Travelers Guide to Mexico (Art + Style)

TRAVELERS GUIDE TO MEXICO

100 AÑOS definiendo el LUJO

Masaryk 438. Tel: 52 (55) 9138 0500, 9138 2770 | Antara Polanco. Tel: 52 (55) 5280 7959

Paseo Interlomas. Tel: 52 (55) 5290 7543 | Vía Santa Fe. Tel: 52 (55) 2167 8035 Mitikah. Tel: 52 (55) 5542 9593

LAS MAÑANITAS,

HOTEL GARDEN RESTAURANT & SPA

70 años como ícono de la hospitalidad en México

LaCiudaddelaEternaPrimavera,vionacerunlugardeincomparable belleza: Las Mañanitas, Hotel Garden Restaurant & Spa.

Fundado el 19 de noviembre de 1955, este emblemático espacio celebra70añosdehistoriacomoreferentehoteleroyrestauranteroen México, manteniendo viva una tradición de excelencia que ha trascendido generaciones. Actualmente es dirigido por el Sr. Francisco Bernot y la Sra. Rebeca Krause de Bernot.

Con 24 suites en estilo colonial mexicano, el hotel resalta por la belleza de sus jardines y aves exóticas, creando un ambiente de tranquilidad, comodidad y lujo que se transmite en cada rincón de este paraíso único.

Se puede disfrutar de una extensa colección de obras de arte que incluye trabajos de artistas como Jorge Marín, José Luis Cuevas, Vicente Gandía, Carlos Mérida, Gunther Gerzo, Leonardo Nierman, José Iturbe y Francisco Zúñiga, uno de los artistas mexicanos más reconocidos a nivel internacional.

La emblemática cocina de Las Mañanitas, reconocida internacionalmente, se ha consolidado como un verdadero referente de la gastronomía mexicana, donde la riqueza de la tradición culinaria del país se interpreta con sensibilidad contemporánea y un profundo respeto por los ingredientes y las técnicas que definen la identidad gastronómica de México.

En 2009, Las Mañanitas amplió su propuesta de bienestar al establecer una alianza con la prestigiosa marca francesa Orlane Paris, convirtiéndose en el único Spa Orlane en Latinoamérica. Este exclusivo espacio ofrece tratamientos de alta gama diseñados para revitalizar cuerpo y mente, en perfecta armonía con la serenidad, lujo y belleza natural que caracterizan al hotel.

Ig @hotellasmananitas

Fb/Hotel Las Mañanitas lasmananitas.com.mx

LAS MAÑANITAS, HOTEL GARDEN RESTAURANT & SPA

70 years as an icon of hospitality in Mexico

The City of Eternal Spring witnessed the birth of a place of incomparable beauty: Las Mañanitas, Hotel Garden Restaurant & Spa.

Founded on November 19, 1955, this emblematic space celebrates 70 years of history as a landmark in Mexico’s hotel and restaurant industry, preserving a tradition of excellence that has transcended generations. It is currently led by Mr. Francisco Bernot and Mrs. Rebeca Krause de Bernot.

With 24 suites in traditional Mexican colonial style, the hotel stands out for the beauty of its gardens and exotic birds, creating an atmosphere of tranquility, comfort, and luxury that can be felt in every corner of this unique paradise.

Guests can enjoy an extensive collection of artworks featuring pieces by artists such as Jorge Marín, José Luis Cuevas, Vicente Gandía, Carlos Mérida, Gunther Gerzo, Leonardo Nierman, José Iturbe, and Francisco Zúñiga, one of the most internationally recognized Mexican artists.

The emblematic cuisine of Las Mañanitas, internationally acclaimed, has become a true benchmark of Mexican gastronomy, where the richness of the country’s culinary tradition is interpreted with contemporary sensitivity and deep respect for the ingredients and techniques that define Mexico’s gastronomic identity.

In 2009, Las Mañanitas expanded its wellness offering by establishing a partnership with the prestigious French brand Orlane Paris, becoming the only Orlane Spa in Latin America. This exclusive space offers high-end treatments designed to revitalize body and mind, in perfect harmony with the serenity, luxury, and natural beauty that characterize the hotel.

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Gerente de Administración

Vanessa Infante - vanne@brandstravel.com

CONTENIDO / CONTENT

Pineda Covalín: diseño con identidad viva Desing with a Living Identity

58 MEXICO CITY INTRO BAJÍO

NORTE

Mario García Torres: arte como investigación Art as Research

Frida Kahlo, del azul cobalto a las flores imposibles From Cobal Blue to Impossible Flowers

El alma volcánica del molcajete The Volcanic Soul of the Molcajete

68

SURESTE

Del son jarocho a la marimba chiapaneca From Son Jarocho to the Chiapaneca Marimba

81

BEYOND MEXICO

Los Ángeles, una ciudad artística

A city of art

CENTRO

Elisa Carrillo, danza sin fronteras Dance Without Borders

SUROESTE

Barro negro, de vuelta al origen Black Clay: A return to the Origin

OCCIDENTE

Donde canta el cobre Where Copper Sings

BOUTIQUE

Esencias Mexicanas Mexican Essences

Créditosdefotosenestaedición:

Pineda Covalín, Museo Casa Azul, Museo de Arte Moderno (Relatos Modernos, Gelman Santander), INBAL (Exposición del Museo Casa Diego Rivera), Museo Casa Kahlo, Times Bbrightspot CDN, Facebook Kurimanzutto, SECTUR Guanajuato, Paulo García, Betsabeeromero.com, blantonmuseum.com, Ixtapa Zihuatanejo Travel, ABC ART BAJA, SECTUR Chiapas, Mario García Torres: Galería Mmaassaa, Documenta, Arte Abierto, M de Mileno, Walker Art Center Feria Xcaret: México ruta mágica, Hermes Arroyo: Instagram Belmond Casa de Sierra Nevada, Adobe Creative Cloud Stock, Pexels, Unsplash, Paradero Hotel, Discover Los Angeles.

Pineda Covalín: Diseño con identidad viva Design with a Living Identity

Fundada en 1996 por la diseñadora Cristina Pineda y el empresario Ricardo Covalín, Pineda Covalín nació con una premisa clara: traducir la riqueza simbólica de México en un lenguaje contemporáneo de diseño. La marca surgió tras un viaje a Yucatán, donde ambos descubrieron el potencial narrativo de los objetos y los textiles, una experiencia que marcó el inicio de un proyecto que hoy cumple tres décadas de trayectoria sostenida.

Founded in 1996 by designer Cristina Pineda and entrepreneur Ricardo Covalín, Pineda Covalin was born with a clear premise: to translate Mexico’s rich symbolic heritage into a contemporary design language. The brand emerged after a trip to Yucatán, where both discovered the narrative potential of objects and textiles —an experience that marked the beginning of a project that now celebrates three decades of sustained trajectory.

Desde sus primeras colecciones de mascadas de seda —pieza insignia de la casa— Pineda Covalín apostó por integrar iconografía prehispánica, biodiversidad, arte virreinal y tradiciones populares en composiciones gráficas de alta precisión. Con el tiempo, su portafolio se amplió hacia moda prêt-à-porter, accesorios, joyería y perfumería, consolidando una propuesta que dialoga con disciplinas artísticas y comunidades artesanales de distintos estados del país.

La firma ha desarrollado colaboraciones con museos e instituciones culturales, además de alianzas con artesanos y talleres en entidades como Guanajuato, Puebla y Guerrero, reforzando su compromiso con la producción nacional. Este año y en el marco de su 30 aniversario, presenta la muestra Travesías Sensoriales en el Museo del Perfume, una exposición inmersiva que integró moda, fragancia, música y artes vivas, reafirmando su vocación interdisciplinaria.

From its earliest silk scarf collections —the brand’s signature pieces— Pineda Covalin integrated preHispanic iconography, biodiversity, colonial art, and popular traditions into highly precise graphic compositions. Over time, the portfolio expanded to prêt-à-porter fashion, accessories, jewelry, and perfumery, consolidating a proposal that engages with artistic disciplines and artisan communities across multiple Mexican states.

The brand has developed collaborations with museums and cultural institutions, alongside partnerships with artisans and workshops in regions such as Guanajuato, Puebla, and Guerrero, reinforcing its commitment to national production. This year, as part of its 30th anniversary, it presents the immersive exhibition Travesías Sensoriales at the Museo del Perfume, combining fashion, fragrance, music, and living arts, reaffirming its interdisciplinary vocation.

A lo largo de su historia, la marca ha expandido su presencia internacional con puntos de venta en América, Europa y Asia, posicionándose como embajadora estética de México en escenarios globales. Publicaciones como The New York Times y Vogue han destacado su capacidad para reinterpretar símbolos nacionales desde una óptica sofisticada y exportable.

Cristina Pineda, formada en diseño textil, ha defendido la investigación iconográfica como eje creativo; Ricardo Covalín, por su parte, ha impulsado la estrategia empresarial que permitió transformar una idea cultural en una compañía con alcance internacional. Juntos han articulado un modelo donde diseño y gestión caminan de la mano, convirtiéndose en referencia para nuevas generaciones de emprendedores creativos en América Latina.

Throughout its history, Pineda Covalin has expanded its international presence with retail locations across the Americas, Europe, and Asia, positioning itself as a cultural ambassador of Mexico on the global stage. Publications such as The New York Times and Vogue have highlighted its ability to reinterpret national symbols with sophistication and exportable appeal.

Cristina Pineda, trained in textile design, has championed iconographic research as the creative core; Ricardo Covalín has driven the business strategy that transformed a cultural idea into a company with international reach. Together, they have built a model where design and management go hand in hand, becoming a reference for new generations of creative entrepreneurs across Latin America.

La incorporación al programa “Hecho en México” en 2025 reforzó esa identidad productiva y cultural. Más que una etiqueta, representa una declaración de principios: crear desde el origen, con trazabilidad y colaboración.

Para el viajero contemporáneo, descubrir Pineda Covalín —ya sea en una boutique, en una exposición o en una pieza que acompaña el equipaje— es acercarse a una narrativa visual donde el maíz, el cempasúchil o las aves migratorias no son ornamento, sino memoria codificada en seda. Tres décadas después, la marca continúa demostrando que el diseño puede ser archivo, puente y proyección de un país plural hacia el mundo.

Joining the “Hecho en México” program in 2025 further reinforced this productive and cultural identity. More than a label, it is a statement of principles: to create from the origin, with traceability and collaboration.

For the contemporary traveler, discovering Pineda Covalin — whether in a boutique, an exhibition, or a piece accompanying luggage— is to engage with a visual narrative where corn, marigolds, or migratory birds are not mere ornamentation, but memory encoded in silk. Three decades later, the brand continues to demonstrate that design can be archive, bridge, and a projection of a plural nation onto the world.

CDMX

Algunas presencias no se limitan a los museos, atraviesan décadas, inspiran pasarelas y regresan, una y otra vez, como referencia inevitable. Frida Kahlo es una de ellas. A 72 años de su muerte, su imagen sigue orbitando editoriales, colecciones y conversaciones culturales con la misma intensidad con la que ella se pintó a sí misma: frontal, adornada, indomable.

Antes de que el concepto de “marca personal” existiera, Kahlo ya había construido la suya. Las cejas que se encuentran como un manifiesto, las flores coronando el cabello trenzado, los huipiles y vestidos tehuanos convertidos en declaración política y gesto de pertenencia. Su guardarropa no fue ornamento: fue narrativa. Cada prenda amplificó su discurso sobre identidad, mexicanidad y cuerpo. No es casualidad que hoy diseñadores y casas de moda sigan citándola como referencia visual inagotable.

