Viviendo la Danza Vol. 3 Núm. 4 Diciembre 2025

¡Nunca es tarde para

bailar en la adultez!

Ballet:un artepara

dar, celebrary bailarse

Exámenesde

Conoce qué evalúa la RAD

danza HABLEMOSDELA MODERNA

Conoce cómo el ballet estimula la escritura

NAVIDAD 2025

AXDA tiene más de 18 años de experiencia en el campo de la enseñanza de la danza promoviendo el desarrollo del talento de nuestros alumnos locales e internacionales; apoyando y fomentando la educación cultural.

AXDA promueve una calidad en la enseñanza; proveyendo la base de todo movimiento, el Ballet, a través de la metodología de la Royal Academy of Dance de Londres Nuestra directora y maestra, Alicia Oliveras, RAD RTS es una maestra registrada de la RAD, quien posee el reconocimiento de esta organización mundial para entrenar bailarines para los exámenes y la competencia internacional de la RAD. En adición, ha formado parte de la facultad de la RAD para impartir cursos a futuros maestros del sistema con alumnos internacionales, también es miembro activo del Consejo Internacional de la Danza

Misión:

Buscamos propiciar un ambiente expresivo, social y formador de cada talento a su máxima expresión; en el que la comunidad y cada uno de sus miembros cooperen en el proceso de aprendizaje para la formación de un ente completo y armónico mediante actividades expositivas, en las cuales el maestro participe como mentor, consejero e intermediario y el estudiante como la figura medular

Visión:

Enaltecer el mundo de las artes, llegando a ser una de las mejores instituciones educativas del país; mediante la implementación de estrategias innovadoras que se ajusten a las necesidades del estudiantado, con énfasis en la educación con valores, que sean de gran impacto social y cultural hacia nuestros alumnos, sus familias y la comunidad en general.

Dirección: The Outlet Mall, 2do nivel, Edif. Caribbean Cinemas, Canóvanas Puerto Rico, 00729

Contacto: 1-787-256-7717

www.axdapr.com info@axdapr.com

EDITORA EN JEFE

ALICIA OLIVERAS

@AXDAPRCOM

DIRECTORA DE CONTENIDO

VALERIA SANTOS

FOTÓGRAFA

JODI PHOTOGRAPHY

@FOTOS.BYJC

ESCRITORA

VALERIA SANTOS

ESCRITORA Y PUBLICISTA

@VALE SD VALERIA DE JESÚS

ESCRITORA

ISABEL BURGOS ROSSY

DEL EDITOR

Querida comunidad de la danza,

Felicidades en esta temporada Navideña Celebramos en portada a la bailarina integrante del Programa de Ballet de AXDA, con titulación completada recientemente ante la Royal Academy of Dance del Grado 4; Valeria Maldonado Toledo, quien en la sesión de fotos logró el movimiento y el arte en una sola imagen.

En esta edición titulada Hablemos de la Danza Moderna celebramos la riqueza y diversidad de nuestro arte en múltiples perspectivas Desde el canto coral, donde la voz se convierte en un instrumento colectivo que transmite emociones y melodías, hasta la fuerza expresiva del ballet y la salsa, recordamos que la danza es un lenguaje universal que nos conecta, nos celebra y nos transforma.

QUEREMOS QUE CADA LECTOR SE INSPIRE A SEGUIR BAILANDO, EXPLORANDO Y CONECTANDO CON SU PROPIA VOZ Y SU CUERPO, PORQUE LA DANZA, EN TODAS SUS FORMAS, SIEMPRE TIENE ALGO QUE ENSEÑARNOS.

Nuestros artículos recorren la danza en todas sus etapas: los niños que descubren el placer de moverse, los jóvenes y adultos que reinventan su relación con el cuerpo y los desafíos que enfrentan los artistas, como el miedo escénico o los desórdenes alimenticios. También exploramos cómo la danza estimula habilidades como la escritura en la niñez y cómo la flexibilidad y la consciencia corporal son aliados esenciales en la práctica artística.

Esta temporada nos invita a mirar tras bastidores, a comprender lo que mueve a quienes viven la danza y a celebrar los momentos de encuentro y aprendizaje, como los exámenes de ballet 2026 y la alegría de la Navidad con AXDA. Queremos que cada lector se inspire a seguir bailando, explorando y conectando con su propia voz y su cuerpo; porque la danza, en todas sus formas, siempre tiene algo que enseñarnos.

Que disfruten esta edición y que cada página los motive a vivir el arte plenamente...

Alicia O liveras

EDITORA EN JEFE

¡CELEBRA LA NAVIDAD CON AXDA!

La temporada de navidad puede ser de las épocas más especiales de Alicia Extreme Dance Academy (AXDA) y Viviendo la Danza, como cada año, reseña la producción de danza-teatro que se presentará en el mes de diciembre en el Centro de Bellas Artes, Luis A Ferré, en San Juan, Puerto Rico

Evento en el que se reúne a toda la comunidad de AXDA, donde estudiantes de la academia demuestran cuánto han aprendido y evolucionado como bailarines y artistas en formación. A su vez, a diferencia de otras instituciones de danza, AXDA destaca por su trayectoria de crear espectáculos navideños originales o inspirados en las historias clásicas de la época Dichas historias, son desarrolladas mediante el curso de Teatro, a lo largo del semestre y siempre tienen que llevar un mensaje educativo enriquecido en valores para impactar de forma positiva al público

En esta ocasión, la escuela de bellas artes llevará al teatro la historia titulada: Estrella en el Exilio, en la que, recordamos que la verdadera magia está en la unión Producción de Movimiento Artístico, Corp, bajo la dirección y adaptación de Steven Rey Rolón López, y de creación original de la propuesta de Balwin Calderón Blanco, este montaje nos invita a celebrar los lazos que nos conectan: la familia, la d l l A través de os y rimos n iluminar ñía os y que la rte desde

Steven Rey Rolón Foto: Suministrada

Mientras el elenco se prepara para una función inolvidable que redundará en las memorias de todos los espectadores que asistan al espectáculo, tu puedes formar parte de la experiencia y disfrutar de una obra dirigida a toda la familia

Compra tus boletos a través de TICKETCENTER COM y contáctanos al 787-256-7717 para más detalles.

DANZA ES

Al ritmo de la SALSA

Conoce la historia de la Salsa

Por: Valeria Santos Dávila

Al ser Puerto Rico una cuna de artistas de gran envergadura y popularidad, no puede obviarse que la Salsa ha sido uno de los géneros musicales más exitosos para la comunidad puertorriqueña y el mundo

La Salsa, como la conocemos hoy, transcurrió por múltiples transformaciones culturales y musicales que se dieron durante los años 60 Muchas de tales transformaciones estuvieron influenciadas por una ola de artistas de la época como Héctor Lavoe, Ismael Rivera, Celia Cruz, Willie Colón, Cheo Feliciano, Willie Rosario, Roberto Roena, Rubén Blades, Charlie Palmieri, Richie Ray y Bobby Cruz, entre muchos otros

Estos artistas tuvieron una participación crucial en la implementación oficial de la Salsa, como un estilo de música que honra sus raíces afrocubanas, caribeñas y boricuas

“Un momento clave en la historia ocurrió en 1966 en Venezuela, cuando Richie Ray afirmó que la música que él hacía era ketchup, queriendo decir que es una mezcla. Y de ahí salió el término ‘Salsa’, creando una analogía entre los ritmos afrocubanos y la gastronomía caribeña”, sustentó un artículo de 2015 publicado en el periódico Primera Hora

Antes de su oficialidad como género musical, la Salsa era un término que llegó para cobijar otros estilos musicales como el “son montuno, el chachachá, el mambo, la rumba y la guaracha, entre otros”, añadió Primera Hora

Ante el auge de la Salsa, a mediados de la década de 1970, Fania Records producía casi el 80% de los discos de Salsa a la venta, en los Estados Unidos

Desde entonces, hasta el presente, la Salsa ha llegado para quedarse

Décadas después, un artículo académico de la Universidad Interamericana de Puerto Rico estableció que la Salsa es una “mezcla y fusión de distintos géneros de la música cubana, principalmente: el Son Montuno, la Rumba y el Danzón con sus variantes como el Mambo y el Chachachá y los elementos de otros géneros del Caribe, como la Bomba, la Plena y la Cumbia, en ocasiones sazonados con elementos de la Samba.”

