Premio Trabucco 2026

Premio Trabucco PINTURA 2026

Ansaldi Antich Astica Fenochio Gardiol Gómez Krapp Minoliti Pecci Carou Senderowicz

fundación osde

CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN

Laura Marina Carranza presidente

Claudia Lorena Mendonça secretaria

Ingrid Behr Menéndez prosecretaria

Alejandra Inés Vazón tesorera

Mario Daniel Brey

Oscar Emilio Rodríguez vocales

FUNDACIÓN OSDE ARTE Y CULTURA

ESPACIO DE ARTE

Paula Cibello

Carolina Cuervo

Juana Fonrouge

Nadina Maggi

María Winsnes

EXPOSICIÓN

diseño de montaje

José Marchi

Carola Zech asistencia

María Winsnes montaje

Horacio Vega

Espacio de arte | Fundación OSDE

Arroyo 807 | Ciudad de Buenos Aires

www.fundacionosde.com.ar espaciodearte@fundacionosde.com.ar

academia nacional de bellas artes

mesa directiva

Sergio A. Baur presidente

Marta Penhos vicepresidenta

Andrea Giunta secretaria general

Graciela Hasper prosecretaria

Carlos López Puccio tesorero

Gracia Cutuli

protesorera

fundación alberto j . trabucco

consejo de administración

José Marchi presidente

Gracia Cutuli secretaria

Carola Zech prosecretaria

Laura Malosetti Costa tesorera

Graciela Taquini

protesorera

El Premio Adquisición Alberto J. Trabucco, otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes a través de la Fundación Trabucco, constituye uno de los reconocimientos más significativos de nuestra institución al arte argentino contemporáneo. Instituido en 1993, en continuidad con el histórico Premio Palanza, de cuya tradición sucede, el galardón mantiene el propósito de estimular y jerarquizar la creación artística en el país. De carácter anual y disciplinariamente rotativo, se distingue por su modalidad de invitación y por su condición de adquisición, que incorpora la obra ganadora al patrimonio institucional con eventual destino museístico. Más que una distinción económica, representa un aval crítico e institucional que promueve la excelencia artística, fortalece las colecciones públicas y contribuye a la proyección y preservación de la producción visual en la Argentina.

La Academia Nacional de Bellas Artes expresa su especial agradecimiento a la Fundación OSDE por albergar la edición 2026 del Premio Adquisición Alberto J. Trabucco en la disciplina Pintura, brindando generosamente su espacio y acompañamiento institucional para la realización de la muestra. Asimismo, reconoce y celebra la participación de los artistas invitados —Valentina Ansaldi, Carolina Antich, Juan Astica, Alejandra Fenochio, Yuyo Gardiol, Verónica Gómez, Martina Krapp, Ad Minoliti, Fátima Pecci Carou y Paula Senderowicz— cuyas trayectorias y diversidad de enfoques enriquecen esta edición y reafirman la vitalidad y proyección de nuestra escena artística actual.

Sergio Alberto Baur

Presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes

PREMIO ALBERTO J. TRABUCCO

PINTURA 2026

La Fundación Alberto J. Trabucco, dependiente de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina, organiza este Premio anual dedicado alternativamente a las disciplinas Pintura, Grabado, Escultura, Dibujo y Otros Soportes, e invita en cada edición a diez artistas de todo el país seleccionados por la comisión de Artes Visuales de la ANBA.

El jurado de premiación, compuesto por la comisión de Historia y Crítica de Arte junto a la de Artes Visuales, otorga un único Premio Adquisición que es donado a un Museo nacional, provincial o municipal.

Este año, el Premio Trabucco —que se organiza y exhibe por segunda vez en el Espacio de Arte de la Fundación OSDE— está dedicado a Pintura.

Los diez artistas seleccionados comparten un nivel de excelencia y máximo compromiso en la producción de su obra, al mismo tiempo que han desarrollado lenguajes muy personales que expanden los límites de la disciplina que las y los convoca, permitiéndonos intuir un posible panorama de la Pintura contemporánea argentina.

Así, los breves textos con los que cada artista define las direcciones constitutivas de su trabajo nos acercan al complejo proceso técnico, formal y conceptual que toda obra de arte contemporáneo involucra.

— La neutralidad cromática con la que el pincel silencioso de Valentina Ansaldi cubre planos orgánicos estrictamente delimitados configura paisajes estáticos, que aquietan la mirada apresurada de nuestro tiempo.

— Sobre las vaporosas superficies tonales que cubren el soporte de las obras de Carolina Antich, figuras serenas aparecen y se desvanecen como preguntas verticales en el acuoso paisaje de la conciencia.

— Juan Astica traslada ciertos conceptos de la notación musical al ámbito de la pintura, y aunque el resultado de estas “partituras pictóricas” no esté destinado a una lectura que las transforme en música, activan en la visión una sutil capacidad sonora.

— Alejandra Fenochio detiene su observación en los residuos de un íntimo mundo cotidiano para hablar, con su pintura, de una crisis que excede su propia biografía. Conciencia y despedida del fin de una era y espera de un retorno al origen.

— Así como los pintores flamencos superponían múltiples capas de veladuras para representar las vestimentas y carnaduras de sus personajes, Yuyo Gardiol construye un políptico contemporáneo, registrando su propia piel en extrema cercanía, para imprimirla y vestirla con el soporte mismo de la obra.

— A diferencia de las aspiraciones surrealistas por expresar las profundidades del inconsciente, Verónica Gómez se entrega a la meticulosa tarea de plasmar en la tela las apariencias que esas profundidades adoptan en la superficie.

