MiraBA 202

SUMARIO

Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 22 "Emilio" de Patricia Suárez con dirección de Mariano Dossena / Pág.26 "Marúca"-reportaje a una pintora española- / Pág.30 “Menos detalles”, escrita y dirigida por Gustavo Tarrío / Pág.34 "Federico tuvo un sueño" con la actriz María Marta Guitart / Pág.36 "Play". El nuevo montaje de Matías Umpierrez / Pág.40 "POP" Nuevo portal de la Ópera Portuguesa por Nicolás Isasi / Pág.42 "Galaxias Sinfónicas". Un show musical épico / Pág.44 "Charlie y la Fábrica de Chocolate", la fábrica más famosa / Pág.46 "Escombros de un vampiro sideral" de Vera Cirkovic / Pág.50 LITERARIAS / Pág.64 LITERARIAS / 78 MUSEOS / Pág.90 CARTELERA / Pág. 172 MÚSICA / Pág. 228 CINE.

4 MiráBA

Ingrid Pelicori en YO, FEDRA Texto y Dirección: Analía Fedra García Página 90

Revista Mir á BA N. 202 MAYO 2026. Revista Mir á BA es una publicaci ó n mensual de inter é s general.Director: Á ngel Lu í s D í az. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar

Propietario: Angel Lu í s D í az. Ciudad Aut ó noma de Buenos Aires. Rep ú blica Argentina. Versi ó n digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los art í culos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opini ó n de la editorial y/o direcci ó n. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducci ó n total o parcial del material gr á fico o escrito publicado originalmente en la Revista Mir á BA con expresa menci ó n de la fuente. Revista Mir á BA en Internet: www.miraba.com.ar Contacto redacci ó n: redaccion@miraba.com. ar Publicidad: publicidad@miraba.com.ar Suscripci ó n digital: suscripcion@miraba.com.ar

NOTICIAS

Florencia Peña se suma a “Las hijas” de Ariadna Asturzzi.

Florencia Peña se suma a Las Hijas en esta nueva etapa de la obra, ya que Julieta Díaz no podrá continuar a raíz de una hernia de disco que le impide realizar las funciones.

Las Hijas continúa en el Paseo La Plaza, consolidándose como uno de los grandes sucesos teatrales.

La propuesta invita a reflexionar sobre los vínculos entre madres e hijas, el amor y la memoria, a través de una historia tan profunda como cercana, que emociona al público función tras función.

Elenco: Florencia Peña, Soledad Villamil, Pilar Gamboa. Dirección: Adrián Suar. Producción General: Adrián Suar - Preludio. Funciones de jueves a domingo. Entradas: en 115236-3000 la boleterÍa del Paseo la Plaza (Corrientes 1660) o en www.plateanet. com

“Las hijas” es una comedia

sensible y emotiva que narra el reto al que se enfrentan tres hermanas: una madre con alzheimer. Elena, fue una madre presente, a veces demasiado, exigente y firme. Una jueza de profesión que no supo dejar la ley fuera de la casa.

Inés (Soledad Villamil), una tarotista de renombre con una capacidad inexplicable para leer el futuro; María José (Florencia Peña), una psiquiatra forense que conoce todas las patologías posibles pero no sabe cómo lidiar con su madre; y Roberta (Pilar Gamboa), un intento de artista plástica con múltiples carreras incompletas y un emprendimiento de catering

que parece más un acto de fe que un negocio, se reúnen para decidir qué hacer con la situación. A lo largo de la noche, descubrirán que Elena fue una madre distinta para cada una y que no están listas para verla dejar de ser ella.

Las hijas es una obra que explora las contradicciones humanas, los vínculos familiares y la lucha por encontrar un equilibrio entre el amor, el deber y la aceptación de lo irreversible. ¿Cómo se cuida a una madre que siempre pudo todo sola? ¿Cómo se deja de ser hija?

Cada uno tiene la madre que recuerda.

NOTICIAS

Festival de Música Barroca PUENTES

MUSICALES 2026

Por segundo año consecutivo se realiza el Festival Musical Internacional dedicado a los repertorios musicales virreinales americanos que recibieron la influencia del barroco de origen español, italiano y centro europeo. Para este festival hemos contactado ensambles y solistas de nuestro país: Córdoba, Santa Fe y Buenos Aires y de grupos de Bolivia, España y Uruguay. Todos ellos conformados por profesionales de altísimo nivel artístico tanto como gran trayectoria internacional.

El ensamble Capilla del Sol, grupo residente del Museo

Fernández Blanco especializado en el repertorio del barroco americano y con 23 años de carrera tanto nacional como internacional será el conjunto porteño anfitrión. De la mano de su director musical Ramiro Albino, está conformado en forma federal con músicos de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Salta y Santa Fé y es referencia nacional y convocatoria obligada para un festival en nuestra ciudad. En cuanto a los grupos de Bolivia, (Ensamble Moxos), Uruguay (Art Cantorum), y España (Harmonia del Parnas) resultan todos ellos de larga y reconocida trayectoria tanto en sus países como en el exterior. Cabe mencionar que en todos los ensambles invitados

participan músicos locales, por lo que nos complace organizar este verdadero intercambio cultural, plasmado en un festival barroco, con su especial característica: la música del barroco hispanoamericano.

El Palacio Noel sede principal del Museo de Arte Hispanoamericano

Isaac Fernández Blanco brinda un marco propicio para dichos conciertos.

Dirección musical: Ramiro Albino

Coordinación: Leila Makarius / Jorge Cometti

Sábado 30 de mayo 17 h

Capilla del Sol

En alas del Cóndor

Domingo 31 de Mayo 17 h

Harmonia del Parnas (España) ¡Ay que me abraso de amor!

Sábado 6 de junio 17 h

Paisajes del Barroco Italiano de Nápoles a Venecia

Domingo 7 de junio 17h

Umbral

Motetes y Madrigales entre el Renacimiento y el Barroco

Sede Palacio Noel (Suipacha 1422, Barrio Retiro. CABA)

Museo de Arte

Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco

Entrada $5.000

Se adquiere directamente el día del concierto en Boletería del Museo.No se reserva. Se ingresa por orden de llegada hasta colmar la capacidad de la sala. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años, ex combatientes de Malvinas y grupos de estudiantes de colegios públicos sin cargo.

NOTICIAS

ESTRENO DE “¿PARA QUÉ ME LO DECÍS?”

UNA COMEDIA ÁCIDA Y SIN FILTRO QUE LLEGA EN MAYO AL TEATRO PREMIER

Ya llega “¿Para qué me lo decís?”, una comedia ácida y contemporánea que pone en escena las contradicciones y el caos de los vínculos actuales. Con guión original y dirección de Martín Goldber, la obra marca además el debut teatral de James Cowan, Nicolás Etchebarne (@elgordoyelflako_) y de Mar Cosca (@maarcosca)

El próximo 1 de mayo a las 20 h. en el Teatro Premier estrena ¿Para qué me lo decís?, una obra fresca y divertida que expone, con humor y lucidez, las tensiones de los vínculos actuales: el miedo a la soledad, la dificultad de comunicarse hoy en día y la eterna pregunta de cuánto? —y para qué?— decir

lo que nos pasa. Una comedia generacional con un elenco joven y versátil compuesto por James Cowan, Nicolás Etchebarne y Mar Cosca.

Carla acaba de separarse y vuelve al mundo de las citas, mientras Luciano, su amigo de toda la vida, la acompaña a la distancia. Entre mensajes, silencios y malentendidos, nada es muy claro. Todo cambia cuando su ex reaparece con un pedido un poco exótico que los lleva a reencontrarse. Todo lo que parecía estar bajo control empieza a desarmarse, desenterrando verdades que nadie tenía pensado decir.

“¿Para que me lo decís? pone el

foco en la amistad, el amor y en cómo la vorágine actual atraviesa —y muchas veces atropella— los vínculos. En un contexto lleno de podcasts, terapias y discursos que invitan a conocerse, escucharse y decir lo que a uno le pasa, poner en palabras lo que sentimos sigue siendo, muchas veces, un pequeño gran caos”Martin Goldber

FUNCIONES

Teatro Premier Av. Corrientes 1565, CABA. Gran estreno: 1 de mayo 20 hs. y funciones todos los viernes a las 20 h.

Entradas a la venta por Plateanet y en boletería del teatro.

Duración: 60 minutos

NOTICIAS

FESJAJÁ:

llega el Festival de humor más importante de la

Península Ibérica.

Oriundo de Mallorca, el primer festival de comedia elegido como Mejor Festival Cultural No Musical de la Península Ibérica se realizará por primera vez en Buenos Aires. Del 20 al 31 de mayo se llevará adelante en el Paseo La Plaza.

FESJAJÁ celebra el humor y reúne a destacados comediantes tanto del circuito comercial como del off. Elegido como Mejor Festival Cultural No Musical de la Península Ibérica en la décima edición de los Iberian Festival Awards (el certamen que reconoce anualmente a los principales festivales celebrados en España y Portugal).

FesJajá Buenos Aires se llevará a cabo en las distintas salas del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660), en pleno corazón del circuito teatral porteño.

Entre el 20 y el 31 de mayo, el público podrá disfrutar de una

programación variada que incluirá shows de stand-up, open mics y cruces entre comediantes locales e internacionales, proponiendo un encuentro entre diferentes estilos y generaciones del humor.

Charo López, Juampi González, Darío Orsi, Dalia Gutmann, César Aramis, Nachito Saralegui, Hernan Casciari, Damián Kuc y Pablo Fábregas, entre otros nombres destacados de la escena latinoamericana, formarán parte de esta celebración de la comedia.

Angelo Colina • Asaari Bibang • Brian Rullansky • César Aramís • Charo López • Comedy and Jazz • Cris Condomí • Dalia Gutmann • Damián Kuc • Daniel Fez • Darío Orsi • Facu Díaz • Fabrizio Copano • Fernando Sanjiao • Franco Saraceni • Gabo Ruíz • Gabriel Bonilla • Hernán Casciari • Jerry Mercurio • Jose Nast • Juampi González • Juli Bellese • Latinómetro Podcast •

Loncho Navarro • Lu Miranda • Luisfer Gómez • Manu Horazzi • Manuel Ángel Redondo • Nachito Saralegui • Natalia Valdebenito • Nanutria • Pablo Cordonet • Pablo Fabregas • Pablo Picotto • Pedro Ruminot • Reina Ángela • Sebastian Gutiérrez • Sergio Moya • L**** L******** -artistas a confirmar- •

Programación y las entradas ya se pueden conseguir a través de www.fesjaja.com.ar

SOBRE EL FESJAJÁ

Fundado en 2010, el FESJAJÁ celebrará este año su 17a edición, consolidándose como uno de los festivales culturales más longevos de las Islas Baleares.

La cita se desarrolla durante ocho semanas, entre octubre y noviembre, con una programación que reúne alrededor de 50 espectáculos en distintos espacios culturales de Mallorca, lo que sitúa al FESJAJÁ entre los festivales de comedia con mayor número de shows programados en Europa.

Tras 17 ediciones, el FesJajá se ha consolidado como el mejor festival de comedia de España

Contactos Prensa

Yamila Trautman yamilatrautman@gmail.com

Inés Rodriguez Berdier inerb2001@gmail.com

NOTICIAS

Desfile de famosos en “El chat de mamis”, la comedia de la calle Corrientes.

La comedia dirigida por Marcelo Caballero, una de las propuestas más convocantes del teatro porteño, se presentó en su función de prensa ante periodistas, famosos e invitados y la ovación fue unanime: “Es una comedia para reir 1 hora y 20 minutos”

Protagonizada por Eugenia Tobal, Carla Conte, Manuela Pal, Mica Riera, Karina Hernández, Berenice Gandullo y Lionel Arostegui, la obra combina humor y actualidad con libro de Mechi Bove e idea original y producción de Ezequiel Corbo, en una puesta en escena que atrapa al público desde el primer minuto.

Entre los invitados especiales se destacaron figuras del espectáculo y la televisión como Evangelina Anderson, Sabrina Rojas y Pepe Chatruc, Paula Chaves, Agustín “Rada” Aristarán, Fernanda Metilli, Malena Guinzburg, Martín “Campi” Campilongo, José María Listorti, Federico Hoppe y Macarena Rinaldi, Panam, Paula Morales y Fabián Vena, Cande Molfese, Susana Rocasalvo, Roberto Moritan, entre muchos otros.

“EL CHAT DE MAMIS, una comedia en el cole”, se presenta de miércoles a domingo a las 20 horas, y los sábados también

a las 22 horas. Las entradas se encuentran disponibles en boletería y a través de Plateanet.

Sinopsis

El disfraz de la “nena nueva” de séptimo B aparece misteriosamente destrozado. A partir de ese hecho, la directora del colegio convoca a una reunión urgente de madres y padres. Lo que debería ser un encuentro para aclarar lo sucedido deriva rápidamente en acusaciones cruzadas, reclamos, audios interminables y un caos difícil de contener. Mientras intentan descubrir qué pasó con los chicos y el disfraz, comienzan a salir a la luz secretos, rivalidades y tensiones entre los adultos,

revelando un misterio aún mayor: el problema no lo tienen los chicos, sino los grandes. Cuando el chat de mamis se vuelve real… ¡nadie sobrevive! Entre mensajes mal interpretados, debates absurdos y verdades que estallan sin filtro, EL CHAT DE MAMIS, una comedia en el cole, expone con humor situaciones tan reconocibles como exageradas, invitando al público a reírse, identificarse y reflexionar sobre las formas actuales de comunicarnos.

Con un elenco de destacadas figuras y un ritmo ágil, la obra se convierte en una radiografía hilarante de una comunidad escolar donde nada es lo que parece.

NOTICIAS

Comienza su rodaje en julio “El algoritmo del rey”

En julio de 2026 comenzará el rodaje de El algoritmo del rey, un thriller dramático que se adentra en uno de los territorios más sensibles del presente: el control invisible que ejercen los algoritmos, los datos y las redes sobre nuestras decisiones cotidianas. Dirigida por Alan Greyck y Nicolás Cáceres, con guion de Juan Paya, la película propone una mirada inquietante sobre cómo se construye hoy la realidad.

El film está protagonizado por Pablo Yotich, Clara Kovacic y Carolina Papaleo, y cuenta con la participación de Alejandro Fiore, Vanessa Pérez Prieto, Rubén Cuello, Alejandro Müller, Juan Paya y Loren Acuña, junto a la presencia especial de Raúl Rizzo. A partir de este elenco, la película construye un universo donde los vínculos, el deseo, el poder y la manipulación se entrelazan en un clima tenso, realista y contemporáneo.

En un contexto donde la información circula más rápido que la verdad, el film pone en tensión qué vemos, qué consumimos y qué creemos estar eligiendo. La historia plantea que el poder ya no se impone de manera directa, sino que opera en silencio, a través de sistemas que procesan datos, anticipan comportamientos y moldean decisiones. En ese entramado, las estafas virtuales, la manipulación emocional y las

fake news dejan de ser hechos aislados para formar parte de una lógica mayor, donde las víctimas muchas veces no saben que lo son.

Lejos de discursos complacientes, El algoritmo del rey se posiciona como un film provocador que busca interpelar al espectador y generar preguntas más que respuestas.

“Esta película habla de algo que ya está pasando. No es ciencia ficción: es ahora”, señala Pablo Yotich, uno de los protagonistas. En la misma línea, Clara Kovacic agrega: “Lo más inquietante es que el control ya no se percibe como control”. Por su parte, Carolina Papaleo destaca: “Es una historia profundamente actual, incómoda y necesaria”

“Filmar esta historia en Argentina

la vuelve todavía más potente. Es un fenómeno global, pero con impacto directo en cómo vivimos hoy”, afirma el director Alan Greyck, subrayando el cruce entre lo local y lo global que atraviesa el proyecto.

El rodaje se llevará a cabo durante julio de 2026 con una propuesta visual intensa y moderna, pensada tanto para el circuito de festivales como para plataformas internacionales. En un contexto de transformación de la industria audiovisual, El algoritmo del rey también se posiciona como un gesto de resistencia cultural, proponiendo un cine que incomoda y pone en evidencia los mecanismos invisibles del poder digital. Porque cuando el funcionamiento del sistema se vuelve visible, deja de operar de la misma manera.

Alejandro Schujman y Maxi Mc Coubrey presentan una experiencia única en vivo: SOMOS LO QUE

CANTAMOS.

Psicología y música en escena: Alejandro Schujman y Maxi Mc Coubrey presentan una experiencia única en vivo

El próximo lunes 18 de mayo a las 20:30 horas, en la Sala Picasso del Paseo La Plaza, se estrena una propuesta única que cruza el universo de la psicología con la potencia emocional de la música en vivo.

Alejandro Schujman y Maxi Mc Coubrey, dos de las voces más reconocidas en el campo de la psicología y su divulgación en habla hispana, llegan al teatro con un espectáculo que invita a mirar hacia adentro a través de las canciones que marcaron nuestras vidas.

La propuesta parte de una pregunta tan simple como profunda: ¿qué dicen de nosotros las canciones que elegimos? A lo largo de la función, los protagonistas exploran cómo la música se entrelaza con nuestras emociones, vínculos e historias personales, construyendo identidad y memoria. Con interpretaciones musicales en vivo, reflexiones clínicas accesibles y momentos de humor, la obra propone un recorrido sensible y cercano, donde el consultorio se transforma en escenario y el público en parte activa de la experiencia.

La dirección está a cargo de Mariela Barcos, con dirección musical de Pablo Rabinovich y la participación del músico Agustín Arciniega, quienes aportan una dimensión artística que potencia el cruce entre palabra y música.

Una invitación a emocionarse, comprenderse y redescubrirse a través de aquellas canciones que, de algún modo, nos definen.

FUNCIÓN

18 de Mayo

Paseo La Plaza, Sala Picasso 20:30 h.

Duración: 80 minutos

Entradas disponibles en PLATEANET

ACERCA DE LOS PROTAGONISTAS

MAXI MC COUBREY

Psicólogo clínico especializado en trauma complejo y abuso

emocional. Sostiene que la integración entre la ciencia, el vínculo terapéutico, el humor y el arte constituye una vía legítima hacia la salud mental. Es autor, divulgador y docente, y acompaña procesos de comprensión e integración de experiencias complejas. Entre sus publicaciones se destacan El amor después del desamor y Traumalandia.

ALEJANDRO SCHUJMAN

Licenciado en Psicología, especialista en vínculos. Coordina la “Red Asistencial PSI” y desarrolla su actividad en el ámbito asistencial y comunitario. Es conferencista y brinda cursos y talleres sobre bienestar psicosocial, orientación a familias y problemática adolescente. Columnista en distintos medios, es autor de títulos como No huyo, solo vuelo. El arte de soltar a los hijos y Con el amor no alcanza.

“Sahara, el musical”. Inspirada en la vida de Saint-

Exupéry, en el Palacio Libertad.

En el marco del Aniversario de los 10 años de Pura Acción Producciones llega el 10 de Mayo, en el Palacio Libertad, de Sahara, el musical, una propuesta escénica de gran impacto visual y emocional inspirada en la vida de Antoine de Saint-Exupéry, escritor de “El Principito”.

La obra revela el costado más humano del autor y los acontecimientos que dieron origen a la obra El Principito, a través de una potente combinación de teatro y música original.

Con dirección de Sergio Lombardo y música y libro de Albano Jofré, Sahara propone un viaje escénico que interpela desde la emoción y la reflexión, abordando temas universales como la amistad, el sentido de la vida y la trascendencia.

SINOPSIS:

“Sahara”, una odisea musical sobre Saint-Exupéry. A través de una puesta en escena ambiciosa, dirigida por Sergio Lombardo, el compositor Albano Jofré presenta “Sahara”, un musical basado en hechos reales que explora los años más intensos del aviador Antoine de Saint-Exupéry. La obra desglosa cómo la soledad del Sahara y la crudeza de la guerra se transformaron en la ternura universal de El Principito.

A través de una partitura original, el musical aborda los grandes dilemas de la existencia: el costo de cumplir los objetivos, la red de contención que ofrece la amistad y la aceptación de la muerte como parte del camino. Una propuesta indispensable para quienes buscan teatro que emocione y haga pensar.

FICHA TÉCNICA:

Producción General:

Pura Accion Producciones

Música y Libro Original: Albano Jofré

Dirección General: Sergio Lombardo

Dirección Vocal: Albano Jofré

Producción Musical: Ariel Goitia

Diseño y Realización de Escenografía:

Wilfredo Parra

Diseño y Realización de Vestuario:

Yanina Poggi

Diseño Gráfico & Redes

Sociales:

Agustin Inanonne

Prensa y Difusión: Caro Arellano. Expansión Teatral

Elenco

Gonzalo Cano - Antoine de Saint-Exupéry

Hernan Kufert - Prevot

Albano Jofre - Mermoz

Jonathan Duarte - Sargento

Luis Machuca - Guillaumet

Javier Hermida - Director

Aeropostal

Andres Vaca - Padre Antoine / Leon Werth

FOTOS @sofimariscal.ph @fiorellaromay

FUNCIONES

-Sábado 09/05: 20.00 h.

-Domingo 10/05: 19.00 h.

Sala Argentina. Palacio Libertad

Entrada Gratuita

ESTRENO:

Domingo 3 de mayo, 20:00 h. – Sala Tuñón "

Emilio

" de Patricia Suárez con dirección de Mariano Dossena

EMILIO: El laberinto de la memoria llega al Centro Cultural de la Cooperación

Con dramaturgia de Patricia Suárez y dirección de Mariano Dossena, la obra indaga en el vínculo entre un padre y una hija atravesados por el olvido.

¿Qué queda de nosotros cuando ya no podemos recordar quiénes fuimos? Bajo esta premisa se presenta “Emilio”, la nueva propuesta teatral escrita por la reconocida Patricia Suárez y dirigida por Mariano Dossena, que tendrá su estreno oficial el próximo domingo 3 de mayo en el Centro Cultural de la Cooperación.

La pieza se sumerge en la fragilidad de la memoria a través de la historia de Emilio (interpretado por Daniel Toppino), un escritor anciano que comienza a transitar el deterioro cognitivo. Lejos de un enfoque clínico, la obra se posiciona en el terreno de lo vincular: el foco está puesto en la relación con su hija (Daniela Catz), quien intenta sostener el lazo mientras enfrenta un

pasado cargado de culpas y una realidad que se fragmenta.

Un espejo de la experiencia humana.

En un contexto donde miles de familias conviven con el Alzheimer y otras formas de deterioro, “Emilio” propone una conversación necesaria sobre el rol de quienes acompañan. A medida que el protagonista pierde el hilo de su propia historia, aparece un misterioso interlocutor (Félix Menicocci / Cristian Thorsen) que encarna

su mundo interior, desdibujando los límites entre la realidad y la imaginación.

“Espero que te acuerdes” funciona como el núcleo emocional de la obra; una frase que muta de súplica a reclamo, recordándonos que cuando la memoria se rompe, nuestra identidad sobrevive únicamente en el recuerdo de los otros.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia:

Patricia Suárez

Dirección:

Mariano Dossena

Elenco:

Daniela Catz

Félix Menicocci

Daniel Toppino Cristian Thorsen.

Música original: Rony Keselman

Diseño de escenografía y vestuario: Nicolás Nanni

Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco

Asistencia de dirección: Tadeo Goldstein

Diseño gráfico: Evelyn Heck

Producción: Tomas Heck

FUNCIONES

Estreno: Domingo 3 de mayo Domingos a las 20:00 h. Sala Tuñón

Centro Cultural de la Cooperación

Av. Corrientes 1543, CABA

Duración: 70 minutos.

Entradas: $20.000

Disponibles en boletería del teatro o plataformas digitales.

SOBRE LOS INTÉRPRETES

Félix Menicocci

Da en Emilio un paso decisivo u

en su recorrido actoral al asumir, por primera vez, un rol protagónico. Este trabajo lo encuentra en el centro de la escena, enfrentando un material de alta exigencia emocional.

Formado bajo la guía de Mariano Dossena, hasta ahora vinculado a procesos de formación y participaciones desde lugares más periféricos, Emilio marca un punto de inflexión: el pasaje hacia una mayor responsabilidad artística y exposición escénica.