Some presences are not confined to museums: they move through decades, inspire runways, and return again and again as unavoidable references. Frida Kahlo is one of them. Seventy-two years after her death, her image continues to orbit editorials, collections, and cultural conversations with the same intensity with which she painted herself: frontal, adorned, indomitable.

Before the concept of a “personal brand” existed, Kahlo had already created her own. The meeting brows like a manifesto, flowers crowning braided hair, huipiles and Tehuana dresses transformed into political statements and gestures of belonging. Her wardrobe was never mere ornament — it was narrative. Each garment amplified her discourse on identity, Mexicanness, and the body. It is no coincidence that designers and fashion houses continue to cite her as an inexhaustible visual reference.

En sus autorretratos —más de un tercio de su producción— el estilismo es tan importante como la pincelada. La indumentaria tradicional dialoga con corsés médicos intervenidos, joyería prehispánica y fondos vegetales exuberantes. El dolor físico, consecuencia de accidentes y cirugías, se transforma en estética; la fragilidad se convierte en composición cuidadosamente orquestada. Kahlo entendió que vestirse también es un acto de poder.

Quien viaja a Ciudad de México buscando sus huellas descubre que su universo sigue intacto. La vibrante Museo Frida Kahlo, en Coyoacán, no es solo un museo: es un manifiesto cromático. El azul intenso de los muros, los textiles bordados, los accesorios, el estudio bañado de luz. Todo parece dispuesto como un set permanente donde vida y puesta en escena se funden.

El diálogo creativo con Diego Rivera puede explorarse en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, donde arquitectura funcionalista y pasión artística conviven en una estética moderna que contrasta con el folclor cuidadosamente elaborado de sus autorretratos. Mientras tanto, el Museo de Arte Moderno recontextualiza su obra dentro del relato del arte del siglo XX, confirmando que su magnetismo visual trasciende tendencias.

In her self-portraits — more than a third of her output — styling is as significant as the brushstroke. Traditional dress converses with customized medical corsets, pre-Hispanic jewelry, and lush botanical backdrops. Physical pain, the result of accidents and surgeries, becomes aesthetic language; fragility turns into carefully orchestrated composition. Kahlo understood that getting dressed can also be an act of power.

Those who travel to Mexico City in search of her traces discover that her universe remains intact. The vibrant Museo Frida Kahlo, in Coyoacán, is not merely a museum: it is a chromatic manifesto. The saturated blue walls, embroidered textiles, accessories, the light-filled studio — everything feels arranged like a permanent set where life and mise-en-scène merge.

Her creative dialogue with Diego Rivera can be explored at the Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, where functionalist architecture and artistic passion coexist in a modern aesthetic that contrasts with the carefully constructed folkloric elements of her self-portraits. Meanwhile, the Museo de Arte Moderno recontextualizes her work within the broader narrative of twentieth-century art, confirming that her visual magnetism transcends trends.

La reciente apertura del Museo Casa Kahlo amplía la experiencia hacia sus raíces familiares, revelando cómo el entorno íntimo moldeó esa sensibilidad que transformó lo personal en imagen icónica.

Pero lo que mantiene vigente a Frida no es solo su biografía dramática ni su técnica pictórica: es su control absoluto de la propia representación. Kahlo entendió que el estilo puede ser resistencia, que el adorno puede ser armadura y que la identidad se construye —y se exhibe— sin pedir permiso.

En una era obsesionada con la autenticidad, su legado resulta radicalmente contemporáneo. Frida no solo se pintó: se editó, se encuadró y se convirtió en su propia obra maestra.

The recent opening of the Museo Casa Kahlo expands the experience to her family roots, revealing how her intimate environment shaped the sensibility that transformed the personal into the iconic.

What keeps Frida relevant is not only her dramatic biography or her painterly technique, but her absolute command of selfrepresentation. Kahlo understood that style can be resistance, that adornment can be armor, and that identity is constructed — and displayed — without asking permission.

In an era obsessed with authenticity, her legacy feels radically contemporary. Frida did not simply paint herself: she edited, framed, and ultimately became her own masterpiece.

Kurimanzutto: mundos compartidos shared Worlds

Por/ By Jessica Servín Castillo

En el panorama del arte contemporáneo global, pocos espacios han tenido un impacto tan profundo y duradero como la Galería Kurimanzutto. Fundada en 1999 en Ciudad de México por Mónica Manzutto y José Kuri, este proyecto no nació como una galería tradicional, sino como una plataforma flexible y desafiante que puso a los artistas y sus prácticas creativas en el centro de todo.

In the global contemporary art landscape, few spaces have had as profound and lasting an impact as Galería Kurimanzutto. Founded in 1999 in Mexico City by Mónica Manzutto and José Kuri, this project did not emerge as a traditional gallery, but rather as a flexible, boundary-pushing platform that placed artists and their creative practices at the very center.

La historia de Kurimanzutto comienza con una visión compartida: ofrecer un espacio para desarrollar sus carreras tanto local como internacionalmente. Esta idea, sugerida por el artista Gabriel Orozco a Manzutto y Kuri, impulsó la creación de una galería nómada que, desde sus primeras exposiciones, se atrevió a desplazar el arte fuera de los circuitos convencionales, presentándolo incluso en mercados públicos y espacios inusuales.

Desde su inauguración en una caseta del Mercado de Medellín en 1999, Kurimanzutto ha desafiado las normas y expectativas del mercado del arte, cultivando un enfoque en la experimentación, el diálogo crítico y la colaboración. En 2008, la galería consolidó su presencia con un espacio permanente en el barrio de San Miguel Chapultepec, cuyo diseño arquitectónico facilita exhibiciones ambiciosas y momentos de encuentro entre creadores, coleccionistas y público.

Kurimanzutto’s story begins with a shared vision: to provide a space where artists could develop their careers both locally and internationally. This idea, suggested by the artist Gabriel Orozco to Manzutto and Kuri, propelled the creation of a “nomadic gallery” that, from its earliest exhibitions, dared to move art outside conventional circuits, presenting it even in public markets and unconventional spaces.

Since its inauguration in a booth at the Mercado de Medellín in 1999, Kurimanzutto has consistently challenged the norms and expectations of the art market, cultivating an approach centered on experimentation, critical dialogue, and collaboration. In 2008, the gallery established a permanent space in the San Miguel Chapultepec neighborhood, whose architectural design facilitates ambitious exhibitions and moments of encounter among artists, collectors, and audiences.

La labor de Manzutto y Kuri trasciende la mera curaduría: su compromiso con los artistas ha convertido a Kurimanzutto en un trampolín para numerosas figuras que hoy forman parte de la escena artística internacional. Nombres como Abraham Cruzvillegas, Damián Ortega, Minerva Cuevas y Rirkrit Tiravanija han encontrado en esta galería un espacio para experimentar, crecer y conectar con audiencias más amplias.

Más allá del territorio mexicano, Kurimanzutto ha extendido su influencia con un espacio en Nueva York, consolidando un puente real entre mundos culturales diversos y posibilitando que artistas representados por la galería interactúen con instituciones, curadores y públicos globales.

La trascendencia de Manzutto y Kuri se refleja en el reconocimiento internacional que han cosechado. En 2001, la revista Flash Art situó a Kurimanzutto entre las 100 galerías más influyentes del mundo; años después, ArtReview colocó a sus fundadores entre las 100 figuras más influyentes del arte contemporáneo internacional.

Lo que distingue a estos galeristas es su capacidad para imaginar la galería como una comunidad viva, donde las prácticas artísticas pueden desplegarse con libertad y ambición. Para viajeros interesados en experiencias culturales profundas, una visita a Kurimanzutto no solo revela obras de vanguardia, sino también una historia de apoyo mutuo, de exploración sin prejuicios y de construcción de puentes que conectan artistas, ciudades y públicos alrededor del mundo.

The work of Manzutto and Kuri goes beyond curating: their commitment to artists has turned Kurimanzutto into a springboard for numerous figures who now form part of the international art scene. Names such as Abraham Cruzvillegas, Damián Ortega, Minerva Cuevas, and Rirkrit Tiravanija have found in this gallery a space to experiment, grow, and connect with wider audiences.

Beyond Mexico, Kurimanzutto has extended its influence with a space in New York, creating a tangible bridge between diverse cultural worlds and enabling artists represented by the gallery to interact with institutions, curators, and global audiences.

The significance of Manzutto and Kuri is reflected in the international recognition they have earned. In 2001, Flash Art placed Kurimanzutto among the 100 most influential galleries in the world; years later, ArtReview included its founders among the 100 most influential figures in international contemporary art.

What sets these gallerists apart is their ability to imagine the gallery as a living community, where artistic practices can unfold with freedom and ambition. For travelers seeking deep cultural experiences, a visit to Kurimanzutto reveals not only cutting-edge works but also a story of mutual support, fearless exploration, and the building of bridges that connect artists, cities, and audiences around the world.

BAJÍO

El alma volcánica del molcajete

The Volcanic Soul of the Molcajete

Staff TGTM

En el corazón de la región turística siete, del estado de Guanajuato, el Pueblo Mágico de Comonfort resguarda una tradición que trascendió por generaciones: la elaboración artesanal del molcajete, uno de los utensilios más emblemáticos de la cocina mexicana.

Más que un objeto utilitario, el molcajete es un símbolo cultural que conecta la gastronomía contemporánea con raíces prehispánicas.

In the heart of Tourism Region Seven in the state of Guanajuato, the Pueblo Mágico of Comonfort safeguards a tradition that has endured for generations: the artisanal crafting of the molcajete, one of the most emblematic utensils in Mexican cuisine.

More than a utilitarian object, the molcajete is a cultural symbol that connects contemporary gastronomy with its pre-Hispanic roots.

El molcajete, es tallado a mano en piedra volcánica -principalmente basalto-, cada molcajete es el resultado de un proceso que combina técnica, paciencia y conocimiento heredado. Los artesanos seleccionan cuidadosamente la piedra, la fragmentan y comienzan el desbaste con herramientas manuales y eléctricas. Posteriormente, afinan la forma del cuenco y sus tres patas características, hasta lograr la textura porosa ideal que permita moler ingredientes como chiles, especias o semillas, potenciando aromas y sabores.

En Comonfort, la elaboración de los molcajetes es una vocación productiva que ha sostenido a familias enteras durante décadas; hijos y nietos aprenden el oficio desde temprana edad. El conocimiento está en la experiencia, saber cuándo la piedra “suena” correctamente al ser golpeada o identificar la resistencia adecuada para evitar fracturas.

Carved by hand from volcanic stone—primarily basalt—each molcajete is the result of a process that combines technique, patience, and inherited knowledge. Artisans carefully select the stone, break it into workable pieces, and begin shaping it using both manual and electric tools. They then refine the form of the bowl and its three characteristic legs, achieving the ideal porous texture that allows ingredients such as chiles, spices, and seeds to be ground while enhancing their aromas and flavors.

In Comonfort, molcajete-making is a productive vocation that has sustained entire families for decades; children and grandchildren learn the craft from an early age. The knowledge lies in experience—knowing when the stone “sounds” right when struck, or recognizing the proper resistance to prevent fractures.