Según el artículo, la Salsa es un género caribeño mulato, con matices de ritmos panamericanos No obstante, el reportaje de Primera Hora encontró que los orígenes de la Salsa suelen estar en debate por artistas, historiadores y aficionados del género, puesto que los inicios del género tuvieron influencia de múltiples regiones latinocaribeñas y africanas

De Puerto Rico para el mundo

Todas las aportaciones melódicas y culturales que influenciaron para la implementación de la Salsa rindieron frutos en el 1964 con la llegada de Fania Records, una disquera que buscó el estrellato global de la Salsa como estilo musical y de los artistas que la tocaban, quienes tuvieron por nombre Fania All Stars

Fania Records fue un sello discográfico creado en Nueva York por el artista dominicano Juan Pablo Knipping Pacheco, conocido popularmente como Johnny Pacheco

“A fines de la década de 1960, cuando la música latina se volvía cada vez más popular entre el público de Nueva York, Pacheco y su socio comercial seleccionaron la palabra “salsa” como el identificador conveniente, memorable y comercializable del género”, sustenta el United States Patents and Trademark Office

Como resultado, el término “Salsa” fue propulsado y oficializado por Fania Records

Entre los primeros artistas que se unieron al sello, estuvo Tito Puente, Eddie Palmieri, Richie Ray y Bobby Cruz En los años 70, se sumaron Willie Colón, Bobby Valentín, Celia Cruz, Héctor Lavoe, Justo Betancourt, Ismael Quintana, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Pete "El Conde" Rodríguez y Santos Colón, según la página web de La Fania.

Ballet: Un arte para recordar, celebrar y bailarse

Hablemos del día internacional del Ballet

Por: Valeria Santos Dáv

Zapatillas, leotardos y tutús son una pequeña parte de los elementos esenciales que componen el arte de bailar ballet, un estilo de danza clásica que busca entretener, contar historias y, sobre todo, transmitir emociones, a través de una multiplicidad de movimientos firmes, delicados y precisos.

Caracterizado por elementos como las zapatillas de punta, los vestuarios rosados y los tutús abultados, el ballet es un estilo de danza clásica que involucra otros factores prácticos y de estilo que datan, desde su creación en la edad media, hasta el presente, redundando en la implementación del Día Mundial del Ballet desde el año 2014.

Si nos trasladamos siglos atrás, este tipo de danza era exclusivo de las cortes renacentistas italianas del siglo XV. No obstante, obtuvo popularidad, en Paris, Francia, para el siglo XVII, bajo el reinado de Luis XIV, quien influenció para la transición del ballet de un actividad recreacional a una formación profesional, según el Pittsburgh Ballet Theater.

Ante la creciente popularidad de la danza clásica y el aumento de coreógrafos expertos en la materia como Jean Coralli, Jules Perrot y Filippo Taglioni, surgieron los primeros ballets clásicos de Francia: Giselle y La Sífide, ambos en el siglo XIX. En la misma época, Rusia se convirtió en la sede para el desarrollo de otros ballets como El Cascanueces de Marius Petipa, La Bella Durmiente y El Lago de los Cisnes de Petipa y Lev Ivanov

El propósito principal de las coreografías, que surgieron, en el siglo XIX, era “mostrar la técnica clásica: trabajo en puntas, extensiones altas, precisión de movimiento y giro hacia afuera (la rotación hacia afuera de las piernas desde la cadera), al máximo. Secuencias complicadas que muestran pasos, saltos y giros exigentes fueron coreografiadas en la historia El tutú clásico, mucho más corto y rígido que el tutú romántico, se introdujo en este momento para revelar las piernas de una bailarina y la dificultad de sus movimientos y juego de pies”, añade el artículo de Pitsburgh Ballet Theatre

Ya en el siglo XX, el ballet comenzaba a verse influenciado por otros estilos de danza y eventos históricos que buscaban reinventarlo, hasta desarrollar lo que hoy es la danza moderna y danza contemporánea

“La danza moderna es una forma de expresión física distinta del ballet clásico. En lugar de reproducir posiciones de baile predeterminadas, los bailarines buscan una expresión real que refleje emociones y experiencias vitales. Se centra en piezas individuales y en la creación conjunta en pequeños grupos”, explica la UNESCO.

Debido al bagaje histórico y cultural que ha tenido el ballet y su evolución a la danza moderna y luego la contemporánea, las cuales buscan una mayor libertad de expresión y movimientos; existe el Día Mundial del Ballet, una fecha que tiene como propósito resaltar la aportación del ballet a la industria del baile y las bellas artes, como uno de los estilos de danza más antiguos, en la historia

Aunque tuvo su primera celebración un primero de octubre de 2014, actualmente la conmemoración se da a inicios de noviembre. En solidaridad con un estilo de danza que simboliza tanto para la comunidad dancística, Viviendo la Danza se une al evento y reconocemos el Día Mundial del Ballet.

CANTO CORAL: EL ARTE DE UTILIZAR LA VOZ PARA TRANSMITIR MELODÍAS EN GRUPO

POR: VALERIA SANTOS DÁVILA

En busca de armonizar múltiples rangos de voz para craer piezas dinámicas y cargadas de matices melódicos, existen grupos compuestos por cantantes que coordinan y balancean sus voces como instrumento para transmitir piezas musicales.

Bajo el nombre de “Coros”, tales grupos han redundado en la industria musical, desde la antigüedad, tanto para fines culturales, diplomáticos y hasta religiosos; pues la música al unísono era y es, todavía, comúnmente utilizada en iglesias cristianas y de otras denominaciones

“El canto ya se usaba, también, en las diferentes liturgias precristianas y paleocristianas: cantar se sentía como una manera de enfatizar y embellecer el sentido de las palabras, a la vez que es un método eficaz de recordarlas y de proyectarlas en el templo”, explica la Escuela Coral de Madrid en España

Por su lado, la agrupación española con más de 10 años de trayectoria “Coral Santa Cecilia” detalló que “los primeros indicios de música coral se remontan a las civilizaciones antiguas, como las griega y romana, donde los coros participaban en ceremonias religiosas y festivales. Sin embargo, la música coral, como la conocemos hoy, comenzó a tomar forma en la Edad Media dentro de la Iglesia Católica”

Desde sus inicios hasta el presente, los coros han generado un impacto social, al punto de que influyentes del campo buscaran crear el Día Internacional del Canto Coral, en 1990, para visibilizar la aportación artística y cultural de tales grupos

La celebración, que ocurre cada segundo domingo de diciembre, surgió por iniciativa del compositor, pedagogo y director coral venezolano, Alberto Grau, quien elevó una propuesta ante la Asamblea General de la Federación Internacional del Canto Coral (FIMC), organización creada en el año 1982 en Namur, Bélgica

¿Sabíasqueloscorosse componendemúltiples tiposdevoces?

En términos generales, podría parecer que los coros son personas reunidas para cantar, sin embargo, cada corista tiene una labor asignada conforme a su tipo de voz y habilidades vocales

Según la organización española, Federación Alavesa de Coros, los mismos están compuestos de múltiples tipos de voces

A continuación, te explicamos de cuales se trata:

“Los coros generalmente se componen de: sopranos, contraltos, tenores y bajos. Cada uno interpreta simultáneamente una melodía diferente, y es gracias a la formación de diferentes acordes que se consiguen los efectos deseados por el autor”

- Federación Alavesa de Coros

01. SOPRANO

Persona cuya voz tiene el registro más agudo de las humanas El soprano es una voz propia de mujeres y niños

La soprano canta un aria dificilísima.

02. MEZZOSOPRANO

Persona cuya voz tiene un registro entre el de soprano y el de contralto El recital correrá a cargo de una conocida mezzosoprano.

03. CONTRALTO

Persona cuya voz tiene un registro entre el de mezzosoprano y el de tenor El contralto es la voz femenina más grave. La contralto hará el papel de Azucena en ‘Il trovatore’.

04. CONTRATENOR

Hombre cuya voz tiene un registro más agudo que el de tenor. Entre las voces más agúdas está el contralto femenino y el contratenor masculino Escuchamos el “Gloria” de Vivaldi, interpretado por un contratenor.

04. BARÍTONO

04. TENOR

Persona cuya voz tiene un registro entre el de contratenor y el de barítono. De las voces masculinas, el tenor es la que resulta más brillante

El tenor debutó con una ópera de Verdi.

Hombre cuya voz tiene un registro entre el de tenor y el de bajo El barítono es la más habitual de las voces masculinas. El barítono cantó un fragmento de “Las bodas de Fígaro”.