Cristian Thorsen

Actor, director y docente teatral con más de 30 años de trayectoria en el teatro argentino. Se formó con maestros como Raúl Serrano, Beatriz Spelzini y Pompeyo Audivert.

Ha protagonizado obras como Las manos de Eurídice, Tartufo y Esperando la carroza, además de trabajos recientes como Los soviets de San Antonio, Ampelman y Diario de un loco. En 2025 recibió el Premio a la Mejor Actuación en Unipersonal en los Premios al Teatro Independiente de la Ciudad de Buenos Aires.

Desarrolla su labor docente en su espacio “Fundación Valta Thorsen”. También participó en producciones audiovisuales para Netflix, Prime Video y Disney+, y en 2026 protagoniza una

campaña global de Coca-Cola.. Ganador al mejor Unipersonal Masculino Por Los Premios Al Teatro Independiente 2025.

Daniela Catz Actriz, directora, dramaturga y docente teatral con amplia trayectoria en teatro, cine y televisión. Se formó en la Escuela de Arte Dramático de Alejandra Boero y con maestros como Agustín Alezzo y Juan Carlos Gené. Es egresada de la Diplomatura en Dramaturgia de la UBA.

MiráBA 24

24 MiráBA

Como actriz, participó en obras como Los pilares de la sociedad, Museo Beresford y El Rey Lear, presentándose en salas como el Teatro Alvear, Timbre 4 y el Centro Cultural de la Cooperación.

En audiovisual, formó parte de producciones como Distancia de rescate, Mi obra maestra, El encargado y Santa Evita. Como directora y dramaturga desarrolló proyectos como Jugar para elegir cómo perder, Elegides y Si te he visto, no me acuerdo. También ejerce una intensa actividad docente.

Daniel Toppino

Actor argentino con más de

cuatro décadas de trayectoria en teatro, cine y televisión.

Se formó con Ariel Quiroga, Franklin Caicedo y David Amitín, complementando su formación con estudios en danza, canto y expresión vocal.

En teatro, participó en obras de autores como Shakespeare, Ibsen, García Lorca y Discépolo, presentándose en escenarios como el Teatro San Martín, el Teatro Nacional Cervantes y el Teatro Colón.

En cine, integró elencos de películas como El hijo de la novia, Hombre mirando al sudeste y Luna de Avellaneda. En televisión, participó en ficciones como Chiquititas, Amor en custodia y Monzón.

Su trayectoria lo consolida como un actor versátil y de sólida formación. Y actualmente forma parte del

elenco de la nueva e innovadora propuesta de “Irrverentes”

Nominada a los Martín Fierro 2025 como Mejor obra de teatro off de Jose Maria Muscari

Max Czajkowski

Prensa y comunicación IG: @maxiczajkowski maxiczajkowski@gmail.com

REESTRENO: SÁBADO 9 DE MAYO

-reportaje a una pintora española-

Texto y actuación Cecilia Hopkins – Dirección: Ana Alvarado Palabra, imagen y movimiento en un retrato vanguardista y contracultural. Marúnicareportaje a una pintora españolava al rescate de la vida y la obra de Maruja Mallo, marginada artista gallega del surrealismo, que desarrolló una obra que supo atravesar diversos estilos a lo largo de su vida en España y en Argentina. La clave del sentido del espectáculo consiste en aludir al carácter evanescente de la trascendencia artística.

FUNCIONES:

Sábados 17:30 h. (hasta el 27/6) Ítaca Complejo Teatral Humahuaca 4027Entrada general $22.000 / $18.000 est. y jub. Compra online www.alternativateatral.com

ACERCA DE LA OBRA:

La pintora Maruja Mallo es representada en escena a partir de la creación de dos momentos de su vida: la pintora en su juventud y en su vejez, acompañada en algunas situaciones por un títere animado por la misma intérprete. La puesta en escena de Ana Alvarado incluye aspectos

visuales y multimediales creados por la artista Romina Larroca que permiten aportar a la escena una reflexión sobre la obra de la pintora y reflejar su trabajo como artista.

ACERCA DE MARUJA MALLO (1902-1995):

Conocida con el apodo de Marúnica, nacida en Viveiro, Galicia, Maruja Mallo desarrolló su obra pictórica en España y en Argentina, donde vivió más de 25 años. Aunque Maruja mantuvo un estrecho vínculo con los intelectuales y artistas de la Generación del ’27 -entre otros, Salvador Dalí, García Lorca, Luis Buñuel y Rafael Albertiella tuvo que esperar para ser reconocida como integrante de ese colectivo. Lo mismo sucedió con otras compañeras suyas (poetas, pintoras, fotógrafas, traductoras) a quienes se las conoce con el nombre de “Las Sinsombrero”. Maruja Mallo, viajó, dictó conferencias, pintó, hizo collage, cerámica, murales, diseñó telas, objetos de decoración, mobiliario, y encontró el modo de sobrevivir económicamente manteniendo su independencia personal.

FICHA TÉCNICO/ARTÍSTICA:

Texto y actuación: Cecilia Hopkins

Vestuario: Roxana Ciordia

Diseño y realización de

imágenes: Romina Larroca

Diseño Lumínico: Horacio Novelle

Diseño y realización de títere: Alejandra Farley

Diseño y realización de utilería para títere: Román Lamas

Edición de sonido: Nicolás Cardoso

Fotografía: Alicia Busso

Prensa: Valeria Franchi

Producción Ejecutiva: Cristina Sisca

Asistencia de Dirección: Romina Larroca

Dirección: Ana Alvarado

Duración: 60 minutos

CECILIA HOPKINS

Es periodista y Licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires. Desde 1997 desarrolla trabajos de investigación en el campo de la Antropología Teatral. En Kerala, India, realizó estudios sobre la danza Kutiyattam y el teatro Kathakali. También trabajó

sobre las bases expresivas de la danza balinesa, el teatro clásico japonés y la ópera china en el marco de la ISTA (InternationalSchool Theatre Antropology). Actualmente trabaja sobre la base coreográfica de diversos bailes populares como base del entrenamiento físico-gestual. Fue docente del IUNA (Artes del movimiento) y dictó las materias Antropología Teatral I y II y Sociedad, Arte y Espectáculo en la EMAD (Escuela Metropolitana de Arte Dramático) en la carrera de Puesta en Escena. Entre sus trabajos como intérprete y directora se encuentran Gemma Suns (2013), sobre textos de Maxi Rodríguez, La cabeza de Acevedo (2014), Zona de oscuridad (2015) y Cielo con Diamantes (2019), de su autoría y La memoria de Federico (2016) estrenada en España con el apoyo de Iberescena. En 2023 estrenó como intérprete La celebración de Manuela Sáenz, de Luis Zúñiga y el espectáculo de teatro danzado Popol Vuh, en co- dirección con Galo Bodoc.

ANA ALVARADO

Es directora y autora teatral. Dirige espectáculos para adultos. Escribe y dirige obras teatrales para niños. Su obra se caracteriza por la investigación en el campo de la escena expandida y los cruces entre el teatro de actores, el de objetos y los nuevos medios. Docente

en universidades nacionales. Dirige la carrera de posgrado Especialización en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios, de la Universidad Nacional de las Artes. Formó parte del cuerpo docente de la Licenciatura en Artes Escénicas de UNSAM. Argentina. Realiza permanentemente asistencias técnicas en el país y en el exterior. Colabora con sus artículos en publicaciones internacionales que tienen como material de investigación fundamental al teatro objetual. Ha participado con las mismas en festivales y eventos, entre

otros BAM de New York, Kunsten Festival Bruselas, Festival de otoño de Madrid, Cervantino de México, Porto Alegre em Cena, Theater der Welt de Berlín, Festival de Avignon , Melbourne Festival, Festival de Bogotá, Festín de Títeres de Guadalajara, Festival Iberoamericano de Teatro de Mar del Plata, entre otros. Integró y co-dirigió el grupo teatral El Periférico de Objetos. En forma individual y/o grupal, ha ganado sucesivamente menciones y premios del Fondo Nacional de las Artes, Argentores, Ciudad de Buenos

Aires, Konex, Teatro del Mundo, ACE, María Guerrero, Primer Premio del Festival de Edimburgo, Javier Villafañe, Atina, Alija, Teatro XXI, ARTEI, Festival Iberoamericano de Teatro Cumbre de las Américas, Siripo de Córdoba, entre otros.

COMENTARIOS DE PRENSA

La Nación. Por Diana Fernández Irusta: “Una de esas pequeñas maravillas que cada tanto nos recuerdan que el arte es civilización y la civilización nuestro único, posible, oxígeno.”

Página 12. Entrevista a Ana Alvarado, por Josefina Frega: (Sobre Maruja Mallo) “Es una mujer muy independiente, muy creativa, que vivió una vida muy particular, atravesada por una guerra, el exilio argentino…”

Perfil. Entrevista a Cecilia Hopkins, por Ana Seoane: (Sobre Maruja Mallo) “Fue una mujer que le costó sobresalir en un mundo de hombres, finalmente lo consiguió y luego es olvidada nuevamente cuando muere…”

El DiarioAR. Por Moira Soto:

“La esmerada actuación de Hopkins, el creativo trabajo de las proyecciones realizado por Romina Larroca, las luces atmosféricas de Horacio Novelle. Todo el equipo bajo la idónea dirección de Ana Alvarado.”

Infobae:

“La puesta combina palabra, imagen y movimiento para rescatar la vida y obra de Mallo, así, explora el carácter fugaz de la trascendencia artística.”

La Mirada Circular. Por Juan Carlos Fontana: Calificación: Excelente

“El ensamble entre la directora y la actriz provocan un regocijo mágico de creatividad escénica, que el público observa azorado.”

Luna Teatral. Por Mariángeles Sanz Vélez:

“Una puesta de belleza estética, y de admirable manejo corporal, bajo la dirección de Ana Alvarado…”

Eclécticamente Arte. Por Mirta Mato:

“Un hermoso hecho teatral que celebra la vida y la obra de Maruja Mallo”

Tenerte al tanto. Por Stella Matute:

“Ana Alvarado dirige con precisión y sensibilidad, potenciando el talento de Hopkins.”

El espectador emancipado. Por Liliana Isod: “Un caleidoscopio de emociones

y arte. No es solo homenaje: es un acto de justicia histórica.”

Escena Teatral. Por Maby González:

“Una experiencia teatral de gran delicadeza, que no sólo rescata una trayectoria singular, sino que la celebra.”

Mónica Berman (Periodista, Docente, Investigadora):

“Una belleza: por la actuación, por la dirección, por sacar a la luz un personaje maravilloso e increíble.”

Estela Castronuovo (Lic en Letras, Docente UBA): “Absolutamente imperdible.”

Conjunto. Por Olga Cosentino (Periodista, Docente, Investigadora):

“La puesta en escena de Alvarado contribuye a visibilizar las dotes de una actriz superlativa (...) capaz de adentrarse en la humanidad del personaje y hacerlo respirar a la vista del público.”

Ruy Farias (Titular de Cátedra Galicia - América UNSAM): “Me dejó boquiabierto con su arte. No se la pierdan.”

Redes sociales IG @marunicateatro @hopkins_suns @ro_larroca @amalvaradoaa

PRENSA

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

Re-estreno: «Menos detalles»

El Galpón de Guevara (Guevara 326, Chacarita)

El pasado sábado 18 de abril a las 20hs, en El Galpón de Guevara, inició su 2º temporada “Menos detalles”, escrita y dirigida por Gustavo Tarrío.

En la obra, una actriz (Carolina Saade) y un titiritero (Gerardo Porión) reconstruyen un viaje trunco, trágico y cómico, como un cuento de hadas contemporáneo para adultos en el que atravesar la frontera del dolor se vuelve imposible.

Aunque repleta de fantasía, “Menos detalles” es una obra inspirada en hechos reales; en la vivencia personal de la productora teatral Rocío Gómez Cantero, quien encontró en el lenguaje escénico un modo de expresar y afrontar un duelo: la muerte de su madre durante un festival internacional de marionetas en la ciudad de Charleville, Francia.

A partir de este hecho, “Menos Detalles” forma parte de Proyecto Charleville, una investigación artística multidisciplinaria que aborda el duelo y la resiliencia. Así, este relato de vida, hoy representado en una obra de teatro, dirigida por Gustavo Tarrío, está en continua búsqueda por transformarse en nuevos modos

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expresivos de transitar el dolor (un libro, una perfo, un film).

La obra conjuga el teatro de sombras, el de objetos, maquinaria teatral a la vista, chemsex y canciones como punta del iceberg de una historia conmovedora.

«Menos detalles” narra un viaje transoceánico de placer al que se suben dos personas y vuelve una. Lo inesperado del acontecimiento transforma la experiencia en excitante, lisérgica y alucinógena. Al regreso en soledad, y con la ausencia de un ser querido a cuestas, se le suman las escalas eternas, con múltiples alertas y aeropuertos epletos de extraños. Al llegar a destino, se inhabilita la posibilidad de contarlo todo, porque siempre habrá alguien que interrumpa y diga: “por favor, menos detalles”.

“Menos detalles” se presenta los sábados a las 20h. en El Galpón de Guevara, con entrada general

a $25.000 (ver promo) a la venta por Alternativa.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Historia original: Rocío Gómez Cantero

Actúan:

Carolina Saade

Gerardo Porión

Diseño y realización de títeres:

Gerardo Porión

Diseño de arte y vestuario:

Paola Delgado / Diseño de iluminación:

Fernando Berreta

Música original: Pablo Viotti /

Autoría de canciones:

Gustavo Tarrío

Pablo Viotti

Diseño de movimiento:

Milva Leonardi

Diseño gráfico:

Trineo

Dalina Karin Degiorgi

Prensa:

Prensópolis

Fotografías:

Nacho Lunadei

Laura Castro

Asistente de dirección y escenario:

Julián Giménez Zapiola

Producción ejecutiva:

Valeria Casielles / Producción general:

Rocío Gómez Cantero / Guión y dirección:

Gustavo Tarrío

Duración: 60 minutos

Edad sugerida: + 16 años

REVISTA LLEGÁS:

“Era todo risas hasta que llegó la muerte”. Por Laura Gómez -

DIARIO PERFIL: “Gustavo Tarrío:

“Cuando el truco está a la vista, la magia se multiplica”.

Por Gustavo Tarrío

INFOBAE: “ “Menos detalles”:

cuando el teatro explora el duelo y el silencio en escena”. Por Gustavo Tarrío

PAGINA 12:

“El dolor, a un paso de lo bello”.

Por Carolina Prieto

RADIO LA ONCE DIEZ:

Entrevista a Gustavo Tarrío en “Finjamos Demencia”

LA AGENDA BA: Si yo te contara.

Por Mercedes Mendez

FICCIALIDAD:

“Un mimo anti saturación, la confirmación de que la materia prima del teatro mantiene su hechizo intacto”. Por Mersi Sevares y Alma Holovatuck

EL CALEIDOSCOPIO DE LUCY: “Arte puro frente a lo inevitable”. Por Daniel Gaguine

ESPECTÁCULOS DE ACÁ: “Menos detalles es una obra que llena todos los sentidos”. Por Martín Najilis

Sobre el DIRECTOR Y GUIONISTA

GUSTAVO TARRIO. Durante los últimos veinte años, ha estrenado numerosas obras que fueron seleccionadas por festivales nacionales e internacionales. Entre ellas se destacan: Afuera (2002); u

Decidí canción (2004); Salir lastimado, Kuala Lumpur (2006); Súper (2007); Florencia Frutera (2008); Número vivo (2009); Lb.TV (2010); Todo Piola (2015); Esplendor de Santiago Loza, El vestido de mamá (2016); La Guiada (2017); Esta canción (2019); Erase, Verme Platelminto (2020); la performance Las Toallas (2021); Familia No Tipo y La nube maligna (2022); Nación Innecesaria, La carta de la estrella (2023); y La invisible (2024).

En 2025 realizó dos temporadas de “Ha muerto un puto”: una en ArtHaus y otra en Planta Inclan; con la misma obra realizó gira por Santa Fe y participó del Festival de Teatro de Rafaela. Por “Ha muerto un puto”, Gustavo Tarrío recibió el Premio Trinidad Guevara 2024 como mejor Director.

Ese año también estrenó “Menos detalles” en El Galpón de Guevara.

Además, en 2026, en coproducción con ArtHaus, estrenará el ciclo Tarrío Rebobinado, que estará compuesto por tres obras: “Proyectos no alcanzados”; una reversión de “El vestido de mamá”; y “Magnanimidad y Ausencia”.

Por otra parte, fue jurado de la Bienal de Arte Joven y de los premios nacionales de Guión Cinematográfico y de Teatro Infantil y Musical, ambos otorgados por el Ministerio de Cultura. Además, dirigió la serie Foto Bonaudi (2006) y el film Una canción coreana (2014).

Es docente de dirección escénica en la Universidad Nacional de las Artes y en diversas instituciones y plataformas.

Sobre el ELENCO

CAROLINA SAADE.

Es actriz, cantante y creadora escénica. Es Licenciada en Actuación por la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Participó como intérprete en numerosas obras dirigidas por referentes de la escena contemporánea y estrenadas en prestigiosos espacios como el Teatro San Martín y ARTHAUS. Fue invitada como creadora en el ciclo Cabina Escénica (Fundación Andreani) y participó de diversos festivales y residencias en Brasil, Chile, España y Uruguay. Fue nominada a los Premios María Guerrero 2022 (Actriz revelación) y 2024 (Actriz de reparto).

Entre sus últimos trabajos en teatro se destacan: “En este mundo loco, en esta noche brillante” dirigida por Nayla Pose, “ERASE” dirigida por Gustavo Tarrío, “La sapo” dirigida por Ignacio Tamagno, “PIRAMIDAL” dirigida por Marcos Krivocapich y Milva Leonardi, “Los bienes visibles” dirigida por Juan Pablo Gomez, “Emociones Dedicadas” dirigida por Florencia Vecino & Marcos Torino, “Al mar” dirigida por Camilo Polotto y Ana Kow, “NO” de Lisandro Rodriguez, “Un punto oscuro” dirigida por Agostina Luz Lopez estrenada en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martin, “Menos

detalles” dirigida por Gustavo Tarrío, “Cuaderno de trabajo I: Insomnes y humillados” dirigida por Luciano Suardi, “La Gaviota” dirigida por Ruben Szuchmacher estrenada en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, entre otras.

GERARDO PORIÓN.

Es actor, titiritero y creador integral (dramaturgia, dirección, puesta, diseño y realización) en numerosos proyectos independientes para niños y adultos, presentados en festivales de México, Cuba, Canadá y Francia. Su trabajo ha sido reconocido con múltiples nominaciones y premios, entre ellos ACE, Atina, Javier Villafañe y Teatro del Mundo.

Entre sus destacados trabajos como realizador de objetos, títeres y vestuario se destacan: “Le Frigó de Copi” dirigida por Tatiana Santana, “La caja no encaja” con dirección de Cecilia Miserere, “Háblame bonito” dirigida por Natalia Sismo, “Marilina y el mar” dirigida por Mariano Cossa y Ema Peyla, “Menos detalles” (también como actor) con dirección de Gustavo Tarrío y “El zorro, el labrador y el buen hombre” (también como actor) dirigida por Pablo Gorlero , entre otros.

Prensópolis

Comunicación y Prensa

Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

Carolina Saade y Gerardo Porión MiráBA 33

La Asociación de Amigos del Museo Fernández Blanco invita:

"Federico tuvo un sueño"

con la actriz María Marta Guitart

Inspirada en un cuento de Antonio Tabucchi y en textos y poemas de Federico García Lorca:

El poeta confunde sueño y realidad en una España embravecida de 1936. A través de un encuentro imaginario con el público de su teatro ambulante “La Barraca”, con el que recorría los pueblos de su tierra para contar historias a la luz de la luna, se reencuentra con su propia voz. Recordando la elegía para su gran amigo Ignacio Sánchez Mejía y los monólogos de personajes como Doña Rosita la soltera, Yerma y Mariana Pineda; atravesado en su sueño por los ecos de Bodas de Sangre y de su Poeta en Nueva York; Federico descubre que él mismo es su creación y que en su obra ha desnudado sus más profundos secretos...

Una mujer de mantón negro y abanico...el ladrido de un perro como premonición y el eco de un piano que jamás cesará...

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia, actuación y dirección: María Marta Guitart

Interpretación musical al piano: Francesca Maffongelli Guitart Diseño de luces: Diego Todorovich

María Marta Guitart es actriz, poeta, cantante, creadora teatral integral y Locutora Nacional argentina. Se formó como actriz en la Escuela Nacional de Arte Dramático y junto a destacados maestros de la escena como Julio Chávez, César Brie, Analía Couceyro, Verónica Odoó y Luisa Calcumil. Cursó 2 años de la Licenciatura en Artes del teatro en la UNA (Universidad Nacional de las Artes). Se recibió como Locutora Nacional en el ISER (2006) Actualmente se encuentra ensayando la obra teatral Parev de Pablo Mascareño, con dirección de Herminia Jensezian,

para estrenar en Mayo de 2026 en el Centro Cultural de la Cooperación.

Luego de 25 años de trayectoria trabajando con la obra de Federico García Lorca, María Marta Guitart está invitada por el Ayuntamiento de Fuente Vaqueros (Granada, España) a participar con sus espectáculos, en junio de 2026, de las celebraciones oficiales por el 128° aniversario del nacimiento de Federico García Lorca. Desde hace 25 años se dedica a reunir y llevar a escena el teatro y la poesía; y en especial a conocer y celebrar la vida y la obra del genial Federico García Lorca, contando con

tres espectáculos sobre el poeta; todos recorrieron salas y festivales del país y del exterior recibiendo varios premios y reconocimientos.

FUNCION

Museo de Arte

Hispanoamericano Isaac

Fernández Blanco

Sede Palacio Noel

Suipacha 1422, Barrio Retiro CABA

Jueves 14 de mayo - 20 h

Valor de la entrada: $ 30.000 El público será recibido con canciones populares españolas interpretadas al piano.

“Federico tuvo un sueño” cumple 20 años y se prepara para sus presentaciones en Fuente Vaqueros (Granada, España) el próximo mes de junio, dentro de los homenajes por el 128 aniversario del nacimiento de Federico García Lorca. Para celebrarlo, brindará una FUNCIÓN ESPECIAL en el Palacio Noel del Museo Isaac Fernández Blanco el jueves 14 de mayo a las 20:00 h.

Será una verdadera fiesta lorquiana, y para comenzar... el publico será recibido con canciones populares españolas interpretadas al piano.

SINOPSIS

“Federico tuvo un sueño”, es una experiencia poético teatral inspirada en un cuento de Antonio Tabucchi y en textos y poemas de Federico García

Lorca, donde la palabra en acción es la protagonista. Una mujer de mantón negro y abanico...el ladrido de un perro como premonición y el eco de un piano que jamás cesará... El poeta confunde sueño y realidad en una España embravecida de 1936. A través de un encuentro imaginario con el público de su teatro ambulante “La Barraca”, con el que recorría los pueblos de su tierra para contar historias a la luz de la luna, se reencuentra con su propia voz. Recordando la elegía para su gran amigo Ignacio Sánchez Mejía y los monólogos de personajes como Doña Rosita la soltera, Yerma y Mariana Pineda; atravesado en su sueño por los ecos de Bodas de Sangre y de su Poeta en Nueva York, Federico descubre que él mismo es su creación y que en su obra ha desnudado sus más profundos secretos...

Palabras de María Marta Guitart sobre la Función Especial:

Hace 20 años se estrenaba en Buenos Aires, “Federico tuvo un

sueño” mi primer espectáculo sobre Federico García Lorca, que fue el inicio de un camino repleto de amor y de belleza...

En todo este tiempo he andado mucho, he sido madre, he crecido...y siempre de la mano de Federico.

He compartido su obra y su poesía en muchos lugares; he creado tres espectáculos y cada vez lo siento más hondo, más vivo...y sé que aún, me guarda muchos misterios...

Llegar a Fuente Vaqueros, el pueblo que lo vió nacer y a la ciudad de Granada, es un sueño tan inmenso, que no puedo explicar ...conocer su tierra y poder ofrendar algo de mi arte a su gente, es un honor y un inmenso regalo...

