Literatura en 1967. Amos Segala, editor italiano dedicado a publicar ediciones críticas de obras de la literatura contemporánea, aparece como colaborador. En la introducción se menciona que este guion «capta con extraordinaria fidelidad histórica la lección eterna de Juárez. Su modestia, su austeridad increíble, su intransigente apego al mandato de la ley, contrasta con la trivialidad, la fatuidad y la sinrazón de los imperialistas y sus aliados internos».

En efecto, se trata de un guion novelado, comienza con un Juárez en sus últimas horas, el pecho quemándolo; un Juárez de levita, un Juárez con sombrero y bastón, siempre de pie, como dice uno de sus diálogos: «Esperaré de pie… De pie. Yo siempre esperé de pie».

En una nota del boletín de la Asociación Nacional de Actores - ANDA, La voz del actor, publicado en 1969, Carlos de Saravia, delegado de la asociación en Madrid, escribe que unos productores italianos le pidieron a Asturias un guion sobre «la ingente figura del “Benemérito de la Américas”, Don Benito Juárez»1, por lo que se puede deducir que el autor guatemalteco escribió el guion por encargo. ¿Cómo llegó a manos de la Comisión para su publicación? Por el momento seguirá siendo un misterio.

1 De Saravia. “La vida de Benito Juárez al cine”. La voz del actor, año XIII, sábado, 12 de abril de noviembre de 1969, pág. 35.

La segunda publicación es una versión del guion de largometraje Aquellos años, de 1972, escrito por José Iturriaga, Carlos Fuentes y Felipe Cazals. Contiene imágenes del rodaje con algunas diferencias en diálogos y escenas no mostradas en la película; se publicó antes de finalizar la postproducción del filme, utilizando el registro fotográfico de la filmación que terminó en septiembre de ese año. Se podría considerar el último tratamiento de este guion. En la introducción se justifica la idea de fusionar algunos personajes para representar en uno solo a la Iglesia, el pueblo, la traición, etcétera. Al tener recursos del Estado a través del Banco Cinematográfico, se tenía el objetivo de que Aquellos años «estuviera destinada a gustar y a ser entendida por nacionales y extranjeros, de todas las clases sociales y edades. [...] [pues] el hondo sentido aleccionador […] posee una sorprendente modernidad, una notable vigencia con estos años en que la presión imperial [de Estados Unidos] amenaza a los países débiles del Tercer Mundo. México está entre ellos y se dispone a recoger la herencia viva, no exánime, del indio Juárez».1

Es un guion novelado, lleno de frases célebres. Los autores, Iturriaga y Fuentes, dialogan a través de los personajes con su presente antimperialista, la soberanía y el patriotismo echeverrista, representado en esta película. Y terminaron por describir y representar un Juárez monotemático, hierático, totémico, como lo describe el director. El Centro de Documentación cuenta con un tratamiento anterior del guion que fue publicado por la Comisión.

Las notas periodísticas de la época mencionan que el guion le había encantado a Hiram García Borja, entonces Director de Cinematografía2, algo que sorprende, pues según el dictamen que se realizó a Aquellos años meses después por parte de la mencionada dirección, se pidió suprimir algunas escenas. La película se estrenó en la ciudad de Oaxaca en diciembre de 1972 y en el D.F. en febrero de 1973. Como cereza del pastel se envió en junio de 1973 al Festival de Moscú, donde obtuvo un “Premio Especial al Mejor Filme Antimperialista”.

El proyecto de Cazals no fue el único. Según comentó en una entrevista con Leonardo García Tsao, existía un guion escrito por José Revueltas para un proyecto del director Sergio Olhovich donde «al final, salía Madero manejando un tractor». (García Tsao, 1994). Sin el guion de Revueltas, sólo quedará en anécdota.

arriba. Guiones de Aquellos años, José Iturriaga y Carlos Fuentes, 1972. abajo. Imagen contenida en el guion publicado de Aquellos años por la Comisión para la Conmemoración […], 1972.

1 Prólogo de Aquellos años, 1972. op.cit

2 “¿Dos filmes sobre Juárez?”, Esto. sección, página 19. 26 de mayo de 1972.

Otro guion que se encuentra en el Centro de Documentación es el escrito por Jorge Carrión, Eduardo Luján y Sergio Olhovich, titulado Juárez. Este espacio resguarda el original, que contiene lista de personajes y extras por orden de aparición, y lista de locaciones, al parecer como parte de la preproducción del proyecto. El guion describe a Juárez con un rostro tranquilo y apacible, más familiar; aborda la muerte de su hijo, recoge la discusión legal, política, moral y ética sobre el fusilamiento de Maximiliano, y el plan de escape ideado por la princesa Inés de Salm-Salm. A diferencia del antiimperialismo mostrado en el guion de José Iturriaga y Carlos Fuentes, aquí es el personaje de Melchor Ocampo quien tiene un discurso sobre el socialismo.

arriba. Listas de locaciones, extras y personajes del guion Juárez de Jorge Carrión, Eduardo Luján y Sergio Olhovich, 1972.

abajo. Portada interna, Juárez de Jorge Carrión, Eduardo Luján y Sergio Olhovich, 1972.

Cubiertas de Juárez, el Inmortal y El constructor de la república de Sonia Furio y Luis Vega.