Persona cuya voz tiene el registro más grave de las humanas En el concierto participan un bajo y dos sopranos. 04. BAJO

FULL TRAINING

HABLEMOS DE LA DANZA MODERNA

“Si pudiera decirte lo que significa, no tendría sentido bailarlo” ― Isadora Duncan

POR: VALERIA SANTOS DÁVILA

FOTOS.BYJC

Si bien el ballet es el fundamento del baile y los diversos estilos que lo componen, la danza moderna es el arte que permitió nuevas formas de expresión al bailar, otorgándole un espacio a los movimientos libres y las coreografías en grupo, alejándose de la rigidez, individualidad y firmeza de la danza clásica

La danza moderna es un tipo de expresión que surgió en Estados Unidos y Europa, a finales del siglo XIX y principios del XX, bajo la influencia de artistas visionarios como Isadora Duncan, Martha Graham y Merce Cunningham, cuyas aportaciones se convirtieron en técnicas oficiales del estilo, según la escuela de baile Dance Motion

Cada artista buscó romper con los esquemas del ballet, para desarrollar nuevos métodos de movimiento que con el pasar del tiempo, se tornaron fundamentos y precedentes, en el campo de la danza Por su lado, Duncan propulsó la libertad corporal y de estética en la danza. Es decir, en lugar de tutús, moños y zapatillas, la bailarina popularizó los pies descalzos, la túnicas y el cabello suelto; a su vez, era fiel partidaria de las emociones, fluidez y espontaneidad, en la danza

El movimiento es libertad en su forma más pura.Merce Cunningham

Inspirada en Grecia y en los bailes folclóricos, la coreógrafa californiana buscó implementar un nuevo tipo de danza que involucrara el cuerpo, la mente y el alma, a través de movimientos libres y naturales

Tiempo después, otra artista estadounidense desarrollaba un método innovador de enseñanza de danza que llegó para quedarse Hablamos de Martha Graham, una artista cuyas aportaciones resultaron en la creación de una institución compuesta por la “Compañía de Danza Martha Graham” “Graham 2” y la “Escuela Martha Graham” Al igual que Duncan, Graham “experimentó incansablemente con el movimiento humano básico, comenzando con los movimientos más elementales de contracción y relajación”, según la página web Martha Graham Dance Company. El resultado de su método y técnica de movimiento fue demostrado, a través de 181 obras coreográficas de ballet, diseñadas por la propia artista

Convirtiéndose en un pupilo solista de la compañía Graham, otro artista que aportó al desarrollo de la danza moderna es Merce Cunningham El bailarín creía que la danza y la música eran dos entes independientes, por lo que el baile puede ser un conglomerado de movimientos libres que no necesariamente deben seguir alguna melodía musical “Cunningham desarrolló la coreografía al azar, una técnica en la que se asigna una secuencia a movimientos aislados seleccionados mediante métodos aleatorios como el lanzamiento de una moneda”, indica la enciclopedia Britannica. Tras desligarse de la compañía de Graham, el bailarín fundó, durante los años 50, su propia empresa de danza, l l t t h t l 2011 di id 180 d ú M C i h

En la imagen, Valeria Maldonado Toledo, Integrante del Programa de Ballet de AXDA, quien recientemente recibió su resultado de examen ante la Royal Academy of Dance completando el grado 4 exitosamente 20

DANZA MODERNA

“Sus movimientos son una expresión libre y fluida de estados, emociones, metáforas o ideas abstractas. No sigue pasos ni movimientos estructurados de antemano.”

(Fuente: About Español)

A los previos pioneros de la danza moderna, se les suma José Limón, un bailarín mexicano-estadounidense, cuyas aportaciones a la danza moderna estaban altamente ligadas a la reivindicación de la masculinidad, en la danza

La técnica de Limón buscaba enfatizar en ritmos naturales de caída y recuperación, teniendo en cuenta la respiración, el peso y la gravedad Según Star Dance Studio, “así cómo la técnica Cunningham tiene ciertos movimientos preestablecidos, la técnica Limón no los tiene.”

No obstante tanto fue el alcance y aportación de Limón al mundo de la danza moderna que su compañía de danza, fundada en 1946, “ se convirtió en la primera compañía de danza moderna de los Estados Unidos en realizar una gira por Europa” , según la revista MW+

La compañía realizó algunas de las giras más espectaculares de los años 50 y 60, bailando por Europa y Sudamérica, y cosechando éxitos en todas partes.

Desde aquella época, hasta la actualidad, el método de Limón, aún redunda, en el campo de las bellas artes, a través de sus aportaciones, enseñanzas, técnica y la Limón Dance Company

DANZA CLÁSICA

“La danza clásica, sin embargo, se construye, a partir de pasos ya codificados, para contar una historia muy concreta Busca la perfección, lo estructurado, el preciosismo etéreo, lo trascendente y lo celestial”

(Fuente: Dance Motion)

TIPOS DE DANZA DANZA CONTEMPORÁNEA

“La contemporánea, por el contrario, es absoluta libertad, y está más ligado a la parte más terrenal y apasionada del ser humano. Es una interpretación dionisíaca, que busca la transgresión ”

“Eso significa que el bailarín es su propio coreógrafo, iluminador, escenógrafo, maquillador o diseñador de vestuario Además creará su propio lenguaje dotando de un código particular a sus pasos y movimientos En la danza contemporánea se utilizan los principios básicos de la gravedad y la dinámica física de los movimientos También se incorporan conocimientos de anatomía humana, técnicas de respiración e influencias culturales de danzas del mundo. En cuanto al escenario, se utilizan espacios de forma multidimensional y se pueden emplear recursos multimedia como refuerzo a la interpretación de los bailarines ”

(Fuente: Dance Motion)

LOS NIÑOS TAMBIÉN BAILAN

Analizamos los roles de género en la danza y la importancia de la masculinidad, en el arte de bailar.

POR: VALERIA SANTOS DÁVILA

La Asociación de Profesionales de

Danza de Cataluña (APdC) encontró que “el 83.1% de profesionales de danza son mujeres”

La danza es un arte, en el que, tanto niñas, como niños, son bienvenidos pues, dentro de todas las cualidades que puedan poseer, es tan necesaria la fuerza masculina, como la ligereza femenina y al inverso

Ciertamente, los roles de ambos géneros son esenciales para múltiples fines en la danza, pero por costumbre y trayectoria, son significativamente opuestos en la danza clásica; mientras que, en otros estilos, tal diferenciación puede ser menos marcada

Figuras como Isadora Duncan y Martha Graham fueron cruciales para debatir los roles de género a través de la implementación de la Danza Moderna, un estilo que fusiona técnicas del ballet con nuevos métodos, que ellas mismas establecieron, junto con otros artistas pioneros del movimiento Las técnicas que fundaron permitieron que los roles de género fueran invertidos, provocando que la

mujer y el hombre se permitiesen interpretar personajes contrarios a lo que su físico representa

Si ambos géneros son piezas esenciales, en la danza, ¿por qué en algunas sociedades predominan las féminas dentro del campo? La respuesta a tal interrogante puede estar altamente ligada a desigualdades sociales roles preestablecidos y estereotipos

La Asociación de Profesionales de Danza de Cataluña (APdC) encontró que “el 83 1% de profesionales de danza son mujeres, mientras que los hombres acceden más rápido a esta profesión y ocupan un mayor porcentaje, en los cargos de dirección y coreografía, un 60-70% mientras que las mujeres solo representan un 40-30%”

Aunque puedan ocupar abarcadoramente posiciones de liderazgo, en el Ballet y otros estilos de danza, aún puede ser un reto encontrar niños, adolescentes varones y hombres interesados en practicar este arte

Según el Central Pennsylvania Youth Ballet, un desafío que enfrentan los bailarines de ballet masculino son los estereotipos con respecto su orientación sexual

“La danza, así como en otras artes ocurre, muestra evidencias palpables de las desigualdades sociales acontecidas a lo largo de diferenciados periodos históricos en los cuales, a pesar de numerosas revoluciones y manifiestos, se han conseguido modificaciones muy sutiles del tratamiento de género en la sociedad”, sustenta el artículo “Los Roles de Género desde la Danza Clásica, Hasta las Películas Disney” del Studio Humaniatis Journal

Ante las reformaciones de la danza y los conceptos antiguos que aún permanecen, la posición de un bailarín masculino todavía es un tema de debate y controversia por prejuicios machistas y homofóbicos

“Desde principiantes hasta profesionales, aún luchan contra la idea de que son " menos que " y que los hombres "de verdad" no se dedican al ballet clásico Poco a poco, el mundo se está volviendo más comprensivo con los bailarines de ballet pero las burlas y el acoso siguen siendo demasiado frecuentes”, añade la organización educativa de danza clásica

La historia de las masculinidad en la danza

El contexto histórico-social de la danza nos demuestra que las artes, así como podían ser un medio de protesta y confrontación, igualmente respondían a la percepción cultural, política y social de lo que se consideraba femenino y masculino

Esto es especialmente evidente en la danza clásica, que se creó como una actividad masculina y que en el siglo XVII se transformó en un arte con connotación femenina y

y de homosexualidad masculina (Christofidou, 2018)” explica el articulo académico “Las Masculinidades en la Danza Profesional: Estereotipos, Dificultades y Sensaciones” de la Universidad de Almería y la Universidad Autónoma de Barcelona

En busca de evitar el estigma social que existe hay niños, jóvenes y hombres apasionados del baile que optan o son guiados hacia otros estilos de danza “considerados más masculinos” como el Hip Hop o el Break Dance “En las últimas décadas han surgido modalidades de danza que potencian capacidades que tradicionalmente se han asociado al género masculino, como la fuerza, y practicadas mayoritariamente por éste, como el breaking, que rompen con los estereotipos y ofrecen más posibilidades a los hombres para bailar” añade el estudio universitario.