— Martina Krapp compone sus obras con fragmentos, recorta con urgencia papeles, revistas de arte, libros y fotos en blanco y negro, calca bordes de formas aisladas y busca intuitivamente el color adecuado que le permita hilvanar sus recuerdos a los de la Pintura.

— Las instalaciones pictóricas de Ad Minoliti se desarrollan en torno a una abstracción geométrica no binaria, aplicando con humor las teorías de género al lenguaje pictórico, proponiéndose incluso deformar el concepto mismo de las bellas artes.

— En los escenarios oníricos de Fátima Pecci Carou , mujeres que levitan o flotan en una naturaleza licuada en la tela, con óleo al agua, despliegan sus trágicos relatos: la historia de las emociones que subyace en la historia de la pintura.

— Los inestables fenómenos atmosféricos y climáticos señalan el destino del proceso pictórico de Paula Senderowicz . Los satélites dibujan formas que se mueven en la tela, las partículas minerales dan color a su paleta, y los hielos se derriten, condensándose en inesperadas acuarelas.

Más allá de la legitimación y el reconocimiento que este importante premio otorga, no quisiéramos soslayar, y por ello lo repito, el compromiso vital que cada una y cada uno de los artistas seleccionados ha asumido con su tarea creativa para enriquecer con su obra nuestra mirada y expandir la conciencia colectiva hacia nuevos horizontes que trascienden la Pintura.

José Marchi Presidente Fundación Alberto J. Trabucco

Desde la Fundación OSDE acompañamos a la Academia Nacional de Bellas Artes y a la Fundación Alberto J. Trabucco en una nueva edición del Premio Trabucco, con la convicción de que el arte se construye de manera colectiva y que el trabajo articulado entre instituciones permite ampliar su alcance y su impacto. La continuidad de esta relación reafirma una línea de trabajo sostenida por la Fundación OSDE, orientada a impulsar proyectos culturales colaborativos, de calidad y con proyección en el tiempo, que integren arte, salud y bienestar cultural.

Este camino compartido se expresa en un compromiso concreto con la producción artística nacional, en el acompañamiento a trayectorias tanto consolidadas como emergentes y en la decisión de promover instancias de circulación que acerquen el arte a públicos diversos en todo el país. Desde esta mirada, el carácter federal que guía el trabajo de ambas instituciones constituye un eje central para fortalecer el ecosistema artístico argentino.

Como parte de esta misión, la Fundación OSDE ha diseñado un programa integral de actividades especialmente concebido para acompañar la muestra y ampliar la experiencia del público. Durante el período de exhibición se llevarán adelante visitas guiadas destinadas a escuelas, instituciones culturales, universidades y público general, junto con talleres, charlas y encuentros articulados con los artistas participantes, que propicien el intercambio y el diálogo en torno a la práctica artística.

Estas propuestas no solo amplían el alcance de la muestra, sino que fortalecen uno de los propósitos fundamentales de la Fundación: contribuir al bienestar individual y colectivo a través del arte, generando experiencias significativas que inviten a reflexionar, explorar y conectar desde distintas perspectivas y edades.

Finalmente, celebramos la labor de cada artista seleccionado para esta edición del Premio Trabucco 2026. Agradecemos profundamente a la Academia Nacional de Bellas Artes y a la Fundación Alberto J. Trabucco por la confianza renovada, y por seguir construyendo junto a la Fundación OSDE una visión compartida sobre el valor del arte en nuestra sociedad.

Lorena Mendonça

Secretaria Fundación OSDE

Las tres pinturas presentadas aquí continúan a la serie iniciada hace tres años basada en la representación de parques y jardines. Espacios que escapan al acelerado ritmo de la vida moderna propician una apertura dentro del caos, una abstracción del pensamiento. Mediante una pincelada impersonal, como una herramienta de deslocalización, represento lugares no específicos. Las finas capas de pintura componen formas una al lado de la otra sin superponerse, y constituye n de esta manera planos orgánicos y sintéticos. Así, materializo paisajes emocionales que transitan entre lo terrenal y lo onírico, introduciendo a quién observa en una atmósfera de contemplación y misterio y, a su vez, a cruzar la delgada línea entre lo real y lo imaginario.

Valentina Ansaldi (Buenos Aires, 1994) es Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Asiste a las clínicas de obra de Gabriel Baggio, Pablo Siquier, Leila Tschopp y Verónica Gómez.

En 2021 y 2018 recibió la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes y, en ese mismo año, el Primer Premio Estímulo de Pintura Banco Central. En el 2019 realizó su primera muestra individual, Última Dimensión, en Quimera, con curaduría de Gabriel Baggio. Y en el 2023 exhibió Canopo , su segunda muestra, en la misma galería, con texto de Sofía Reitter.

En 2025 recibió el tercer premio adquisición del 69° Salón Manuel Belgrano.

Participó de varias exposiciones colectivas entre las que se destacan: 20°, 19°,18º y 15º Concurso Nacional UADE (2025, 2024, 2023 y 2020 Mención Joven); Fundación Fortabat (2023 y 2021); Premio Nacional de Artes Visuales Nuevo Banco del Chaco (2022); 109° Salón Nacional de Artes Visuales (2021); 50º Salón de Artes Visuales Fernán Félix de Amador (2019); XIII y XI Premio de Pintura Banco de Córdoba (2020 Mención Adquisición y 2018); XI y X Premio Nacional de Pintura Banco Central (2018 Primer Premio Joven y 2017); Bienal de Arte Joven Buenos Aires (2017); y Premio Proyecto A (2017, 2015, 2012 y 2010), entre otros.