Por eso, antes de viajar a España, quiero celebrar estos 20 años con el público que me acompaña desde mis comienzos... y en el Museo Isaac Fernández Blanco, donde hemos vivido más de 12 temporadas a sala llena, y que es sin dudas, parte fundamental de este viaje por el maravilloso universo de Federico...

Será una función de gala... mi hija me acompañará para recibirlos con canciones populares españolas al piano... Los esperamos para salir a buscar al duende una vez más y vivir juntos una celebración inolvidable...

PLAY

El nuevo montaje de Matías Umpierrez llega a Buenos Aires Una exploración escénica sobre los relatos y discursos de odio

Luego de su estreno mundial en una exitosa temporada en Madrid, y antes de su presentación en México, el creador transdisciplinar argentino afincado en España, Matías Umpierrez, presentará en Arthaus Centro de Creación Contemporánea de Buenos Aires su nuevo montaje PLAY: una investigación escénica sobre los discursos de odio, las narrativas de la hostilidad,

el infierno y el paraíso de la conciencia. Las funciones serán en mayo y las entradas están disponibles en Alternativa.

El odio está hoy en el centro de la agenda pública: atraviesa la política, las redes sociales y la vida cotidiana. PLAY llega a escena como un acontecimiento artístico que nos confronta con una de las cuestiones más urgentes de nuestro tiempo: la pulsión de desear el mal a quienes no comprendemos o no reconocemos como parte de nuestra comunidad.

En PLAY, Umpierrez es el único intérprete en escena. A través de su presencia, va hilando historias que revelan distintas formas de incitar el odio o provocar su liberación a lo largo de la historia: desde la caza mitológica de unicornios, la matanza masiva de gatos en la Francia del siglo XVIII o el caso reciente de un adolescente cuya relación con un chatbot de inteligencia artificial terminó en suicidio.

Una escenografía basada en proyecciones, paisajes sonoros, discursos políticos y conversaciones telefónicas, en la que se usan dispositivos analógicos y digitales. El resultado es una conferencia performance concebida como instalación, presentada como el desmontaje de la sociedad teatral en que vivimos, que muestra cómo el odio atraviesa siglos, culturas y tecnologías.

Umpierrez interpela directamente al público: ¿Cómo ejercitar el sentido crítico frente a la sobreinformación que moldea nuestra visión del mundo y alimenta los discursos de odio?

En PLAY, esa pregunta se formula a través de la historia y de la ficción.

SINOPSIS

PLAY (del inglés play, sig. reproducir audio/video, juego, jugar, obra de teatro, interpretar,

tocar música, acción, simulación) es una investigación escénica, creada e interpretada por Matías Umpierrez, sobre los discursos de odio, los modos de habitar el poder, el infierno y el paraíso de la conciencia.

Se pregunta acerca de la dificultad de no reconocer quién vive a nuestro lado en un mundo que arde por el calor de la selva, que se inunda por los remolinos del viento.

Una orquesta de voces, amplificada por antiguos radiograbadores, ensaya modos de supervivencia mientras un ejército de marionetas se pierde en el archipiélago de la vanidad.

PLAY es una conferencia performance. Una instalación. El desmontaje de la sociedad teatral en la que vivimos. Casetes. Esculturas. Radios. Teléfonos. Personas. Rizoma de historias. Circo del abuso. Un atlas del resentimiento. El desgarro de un archivo sobre el odio.

FICHA TÉCNICA

Performer, espacio, dramaturgia, dirección:

Matías Umpierrez

Diseño de iluminación: Matías Sendón

Diseño de sonido y audiovisual: Daniel Jumillas

Diseño de vestuario: It Spain

Equipo en Buenos Aires

Asistente de dirección y producción: Daira Escalera

Coordinación técnica: Sebastián

Francia (y equipo ArtHaus)

Comunicación: Marisol Cambre

Equipo en Madrid

Producción ejecutiva: Elena Martínez

Coordinación técnica: Bela Nagy

Juan Miguel Alcarria

Ayudante de dirección: Lionel Braverman

Asistencia investigación: Carla R. Cabané

Asistencia artística: Josefina Gorostiza

Fotos:

Dominik Valvo

Maquillaje y peluquería:

Jasoartist

Acompañamiento de realización atrezo:

Bárbara Almart

Sastrería marionetas: Maribel Chamborro

Diseño 3D: Eber Riera

Impresión 3D: Skynet

Comunicación: DYP Comunicación

Equipo en gira

Producción ejecutiva: Jimena Soria

Asistencia de dirección y producción:

Laura G. Cortón

Distribución en España: Elena Martínez

Distribución internacional: Jimena Soria

PLAY, una producción de u MiráBA

Estudio Matías Umpierrez, en coproducción con ArtHaus Centro de Creación Contemporánea, con el apoyo de Contemporánea Conde Duque y co-presentado por UNAM.

FUNCIONES:

Preestreno: 6 y 7 de mayo a las 20 h

Funciones: 8, 9, 10, 14,15, 16, 17, 20, 21, 22 y 23 de mayo a las 20 h

Arthaus (Bartolomé Mitre 434)

Duración: 90 minutos

Entrada general: $20.000

Estudiantes y jubilados: $16.000 www.matiasumpierrez.com

Hasta el 23 de mayo

¿Es Play el primer código común en un universo donde el ciborg une lo humano y lo tecnológico?

Play se implantó sin traducción en dispositivos electrónicos a nivel mundial y, desde los años sesenta, las historias humanas comenzaron a reproducirse electrónicamente bajo ese comando. Play, herramienta de un sistema que domina. El inglés como idioma del inconsciente social. Play para activar discursos, para jugar, para interpretar, para tocar, para accionar, para simular. Play como obra de teatro.

En PLAY hemos pensado cómo performar archivos a partir de una investigación sobre el odio en la ficción de la vida: mitologías, discursos, historias, obras, fantasmas; el diablo.

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Decidimos desgarrar este archivo inquieto, obligándolo a performar aquello que no puede sistematizar: fallas, restos, silencios, disidencias que no se integran y que prefieren definirse desde el desprendimiento.

Por eso PLAY funciona como un décollage de imágenes populares, donde dialogamos con géneros históricamente considerados marginales — como el esperpento, el teatro de variedades o incluso la conferencia entendida en términos no académicos—, haciendo visible el laberinto del tiempo y la imposibilidad de catalogar o entender la subjetividad del mundo, como una forma de cuestionar la estabilidad y el poder.

SOBRE MATÍAS UMPIERREZ

Sus producciones son

reconocidas internacionalmente por romper moldes y crear experiencias únicas. Ha colaborado en varios de sus proyectos con figuras como Robert Lepage, Ángela Molina, Eyal Weizman, Elena Anaya y, más recientemente, con Niño de Elche, Rocío Molina o Pedro G. Romero.

Sus trabajos transitan entre las artes escénicas, visuales y el cine, activando la dialéctica público-escenario-discursoescena-territorio. Han sido presentados en espacios no convencionales —edificios abandonados, estaciones de tren, fábricas de alimentos, iglesias o bosques— y en instituciones de referencia como el Museo Reina Sofía,

Theater der Welt Festival, Emilia Romagna Teatro Fundazione, Complejo Teatral de Buenos Aires, Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), Museo San Telmo de San Sebastián o el Museo de Arte Moderno de Moscú.

Este pasado octubre de 2025 representó con éxito en NAVE10/Madrid el espectáculo ECLIPSE, una obra que marca un hecho inédito en la historia del teatro español: por primera vez, un anónimo enmascarado protagoniza una función, explorando la necesidad humana de ocultarse tras una máscara a lo largo de la historia.

DIJO LA PRENSA ESPAÑOLA SOBRE PLAY

“Un collage infinito convertido en una historia universal de la infamia y la realidad actual”.

El Diario.es

“Umpierrez trabaja en un territorio de vanguardia, pero sin despegar los pies del suelo ni de la realidad”.

El país semanal

“Una producción con la que Umpierrez vuelve a romper moldes”.

Diario El mundo

“Con Play, Umpierrez lleva al espectador a lugares que no transita el teatro más convencional”.

Vogue

“Una obra que reflexiona sobre los discursos de odio, omnipresentes en la actualidad”. La vanguardia

PRENSA

Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com.ar www.marisolcambre.com.ar

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NUEVO PORTAL LÍRICO

PORTAL DE ÓPERA PORTUGUESA

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

La Ópera do Castelo realizó la presentación oficial de una nueva herramienta digital para la accesibilidad, difusión y promoción de la ópera portuguesa titulada POP (Portal da Ópera Portuguesa). Dirigida a profesionales, aficionados, estudiantes y público en general, este sitio web ofrece la mayor cantidad de información vinculada a compositores y a óperas portuguesas, así como la posibilidad de descargar partituras gratuitas para su estudio.

En una conferencia celebrada

el 28 de abril pasado en el Auditorio de la Biblioteca Nacional de Lisboa, la creadora y cantante Catarina Molder, presentó junto a los musicólogos

João Figueiredo Costa, David Cranmer, Paula Gomes-Ribeiro y el compositor António Chagas Rosa parte del novedoso proyecto que pretende mejorar el acceso, la difusión, la representación, la interpretación, la expansión, la especialización y el disfrute del repertorio operístico y las óperas en portugués. Este nuevo espacio on line presenta de forma ordenada, mediante solapas y

filtros de búsqueda, distintas óperas con sus respectivas sinopsis, libretos, personajes o información histórica del contexto de creación de las mismas, junto a fotografías, material audiovisual y partituras existentes ya sea como material de consulta tanto para melómanos como para todos los profesionales de la lírica.

Entre los compositores presentados en POP, se encuentran dos de los grandes emblemas de la ópera portuguesa que hemos estudiado y trabajado junto al

Maestro Ricardo Bernardes en las últimas producciones de la Fundação da Casa de Mateus presentadas en el Teatro de Vila Real. Uno de ellos es Marcos Portugal (1762-1830), creador de As Damas Trocadas (1797) que estrenamos en 2023. El otro fue maestro del primero y se trata de António Leal Moreira (1758-1819), compositor de Gli Eroi Spartani (1788), que realizamos el estreno moderno mundial en 2025, también junto al Mº Bernardes, quien recientemente fue galardonado con el Global Music Award por su trabajo discográfico Mozart’s Requiem – The Portuguese Historical Score, que documenta la reconstrucción histórica descubierta en los archivos de la Catedral de Évora interpretado por el Americantiga Ensemble.

En la presentación se destacó la importancia de tener un sitio que sirva de consulta, pero también para la investigación, involucrando artistas y compositores actuales, musicólogos e investigadores como David Cranmer, quien colaboró con parte de los textos sobre la historia de la ópera en Portugal. Asimismo, destacaron que, si bien es un sitio nuevo e incompleto, servirá como plataforma de despegue para mayores actualizaciones a futuro, haciendo hincapié que entre tener una idea y ejecutarla hay un conjunto de personas que como equipo ayudaron a construir y crear este proyecto con mucha dedicación.

El portal justamente surge para paliar la dificultad de acceder a partituras e información sistematizada sobre el repertorio operístico portugués que, durante décadas, gran parte de ese material estuvo disperso o inaccesible, dificultando la interpretación, la producción y la programación de obras portuguesas. Así fue el caso de la Cantata Cénica Dom Garcia de Joly Braga Santos, también incluido entre los compositores de POP, que volvió a los escenarios después de 50 años en el Centro Cultural de Belém en 2024 gracias al productor azoriano Paulo Enes da Silveira, presente en la sala, que logró reunir un equipo de 150 artistas entre músicos, cantantes solistas, actores, coro y bailarines.

POP es una apuesta que se

presenta como “una puerta de enlace digital abierta para la apropiación, proliferación y difusión nacional e internacional de la ópera portuguesa, con beneficios inmediatos para todo el sector”, que recopilará información desde sus orígenes hasta la actualidad ofreciendo todas las partituras para piano y reducciones de canciones disponibles para descarga gratuita. Sobre el final, se presentó un fragmento de la ópera O Homem dos Sonhos de António Chagas Rosa recientemente editada en cd, al igual que su libreto y partitura en formato de libro en una velada que revivió el espíritu operístico desde Portugal al mundo. POP (Portal da Ópera Portuguesa): https://portaldaoperaportuguesa. com/

“GALAXIAS SINFÓNICAS”

UN SHOW MUSICAL ÉPICO CON LAS MELODÍAS MÁS ICÓNICAS

Un concierto sinfónico que por quinto año consecutivo convoca a fanáticos de todos los tiempos a celebrar juntos en la víspera del “May the 4th be with you”

Luego de cuatro años consecutivos a sala llena el domingo 3 de mayo a las 20 hs. en el Auditorio Belgrano vuelve GALAXIAS SINFÓNICAS, un espectáculo musical que revive las inolvidables melodías del universo de la saga creada por George Lucas.

Interpretado por una gran orquesta sinfónica, el concierto

propone un recorrido musical emocionante: desde las épicas melodías de John Williams hasta las composiciones más recientes de las series que expanden el universo rebelde, en la víspera del Día Internacional del Fan de Star Wars, una manera perfecta de celebrar con fanáticos de todas las generaciones.

Y para que la celebración sea completa, el público está invitado a asistir caracterizado como su personaje favorito de Star Wars y participar de un concurso de disfraces para fans de todas las edades.

La Fuerza vuelve a convocarnos para encontrarnos a través de la música y celebrar a los grandes compositores que dieron vida sonora a este universo legendario.

La previa del espectáculo se convertirá en un verdadero encuentro intergaláctico donde jedis, siths, rebeldes, droides y criaturas de toda la galaxia podrán compartir su pasión por esta historia que sigue inspirando a millones de personas en todo el mundo.

Que la música y la Fuerza nos acompañen.

GALAXIAS SINFÓNICAS ÚNICA FUNCIÓN

Domingo 3 de mayo de 202620 h.

Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto 2348)

Entradas en boletería del teatro y por Ticketek

Dirección Musical: Clara Ackermann

Coreografías: Flavia Pereda

Idea y Dirección General: Chacho Garabal

SOBRE LA ORQUESTA DEL MULTIVERSO

La Orquesta del Multiverso fue creada por Chacho Garabal, responsable de la Dirección

General de sus espectáculos, con Dirección Musical de la Maestra Clara Ackermann y

coreografías de Flavia Pereda. Se trata de una formación sinfónica contemporánea que combina la potencia de una gran orquesta con el lenguaje de la música popular, el espectáculo audiovisual y la emoción colectiva.

Reconocida por sus producciones temáticas de gran impacto, la Orquesta del Multiverso reinterpreta clásicos de la cultura popular, el cine, el rock, el pop y el deporte en versiones sinfónicas originales, integrando músicos, cantantes en vivo y una puesta escénica inmersiva. Entre sus producciones se destacan “El viaje sinfónico”, “Navidad Sinfónica”, “Swiftie Symphony” y “Terror Sinfónico”.

Más información

Instagram: @galaxiascreativas

Facebook: /galaxiascreativas

YouTube: Galaxias Creativas www.galaxiascreativas.com

Contacto de prensa: Loreley Ramírez loreleyramirezpr@gmail.com

Charlie y la Fábrica de Chocolate

Se abrieron las puertas de la fábrica más famosa

La magia de Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show dió un paso clave hacia su esperado estreno con una show especial en la puerta del Teatro Gran Rex, donde se realizó una presentación en vivo que sorprendió a una multitud y marcó la apertura del universo de la icónica fábrica de Willy Wonka en la ciudad.

De los productores de éxitos como La Sirenita, Matilda y School of Rock, que convocaron a más de 500.000 espectadores, esta nueva propuesta ya genera un fuerte impacto: a semanas de su estreno, se han vendido más de 7.000 entradas, confirmando el enorme interés del público.

Con una impactante puesta en escena al aire libre, el elenco

ofreció un adelanto del tono visual, musical y narrativo que tendrá esta superproducción, generando una conexión inmediata con el público que se acercó especialmente para ser parte de este momento. La intervención funcionó como una antesala de lo que será el gran evento teatral del invierno 2026.

El espectáculo está protagonizado por Agustín “Rada” Aristarán en el rol de Willy Wonka, acompañado por Mery Del Cerro como la Sra. Bucket y Sebastián Almada como el abuelo de Charlie, junto a un destacado elenco que da vida a los entrañables personajes del clásico de Roald Dahl.

Este ambicioso proyecto cuenta

con más de 20 artistas en escena, cuatro elencos infantiles y un equipo de más de 150 personas trabajando en su desarrollo, consolidándose como una de las producciones más importantes del año.

El reparto de padres de Charlie se completa con Dolores Ocampo como la Sra. Teavee (mamá de Mike), Denise Cotton como la Sra. Gloop (mamá de Augustus), Sebastián Holz como el Sr. Salt (papá de Veruca) y Marcelo Albamonte como el Sr. Beauregarde (papá de Violet).

Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show se estrenará en el Teatro Gran Rex en invierno de 2026, y continúa revelando avances de un

universo escénico que promete deslumbrar a grandes y chicos con una experiencia inmersiva, mágica y llena de humor.

Sobre Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show

Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show es una producción teatral de gran escala que combina música, danza, actuaciones en vivo y una puesta en escena de enorme espectacularidad. Con el sello de Ozono, MP y Los Rottemberg, productores de grandes éxitos como La Sirenita, Matilda y School of Rock, y bajo licencia de Music Theatre International (MTI), la obra promete convertirse en el gran acontecimiento teatral familiar de 2026 en Argentina.

La historia invita a los espectadores a entrar en el universo del excéntrico chocolatero Willy Wonka a

acompañar a Charlie Bucket y a los cinco afortunados ganadores de los billetes dorados en una aventura inolvidable. Una experiencia llena de música, magia y emoción, con el equipo creativo que ha marcado hitos en la cartelera nacional.

Instagram @charlie.elshow

Entradas disponibles en tuentrada.com y en la boletería del teatro

PRENSA Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

LLEGA A BUENOS AIRES UN ESPECTÁCULO ÚNICO

Escombros de un vampiro sideral De Vera Cirkovic

Con poemas de Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud y Paul Verlaine y música de Léo Ferré y Henri Duparc.

El espectáculo, creado en la Ópera Nacional de Montpellier, fue ideado en París con la escenógrafa y directora de arte Oria Puppo. Juntas imaginamos un espacio intemporal, con escenografía visual, un lugar abandonado, inspirado por la decadencia, la melancolía, el erotismo y la locura de los poemas, con fetiches y rituales de un personaje que ha devorado estos textos y los devuelve en bucle sin jamás empezar o terminar este viaje.

La creación de “Escombros de un vampiro sideral“, es adaptada al público argentino para que pueda entender el significado de los textos con estrofas, palabras, voces en Castellano quien los guiarán entre flores del mal, espectros fantasmales, vidas anteriores, lujo, calma y voluptuosidad.

Vera Cirkovic: Cantante/ creación video/ dirección

Oria Puppo: Escenografía / colaboración artística / luces

Pedro Giorlandini para los arreglos y la dirección musical

junto al compositor Murci Buscayrol

GÉNESIS Y CONCEPCIÓN

«Yo es otro.» (A. Rimbaud). A partir de este momento, todo es posible. Descubrí que Léo Ferré, el genio anarquista de los años 50, es un compositor de “melodía francesa” a la altura de Debussy, Ravel o Fauré cuando musicaliza las poesías de Baudelaire, Rimbaud y Verlaine.

Como un amor imposible

contemplado desde lejos, la música de Léo y “Las flores del mal” me obsesionan. Decido liberarme del marco del género clásico, hacer mía esta obra fascinante y ser la primera mujer en cantarlas.

Condicionada desde mi infancia a abrazar una carrera de artista lírica, recibí de los más grandes maestros del conservatorio de París las bases indispensables para abordar estas “mélodies françaises” del final del siglo XIX. Siempre seducida por la

estética de los movimientos surrealistas, punk o góticos, finalmente encontré un vector ideal para revelar mi universo interior a través de un álbum y un espectáculo donde lo visual y el sonido conectan con el carácter misterioso y subversivo de los poetas malditos, tantas veces censurados.

Con Pedro Giorlandini para los arreglos y la dirección musical junto al compositor Murci Buscayrol, encontramos sonidos cinematográficos que materializan el universo sonoro que tengo en mente, el colchón sonoro que me acompaña a lo largo de la obra.

FUNCIONES

Únicas dos funciones

Viernes 8 de mayo a las 20:30

Viernes 22 de mayo a las 20:30

Fundación Beethoven

Av. Santa Fe 1452 – CABA

Localidades: $ 15.000.-

Venta por Altenativa Teatral

Duración: 1 hora 15 minutos

Audiovisual con proyección y traducción de textos al Castellano

(no son subtítulos)

VERA CIRKOVIC

Cantante Lirica

Mezzo-soprano francesa de origen yugoslavo Vera Cirkovic es una artista lírica de carrera internacional, reconocida por su voz potente, su expresividad dramática y su eclecticismo con un repertorio que abarca desde la ópera clásica hasta

creaciones contemporáneas. Ha sido galardonada en concursos internacionales y ha interpretado roles protagonistas en teatros y festivales de primer nivel, trabajando con directores y orquestas destacados. Formación

- Conservatorio Nacional Superior de Música de París

- Ópera Studio de la Ópera del Rhin

- Estudios complementarios: piano, flauta traversa, arte dramático y danza clásica

- Maestros: Gabriel Bacquier (FR.), Jacques Jansen (FR), Juan Oncina(Esp.), Gina Cigna (Ita.), Mady Mesplé(FR.) Janine Reiss(FR), Lorraine Nubar (USA) Susanne Sarroca (FR), Daniel Ferro (USA)

Premios y distinciones

- Primer premio, Concurso internacional Francesco Viñas Barcelona España

- Primer premio, Concurso Internacional de Oporto Portugal

- Primer premio, Concurso internacional Città di Ercolano Napoli Italia

- Premio del público, internacional Opera Contest Johannesburgo South África

- Ciudadana de honor — Mar del Plata Argentina

- Premio Est rella de Mar — Mejor concierto de ópera al aire libre Dario Volonté Vera Cirkovic

Repertorio operístico

Mozart : Così fan tutte (Fiordiligi)

Don Giovanni (Donna Anna, Donna Elvira) La finta giardiniera (Arminda) Ascanio in Alba

(Venus) La flauta mágica

(Primera dama) Las bodas de Fígaro (Marcelina)

Vivaldi : La Serenata a tre (Eurilda)

Rossini : Barbero di Seviglia (Berta)

Puccini : Tosca (Tosca) Gianni

Schicchi (Nella) Suor Angelica (La Zelatrice)

Verdi : Il trovatore (Azucena)

Leoncavallo : Pagliacci (Nedda)

Mascagni : Cavalleria rusticana (Santuzza)

Giordano : Andrea Chénier (Magdalena di Coigny)

Wagner : Die Walküre (Sieglinde, Ortlinde)

Lohengrin (Ortrud)

Honegger : Juana de Arco (Jeanne d’Arc), El rey David (recitante)

Poulenc : Dialogues des Carmélites (Madame de Croissy)

La voix humaine (Elle)

Debussy : Pelléas et Mélisande (Geneviève)

Berg : Wozzeck (Margaret)

Schoenberg Pierrot lunaire

Stravinsky Perséfone, Pedro y el lobo (Recitante)

Música sacra

Réquiem —Mozart, Réquiem — Salieri, Gran misa en do — Mozart, Missa brevis — Mozart, Stabat Mater — Puccini, La Creación — Haydn, El Mesías — Händel

Ópera cómica y opereta

Offenbach : La grande-duchesse de Gérolstein (La Gran

Duquesa) La vie parisienne (Metella) Barbe-bleue (La Reine)

Maurice Yvain : La- haut u

(Marguerite)

Charles Lecocq : La fille de Madame Angot (Mademoiselle Lange)

Paul Abraham: Victoria und ihr Husar (Victoria)

Johann Strauss: Wiener Blut / Valses de Viena (La Condesa)

Teatros y festivales

Francia: Óperas de Lille, Niza y Metz (elenco estable / artista en residencia), Ópera de Burdeos; Opéra du Rhin Estrasburgo, Théâtre du Châtelet, Théâtre de Paris, Théâtre de l’Archevêché Aix-en-Provence, Ópera de Tours, Théâtre des Arts de Rouen, Ópera de Massy, Ópera d’Avignon, Ópera de Rennes, Théâtre du Gymnase Marsella, Ópera de Limoges, Festival de Saint- Ceré, Festival de Semur en Auxois,Auditorium de la Sorbonne París, Salle Rameau

Lyon, Arenes de Cimiez.