El molcajete de Comonfort se distingue por su robustez y acabado artesanal. A diferencia de las piezas industrializadas, cada uno presenta ligeras variaciones que dan cuenta de su elaboración manual. Esta característica ha permitido que restaurantes, chefs y cocineras tradicionales valoren cada vez más su autenticidad, integrándolo no solo como herramienta de cocina, sino también como elemento de presentación en mesa.

La relevancia cultural del molcajete va más allá de lo doméstico. En un contexto donde la gastronomía mexicana, reconocida como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, continúa consolidándose a nivel internacional, utensilios como éste cobran protagonismo al representar técnicas ancestrales vigentes. Así es como Comonfort se posiciona como un eslabón fundamental en la cadena de valor artesanal y gastronómica del estado.

The Comonfort molcajete stands out for its sturdiness and artisanal finish. Unlike industrialized pieces, each one features slight variations that reflect its handmade nature. This quality has led restaurants, chefs, and traditional cooks to increasingly value its authenticity, incorporating it not only as a kitchen tool but also as a presentation element at the table.

The cultural relevance of the molcajete extends beyond the domestic sphere. In a context where Mexican cuisine—recognized as Intangible Cultural Heritage of Humanity—continues to strengthen its international presence, utensils like this one gain prominence for representing living ancestral techniques. In this way, Comonfort positions itself as a fundamental link in the state’s artisanal and gastronomic value chain.

Visitar este Pueblo Mágico implica recorrer talleres, platicar con los artesanos y comprender el proceso detrás de cada pieza. Es también una oportunidad para adquirir un molcajete que no solo sirve para moler salsa, sino para preservar la tradición.

En Comonfort, la piedra volcánica se transforma en identidad. Y cada golpe de cincel reafirma que, en Guanajuato, se construye y se saborea desde nuestros ancestros.

Visiting this Pueblo Mágico means touring workshops, speaking with artisans, and understanding the process behind each piece. It is also an opportunity to acquire a molcajete that serves not only to grind salsa, but to preserve tradition.

In Comonfort, volcanic stone is transformed into identity. And with every strike of the chisel, Guanajuato reaffirms that it is built—and savored—from the legacy of our ancestors.

El maestro de gigantes, Hermes Arroyo Master of Giants

Staff TGTM

Figura central de la tradición de San Miguel de Allende, Hermes Arroyo Guerrero es un destacado artesano de San Miguel de Allende, es el principal creador de las mojigangas, esas imponentes figuras de papel maché que animan las fiestas y bodas de su ciudad natal. Desde joven ha transformado esta tradición local de cartonería en un oficio refinado, innovando estructuras y vestuarios que combinan raíces históricas con expresión contemporánea, y su trabajo se encarga y exhibe en todo el centro de México.

A central figure in the tradition of San Miguel de Allende, Hermes Arroyo Guerrero is a distinguished artisan and the foremost creator of mojigangas—those imposing papier-mâché figures that enliven the festivals and weddings of his hometown. From a young age, he has transformed this local cartonería tradition into a refined craft, innovating structures and costumes that blend historical roots with contemporary expression. His work is commissioned and exhibited throughout central Mexico.

Las mojigangas son parte de una tradición festiva con raíces europeas que llegaron a México durante la época colonial. Originadas en festividades populares españolas, estas grandes marionetas se adaptaron al contexto mexicano, especialmente en San Miguel, donde hoy representan un arte colectivo que fusiona historia, celebración y cultura local.

Mojigangas are part of a festive tradition with European origins that arrived in Mexico during the colonial era. Originating in popular Spanish festivities, these large puppets adapted to the Mexican context, especially in San Miguel, where they now represent a collective art form that fuses history, celebration, and local culture.

Las figuras de Arroyo, muchas veces de más de dos metros de altura, son portadas por bailarines durante procesiones, bodas y celebraciones culturales, convirtiendo el espacio público en un escenario de color y movimiento que involucra tanto a la comunidad como a los visitantes.

En su taller en el centro, conocido como La Casa de las Mojigangas, los visitantes pueden presenciar el meticuloso proceso de creación de estas figuras gigantes y, en muchos casos, participar en talleres para pintar o ensamblar sus propias versiones en miniatura, ofreciendo una experiencia cultural única y directa para quienes buscan una conexión profunda con el arte popular mexicano.

Arroyo’s figures, often over two meters tall, are carried by dancers during processions, weddings, and cultural celebrations, turning public spaces into vibrant stages of color and movement that engage both the community and visitors alike.

In his downtown workshop, known as La Casa de las Mojigangas, visitors can witness the meticulous process of creating these giant figures and, in many cases, participate in workshops to paint or assemble their own miniature versions—offering a unique and immersive cultural experience for those seeking a deep connection with Mexican folk art.

La práctica de Arroyo también incluye la enseñanza a nuevas generaciones y el préstamo de mojigangas para eventos comunitarios sin costo, manteniendo viva la tradición más allá de los encargos comerciales. Sus figuras han sido exhibidas regionalmente y son reconocidas por enriquecer la identidad cultural de San Miguel, invitando a los visitantes extranjeros a descubrir un arte que es a la vez lúdico y profundo.

Arroyo’s practice also includes teaching new generations and lending mojigangas for community events free of charge, keeping the tradition alive beyond commercial commissions. His figures have been exhibited regionally and are recognized for enriching San Miguel’s cultural identity, inviting foreign visitors to discover an art that is both playful and profound.

CENTRO

Elisa Carrillo, danza sin fronteras dance Without Borders

Por/ By Jessica Servín Castillo

Hay trayectorias que se construyen con talento; otras, con disciplina. La de Elisa Carrillo está hecha de ambos elementos y de una convicción silenciosa que la llevó, a los 15 años, a dejar México para perseguir un sueño que —según ella misma reconoce— ni siquiera se atrevía a nombrar. Hoy es una de las grandes figuras del ballet internacional y la primera mexicana en alcanzar el rango de Primera Bailarina en el Staatsballett Berlin, una de las compañías más prestigiosas de Europa.

There are careers built on talent; others, on discipline. Elisa Carrillo’s path is made of both, along with a quiet conviction that, at 15, led her to leave Mexico in pursuit of a dream she admits she didn’t even dare to name. Today, she is one of the leading figures in international ballet and the first Mexican to reach the rank of Principal Dancer at the Staatsballett Berlin, one of Europe’s most prestigious companies.

“Es un honor llegar a un nivel tan alto, no es fácil, y siendo mexicana tiene un valor aún más grande en mi vida. Implica mucha responsabilidad”. No fue una meta planeada con cálculo estratégico, sino el resultado de años de constancia, aprendizaje y una ética férrea. Desde niña entendió que el ballet exige no solo gracia, sino resistencia: ampollas, tensión constante en los pies, jornadas interminables de ensayo, el cuidado obsesivo del cuerpo. “El dolor es parte de nuestra carrera. Aprendes a vivir con él”.

Originaria de Texcoco, Elisa encontró en la danza una forma de independencia temprana. La decisión de mudarse a Berlín fue, en retrospectiva, uno de los desafíos más profundos de su vida. El idioma, la soledad y la distancia familiar marcaron sus primeros años en Alemania. “No es lo mismo compartir momentos difíciles con amigos que con la familia”, recuerda. Sin embargo, esa experiencia forjó su carácter y reforzó la disciplina que hoy considera su mayor aprendizaje: levantarse cada día, incluso enferma o cansada, y salir al escenario con excelencia.

“It’s an honor to reach such a high level; it’s not easy, and being Mexican gives it an even greater value in my life. It carries a lot of responsibility.” This was not a goal planned with strategic calculation, but the result of years of perseverance, learning, and a strong work ethic. From a young age, she understood that ballet requires not only grace but endurance: blisters, constant tension in the feet, endless rehearsals, obsessive care of the body. “Pain is part of our career. You learn to live with it.”

Originally from Texcoco, Elisa found in dance a form of early independence. The decision to move to Berlin was, in retrospect, one of the deepest challenges of her life. The language, loneliness, and distance from family marked her first years in Germany. “It’s not the same to share difficult moments with friends as it is with family,” she recalls. However, that experience forged her character and reinforced the discipline she now considers her greatest lesson: getting up every day, even when sick or tired, and going on stage with excellence.

Su repertorio incluye obras emblemáticas como Blancanieves, Romeo y Julieta y Onegin, piezas que han significado hitos personales y artísticos. Pero Elisa insiste en que sigue aprendiendo a diario: coordinación, memoria, técnica, saltos y giros que requieren práctica constante. La danza, dice, nunca se domina por completo.

Más allá de los escenarios europeos, su mirada permanece anclada en México. Está convencida de que el país posee un talento extraordinario, pero necesita más espacios, mejores repertorios e infraestructura sólida para que los jóvenes bailarines encuentren oportunidades sin tener que emigrar. A través de su fundación y de proyectos culturales que impulsa desde hace años, trabaja para abrir puertas y crear redes internacionales que conecten a México con el mundo.

Her repertoire includes iconic works such as Snow White, Romeo and Juliet, and Onegin, pieces that have marked personal and artistic milestones. But Elisa insists she continues learning every day: coordination, memory, technique, jumps, and turns that demand constant practice. Dance, she says, is never fully mastered.

Beyond European stages, her focus remains anchored in Mexico. She is convinced that the country has extraordinary talent but needs more spaces, better repertoires, and solid infrastructure so young dancers can find opportunities without having to emigrate. Through her foundation and cultural projects she has been promoting for years, she works to open doors and create international networks connecting Mexico to the world.

Más allá de los escenarios europeos, su mirada permanece anclada en México. Está convencida de que el país posee un talento extraordinario, pero necesita más espacios, mejores repertorios e infraestructura sólida para que los jóvenes bailarines encuentren oportunidades sin tener que emigrar. A través de su fundación y de proyectos culturales que impulsa desde hace años, trabaja para abrir puertas y crear redes internacionales que conecten a México con el mundo.

Tras despedirse del Staatsballett Berlin en 2024, ha iniciado una nueva etapa enfocada en la formación y dirección artística en Europa, sin abandonar su compromiso con la danza mexicana. Su visión es clara: cuando llegue el momento de dejar los escenarios, quiere contribuir a que el ballet en México sea reconocido globalmente.

Fuera del teatro, Elisa disfruta el cine, la ópera, los conciertos y los instantes íntimos con amigos. Se define como una mujer sencilla, positiva y profundamente agradecida. Y aunque ha conquistado algunos de los escenarios más importantes del mundo, confiesa que su mayor sueño personal aún está por cumplirse: ser madre y formar una familia.

En cada ciudad que pisa, Elisa Carrillo encarna una forma de viaje: el que transforma, el que exige valentía y el que, al final, regresa siempre al origen. Porque su historia no es solo la de una bailarina que conquistó Berlín, sino la de una mexicana que convirtió la distancia en puente y la disciplina en arte.

Beyond European stages, her focus remains anchored in Mexico. She is convinced that the country has extraordinary talent but needs more spaces, better repertoires, and solid infrastructure so young dancers can find opportunities without having to emigrate. Through her foundation and cultural projects she has been promoting for years, she works to open doors and create international networks connecting Mexico to the world.

After leaving the Staatsballett Berlin in 2024, she has embarked on a new phase focused on training and artistic direction in Europe, without abandoning her commitment to Mexican dance. Her vision is clear: when the time comes to leave the stage, she wants to help ensure that ballet in Mexico is recognized globally.