@valentina.ansaldi

Muchas veces mis trabajos funcionan como umbrales entre el paisaje que nos rodea y la inquieta conciencia del lugar que ocupamos dentro de él. Son paisajes primordiales, construidos con pocos elementos, más cercanos a paisajes mentales que físicos, donde los personajes tienden a disolverse. Me interesa sondear las posibilidades que ofrece la pintura que, gracias a sus artificios, detiene la desaparición como gesto de resistencia, encendiendo las figuras desde su interior. El río suele ser el escenario donde todo sucede, me interesa lo que se agita bajo la superficie.

Fuego interior es el título de uno de los cuadros, y el nombre que reúne esta nueva serie de trabajos, pensados para el premio. Cuerpos envueltos de una luminosidad propia. En tiempos marcados por la incertidumbre y el desconcierto, frente a escenarios que rozan lo apocalíptico, nuestros universos interiores se transforman en archivos de supervivencia, mapas sensibles para orientarnos en la opacidad del presente. No se trata de evasión, sino de una forma de prefiguración poética: un afuera imaginado que abre otras posibilidades de existencia.

Si Fuego interior y La luz del crepúsculo cantaba configuran atmósferas de suspensión, en El más querido la tensión se condensa, concretándose en una geografía de cuerpos: un momento de afectividad colectiva fuera del tiempo cronológico, capaz de convocar sombras lejanas y, con ellas, nuevas narraciones.

Cuando la realidad ya no nos indica cómo comprender y representar nuestra existencia, me pregunto hasta dónde puede forzarse la imagen para que el pacto con quien mira siga funcionando y persista, de manera natural, el deseo de habitar ese lugar o sus reflejos imaginarios, como si realmente fuera posible encontrarse allí.

¿Puede ese fuego interior transformarnos en luz?

¿Puede esa luz habitar en los otros y alcanzarnos sin esfuerzo, aunque sea solo por un instante? ¿Podemos nutrirnos de esos fuegos para seguir iluminados?

A veces, en la propia formulación de las preguntas que le planteo a la pintura, encuentro la respuesta a mis propias dudas.

Carolina Raquel Antich (Rosario, Argentina, 1970) vive y trabaja en Venecia, Italia. Se formó en la Academia de Bellas Artes de Rosario y continuó su perfeccionamiento en programas dirigidos por Guillermo Kuitca (Fundación Proa, Buenos Aires) y Hamish Fulton (Fundación Ratti, Como).

En 2005 participó en el Premio para el Arte Joven Italiano en la 51ª Bienal de Venecia. Ha sido finalista del Premio 5 Officina Saffi (Milán, 2024), del Premio Azcuy (Buenos Aires, 2020) y del Premio Faenza (2015), entre otros. Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en muestras individuales y colectivas. Entre sus exposiciones recientes se destacan Ensayo (Rosario, 2024), Este Arte (Uruguay, 2022), Somehow (Tokio, 2018), Unforgettable (Musée Hamaguchi Yozo, Tokio, 2018) y Quarzo (Buenos Aires, 2017). Asimismo, ha participado en Presi per incantamento (Centre de Création Contemporaine Olivier Debré, 2024), la Bienal Internacional de la Mujer (Trieste, 2021) y la Cuadrienal de Roma (2008). En 2025 realiza una obra site-specific de gran escala concebida especialmente para un espacio público-privado (Buenos Aires 2025). Sus publicaciones incluyen Un)Known Territories (2024), Ri-Nascite (2024), Le opere della Collezione Bevilacqua La Masa (2022), Silent Transformations (2021) y catálogos monográficos en Tokio, Buenos Aires, Lugano y Vicenza. Desde 2014, sus imágenes ilustran las portadas de las novelas de Banana Yoshimoto para la editorial Feltrinelli en Italia y para Grove Atlantic en Estados Unidos.

www.carolinaantich.com @carolinaraquelantich

Juan Astica

Las tres obras que presento son parte de una nueva serie de pinturas tituladas Pentagrama . Se trata de 3 telas de 150 x 150 cm, realizadas en base a un “juego pictórico”, inventado a partir de la idea de trasladar ciertos conceptos de la notación musical al plano pictórico.

Primeramente, trato de ubicar un cuadrado, que toma un sector de un pentagrama vacío (podría tratarse de un compás) de manera que, al ser atravesado por las cinco líneas genera 6 planos, posteriormente portadores de un color diferente por cada uno.

Previamente a la elección de los 6 colores, realizo una improvisación gráfico-pictórica en base a ciertos parámetros, abarcando toda la superficie de la tela (compás), a modo de un posible modo de notación.

Si bien es cierto que la notación musical es un código que luego necesita ser transformado en sonido, la notación que propongo elude esta mediación. Va directo a la conformación de la imagen.

Una vez terminada la configuración gráfica surgen los seis colores que van a constituir el conjunto de planos sobre el que se desplegará, finalmente, la dinámica general del conjunto. Dinámica imposible de apreciar hasta que se cubre el último centímetro cuadrado del último plano.

Al igual que en una composición para orquesta, en la que el músico recurre a diversos instrumentos para generar una complejidad tímbrica, para esta notación visual gráfico-pictórica, decidí utilizar en cada trabajo y en cada gesto o marca, diversos materiales empleados en la pintura desde tiempos remotos. Óleo, acrílico, diferentes tipos de tintas, pasteles al óleo, tiza, acuarelas, grafitos, lápices de varios tipos, caseína, óleo en barra, marcadores de acrílico, marcadores al óleo, tintas permanentes, carbón, tinta en barra, etc.