España: Gran Teatre del Liceu (Barcelona) Auditorio Alfredo

Kraus (Las Palmas) Palau de la Música Catalan (Barcelona) Croacia: Ópera de Zagreb Alemania Theater & Orchester Heidelberg

Estados Unidos: Epcot Center

Cuba: Teatro Mella La Habana

Colombia: Teatro Colón Bogotá México: Palacio de Bellas Artes Perú: Ópera de Lima, Basílica Cathedral, Teatro Peruano Japonés

Brazil: Teatro Municipal

Paraguay: Teatro Municipal

Chile: Teatro Universidad de Concepción

Uruguay: Teatro Solis

Argentina: Teatro Colón, Luna

MiráBA 48

Park, Teatro Gran Rex, Palacio Libertad, auditorio Belgrano, principales Óperas, estadios y auditorios del país

Colaboraciones

- Festival Martha Argerich El amor brujo Manuel De Falla

- Orquesta Sinfónica Nacional: Perséfone Stravinsky, Folksongs Berio

- Concierto para el Bicentenario de la Nación en el Monumento Nacional a la Bandera actuación masiva al aire libre con la sinfónica nacional

- Desde 2002, más de 100 recitales en dúo con el tenor Darío Volonté en Argentina,

Brasil y Rusia y conciertos multitudinarios al aire libre hasta 35.000 personas.

- Creadora y productora de espectáculos dedicados a la canción francesa desde 2016: “Las damas de negro” (Fundación Beethoven); “Entre perros y lobos” (Fundación Konex) ; “Fêlures du mal” (Ópera — Orchestre national de Montpellier, 2021–2022), basado en el álbum Escombros de un vampiro sidéral

PRENSA

Walter Duche walter@duchezarate.com.ar

El arte en América Latina Voces y miradas críticas

Ana Bugnone, Emiliano Sánchez Narvarte

El arte en América Latina

ISBN978-950-889-498-4

Páginas272

Formato16 x 23 cm

EncuadernaciónRústica $28900

¿Qué es el arte latinoamericano?

¿Es una identidad compartida o una etiqueta estratégica para vincularse con las instituciones hegemónicas del arte? ¿Qué lugar ocupa la política y qué herramientas tiene hoy el arte para disputar sentidos? ¿Cuál es su presente y cuál es su futuro?

Las voces más importantes del debate artístico contemporáneo reflexionan aquí sobre estas y

otras cuestiones en una serie de entrevistas ágiles y reveladoras. En ellas se cruzan experiencias vitales, decisiones profesionales y posiciones teóricas, curatoriales e investigativas que configuran un panorama vivo del campo artístico regional.

De Argentina a México, de Perú a Brasil, las conversaciones trazan un mapa plural de contextos y sensibilidades. El resultado es un recorrido generacional y geográfico que, más que definir una esencia, explora tensiones, afinidades y desafíos comunes.

Dirigido a investigadores, curadores, artistas y lectores interesados en comprender las dinámicas culturales del continente, este es un libro que propone pensar el arte latinoamericano no como una categoría cerrada, sino como un territorio en disputa: un espacio de crítica, imaginación y posible transformación.

Ana Bugnone

Licenciada en Sociología y doctora en Ciencias Sociales por la Universidad Nacional de La Plata. Es investigadora del CONICET y profesora en la FaHCE de la UNLP. Ha publicado libros, capítulos y artículos. Ha dictado seminarios

y conferencias para instituciones académicas de México, Chile, Colombia, Brasil y Argentina. Cocoordinó la Red de Estudios Visuales Latinoamericanos.

Emiliano Sánchez Narvarte

Doctor en Comunicación por la Universidad Nacional de La Plata y maestrando en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano por la Universidad Nacional de San Martín. Es investigador y profesor de la Universidad Nacional de Tierra del Fuego. Publicó Antonio Pasquali, un itinerario intelectual transnacional e Intelectuales y políticas de comunicación en América Latina.

Novedades abril 2026 - Hotel de las ideas

El

golpe Facundo Pastor - Pablo D’Alio - Javier Hildebrandt

Hubo un instante que lo cambió todo para siempre. Fue el comienzo del horror, el puntapié inicial. Un instante fugaz en el que el misterio del tiempo se transformó en la chispa capaz de encender un fuego que luego lo devoraría todo.

Siempre hay un comienzo que traza el límite entre el pasado y el presente, entre el bien y el mal. ¿En qué momento exacto comenzó la dictadura cívicomilitar? ¿A qué hora se inició el golpe del 24 de marzo de 1976? ¿Cuándo empezó la tragedia argentina, aquella que sistematizó una maquinaria asesina y condenó al país a una “miseria planificada”, como denunció Rodolfo Walsh en su Carta abierta de un escritor a la Junta Militar?

El golpe: Anatomía de una tragedia reconstruye el inicio de la noche más larga y oscura de la historia argentina. Lo hace asumiendo que entre la realidad y la ficción

existe una frontera porosa. No para relativizar los hechos, sino para acercarse a ellos desde una dimensión humana, allí donde el dato histórico necesita del pulso narrativo para recuperar espesor emocional.

Facundo Pastor (Buenos Aires, 1979). Periodista y escritor. Actualmente conduce el noticiero de la señal A24 y un envío radial cada tarde en Radio La Red (AM 910). En 2015 publicó su primer libro de investigación: Nisman ¿Crimen o Suicidio? ¿Héroe o Espía?, una rigurosa investigación periodística que puso al alcance de la opinión pública datos certeros sobre una de las muertes políticas más significativas de la Argentina. En 2018 escribió El Gran Arrepentido, un relato cinematográfico sobre FIFAGate, el escándalo de corrupción más grande de la historia del fútbol. Durante la pandemia llegó Emboscada. La historia oculta de la desaparición de Rodolfo Walsh y el misterio de sus cuentos inéditos (Aguilar, 2022). Esta novela de no ficción fue finalista de la Semana Negra de Gijón en su edición de 2023. En esta misma editorial publicó Isabel (Aguilar, 2024) y El cuerpo de Perón (Aguilar, 2026).

También trabaja en la producción de proyectos documentales

para distintas plataformas. Fue productor periodístico de Menem Junior: la muerte del hijo del presidente (HBO MAX, 2024). Esta docuserie de cuatro episodios recibió el Martín Fierro 2025 como Mejor Documental.

Pablo D’Alio (Buenos Aires, 1988) Ilustrador egresado de la UNA con experiencia editorial en Argentina, Australia y EE.UU.

Ha publicado en Hotel de las Ideas, Rabdomantes y Editorial Deriva, con títulos como El hombre que dormía con los muertos, Lo que ya pasó y Disonante.

Javier Hildebrandt (Buenos Aires, 1983) Diseñador gráfico, guionista y editor en Hotel de las Ideas.

Publicó historietas en antologías como Creer o reventar, De Once a Moreno, Clítoris y Cuentos de la selva, entre otras.

Desde 2016 lleva adelante una columna semanal en el programa Descubrir BA (AM 1110).

Hotel de las ideas https://hoteldelasideas.com

Silvia Freire presenta su nuevo libro: “ESTOICADA” DÍA MEJOR

Estoicismo práctico para atravesar el dolor sin convertirlo en sufrimiento

Después de firmar su ciudadanía italiana y recorrer Europa en motorhome, Silvia Freire regresa a la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires con una novedad editorial.

Silvia Freire, la reconocida escritora y conferencista, vuelve al ruedo con una propuesta bien a su estilo. Luego de firmar su ciudadanía italiana y recorrer Europa en motorhome, regresa a la Argentina para presentar su nuevo libro: “Estoicada”, que nace desde la experiencia más cruda y que presentará el 10 de mayo en el marco de la 50ª edición de la Feria Internacional del Libro.

Después de más de cuatro décadas en medios de comunicación, más de cuarenta

libros publicados y una trayectoria consolidada como conferencista, la autora decidió escribir desde otro lugar: el hueso.

Tras la muerte de su marido, Silvia planificó su año de duelo con conciencia y tomó una decisión inesperada: compró una motorhome y salió a la ruta. No para escapar, sino para seguir viva. Emprendió un viaje recorriendo toda la Argentina, ofreciendo charlas motivacionales en el marco de lo que llamó Tour Resiliente. Luego se propuso un desafío mayor y amplió la aventura a otro continente: se fue a Europa. Desde hace años su vida transcurre en diferentes ciudades del mundo, donde brinda charlas motivacionales y mentorías personalizadas. La conferencista, además, se mantiene muy activa en sus redes sociales, donde comparte sus experiencias cotidianas con más de 140.000 seguidores que acompañan su recorrido.

Ahora regresa nuevamente a la Argentina con una misión muy especial: presentar su nuevo libro. En “Estoicada”, editado por Del Nuevo Extremo, Silvia propone una lectura contemporánea del estoicismo aplicada a la vida cotidiana.

No habla de resignación ni de frases motivacionales vacías. Habla de entrenamiento mental. De distinguir entre dolor y sufrimiento. De recuperar soberanía interior cuando la vida cambia de formato.

“Durante años me decían: ‘qué fácil es hablar de felicidad… te quiero ver si se te muere alguien’. La vida me dio esa prueba. Y no vengo a hacerme la fuerte: vengo a contar lo que aprendí. El dolor es inevitable. Pero el sufrimiento, cuando se vuelve casa, nos roba la vida. Yo no me salvé por negación. Me salvé por movimiento. El pensamiento estoico no te endurece: te ordena. Te pregunta ‘¿qué depende de mí hoy?’ y te devuelve el volante.”, confesó emocionada por su regreso al país.

La premisa central del libro es clara: no podemos controlar lo que sucede, pero sí podemos decidir cómo lo pensamos.

“Durante años hablé de emociones. Hoy quiero hablar de pensamiento. Porque el pensamiento mal entrenado fabrica sufrimiento. Y el pensamiento entrenado construye libertad.”

Silvia Freire vuelve a la editorial

donde comenzó su carrera para presentar una obra que condensa experiencia, filosofía y vida real. “Estoicada” no es un manual de autoayuda. Es una forma de pensar cuando todo tiembla. Es la síntesis de una mujer que aprendió a no pelear con lo inevitable y a intervenir donde sí tiene poder.

De esa experiencia nació también Mundo Freire (Youtube), su programa de turismo ancestral, donde el viaje se transformó en práctica emocional y resiliencia en movimiento. En tiempos de ansiedad colectiva, aceleración y sobrecarga emocional, el libro ofrece un mapa interno: menos

reacción, más elección; menos dramatización, más conciencia.

SOBRE LA AUTORA

Silvia Freire es escritora y conferencista con más de 40

libros publicados. Trabajó en radio y televisión y acompaña desde hace más de 25 años procesos de transformación personal. Su trabajo integra pensamiento filosófico aplicado, autoconocimiento y práctica cotidiana.

La presentación se realizará el 10 de mayo en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, en el stand de la editorial Del Nuevo Extremo, donde Silvia firmará ejemplares y compartirá con el público esta nueva etapa de su recorrido.

Max Czajkowski Prensa y comunicación

IG: @maxiczajkowski

El Fondo Nacional de las Artes presentó “REGISTROS CONTEMPORÁNEOS II”

de Ana Martínez Quijano, y relanza su línea editorial

El evento tuvo lugar el pasado lunes 20 de abril a las 18 h en la Casa Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831, CABA) y contará con la participación del presidente del Fondo Nacional de las Artes, Tulio Andreussi Guzmán; el presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes, Sergio Baur, y la autora. Entrada libre con inscripción previa, completando el formulario online.

La publicación de este libro marca la reactivación de los proyectos editoriales del

organismo que, de este modo, recupera y actualiza una línea histórica de ediciones dedicadas a las artes y la cultura argentina. En este sentido, el libro se inscribe en una tradición que ha reunido obras de distintas disciplinas, autores de todo el país y colecciones de referencia, y que fuera reconocida con el Premio Konex de Platino en la categoría Ediciones.

“El proyecto editorial del Fondo Nacional de las Artes ha dado lugar a obras fundamentales que resultan indispensables para

comprender y preservar nuestra tradición artística. Retomar hoy esta línea de trabajo implica no solo recuperar ese legado, sino también proyectarlo hacia el futuro”, remarcó el presidente del Fondo Nacional de las Artes, Tulio Andreussi Guzmán.

Entre las obras publicadas por Fondo Nacional de las Artes se destacan colecciones de pintores y artistas plásticos y los títulos: Spilimbergo, Inventario del Tango, Panorama de la música argentina, Bibliografía de las artes visuales en la

Argentina, Obra fotográfica en la Argentina, Los maestros fileteadores de Buenos Aires y Diccionario de orfebres rioplatenses.

Registros Contemporáneos II reúne una selección de críticas de arte de Ana Martínez Quijano publicadas entre 2013 y 2025, en el diario Ámbito Financiero. El volumen configura un recorrido por el ecosistema artístico reciente: galerías, espacios de exhibición, coleccionismo y prácticas contemporáneas. A través de sus capítulos, documenta transformaciones del campo artístico en los últimos años, al tiempo que propone una lectura de la identidad cultural argentina en su diversidad.

El libro continúa la serie iniciada con Registros Contemporáneos. Críticas publicadas 2003-2013, hoy agotado, y reafirma el compromiso del Fondo Nacional de las Artes con la producción, circulación y preservación de

contenidos que dan cuenta de la escena cultural.

SOBRE LA AUTORA Y LOS ORADORES

Ana Martínez Quijano es una crítica de arte y curadora independiente argentina con una extensa trayectoria en el campo cultural. Durante más de treinta años escribió una columna semanal en Ámbito

Financiero, donde también editó el suplemento “Ámbito de las artes”, y publicó diversos libros sobre arte moderno y contemporáneo. Se desempeñó como docente en posgrados de distintas instituciones y participó en la coordinación de seminarios internacionales.

Su labor incluye investigaciones, especialmente sobre Norah Borges, y una destacada actividad curatorial en exposiciones, bienales y proyectos institucionales en Argentina y el exterior. Es curadora de la actual muestra en la Casa Victoria Ocampo, “Colección Tedesco: arte contemporáneo”. Además, recibió el Premio Leonardo

del Museo Nacional de Bellas Artes en reconocimiento a su trayectoria.

Sergio Baur Diplomático de carrera y actual presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes, donde también es académico de número. A lo largo de su trayectoria en el servicio exterior, se especializó en la promoción de la cultura argentina, ocupando cargos como Embajador de la República en Túnez, Egipto y Finlandia, Agregado Cultural en la Embajada Argentina en España y Director de Asuntos Culturales de la Cancillería argentina. Asimismo, fue comisario del Pabellón Argentino en diversas ediciones de la Bienal de Venecia y en la Feria del Libro de Frankfurt.

Profesor en Historia, ha desarrollado una extensa labor docente en universidades e institutos especializados, además de dictar cursos en distintos países. Su trabajo curatorial e investigativo se centra en la relación entre arte y literatura en la vanguardia

argentina, con exposiciones realizadas en destacados museos y centros culturales, tanto en Argentina como en el exterior.

Tulio Andreussi Guzmán Es Lic. en Economía egresado de la Universidad del Salvador, coleccionista de arte, curador y gestor cultural. Actualmente se desempeña como presidente del Fondo Nacional de las Artes, cargo que le permite desplegar su experiencia en los campos de

"POLIFÓNICA"

la economía y la cultura.

Especializado en el mercado de capitales, trabajó para la consultora Argentina Research. También es fundador y director de la Casa Museo Magda Frank - José Fioravanti, un espacio dedicado a la memoria y conservación de la obra de ambos escultores.

Fondo Nacional de las Artes prensa@fnartes.gob.ar

UNA NOVELA ÍNTIMA Y CORAL PARA COMPRENDER LA HISTORIA DEL SIGLO XX ESPAÑOL

Escrita por el dominicano, de origen español, José Vila del Castillo, residenciado en Panamá

“La novela coral es un género literario fascinante que permite la convergencia de múltiples historias y personajes, creando

un universo narrativo rico y complejo. En este tipo de narrativa, las subtramas y cada historia que acompaña a la trama principal se entrelazan de manera brillante, como las notas de una partitura sinfónica, donde cada voz agrega profundidad y matices a la obra”, sostiene el escritor nicaragüense, Edgard Orochena.

La afirmación de Orochena nos permite decir que en el caso de «Polifónica”, más que una novela histórica, José Vila del Castillo ha escrito una obra íntima y coral, atravesada por hechos familiares y sucesos colectivos trascendentales.

HISTORIA Y VIDA PRIVADA

Vila del Castillo cuenta que quiso comprender cómo la historia del siglo XX español se había

entremetido en la vida privada de miles de familias. En “Polifónica”, demuestra que la vida privada nunca esta disociada de la historia colectiva. El territorio histórico de la novela es la España entre finales de la Guerra Civil, los primeros años del franquismo y la Segunda Guerra Mundial. Una España fracturada, empobrecida, vigilada y moralmente devastada.

NÚCLEO EMOCIONAL

El núcleo emocional de “Polifónica» es la familia del narrador. La madre, actriz de vocación y de talento, encarna la luz posible en un mundo que se apaga. El padre, marcado por su propia frustración y sus soledades, por la rigidez del entorno y por la violencia que hereda, se convierte en el eje u

oscuro de la novela. El país aparece no como telón de fondo, sino como fuerza determinante que condiciona el destino de los personajes, deforma sus aspiraciones, y altera su libertad.

EXPOLIO

Los lectores encontrarán una narrativa que no solo busca el dato histórico, sino que explora la anatomía del expolio y la herencia del trauma. Apoyado en archivos, documentos, testimonios y hechos reales como el expolio cultural, la destrucción de bibliotecas judías, la represión de la posguerra, las fracturas morales de una Europa devastada, el escritor dominicano, de origen español, José Vila del Castillo, escribió «Polifónica», una «novela de memoria» para comprender la historia del siglo XX español, que goza de la atención de los lectores latinoamericanos. Para algunos de sus lectores, se trata de un «relato polifónico —tal como anticipa su título— y mayúsculo. Un ‘tour de force’ narrativo, enciclopédico, de vocación proustiana con ecos de Barea y Ruiz Zafón».

ACUCIOSO

“Revisé archivos bibliográficos, fotográficos, estudios históricos y sociológicos, diarios de posguerra, memorias de sus protagonistas, documentos sobre la vida cotidiana en Madrid entre 1940 y 1950, y testimonios

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de personas que vivieron en ciudades tomadas, en entornos donde la violencia era norma y la supervivencia recurso desesperado. Sin embargo, la novela no convierte esa documentación en exhibición. La utiliza como cimiento», argumenta Vila del Castillo. El rigor de la investigación hizo que Vila del Castillo revisará «estudios historiográficos sobre la caída de la monarquía, las

elecciones municipales de 1931, la proclamación de la Segunda República, la dictadura de Primo de Rivera y las conspiraciones que condujeron al golpe militar de 1936.»

De igual manera, investigó la posguerra inmediata: el hambre, la represión, la rivalidad intelectual por intervenir la vida cultural española, el exilio interior, los mecanismos cotidianos de control social,

la pobreza de las familias, la vigilancia moral, la censura y la estabilidad laboral dependiente de los poderes fácticos.

RECONSTRUIR EL PASADO

Vila del Castillo explica que, inicialmente, la novela no surgió como un proyecto literario planificado, sino como una exploración personal, porque, en sus indagaciones, había historias que no encajaban, fechas que no coincidían, tensiones que nadie había explicado. «El punto de partida -resalta- fue esa fisura, esa sensación de que el pasado estaba incompleto y que la única forma de reconstruirlo era mediante la escritura.»

Al fragmentar el relato y cruzar tiempos, el libro evita dictar una lectura única y obliga a que los hechos se presenten tal como aparecen en una investigación: incompletos, a veces contradictorios, y siempre sujetos a verificación.

OSCURANTISMO CULTURAL

Primero, llegaban a las casas a llevarse a las personas, después, entraban a robar los libros. Y Como si fuera necesario, también, exterminar la historia, la poesía, la belleza; que no quedara rastro de la memoria colectiva atesorada entre las guardas y los anaqueles, en los pasillos de las bibliotecas, en los estudios de las sinagogas; en los salones de lectura con sus paredes

cubiertas de librerías ni en la quietud de las mesillas de noche de los dormitorios.

HERIDAS ABIERTAS

Vila del Castillo confiesa que, al terminar la escritura, comprendió que la novela no cerraba heridas, pero sí las nombraba. «Ese es el gesto central de ‘Polifónica’: dar nombre a lo que se vivió, aunque duela; mirar de frente lo que se quiso olvidar; reconstruir una vida sin deformarla», asienta el escritor. La literatura, en este caso, no es evasión, sino método: una forma de buscar la verdad en medio del ruido del pasado.

RECOMENDACIÓN

«El comercio de libros, las peripecias para salvarlos de la quema por parte del nazismo, espías, el Opus Dei, diversas formas de supervivencia en tiempos difíciles, escapes de la muerte, amores, traiciones y un ritmo trepidante mantienen al lector cautivo hasta la última página. Pero lo que más me ha sorprendido es la abundancia de libros mencionados en la novela, títulos desconocidos que adquieren una relevancia inesperada en la historia literaria. Hoy, mientras releo la novela, elaboro una lista de estos títulos, algunos desconocidos para mí, en este apasionante y educativo «LIBRO DE LIBROS.» No puedo más que recomendar esta obra con fervor a todos los amantes de la literatura. Les aseguro que los sorprenderá y agradecerán

su lectura», escribió un lector agradecido: Luisma.

JOSÉ VILA DEL CASTILLO

Poeta, ensayista, novelista, licenciado en Filosofía y Letras; español nacionalizado dominicano, José Vila del Castillo es un escritor que se define a sí mismo como “un lector que escribe”, alguien que “intenta ordenar el mundo con palabras”.

«Escribir nunca fue para mí una meta, sino una forma de estar en el mundo. A lo largo de los años he transitado la poesía y la narrativa como territorios que se cruzan: la memoria, la identidad, la pérdida, la voz de lo que a veces queda fuera del relato oficial. Mi bibliografía es el resultado de ese recorrido: libros de poesía, novelas y, más recientemente, Polifónica, una novela histórica sobre el expolio cultural y la construcción de la memoria colectiva. Cada libro es una pregunta abierta, no una respuesta cerrada”, sentencia el escritor.

Post Scriptum: De venta en Amazon Formato: Versión Kindle

Hernán Colmenares hernancolmenaress@yahoo.com

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El proyectos sos vos"

de Osvaldo Gordín

“El proyecto sos vos”: un libro que propone pasar de la intención a la acción en tiempos de sobreinformación.

Osvaldo Gordín presenta una mirada práctica y sostenible sobre el cambio personal, centrada en la acción y alejada de las fórmulas rápidas.

En un contexto atravesado por la

sobreinformación, la aceleración tecnológica —incluida la expansión de la inteligencia artificial— y la disponibilidad constante de contenidos, El proyecto sos vos. Nuevas estrategias para lograr cambios sostenidos, el nuevo libro de Osvaldo Gordín, propone un enfoque diferente: transformar el conocimiento en experiencia concreta.

Lejos de los modelos tradicionales de autoayuda, el libro se inscribe en una nueva conversación sobre el desarrollo personal: cómo pasar de saber qué hacer a efectivamente hacerlo, en un entorno donde el acceso a la información ya no es el problema.

“El problema no es que no sepamos qué hacer, sino que no

sostenemos lo que sabemos”, plantea Gordín, quien introduce el concepto de “autoacción”: una forma de abordar el cambio basada en pequeños pasos, consistentes y posibles en la vida cotidiana.

El libro propone mejorar desde quien cada persona ya es, sin recetas universales ni promesas de transformación inmediata. En ese sentido, plantea una lógica de avance progresivo, donde incluso los cambios más pequeños pueden generar bienestar real y sostenido en el tiempo.

Uno de los ejes centrales es el pasaje de la intención a la práctica. A través de herramientas simples y una narrativa apoyada en microhistorias, la obra busca activar procesos más que transmitir teoría, invitando a poner en movimiento aquello que suele quedar postergado.

Entre los conceptos que desarrolla, aparece la idea de “calma activa”: crecer sin urgencia, pero con dirección. Inspirado en la imagen del baobab —un árbol que prioriza sus raíces antes de expandirse—, el autor propone correrse de la lógica de resultados inmediatos para construir procesos más sólidos.