Offstage, Elisa enjoys cinema, opera, concerts, and intimate moments with friends. She defines herself as a simple, positive, and deeply grateful woman. And although she has conquered some of the most important stages in the world, she admits that her greatest personal dream is yet to be fulfilled: becoming a mother and starting a family.

In every city she visits, Elisa Carrillo embodies a kind of journey: one that transforms, one that demands courage, and one that, in the end, always returns to its origin. Because her story is not just that of a dancer who conquered Berlin, but of a Mexican woman who turned distance into a bridge and discipline into art.

Betsabeé Romero: movilidad y memoria mobility and memory

Por/ By Jessica Servín Castillo

Ha reconfigurado el lenguaje del arte contemporáneo mexicano como nadie más. Nacida en Ciudad de México en 1963, su trayectoria de más de tres décadas parte de una intuición: los objetos cotidianos, lejos de ser triviales, están tejidos con las tensiones de nuestra historia social y cultural.

A partir de automóviles, llantas usadas, chicles y señalética urbana, Romero concibe esculturas, instalaciones, impresiones y videos que entrelazan la cultura popular con inquietudes profundas sobre migración, identidad y memoria colectiva.

She has reshaped the language of contemporary Mexican art like no one else. Born in Mexico City in 1963, her career—spanning more than three decades—begins with a clear intuition: everyday objects, far from being trivial, are woven with the tensions of our social and cultural history.

Using automobiles, worn tires, chewing gum, and urban signage, Romero creates sculptures, installations, prints, and videos that intertwine popular culture with profound concerns about migration, identity, and collective memory.

El arte de Romero podría leerse como un manifiesto en contra de la invisibilidad: transforma materiales de desecho —neumáticos, coches, espejos— en imágenes que parecen emerger de un ritual moderno. Las llantas tachonadas con motivos indígenas, los autos intervenidos como si fuesen cuerpos simbólicos, y las instalaciones que evocan trayectorias humanas cuestionan la movilidad como metáfora de la vida contemporánea y de las migraciones forzadas. Su práctica no solo confronta el arte contemporáneo con el arte popular, sino que también apunta al corazón de las contradicciones del consumo global.

Romero’s work can be read as a manifesto against invisibility: she transforms discarded materials—tires, cars, mirrors— into images that seem to emerge from a modern ritual. Studded tires engraved with Indigenous motifs, intervened cars treated as symbolic bodies, and installations that evoke human trajectories all question mobility as a metaphor for contemporary life and forced migration. Her practice not only confronts contemporary art with folk traditions, but also strikes at the core contradictions of global consumer culture.

Romero ha llevado su trabajo a escenarios tan diversos como el British Museum en Londres, el Grand Palais en París, Park Avenue en Nueva York y el Museo Blanton en Austin, donde su muestra Al reverso de la pista reinterpretó los aros del juego de pelota mesoamericano a través de llantas de NASCAR suspendidas como símbolos rituales del viaje humano.

Más allá de los espacios museísticos, su obra dialoga con la ciudad y sus habitantes. Su intervención en la Mega Ofrenda del Zócalo de Ciudad de México, sus esculturas públicas en Los Ángeles o Traces in Order to Remember en Park Avenue exhiben la voluntad de enfrentar lo cotidiano y lo monumental con el mismo rigor poético.

Romero has presented her work in venues as diverse as the British Museum in London, the Grand Palais in Paris, Park Avenue in New York, and the Blanton Museum in Austin, where her exhibition Al reverso de la pista reinterpreted the rings of the Mesoamerican ballgame through suspended NASCAR tires, conceived as ritual symbols of the human journey.

Beyond museum spaces, her work engages directly with the city and its inhabitants. Her intervention in the Mega Ofrenda at Mexico City’s Zócalo, her public sculptures in Los Angeles, and Traces in Order to Remember on Park Avenue reveal a determination to confront the everyday and the monumental with the same poetic rigor.

Para la escena del arte mexicano, Betsabeé Romero representa una voz que desborda categorías: su lenguaje se nutre de la tradición, de las tensiones fronterizas, de la memoria popular y de las fisuras de la modernidad. Al resignificar lo desechado, propone otra manera de leer nuestra historia; un diálogo entre lo ancestral y lo urbano que nos regresa, siempre, a la condición humana.

Within the Mexican art scene, Betsabeé Romero stands as a voice that exceeds categories: her language draws from tradition, border tensions, popular memory, and the fractures of modernity. By resignifying what has been discarded, she proposes another way of reading our history—a dialogue between the ancestral and the urban that consistently returns us to the human condition.

SUROESTE

Barro negro, de vuelta al origen Black Clay: A Return to the Origin

El estado de Oaxaca, conocido por su rica herencia cultural y su diversidad étnica, alberga uno de los tesoros más emblemáticos de la artesanía mexicana: el barro negro. Este material, moldeado y pulido con maestría, no solo representa una tradición ancestral, sino que también cuenta la historia de un pueblo que ha sabido preservar y transformar sus costumbres a lo largo del tiempo. Esta cerámica negra es un símbolo de identidad y una obra de arte que continúa cautivando a generaciones.

The state of Oaxaca, known for its rich cultural heritage and ethnic diversity, is home to one of the most emblematic treasures of Mexican craftsmanship: black clay. Molded and polished with mastery, this material not only represents an ancestral tradition but also tells the story of a people who have preserved and transformed their customs over time. This black pottery is a symbol of identity and a work of art that continues to captivate generations.

El barro negro, cuyas raíces se encuentran en la pequeña comunidad de San Bartolo Coyotepec, a unos 15 kilómetros al sur de la ciudad de Oaxaca, se elabora mediante una técnica ancestral heredada de los zapotecos, quienes lo utilizaban para crear utensilios de uso cotidiano y objetos rituales. Los primeros registros de su uso datan de hace más de 2,500 años, lo que refleja la profunda conexión de esta artesanía con la historia y la cultura de Oaxaca.

El proceso de elaboración requiere habilidad y paciencia excepcionales. Todo comienza con la extracción del barro de la tierra, una tarea que aún se realiza de manera manual. Una vez recolectado, se limpia y se amasa hasta obtener una consistencia homogénea. Los artesanos, utilizando sus manos y herramientas rudimentarias, moldean el barro en diversas formas, desde ollas y platos hasta figuras decorativas.

Black clay, whose roots lie in the small community of San Bartolo Coyotepec, about 15 kilometers south of the city of Oaxaca, is crafted using an ancestral technique inherited from the Zapotecs, who used it to create everyday utensils and ritual objects. The earliest records of its use date back more than 2,500 years, reflecting the deep connection between this craft and Oaxaca’s history and culture.

The production process requires exceptional skill and patience. It begins with the extraction of clay from the earth, a task that is still carried out by hand. Once collected, the clay is cleaned and kneaded until it reaches a smooth, uniform consistency. Using their hands and simple tools, artisans shape the clay into a variety of forms, from pots and plates to decorative figures.

LA INNOVACIÓN DE DOÑA ROSA REAL

Esta artesanía adquirió su característico brillo metálico gracias a la innovadora aportación de doña Rosa Real, maestra artesana de San Bartolo Coyotepec, quien en 1950 descubrió que, al pulir las piezas antes de cocerlas, estas adquirían un acabado brillante y elegante que las distinguía de otras cerámicas. Este hallazgo transformó la producción del barro negro y elevó su prestigio tanto a nivel nacional como internacional.

Gracias a doña Rosa, el barro negro se convirtió en una expresión artística que atrajo a coleccionistas y amantes del arte en todo el mundo. Su legado perdura hasta hoy, y su familia continúa elaborando piezas y enseñando la técnica a nuevas generaciones. Entre los productos más destacados se encuentran jaguares, tazas y objetos decorativos para el hogar.

DOÑA ROSA REAL’S INNOVATION

This craft acquired its characteristic metallic sheen thanks to the innovative contribution of Doña Rosa Real, a master artisan from San Bartolo Coyotepec. In 1950, she discovered that by polishing the pieces before firing them, they developed a shiny, elegant finish that distinguished them from other types of pottery. This discovery transformed black clay production and elevated its prestige both nationally and internationally.

Thanks to Doña Rosa, black clay became an artistic expression that attracted collectors and art lovers from around the world. Her legacy endures to this day, and her family continues to create pieces and teach the technique to new generations. Among the most sought-after items are jaguars, mugs, and decorative objects for the home.

TRASCIENDE A LA MODERNIDAD

A pesar de su profunda tradición, el barro negro ha sabido adaptarse a los tiempos modernos. Los artesanos de San Bartolo Coyotepec han innovado en el diseño y la funcionalidad de sus piezas, creando desde joyería hasta artículos decorativos como floreros y candelabros con líneas más contemporáneas.

Además, el barro negro ha encontrado un lugar en el arte contemporáneo. Artistas como Carlomagno Pedro Martínez, escultor y alfarero de San Bartolo Coyotepec —ganador del Premio Nacional de Artes en 2014—, es reconocido por realizar piezas como calaveras, catrinas e incluso murales. Asimismo, Irma Blanco, destacada artesana originaria de Santa María Atzompa, logró trascender con sus sirenas y crucifijos en barro, utilizando este material para enaltecer las tradiciones de México. Ambos artistas, como muchos otros, han llevado y continúan llevando el barro negro más allá de las fronteras de Oaxaca.

BRIDGING TRADITION AND MODERNITY

Despite its deep-rooted tradition, black clay has successfully adapted to modern times. Artisans in San Bartolo Coyotepec have innovated in both design and functionality, creating everything from jewelry to decorative items such as vases and candelabras with more contemporary lines.

Black clay has also found a place in contemporary art. Artists such as Carlomagno Pedro Martínez, a sculptor and potter from San Bartolo Coyotepec and recipient of the National Prize for Arts in 2014, is recognized for creating pieces such as skulls, catrinas, and even murals. Likewise, Irma Blanco, a distinguished artisan from Santa María Atzompa, gained recognition for her clay mermaids and crucifixes, using this material to elevate Mexican traditions. Both artists, like many others, have carried—and continue to carry—black clay beyond the borders of Oaxaca.

Memorias esculpidas del Pacífico

Sculpted Memories of

the Pacific

Por/ By Jessica Servín Castillo

En el corazón de Zihuatanejo, Guerrero (México), donde el sol se posa temprano sobre el malecón y las olas marcan el paso de los pescadores, hay un artista cuya obra encarna la esencia misma de este destino costero: Magdaleno “Maleno” Flores Radilla. Su legado — tallados de lanchas, pangas y canoas pintados a mano— se ha convertido en un símbolo visual de la vida y la memoria del mar en Ixtapa-Zihuatanejo.

Maleno no produce simples souvenirs; crea pequeños universos de madera que evocan la vida diaria frente al Pacífico. Cada embarcación es tallada y coloreada con meticulosa atención, con detalles que remiten a los colores de la bahía, las redes tendidas al sol y los cascos que regresan repletos de pesca al amanecer. Para viajeros que han recorrido mercados intensamente turísticos, sus piezas representan algo más profundo: una narrativa artesanal que se niega al anonimato de la producción masiva.

Su taller —conocido popularmente como El Jumil— se ubica en Paseo al Pescador, en el centro de Zihuatanejo, justo frente al mercado de pescadores. Más que una tienda, este espacio es un punto de encuentro entre quienes aman las artesanías del lugar y la comunidad que ha visto crecer a Maleno y sus creaciones durante más de una década.