Juan Astica (Santiago de Chile, 1953). Estudió en la Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano”, y en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”.

Entre sus muestras individuales, se encuentran: Smart Gallery (2022); Galería Van Riel, Pinturas, Palacio Duhau (2019); Pinturas 2007-18, UCA (2018). James Baird Gallery, Canada (2014); Galería Wussmann (2005-2009); RVS Gallery New York (2006); C. C. Recoleta (2002); Galería Del Infinito (1999); British Art Centre (1998); Instituto Cultural de Providencia, Santiago de Chile, Galería Atica (1990); Kimberly Gallery, Washington D.C., (1989).

Participó, entre otras, en las siguientes muestras colectivas: La Naturaleza del Paisaje, Centro Cultural Borges; Puente Aéreo, UCA (2025). Abstractions Up and Down, James Baird, Pouch Cove, Canada (2024). Otra vez me arruinaste el dibujo, Centro Cultural Borges (2022). Paisaje y Abstracción, Chateau Carreras; Contraste Simultáneo, Fundación OSDE (2018). Pintura Post, Post, Fundación OSDE (2015). Art & Living, Lepere Space, New York (2010). Huit Regards Argentins, Galerie Guy Billout, France (2008). Astica, Bairon, Stupia, Videla, IILA, Roma (2004). Siglo XX Argentino, Arte y Cultura, C. C. Recoleta (2002).

Entre los principales premios que obtuvo, se encuentran: el Segundo Premio del. Salón Municipal de Artes Plásticas (2021); el Primer Premio de Pintura del Salón Nacional (2016); el Segundo Premio Banco Nación (2015); el Segundo Premio Banco Central y el Cuarto Premio, Banco Nación (2008); Gran Premio UADE (2006).

Realizó las siguientes publicaciones, entre otras: Pinturas 2007-2014, Ediciones Van Riel, y Juan Astica Obras 2015-2023, Tramo Editora.

@juanastica

En forma DESQUICIADA, los restos del mundo cotidiano se revelan como señales del fin de una era. Cajas de cartón que guardan zapatos y zapatillas desechadas, muñecas antiguas, pelotas desinfladas, hermosas polillas muertas y objetos cotidianos de vidrio quebrados: sin jerarquías. Lo íntimo irrumpe para hablar de una crisis que excede cualquier biografía; y sin embargo, es justamente desde la biografía que esta crisis se vuelve pintura. Una mariposa en un vasito de helado, despanzurrada casi quirúrgicamente, desnudando la fragilidad de lo que creíamos permanente. Los zapatos de mi hija, perdidos en una caja, delatan el paso del tiempo. El alhajero de mi madre, gesto mínimo y cotidiano, se vuelve reliquia de un mundo donde el intercambio humano aún no había sido devorado por los algoritmos.

Tiempo e hiperconectividad aceleran la caída. En esta aceleración forzada, las crisis personales se alinean con la global. Lo que antes envejecía lentamente ahora se vuelve obsoleto en un instante, y la ansiedad globalizada del consumo exacerba esta caída. Deseamos compulsivamente lo nuevo mientras adquirimos objetos que pronto serán residuos, recuerdos que pronto serán ruinas.

Por eso estas obras funcionan como un ALTAR DEL FINAL no celebran el apocalipsis, pero tampoco lo niegan. Son una forma de detener la mirada en aquello que ya está saliendo de escena, de honrar los fragmentos que persisten pese al desorden.

DESQUICIO es entonces una despedida, pero también una forma de comprensión. Es el reconocimiento de que lo que se quiebra, lo que se desinfla, lo que se abandona, guarda todavía una potencia, de que incluso en el desorden final hay un movimiento cíclico que nos devuelve a lo esencial.

Porque al final, todo retorna a su origen.

Alejandra Fenochio ( Argentina, 1962). Desarrolla su obra principalmente en la pintura, el grabado, las instalaciones, las prácticas gráficas y comunitarias con un fuerte interés tanto en el retrato como los objetos, los restos y las huellas del uso como portadores de memoria. A partir de imágenes realistas de gente o de elementos cotidianos —objetos rotos, descartados o fuera de circulación—, construye escenas que indagan en el desgaste, la persistencia y el desvío del sentido original de las cosas.

La imagen y lo que se intuye es expresado en múltiples series que proponen una lectura poética y crítica del entorno.

Participó en exposiciones individuales y colectivas, entre ellas en MNBA, Proa, Munar, Galería Nora Fisch, Palais de Glace, C. C. Recoleta, MNBQM, Casa del Bicentenario. En 2017 public ó el libro Desbordes, presentado en el MNBA, que muestra parte de su obra pictórica entre 1984-2017 . E n 2021 obtuvo el 1er premio de Pintura del Salón Nacional. Su producción dialoga con problemáticas contemporáneas como el consumo, el abandono y la fragilidad de lo humano reflejada tanto en la gente como en los objetos. Entiende la práctica artística como un espacio de exploración constante, donde el error, el desquicio y la observación atenta se transforman en motor creativo.

@alejandraderrocha

Hoy

De la serie Paisaje cercano.

Me gusta pensar que somos tan permeables al entorno que hasta la piel puede cambiar de color.

La serie Paisaje Cercano es una exploración de la relación entre la piel y el entorno. Aprovecho la luz y los reflejos de lo que me rodea para pintar, tiñendo mi piel con los distintos colores del entorno. Utilizo la cámara de mi celular como recurso pictórico, captando las diferentes transformaciones.