El libro se apoya además en el Dispositivo de Mejora (DiMe), una metodología desarrollada por Gordín a lo largo de más

de treinta años de trabajo con personas y organizaciones. Esta propuesta incluye un plan de mejora de 30 días y recursos diseñados para que el aprendizaje se traduzca en acción.

Con una mirada clara y accesible, El proyecto sos vos se posiciona desde un enfoque que el autor define como experiencial: no busca explicar, sino acompañar procesos de cambio posibles, sostenidos y alineados con la vida real.

¿Qué propone el libro?

Estrategias simples para sostener hábitos en el tiempo Herramientas para transformar conocimiento en acción

Una mirada práctica sobre la toma de decisiones

Un enfoque centrado en procesos, no en resultados inmediatos

Un plan de mejora accesible y aplicable en la vida cotidiana

SOBRE EL AUTOR

Osvaldo Gordín es psicólogo social, máster en Programación Neurolingüística y consultor de empresas con más de treinta años de experiencia. A lo largo de su trayectoria acompañó a equipos y personas en procesos de mejora, integrando herramientas del ámbito organizacional con una mirada humana y sensible.

Su recorrido incluye también

disciplinas artísticas y corporales —fue bailarín, flautista y practicante de yoga—, elementos que atraviesan su forma de pensar y comunicar. Es autor de Cuentos para explicar la empresa, Tu vínculo con el dinero y Axiona: experiencia de aprendizaje.

Con este libro, sintetiza su experiencia en una propuesta concreta: que el cambio deje de ser una idea y se convierta en práctica.

FICHA TÉCNICA

Título: El proyecto sos vos

Autor: Osvaldo Gordín

Tema: Psicología

Páginas: 88

ISBN: 9786316589699

Disponibilidad: plataformas digitales

Nara Briega

Prensa & Comunicación

IG: @narabriega

Cel: 261-2090-332

Una historia espiritual del mundo viviente MORADAS

Linda Hogan

¿Qué es lo que nos hace humanos? ¿Cómo recuperar los lazos que nos unen al resto de las especies? Moradas. Una historia espiritual del mundo viviente siembra la pregunta acerca de nuestro lugar en el mundo, de las relaciones que establecemos con la naturaleza y con aquellos que comparten nuestro paso por la vida. Linda Hogan, escritora de origen chickasaw, nos invita, desde la mirada de los pueblos originarios, a imaginar otras maneras posibles de estar en el mundo: modos basados en

el cuidado, en la reciprocidad y en la responsabilidad hacia los otros.

Los ensayos que componen este volumen se mueven en un territorio híbrido entre la reflexión, la memoria y la observación de la vida natural. Con una mirada sensible y luminosa, Hogan hilvana anécdotas, enseñanzas que nacen del cuerpo y de la intuición, así como también conocimientos que surgen de la ciencia, para tender puentes entre distintas formas de comprender lo que nos rodea.

Moradas es un recorrido por los saberes que le han dado forma al mundo y es también la búsqueda de un lenguaje capaz de restituir lo que se ha roto: los tratados que alguna vez nos unieron a la Tierra y que nos recuerdan que el lugar de lo humano es indisociable del territorio, de los animales y de la historia de los pueblos que nos precedieron.

Entre el ensayo, la meditación y la escritura autobiográfica, Linda Hogan propone en Moradas una reflexión profunda y poética

sobre la relación entre los seres humanos y el mundo vivo. Desde una mirada indígena, Hogan concibe la Tierra no como un escenario ni como un recurso, sino como un organismo vivo del que formamos parte, unido por lazos de parentesco que hemos olvidado o roto.

A lo largo de estos textos, la autora entrelaza recuerdos personales, observaciones sobre animales, paisajes y comunidades, saberes científicos, relatos ceremoniales y pensamiento espiritual, para construir una visión del mundo basada en la interdependencia, la escucha y el respeto por todas las formas de vida.

Moradas es una invitación a detenerse, mirar y reconsiderar nuestras formas de habitar el planeta: un libro contemplativo, ético y político en el sentido más profundo, que busca restaurar la relación dañada entre la humanidad y la Tierra, y ofrecer, desde una perspectiva cultural diversa, otra manera de pensar el conocimiento, el tiempo y la convivencia con lo no humano.

“Como poeta, Hogan combina con éxito el gusto por la frase y el ritmo con la sensibilidad y las historias de los nativos americanos. A lo largo de toda la obra, examina con exquisitez tanto los paisajes naturales como los internos. Escribe maravillosamente sobre los animales sin antropomorfizarlos y, al hacerlo, explora lo que significa ser humano”.

Publishers Weekly

“Las piezas de Moradas se unen para reflejar el profundo respeto de la autora por la Tierra y nos invitan a sentir lo mismo”.

Library Journal

“Un libro bellamente poético y lleno de asombro”.

San Francisco Examiner

MORADAS

Linda Hogan

Traducción de Márgara Averbach Ensayo / 176 páginas

Ensayo | Divulgación | Pueblos originarios | Naturaleza | Ceremonias indígenas | Conocimiento ancestral | Cuidado de la Tierra | Ecología | Perspectivas feministas

Linda Hogan (Denver, 1947) es escritora, poeta y ensayista de origen chickasaw, y una de las voces fundamentales de la literatura indígena

contemporánea. Su escritura nace de una cosmovisión que entrelaza espiritualidad nativa, conocimiento ancestral y una honda conciencia ecológica. Autora de la novela Mean Spirit (finalista del Premio Pulitzer), de poemarios como Rounding the Human Corners (nominado al Pulitzer) y The History of Kindness, y de libros de no ficción como The Woman Who Watches Over the World y The Radiant Lives of Animals, ha recibido, entre otros reconocimientos, la Beca Guggenheim y el Premio a la Trayectoria del Círculo de Escritores Nativos de las Américas. En 2023, fue distinguida con el Doctorado Honoris Causa en Letras Humanas por la Universidad de Colorado. Moradas. Una historia espiritual del mundo viviente condensa de manera especialmente nítida la singularidad de su mirada y ocupa un lugar central dentro de su obra.

Ya disponible en librerías y en nuestra tienda online cianavierailimitada.com

Editorial

Andrés Beláustegui editorial@cianavierailimitada. com

Prensa

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DOS NOVEDADES, dos libros que dialogan —cada uno a su manera— con la tradición literaria

Por un lado, Mi Pushkin, de Marina Tsvietáieva, un texto inclasificable que mezcla autobiografía, ensayo y prosa poética. Escrito en 1937, el libro reconstruye el descubrimiento de la literatura a través de la figura de Pushkin, en un recorrido íntimo donde la memoria, la infancia y la lectura se entrelazan. Más que un retrato del poeta ruso, es el relato de un encuentro decisivo con la literatura y su poder transformador. La edición cuenta, además, con un apéndice que contiene los poemas que Tsvietáieva menciona a lo largo de Mi Pushkin. El texto principal fue traducido por Irina Bogdaschevski y el apéndice por Fulvio Franchi.

Por otro lado, Un dilema y otras nouvelles, de Joris-Karl Huysmans, una selección de relatos breves donde aparece en estado puro la mirada ácida y desencantada del autor. Sus historias se detienen en lo cotidiano —soldados, burócratas, personajes solitarios— para mostrar, con ironía y un tono oscuro, las pequeñas miserias de la vida moderna. Estos textos anticipan el universo decadente que marcaría su obra posterior y que lo convirtió en una figura clave de la literatura finisecular. La traducción es de Raúl A. Cuello.

Dos libros breves, intensos y muy distintos entre sí: uno atravesado por la poesía y la memoria; el otro por el desencanto y la observación minuciosa de lo real. Ya disponibles en nuestra tienda y en librerías de todo el país.

MI PUSHKIN -

Marina Tsvietáieva

A partir de una sentencia, «Lo primero que supe de Pushkin fue que lo mataron», Marina Tsvietáieva conduce al lector de Mi Pushkin a una suerte de kaddish íntimo y original. Porque Pushkin no fue un poeta más en su vida, sino su primer poeta. De su experiencia vital un circuito afectivo y efectivo se enarbola y en ese hacerse descubrimos la efigie, el tono y la densidad de ese tótem, de esa estatua de color («ahí mismo y para siempre yo elegí lo negro y no lo blanco: el pensamiento negro, el destino negro, la vida negra») de la poesía rusa. También puede figurarse en Mi Pushkin un singular sendero que va conformándose a través de símbolos como los gitanos, el mar, Bonaparte y los montenegrinos indivisibles todos ellos a la poética de Pushkin. Acompaña a la presente edición un compendio de poemas líricos que Tsvietáieva cita en su evocación de aquel que, como Proust, representa «un

monumento al amor filial».

MI PUSHKIN -

Marina Tsvietáieva

$20.000,00

136 p.; 19 x 13 cm. Traducción de: Irina Bogdaschevski; Fulvio Franchi. ISBN 978-631-90785-7-2

UN DILEMA Y OTRAS

NOUVELLES - Joris-Karl Huysmans

$22.000,00

Miembro de un linaje de pintores flamencos, Joris-Karl Huysmans rápidamente encontró un registro transversal a todas sus etapas –la naturalista, la decadentista, la religiosa– y que pudo sostener a fuerza de nutridas descripciones y un matizado humor en el cual capta cabalmente el tórrido espíritu finisecular que le tocó transitar.

En Un dilema y otras nouvelles se asiste a un denodado ejercicio de desbaste a través de la frase trabajada y sentenciosa. En todos los casos, desde A la deriva hasta El retiro del señor Bougran, el remate pesimista se vuelve ley. Perviven, sin embargo, momentos dedicados a la broma pantagruélica (A cuestas) pero a su vez el trasfondo chiaroscuro alcanza la intensidad de un cuadro de Rembrandt o de Pieter de Hooch en el escrito que da título a la serie. En suma, este cuarteto de historias de largo aliento forma

parte de nuestro programa editorial, el cual intenta rescatar la invaluable obra del excéntrico Huysmans y enrarecer con sus volutas y fuegos de artificio estético el panorama de la lengua de nuestro país.

UN DILEMA Y OTRAS NOUVELLES

Joris-Karl Huysmans 182 p.; 19 x 13 cm.

Traducción de: Raúl Andrés Cuello.

ISBN 978-631-90785-6-5

Partícula Editorial info@particula.com.ar

FUERON LOS VARONES y otras amonestaciones DE ÁLVARO FERNÁNDEZ

“FUERON LOS VARONES Y OTRAS AMONESTACIONES” es el segundo libro de poesía de Álvaro Fernández con el cual se mete de lleno en la autopsia del mandato masculino. Desde la infancia hasta la paternidad, estos poemas recorren la educación sentimental de un varón formado entre el deseo, la violencia simbólica, la vergüenza y el aprendizaje de lo que “había que ser”. Aunque el título apunta a los varones, son las mujeres quienes atraviesan y sostienen el libro: la madre que hizo de padre, las maestras que protegieron, los cuerpos deseados, las hijas feministas que interpelan y desarman. Entre piropos, porno, bullying, iniciaciones, abortos y silencios heredados, la escritura avanza como un ajuste de cuentas.

ÁLVARO FERNÁNDEZ es un escritor y poeta argentino nacido y criado en el barrio de la Paternal, Ciudad de Buenos Aires. Su primer publicación fue “LIRISMO FALOPA” también por “Serial Editorial”. En su incipiente carrera como poeta Álvaro ha tenido un blog, ha colaborado en revistas literarias y antologías de poemas. También ha sido finalista en diversos concursos de cuentos.

El libro puede adquirirse en la tienda de la Editorial Serial

www.serialeditorial.com.ar para contacto con el poeta NR PRENSA +5491154029699 nrpress@yahoo.com.ar redes @nrpress Instagram y Facebook @lirismofalopa

EL RECOLETA INAUGURA CUATRO EXPOSICIONES:

Una antología de Federico Klemm, homenaje a Mireya Baglietto y nuevas miradas del arte contemporáneo.

El pasado jueves 30 de abril a las 18 h, el Centro Cultural Recoleta (CCR) presentaron cuatro nuevas exposiciones. Las novedades incluyen una gran antología dedicada a Federico Klemm, que se presenta en las salas 7, 8 y 9; un homenaje a la artista visual Mireya Baglietto en la Sala Histórica; “Temblor de archivo”, proyecto curatorial

de Laura Focarazzo en la sala 4; y la muestra de Belén Romero Gunset, seleccionada por la convocatoria anual del CCR y curada por Javier Villa en la sala 10.

En las salas 7, 8 y 9 se desplegará “Federico Klemm, iluminador de mitos”, una muestra antológica con más de

noventa obras del artista que recupera la figura multifacética de Klemm: mecenas, coleccionista, performer, aficionado a la ópera, decorador, diseñador, escenógrafo, galerista y figura mediática. Coproducida con Fundación Klemm, con la curaduría de Federica Baeza, Guadalupe Chirotarrab y Santiago Villanueva, la

Autorretrato. El ser es víctima y sacrificio en lo cotidiano.1990. Gentileza Fundación KLEMM.

exhibición reúne una selección de obras atravesadas por tres núcleos: la relación con su madre Rosa, su pasión por la ópera y las artes escénicas; sus últimos fotomontajes digitales sobre Sansón y Dalila y, por último, su universo de telecristales y el deseo por los hombres.

La Sala Histórica albergará “Mireya Baglietto en el Recoleta” donde se celebrará la figura de esta artista visual, investigadora y creadora del arte núbico (sistema estético que utiliza espejos, gasas y luz para suspender las referencias temporales-espaciales generando una experiencia

de “ingravidez virtual”).

Pionera en el arte participativo y protagonista de diversas muestras a lo largo de la historia del CCR, Baglietto regresará con una instalación donde, mediante el uso de telas, se recrea una nube que penderá del techo de la sala con instrucciones para que los visitantes tengan una experiencia perceptiva guiada.

En la sala 4 tendrá lugar “Temblor de archivo”, con curaduría de Laura Focarazzo, que propondrá una reflexión crítica sobre la imagen mediada y su interacción con la memoria. A partir de la condición de posibilidad discursiva y estética de archivos

analógicos y digitales, distintos artistas realizan una operatoria de descontextualización y recontextualización añadiendo elementos críticos, subjetivos, y/o sensoriales buscando expandir su dimensión política y material. Participarán de la muestra Mercedes Invernizzi Oviedo aka Mecha MIO, Mauro Movia, Ana Villanueva, Sebastián Tedesco, Bruno Mesz y Fabio Doctorovich.

En la sala 10 la artista tucumana Belén Romero Gunset presentará “Cuando un lago se seca”. La muestra expone la situación del lago Colhué Huapi que hoy se encuentra completamente seco u

construyendo un relato multidisciplinario performance, pintura, instalación y tecnologías digitales) y abierto sobre la desaparición del agua, un campo de situaciones que ofrece múltiples puntos de fuga donde la memoria territorial y la disidencia se proponen como formas activas de la transformación social.

Por último, en la planta baja del CCR se exhibirá el mural textil titulado Anahí, en el jardín de humo negro del artista Hernán César producto de su experiencia sensorial y reflexiva en el Museo de Arte Popular José Hernández de la Ciudad de Buenos Aires.

Las nuevas muestras se podrán visitar a partir del jueves 30 de abril a las 18 h en el CENTRO

Umbra de Ana Villanueva. Instalación, 2023.

CULTURAL RECOLETA

(Junín 1930) con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos, de martes a viernes de 12 a 21 h, sábados, domingos y feriados de 11 a 21h.

http://www.centroculturalrecoleta. org/.

Contacto de prensa Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar

Fakin Pikchurs

Fotografías

de Claudio Rodríguez

Fakin Pikchurs nombra el gesto central de esta obra: la imagen como construcción consciente, como ficción deliberada que no busca ocultar su artificio sino hacerlo visible. La leve distorsión del lenguaje introduce un desplazamiento irónico que señala el lugar desde donde estas fotografías se producen: no sólo como escenas pensadas, armadas, actuadas, sino también como recortes atentos de aquello que ocurre.

Las imágenes reunidas en esta selección recorren los últimos 10 años de producción

del artista y configuran un territorio visual donde conviven teatralidad, precisión técnica y una atención particular al clima de cada escena. Retratos, naturalezas muertas, situaciones performáticas y tomas directas aparecen atravesados por una misma pregunta sobre la potencia narrativa de la fotografía y su capacidad de producir sentidos más allá de lo evidente.

El dispositivo fotográfico funciona como una herramienta de invención. Los cuerpos actúan, los objetos adquieren

ANNIE SOUP 20x30

intensidad simbólica, la luz modela una atmósfera que oscila entre lo íntimo y lo inquietante. Cada imagen propone una pequeña ficción detenida, un instante donde lo cotidiano se vuelve extraño y lo construido resulta verosímil.

Mgtr. Daniela Zattara

Coordinadora General de Cultura

Centro Cultural Rector Ricardo Rojas

Fakin Pikchurs

Fotografías de Claudio Rodríguez

Inauguró viernes 24 de abril

Hasta el 11 de junio

Lunes a sábados de 10 a 20 h

Fotogalería del CC Rojas UBA

Av. Corrientes 2038

Entrada gratuita

Claudio Rodríguez (Buenos Aires, 1960) es un artista polifacético: actor, músico, fotógrafo profesional y bailarín de tango. En el terreno de la actuación realizó presentaciones en novelas y unitarios de televisión, así también como obras de teatro y publicidades. Lideró una banda de rock como cantante y compositor y posteriormente en solitario. De lleno en la era digital se desarrolló de forma más profunda en el campo visual, uniéndose a la Federación

Argentina de Fotografía en la cual ganó 277 premios entre los años 2017 y 2023, 50 de ellos en concursos internacionales. Sus obras han sido expuestas

20x30

en USA, India, Serbia, España, Rumania y Argentina.

PRENSA Paula Simkin psimkin@rojas.uba.ar

Obras de la pintora y grabadora Lily Salvo en el Bellas Artes

Lily Salvo En el umbral del misterio

El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el pasado martes 7 de abril, a las 19, “Lily Salvo. En el umbral del misterio”, la primera exhibición en la Argentina dedicada a la pintora y grabadora rioplatense Lily Salvo (1928-2010), figura singular del arte latinoamericano, cuya trayectoria se desarrolló entre Uruguay e Italia.

La muestra, con curaduría de la responsable del Área de

Investigación del Museo, María

Florencia Galesio, recorre la producción de la artista entre las décadas de 1970 y 1990 y reúne más de 40 grabados, pinturas, dibujos y bocetos, muchos de ellos jamás exhibidos.

“Es una alegría poder exhibir por primera vez en nuestras salas la obra de Lily Salvo –expresa el director del Bellas Artes, Andrés Duprat–. Esta exposición nos permite asomarnos al singular

universo creativo de una artista argentina poco difundida en nuestro medio. Si bien nació en La Plata, Lily Salvo desarrolló gran parte de su producción en Uruguay, donde se formó en el taller del maestro Joaquín Torres García, y en Italia, donde vivió y produjo durante varias décadas”

“La obra de Salvo se despliega en un territorio donde lo simbólico, lo onírico y lo inquietante conviven con una

profunda reflexión sobre la condición humana”, indica por su parte Galesio. “Formada en Montevideo, la experiencia del exilio en los años 70 resultó decisiva en su trayectoria. Establecida en Italia, donde desarrolló gran parte de su producción, emprendió una práctica artística diversa que incluyó pintura, grabado, dibujo, ilustración editorial, escenografía y diseño de vestuario”, agrega.

La exposición se concentra especialmente en la obra gráfica de Salvo y se organiza en torno a tres núcleos temáticos: retratos y autorretratos, el cuerpo y la denuncia política. “Su aproximación al grabado –iniciada en la ciudad italiana de Lucca junto a Luis Camnitzer y Liliana Porter– trascendió el ejercicio técnico para convertirse en un medio de reflexión crítica.

A través de técnicas como el aguafuerte y la aguatinta, Salvo

construyó escenas de gran intensidad dramática vinculadas a la memoria del exilio, pobladas por cuerpos fragmentados o cabezas encerradas en cajas”, revela Galesio.

Lily Salvo

Su exploración artística también atravesó las artes escénicas: colaboró con el coreógrafo belga Micha van Hoecke, y desarrolló vestuarios y escenografías para óperas, entre ellas “Lucía!”, de Sergio Rendine, estrenada en 1987 en el Teatro di San Carlo de Nápoles.

“Con esta muestra, el Museo Nacional de Bellas Artes redescubre la producción de una artista cuya obra explora las tensiones del mundo contemporáneo a través de composiciones que se sitúan, precisamente, en ese umbral donde la imagen se abre al misterio”, concluye la curadora.

La exhibición –que cuenta con el apoyo de la Embajada de Italia en Argentina y el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay– se realiza con la colaboración de la familia de Lily Salvo y custodios de su obra, Andrés y Mara Neumann, y la contribución de la artista y gestora cultural Sofía Bresler, quien realizó el archivo, inventariado y estudio de su producción gráfica.

La muestra “Lily Salvo. En el umbral del misterio” puede visitarse hasta el 10 de mayo en el segundo piso del Museo, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30.

El Museo Nacional de Bellas Artes –que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes–, está ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires.

Museo Nacional de Bellas Artes www.bellasartes.gob.ar IG: @bellasartesargentina prensa@mnba.gob.ar (54) 11 5288.9973

PALACIO LIBERTAD

OBRAS SELECCIONADAS Y GANADORAS DEL CONCURSO DE ARTE Y TECNOLOGÍA 2025

“Thanks for being lifeless”, de Nikki. Composición sonora electrónica, performance, AI, clonación vocal. Pieza musical realizada con clonación vocal basada en IA, 2025.

El Fondo Nacional de las Artes inaugura en el Palacio Libertad (salas 705 y 706) “Arte y Tecnología. Obras distinguidas en el Concurso del Fondo

Nacional de las Artes 2025” , una exposición que explora las relaciones entre arte, tecnología y experiencia contemporánea a través de distintos lenguajes y soportes.

La muestra presenta instalaciones interactivas, obras con inteligencia artificial,

“Fan”, de Germán Campos. Robótica, electrónica, tecnología sonora. Cuatro abanicos, cuatro servomotores, un Arduino, cables y pedestales. 140 cm x 200 cm x 200 cm, 2024.

robótica, video, sonido y performance en un recorrido que propone la interacción del público.

En su instalación tecnopoética

Las memorias de Xu Lizhi, Nahuel Cañada (Primer Premio) cuestiona la lógica de descarte que atraviesa tanto a las máquinas como a las personas, e invita a observar de cerca las condiciones que sostienen nuestra tecnología cotidiana. Maximiliano Parlagreco (Segundo Premio por Ensayos de agenciamiento ) explora el cruce entre la pintura a la acuarela y algoritmos de inteligencia artificial que observan y expanden

la composición original, revelando un encuentro entre el gesto humano y la acción transformadora de la máquina. Por su parte, la serie de videos de Lourdes Rivadeneyra (Tercer Premio por Error 404 devoción not found) indaga qué ocurre cuando un sistema técnico intenta nombrar aquello que no puede reconocer.

Se exhiben, además, las obras distinguidas en la categoría exhibición del certamen, que amplían el panorama de la exposición a través de diversos enfoques y dispositivos. Instalaciones interactivas, desarrollos con inteligencia artificial, obras sonoras,

audiovisuales y performáticas dan cuenta de la diversidad de prácticas que atraviesan hoy la intersección entre arte y tecnología.

El Concurso de Arte y Tecnología, organizado por el Fondo Nacional de las Artes en 2025, distribuyó un total de $15.500.000 entre los tres primeros premios y las distinciones en la categoría exhibición. La participación en esta muestra en el Palacio Libertad formó parte de ese reconocimiento.