In the heart of Zihuatanejo, Guerrero (Mexico), where the sun settles early over the malecón and the waves set the rhythm for local fishermen, there is an artist whose work embodies the very essence of this coastal destination: Magdaleno “Maleno” Flores Radilla. His legacy—hand-carved and hand-painted wooden boats, pangas, and canoes—has become a visual symbol of life by the sea in Ixtapa-Zihuatanejo.

Maleno does not create simple souvenirs; he crafts small wooden worlds that evoke daily life along the Pacific. Each vessel is carved and painted with meticulous care, featuring details that echo the colors of the bay, nets stretched out under the sun, and hulls returning at dawn heavy with the morning’s catch. For travelers who have wandered through heavily touristed markets, his pieces offer something more profound: an artisanal narrative that resists the anonymity of mass production.

His workshop—popularly known as El Jumil—is located on Paseo del Pescador in downtown Zihuatanejo, directly across from the fishermen’s market. More than a shop, it serves as a meeting point for those who cherish local craftsmanship and for the community that has watched Maleno and his creations flourish for over a decade.

Aquí, las canoas y otras piezas no solo se exhiben; se cuentan historias: de mares abiertos, de manos curtidas por el sol, de turistas que se detienen y reconocen en estos objetos una conexión directa con el espíritu del pueblo.

Lo que distingue a sus obras es su autenticidad palpable y su arraigo cultural. Cuando un viajero sostiene una de estas miniaturas, no solo lleva consigo un recuerdo de madera pintada, sino también un fragmento de la Costa Grande, un territorio donde la artesanía también compite con productos imitativos que muchas veces no reflejan la tradición local. Esta búsqueda de autenticidad es un valor que Maleno y otros artesanos defienden en un mercado saturado de piezas industrializadas.

Las canoas de Maleno han trascendido fronteras: algunas han llegado a hogares en Noruega, España, Canadá y México misma, convirtiéndose en testimonios silenciosos de la cultura marítima de Guerrero.

Visitar Zihuatanejo sin explorar estos talleres artesanales sería perderse un aspecto esencial de la experiencia. Las artesanías de la región, desde cerámica hasta madera, reflejan una tradición viva que se entreteje con la cotidianidad del lugar, y la obra de Maleno Flores Radilla es uno de sus ejemplos más inspiradores.

Para quienes viajan buscando recuerdos con significado —objetos que no solo decoren, sino que cuenten historias— las piezas de Maleno son memorias esculpidas del Pacífico que resumen la interacción entre un pueblo y el mar que lo sostiene.

Here, the canoes and other pieces are not merely displayed; stories are told—of open waters, sun-weathered hands, and visitors who pause and recognize in these objects a direct connection to the spirit of the town.

What distinguishes his work is its tangible authenticity and deep cultural roots. When a traveler holds one of these miniatures, they carry more than a painted wooden keepsake; they take with them a fragment of the Costa Grande, a region where handmade artistry competes with imitative products that often fail to reflect local tradition. This commitment to authenticity is a value Maleno and fellow artisans uphold in a market saturated with industrialized goods.

Maleno’s canoes have crossed borders, finding homes in Norway, Spain, Canada, and across Mexico, becoming quiet ambassadors of Guerrero’s maritime culture.

To visit Zihuatanejo without exploring its artisan workshops is to miss an essential dimension of the experience. The region’s crafts—from ceramics to woodwork—reflect a living tradition woven into everyday life, and the work of Maleno Flores Radilla stands among its most inspiring expressions.

For those who travel in search of meaningful mementos— objects that do more than decorate, that tell stories—Maleno’s pieces are sculpted memories of the Pacific, capturing the enduring bond between a town and the sea that sustains it.

Donde canta el cobre Where copper sings

Por/ By Jessica Servín Castillo

En el corazón de Michoacán hay un pueblo donde el sonido del martillo marca el pulso cotidiano.

In the heart of Michoacán, there is a town where the sound of the hammer sets the rhythm of daily life.

En Santa Clara del Cobre, el metal no solo se trabaja: se hereda, se honra y se convierte en identidad. Entre la sierra homónima y los cerros de la Cantera, este Pueblo Mágico mantiene viva una tradición que antecede a la Colonia y que, siglos después, continúa brillando con la misma intensidad.

In Santa Clara del Cobre, metal is not merely worked: it is inherited, honored, and transformed into identity. Nestled between the mountain range that shares its name and the hills of La Cantera, this Pueblo Mágico keeps alive a tradition that predates the Colonial era and, centuries later, continues to shine with the same intensity.

Mucho antes de la llegada de los españoles, los purépechas ya dominaban el cobre. Con él, fabricaban joyas, máscaras rituales y utensilios domésticos, prueba de un conocimiento metalúrgico avanzado en Mesoamérica. Tras la Conquista, la ubicación estratégica del poblado —en la ruta comercial que conectaba Tierra Caliente con Pátzcuaro y Valladolid— consolidó su vocación artesanal. En 1553 recibió el nombre de Santa Clara y, con el tiempo, el añadido “del Cobre” dejó de ser descripción para convertirse en destino.

La fama de sus talleres alcanzó dimensión internacional en 1968, cuando el pebetero oficial de los Juegos Olímpicos de México 1968 fue elaborado aquí. Aquel encargo no solo exhibió la maestría de los artesanos ante el mundo; confirmó que una tradición comunitaria podía dialogar con la modernidad sin perder su raíz.

Long before the arrival of the Spanish, the Purépecha people had already mastered copper. They crafted jewelry, ritual masks, and household utensils—evidence of advanced metallurgical knowledge in Mesoamerica. After the Conquest, the town’s strategic location—along the trade route connecting Tierra Caliente with Pátzcuaro and Valladolid—cemented its artisanal vocation. In 1553, it was given the name Santa Clara, and over time the addition “del Cobre” evolved from description into destiny.

The reputation of its workshops reached international prominence in 1968, when the official Olympic cauldron for the Mexico City 1968 Olympic Games was crafted here. The commission not only showcased the artisans’ mastery to the world; it confirmed that a community-based tradition could engage with modernity without losing its roots.

UNA RUTA BRILLANTE

Hoy, la mayoría de las familias continúa vinculada al oficio. En decenas de talleres y tiendas se ofrecen piezas únicas: desde caballitos tequileros y pulseras hasta imponentes cazos, tinas, lámparas o muebles. Nada sale de una línea de producción en serie; cada objeto es resultado del fuego, la fuerza del brazo y una técnica transmitida por generaciones.

El mejor punto de partida para comprender esta herencia es el Museo Nacional del Cobre. Su colección reúne obras ganadoras de concursos nacionales y piezas que rozan lo escultórico. En el patio, una fragua encendida permite observar —e incluso intentar— el proceso de forjado. El visitante descubre pronto que moldear cobre exige precisión, resistencia y oído: el metal “habla” a través del martilleo.

A BRILLIANT ROUTE

Today, most families remain connected to the craft. Dozens of workshops and shops offer one-of-a-kind pieces: from tequila shot cups and bracelets to imposing cauldrons, tubs, lamps, and furniture. Nothing emerges from an assembly line; each object is the result of fire, the strength of the arm, and a technique passed down through generations.

The best starting point for understanding this heritage is the National Copper Museum. Its collection brings together prize-winning works from national competitions and pieces that verge on sculpture. In the courtyard, a lit forge allows visitors to observe—and even attempt— the forging process. One quickly discovers that shaping copper requires precision, endurance, and a trained ear: the metal “speaks” through the rhythm of hammering.

La ruta cultural incluye la Escuela Nacional de Artesanos, el Taller de Portón, la Capilla de Indios y el Templo de Nuestra Señora del Sagrario, dedicado a Santa Clara de Asís, patrona del gremio. Cada edificio suma capas de historia en un conjunto arquitectónico de más de cuatro siglos donde conviven rasgos barrocos, neoclásicos y platerescos.

A mediados de agosto, la Feria Nacional del Cobre convierte al pueblo en escaparate del talento local. Y a pocos kilómetros, el lago de Lago de Zirahuén ofrece un contrapunto natural: kayak al amanecer, senderismo entre bosques y tardes de pesca deportiva.

La experiencia se completa en la plaza, con tortas de tostada —bolillo con frijoles, queso de puerco y carne apache marinada en limón—, charales, corundas y barbacoa. Sabores que, como el cobre, son parte del patrimonio vivo.

En Santa Clara del Cobre la tradición es un presente continuo. Un lugar donde el metal canta y el viajero aprende que el verdadero lujo está en lo hecho a mano.

The cultural route also includes the National School of Artisans, the Taller de Portón workshop, the Capilla de Indios, and the Temple of Nuestra Señora del Sagrario, dedicated to Saint Clare of Assisi, patron saint of artisans. Each building adds layers of history to an architectural ensemble spanning more than four centuries, where Baroque, Neoclassical, and Plateresque elements coexist.

In mid-August, the National Copper Fair transforms the town into a showcase of local talent. Just a few kilometers away, Lake Zirahuén offers a natural counterpoint: kayaking at dawn, forest hikes, and afternoons of sport fishing.

The experience concludes in the town square with tortas de tostada—crusty rolls filled with beans, queso de puerco, and carne apache marinated in lime—alongside charales, corundas, and barbacoa. Flavors that, like copper itself, are part of a living heritage.

In Santa Clara del Cobre, tradition is a continuous present. A place where metal sings and travelers discover that true luxury lies in what is made by hand.

NORTE

Mario García Torres: arte como investigación art as research

Por/By Maria Galland

Mario García Torres es un artista visual y conceptual cuya práctica se distingue por convertir la investigación en materia artística. Su obra se mueve entre archivo, narrativa y reconstrucción histórica, utilizando medios como video, texto, instalación, performance y pintura para cuestionar cómo se construyen —y se cuentan— las historias del arte.

Mario García Torres is a visual and conceptual artist known for turning research itself into artistic material. His practice operates across video, text, installation, performance, and painting, often drawing from archives, fragmented histories, and overlooked episodes in modern and conceptual art. Rather than presenting fixed narratives, his work builds investigative frameworks where uncertainty and interpretation remain visible.

Originario de Monclova, Coahuila, ha desarrollado una línea de trabajo que dialoga con episodios clave del arte conceptual de las décadas de 1960 y 1970. Más que citar referencias, las reactiva: rastrea documentos, revisita proyectos inconclusos y propone nuevas lecturas a partir de vacíos, pistas y contradicciones. Sus piezas suelen partir de procesos de búsqueda que se presentan al espectador como relatos abiertos, donde la duda también es parte del resultado.

Born in Monclova, Coahuila, García Torres has developed a body of work that closely engages with conceptual art traditions from the 1960s and 1970s. Instead of simply referencing them, he reactivates them — tracing missing documents, revisiting unfinished projects, and proposing alternative versions that question authorship, memory, and legitimacy. Many of his pieces unfold like case studies or narrative inquiries, where process becomes inseparable from outcome.

El humor fino y la ironía operan como herramientas críticas dentro de su lenguaje. A través de ellas pone en tensión la noción de verdad documental y autoridad histórica, revelando que toda memoria cultural es, en parte, construcción. Su trabajo invita a mirar el arte no como objeto cerrado, sino como proceso vivo de interpretación.

Ha expuesto en museos y bienales internacionales y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas de relevancia. Paralelamente, ha impulsado proyectos editoriales y colaborativos que amplían el campo del arte conceptual desde una perspectiva contemporánea y latinoamericana.