Elijo siempre el mismo fragmento de piel, repitiendo un gesto simple, que acentúa los modos de ver y de vernos según dónde estamos y qué o quién nos rodea. La cercanía en la que ubico la cámara hace perder la referencia, generando planos abstractos de color, que funcionan como pinturas atmosféricas.

Estas imágenes nebulosas, cargadas de variaciones tonales y destellos tornasolados, encuentran en el satén su soporte ideal. Es la tela que permite a la piel prolongar su existencia como un tejido blando. El satén, con su brillo discreto y su tacto sedoso, infunde una atmósfera de intimidad y misterio, magnificada por los marcos dorados a la hoja, que otorgan luz a cada fragmento.

Cada obra es una geografía temporal, un mapa compuesto por múltiples capturas que retienen la intensidad de un encuentro, la serenidad de unas vacaciones, o la energía de una fiesta. Específicamente, “Hoy” es la crónica visual y la materialización de la rutina: la captura de mis mañanas y mis reflexiones dentro del taller durante los últimos meses.

La composición final es un ejercicio de edición a posteriori, después de la impresión. Selecciono, recorto y ubico cada paño completo o fragmento, articulando una pieza única donde cada porción dialoga y se complementa.

Y al igual que la piel nos cubre por entero, cada pieza posee la flexibilidad de adaptarse al muro que la contiene, pudiendo reposar en el plano o abrazar la concavidad o convexidad de un ángulo.

Es la piel que, en su versión más sensible, se convierte en el archivo vivo del tiempo habitado.

Hoy (Los días), de la serie Paisaje, políptico en fotografías de la piel de la artista impresas en satén enmarcadas con dorado a la hoja, 300 x 150 cm, 2025

Hoy (Las noches), de la serie Paisaje, políptico en fotografías de la piel de la artista impresas en satén enmarcadas con dorado a la hoja, 125 x 150 cm, 2025

Hoy (Los días y las noches), de la serie Paisaje, políptico en fotografías de la piel de la artista impresas en satén enmarcadas con dorado a la hoja, 425 x 150 cm, 2025

Yuyo Gardiol (San Carlos Centro, Santa Fe, 1980) es artista, gestora y curadora. Es Licenciada en Bellas Artes de la Facultad de Humanidades y Artes (U.N.R.) Es fundadora y directora de Crudo arte contemporáneo, del programa de formación para artistas Taller Compartido, y de CRUDO residencias.

Realizó clínica de obra con Eduardo Basualdo y Ana Gallardo, entre otros. Fue seleccionada en el Programa de artistas 2025/26 de Fundación HITO Cultural; en el 102° Salón anual nacional de Santa Fe, Rosa Galisteo 2025; en el 112° del Salón Nacional de Artes Visuales 2025. Recibió el Premio in situ, otorgado por los coleccionistas Joaquín Rodríguez y Abel Guaglianone (Pinta Baphoto, 2023) y el del FNA en el LXIX Salón Nacional de Rosario, 2015. Cursó el Programa “Escuela Prestada” Escuela Municipal Manuel Musto (tutoría de Nancy Rojas y Eugenia Calvo, Ros); el Programa de formación del FNA en el MACRO (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario). Docente: Rodrigo Alonso y Gabriel Valansi. Recibió becas y subsidios del Ministerio de Cultura de la Nación, de AAICI, FNA, de la Sec. de Cultura de la Municipalidad de Rosario, entre otras. Realizó residencias en Madrid (España), Sao Paulo, Río de Janeiro y Santa María (Brasil), Buenos Aires, San Martín de los Andes, Mar del Plata y Tucumán (Argentina), entre otras.

Realizó exposiciones individuales, entre ellas “Sueño Dorado”, CRUDO (Buenos Aires, 2025); “Pueblo fantasma”, CRUDO (Rosario, 2024); “En la oscuridad absoluta hasta una montaña es invisible” curadora Irene Gelfman, Museo Castagnino (Rosario, 2023); “Observar lo invisible”, La lavandería (Madrid, 2018); “Un secreto olvidado”, curador Hernán Camoletto, CRUDO (Rosario, 2018); “Del vacío un bosque”, MACRO – Museo de Arte Contemporáneo (Rosario, 2015).

Entre las exposiciones colectivas en las que participó se destacan: “Fractura Expuesta”, curadora Silvia Gurfrein en Arthaus (Buenos Aires, 2025); “Premio In situ”, curador Joaquín Rodríguez, Casa Nacional del Bicentenario (Buenos Aires, 2025); “Cuanto pesa el amor”, curador Daniel Fischer, Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, 2024); “Rutas Relacionales” curador Javier Martín Jiménez, Galería Lucía Mendoza (Madrid, España 2024). Su trabajo se exhibió en museos, galerías y ferias nacionales e internacionales como ARCO (Portugal), Zona Maco (México), arteBA (Argentina) y Pinta Miami (EE. UU.), entre otras. Actualmente, vive y trabaja entre Rosario y Buenos Aires, Argentina.

@yuyogardiol

Verónica Gómez

“Me interesan las casas de la infancia que no logramos abandonar y nos persiguen en sueños, las conmociones internas de las cosas y de los seres que se traducen a la superficie adoptando la apariencia de camuflajes o revestimientos, la fisonomía de la crueldad, la fábula y los matices de la ternura, la morfología de aquellas estrategias de adaptación que, a veces torpes o disfuncionales, perseveran estoicas en su afán de supervivencia.”