A lo largo de los años, los prejuicios han disminuido por iniciativas como el movimiento estadounidense Men’s Movement de la década de los 70 que buscaba “la participación de los hombres en la danza, sin ningún tipo de

Beneficios de la danza para niños

La danza masculina puede ser beneficiosa para la salud física y emocional de los bailarines

El artículo de la Universidad de Barcelona establece que “la danza es una buena herramienta para facilitar las relaciones con otras personas a partir del movimiento Además, algunas modalidades como authentic movement y contact improvisation que buscan la expresividad individual, a partir de la improvisación, permiten la experimentación de emociones positivas que potencian el bienestar y la satisfacción personal”

Por otro lado la organizació española Aldea Infantiles S comparte que la danza propulsa lo siguientes beneficios:

1 Mejora la concentració

2. Permite que conozcas cuerpo

3 Favorece la responsabilidad

4 Ayuda a la salud ment

5. Estimula los vínculos sociales

6 Mejora el desarrollo fí

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TRASBASTIDORES:EL FANTASMASILENCIOSO DELMIEDOESCÉNICO

POR: VALERIA DE JESÚS KUILAN FOTO: JC

Las luces aún no se encienden. El telón aún no se sube. Pero, en la mente del bailarín, ya comenzó la función. El corazón late acelerado, las manos sudan, la respiración se acorta.

Mientras, afuera, el público espera expectante. Dentro del bailarín hay una tormenta invisible que ruge con fuerza Es la ansiedadescénica, ese enemigo silencioso que acompaña, incluso al bailarín más experimentado

Después de largos meses de ensayo, son muchas las emociones que el bailarín tiene que gestionar, antes de subirse al escenario. Es el momento donde todo se junta: la presión, el cansancio, la ansiedad, las distracciones o incluso, en muchos casos, la falta de confianza

La ansiedad escénica es unfenómeno psicológicoyfisiológico ampliamente documentado Se manifiesta como una respuesta del sistema nervioso, ante la exposición pública, y puede afectar a cualquier artista.

¿Quéeselpánicoescénico?

El pánico escénico, conocido también como miedo escénico, es un estado personal que reducelaefectividadcomunicacional La persona no consigue expresarse porque hay un miedo que le frena.

Síntomas

Entre los síntomas más comunes que presentan los bailarines se encuentran: la sudoraciónexcesiva,náuseas,temblores, hiperventilaciónytaquicardia

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Pero más allá de lo físico, hay una dimensión profunda y silenciosa: el desgaste emocional. Muchos bailarines, sobre todo jóvenes, experimentan crisis de identidad. Un torbellino de preguntas giran en su mente: “¿valgo como artista?”, “¿soy tan bueno como ?”; entre otros cuestionamientos que le suman a la frustración escénica

¿CÓMO PREVENIR EL PÁNICO ESCÉNICO?

Una de las herramientas más efectivas para manejar el miedo escénico es la respiración consciente Respirar profundamente antes de salir a escena ayuda a calmar el sistema nervioso, oxigenar el cerebro y recuperar el control corporal. Acompañar esta técnica con pensamientospositivos, es excelente, ya que, muchas veces, el miedo no proviene del escenario, sino de la mente del bailarín

Imaginar que la presentación fluye con éxito puede cambiar radicalmente la actitud con la que te enfrentas al público Estas recomendaciones, acompañadas de los respectivos estiramientos y calentamientos previos a cada presentación, podrían ayudar a prevenir el pánico escénico.

Unarealidadtrasbastidores

Lo que sucede tras bastidores no debe ser una realidad muda, sino hablada desde el corazón

Por demasiado tiempo, estos temas se han mantenido en silencio dentro del mundo de la danza, como si sentirlos fuera motivo de vergüenza, sin embargo, son muchos los bailarines que han sentido esa presión, que aprieta el pecho, antes de subir al escenario, y eso no los hace menos artistas Al contrario, los hace más humanos Hablar del miedo escénico y la ansiedad, en los bailarines, no es una señal de debilidad, sino un acto de responsabilidad y humanidad Sentir miedo o frustración no debe ser motivo de culpa, ni mucho menos de aislamiento. Quien lo está atravesando merece saber que no está solo, que hay otros que entienden, y que hay herramientas y personas dispuestas a acompañarlo

Es urgente hablar sobre estas emociones. Así como abrir espacios seguros para los bailarines, donde se puedan expresar sin miedo al juicio y fomentar una cultura, en la que el bienestar emocional tenga el mismo valor que la técnica

Es necesario elegir bailar no solo desde el cuerpo, sino también desde el cuidado y el amor propio; porque, al final, la danza no se trata solo de movernos ante los ojos del mundo, sino de escucharnos por dentro, mientras lo hacemos Y eso también es arte.

CURSOS A X D A

PROGRAMA PRE-PROFESIONAL

6 CONSEJOS PARA ENFRENTRAR EL PÁNICO ESCÉNICO

POR: VALERIA SANTOS DÁVILA

FUENTES: AUSTRALIAN PERFORMING ARTS

CONSERVATORY (APAC) Y MAYO CLINIC

El pánico escénico se puede deber a múltiples factores ligados a causas psicológicas o fisiológicas según la APAC.

PREPÁRATE PARA TU ACTUACIÓN

Practica o ensaya repetidas veces el material que deberás transmitir El memorizar rutinas puede ser una herramienta esencial para tener un mejor desempeño En el caso del baile, la memoria muscular podría salvarte ante los nervios y bloqueos mentales que puedas enfrentar, en algún escenario. La APAC aconsejó “visualizar tu actuación” y “memorizar tus diálogos, aprender más sobre tu personaje y ensaya con diligencia, tanto solo, como acompañado” Cierto es que practicar frente a un público ayuda a disminuir los nervios de tener muchos ojos observando tu ejecución

RECONOCE TU NERVIOSISMO

Aunque desees ignorar los nervios, estos permanecerán de todas formas, por lo que es recomendable reconocerlos, internalizarlos y “luego dejarlos ir poco a poco ” , según la APAC

CREA UNA RUTINA

Antes que inicie la presentación, es recomendable tener una rutina de relajación con la que te sientas confiado. Algunas personas rezan, oran, meditan, estiran, permanecen solas, otras necesitan estar en grupo, entre otras personas “Pued h ti i t escuchar música mi relajarte y concentra aconsejó la APAC

CENTRARTE

NO EN LA AU

Previo a iniciar cualq debes tener en cuen el artista y no los es equivocas, existe la expectantes no lo n más que tú Mayo C p q presentadores están ansiosos, tienden a sobrestimar la medida en que las demás personas notan su estrés. Es posible, que la audiencia no se dé cuenta de lo nervioso que estás Si la audiencia se da cuenta de que estás nervioso, podría alentarte y querer que tu discurso sea un éxito ”

Realizar ejercicios de respiración, como inhalar y exhalar pausadamente, antes de una presentación, puede ser una herramienta beneficiosa, para mantener la tranquilidad, al momento de entrar al escenario. Según la organización de salud Mayo Clinic, “respira lento y f d d á t d bi l t d

p q

silencio durante una eternidad. En realidad, probablemente sean solo unos segundos. Y si fuera más tiempo, es probable que a la audiencia no le moleste que hagas una pausa para pensar, en lo que has dicho” sustentó, Mayo Clinic

HUMANAENLA MECÁNICADELBAILE

Analizamos la importancia de bailar teniendo en cuenta el pensamiento crítico detrás de cada paso

Por: Valeria Santos Dávila

La danza es sentir, memorizar una coreografía, tener técnica, conocer el estilo que se proyecta, interpretar una historia, transmitir un mensaje; pero sobre todo es moverse con intención, internalizando que cada paso posee un propósito, en el espacio y que se incluye no por mera coincidencia, más bien porque intencionalmente debe estar integrado, dentro de la secuencia de movimientos que conforman la pieza al bailar.

