¿Cuántas mujeres deben ser destruidas para que un hombre sea considerado un genio?
La historia del arte ha estado escrita con pinceladas de gloria masculina, y pocos nombres brillan con tanta intensidad como el de Pablo Picasso. Innovador, prolífico, indomable: su legado atraviesa museos, libros y subastas millonarias. Se le celebra como el padre del cubismo, el revolucionario del siglo XX, el artista total.
Pero detrás de esa narrativa heroica, hay otra historia más incómoda, menos contada.
PICASSO Y LAS MUJERES:
UNA RELACIÓN
MARCADA POR LA DOMINACIÓN
Picasso mantuvo relaciones sentimentales con numerosas mujeres a lo largo de su vida. Fernande Olivier, Olga Khokhlova, MarieThérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot y Jacqueline Roque no solo fueron sus parejas, sino también sus musas, modelos y objetos de representación constante. Su vida amorosa ha sido tradicionalmente narrada como parte de su genio: mujeres inspiradoras, pasiones volcánicas, ruptura de normas. Pero bajo esa narrativa se esconde una estructura de abuso.
Muchas de estas mujeres sufrieron depresión, enfermedades mentales o suicidio. Marie-Thérèse intentó suicidarse tras la ruptura; Jacqueline se quitó la vida años después de la muerte de Picasso. Dora Maar, artista surrealista y fotografa, fue internada en una clínica psiquiátrica durante su relación con él. Picasso la retrató como una figura trágica en La mujer que llora (1937), un ícono del dolor femenino que, paradójicamente, fue causado en gran parte por el propio artista.
PABLO PICASSO: “PARA MÍ, HAY SOLO DOS TIPOS DE MUJERES: DIOSAS Y FELPUDOS.”
¿CUÁNTAS VOCES FEMENINAS HAN SIDO SILENCIADAS POR LA
La figura de la “musa” ha sido históricamente una forma elegante de ocultar la desigualdad de poder en la relación entre artista y mujer. En el caso de Picasso, esta figura adquiere una dimensión trágica. Aunque algunas de sus parejas también eran artistas, como Dora Maar o Françoise Gilot, sus propias carreras fueron opacadas, anuladas o desestimadas por el propio Picasso, que no toleraba la competencia creativa ni la independencia emocional. La musa debía inspirar, pero no brillar por sí misma.
En su obra, esta tensión se hace visible: las mujeres aparecen como símbolos del deseo, del dolor o de la fragilidad. El cubismo, movimiento que él cofundó, rompía la figura en planos geométricos, pero no es casual que tantas veces el cuerpo fragmentado fuera el de una mujer. La deconstrucción formal puede leerse también como una violencia simbólica, una traducción estética de una relación desequilibrada.
LA VIOLENCIA SIMBÓLICA
EN SU OBRA
La mirada de Picasso sobre la mujer está profundamente codificada en su obra.
Desde sus primeros dibujos hasta sus últimos lienzos, la figura femenina aparece fragmentada, deformada, invadida por una mirada que no busca comprenderla, sino poseerla.
El cubismo, en manos de Picasso, no solo rompía con la perspectiva tradicional: también transformaba el cuerpo femenino en una composición abstracta, sin alma, sin humanidad. La mujer es despojada de identidad, reducida a geometrías.
La idealización y la humillación coexisten en su obra. Picasso alterna entre la diosa y el monstruo, entre la joven sensual y la madre brutalizada. Hay una incapacidad radical de representarlas como sujetos complejos. La mujer, para él, no es interlocutora: es superficie.
“Les Demoiselles d’Avignon” (1907), Se representan a cinco mujeres desnudas, prostitutas, con rostros angulosos y cuerpos desmembrados. Esta obra se ha celebrado como el inicio del cubismo, pero también puede leerse como un acto de violencia visual.
LA MUJER QUE LLORA (1937)
LA MUJER QUE LLORA (1937) donde
Dora Maar, su compañera y artista en ese momento, es retratada como una figura descompuesta por el dolor.
También es una imagen inquietante del sufrimiento individual que Picasso provocaba en su círculo íntimo.
La expresión de Dora es exagerada, su rostro hecho añicos como un espejo roto: una representación dramática que, en lugar de empatía, parece disfrutar del espectáculo de la angustia.
LA VIOLENCIA SIMBÓLICA EN SU
NUDE, GREEN LEAVES AND BUST (1932)
Inspirado en su amante Marie-Thérèse Walter, el cuerpo femenino es representado como una figura lánguida y pasiva, casi ausente.
Marie-Thérèse, que tenía solo 17 años cuando comenzó su relación con Picasso, aparece una y otra vez en sus cuadros como un cuerpo sexualizado, reducido a formas blandas, curvas, casi infantiles.
La sensualidad es constante, pero vaciada de subjetividad: no hay mirada, no hay resistencia, solo disponibilidad.
NUDE, GREEN LEAVES AND BUST (1932)
nombre masculino Índole o condición según la cual obra alguien comúnmente. “Es de genio apacible.”
nombre masculino Disposición ocasional del ánimo por la cual este se manifiesta alegre, áspero o desabrido.
(GENIO)
¿CÓMO
SE CONSTRUYE EL MITO DEL GENIO?
En el caso de Picasso, se trata de una combinación de factores: talento, carisma, ruptura con la tradición, respaldo institucional y, sobre todo, una narrativa cultural que glorifica al hombre transgresor aunque sea abusivo.
Durante el siglo XX, el "genio" se concibió como una figura masculina, atormentada, excéntrica, a menudo cruel. Picasso encajaba perfectamente. Su violencia emocional era parte de su mito. Los museos, los críticos, los libros, reforzaron esta imagen: la del hombre que todo lo puede, todo lo transforma, todo lo justifica en nombre del arte.
Esta celebración institucional ha contribuido a la impunidad simbólica del artista. Muy pocas veces se ha cuestionado cómo sus relaciones personales influyeron en su trabajo, ni cuál fue el costo emocional de sus musas. Hasta hace poco, la ética del artista era un tema secundario.
EL MERCADO DEL ARTE:
¿QUÉ
HACE QUE UNA OBRA VALGA MILLONES?
Picasso no solo es un mito cultural, también es una marca económica.
Sus obras se venden por cifras astronómicas.
Les Femmes d'Alger (1955) alcanzó los 179 millones de dólares en una subasta de Christie's.
PERO, ¿QUÉ DETERMINA ESE VALOR?
Es posible que si Picasso no hubiera sido promovido por estos circuitos, sus obras no tendrían el mismo valor.
El talento por sí solo no genera millones: es el mito el que vende.
La pregunta es, entonces, si estamos valorando la obra o el relato construido alrededor de ella.
¿ES SOLO SU TALENTO, O HAY OTROS MECANISMOS EN JUEGO?
El mercado del arte es una construcción ideológica. Las obras valen lo que el sistema está dispuesto a pagar por ellas. Ese sistema está compuesto por marchantes, coleccionistas, galerías, museos, instituciones educativas, medios de comunicación.
Es un circuito cerrado que reproduce jerarquías y canoniza nombres, casi siempre masculinos y occidentales.