El regreso de las Niñas Mueble, óleo sobre lienzo, 150 x 100 cm, 2025

Verónica Gómez (Buenos Aires en 1978) es Profesora Nacional de Pintura, ENBAPP y Licenciada en Artes visuales (UNA). Recibió becas del Centro Cultural Rojas, Espacio Fundación Telefónica, Fondo Nacional de las Artes y Pollock-Krasner Foundation.

Desde hace más de veinte años expone regularmente su trabajo en muestras individuales y colectivas en Argentina y en el exterior.

Recibió los premios: Primer Premio Klemm, Gran Premio Fondo Nacional de las Artes, Primer Premio Pintura del Banco Central, Premio Semana del Arte, Premio Adquisición 8 M, Primer Premio Salón de Rosario, Mención de Honor Premio Braque.

Asistió a residencias artísticas en Finlandia y China.

Publicaciones: “Las chicas dark de Silvina Ocampo”, Gata Flora, Historia General del Arte en la Argentina, Tomo XIII, ANBA, “Últimas tendencias II”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, “Poéticas contemporáneas”, Fondo Nacional de las Artes, entre otras.

Su obra integra las colecciones del Museo Nacional de Arte Moderno de Buenos Aires, Banco Supervielle, Castagnino-Macro, Palais de Glace, Fundación Federico J. Klemm, Fondo Nacional de las Artes, Banco Central, MALBA, Colección Balanz, Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson de San Juan, y colecciones privadas.

Vive y trabaja en Buenos Aires.

www.veronica-gomez.com.ar @veronicainesgomez1

Serie Extimidad

Mientras trabajo, suelo escuchar entrevistas. Hace poco, en una de esas escuchas, un periodista le preguntaba a una escritora cuál era la imagen que representaba nuestra actualidad. Ella respondió: la fragmentación. Hablaba de su trabajo, de escarbar en los recuerdos de su infancia, de su casa. Mientras la escuchaba pensaba en la casa de mi infancia: había un jazmín; soñé hace poco con él. Se llenaba de flores blancas en diciembre, y el aroma llegaba a la ventana de mi habitación. Cerca estaba la iglesia, como sucede en la mayoría de los pueblos del interior de Buenos Aires. La iglesia está en la plaza, junto a un edificio importante y un colegio; el mío quedaba a tres cuadras de la plaza. Cuando salía del colegio, casi siempre miraba la iglesia. No sé por qué, no soy católica. Esa iglesia había sido construida sobre otra, de nombre San Gabriel Arcángel. Al mirarla, me daba la sensación de que debajo había algo importante y, si bien la nueva era extraña —por sus techos en diagonal, bloques de concreto y unos vitrales en una perspectiva poco habitual para un templo—, mi atención estaba en lo otro, en lo que no estaba. Pensaba en cómo había sido esa plaza, seguramente rodeada de campo y caminos de tierra. Un campo con su cielo inmenso. En mi mesa de trabajo hay revistas, hay libros y fotos en blanco y negro. Aunque creo tener un método, no lo tengo: me guío por la intuición, me siento una espigadora en plena ciudad. Las fotos aclaran, en algún momento, alguna cosa ¿Qué imagen nos representa? En ese hilvanar de imágenes me río: la casa, la iglesia con su techo extraño y sus vitrales, el campo y el cielo. No sé si se dibuja la mueca de la sonrisa en mi cara. Pienso qué se ve fuera de campo. En mis pinturas me gusta jugar con los bordes, un borde que abre preguntas: alguien entra y sale de escena; qué sucede fuera del encuadre y condiciona la mirada. Recorto papeles con urgencia, calco alguna forma, busco el color adecuado para que esté en primer plano o para que flote en un espacio sugerido; formas que son arcángeles, ideas que el pequeño recorte dispara y que, al unirse, hacen surgir otra imagen. Aparece la duda: ¿será que lo resuelvo en la pintura? La fragmentación tiene su potencia, pienso.

Las pinturas que presento al Premio Trabucco forman parte de un conjunto de obras en las que vengo trabajando este año. En ese tiempo aparecieron palabras que, para mí, desprenden imágenes. Ese tránsito —entre lo que aparece, lo que recojo y lo que elaboro— sostiene mi investigación pictórica.

Martina Krapp ( Adrogué , 1981) e s Licenciada en Artes Visuales (UNA). Participó en residencias artísticas en la Fundación Armando Álvarez Penteado, São Paulo 2023; Ateliê397, coordinado por Carol Laureano, São Paulo 2020; y Can Serrat, El Bruc, Barcelona 2018. Recibió distinciones como el Premio Estímulo del Fondo Nacional de las Artes 2018 y fue seleccionada por el XVI Salón de Artes

Visuales Junín 2021 y el XIII Premio de Pintura BANCOR 2020. Entre sus muestras se destacan Teorema sobre la gravedad Galería ODA, 2025, Em Deslocamento Edificio Lutetia, São Paulo, 2023, Mil Pieles MU–Museo Urbano, MACA Junín, Casa Victoria Ocampo FNA. Muestra individual Mi sobra es un hueco en la tierra , Galería Alejandro Bustillo, Casa del Bicentenario FNA, Galería Pasaje 17, Centro Federal de Inversiones, Bienal Federal de Pintura CFI, Fundación Esteban Lisa (2017), El punto gris Fundación ICBC (2017).

@krappmartina

Agradecimiento:

Ad Minoliti

Mis instalaciones pictóricas se desarrollan en torno a la abstracción geométrica con ejes que abarcan feminismo queer , anti-adultismo, ecología, animalismo y ficción especulativa.

Experimento con una geometría no binaria donde las teorías de género se aplican al lenguaje pictórico con ternura, humor, pero sin cinismo.