El lograr que un baile emane algún grado de emoción en el espectador requiere de un trabajo intrínseco entre el artista, el coreógrafo y el pensamiento crítico de ambos, pues es cierto que este primero interpreta y el segundo crea, con el propósito de que cada movimiento sea estratégicamente e idóneamente pensado para transmitir algo.

Según el artículo en la revista Esprint, La danza como expresión cultural y su impacto en el desarrollo cognitivo, “el pensamiento crítico también se desarrolla mediante la danza, ya que los bailarines analizan y evalúan constantemente sus movimientos, ajustando su desempeño, en tiempo real, para mejorar la precisión y la expresividad”.

“El pensamiento crítico es ese modo de pensar – sobre cualquier tema, contenido o problema – en el cual el pensante mejora la calidad de su pensamiento, al apoderarse de las estructuras inherentes del acto de pensar, y al someterlas a estándares intelectuales”Fundación para el Pensmaiento Crítico

Enlaimagen,labailarinaKeyshianisMoralesDelaRosa, integrantedelProgramadeBallet,quienrecientemente completósuniveldegrado5antelaRoyalAcademyofDance yseencuentraestudiandoelgrado6

Partiendo de la definición, el pensamiento crítico es crucial, en la danza, para que, detrás de la mecánica del baile, exista un fin en particular; incluso en detalles tan minúsculos como la dirección del rostro o las extremidades durante alguna danza. “La danza es una manifestación que integra dos elementos: el motriz y el expresivo, este concepto resalta que la danza no solo implica movimiento físico, sino que constituye un medio para comunicar emociones, ideas y estados de ánimo”, añadió el artículo en la revista Esprint.

Tanto en el campo de las artes, como en otros, el pensamiento crítico consta de múltiples beneficios, como el poder trabajar en equipo, comprender los fenómenos sociales que nos rodean, canalizar emociones, resolver problemas, entre otros. ”El fortalecimiento de esta habilidad es crucial para comprender la naturaleza de las situaciones. Nos ayuda a tomar decisiones de manera racional y reflexiva, con base en análisis, argumentos y evidencias”, sustentó el Manual para el Pensamiento Crítico del Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF).

Por su lado, “la danza tiene un impacto significativo en el desarrollo cognitivo, ya que estimula funciones cerebrales como la memoria, la atención, la coordinación y el pensamiento crítico”, siendo este último la habilidad para que el baile tenga una razón y propósito por cumplir, ya sea para entretener, concientizar, denunciar u otros fines sociales.

CONOCE CÓMO EL BALLET ESTIMULA LA ESCRITURA EN LA NIÑEZ

POR: VALERIA SANTOS DÁVILA

FOTO: JC

“La escritura es una actividad motriz vinculada directamente con la adquisición de habilidades visomotoras, haciendo que la percepción visual y los movimientos gráficos le permitan, al niño, tener legibilidad, en el escrito”, define el artículo “Las habilidades de coordinación visomotriz para el aprendizaje de la escritura” publicado en la revista “Universidad y Sociedad”, en Ecuador.

La escritura puede ser una tarea “sencilla” una vez llegamos a la adultez y llevamos años largos ejerciendo la práctica de escribir letras palabras, oraciones y párrafos, ya sea para tareas de alguna asignatura o por disfrute propio No obstante, la maniobra de unir los dedos para sostener un lápiz pudo ser de los ejercicios motores más difíciles que se nos asignó en la niñez

El aprender a escribir requiere que el niño sincronice su visión, dedos, manos brazos, postura y otras partes del cuerpo, para desarrollar el movimiento motriz de tan solo apenas trazar una letra Si somos algo más técnicos se estimulan y ejercitan varios músculos y articulaciones de la mano y los brazos, al momento de escribir

Según el National Library of Medicine, “hay dos movimientos típicos al escribir a mano Primero, el dedo índice y el pulgar se mantienen uno frente al otro y ambos se mueven hacia y desde la palma de la mano El segundo movimiento típico es la rotación de toda la mano alrededor de la muñeca a través de la flexión/extensión palmar y la abducción cubital, así como los movimientos del pulgar (abducción radial/flexión dorsal)” La organización añadió que participan músculos de las extremidades superiores: el tenar (pulgar) el flexor de la muñeca, el extensor de la muñeca y el trapecio (hombro)”

Ante el reto que puede representar fortalecer la motricidad y habilidades visomotoras de los niños, existen alternativas como jugar con plastilina cortar, pintar y agarrar pinzas de ropa, esta última recomendada por la organización americana de servicios de terapia pediátrica Tiny Transformations

Vocabulario:

Cubital: Perteneciente o relativo al codo (Diccionario de la Lengua Española)

Tenar: Una región específica ubicada en la palma de la mano, en el lado opuesto a la base del pulgar

Prominencia redondeada formada músculos cortos que facilitan los movimientos del pulgar (Clínica Universidad de Navarra)

Visomotor: Coordinación visomotriz: Actividad del sistema nervioso central para armonizar de manera coherente la percepción visual con las respuestas motoras correspondientes (Diccionario de la Lengua Española)

Por otro lado, la visión está altamente vinculada a la escritura, pues, una vez ambas se sincronizan, ayudan a la precisión del niño “La coordinación visomotriz implica movimientos controlados, donde se utilizan los procesos óculo-manual en forma simultánea (ojo mano, dedos) como por ejemplo acciones de cortar pintar, rasgar, pegar, etc las cuales ayudarán al proceso de escritura de letras y números”, explicó el artículo académico “Las habilidades de coordinación visomotriz para el aprendizaje de la escritura” en la revista “Universidad y Sociedad” en Ecuador publicado en enero del 2020

La metodología de la Royal Academy of Dance (RAD) de Londres para la enseñanza del Ballet está sumamente enriquecida de ejercicios de aporte de motor fino, que redundan en el proceso de escritura Similar al agarre de las pinzas o del lápiz el sostener con las puntas de los dedos las faldas de ballet, aunque pueda parecer una “simple” acción artística propia del estilo de danza puede estimular la escritura, pues el ejercicio, que se realiza para sostener la falda, es similar al agarre de los lápices y bolígrafos Además la RAD estipula ejercicios de pinza dentro de su formación en infantes, pues aporta al detalle de los movimientos de motor fino del bailarín y redunda en aporte al proceso de escritura del estudiantado, de forma indirecta y divertida

Aparte de los múltiples beneficios que puede generar la danza en la niñez, como el desarrollo de autoestima, la estimulación de la memoria, el trabajo en equipo, la fomentación de compañerismo, el reconocimiento de consciencia espacial y el ejercitar diferentes partes del cuerpo que redundan en tener una mayor fuerza, balance, equilibro concentración y muchas otras cosas más; el ballet, sin duda alguna busca no solo fortalecer los dedos de los pies, sino que igualmente los de las manos con diversos fines, como por ejemplo completar líneas y tener un sentido del uso de la dimensión

“Aunque el arte de los brazos, en el ballet, pueda parecer insignificante, en comparación con los movimientos y coreografías más amplios, es un aspecto crucial de la danza La minuciosa atención al detalle y la precisión requeridas para la correcta posición de las manos y los brazos pueden transformar la actuación de un bailarín y elevarla a un nuevo nivel de belleza y elegancia” sustentó el artículo informativo “El arte de los brazos de ballet: cómo tus manos y brazos completan la línea” de la escuela de baile Nans School of Dance

En Viviendo la Danza creemos que la danza está en muchas de las prácticas que solemos tener como seres humanos algunas tan comunes como la escritura

Cursos y Programas

BREAKDANCE BALLET

HIPHOP

MODELAJE BELLYDANCE

SALSA

TEATRO TRUCOSACROBÁTICOS

FULLTRAININGPROGRAM

Programa de alto rendimiento categorizado por edades, desde niños, hasta adultos. Dirigido a niveles principiantes a intermedio, es un programado personalizado, asignado mediante audición, perfecciona su técnica, fuerza y expresión artística en variedad de estilos, mientras se prepara para obtener una certificación internacional reconocida, en categorías aplicables

CANTO

PROGRAMAPRE-PROFESIONAL

Programa de alto rendimiento dirigido a alumnos de nivel intermedio a avanzado, cuenta con cursos de danza a nivel vocacional. El mismo forma bailarines excepcionales con alto nivel técnico y visión artística, preparándolos para una carrera profesional y estudios universitarios especializados El programa cuenta con el aval del Consejo Internacional de la Danza y la Royal Academy of Dance; lo cual le da acceso a certificaciones internacionales de estudios en danza