OBRAS EN EXHIBICIÓN

Las memorias de Xu Lizhi, u

“Ensayos de agenciamiento”, de Maximiliano Parlagreco. Inteligencia artificial. Tela blanca translúcida y proyector de video, 200 cm x 150 cm x 100 cm, 2025.

de Nahuel Cañada (Primer Premio); Ensayos de agenciamiento, de Maximiliano Parlagreco (Segundo Premio); Error 404 devoción not found, de Lourdes Rivadeneyra (Tercer Premio); Visual Tetris, de Román Gomes; SIMBIOSIS - Voces de lo profundo, de Luis Javier Sticco; Conexión, de Alejo Martín Cortiñaz e Ivana Kairiyama; Huellas de la fragilidad en tránsito, de Paula Toto Blake; Esto de migrar que sensación tan desparramada, de Luciano Piccilli; Atlas de cielos nublados, de Maia Gattás Vargas; Pensamientos, reflexiones y mosquitos, de César Montangie; Fragmentos de la selva, de Ángel Vicente Salazar Cruz; Tejido Multimedial, del grupo Pablo Osuna Vargas, Mercedes Pallotti Miranda y Marcela Marcolini;

Fan, de Germán Campos; Las formas del laberinto, de María Dolores Casares; Microbioespecularis , de Federico Joselevich Puiggrós; Esculturas responsivas, de Luna Bujalesky y Diego Jimenez; Invocación, de Mecha MIO (Mercedes Invernizzi Oviedo); Eclipse casi total, de Gonzalo Maciel; Nodos de tensión, del grupo Piren Benavidez Ortiz, Laura Nieves y Marlín Velasco; Thanks for being lifeless, de Nikki (Laura Ige); Futuras estructuras para un mundo inundado, de Fernando Laub; y El sacrificio de Mercurio, de Andrés Di Martino.

Jurado: Leo Nuñez, Natalia Matewecki y Matías Romero Costas.

Coordinación general: Bárbara Levy.

TEXTO CURATORIAL

La exposición reúne veintidós obras seleccionadas en el concurso organizado por el Fondo Nacional de las Artes, que convocó a artistas de todo el país y recibió cientos de postulaciones. El conjunto permite identificar algunas de las líneas de trabajo que atraviesan las prácticas artísticas vinculadas a tecnologías contemporáneas. Las obras abordan la tecnología no solo como herramienta, sino como campo de investigación estética y conceptual. Cada proyecto implica el desarrollo de dispositivos, experimentación con software, sistemas interactivos, inteligencia artificial, procesamiento de datos, sonido, imagen o robótica.

Las propuestas también plantean reflexiones sobre los impactos

“Error 404 devoción not found”, de Lourdes Rivadeneyra. Video experimental intervenido con sistema de visión artificial y detección algorítmica de objetos. TV, base de apoyo, pendrive, auriculares, extensor de auricular 45 cm x 75

sociales, culturales y políticos de las tecnologías. Desde distintas perspectivas, los artistas analizan cómo estos desarrollos inciden en las formas de percepción, comunicación y relación con el entorno.

La muestra reúne obras de artistas emergentes y de trayectoria que trabajan en la intersección entre arte y tecnología.

Acompaña: Bodega Malma.

Visitas: hasta el 28 de junio, miércoles a domingos y feriados, de 14 a 20 h

Palacio Libertad – Salas 705 y 706 (Sarmiento 151, CABA) Entrada libre

“Atlas de cielos nublados”, de Maia Gattás Vargas. Escultura con luz led e impresión láser. Caja con luz led y láminas de metacrilato. 40 cm x 25 cm, 2025.

Nueva Muestra en la Galería Lorena del Pilar Art

"Una arquitectura frágil"

Lorena del Pilar Art se complace en anunciar “Una arquitectura frágil” la nueva exposición individual de la artista Candelaria Oliden con curaduría de César Núñez

EXTRACTO DEL TEXTO

CURATORIAL

“Vivimos convencidos de que la mente es un instrumento claro, una superficie ordenada que responde a nuestra voluntad. Sin embargo, las ideas no siempre obedecen. Aparecen, insisten, se superponen. Algunas abren regiones internas cuya profundidad no podemos calcular. Otras regresan como si probaran la resistencia de aquello que creemos firme.

En la obra de Candelaria

Oliden no se representa esa inestabilidad. Sino que funciona como un espacio donde la conciencia es llevada hasta su propio borde. No el borde del escándalo ni del exceso, sino el punto exacto en que la razón descubre que su continuidad depende de un ejercicio constante.

Lo que está en juego no es la acción sino su posibilidad. Existe un instante casi imperceptible en el que el pensamiento roza aquello que podría alterar el equilibrio. Ese instante

no produce ruido. Produce intensidad. Allí se revela que la cordura no es una condición natural, sino una construcción sostenida en silencio.

En este desplazamiento la identidad pierde rigidez. Se vuelve permeable, capaz de desplazarse hacia la mirada ajena, como si la conciencia

no fuera una propiedad fija sino un campo susceptible de intercambio. Esa apertura contiene una pregunta radical: si el límite entre uno mismo y el pensamiento es inestable, ¿qué sostiene la idea de un yo coherente?”

Galería Lorena del Pilar Art info@lorenadelpilarart.com

MUSEOS

LA RED DE MUSEOS DE LA CIUDAD CRECE:

35 exposiciones y dos nuevas incorporaciones para 2026

La red de museos de la Ciudad presentó su programación 2026 con una agenda de 35 exposiciones y anunció la incorporación del Museo Benito Quinquela Martín y la reapertura del Museo del Humor

El Ministerio de Cultura anunció el pasado jueves 9 de abril en la Casa Fernández Blanco la programación 2026 de los museos de la Ciudad. Durante el evento se anunciaron las 35 muestras

temporales para los actuales once museos y se compartió la noticia sobre la ampliación de la red pública con dos instituciones que se suman en Montserrat y La Boca: el nuevo Museo del Humor y el Museo Benito Quinquela Martín

La nueva etapa del Museo del Humor se inicia luego de varios años inactivo en el ala oeste de la casa Altos de Elorriaga (Alsina 423), la cual ha sido refuncionalizada para recibir el

arte mayor de los argentinos en instalaciones modernas. Mientras que el Museo Benito Quinquela Martín (Av. Pedro de Mendoza 1835) recientemente pasó al Ministerio de Cultura, en una acción trascendente para la comunidad artística y los vecinos. Para 2026, los museos de la Ciudad proyectan consolidar y expandir el crecimiento sostenido del período 2024–2025, en visitantes, actividades y muestras, y apuntan a una programación de mayor calidad

e internacionalización. Se trata de una plataforma abierta que reafirma el rol de los museos públicos como actores centrales de la vida cultural porteña. Entre los destacados se encuentran “El otro Perotta” en el Museo Ciudad para mostrar un costado poco conocido del icónico fotógrafo, “Gardel, lo real, lo simbólico, lo imaginario” en el Museo Gardel, “La palabra, un territorio en común: La cultura escrita del siglo XIX a la actualidad” en conjunto con el Museo de las Escuelas del Ministerio de Educación y “Retour 2025” de Jorge Macchi en el Museo Sívori.

Durante el evento estuvieron presentes Mariano de Paco

Serrano, consejero de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid; Gabriela Ricardes, ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires; Pedro Aparicio, de Patrimonio, Museos y Cascos Históricos; y Helena Ferronato, gerenta operativa de Museos.

“Los Museos de la Ciudad de Buenos Aires representan mucho más que un lugar para ver muestras de arte, son parte esencial de nuestro ADN y de nuestra cultura, son nuestro acervo y también nuestro

futuro. Por eso nos tiene tan entusiasmados la incorporación del Quinquela y la reapertura del Museo del Humor, que significan un paso importante para fortalecer esa red, sumando nuevas colecciones, nuevas miradas y nuevos modos de vincular ese patrimonio con la sociedad. Para nosotros poder trabajar con una red de museos que cubren diferentes intereses es clave, ya que amplían de manera exponencial la oferta cultural para los porteños y los visitantes”, comentó Gabriela Ricardes, ministra de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

“La solidez de la programación presentada, con puntos altos en las exposiciones que indagan y difunden el patrimonio desde ángulos originales como la muestra de José Luis Perotta en el Museo de la Ciudad, o brindan la proyección internacional de nuestros museos con la gran instalación en el Sívori del Premio Konex de Platino Jorge Macchi, constituyen un marco excepcional para las grandes novedades en 2026 en el área de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Cascos Históricos”, adelantó el director general Pedro Aparicio, quien amplió: “Junto con el hito de la puesta en funcionamiento de la Reserva Técnica de Nitratos del Museo del Cine, única en el país, y los setenta años del Premio Manuel Belgrano, la llegada de dos museos de tanta importancia social e histórica, muy queridos por los ciudadanos, renuevan el compromiso de esta gestión de

norte a sur”.

“Los museos son territorios sensibles donde el tiempo no se ordena, sino que respira. Cada exposición es una forma de volver a mirar: los materiales, las memorias, las huellas que nos constituyen. En esta programación 2026, junto a las exposiciones, los programas públicos y las actividades, nos propusimos activar esas capas —a veces visibles, a veces latentes— para invitar a los públicos a recorrer no sólo obras, sino experiencias. MuseosBA es hoy una red viva, donde el patrimonio dialoga con el presente y donde cada visitante puede encontrar su propia forma de habitar la cultura”, destacó Helena Ferronato, gerenta operativa de Museos.

Periodistas especializados, autoridades y equipos de los museos acompañaron la presentación de la programación, que anticipó algunas de las principales inauguraciones que habrá próximamente. Entre ellas se destacan “Marcas de lo cotidiano. Gráfica efímera en el Archivo Profumo y Hno.” en el Museo de la Ciudad; “Vanguardia y barroco. Borges, Cortázar, Girondo” en el Museo Fernández Blanco, a 40 años del fallecimiento de Jorge Luis Borges; y la colección de vestuarios de María Luisa Bemberg en el Museo del Cine.

PROGRAMACIÓN SELECCIONADA DE MUSEOS

DE LA CIUDAD

Museo Sívori

- 29° Salón Bienal de Arte Textil

- “Un affaire de colecciones. Patricio Gil Flood + grabados y dibujos de la colección del Museo Sívori”.

- “Retour 2025” - Jorge Macchi. Pensada como instalación, la obra parte de papeles hallados en la calle —direcciones, notas uy manuscritos— no destinados a ser leídos. Con ellos, Macchi explora la intimidad, la memoria y el paso de lo privado a lo público mediante vitrinas, esculturas, mapas, textos murales, videos y acciones.

- “Colección Riganelli”. El proyecto valora la colección de Agustín Riganelli con una muestra monográfica que destaca su

aporte a la escultura argentina de inicios del siglo XX, su pertenencia a la tradición figurativa y su vínculo con el modernismo. Con obras del Museo Sívori y otras instituciones, se repasa sus núcleos temáticos y formales: figura humana, tratamiento del volumen y síntesis expresiva.

- “Atmósfera” de Alejandra Seeber.

Destacados: Catálogo Ecos en la colección. #Antonio_influencer

70° años Salón Manuel Belgrano

Museo Larreta

- “El azulejo en el Río de la Plata 1949-2026”

- “Estrada. El color tejido”

- “Intervenciones mínimas V”

- “La imagen descifrada. Silvina Ocampo pintora”. Ernesto

Montequín, albacea de Silvina Ocampo, presenta junto a sus herederos una selección de unas 50 obras (pinturas, dibujos y bocetos) que revelan su faceta como pintora. La exposición agrupa piezas realizadas principalmente entre 1920 y 1940, junto con trabajos tardíos y material documental inédito (cartas, fotos y cuadernos). El eje será un retrato al óleo de Bioy Casares pintado hacia 1941, nunca antes exhibido.

- “Intervenciones mínimas Vl”

- “Jardín hispano andaluz –Paseo de Esculturas (FNA)”

Destacados:

Continúa la temporada de teatro y, gracias al apoyo de la Fundación Williams, se fortalece el desarrollo de su programa público, con propuestas

orientadas a profundizar el vínculo con la comunidad y el entorno barrial.

Museo Casa Carlos Gardel

- “Gardel, lo real, lo simbólico, lo imaginario”. Artista y fileteador Jorge Muscia. Exposición centrada en la figura de Carlos Gardel como arquetipo.

Destacados:

·Semana Gardeliana (22 al 28 de junio)

·Semana del Tango (11 al 17 de diciembre)

·La programación se completa con clases de historia del tango para principiantes, a cargo de Rubén Berenblum, y una agenda musical que incluye conciertos, presentaciones en vivo y actividades dedicadas a la difusión del tango.

Museo Saavedra

- “La palabra, un territorio en común: La cultura escrita del siglo

XIX a la actualidad”. Propuesta para explorar cómo la escritura y la lectura acompañaron los cambios culturales y tecnológicos. La propuesta pone en diálogo las colecciones del Museo Histórico Saavedra y del Museo de las Escuelas, sumando el patrimonio del Saavedra para abordar, en perspectiva histórica, la cultura escrita y sus transformaciones.

- “El jardín como espacio de producción y exhibición escultórica” junto al Museo Perlotti

Destacados:

·Fiestas patrias en Museo Saavedra (25 de Mayo y 9 de Julio)

·Jura de la bandera (20 de junio)

·Día de la Primavera (21 de septiembre)

·Propuesta educativa con un programa de visitas escolares en todos sus niveles

Museo de la Ciudad

- “Marcas de lo cotidiano. Ephemera gráfica en el Archivo Profumo y Hno”. A partir del Fondo de Publicidad del museo, recuperado, investigado y exhibido con el apoyo de Mecenazgo.

- “El otro Perotta”. Muestra centrada en el material inédito del archivo fotográfico de José Luis Perotta, resultado de un proceso de recuperación, catalogación e investigación realizado por el Museo. Se propone una mirada integral sobre su legado, ampliando la lectura de su obra más allá del rock argentino, e incorpora dispositivos museográficos diversos. Incluye la realización de un catálogo y actividades públicas con eje en cultura visual y perspectiva de género.

Ambas se inscriben en líneas de investigación sobre los acervos del museo.

·La programación se comple- u

mentará con un destacado programa de visitas guiadas para escuelas.

Museo de Arte Popular José Hernández (MAP)

- “XXII Salón de Arte Textil de pequeño y mediano formato”

- “La riqueza del monte: arte territorio y comunidad”

- “La alasita, la feria de los deseos”. Con la participación de la comunidad boliviana de Villa Soldati y a partir de la colección Ruth Corcuera, la muestra — curada por Javier Corcuera— aborda la tradición de las alasitas (ferias de miniaturas y deseos) y su figura central: el ekeko. Declarada Patrimonio Inmaterial por la UNESCO, la propuesta se organiza en módulos temáticos y pone en valor su presencia en la Ciudad de Buenos Aires.

Destacados:

·Día de la Tradición – Museo de Arte Popular (10 de noviembre)

·Semana del Patrimonio (del 10 al 16 de noviembre)

·Día y Semana del Mate (del 30 noviembre al 6 de diciembre)

·Agenda de talleres abiertos al público, orientados a la transmisión de saberes y prácticas.

Museo Perlotti

- Ciclo Homenaje a grandes maestros escultores. Rubén Locaso y Antonio Oriana.

- “Brihuega- Bloise. Umbrales y constelaciones”.

- Artistas Premiados Argentinos (APA)

- SAAP - Premio Bigatti

Destacados:

·La programación también incluirá cursos y talleres orientados a la exploración de diversos lenguajes artísticos.

Museo del Cine

- Reposición de la sala de vestuarios de María Luisa Bemberg

- “Vientos de magia. Las imágenes y los niños. Víctor Iturralde”. Una exposición dedicada al cine para y por chicos que celebra el legado del cineasta y pedagogo Víctor Iturralde. La muestra destaca su impacto en el cine argentino — desde la animación experimental hasta la investigación en comunicación y la promoción del cine entre niños— e invita a las nuevas generaciones a acercarse al cine no solo como espectadores, sino también como creadores y pensadores críticos.

- “Autocronos – Eugenio Alejandro Cardini”. Material del pionero cineasta argentino. Destacados:

·Nitratos: El proyecto garantizó la preservación del acervo audiovisual en soporte de acetato mediante la creación de una reserva técnica integrada con la de nitratos, la implementación de monitoreo de degradación y la estabilización ambiental. Estas acciones optimizaron la conservación, facilitaron la identificación y duplicación de materiales en riesgo y aseguraron su disponibilidad futura.

·Ciclo de proyecciones de los fines de semana

Museo Fernández Blanco - “Vanguardia y barroco.

La síntesis de técnicas de vanguardia y barrocas en escritores experimentales. Borges, Cortázar, Girondo”. El montaje reúne primeras ediciones, ejemplares del diario Crítica (donde Borges publicó sus primeros cuentos) y objetos vinculados a los autores, como El espantapájaros de Girondo.

Curaduría: Pablo Gaiano y Juan Baroffio.

- Sala de fotografía Palacio Noel: “Fueguinos. Dos tiempos, dos miradas / Por las huellas misioneras en América Latina / Mapuche. Montaje de un imaginario”.

Destacados

·Temporada musical, con ciclos de música de cámara — especialmente dedicados al repertorio antiguo y barroco— en sus dos sedes.

·En la Casa Fernández Blanco se habilitarán tres nuevas salas en el primer piso, a partir de la donación de la colección Rubén Martínez Avellaneda / Pasanisi Vázquez, compuesta por más de 120 piezas en bronce de fines del siglo XIX.

·Palacio Noel - Festival Barroco

MIFB

MIJU

El MIJU, espacio dedicado a la niñez, ofrecerá propuestas lúdicas y participativas orientadas al juego, la exploración y el acercamiento al mundo cultural desde edades tempranas.

Destacados:

·Día del Niño (3 de agosto)

·Festival de Invierno (20 de julio al 02 de agosto)

El Museo de la Ciudad exhibirá al público su Colección de la imprenta Profumo y Hno.

Un recorrido por la memoria visual de la vida cotidiana porteña con casi 5000 piezas entre etiquetas, afiches y objetos gráficos.

El Museo de la Ciudad inauguró el pasado miércoles 29 de abril a las 17 h “Marcas de lo cotidiano. Ephemera gráfica en el Archivo Profumo y Hno.”, su primera exposición temporal de 2026.

La muestra se presentará en la sede Querubines (Defensa 223) y propondrá un recorrido por la historia de la imprenta argentina Profumo y Hno. (activa entre

1910 y 1980), cuyo archivo, de más de 5000 piezas de la cultura gráfica, conserva el museo.

La exposición, que podrá visitarse hasta agosto de 2026, estará integrada por un conjunto de piezas en papel y cartón y buscará poner en valor la ephemera gráfica como fuente esencial para el estudio de la cultura visual, el trabajo y los oficios de imprenta, el consumo y la memoria social.

Con curaduría de Sandra Szir y Andrea Gergich, “Marcas de lo

cotidiano. Ephemera gráfica en el Archivo Profumo y Hno.” es el resultado de una investigación que las especialistas realizaron sobre el valioso acervo que conserva el museo.

La exposición propondrá diversos núcleos temáticos que abordarán la historia de la Imprenta Profumo, las técnicas y los oficios relacionados, el desarrollo del consumo y la difusión de la ephemera gráfica del período 1920-1950, y el consumo masivo y la producción nacional (1960-1980). u

La mayoría de la documentación y papelería que se exhibirán se identifica como ephemera gráfica, una categoría referida a impresos transitorios y de corta vida, destinados a ser desechados tras cumplir su función inmediata. Más allá de su propósito publicitario, las etiquetas, folletos y menús funcionan como registros de la vida porteña del siglo XX, conformando fragmentos de la memoria visual de una ciudad en constante transformación. Si bien estos artefactos utilitarios y masivos quedaron originalmente fuera del canon artístico y académico, poseen un interés cultural fundamental como objetos de consumo cotidiano ligados al capitalismo urbano. De marcada vocación estética, estas piezas expresan las visualidades de su época y representan imaginarios sociales

de género y clase.

La presentación de este fondo al público constituye un hito institucional: el museo trasciende la mera custodia para convertir el archivo en un dispositivo de mediación pública, en conjunción con otras instituciones como el CIAP-Centro de Investigaciones en Arte y Patrimonio de la Universidad de San MartínCONICET.

La realización de este proyecto expositivo ha sido posible gracias al apoyo de Mecenazgo Cultural y al aporte de Banco Galicia.

SOBRE LAS CURADORAS

Sandra Szir

Es doctora en Historia y Teoría de las Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA),

magíster en Sociología de la Cultura y Análisis Cultural por IDAES (Universidad Nacional de San Martín - UNSAM) y licenciada en Artes, también por la UBA. Es investigadora y profesora en grado y posgrado en las áreas de Teoría, Métodos e Historiografía de las Artes Visuales en la UBA y en la UNSAM. Es autora del libro Infancia y cultura visual. Los periódicos ilustrados para niños (1880-1910), editora de Ilustrar e imprimir. Historias de la cultura gráfica en Buenos Aires, 18301930 (2016) y coeditora de Entre la academia y la crítica. La construcción discursiva y disciplinar de la Historia del Arte (2017) y de A vuelta de página. Usos del impreso ilustrado en Buenos Aires, siglos XIX y XX, (2018), además de artículos en publicaciones y libros de la especialidad. Obtuvo

becas de investigación, tanto de instituciones argentinas como del exterior, y dirige proyectos de investigación en sus áreas de especialidad. Es coordinadora de la Red de Cultura Gráfica Latinoamericana y actualmente se desempeña como directora del CIAP, Centro de Investigaciones en Arte y Patrimonio (CONICET-UNSAM).

Andrea Gergich

Es diseñadora gráfica y magíster en Diseño Comunicacional por la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires (UBA), y doctoranda en Historia del Arte por la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM). Además es profesora de grado y posgrado en Historia del Diseño y cultura gráfica en Argentina, en la Universidad de Buenos Aires y la Universidad Nacional de Lanús, investigadora y

directora de proyectos Amilcar Herrera (UNLa), UBACyT y PIA (FADU-UBA) y Mecenazgo (CABA), e investigadora externa en el Centro de Investigaciones en Arte y Patrimonio-CIAP (CONICET-UNSAM). Es coautora del libro NUEVA VISIÓN. Diseño Gráfico para el campo del arte en Argentina (1940-1976) / NEW VISION. Graphic design for the field of art in Argentina (1940-1976), junto a Jelle Jespers (Amberes: Hopper&Fuchs, 2025), y autora de artículos en revistas especializadas y capítulos de libros. Diserta regularmente en jornadas y congresos nacionales e internacionales. Organiza diversas actividades de extensión académica, como ciclos de charlas, conferencias y talleres, y realiza la curaduría de muestras de diseño. Actualmente se desempeña como directora

de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual, Departamento de Humanidades y Artes, Universidad Nacional de Lanús (DyCV-UNLa).

MUSEO DE LA CIUDAD

Sede Altos de Elorriaga: Defensa 187

Sede Querubines: Defensa 223 Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada: $10.000 Público general | $2.000 Residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES

Itinerarios artísticos entre la Argentina y España (1880-1930)

En el primer piso se exhiben más de 60 pinturas y documentos que reflejan los intercambios entre artistas de ambos países.

El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el pasado jueves 16 de abril, la exposición “Itinerarios artísticos entre la Argentina y España (1880-1930)”, que da cuenta de los vínculos personales, los intercambios y las influencias entre artistas de ambos países a partir de una selección de más de sesenta

obras y documentos históricos.

Con curaduría de las investigadoras del Bellas Artes Florencia Galesio, Paola Melgarejo y Patricia Corsani, la muestra incluye pinturas, esculturas, grabados y objetos del patrimonio del Museo y de otras instituciones, y forma parte de un proyecto de intercambio entre especialistas de España y Latinoamérica, impulsado por el Departamento de Bellas Artes de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Granada, en Andalucía.

“Las investigadoras del Museo se propusieron reconstruir los viajes formativos y exploratorios a la península ibérica realizados por artistas argentinos cuya producción se encuentra en el acervo institucional –explica el director del Bellas Artes, Andrés Duprat–. De igual modo, indagaron sobre la visita de pintores hispanos a nuestro país, adonde llegaron en busca de inspiración o para participar en exhibiciones”.

En efecto, el punto de inicio de la exposición son los primeros viajes a la península a fines del siglo XIX de aquellos artistas argentinos que, en lugar de elegir Francia o Italia –sitios predilectos de los pintores de la Generación del 80–, optaron por realizar estancias formativas en Madrid, Granada, Vigo, Sevilla, Barcelona, Toledo o Mallorca.

Bajo la guía de maestros de renombre como Eduardo Chicharro, Ignacio Zuloaga y Hermenegildo Anglada Camarasa, estos viajeros lograron plasmar en sus pinturas paisajes y motivos españoles, además de compartir experiencias con otros pintores contemporáneos.