Para mí, la geometría es la mejor herramienta para representar e investigar una heterotopía no humana al rediseñar espacios y relatos clásicos. La dimensión animal y la infancia son factores muy importantes al reflexionar sobre qué cuerpos importan, qué cuerpos poseen auto-soberanía.

Estudié pintura y me considero pintor, pero cosecho un concepto más amplio de lo que el medio puede ser más allá de la técnica: como grabados, ropa, video, gifs y ambientes. El campo no puede ser el mismo tras el feminismo interseccional y toda la información disponible en internet, ya que necesitamos deformar el concepto mismo de bellas artes, compostar los saberes.

Mi trabajo como pintor también se relaciona con la organización de proyectos culturales e instituciones ficticias pero funcionales. Por ejemplo para la Escuela Feminista de Pintura, invito a numerosos colaboradores, como artistas, activistas e investigadores, pensando la pintura no como un resultado sino como tecnica para digerir y deconstruir conocimiento.

Inspirado por el libro Feminist Queer Crip , me encanta la definición de Alison Kafer: “Como han argumentado durante mucho tiempo los críticos del pensamiento utópico, las fantasías que imaginamos revelan los sesgos del presente. Parece muy posible que imaginar diferentes escenarios y temporalidades nos ayude a ver y vivir el presente de manera diferente”.

Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980) realizó el profesorado en pintura de la Escuela de Bellas Artes P. Pueyrredón y estudió con Diana Aisenberg. Sus últimas exposiciones individuales se presentaron en Pinacoteca (Brasil), BALTIC y Tate St Ives (Reino Unido), CCCOD (Francia), Kunstpalais Erlangen (Alemania), MASS MoCA (USA), y La Casa Encendida (España). Otros proyectos especiales incluyen el Bird Hotel en Un été au Havre y Manifestación Pluriversal en CAM St Louis.

Entre los premios que obtuvo, destacan el Nacional de Pintura Banco Central, Arcos Dorados y UADE Art Institute. Ha recibido becas del Ministerio de Cultura de Argentina y el FONCA Conaculta de México, entre otros.

Participa en varias residencias como Gasworks & URRA Londres, FRAC Pays De La Loire, Cité Internationale des Arts París y Kadist San Francisco. Su obra se ha exhibido en galerías, instituciones y museos de Corea, Perú, China, México, Japón, Portugal, India, Bolivia y Chile, entre otros países. Suma murales comisionados para ICA Los Ángeles, MCA Puerto Rico, TANK Shanghái y Times Museum de Guangzhou. Participó en la Bienal del Mercosur de Porto Alegre (2024), la Trienal de Aichi (2016), la Trienal Front Cleveland (2018), la 58ª Bienal de Venecia (2019), la 13ª Bienal de Gwangju (2021) y la Bienal de Niza (2022).

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Fátima Pecci Carou

Estas pinturas, realizadas con óleo al agua sobre lienzo, representan escenas oníricas que se desarrollan en entornos biodiversos, como bosques, selvas, lagos gélidos o pantanos. Como en la mayoría de mis obras, las protagonistas son mujeres. Ellas yacen sobre el suelo, tienen sus cuerpos sumergidos o parecen estar flotando, levitando. Entablan una comunión erótica y trágica con la naturaleza, entendida ésta como un lugar común, de complicidad, pero también connotando el orden extractivista del hombre sobre la naturaleza y sobre el cuerpo de las mujeres. Se afirma una mirada romántica de la intemperie que también advierte fatídicamente los porvenires de la crisis ambiental. Hay una impronta fantasmagórica en las figuras que se reflejan en el agua y nos envuelven en una atmósfera indicadora del erotismo, la muerte y la soledad. El conjunto encarna la existencia de estados de ánimo, donde se contrapone la quietud apacible de las efigies con la convulsión de la naturaleza, tomando referencias a los cielos de Tiziano o a las Ofelias prerrafaelitas. Como señala Sara Ahmed, “un temple de ánimo es más bien como una atmósfera, no es que una persona nos contagie un sentimiento, sino que estamos inmersos en sentimientos que no son nuestros”. Además de recrear este temple o ambiente, estos óleos abogan por el rescate de relatos socialmente dolorosos, aunque en apariencia superados. Algunas de las pinturas están plasmadas en soportes que se asemejan a banderas o estandartes, evocando los modos de circulación popular de las imágenes, para recordarnos que la historia de la pintura, cuya materialidad densa, gestual o diáfa na, puede hablarnos también de la historia de las emociones.