MINDANDBODYWELLNESS

JAZZ DANZAMODERNA

PROGRAMAPROFESIONAL

Programa avanzado en desarrollo, que buscará formar bailarines profesionales fundamentados en danza clásica y otros estilos. El programa está en proceso de convertirse en un curriculum de bachillerato universitario; a través del AXDA University La universidad pretende formar bailarines y maestros que inspirarán la próxima generación de artistas

Conoce los servicios de Alicia Extreme Dance Academy (AXDA) para jóvenes adultos

Bailando en la adultez

POR: VALERIA SANTOS DÁVILA FOTO POR: JC

¿Estaré tarde para bailar?, ¿Debo empezar desde muy pequeño, para ser bueno, en el baile?, ¿Podré bailar ballet a mi edad?, ¿Seré muy “vieja” para empezar a bailar? Estas son algunas de la muchas preguntas que se hacen las personas jóvenes adultas al momento de desear adentrarse, en el escenario del baile. No obstante, aunque existe la percepción de que, para ser un buen bailarín, debes empezar desde una temprana edad, la realidad es que tal pensar ha trascendido con el pasar de los años

En la medida en que las sociedades evolucionan, la aceptación de la inclusividad, en todas sus formas, ha sido un fenómeno, que cada vez es más visible, permitiendo que industrias como la danza ofrezcan mayor cantidad de oportunidades y exposición a personas de diferentes géneros, razas, religiones, constituciones físicas y, por supuesto, edades

No es un secreto que el tomar clases de baile, desde la niñez, es un beneficio para encaminar a futuros bailarines profesionales, lo que provoca que adolescentes y jóvenes adultos interesados, en este arte, suelan cohibirse, al momento de desear comenzar a bailar, sin ningún tipo de trasfondo en danza

“Si bien es recomendable que los niños se matriculen, en ballet, lo más pronto posible, no es un requisito indispensable, para el éxito. Algunos bailarines profesionales de ballet comienzan su formación a los 11, 13 o incluso más años”, sustenta el Central Pennsylvania Youth Ballet.

En Puerto Rico y otros países, hay academias de danza, como Alicia Extreme Dance Academy (AXDA), que promueven la diversidad generacional, en el salón de clases

Alicia Extreme Dance Academy (AXDA) es una escuela de danza, fundada en el 2007, que desde sus inicios ha promovido la inclusión, en todos sus sentidos En la actualidad, cuenta con varios programas de aprendizaje, en diferentes estilos de danza, como salsa, ballet, hip hop, jazz, break dance, trucos acrobáticos, y mucho más

En cada curso, son bienvenidos alumnos de todas las edades, tanto así que la academia cuenta con el programa de ballet Silver Swans, para estudiantes con mas de 55 años. A su vez, otros servicios, como el FullTrainingProgram están categorizados por edades (Baby, Kids, Teen, Senior), en los que han participado alumnos mayores de 30 años

Si eres un joven que desea aprender a bailar, pero crees que ya el tiempo no está a tu favor, espacios como AXDA son idóneos, para ti, pues te encontrarás con personas similares, que buscan igualmente adentrarse, en el mundo de la artes durante la adultez.

Aunque puede ser un reto, el baile es un arte para todas las edades, por lo que hay cierto grado de razón en la frase “Nunca es tarde”.

Este año alrededor de 50 estudiantes figuran como pre-candidatos a presentación de exámenes de Ballet ante la Royal Academy of Dance en el 2026. ¡FELICIDADES!

EXÁMENES DE BALLET 2026

PRE-CANDIDATOS A EXÁMENES 2026

¿QUÉ SE EVALÚA EN LOS EXÁMENES DE LA RAD?

Conoce algunos detalles que los evaluadores de la RAD toman en cuenta al momento de examinar las pruebas de ballet

Alicia Extreme Dance Academy (AXDA) cuenta con dos periodos de evaluación de mitad de término durante al año académico Un periodo ocurre, entre agosto a diciembre (1er semestre el siguiente, entre enero a mayo (2do semestre) Durante el primer semestre son seleccionado los pre-candidatos a exámenes de ballet Mientras que, en el segundo semestre, se eligen los candidatos oficiales que presentarán exámenes a inicios de agosto 2026

Los pre-candidatos son un grupo de estudiantes que cumplen las potenciales carácteristicas para superar los exámenes, según el progreso desde los inicios del año escolar A continuació conoce la lista de los estudiantes pre-candidatos:

Primary:

1 Carrasquillo Gracia, Isabel

2 Cepeda Rivera, Luna

3 Falú Rivera, Yelitza

4 Hernandez Gonzalez, Emileemar

5 Miralles Sierra Amanda

6 Nogueras De La Cruz, Isabella

7 Reyes Cubero Isabelle

Grade 1

1 Hernandez Presinal, Camila

2 Rivera Gonzalez Amaia

3 Rivera Peña, Rhamses

4 Hernández Chévere, Amanda

Grade 2

1 Gonzalez Rivera Gianna

2 Nieves Rodriguez, Keihleannie

3 Otero Solis Jade

4 Rosario Nazario, Ariadna

5.Laviena Tirado, Loise

6 Maldonado Marquez, Emma

7 Peña Torres, Alexa

8 Vazquez Rivera, Adriana

Grade 3

1 Bonilla Valentin, Wilyaniz

2 De Jesús Rosado, Isabelle

3 Diaz Silva, Yakeime

4 Guadalupe Carmenaty, Stella

5 Nieves Francis Mónica

6 Osorio Parrilla Yireylis

7 Piñero Miranda, Alondra

8 Reyes Acosta, Angel

9 Romero Ayala, Isis

10 Torres Raposo, Carolina

11 Vazquez Maldonado, Lury

12 Villalta Burgos, Alan

13 Perez Martinez Alana

Grade 4

1 Carrasquillo Mena, Jourielys

2.Cruz Carrillo Nahiari

3 Lugo Gonzalez, Allison

4 Marrero Class Angeliz

5 Pérez De León, Nayeliz

6 Rodriguez Lopez Valeria

7 Roman Santiago, Micaela

8 Torres David, Barbara

Grade 5

1 Agelviz Pastrana, Ambar

2 Aquino Batista, Jevelis

3 Bracero Rivera, Nicole

4.Ceballos Morales, Camila

5 Maldonado Rivera, Shakira

6 Maldonado Toledo, Valeria

7 Montano Cancel Cecilia

8 Rivera Camacho, Jia

Grade 6

1 Parrilla Torres Gabriela

2 Morales De La Rosa, Keyshianis

Intermediate

1 Torres Raposo, Alanna

Elpesodelos desórdenes alimenticios,enel cuerpodeun artista

POR: VALERIA DE JESÚS KUILAN

Unaescenaquepocosven

Afuera, el público aplaude Adentro, una bailarina retira discretamente la venda que disimula su rodilla inflamada No ha comido desde la noche anterior. Dice que no puede “sentirse pesada” para su solo. En otro camerino, una joven esconde un puñado de pastillas que “ayudan a controlar el apetito”, mientras revisa una y otra vez la talla del vestido de escena que ya no le queda como antes

PHOTOGRAPHY BY FRANCOIS MERCER

Más allá del telón, un bailarín suspira antes de entrar; lleva días sin dormir, preocupado por el estómago vacío y el miedo constante a no estar “en forma” para la función Y, en la esquina de la sala de ensayo, una bailarina evita comer frente a sus compañeras por temor a ser juzgada, mientras su reflejo, en el espejo, revela más que un simple cansancio físico: es el desgaste silencioso de una batalla que pocos ven

Unacoreografíainvisible

En el mundo de la danza, crecen silenciosamente trastornos que no siempre se ven, pero sí se sienten. Más allá de la técnica, muchos cuerpos entrenados conviven con la culpa, la obsesión calórica y el hambre convertida en rutina. Pareciera que bailar con el estómago vacío se ha vuelto una coreografía no escrita, tan repetida como el plié o el port de bras

Elriesgoreal:estadísticasyseñalesdealerta

Los bailarines tienen tres veces más riesgo de desarrollar trastornos alimenticios en comparación con otros jóvenes de su misma edad, según un estudio publicado en Journal of Eating Disorders Esta alarmante realidad refleja un problema frecuente, en el mundo de la danza

El inicio de desórdenes alimenticios suele ser sutil. Primero, saltarse la merienda. Luego, entrenar con el estómago vacío. Después, esconder las lágrimas cuando el cuerpo no responde como antes. Así, la danza podría dejar de ser un refugio, para convertirse en una cárcel invisible

El cuerpo del bailarín, que debería ser un instrumento de expresión y libertad, termina sintiéndose como una prisión Por eso, es fundamental hablar de salud, alimentación consciente y acompañamiento profesional en la formación artística.