A subtle sense of humor and irony runs throughout his work, functioning as a critical tool. By blending fact, speculation, and storytelling, he exposes how art history is constructed and mediated. Viewers are often invited to navigate partial information, unresolved clues, and layered references, becoming active participants in meaning-making rather than passive observers.

His work has been exhibited internationally in major museums and biennials, and is held in significant public and private collections. Alongside his artistic production, he has initiated editorial and collaborative platforms that expand contemporary conversations around conceptual practice from a Latin American perspective.

En su práctica, investigar no es un paso previo a crear: es crear. Cada obra funciona como expediente, ensayo visual y pregunta crítica. Más que ofrecer respuestas, Mario García Torres abre líneas de indagación donde el arte se convierte en método.

For García Torres, research is not preparation — it is production. Each project operates as both artwork and inquiry, positioning art as a method of thinking as much as a form of expression.

Horizonte creativo ABC Art Baja California Creative horizon

Por/ By Jessica Servín Castillo

Cada primavera, San José del Cabo se convierte en un epicentro creativo donde el paisaje desértico dialoga con propuestas contemporáneas. En ese contexto, ABC Art Baja California celebra su encuentro anual, una cita que ha redefinido la manera en que la región se vincula con el arte y el diseño. Dentro de esta constelación surge PLATAFORMA ABC, una feria concebida como experiencia inmersiva que transforma el Hotel Drift en un sofisticado hotel art fair.

Durante cuatro días, 29 habitaciones se convierten en galerías efímeras donde la obra se exhibe y se adquiere directamente del creador. Galerías, estudios de diseño, colectivos y artistas independientes habitan cada espacio de forma individual o en colaboraciones cuidadosamente orquestadas. Pintura, fotografía, grabado, collage, acuarela, textiles, artesanía, escultura y piezas de diseño conviven en un recorrido íntimo que favorece la conversación entre coleccionistas, curadores y nuevos públicos.

Each spring, San José del Cabo becomes a creative epicenter where the desert landscape engages in dialogue with contemporary proposals. Within this setting, ABC Art Baja California presents its annual gathering, an event that has redefined how the region connects with art and design. At the heart of this constellation is PLATAFORMA ABC, a fair conceived as an immersive experience that transforms Hotel Drift into a refined hotel art fair.

Over four days, 29 rooms become ephemeral galleries where works are exhibited and acquired directly from their creators. Galleries, design studios, collectives, and independent artists inhabit each space individually or through carefully orchestrated collaborations. Painting, photography, printmaking, collage, watercolor, textiles, craft, sculpture, and design pieces coexist along an intimate route that encourages dialogue among collectors, curators, and new audiences.

El viajero encuentra mucho más que un itinerario expositivo: descubre procesos, escucha relatos y accede a piezas que condensan identidad peninsular y vocación contemporánea. La cercanía con los autores convierte cada habitación en un gabinete vivo, donde la hospitalidad del entorno dialoga con propuestas audaces.

La experiencia se expande con un programa que articula distintas sedes y formatos. En SALA ABC, los participantes presentan obra mural en espacios abiertos; en PATIO ABC, esculturas e instalaciones de gran formato ocupan exteriores con presencia rotunda; mientras que LOCAL ABC integra a galerías, restaurantes y hoteles de San José, Todos Santos y La Paz, activando una red que involucra a toda la comunidad creativa. SONIDO ABC y ESTUDIOS ABC suman conciertos, intervenciones y jornadas de puertas abiertas que enriquecen la agenda cultural.

Si bien la iniciativa avanza hacia su cuarta edición, su vocación es claramente atemporal: consolidar a Baja California Sur como un nodo estratégico dentro del circuito nacional e internacional. Con una estructura que incluye catálogo digital, difusión especializada y acompañamiento profesional, PLATAFORMA ABC impulsa la economía creativa y proyecta el talento local hacia nuevas audiencias. La feria se afirma así como un punto de encuentro imprescindible para quien entiende el arte no solo como contemplación, sino como experiencia, intercambio y destino.

abcartbaja.com

The traveler encounters far more than an exhibition itinerary: one discovers processes, hears narratives, and gains access to works that distill peninsular identity and contemporary vision. Proximity to the artists turns each room into a living cabinet, where the hospitality of the setting converses with bold proposals.

The experience expands through a program that articulates diverse venues and formats. In SALA ABC, participants present wall-based works in open spaces; in PATIO ABC, large-scale sculptures and installations occupy outdoor settings with striking presence; while LOCAL ABC integrates galleries, restaurants, and hotels across San José, Todos Santos, and La Paz, activating a network that engages the entire creative community. SONIDO ABC and ESTUDIOS ABC add concerts, interventions, and open studios that enrich the cultural agenda.

As the initiative moves toward its fourth edition, its vocation remains decidedly timeless: to position Baja California Sur as a strategic node within national and international circuits. With a structure that includes a digital catalog, specialized outreach, and professional support, PLATAFORMA ABC fosters the creative economy and projects local talent toward new audiences. The fair thus stands as an essential meeting point for those who understand art not only as contemplation, but as experience, exchange, and destination.

NORTE

Paradero, pausas que inspira el arte where the desert sets the pace

Por / By Lolique Lorente

Diseñado por Yashar Yektajo y Rubén Valdez, Paradero propone un brutalismo cálido que dialoga directamente con el paisaje. Muros sobrios, materiales locales, jardines comestibles y pasajes abiertos permiten que la luz y el viento guíen la experiencia. El interiorismo, a cargo de Bibiana Huber, refuerza esta conexión a través de una estética serena y táctil, mientras que el paisajismo, desarrollado por Polen Paisaje, integra el entorno natural como parte esencial del proyecto.

Las suites superiores incorporan redes tensadas para contemplar las estrellas: pequeñas hamacas arquitectónicas suspendidas entre el silencio y el paisaje.

There are places that shift your energy from the very first minute. Paradero is one of them. The arrival works like a ritual: before seeing the rooms or the restaurant, guests pass through a circular stone hall with sculptural rocks at its center, where the sound of the sea is amplified and resonates. It is an antechamber designed to slow the pace and leave haste behind.

The upper suites feature suspended nets for stargazing—small architectural hammocks poised between silence and landscape.

UN ESPACIO PARA RECONECTAR CON BAJA

Las experiencias —incluidas en la estancia— buscan conectar mente, cuerpo y territorio. Entre las esenciales se encuentran: Surf Session: lectura respetuosa del oleaje del Pacífico. Cooking Class: ingredientes locales guiados por el equipo culinario. Learn to Farm: agricultura regenerativa en los huertos. Sunset Beach: un atardecer que se vive como ceremonia cotidiana.

En TENOCH —parte de la Guía Michelin 2024 y 2025— el chef José Solís transforma productos locales en platos de profunda dimensión sensorial. Su cocina integra brasa, nixtamalización, hierbas nativas y pesca del día. Cada gesto, incluso el de tostar una nuez, busca elevar el sabor.

Uno de sus platos insignia es el rib eye a las brasas con jus de ajo negro y ñoquis en salsa macha: técnica, textura y un guiño contemporáneo al antojo mexicano.

El head bartender, Hugo Bárcenas, crea una coctelería emocional inspirada en recuerdos e ingredientes de Baja. Su cóctel estrella, Café y Cacao, utiliza un licor propio elaborado mediante termocirculación: mezcal, cacao oaxaqueño y vainilla de Papantla integrados en una composición cálida y precisa. La barra reinterpreta clásicos con productos locales como damiana, xoconostle y salicornia.

UNA COLABORACIÓN EN SINTONÍA

La unión entre Solís y Bárcenas da forma a una experiencia coherente. El chef asegura que el bartender suele anticipar sabores e intenciones: un diálogo natural que eleva el maridaje y convierte la experiencia en algo completo y profundamente pensado.

Paradero no es solo un hotel: es un refugio donde arquitectura, naturaleza y cocina se entrelazan para invitar al visitante a reconectar consigo mismo y con el presente. En este lugar, el desierto no es solo paisaje: es parte esencial de la experiencia.

A SPACE TO RECONNECT WITH BAJA

The experiences—included with the stay—seek to connect mind, body, and territory. Among the essentials are:

Surf Session: a respectful reading of the Pacific’s waves.

Cooking Class: local ingredients guided by the culinary team. Learn to Farm: regenerative agriculture in the gardens.

Sunset Beach: a sunset experienced as a daily ritual.

At TENOCH—part of the Michelin Guide 2024 and 2025—Chef José Solís transforms local products into dishes of profound sensory depth. His cuisine brings together live-fire cooking, nixtamalization, native herbs, and the catch of the day. Every gesture, even toasting a nut, seeks to elevate flavor.

One of his signature dishes is rib eye grilled over embers with black garlic jus and gnocchi in salsa macha: technique, texture, and a contemporary nod to Mexican craving.

Head bartender Hugo Bárcenas crafts an emotional cocktail program inspired by memories and ingredients from Baja. His signature cocktail, Café y Cacao, features a house-made liqueur produced through thermocirculation: mezcal, Oaxacan cacao, and Papantla vanilla integrated into a warm and precise composition. The bar reinterprets classics using local ingredients such as damiana, xoconostle, and salicornia.

A COLLABORATION IN HARMONY

The partnership between Solís and Bárcenas shapes a cohesive experience. The chef notes that the bartender often anticipates flavors and intentions—a natural dialogue that elevates pairings and makes the experience feel complete and thoughtfully conceived.

Paradero is not just a hotel; it is a refuge where architecture, nature, and cuisine intertwine, inviting guests to reconnect with themselves and the present moment. Here, the desert is not merely a landscape—it is an essential part of the experience.

SURESTE

Del son jarocho a la marimba chiapaneca

From Son Jarocho to the Chiapanecan Marimba

Con su ritmo exuberante y su energía vibrante, el son veracruzano y la envolvente marimba de Chiapas y Campeche ofrecen un viaje sonoro a través de las tradiciones musicales del sureste mexicano.

With its exuberant rhythm and vibrant energy, Veracruz’s son and the enveloping marimba of Chiapas and Campeche offer a sonic journey through the musical traditions of southeastern Mexico.

Por / By María Galland

El sol comienza a despuntar en la costa veracruzana y ya se escuchan los primeros acordes del son jarocho. El aire, cargado de humedad y sal, parece bailar con la melodía que surge de las jaranas, los requintos y el contrabajo. En el corazón de este rincón de México, la tradición musical no solo se vive: se respira. Es una celebración constante que une generaciones y mantiene vivas sus historias.

UN SON MULTICULTURAL

Caminando por las calles de Boca del Río, Veracruz, uno no puede evitar notar la vibrante energía que emana de cada esquina. Las fiestas familiares y los eventos comunitarios están impregnados con el ritmo del son jarocho —cuyos orígenes se remontan al siglo XVIII—, con el mar veracruzano como telón de fondo. En el mercado local, vendedores y compradores intercambian historias mientras los acordes de una jarana resuenan al fondo, como un recordatorio constante de la tradición que define a la región.

The sun begins to rise along the coast of Veracruz, and the first notes of son jarocho can already be heard. The air, heavy with humidity and salt, seems to dance with the melody flowing from the jaranas, requintos, and double bass. In the heart of this corner of Mexico, musical tradition is not only lived—it is breathed. It is a constant celebration that brings generations together and keeps their stories alive.

A MULTICULTURAL SOUND

Walking through the streets of Boca del Río, Veracruz, one cannot help but notice the vibrant energy emanating from every corner. Family gatherings and community events are infused with the rhythm of son jarocho—whose origins date back to the 18th century—with the Veracruz sea as a backdrop. In the local market, vendors and customers exchange stories while the chords of a jarana resonate in the background, a constant reminder of the tradition that defines the region.