“Estos viajes permitieron a los argentinos conocer un centro de aprendizaje valorado por su larga tradición artística y cultural”, afirman las curadoras.

“Así como Zuloaga recorría Castilla buscando motivos para sus obras, al retornar a nuestro país, Jorge Bermúdez o Cesáreo Bernaldo de Quirós, entre otros pintores, representaron escenas, paisajes y personajes del interior argentino, sumando su mirada de la geografía local y su propia perspectiva sobre el arte nacional”, agregan.

Otro de los aspectos que refleja la muestra es la consolidación, entre 1880 y 1930, de Buenos Aires como mercado importante para el arte español, impulsado por la prosperidad económica local y la visión de marchands

Bermúdez (Buenos Aires, 1883 – Granada, 1926) “Gitana Granada” [La gitana María], 1925. Óleo sobre tela, 82 x 111 cm. Colección Myrian Gallo Bermúdez, Buenos Aires

como el catalán José Artal. Este auge comercial fue paralelo a la fundación, en 1895, del Museo Nacional de Bellas Artes, que bajo la gestión de Eduardo Schiaffino comenzó a incorporar obras de artistas españoles (Joaquín Sorolla, Santiago Rusiñol y Eliseo Meifrén, entre otros) gracias a adquisiciones y legados de coleccionistas como Parmenio

Piñero y Ángel Roverano.

El recorrido continúa en la década de 1920, momento en que los argentinos alcanzaron gran repercusión en el medio español con sus exhibiciones, al tiempo que nuevas generaciones de artistas como Antonio Berni y Norah Borges comenzaban a renovar su lenguaje visual en u

Alfredo Gramajo Gutiérrez (Tucumán, 1893 – Buenos Aires, 1961) “Fin de fiesta”, 1926. Óleo sobre cartón, 46 x 106 cm. Inventario n° 1784 Colección Museo Nacional de Bellas Artes.

contacto con las vanguardias europeas. Por último, en la exhibición se incluye un apartado con la participación del país en la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929, donde la Argentina montó un pabellón que propuso la fusión de la herencia europea con la raíz americana. La exposición también reúne obras de los argentinos Emilio Caraffa, Alfredo Gramajo Gutiérrez, Severo Rodríguez Etchart, José Antonio Terry, Francisco Vidal, Rodolfo Franco, Gregorio López Naguil, Tito Cittadini, Léonie Matthis y Francisco Bernareggi, entre otros. Además de los mencionados, entre los españoles se destacan Julio Romero de Torres, Darío de Regoyos y Valdés, Fernando Álvarez de Sotomayor, Mariano Fortuny y Ramón de Zubiaurre y Aguirrezábal.

“Itinerarios artísticos entre la Argentina y España (18801930)” puede visitarse hasta el 2

Cesáreo Bernaldo de Quirós (Gualeguay, 1879 – Vicente López, 1968) “Tunas y lechiguanas”, de la serie “Los gauchos”, 1924. Óleo sobre tela, 144,5 x 134,5 cm. Colección Museo Nacional de Bellas.

de agosto en el primer piso del Museo, de martes a viernes, de

11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, 10 a 19.30.

Cartelera TEATRO

TERCERA TEMPORADA ¡UNICAS 8 FUNCIONES! YO, FEDRA

Con: Ingrid Pelicori - Texto y Dirección: Analía Fedra García

* NOMINACIÓN PREMIOS ACE 2024/2025.

Actuación femenina en obra para un solo persona. Ingrid Pelicori

* NOMINACIÓN PREMIOS

MARTÍN FIERRO AL TEATRO 2024/2025.

Mejor Actriz Protagónica Oficial. Ingrid Pelicori

* NOMINACIÓN PREMIOS

MARIA GUERRERO 2024.

Mejor actuación en unipersonal. Ingrid Pelicori

* NOMINACIÓN PREMIOS

TEATRO DEL MUNDO 2024.

Mejor actuación. Ingrid Pelicori

SINOPSIS:

Fedra es un abismo. Un misterio. Una mujer madura que se enamora hasta los huesos, de un hombre joven y prohibido. Fedra susurra retazos de su historia, para todas las personas que la quieran escuchar.

Es una reescritura del mito griego de Fedra para una sola actriz. Una invitación a indagar sobre los prejuicios, la potencia del amor y el deseo.

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UNICAS 8 FUNCIONES!!!

TERCERA TEMPORADA

“YO, FEDRA” de Analía Fedra García

VIERNES A LAS 20:00hs.

Centro Cultural de la Cooperación – Sala Tuñon

Av. Corrientes 1543. CABA

Entrada general: $18.000

A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro

Duración: 50 minutos

FICHA TÉCNICA

Con:

Ingrid Pelicori

Diseño de luces:

Marco Pastorino

Diseño de objetos:

Pía Drugueri

Asesoramiento artístico:

Laura Rovito

Música original:

Miguel Angel Pesce

Cantantes en off:

Carmen Almarza

Magdalena Dodds

Juliana Marcús

Liliana Scotto Lavina.

Interpretación instrumental:

Débora García

Colaboración dramatúrgica:

Ingrid Pelicori

Asistencia de dirección:

Tomás Scheifer

Producción:

Cooperativa Griegas

Prensa:

Natalia Bocca

Dispositivo escenográfico, texto y dirección:

Analía Fedra García

“Tengo el nombre de un mito griego: Fedra. Hace mucho tiempo que sueño con escribir una versión íntima de ese gran personaje trágico. Un diálogo personal con el mito. Así como Eurípides o Racine ritualizan su condena, quise jugar con otros giros de la historia para abrir nuevas preguntas sobre la condición de las mujeres maduras, sobre los prejuicios que pesan sobre ellas, (sobre todo si se enamoran de una persona mucho más joven), sobre el erotismo, sobre la potencia del amor y el deseo. Me conmueve volver a reunirme con Ingrid Pelicori en este proyecto. Una actriz que se abisma en el arrojo, el derroche, el potlatch, que es pura potencia poética”.

Analía Fedra García

SOBRE LA ACTRIZ

Ingrid Pelicori

Actriz de teatro, cine y televisión. Debutó en 1978. Desde entonces estrenó más de 60 obras teatrales. Participó en Teatro Abierto e integró el Elenco Estable del Teatro San Martín. Interpretó obras de Chejov, Strindberg, Ibsen, Shakespeare, Pinter, Jelinek, Discépolo, Berkoff, Brecht, Gambaro, Camus y Gorostiza, entre otros. Obtuvo numerosos reconocimientos, u

entre los que se destacan los Premios Ace, María Guerrero, Trinidad Guevara, Teatro del Mundo y Podestá. Algunos de sus últimos trabajos fueron: Cae la noche tropical, Sueño de dos, Agamenón, de Esquilo, con dirección de M. Iedvabni y P. F. Maini; Papá Bianco y los Alonso, junto a Irina Alonso. Bergman y Liv correspondencia amorosa con dirección de Leonor Manso. La verdadera historia de Ricardo III, Carnada.

SOBRE

LA DRAMATURGA y DIRECTORA

Analía Fedra García

Directora escénica, actriz y docente.

Inicia su formación artística estudiando música (violín, posteriormente canto) en el Conservatorio Municipal Julián Aguirre de Banfield. Se forma como actriz en Andamio 90; luego se perfecciona con Juan Carlos Gené y Verónica Oddó, en el Celcit. Posteriormente realiza seminarios de técnicas de interpretación. Estudia dirección escénica en la UNA. Se desempeña como docente en la UNA y UNSAM. Gana en dos oportunidades becas internacionales en Alemania: XIII Edición de los Schillertage en Mannheim y Hospitationsprogramm otorgado por Instituto Goethe y el Instituto Internacional de Teatro (ITI) en Leonce y Lena de Georg Büchner, en el Teatro Maxim Gorki de Berlín

y Schauspielhaus de Köln. También gana el concurso INT: Plan regional de capacitación y desarrollo como docente titular de dirección escénica.

Entre sus montajes como directora se destacan: Chiquito de Luis Cano (La Carbonera); El nombre de Jon Fosse; Greek de Steven Berkoff; El tiempo abundante de la noche (Teatro Nacional Cervantes); Camaradería de August Strindberg; Muchas felicidades de Francisco Urondo (CCC); La casa del triciclo de Arturo Carrera (CCC); Relojero de Armando Discépolo (CTBA); Danza macabra de August Strindberg (CTBA); Enero de Sara Gallardo (El extranjero), Condolencias de Alicia Muñoz (Teatro Nacional Cervantes); El vuelo de Basilio de Haroldo Conti (CCC, CCK), Yo, Fedra (CCC). Con Federico (CCC).

Alejandra y los mundos (CTBA).

Ha participado con sus obras en varias ediciones FIBA, Festival de Rafaela, Festival Iberoamericano. Gana premio Artei a la producción y Vida narrada de Fundación Williams. Ha recibido numerosas nominaciones en premios ACE, María Guerrero, tanto como directora como sus espectáculos e intérpretes. Gana ACE como Mejor directora por Greek y Mejor espectáculo drama/comedia dramática por Relojero. Gana premio María Guerrero como Mejor directora por Greek.

FOTOS

Sebastian Ochoa

PRENSA

Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com

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VIERNES 1 DE MAYO EN EL TEATRO REGINA "Alma en oferta" by Cintia con H

El próximo 1 de mayo a las 20:30 h. estrena en el Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235, CABA) Alma en Oferta, el nuevo espectáculo de comedia creado e interpretado por Cinthia con H, con dirección actoral y escénica de Juan Brousset y música original de Nicolás Crespo. La obra contará con funciones durante mayo, junio y julio, incluyendo presentaciones en el conurbano bonaerense y el interior del país.

En escena, Cinthia con H está acompañada por Paola Medrano, dando vida a un universo de personajes y situaciones en constante transformación. La propuesta construye un recorrido escénico donde alguien se enfrenta a la posibilidad de probar distintos caminos antes de elegir, en un mundo donde la identidad, las decisiones y el absurdo se entrelazan con humor.

Alma en Oferta propone un viaje tan caótico como reconocible, donde cada elección abre nuevas posibilidades… y también nuevos conflictos. A través de una estructura dinámica, el espectáculo explora con ironía y sensibilidad lo complejo —y muchas veces ridículo— que puede ser decidir quiénes queremos ser.

Con intervenciones de música en vivo a cargo de A Seagull Orquesta, la obra suma una capa escénica vibrante y auténtica, recuperando el valor de lo interpretado en el momento y generando una experiencia que oscila entre la risa, la identificación y la sorpresa.

Alma en Oferta se presenta como una experiencia teatral original que combina humor, música y actuación en vivo, invitando al público a reflexionar —desde la comedia— sobre la identidad y las elecciones que nos definen.

FICHA TÉCNICA

Creación y libro:

Cinthia con H

Dirección actoral y escénica: Juan Brousset

Intérpretes:

Cinthia con H, Paola Medrano

Música original: Nicolás Crespo

Letras de canciones: Leandro Schmit

Música en vivo:

A Seagull Orquesta

Coaching vocal y artístico: Luján Zalazar

Producción:

A Seagull Orquesta Prensa: Kevin Melgar

KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar

ESTRENO 7 DE MAYO

SECRETO EN LA MONTAÑA

Llega al teatro con Benjamin Vicuña y Esteban

Lamothe

La historia que marcó a una generación llega al teatro en una ambiciosa producción nacional.

La aclamada historia que conmovió al mundo llega por primera vez a los escenarios argentinos. Secreto en la Montaña, se estrenará el 7 de mayo en el Multiteatro.

Las entradas ya se encuentran a la venta a través de PLATEANET y en la boletería del teatro.

Con un dúo protagónico que

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promete una intensidad escénica excepcional, Benjamín Vicuña y Esteban Lamothe, bajo la dirección de Javier Daulte, uno de los referentes más influyentes del teatro argentino, darán vida a los icónicos personajes de este relato donde, como afirman ellos mismos, “uno no se enamora de quien quiere”.

El elenco se completa con Laura Paredes y Roberto Castro, dos figuras clave de la escena que aportan solidez y profundidad a esta puesta.

Amor prohibido, tensión emocional y una sensibilidad que atraviesa se combinan para construir una experiencia teatral íntima, cruda y profundamente humana.

Ambientada en el interior profundo de Estados Unidos, la obra narra el vínculo intenso y complejo entre dos jóvenes vaqueros que, en medio de la inmensidad de la montaña, descubren un sentimiento tan poderoso como imposible dentro del contexto social que los condena. “No te

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vas a enamorar de quien quieras” resuena como una sentencia que marca de manera irreversible el destino de ambos.

La dirección de Javier Daulte aporta su reconocida capacidad para articular profundidad dramática, ritmo narrativo y una mirada sensible sobre emociones extremas, sin perder cercanía con el público.

La producción está a cargo de Joaquín y Bautista Laviaguerre, junto a Adrián Suar, quienes apuestan a una puesta conmovedora, actual y visualmente potente de este clásico moderno.

EN PALABRAS DEL DIRECTOR

Uno no se enamora de quien quiere. Ni siquiera podemos proponernos amar o dejar de amar a alguien. Porque se trata de una fuerza que va más allá de nuestra voluntad. Intentar domesticarla resulta, sino imposible, por lo menos muy doloroso.

Jack y Ennis, dos hombres para los que el entramado social había previsto un camino claro y convencional, no se lo propusieron: el amor les ocurrió.

En el lugar perfecto, pero en el contexto inadecuado. Secreto en la montaña es una historia de amor tan desgarradora como maravillosa.” Javier Daulte

Sin duda, será una de las obras que dará que hablar en el próximo año.

SINOPSIS

“Secreto en la montaña” sigue la historia de Jack Twist y Ennis del Mar, dos jóvenes vaqueros que se conocen en 1963 cuando son contratados para cuidar ovejas. En la soledad del paisaje agreste, entre jornadas duras y silencios compartidos, surge entre ellos un vínculo profundo que deriva en un amor inesperado y prohibido para la época.

Al finalizar la temporada, cada uno retoma su vida: Jack intenta abrirse camino en su carrera y contrae matrimonio, mientras Ennis se casa y forma una familia. Sin embargo, la conexión entre ambos permanece intacta. A lo largo de los años, se reencuentran en secreto para sostener una relación marcada por la pasión, la culpa, el deseo y los mandatos sociales que los obligan a vivir su verdad en las sombras.

La obra recupera el espíritu íntimo y doloroso del relato original: un amor que desafía el tiempo, las convenciones y el propio miedo.

FICHA ARTÍSTICA:

Elenco: BENJAMÍN VICUÑA

ESTEBAN LAMOTHE

LAURA PAREDES

ROBERTO CASTRO

Dirección:

JAVIER DAULTE

Autor:

ASHLEY ROBINSON

Adaptación:

MARCOS CARNEVALE

Basada en el Cuento de: ANNIE PROULX

Canciones:

DAN GILLESPIE SELLS

Comunicación y Redes:

MARISEL ROBALDO

Diseño de Escenografía:

TATIANA MLADINEO – LUCIANA PERALTA BÓ

Diseño Gráfico: NICO REJLIS

Diseño de Iluminación: MATÍAS SENDON

Diseño Sonido:

PABLO ABAL

Diseño de Vestuario:

ANA MARKARIAN

Fotografías:

ALEJANDRA LOPEZ

Prensa:

SOY PRENSA

Producción Ejecutiva:

EDGARDO ARIEL ALBA

Producción General:

ADRIAN SUAR

JOAQUÍN LAVIAGUERRE

BAUTISTA LAVIAGUERRE

La obra “Brokeback Mountain” es presentada en Argentina a través de la Agencia Nancy Smith Literary Agency (Londres) y la Agencia Literaria F&F (Buenos Aires).

PRENSA Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

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ESTRENO! NICANDRO Y ALDA

de Amancay Espíndola - Dirección: Virginia Lombardo

Con: Carlo Argento, Coni Marino, Maria Nydia Ursi Ducó, Amancay Espíndola

“Que el amor venga así a esta altura de mi vida me deja con los ojos abiertos para ver más de lo que puedo y el corazón lleno por sentir más de lo pensado» Nicandro.

El amor teje y tejerá encuentros que lo harán posible. La obra Nicandro y Alda abarca un periodo de tiempo que va desde el año 1937 a la época actual. Son cartas de vida. Las cartas de Nicandro Espindola se conservan, el resto fue

ficcionado. La estructura está conformada por ellas, por escenas que se dramatizan y textos dichos al público, música, bailes, canciones. Es la historia de ambos personajes desde que se conocen; se relata a través de las cartas de tres personajes: Josefa, (madre de Alda), y Alda y Nicandro que son los protagonistas. Cartas que viajan en el vagón postal de los trenes que recorren la geografía argentina y relatan la historia personal y los procesos del país.

El cuarto personaje es la hija de ambos, que es la continuidad de la historia infinita como una cinta de moebius que se repite a través de los tiempos.

FUNCIONES

“NICANDRO Y ALDA” de Amancay Espíndola

Sábados a las 18:000 hs. Patio de Actores

Lerma 568. CABA

Entrada general: $22.000

Estudiantes y jubilados: $18.000

En boletería del teatro o por Alternativa Teatral

Duración: 55 minutos

FICHA TÉCNICA:

Nicandro: Carlo Argento

Alda: Coni Marino

Josefa: Maria Nydia Ursi Ducó

Hija: Amancay Espíndola

Música: Mariano Cossa

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Diseño de iluminación:

Leandra Rodríguez

Productor asociado: Pablo Paissanidis

Fotografía:

Hernán Reig

Prensa:

Natalia Bocca

Asistencia de dirección:

Brizna de Luz Martinez

Dramaturgia:

Amancay Espíndola

Dirección:

Virginia Lombardo

Nicandro y Alda de Amancay

Espindola es un biodarama encantador que pinta nuestra sociedad en un largo período histórico político, un intertexto entre las preciosas y poéticas cartas de su padre y su ficcionalización de las de su madre y abuela. La puesta estará apoyada exclusivamente en los actores que transitarán sin solución de continuidad entre la realidad y la ficción. Por momentos leerán las cartas, otros las escribirán o las dialogarán. Algunas situaciones serán jugadas

teatralmente y otras serán contadas, estableciendo una interlocución con los espectadores. Los sonidos, la música, las canciones habitan el relato. Apuntamos al humor y a la intimidad de los encuentros y desencuentros de estos cuatro personajes familiares, icónicos y representativos de una época donde la comunicación tenía características tan encantadoras como el papel escrito viajando a destino.

Virginia Lombardo

SOBRE LA DRAMATURGA y ACTRIZ:

Amancay Espíndola Actriz. Dramaturga. Licenciada en Artes Combinadas. Recibida en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires.

Intervino como actriz en numerosas obras teatrales entre las cuales se cuentan autores como Synge, Chejov, Moliere, Shakespeare, Sartre, Florencio Sánchez, Sanchez Gardel, Carey, Stoppard, Cossa. En Cine participo en El Caso María Soledad, La Amiga, Nueve Reinas Y muchas mas Su obra “Herencia de Sangre” recibió el premio Iniciación del año 1997 de la Secretaría de Cultura de la Nación

En el año 2001 formó parte del Ciclo de obras de Teatro x la Identidad integrado por Teatristas y Abuelas de Plaza de Mayo con su obra “Esclava del Alma” y en el año 2002 lo hace para el mismo ciclo con

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la obra “Crónica de las Indias” que escribió conjuntamente con Araceli Arreche. Integra desde el 2008 la Comisión de Dirección de Teatro x la identidad

PREMIOS MUNICIPALES DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES

Bienio 2016 -2017 /2ºDO premio DORMIR EN EL AGUA

PREMIOS MUNICIPALES DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES

Bienio 2012-2013/ 3º premio HERENCIA DE SANGRE

“Ojos Verdes” recibió el Primer Premio UCES 2011 Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales en 2011.

Fue convocada para la Dirección de la obra ganadora del Ciclo 16 º Memoria Verdad y Justicia del Teatro Tadrón, La Memoria en Presente, de Araceli Arreche Recientemente fue publicado su libro Obrerio Teatral con sus obras estrenadas.

Integra La Colectiva de Autoras Argentina

Recibió la Nominación como Mejor Actriz premios ACE 2024

Jurado de Premios Municipales

CABA Bienio 2019 2021 Bienio 2022 2023

Jurado Premios Teatro el Popular 2025.

SOBRE LA DIRECTORA:

Virginia Lombardo

Cursó estudios en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático y con distintos u

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maestros: actuación, canto, danza, acrobacia, dirección y dramaturgia.

En cine hizo varios cortometrajes y largos como “Leopoldo Arregui”, “No place to hide”, “Frontera Sur”, “Otra esperanza”, “Condenados”, “Placenta”, “Espiral Cósmica”, “H muda”, “New year blues”, “The caregiver” Mención especial en el Festival Rojo Sangre, “Juego de brujas”, “Apostando con el diablo” premio mejor actriz BARS 24, “Imágenes del infierno”, “27 noches” Netflix, entre otros. Como actriz, en teatro ha realizado títulos como “Juegos a la hora de la siesta” (premios Moliere y Talía), “Tratala con cariño” (Comedia de la Pcia. de Bs.As), “Hamlet”, “Azul profundo” (nominación premios ACE), “Volpone” (TMGSM), “El Dragón de fuego” (nominaciones Estrella de Mar), “Verona” (2º Festival

Internacional), “El Próximo minuto”, “El Paciente” , “Romeo y Julieta”, “El diván” (Festival Tintas Frescas), “Don Juan” Teatro Nacional Cervantes, “Falsa Escuadra” Teatro del Pueblo, “Adelfa” El camarín de las musas, “La memoria en presente” Tadrón, Resurgimiento, “El colo”, “Cocinando con el diablo”, “Una parte de el” Microteatro, entre muchas otras.

En televisión ha trabajado en varios unitarios “El Garante”, “Vulnerables”, “La condena de Gabriel Doyle), algunas miniseries “Luces y Sombras”, Zona de Riesgo” y tiras diarias “Con alma de tango”, “Cebollitas”, “El Arcángel”, “Regalo del cielo”, “Life collage”, “Buenos vecinos”, “Provócame”, “La ley del amor”, “Guita Fácil”, “Maltratadas”, “Historias del corazón”, “Señales”, “El Garante”, “Hay un físico en mi

sopa”, “No grites”, entre otros.

Dirigió varios títulos de teatro, entre otras obras “Los propietarios del futuro”, “Amor desollado”, “Clac” (Beca de Creación del Fondo Nacional de las Artes), “Ostras Frescas”, “detodoloqueoseve”, “Runrún”, “Mujeres de colores”, “El despojamiento”, “Mi querida”, “Ana por la Ventana”, “Dormir en el agua”, “Muñeca brava”, “Cara a cara”, “La sombra del rey” “Anais”, “Cuando te mueras del todo” y varios más. Hizo la Asistencia Artística de “El zoo de Cristal”, “Romeo y Julieta”, “Pedir Demasiado”, “Chicas Católicas”, “Amanecí y tu no estabas”; dirigidas por Alicia Zanca y fue su socia en la docencia. Co dirigió la ópera “Carmen” de Bizet. Dirigió “La fille du regiment” de Donizetti. “La sombra del rey” Microteatro. Dirige el grupo de teatro “elencopsi” de la Facultad de Psicología UBA, actualmente con funciones de “Motivo de Consulta” y el grupo de teatro del Club River Plate.

Como docente ha trabajado en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático, en cursos particulares de Actuación y en talleres de Montaje de Obras desde 1990 hasta la actualidad, en el Rojas y en la UBA.

Ha sido y es Coach de distintas personalidades de la cultura, la actuación, la música y la política.

PRENSA

Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com

LOS BESOS QUE NO DIMOS UNA OBRA ESCRITA Y DIRIGIDA POR GABY GAVILA

Los besos que no dimos es una obra escrita y dirigida por Gaby Gavila, que se presentará los viernes a las 21:00 h. en La Sodería – Espacio Artístico Fabril (Vidal 2549, CABA) a partir del 10 de abril. Las entradas están disponibles a través de las redes sociales del espectáculo o en Alternativa Teatral.