Másalládelaestética:ortorexiayvigorexiaen ladanza

Entre los desórdenes alimenticios más comunes en la danza están la ortorexia (obsesión por la comida sana) y la vigorexia (obsesión por el ejercicio físico). Ambos suelen pasar desapercibidos, disfrazados de compromiso y disciplina; pero, detrás de la constancia hay cuerpos debilitados, mentes agotadas y jóvenes que han cambiado la motivación por la obsesión

Un estudio reveló que hasta el 83% de los bailarines ha presentado conductas asociadas a desórdenes alimenticios, en algún momento de su vida. El impacto físico y psicológico puede ser devastador, incluso mortal.

Tal fue el caso de la bailarina estadounidense Heidi Guenther, quien falleció a los 22 años de un paro cardíaco Aunque nunca fue diagnosticada oficialmente con un trastorno alimentario, su entorno confirmó que seguía dietas extremas para encajar en los estándares estéticos exigidos Su historia se convirtió en símbolo del costo oculto que puede tener el silencio.

Laprevención:responsabilidad compartida

La prevención de los desórdenes alimenticios, en la danza, no es solo una responsabilidad médica: es una tarea colectiva. Desde los maestros que deben aprender a identificar señales tempranas, hasta los compañeros que pueden notar cambios en el comportamiento o hábitos alimentarios La educación con perspectiva de salud, el acceso a profesionales sensibles al entorno artístico y la creación de espacios seguros son claves para detener esta epidemia silenciosa

¿Quépuedeshacertú?

No. 02

Para tratar y prevenir los desórdenes alimenticios, lo más importante es crear un ambiente de confianza y respeto Antes de expresar preocupación o dar consejos, es esencial que la persona se sienta segura, escuchada y no juzgada No se trata de forzar, sino de acompañar Comentarios como “te estás quedando en los huesos” o “¿por qué comes tan poco?”, pueden causar vergüenza, angustia y empeorar la situación. Recordemos que un trastorno alimenticio no es una elección, sino una enfermedad compleja que puede tener consecuencias graves como: pérdida de masa muscular, problemas cardíacos, fracturas, amenorrea, tristeza profunda, entre otros Acompañar sin juicio, con información, puede marcar la diferencia. 17

Unanuevacoreografía:cuerpos presentes,noperfectos

En el silencio de los camerinos, en el susurro de un estómago vacío, se escribe una coreografía invisible, una danza dolorosa que nadie debería bailar. Pero hoy, ese silencio debe romperse. Hoy, la danza debe cambiar su ritmo.

No podemos seguir celebrando cuerpos que se quiebran, en nombre del arte, porque, al final, lo que hace un bailarín es contar, con su cuerpo, lo que otros callan, con la voz

Ningún cuerpo debería convertirse en un susurro de sufrimiento y ninguna expresión artística debería tener, como precio, la salud Lo que la danza realmente necesita no son cuerpos perfectos, sino cuerpos presentes, vivos y cuidados Cuerpos que coman Cuerpos que sueñen Cuerpos que hablen sin dolor

Es urgente romper el silencio y abrir espacio para una coreografía distinta, porque la verdadera belleza de la danza no está en cuerpos perfectos, sino en cuerpos vivos

Es momento de bailar una coreografía nueva; una que se sienta en el alma y que rompa moldes, que sane heridas y que celebre la vida entera. Esa coreografía, aunque nueva, debe ser eterna. Una, en la que nutricionistas, psicólogos, docentes y bailarines trabajen juntos, para ofrecer alternativas, formación emocional y recursos reales; en el que el cuerpo no sea visto como un obstáculo, sino como el instrumento sagrado que es Si queremos una danza que perdure, necesitamos bailarines que vivan. Y, esa es la coreografía que aún podemos escribir.

Unacoreografíanueva,vivay profundamentelibre.

Contra viento, pandemia y aranceles

Tru Fruit persiste en la industria de los concentrados de frutas

Por: Isabel Burgos Rossy

Ni la destrucción por el huracán María, ni la parálisis económica que trajo la pandemia por COVID-19, ni el alza en arbitrios a productos extranjeros importados, impuesto por el actual presidente de Estados Unidos, Donald Trump, han podido paralizar a Tru Fruit, una distribuidora de concentrados de frutas operada por la familia Peñalverty, desde el 2001

Fundada por Juan Luis Peñalverty Rivera hace 33 años, Tru Fruit recibe pulpas de sobre 35 frutas diferentes de países como España, Brasil, Perú, República Dominicana y Vietnam, y las distribuye a empresas locales para que elaboren sus jugos, helados y hasta piques artesanales.

La empresa puertorriqueña ha trabajado con marcas de bebidas como Lotus, Cool River, Gasolina Drink y Ponte Vecckio Le han suplido, además, a Señor Paleta y Helados del Caribe

Peñalverty Rivera, quien preside la compañía familiar, le atribuyó el éxito, de la empresa familiar, al servicio directo y sin burocracia que les ofrecen a sus clientes

Una empresa 100% puertorriqueña y familiar

“Yo digo que el Domino’s Pizza de las frutas. A mí, llaman, y, ya, al día, el mismo día, le entregando”, aseguró.

“Yo digo que nosotros somos el Domino’s Pizza de las frutas. A mí, me llaman, 'necesito esta mercancía' y, ya, al otro día, o el mismo día, le estamos entregando”, aseguró.

Bromeó, además, que trabajan ocho días a la semana y 25 horas al día Entre los cuatro empleados con los que la compañía cuenta, están las posibles herederas de la empresa de Peñalverty, María Reina Peñalverty Morales y Karolyn Peñalverty Morales Karolyn se unió en 2019 y su padre le enseñó rápidamente cómo él trata al cliente, factura y mueve el negocio

“Honestamente, yo soy una versión de él, en mujer”, sostuvo.

“Honestamente, yo soy una versión de él, en mujer”, sostuvo.

Una de sus primeras tareas fue preparar la plataforma de Tru Fruit en varias redes sociales y en un sitio web, lo que coincidió con el encerramiento por distanciamiento social, en la pandemia por COVID19. En un momento en que muchas empresas vieron una paralización económica, Tru Fruit vio un incremento en el interés por su producto

“Yo creo que esa fue una de las cosas que más hizo boom porque todo el mundo estaba en la casa, todos estaban con la mente de reinventarse”, señaló Karolyn.

creo que esa una de las cosas que hizo boom porque todo el mundo estaba en la casa, todos estaban con la mente

La empresa familiar cuenta con 33 años supliéndole a marcas puertorriqueñas, a pesar de los retos de emprender, en Puerto Rico.

Del encerramiento, surgieron varios pequeños y medianos negocios que se añadieron a la cartera de clientes de Tru Fruit, entre ellos Hijue' Fruta y Bule-Bar Foods LLC

Si un cliente no encuentra a Peñalverty Rivera ni a su hija

Karolyn, también puede contar con la hija menor, María Reina, quien se encarga más de la contabilidad y aspectos administrativos, aunque aseguró que en la empresa todos saben hacer de todo un poco

María Reina comenzó, en Tru Fuit, para el 2023, tras trabajar en Pan American Grain, uno de los clientes actuales de la empresa familiar, por ser la compañía matriz de la línea de productos Gasolina Drink Compartió que anhela completar su reválida de contador público autorizado (CPA), para continuar contribuyendo al crecimiento de la empresa que su padre sueña dejarles a ella y su hermana como legado

La pericia de María Reina ha sido útil para enfrentar uno de los retos más recientes que ha surgido para el negocio familiar: el alza en los aranceles que otros países deben pagar para participar en el mercado estadounidense

Debido a estas medidas realizadas por el presidente Trump, desde comienzos de 2025, Peñalverty Rivera sostuvo que los costos para importar su producto subieron. Elaboró que " es una cadena. Ese arbitrio hay que pasárselo al cliente Realmente, a quien afecta es al consumidor”

Detalló, también, que tuvieron que hacer arreglos, tras el alza de un 50% del costo para importar productos provenientes de Brasil y un 40% para los provenientes de Vietnam, países que suplen pulpa de acerola, parcha y tamarindo

“Dentro de todos estos aumentos, nosotros hemos absorbido un porciento”, compartió Peñalverty Rivera y añadió que intenta no estrangular a sus clientes con aumentos de precio, siempre que puede, sin afectar su negocio