Fátima Pecci Carou ( Buenos Aires, 1984 ) es L icenciada en Artes Visuales (UMSA) y se formó en Historia del Arte (UBA). Complementó sus estudios en el Centro de Investigaciones Artísticas (2015, CIA) y en las clínicas de obra de Javier Villa y Carla Barbero (ABE-ELE, 2020), reali zó clínicas con Marina de Caro (2024) y Ana Gallardo (2014). Fue nominada a las becas Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO)- Grants & Commis (2019). Ganó el Premio Adquisición “8M Despatriarcalizar la mirada” (CCK 2021), el Premio en Obra Barrio Joven ArteBA (Galería Piedras, 2018) y el 1er Premio Adquisición de Pintura Vicentín (Santa Fe, 2017). Realizó varias e xposiciones individuales entre las que se destacan: “El desvelo de Eros”, curaduría Andrea Giunta y Danila Desirée Nieto, Galería Cott, 2025 ; “Estado(s) de á nimo”, texto de Nancy Rojas, Galería Cott, 2024; “Los pasajes del desierto”, curaduría Belén Coluccio Centro de Arte UNLP, 2024; “La fuerza domesticadora de lo pequeño”, C.Cultural Borges, curaduría Andrea Racciatti (2023); “Mis documentos” de Lola Arias, CC. Recoleta (2017) y “Algún día saldré de aquí”; C.C. de España en Rosario, curaduría Claudia del Río (2016). Particip ó en las e xposiciones colectivas: “Algunos oficios. Arte, trabajo y precariedad en Argentina” Parque de la Memoria, curador Marcos Kramer, 2025; “Lluvia ácida” C. C. Recoleta, Curaduria Marcos Kramer, 2025; “El aprendizaje infinito”, curaduría Jimena Ferreiro y Alfredo Aracil, Museo Moderno, 2024; “Figuritas” Curaduria Joaquin Barrera, Casa Nacional del Bicentenario 2023; 12 ª Bienal de Mercosul “Feminismo (s), visualidades, acciones y afectos, c uraduría Andrea Giunta, Porto Alegre, 2020; “Una Historia De La Imaginación En La Argentina”, Museo Moderno, Curador Javier Villa, 2019. Participó en los premios de la Fundación Klemm, UADE, Itaú, Banco Central, FNA. Editó su libro Femininjas (Ronda Editorial, 2019). Es parte del colectivo Nosotras Proponemos. Es representada por COTT Gallery.

Paula Senderowicz

VOG Y AMPLITUD TÉRMICA

¿Qué es lo que inflama un territorio hasta provocar una erupción? ¿De qué modo se regula su temperatura? Sigo de cerca las alertas vinculadas a la sensibilidad atmosférica y al clima extremo, revisando gráficos y modelos que son un lenguaje más del paisaje. La tecnología modificó nuestra manera de mirar el espacio: los satélites observan los territorios desde arriba y ofrecen visiones dinámicas.

La meteorología de terrenos volcánicos estudia cómo gases, aerosoles y cenizas interactúan con la atmósfera y generan nubes lenticulares, lluvia ácida, dispersión de cenizas y alteraciones en la estabilidad térmica, la visibilidad y la calidad del aire. En estas pinturas persigo la inestabilidad de esos fenómenos, observando imaginariamente desde múltiples puntos de vista, aunque siempre a través del vog (bruma volcánica), cargado de partículas de azufre. Ante las visiones apocalípticas de la crisis climática, sostengo la necesidad de imaginar nuevas traducciones visuales de los fenómenos atmosféricos en diversas geografías.

Vog y amplitud térmica reúne tres piezas: una pintura de paisaje sobre papel entelado; una obra cuyo soporte es el hielo, que al derretirse deja su huella sobre un papel; y una tercera pintura que reconfigura esa imagen. Las tres comparten una paleta de pigmentos de origen mineral.

En este conjunto, lo pictórico, lo material y lo efímero coexisten. El hielo introduce una temporalidad que tensiona la estabilidad de la pintura, y el agua que escribe sin intención aparente; recuerda que todo territorio está atravesado por fuerzas que lo exceden. Los volcanes modifican el clima porque la meteorización química de sus rocas captura CO₂ y contribuye a regular la temperatura del planeta. Aquí, hielo y pigmentos condensan procesos que operan en distintas escalas: transformaciones minerales lentas y variaciones atmosféricas rápidas. Las capas de color aluden a sedimentos, minerales y placas en movimiento, mientras que el hielo registra partículas y aire atrapado que se liberan con el deshielo. Juntos revelan cómo las perturbaciones del campo térmico, el calor volcánico y el frío ambiental, modelan la materia y el paisaje.

Paula Senderowicz

Amplitud térmica, hielo coloreado sobre papel entelado, 100 x 150 cm, 2026

Paula Senderowicz (Buenos Aires, 1973) es Profesora nacional de pintura y Licenciada en Artes

Visuales por la Universidad Nacional del Arte, donde se desempeña como docente. Desarrolla sus trabajos en distintos medios; las instalaciones tienen carácter efímero, en su mayoría, mientras que sus dibujos, fotografías y pinturas forman parte de colecciones públicas y particulares.

Recientemente expuso Ríos Atmosféricos, vistas y modelos , en Oda galería; La memoria del agua en el Centro Cultural Recoleta. Su obra ha integrado exposiciones en el MALBA, Centro Cultural Kirchner, Bienal Sur, Casa Nacional del Bicentenario, Fundación OSDE, y Bienal del fin del mundo, entre otras instituciones de gran visibilidad pública.

Ha recibido becas de diversas instituciones y programas nacionales e internacionales: Fundaciones Williams y Andreani (2024), Activar Patrimonio del Ministerio de Cultura (2021), Fondo Nacional de las Artes (2021 y 2016), Embajada de Canadá (2006), Fundación Antorchas y Banff Centre for the Arts (2004). También obtuvo reconocimientos en certámenes como 8M

Adquisiciones del Ministerio de Cultura (2023), Primer premio del Concurso de Pintura Quinta Trabuco (2022), y del Salón Nacional de Rosario (2009); y menciones en Salón Nacional de Artes Visuales (2017), Premio Klemm (2008) y Bienal de Bahía Blanca (2007).

En 2011, publicó el libro La inquietud que atraviesa el río , que reúne su producción artística.

@paula.sende www.paulasenderowicz.com

Se agradece al Sr. Rubén Sesa, en representación de la firma Olivo, por la colaboración en la logística de frío.

STAFF ACADEMIA NACIONAL DE BELLAS ARTES

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