El son jarocho, expresión musical de origen colonial enraizada en la zona del Sotavento y fruto de la mezcla de influencias africanas, indígenas y españolas, es mucho más que una simple forma musical. En la plaza central, un grupo de músicos locales, conocidos como “jarochos”, se reúne alrededor de una tarima improvisada. Con manos expertas, tocan instrumentos tradicionales mientras el público —tanto locales como turistas— se une a un baile alegre y espontáneo. La danza cobra vida en una coreografía entre mujer y hombre que simula una animada competencia amorosa.

Este espíritu festivo alcanza su punto culminante durante el Festival de la Salsa y el Son Jarocho, un evento anual que se celebra en Boca del Río y que atrae a miles de visitantes. Las calles se llenan de música, colores y risas, mientras familias, jóvenes y ancianos se sumergen en la celebración. Las escuelas, como la Escuela Municipal de Bellas Artes (EMBA), no solo conservan la tradición, sino que la transmiten a nuevas generaciones a través de clases y talleres, asegurando que el son jarocho siga siendo un pilar cultural vibrante.

Son jarocho, a musical expression of colonial origin rooted in the Sotavento region and born from the blend of African, Indigenous, and Spanish influences, is much more than a simple musical form. In the central plaza, a group of local musicians, known as jarochos, gathers around an improvised wooden platform. With skilled hands, they play traditional instruments as the audience—locals and tourists alike—joins in an upbeat, spontaneous dance. The choreography between men and women simulates a lively courtship, bringing the tradition to life.

This festive spirit reaches its peak during the Salsa and Son Jarocho Festival, an annual event held in Boca del Río that attracts thousands of visitors. The streets fill with music, color, and laughter as families, young people, and elders immerse themselves in the celebration. Schools such as the Municipal School of Fine Arts (EMBA) not only preserve the tradition but also pass it on to new generations through classes and workshops, ensuring that son jarocho remains a vibrant cultural pillar.

AL RITMO DE LA MARIMBA

Hacia el sureste de México, el viento sopla hasta los estados de Chiapas y Campeche, donde el sonido de la marimba ofrece un contrapunto melódico al bullicioso son jarocho. El amanecer en Tuxtla Gutiérrez, la capital chiapaneca, revela un panorama distinto: en lugar de la brisa marina, el aire lleva consigo el eco cálido de este instrumento, que puede ser ejecutado por una persona o por tres o más intérpretes.

La historia de la marimba se remonta a más de 500 años y, al igual que el son jarocho, también fue influenciada por aportaciones africanas y españolas. Su melodía se ha convertido en el alma de las celebraciones. Las notas vibrantes de este instrumento de percusión llenan el aire en eventos que van desde danzones hasta cumbias. En el Centro Cultural Jaime Sabines, un grupo de músicos se prepara para una tarde de conciertos y talleres. El lugar, lleno de estudiantes y aficionados, se transforma en un animado centro de actividades donde la música se convierte en un lenguaje común.

Desde 1999 se realiza el Festival Internacional de Marimbistas en Tuxtla Gutiérrez, que también tiene eco en otras localidades del estado, como Chiapa de Corzo y San Cristóbal de las Casas. Allí, músicos de todo el mundo se reúnen para celebrar este instrumento mientras comparten sus interpretaciones y aprenden unos de otros.

MELODÍAS COMPARTIDAS

La marimba no es exclusiva de Chiapas. En Campeche, sus notas y canciones también forman parte de la tradición y son infaltables en las festividades locales. Aquí, plazas y mercados vibran al ritmo de este instrumento, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO, que ofrece un acompañamiento perfecto en medio de la vida cotidiana.

En Campeche, la preservación de la marimba se realiza a través de su enseñanza en escuelas de música y la organización de eventos culturales que destacan la importancia de este instrumento en la región.

Al recorrer estos paisajes musicales, uno no solo experimenta la diversidad de la música mexicana, sino que también se convierte en testigo de su profunda riqueza cultural y de la manera en que estas tradiciones siguen marcando el pulso de la vida en el sureste del país.

TO THE RHYTHM OF THE MARIMBA

Further southeast, the wind carries us to the states of Chiapas and Campeche, where the sound of the marimba offers a melodic counterpoint to the lively son jarocho. Dawn in Tuxtla Gutiérrez, the capital of Chiapas, reveals a different scene: instead of a sea breeze, the air carries the warm echo of this instrument, which can be played by one musician or by three or more performers.

The history of the marimba dates back more than 500 years and, like son jarocho, it was shaped by African and Spanish influences. Its melody has become the soul of celebrations. The vibrant notes of this percussion instrument fill the air at events ranging from danzones to cumbias. At the Jaime Sabines Cultural Center, a group of musicians prepares for an afternoon of concerts and workshops. The venue, filled with students and enthusiasts, transforms into a lively hub where music becomes a shared language.

Since 1999, the International Marimba Festival has been held in Tuxtla Gutiérrez, with events also taking place in other parts of the state, such as Chiapa de Corzo and San Cristóbal de las Casas. There, musicians from around the world gather to celebrate the instrument while sharing interpretations and learning from one another.

SHARED MELODIES

The marimba is not exclusive to Chiapas. In Campeche, its notes and songs are also part of local tradition and an essential feature of community festivities. Here, plazas and markets vibrate to the rhythm of this instrument, declared Intangible Cultural Heritage of Humanity by UNESCO, providing the perfect accompaniment to daily life.

In Campeche, the preservation of the marimba is carried out through music education in schools and the organization of cultural events that highlight the instrument’s importance in the region.

As one journeys through these musical landscapes, it becomes clear that beyond experiencing the diversity of Mexican music, one also witnesses its profound cultural richness and the way these traditions continue to shape daily life in southeastern Mexico.

Máscaras, sones, vida masks, sones, life

Por /By Jessica Servín Castillo

Chiapa de Corzo se convierte en un festín de música, color y tradición cuando los parachicos desfilan por sus calles. Con máscaras de madera talladas a mano, sarapes, monteros y chinchines que marcan el compás, estos danzantes llenan plazas y callejones de zapateados y vivas, ofreciendo un espectáculo que trasciende generaciones.

Chiapa de Corzo transforms into a feast of music, color, and tradition when the parachicos parade through its streets. With handcarved wooden masks, sarapes, monteros, and chinchines marking the rhythm, these dancers fill plazas and alleys with stamping feet and cheers, offering a performance that transcends generations.

Más que un baile, ser parachico es un legado que se lleva en la sangre. Desde niños, algunos comienzan a aprender los movimientos, a observar y repetir los sones que han acompañado a la comunidad durante siglos. La danza es también devoción: los parachicos honran a los santos, recorren hogares y plazas, y participan en una coreografía de alegría y agradecimiento que se comparte con todos los que visitan la ciudad.

Being a parachico is more than a dance; it is a legacy carried in the blood. From childhood, some begin learning the movements, observing and repeating the sones that have accompanied the community for centuries. The dance is also an act of devotion: the parachicos honor the saints, visit homes and plazas, and participate in a choreography of joy and gratitude shared with everyone who comes to the city.

Cada paso, cada giro y cada ritmo de tambor, carrizo y pito cuenta una historia. Historias que nacen de leyendas, como la de doña María de Ángulo, que inspiró la celebración original para alegrar a su hijo enfermo. Ese espíritu de cuidado, fe y comunidad permanece vivo en cada baile, cada sonrisa y cada plato compartido en las casas de los priostes, quienes ofrecen comida tradicional como parte de la ofrenda.

Niños y adultos se mezclan en la danza, recordando que esta fiesta no es un espectáculo pasivo: se participa, se siente y se celebra en cuerpo y alma. Carros alegóricos, banderas de colores y comparsas enriquecen el recorrido, mientras los espectadores se contagian de la energía de la tradición. Cada momento es una oportunidad para sumergirse en una cultura que combina historia, ritual y pura alegría.

Every step, every turn, and every rhythm of drums, reeds, and whistles tells a story. Stories born from legends, like that of Doña María de Ángulo, who inspired the original celebration to bring joy to her sick son. That spirit of care, faith, and community remains alive in every dance, every smile, and every shared meal in the homes of the priostes, who offer traditional food as part of the offering.

Children and adults alike join the dance, reminding everyone that this festival is not a passive spectacle: it is experienced, felt, and celebrated with body and soul. Floats, colorful flags, and processions enrich the parade, while spectators catch the infectious energy of the tradition. Every moment is an opportunity to immerse oneself in a culture that blends history, ritual, and pure joy.

La Fiesta Grande de Chiapa de Corzo no tiene un calendario limitado para quienes la visitan: se puede planear para conocerla cada inicio de año, siempre que se desee experimentar una celebración donde la música y la fe se encuentran en perfecta armonía. Es un testimonio de identidad viva, una invitación a dejarse llevar por el ritmo y la emoción que solo esta tradición puede ofrecer.

The Fiesta Grande of Chiapa de Corzo has no fixed calendar for visitors: it can be planned at the start of each year, whenever one wishes to experience a celebration where music and faith meet in perfect harmony. It is a testament to a living identity, an invitation to be carried away by the rhythm and emotion that only this tradition can offer.

Raíces que viven Living roots

Staff TGTM

En el corazón del Caribe mexicano, donde la selva respira cerca del mar, la Feria Xcaret de Arte Popular Mexicano celebrará su tercera edición. Durante cuatro días, la Hacienda Henequenera del Parque Xcaret se transforma en un territorio dedicado a las manos que preservan la memoria de México.

No es una feria más. Es un encuentro con 140 artesanas y artesanos provenientes de distintas regiones del país, reunidos para compartir piezas seleccionadas con rigor y respeto por su origen. Cada objeto expuesto —una hamaca, una pieza de cerámica, un cuchillo, un textil bordado— contiene algo más que materia: guarda la historia de una familia, de una comunidad y de un paisaje específico.

Caminar entre los puestos es recorrer un mapa cultural. En una mesa, la cuchillería brilla con acero inoxidable y mangos de maderas densas, cuerno o incluso fósil de mamut, trabajados con precisión paciente. Más adelante, el papel amate —hecho con corteza de árbol— despliega escenas de danzas y labores del campo pintadas con pigmentos naturales. Los juguetes de lana revelan humor e imaginación; los huajes, antiguos frutos convertidos en recipientes decorativos, muestran cómo lo cotidiano puede transformarse en arte.

In the heart of the Mexican Caribbean, where the jungle breathes close to the sea, the Feria Xcaret de Arte Popular Mexicano will celebrate its third edition. For four days, the Hacienda Henequenera at Parque Xcaret becomes a space devoted to the hands that preserve Mexico’s memory.

This is no ordinary fair. It is a gathering of 140 women and men artisans from different regions of the country, brought together to share carefully selected pieces presented with respect for their origins. Every object on display—a hammock, a ceramic piece, a knife, an embroidered textile—contains more than material form: it carries the story of a family, a community, and a particular landscape.

Walking among the stands is like tracing a cultural map. On one table, cutlery gleams in stainless steel with handles made from dense woods, horn, or even mammoth fossil, shaped with patient precision. Nearby, amate paper—crafted from tree bark—unfolds scenes of dances and rural life painted with natural pigments. Wool toys reveal humor and imagination; huajes, ancient gourds transformed into decorative vessels, show how the everyday can become art.