Aunque los planes del presidente de Tru Fruit son entregarles la empresa a sus hijas, no descarta continuar dirigiendo la empresa desde el retiro “ a control remoto” Expresó que su mayor logro sería ver la segunda generación Peñalverty continuando el legado que él comenzó en 1992

Flexibilidad en la danza

POR: VALERIA SANTOS DÁVILA

FOTOS.BYJC

La flexibilidad se divide en 4 categorías de movimiento: estática, dinámica, pasiva y activa

La flexibilidad, definida por la Universidad de California como “la capacidad de una articulación o un conjunto de articulaciones para moverse a través de un rango de movimiento, sin restricciones ni dolor”, puede ser una habilidad crucial para sobresalir en el campo de la danza, pues mejora el rendimiento en actividades físicas, la postura, el flujo sanguíneo entre los músculos y evita lesiones, según Mayo Clinic

Mientras que hay bailarines genéticamente flexibles, existen personas que requieren de múltiples rutinas de estiramientos y ejercicios para desarrollar elasticidad, en las articulaciones y músculos del cuerpo. Seas de un tipo o del otro, puedes aprender a bailar en cualquier momento, pues cuentas con la suerte de que la flexibilidad puede trabajarse y mejorarse, a lo largo del tiempo

Tipos de Flexibilidad

En la danza, puede darse el caso de que los bailarines se comparen entre sí, pensando que hay otros que elevan a niveles más altos las piernas durante cierto ejercicios o que logran hacer ambos tipos de split (frontal y lateral), sin embargo, la flexibilidad puede ser algo muy único de cada artista, según su genética, fisionomía, entrenamientos, años de práctica, alimentación y rutina de ejercicios A su vez, existen diferentes tipos de flexibilidad A continuación, conoce cuáles son:

1 Flexibilidadestática: Es la capacidad de mantener una postura o estiramiento, por un período prolongado, sin movimiento. Ejemplo: sentarse en el suelo, piernas extendidas e intentar tocar los dedos de los pies durante 20–30 segundos

2 Flexibilidaddinámica: Implica movimiento controlado, a través del rango completo de una articulación, estirando y contrayendo los músculos en acción Se utiliza comúnmente como parte del calentamiento antes del ejercicio. Ejemplo: oscilaciones suaves de piernas hacia adelante y atrás durante 10–15 repeticiones como parte de un calentamiento.

3.Flexibilidadactiva: Es la capacidad del propio músculo protagonista de estirarse y mantener esa posición sin ayuda externa Ejemplo: levantar una pierna recta hacia adelante y mantenerla elevada sin apoyo, únicamente con fuerza muscular

4 Flexibilidadpasiva:Se refiere al estiramiento logrado mediante una fuerza externa aplicada como un compañero, aparato o la gravedad sin participación muscular activa del propio individuo. Ejemplo: alguien te ayuda a estirar los isquiotibialesmientras estás acostado boca arriba, sujetando tu pierna por encima de ti

Si ya identificaste cual o cuales tipos de flexibilidad posees, este es tu momento para conocer cómo mejorar tu elasticidad muscular

El incremento de la flexibilidad corporal puede ser un proceso de progreso individual para cada ser humano No obstante, existen rutinas de ejercicios generales para que comiences a generar flexibilidad. Según el periódico español ABC Bienestar, puedes realizar 10 estiramientos básicos para lograr llevar tu cuerpo a diferentes alcances de flexibilidad. A continuación, conoce cuáles son:

1 Estiramientodecuadriceps

2 Estiramientospasivos

3 Estiramientodeaductores

4 Estiramientodeglúteosypiramidal

5.Estiramientodegemelosysoleo

6.Estiramientodeisquiotibiales

Por su lado, el centro médico de investigación académica y otros fines, Cleveland Clinic, sugiere realizar estiramientos del piriforme para trabajar el área de los glúteos y caderas; hacer la postura del niño para estirar las caderas, muslos y espalda; tocar los dedos de los pies; girar la columna lentamente mientras estás sentado con las piernas cruzadas; realizar la postura de yoga del “perro boca abajo” y efectuar los famosos estiramientos de mariposa.

A su vez, “intenta levantarte de la silla al menos una vez por hora durante el día. O prueba un escritorio de pie o incluso una esterilla para caminar (walking pad mat) para variar tu postura y mantenerte activo mientras trabajas”, aconseja la clínica

Evita lesiones

Sin duda alguna, el estiramiento muscular puede generar múltiples beneficios para la salud, sin embargo, hay que tener en cuenta cómo realizarlos correctamente para evitar lesiones La Universidad de California indica que “los expertos recomiendan estirar después del ejercicio para obtener mejores resultados. Si prefieres estirar antes de la actividad física, comienza con un calentamiento de 5 minutos (como cardio ligero) para aumentar el flujo sanguíneo a los músculos Esto mejora la capacidad de los músculos para estirarse y reduce el riesgo de lesiones”

Por otro lado, es recomendable estirar mínimo dos veces por semana para tener un mejor rendimiento y beneficio, según la American Heart Association. “Se recomiendaestirarde20a30minutos,variasveces porsemana. Mantengacadaestiramientoestático durantealmenos30segundos.

¿Cómo puedo mejorar mi flexibilidad siendo bailarín?

Enlaimagen,labailarinadeballetdeAliciaExtremeDanceAcademy,Cecilia Montano,completórecientementeelGrado4antelaRADyseencuentraenel niveldeintroducciónalazapatilladepuntas,Grado5

“Siesposible,mantengacadaestiramientode1a2 minutosparaobtenermayoresbeneficios”, añade la Universidad de California

Ya conoces los beneficios del estiramiento, sus tipos y cómo evitar lesiones, en la práctica. Ya seas un bailarín o ejerzas alguna otra práctica deportiva, el comenzar a estirar es empezar a tener un nuevo estilo de vida saludable ¡Anímate y comienza ya!

¡FELIZ NAVIDAD 2025!

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Boletería del Centro de Bellas Artes de Santurce

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Contáctanos: 787-256-7717 info@axdapr com

LAFUNCIÓN NAVIDEÑA DEAXDA 2025

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Con miras a desarrollar un programa de educación profesional en Danza, Alicia Extreme Dance Academy (AXDA), en colaboración con la casa productora Movimiento Artístico, convocaron a la comunidad dancística al AXDA Dance Challenge, una competencia de baile al estilo del Jazz

La competencia, que se dará el 28 de diciembre en la Sala Experimental del Centro de Bellas Artes (CBA), Luis A. Ferré, en Santurce, contará con talleres, el 26 y 27 de diciembre, para entrenar a los concursantes y ofrecer horas de educación continua a maestros de baile.

Los favoritos del jurado, tendrán la oportunidad de presentarse como bailarines invitados, en el cierre de la producción de invierno de AXDA, cuya puesta en escena se realizará el 27 y 28 de diciembre, en la Sala Experimental del CBA, en Santurce.

Los participantes obtendrán, también, una edición de Viviendo la Danza como obsequio.

El evento forma parte del Proyecto Educa de AXDA, una iniciativa dedicada a recaudar fondos para fortalecer programas de formación profesional en danza

Aquellos que se lancen al reto contribuirán directamente al desarrollo del Programa Profesional en Danza, apoyando la creación de oportunidades educativas de alto nivel para las nuevas generaciones de bailarines.

AXDA publicó que el objetivo de Proyecto Educa “ es preparar artistas altamente capacitados, con certificaciones y afiliaciones internacionales, que puedan incorporarse con éxito al ámbito artístico global”

La competencia busca promover el estudio de la danza a nivel académico y a su vez une a colegas de las artes escénicas, para promover el intercambio cultural

GRANSORT DEAXDA

Al comprar la edición de diciembre de Viviendo la Danza, podrás participar en el sorteo de 2 taquillas para nuestro Recital de Fin de Año “Estrella en el Exilio” en el Centro de Bellas Artes de Santurce siguiendo estos pasos:

CÓMOPARTICIPAR:

1.Compra la edición de diciembre de Viviendo la Danza.

2.Envía una evidencia de tu compra (foto del recibo) a nuestro correo (info@axdapr.com) junto con tu nombre completo y contacto.

DETALLES:

1.Sorteo cierra el 18 de diciembre de 2025.

2.El sorteo se realizará el 19 de diciembre de 2025 y el ganador será anunciado en nuestras redes sociales y contactado directamente.

3.Cada compra equivale a una participación.

Viviendo la Danza está disponible en múltiples plataformas. A continuación, conoce cuáles son:

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VIVIENDO LA DANZA

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