En un tenor muy distinto, la actriz hispanomexicana Sonia Furió y el guionista Luis Vega escribieron dos guiones, Juárez, el inmortal y El constructor de la república, también sin producir. El primero describe al Benemérito de naturaleza “estática”. Es «feo pero bueno», decía un diálogo de Margarita Maza de Juárez. Se trata de una especie de documental formal e institucional. El segundo narra la vida del presidente; su niñez remarcada por el mito del indio con guaje y flauta que arrea ovejas. Presenta un Juárez que sufre, marginado, humillado, subrayando una aparente “inferioridad” de la que logra salir avante por “mérito propio” y sin doblegarse. Ninguno de los documentos tiene fecha, pero es probable que se hayan puesto a consideración para los festejos del “Año de Juárez”.

Dejando de lado los festejos, Julio Bracho trabajaba en 1966 en un proyecto llamado La patria recobrada, del que contamos con dos tratamientos: el primero La patria recobrada. Trono de sombras, y el segundo, Juárez, la patria recobrada. Ambos narran las vicisitudes del llamado II Imperio Mexicano, donde se percibe a un Juárez más familiar, con un final diferente en cada uno de los tratamientos. Tuvieron como asesores históricos al licenciado Antonio Arriaga, director del Museo Nacional de Historia, y a Manuel Arellano, de Investigaciones Históricas y Archivo del Museo. Julio Bracho escribió la historia y menciona como colaboradores a José Revueltas, Wilberto Cantón, Agustín Lazo y Jorge A. Villaseñor.

Como anécdota, Iturriaga y Fuentes querían llamar “Patria recobrada”1 a su proyecto de 1972, pero ya estaba registrado a nombre de Bracho y fue Rodolfo Echeverría2 quien propuso el nombre de Aquellos años.

1 “Aquellos años. Reparto, locaciones, ropa, todo listo”, Esto. Sección B, página 15. 10 de junio de 1977. 2 Iturriaga…, op. Cit. Página 7.

Fragmento del guion de largometraje Empire de Richard Sale.

Finalmente, está el guion de largometraje no filmado Empire – The Story of Juarez and Maximilian, del guionista estadounidense Richard Sale, en idioma inglés y que se entregó a la Dirección de Cinematografía para supervisión. El guion fue presentado por el director mexicano Lance Hool y el productor Pancho Kohner, también estadounidense, bajo la compañía Capricorn Productions. El proyecto no presenta fecha. La historia comienza con Lincoln enviando una carta a Benito Juárez para reiterar el apoyo de los estadounidenses al país, una escena similar a la de la película protagonizada por Paul Muni Juárez (William Dieterle, 1939). Se describe al presidente como «un hombre grande; un indio zapoteca que de alguna forma ha venido de Oaxaca, con educación completa y un título de abogado. Y que por años ha sido seleccionado por los gobernadores de todos los estados para liderar el país. Es de piel oscura, ojos negros, generalmente impasible, [...] ligero como mantequilla y duro como el acero1. […] Es un indígena no yaqui, zapoteco, no es grande; cabello negro, ojos oscuros como diamante y siempre viste corbata negra». Representa al pueblo mexicano a través de unos bandidos, y a Juárez en una permanente huida del imperio. Margarita de Maza es representada como su pilar emocional, su fortaleza moral y el sacrificio femenino ante el exilio.

En las escenas 120 y 121 se describe a Maximiliano a mitad de “el zócalo” frente a la catedral, a punto de ser coronado por la Iglesia católica mientras un rayo de sol lo ilumina, en ese momento una mujer extasiada grita «¡vino del este, es… Quetzalcóatl!». Francamente, se entiende por qué no le gustó a la Dirección de Cinematografía.

Todos los guiones arriba mencionados se pueden analizar desde diferentes perspectivas: literaria, creativa, histórica, política, militar, social o filológica. El presente texto es apenas una invitación a explorar esta colección.

1 Traducción libre de Axcana Urquieta, página 3.

Nota: Toda la bibliografía y documentación se pueden encontrar en el Centro de Documentación de la Cineteca Nacional Xoco.

Expediente de películas:

A-00383 Aquellos años

Colección de guiones:

G-00393 Empire – The Story of Juarez and Maximilian

G-01077 Aquellos años, José Iturriaga y Carlos Fuentes

G -1383/A La patria recobrada (Juárez), Julio Bracho

G-1383/B La patria recobrada (Trono de sombras), Julio Bracho

G- 02689 Juárez, el inmortal, Sonia Furió y Luis Vega

G-02578 El constructor de la república, Sonia Furió y Luis Vega

G-04503 Juárez, Sergio Olhovich

Asturias, Miguel Ángel. Juárez. El inmenso, porque es inmenso Palabras (imágenes, sonidos: cinematográficos /1972). Comisión Nacional para la Conmemoración del Centenario del Fallecimiento de don Benito Juárez. Colaboración de Amos Segala, París, 1972.

Iturriaga, José; Carlos Fuentes, Felipe Cazals. Aquellos años (Juárez). Comisión Nacional para la Conmemoración del Centenario del Fallecimiento de don Benito Juárez, 1972.

Referencias: :

Carrière, Jean-Claude. Práctica del guion cinematográfico. Barcelona, Paidós, 2004.

De Saravia. “La vida de Benito Juárez al cine”. La voz del actor. Año XIII. Sábado, 12 de abril de 1969.

García Tsao, Leonardo. Felipe Cazals habla de su cine. Testimonios del cine mexicano, 3. Universidad de Guadalajara, 1994.

Y. Gabriela Márquez Ugalde, Ciudad de México. Es productora e investigadora del cine mexicano. Es parte del equipo del Centro de Documentación de la Cineteca Nacional.

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