Hay piezas de cartonería que parecen recién salidas de una fiesta popular: máscaras, calaveras y corazones de color intenso. La talla en madera y en cuerno de toro confirma que la destreza técnica puede convivir con la funcionalidad. En los cuadros wixárika, elaborados con cera y estambre, el color construye símbolos que hablan de una relación profunda con la naturaleza. Las hamacas, tejidas ahora con hilos mercerizados de algodón además del tradicional henequén, mantienen intacta su vocación: ofrecer descanso y belleza en un mismo gesto.

El visitante descubre aquí algo difícil de encontrar en vitrinas convencionales: el proceso. Las demostraciones en vivo permiten observar el telar en movimiento, el barro tomando forma, el soplo que expande el vidrio incandescente, la fibra vegetal que se entrelaza hasta convertirse en cesta o sombrero. La feria no solo exhibe resultados; abre la puerta al tiempo que requiere cada obra.

El programa incluye concursos —de cerámica, textil, madera y otras técnicas—, ponencias sobre la relevancia del arte popular en la identidad mexicana y pasarelas donde la indumentaria tradicional dialoga con el diseño contemporáneo. Lejos de ser un espectáculo folclórico, es una plataforma que reconoce el valor cultural, artístico y económico del trabajo artesanal.

La Feria Xcaret de Arte Popular Mexicano este 2026 se celebrará del 24 al 27 de septiembre de 2026.

There are cartonería pieces that seem fresh from a popular celebration: vividly colored masks, skulls, and hearts. Wood and bull horn carving demonstrate how technical mastery can coexist with functionality. In Wixárika panels, created with wax and yarn, color forms symbols that speak of a profound relationship with nature. Hammocks, now woven with mercerized cotton threads in addition to traditional henequen fiber, retain their essential purpose: offering rest and beauty in a single gesture.

Here, visitors discover something rarely found in conventional display cases: the process itself. Live demonstrations allow guests to observe the loom in motion, clay taking shape, the breath that expands molten glass, plant fibers interlacing until they become a basket or hat. The fair does not merely present finished works; it opens a window onto the time each piece requires.

The program includes competitions in ceramics, textiles, wood, and other techniques; talks on the importance of folk art in Mexican identity; and runway presentations where traditional attire enters into dialogue with contemporary design. Far from being a folkloric spectacle, it is a platform that recognizes the cultural, artistic, and economic value of artisanal work.

The Feria Xcaret de Arte Popular Mexicano 2026 will take place from September 24 to 27, 2026.

BEYOND MEXICO

Los Ángeles, una ciudad artística A city of art

Por/ By Maria Galland

Los Ángeles no solo se mira: se recorre como un mapa creativo en constante expansión. La ciudad ha consolidado una identidad artística propia donde conviven grandes museos, galerías experimentales, ferias internacionales y distritos culturales que funcionan como laboratorios abiertos. Aquí, el arte no es un complemento de la escena cultural — es parte de su infraestructura.

Los Angeles is not just a backdrop for culture — it is an active, evolving art landscape. Spread across neighborhoods rather than confined to a single center, the city’s creative scene unfolds through museums, independent galleries, artist-run spaces, studios, and major international fairs. The result is a decentralized but deeply connected ecosystem where experimentation and market power coexist.

Cada año, la llegada de Frieze Los Angeles confirma su peso dentro del circuito global. La feria reúne a galerías líderes del mundo junto con espacios emergentes, coleccionistas y curadores, activando exposiciones paralelas, intervenciones públicas y programas curatoriales en toda la ciudad. Durante esa semana, Los Ángeles se transforma en una plataforma de descubrimiento donde lo institucional y lo independiente dialogan sin jerarquías rígidas.

Each year, Frieze Los Angeles anchors the city within the global art calendar. The fair brings together leading international galleries alongside emerging programs, drawing collectors, curators, and artists while triggering a citywide wave of satellite shows, pop-ups, and special exhibitions. During fair week, Los Angeles shifts into high-visibility mode — but the momentum is built on a year-round gallery culture.

Pero el pulso artístico angelino no depende solo de las ferias. Barrios como Arts District, Culver City y Hollywood concentran galerías de referencia internacional —entre ellas Hauser & Wirth Los Angeles— junto con espacios experimentales dirigidos por artistas y curadores jóvenes. La proximidad entre estudios, talleres y salas de exhibición genera un ecosistema donde el proceso creativo es visible y accesible.

En el terreno museístico, recintos como The Broad, Los Angeles County Museum of Art y Museum of Contemporary Art Los Angeles ofrecen colecciones y programas que abarcan desde arte contemporáneo hasta cruces con arquitectura, diseño y cultura visual.

Key districts shape that ongoing rhythm. The Arts District downtown blends industrial architecture with contemporary gallery spaces and studios. Culver City has long been a gallery hub, known for its walkable clusters and strong contemporary programs. Hollywood and Mid-City continue to grow with hybrid spaces that mix exhibition, performance, and publishing.

Major institutions reinforce the depth of the scene. The Broad focuses on postwar and contemporary art, while Los Angeles County Museum of Art and Museum of Contemporary Art Los Angeles provide curatorial range across periods and movements. Large gallery complexes such as Hauser & Wirth Los Angeles function as cultural campuses, hosting exhibitions, talks, and public programs.

Lo que distingue a Los Ángeles es su escala y su libertad. No existe una sola escena, sino muchas superpuestas: arte latino, conceptual, performativo, digital y comunitario. Entre estudios abiertos, pop-ups curatoriales y ferias internacionales, la ciudad confirma que su lenguaje creativo no es tendencia pasajera, sino territorio permanente. Aquí, el arte no se visita: se habita.

discoverla.com

What defines Los Angeles artistically is its openness of structure. There is no single gatekeeper district and no fixed narrative. Latin American voices, conceptual practices, digital work, performance, and crossdisciplinary projects all find space here. In Los Angeles, art is not concentrated — it is distributed, lived with, and constantly in motion.

Esencias Mexicanas Mexican Essences

Tequilas de autor, rones premium y libros que celebran sabores, arte y tradición en cada detalle.

Signature tequilas, premium rums, and books that celebrate flavors, art, and tradition in every detail.

Por / By Jessica Servín Castillo

PUREZA, FINEZA Y ELEGANCIA

Loco Puro Corazón es una obra maestra líquida que honra la locura genial de quienes se atreven a crear con autenticidad radical. Su perfección eleva al tequila blanco a un nivel de creatividad trascendente jamás antes visto. Lujo, sofisticación y arte en una sola pieza. Su botella y estuche fueron diseñados por el artista Jan Hendrix; tequila de autor por Alberto Navarro, maestro tequilero de Loco Tequila. locotequila.mx

¡QUE VIVA EL PULQUE!

El pulque es más que una bebida fermentada; es un símbolo de resistencia y cultura. Este libro de Juan Escalona y editado por NOVO, recorre su identidad y naturaleza, conectando cada capítulo con un territorio y un tema esencial: fermentación, historia natural, tinacales y tensiones sociales. Acompañado de recetas exclusivas para maridar con pulque, es una obra indispensable que celebra y documenta la nueva gastronomía mexicana. ¡Edición bilingüe!

novomx.com

PURITY, FINESSE, AND ELEGANCE

Loco Puro Corazón is a liquid masterpiece that honors the brilliant madness of those bold enough to create with radical authenticity. Its precision elevates blanco tequila to a level of transcendent creativity never seen before. Luxury, sophistication, and art in a single expression. Its bottle and case were designed by artist Jan Hendrix; an author-crafted tequila by Alberto Navarro, Master Tequilero of Loco Tequila.

LONG LIVE PULQUE!

Pulque is more than a fermented beverage; it is a symbol of resistance and culture. This book by Juan Escalona, published by NOVO, explores its identity and nature, linking each chapter to a territory and a key theme: fermentation, natural history, tinacales, and social tensions. Accompanied by exclusive recipes to pair with pulque, it is an essential work that celebrates and documents the new Mexican gastronomy. Bilingual edition!

ARTE EN BARRICA

Casa Dragones Añejo Barrel Blend es un tequila pensado para celebrar. Su doble crianza en barricas nuevas de roble francés y americano aporta elegancia y carácter. De cuerpo ligero y tonos brillantes, despliega aromas florales con notas de higo y almendra; en boca evoca macadamia, nuez moscada y zarzamora, con un final largo y envolvente de cacao y pimienta negra.

casadragones.com.mx

SABOR Y MEMORIA

Gaby Ruiz, una de las voces más influyentes de la gastronomía mexicana, debuta con Carmela, un libro editado por Debate, transforma sabores en historias. Con recetas emblemáticas, anécdotas y reflexiones, fusiona tradición e innovación, celebrando la riqueza culinaria de México. Chef propietaria de Vuelve Carmela, Carmela & Sal (Guía Michelin) y Vuela Carmela, su obra invita a vivir la cocina como una experiencia sensorial única.

penguinlibros.com/mx

ART IN THE BARREL

Casa Dragones Añejo Barrel Blend is a tequila crafted for celebration. Its double aging in new French and American oak barrels brings elegance and character. Light-bodied with bright tones, it reveals floral aromas with hints of fig and almond; on the palate, it evokes macadamia, nutmeg, and blackberry, finishing long and enveloping with notes of cacao and black pepper.

FLAVOR AND MEMORY

Gaby Ruiz, one of the most influential voices in Mexican gastronomy, debuts with Carmela, a book published by Debate that transforms flavors into stories. Featuring signature recipes, anecdotes, and reflections, it blends tradition and innovation while celebrating Mexico’s culinary richness. As the chef-owner of Vuelve Carmela, Carmela & Sal (Michelin Guide), and Vuela Carmela, her work invites readers to experience cooking as a unique sensory journey.

UNA MEZCLA ÚNICA

Zacapa No. 23 es un ron premium elaborado con el sistema Solera y añejado en barricas de whiskey americano, jerez y Pedro Ximénez. Ofrece aromas de caramelo, vainilla y cacao; en boca es complejo, con notas de fruta seca, roble y especias. Suave y equilibrado, se disfruta solo o con hielo. Ideal para maridar con chocolate oscuro, postres de nuez o quesos curados.

zacaparum.com

ESPÍRITU MEXICANO

The Art of Tequila: Spirit of Mexico de Assouline es un tributo sofisticado al tequila como arte y cultura. Con fotografías exclusivas, botellas icónicas y escenas culturales vibrantes, el libro revela la rica tradición artesanal y la creatividad contemporánea de México. Desde Tequila 1800 hasta Dobel y Reserva de la Familia, cada historia honra la herencia, el diseño y el legado.

tequila1800.mx

A UNIQUE BLEND

Zacapa No. 23 is a premium rum crafted using the Solera system and aged in American whiskey, sherry, and Pedro Ximénez casks. It reveals aromas of caramel, vanilla, and cacao; on the palate it is complex, with notes of dried fruit, oak, and spice. Smooth and well balanced, it is best enjoyed neat or on the rocks. Ideal to pair with dark chocolate, nut-based desserts, or aged cheeses.

MEXICAN SPIRIT

The Art of Tequila: Spirit of Mexico by Assouline is a refined tribute to tequila as both art and culture. Featuring exclusive photography, iconic bottles, and vibrant cultural scenes, this book unveils Mexico’s rich craftsmanship and contemporary creativity. From Tequila 1800 to Dobel and Reserva de la Familia, each story honors heritage, design, and legacy.