La obra se estructura en torno a las historias y testimonios de sus intérpretes, que se entrelazan para crear un tapiz emocional atravesado por la complejidad de las relaciones humanas. A partir de una investigación cualitativa y un proceso de creación performática, el material escénico identifica patrones, temas y emociones comunes que se transforman en un

espectáculo íntimo y, al mismo tiempo, universal. En escena actúan Martin Armendariz, Lautaro Barani, Sofía Biga, Fede Cabello, Francisco Caltabiano, Mailen Di Gaetano, Delfina Figueroa, Marcos Luquin, Nancy Meijide, Daiana Pavón, Liza Polo, Leandro Sturla y Alexander Xavier Pérez, quienes construyen una propuesta coral donde lo personal se vuelve colectivo y lo individual encuentra eco en la experiencia del otro.

Los besos que no dimos invita al público a sumergirse en una experiencia sensible, donde los vínculos, los silencios, las ausencias y aquello que no llegó a suceder encuentran en la escena un espacio de resonancia y reflexión.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia y Dirección: Gaby Gavila

Actúan:

Martin Armendariz

Lautaro Barani

Sofía Biga

Fede Cabello

Francisco Caltabiano

Mailen Di Gaetano

Delfina Figueroa

Marcos Luquin

Nancy Meijide

Daiana Pavón

Liza Polo

Leandro Sturla

Alexander Xavier Pérez

Asistencia de dirección: Matt C

Diseño gráfico: Leandro Sturla

Prensa: Kevin Melgar

ESTRENA La imaginación enferma

El teatro en un campo de batalla entre la verdad y la falsedad

Con dramaturgia y dirección de Marcelo Savignone, la Compañía Cuerpos estrena La imaginación enferma

Con dramaturgia y dirección de Marcelo Savignone, el sábado 4 de abril se estrena La imaginación enferma, una obra de la Compañía Cuerpos que irrumpe en el escenario para interpelar al teatro desde el mismo teatro. Funciones todos los sábados de abril y mayo a las 17 h en el Teatro del Pueblo

(Lavalle 3636). Entradas en Alternativa.

SINOPSIS

Es una obra que tensiona el drama moderno, cuestiona sus formas, denuncia su complacencia y plantea una crítica feroz al rol pasivo del arte frente a la hipocresía social.

En plena representación de Un enemigo del pueblo de H. Ibsen,

emerge un gesto disruptivo que saca al espectáculo de su cauce y lo enfrenta con su propia farsa. El teatro como ejercicio inútil frente a los tiempos que corren. La obra intenta exponer las costuras ideológicas del drama burgués, sus inicios y sus herencias.

A través del colapso escénico, La imaginación enferma convierte al teatro en un campo de batalla entre la

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verdad y la falsedad, entre el acostumbramiento del espectador/a y la necesidad de hacer del arte una praxis activa. Un ejercicio filosófico.

FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA

Autor:

Marcelo Savignone

Actúan:

Leandro Arancio

Milagros Coll

Sofía González Gil

Valentín Mederos

Guido Napolitano

Belén Santos

Tatiana Sarbia

Marcelo Savignone.

Selección musical:

Compañía Cuerpos

Escenografía:

Compañía Cuerpos

Vestuario:

Compañía Cuerpos

Vestuario de la commedia dell’arte:

Alfredo Iriarte y Gabriela Guastavino

Máscaras, objetos y accesorios: Alfredo Iriarte

Gabriela Guastavino Coreografía:

Marcelo Savignone

Belén Santos

Diseño de iluminación: Marcelo Savignone

Colaboración en diseño de iluminación: Fernando Raíces

Asesoría en arte:

Marlene Lievendag

Diseño gráfico: Mr. Ed Edgardo Carosia Fotos:

Cristian Holzmann

Redes:

Florencia Gerez

Prensa:

Marisol Cambre

Asistencia y colaboración artística: Lucia Revello

Concepción y dirección: Marcelo Savignone

FUNCIONES

Sábados – 17 h

Teatro del Pueblo

Lavalle 3636 CABA

Duración: 70 minutos

Entrada general: $24.000

Estudiantes y jubilados: $20.000

Hasta el 23 de mayo

PRENSA

Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com.ar www.marisolcambre.com.ar

REESTRENO CAMPERA

Una obra sobre la muerte y la extraña sensación de estar vivos

CAMPERA se presenta los viernes a las 21 h en Planta Inclán, Inclán 2661, Parque Patricios, CABA. Obra ganadora del Premio Estímulo a la Escritura de la Fundación Proa 2023.

¿Qué sucede cuando la muerte deja de ser un acontecimiento lejano y se instala, sin aviso, en la cotidianeidad? ¿Qué pasa cuando lo que más duele se vuelve conversación, repetición, escena?

CAMPERA propone un viaje íntimo y, a la vez, profundamente lúdico hacia esos interrogantes. Con una poética atravesada por el humor y el absurdo, la obra se sumerge en el misterio de la muerte para, paradójicamente,

iluminar la experiencia de vivir.

Sofía siente una profunda depresión de departamento: vive con un perro que habla y cerca de un vecino que molesta. Cuando está a punto de saltar del balcón, aparece Campera, su hermano muerto. Con su llegada, la realidad se vuelve un bucle: recuerdos, interrupciones y la hora clavada en las tres. Lo no dicho toma cuerpo y la muerte se queda para charlar.

FUNCIONES

Viernes 21h. PLANTA INCLÁN

Inclán 2661, Parque Patricios, CABA.

Localidades $17.000 2x $30.000 hasta agotar stock

Adquirí tus entradas en la boletería del teatro ó desde la web

Rocío Muñoz —dramaturga, codirectora y actriz— parte de la experiencia personal para construir una ficción que trasciende lo autobiográfico:

“La muerte fue algo que siempre me interesó. Si bien Campera nació a partir de los autorretratos fotográficos de mi hermano que murió a los 28 años, era un tema que quería explorar más allá de mi relato personal. Supongo que es por el misterio y, a la vez, la certeza que encierra; sabemos que nos va a pasar, pero no sabemos cuándo ni cómo. Nos rodea constantemente, pero nos cuesta nombrarla. Esas ironías me parecían divertidas,

por eso quise llevarlas al centro de la escena desde el humor y el absurdo (…) Voces que me permitieron abordar el tema desde un lugar más lúdico y así poder iluminar la gracia y el sinsentido de las cosas que más nos duelen”.

En escena, ese universo se materializa a través de personajes tan inesperados como entrañables: un perro que habla, un vecino insistente y presencias que irrumpen desde otro plano, configurando un espacio donde lo real se desarma y se reconfigura constantemente.

Por su parte, Natali Aboud, codirectora de la obra, comparte: “Si bien Campera habla de cómo es morir, también se pregunta cómo es vivir. El personaje de Rocío Muñoz (Sofía) encarna esa pregunta. Está paralizada ante la vida, atrapada en un loop de malestar y desidia. Ese estado fue uno de los aspectos que más me interesó trabajar en la puesta. Quise profundizar en esos modos alterados que nacen del encierro y la soledad, en esa imposibilidad de actuar que desdibuja el deseo y el impulso vital. Sofía habita un tiempo detenido, repetitivo, casi suspendido: una noche infinita en la que vivir se vuelve tan misteriosa y desafiante como la idea de morir.”

CAMPERA. Una obra sobre la muerte, el absurdo y la extraña experiencia de estar vivos.

FICHA TÉCNICA:

Elenco: Julián Larquier, Alejandro Russek, Juan Risso y Rocío Muñoz

Dramaturgia: Rocío Muñoz

Dirección: Natali Aboud y Rocío Muñoz

Diseño de Escenografía y Vestuario: Mariu Fermani

Diseño de Luces: Josefina Soria

Asistente de Dirección y

Asesoría de Texto: Violeta Sticotti

Asesoría Musical: Veronica Gerez y Baltazar Oliver

Fotografía: Nacho Lunadei y Justo Dell Acqua

Co producción: Planta Inclán

Más Prensa: Cecilia Dellatorre y Analía Cobas

MINI BIO:

Rocio Muñoz (dramaturgia y dirección) es dramaturga, actriz y directora. Su trabajo recorre los lenguajes del teatro, cine y narrativa. Se formó con profesores como Nora Moseinco, Francisca Ure y Federico Leon en actuación. Actualmente estudia Licenciatura en Artes de la Escritura en la Universidad Nacional de las Artes. En teatro actuó en Hollyfood, Turma, Perdimos Todo y La Volcán y participó en series como Los Mufas, además de otros proyectos cinematográficos. Fue

guionista y actriz en La Niña Elefante, serie premiada por la Bienal Arte Joven en 2015. En 2023 recibió el Premio Estímulo a la Escritura de la Fundación Proa por su obra Campera.

Natali Aboud (directora) estudia Licenciatura en Artes de la Escritura en la Universidad Nacional de las Artes. Escribió y dirigió obras de teatro como La Volcán (2024) y Todos los días estoy aburrida y lloro, diarios tempranos (2019-2023), ganadora de la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes y en el 2023 declarada de Interés para la promoción de los Derechos de las Mujeres y Diversidades por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. Única (2017) y El Guerrero Amable (2016). En el 2023 publicó su primera novela Sierra Nevada por la editorial Socios Fundadores. Publicó cuentos y relatos. Organiza ciclos de lecturas en distintos espacios culturales de la ciudad.

Ph. Nacho Lunadei PRENSA

Lic. Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Lic. Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com

ESTRENO 3 DE MAYO A LAS 17 H.

El otro Ulises

Los domingos a las 17 horas en Ítaca - Complejo Teatral (Humahuaca 4027) se presenta “El otro Ulises”, del novelista y dramaturgo Nerio Tello, con dirección de Cristina Miravet.

Se trata del estreno de una pieza que revela con emoción y humor el poder de los vínculos sensibles; de cómo una relación fortuita puede revertir el desánimo y ver

resurgir algo distinto. Porque -a fin de cuentas- como dice el personaje del escritor, “desear es una forma de la felicidad”.

¿La visita inesperada de una joven puede trastocar, movilizar y activar la vida de ese contrariado y solitario autor embarcado en un proyecto literario ambicioso que indaga en un interrogante de Borges? La respuesta, en la inquieta trama de “El otro Ulises”,

es un jugoso contrapunto de dos personajes en una convivencia que termina resultando entrañable.

El tipo es estructurado y cargado de pasado. Ella, una chica, fresca, histriónica y con buen humor que irrumpe y desordena la desazón del protagonista. Poco a poco, el ping pong de palabras, sentimientos y actitudes encaja en otra realidad,

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que deja de ser incómoda… porque las vivencias, recuerdos y sobresaltos movilizan nuevos resortes en esa cotidianeidad.

En esta obra, Nerio Tello -novelista, actor, director de cine y docenteexplora tanto en los matices como en las profundidades de las relaciones personales; cuestiona y reflexiona apelando al humor y el amor.

Por su parte, Cristina Miravet, con una extensa carrera como directora, actriz y dramaturga, apela al juego interpretativo de los actores para plasmar la esencia de la pieza.

En tanto que Melody Llarens y Hugo Mouján, de reconocida trayectoria escénica, se

sumergen apasionadamente en sus personajes y brindan una elevada expresión para dar rienda suelta a las emociones que plantea el relato.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Autoría: Nerio Tello

Actúan:

Melody Llarens, Hugo Mouján Vestuario: Victor Anakarato

Escenografía:

Grupo La Taperola

Iluminación: Cristina Miravet

Redes Sociales:

Melody Llarens Fotografía y Prensa: Victoria Hermelo

Diseño gráfico:

Hugo Mouján

Entrenamiento vocal: Maite Mouján

Producción ejecutiva: Cristina Sisca

Asistencia de dirección: Elizabeth Ocampo

Dirección: Cristina Miravet

FUNCIONES

Ítaca – Complejo Teatral Humahuaca 4027 - CABA

Domingos 17 H. @elotroulises

Entradas por Alternativa Teatral: https://publico.alternativateatral. com/

CONTACTO DE PRENSA

Elizabeth Ocampo elotroulises@gmail.com

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“EXPEDIENTE

1492. LA ÚLTIMA CONFESIÓN DE COLÓN”

De Santiago Ferrigno y Mariano Cossa

Sobre textos de «El arpa y la sombra» de Alejo Carpentier

“Expediente 1492. La última confesión de Colón” es un texto teatral escrito a partir de fragmentos del libro “El arpa y la sombra” de Alejo Carpentier.

Cuenta la historia de un intento de canonización que el Vaticano impulsó, a fines del siglo XIX, de la figura del Almirante Cristóbal Colón.

A partir de la novela que Alejo Carpentier crea tomando este hecho (entre otros) hemos propuesto una ficción en la que dicha postulación es llevada a cabo como un juicio oral, tomando al público como jurado, que incluso deberá votar al final de la obra, aprobando o desaprobando la propuesta.

Finalmente, después que el público emita su voto, todo quedara en manos de un Monje, director de la Lipsanoteca del Vaticano, que será quien cuente los sufragios y determine el futuro del alma del Almirante, según designios que sólo él conoce.

FICHA TÉCNICA

Autores

Santiago Ferrigno

Mariano Cossa

Intérpretes:

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Sandra Antman

Norberto Gonzalo

Alfredo Noberasco

Asistente De Dirección:

Lucía Ferrigno

Diseño Y Realización de vestuario:

Mariela Daga

Diseño De Escenografía: Mariela Daga

Realización De Escenografía: Santiago Ferrigno

Diseño De Luces: Santiago Ferrigno

Diseño Sonoro: Mariano Cossa

Fotografía:

André Ballesteros

Diseño Gráfico: Eugenia Ghiselli

Prensa: Adriana Schottlender

Redes: Lucía Ferrigno

Producción: Km90

Dirección: Mariano Cossa

ESTRENO SÁBADO 9 DE MAYO 21h.

CC Cooperación

Corrientes 1543 CABA

@centroculturaldelacooperacion @expedientecolon.obra @adri.schottlender @marianocossa @santiagoferrigno9698 @norbertogonzalo3 @alfredonoberasco @antmansandra

PRENSA

Adriana Schottlender adrischottlender.prensa@gmail. com

Temporada 54 de un éxito histórico | TEATRO EMPIRE LA LECCIÓN DE ANATOMÍA

de Carlos Mathus

La Lección de anatomía, de Carlos Mathus, celebra los 54 años de su estreno. La obra marcó un importante giro en el teatro argentino y fue objeto de polémicas y censura por el desnudo inicial de todo el elenco. Estrenada en 1972, estuvo en cartel de manera ininterrumpida hasta 2008, en Argentina, Uruguay, Paraguay, Venezuela, Chile, Brasil, España

y el festival de Gaz, en Austria. Esta permanencia de 36 años en cartel la muestra como el mayor éxito de nuestro teatro.

En 2017, el director, actor, autor y productor Antonio Leiva, miembro del elenco original de La lección de anatomía, la repuso en el Teatro Empire de Buenos Aires, luego del fallecimiento de Carlos Mathus.

Desde el 2017 hasta el 2023 fue representada con la dirección de Leiva en Argentina y Uruguay. En 2022/2023 celebró su 50 aniversario en el Multitabaris y Multiteatro Comafi, realizando temporada de miércoles a domingos.

Varias generaciones de espectadores se han emocionado con esta obra

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y muchos han vuelto a verla trayendo a sus hijos y a sus nietos. Esto fue posible porque la pieza, concentrada en aspectos generales de la naturaleza humana, no ha perdido vigencia y está más fuerte que nunca.

¡TEMPORADA 2026!

¡NUEVAS FUNCIONES!

SÁBADOS A LAS 20.30 HORAS

Teatro Empire

Hipólito Yrigoyen 1934

Entrada general $20.000

En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Autor: Carlos Mathus

Dirección general: Yamila Gallione

Actúan: Marcos López

Camila Vaccarini

Franco Genovese

Cristian Frenczel

Agustina Sena

Omar Ponti

Natalia Duzdevic

Asistente en escena: Sebastian Pérez Tetamanzi

Música original: Melina Otero

Martín Sciaccaluga

Coreografía: Carlos Mathus

Realización de vestuario: Antonio Leiva

Mirta Liliana Palacio

Diseño de luces:

Antonio Leiva

Stefany Briones Leyton

Operación de luces: Pablo Barbetta

Técnico: Miguel Ángel Segovia

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Cristian Frenczel

Producción ejecutiva: Anggie Zamora Valladares

Cristian Frenczel

Cesar Mathus

Producción general:

Antonio Leiva

Duración: 90 minutos

PRENSA

Mutuverría

info@mutuverria.com

SÁBADOS 20HS EN EL PORTÓN DE SÁNCHEZ

"LOS FANTASMAS DE FABIANA"

Un amor que regresa como fantasma.

Una obsesión persiste: conseguir lo que se desea cuando la vida parece negarlo.

El pasado sábado 18 de abril a las 20h. reestrenó en El Portón de Sánchez la obra escrita y dirigida por Florencia Rebecchi. Entradas por Alternativa Teatral.

En un universo absurdo de audiciones, la necesidad de ser mirada, elegida, reconocida, se vuelve extrema. Pruebas infinitas donde lo patético se vuelve expresionista. La exposición, las expectativas, la ilusión y todo lo que uno proyecta al enfrentarse a ese momento de evaluación y deseo, en un mundo atravesado por la exigencia constante del éxito.

¿Hasta qué punto estamos dispuestos a exponernos en una audición con tal de conseguir un papel?

La obra transita vínculos fallidos, viajes para olvidar y soledades pobladas de espectros. ¿Cuánto tiempo debe pasar para olvidar a alguien?

Entre el absurdo y la ilusión, late una esperanza: la de encontrar sentido en medio del caos.

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PALABRAS DE FLORENCIA

REBECCHI, DIRECTORA Y DRAMATURGA

El material nació en 2021, en el marco de un taller de monólogos, y con el tiempo

fue creciendo el deseo de transformarlo en una obra. Llegado un momento, todos los materiales comenzaron a conectarse entre sí, y de la misma manera, la obra empezó a llamarme a mi.

Nos interesa como compañía su carácter existencialista, el tono expresionista, y el mundo absurdo que retrata: Las audiciones como un territorio de exposición sin límites, y los vínculos amorosos fallidos que parecen extenderse infinitamente en el tiempo. Nos conmueve como el texto aborda esa sensación de que la

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vida no siempre nos da lo que queremos.

El principal atractivo del texto radica en su capacidad para combinar sensibilidad y humor, en una clave donde lo patético adquiere un tono expresionista.

FICHA TÉCNICO - ARTÍSTICA

Autoría: Florencia Rebecchi

Actúan: Juan Manuel Barrera

Daryna Butryk

Vestuario:

Jacqueline Maquieira

Escenografía:

Jacqueline Maquieira

Técnico de escenario:

Ramiro Casalla

Arte:

Jacqueline Maquieira

Diseño gráfico:

Jacqueline Maquieira

Asistencia de dirección: Lucía Andrada

Prensa:

Pablito Lancone

Dirección: Florencia Rebecchi.

FUNCIONES: Sábados 20h.

El Portón de Sánchez Sánchez de Bustamante 1034 (CABA)

Entradas en boletería del teatro o por Alternativa.com

@losfantasmasdefabiana

PRENSA

Pablo Lancone pablolancone@gmail.com

Teatro/ Estreno 2026 PROYECTO BERTA

Unipersonal interpretado por María Seghini, con textos de Sonia Novello, Marcelo Valerga y Dirección de Faty Arahuete.

Una mujer sostenida por sus amados perros. Un relato fragmentado sobre la invisibilidad, la soledad y la resistencia.

¿Podremos ver a quienes nos observan sin ser vistos?

FUNCIONES

Estreno: domingo 3 de mayo a las 20 h

Domingos a las 20 h

El Callejón

Humahuaca 3759 CABA

Entradas por Alternativa Teatral

SOBRE LA OBRA

Berta atraviesa una situación

límite tras haber sufrido un

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desalojo, lo que la obliga a sobrevivir en un contexto de extrema precariedad. Mientras subsiste rodeada de indiferencia, vemos su mundo oscilar entre lo real y la fantasía. Berta no es solo una rescatista; es un ser humano a quien “le pasan cosas”: sufre dolores físicos por la humedad, lidia con deudas y enfrenta la soledad, buscando desesperadamente ser vista. Se ha volcado por completo al rescate de animales, a los que considera su verdadera y única familia. En ellos encuentra la nobleza y lealtad que no halla en las personas.

Las sombras del pasado atraviesan el relato, que reconstruye su historia mediante

recuerdos dolorosos. La irrupción de Hugo Roberto despierta en ella una mezcla de autoridad y una sutil necesidad de afecto.

Sin embargo, el descubrimiento de que solo fue una ilusión la lleva a encerrarse, aferrada a sus animales como último vínculo con la vida.

DICEN LOS AUTORES: SONIA NOVELLO y MARCELO VALERGA

“Lejos aullidos cerca” fue el primer cuento que escribió Sonia, inspirado en una mujer anciana, real, que admira por su amor abnegado a los perros callejeros. Yo (Valerga), impactado por la interpretación

de María Seghini en “Juana la loca”, le había dedicado un dibujo en mi blog (@ teatrodibujado) y esto dio inicio a un intercambio de recomendaciones teatrales.

Un día María consultó sobre un material para volver al unipersonal y le hablamos de los cuentos de Sonia. Seghini se vio cautivada por el personaje de Berta y así empezamos a adaptarlo para la escena. Convocamos a Faty Arahuete como directora y ambas, desde sus roles, trabajaron sin parar en los ensayos. No se conocían de antes, pero juntas fueron pura potencia creativa.”

DICE LA DIRECTORA: FATY ARAHUETE

“Dirigir Proyecto Berta está profundamente alineado con mi necesidad de llevar a escena personajes de extrema vulnerabilidad. Berta es una mujer sostenida por los ladridos; su pasado la acecha y su imaginación le permite resistir. Nos permitimos poner en escena aquello que muchas veces elegimos no mirar: las vidas que quedan por fuera de lo visible, para hablar de los invisibilizados. La obra enternece, incómoda y desafía”.

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA

Dramaturgos: Sonia Novello

Marcelo Valerga

Actriz:

María Seghini

Vestuario:

Marcela Basso

Escenografía: Marcela Basso

Marcelo Valerga

Diseño de Luces:

Juan Ignacio Sandoval

Diseño Sonoro:

Faty Arahuete

Fotografía: Pablo Garber

Ilustración Berta Niña:

Aurelia Iriart Villafañe

Producción:

Marisa Garrigó

Asistente de Dirección:

Yolanda Dunn

Dirección: Faty Arahuete

Prensa:

Paula Simkin

Sonia Novello

Actriz, Dramaturga. Buenos Aires, 1968. Tiene una vasta formación como actriz. Además estudió escritura teatral con Alejandro Acobino, Ramiro Guggiari, Luz Lassizuk, Alfredo Allende. Realizó talleres de escritura con Carolina Sturla, Laura Fernández, Mauricio Kartun, Mariana Mazover, Nacho Bartolone y Mariano

Tenconi Blanco. Todas sus obras dramáticas fueron representadas en distintos teatros.

También participó de talleres de dramaturgia con Alfredo Allende y Carolina Mazzaferro. Escribe cuentos y crónicas. Su cuento “Lejos aullidos cerca” resultó finalista en el Concurso APAIB.

Algunos de sus escritos son publicados en la revista “Damiselas en apuros” que dirige

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Moira Soto, y en su blog personal “Heroína del destino”.

Marcelo Valerga. Buenos Aires 1968.

Estudió y se sigue formando en dibujo, dramaturgia, dirección, iluminación y diseño/ realización de escenografía. Es creador del blog @teatrodibujado

Entre sus principales maestros se encuentran Alfredo Allende, Mariano Calligaris, Gustavo Pelaez, Flavia Sferco, entre otros. Actualmente cursa los talleres “Traducciones lumínicas,, del pensamiento a la luz “ e “Instalaciones lumínicas” ambos en la UNA. ( Universidad Nacional de las Artes).

También realizó estudios de música, ingeniería y carpintería. En 2026 estrenó como director ESCRUCHANTES ATR, obra de su autoría en la que también realizó la escenografía y diseño sonoro.

María Seghini

Actriz, directora y docente con una destacada trayectoria en el teatro independiente argentino. Su trabajo se caracteriza por una fuerte impronta poética y una profunda investigación en el unipersonal, formato en el que ha recibido especial reconocimiento. Fue nominada a los Premios ACE 2022 y a los Premios Trinidad Guevara 2021 y Premios Paolo por su labor en “Juana la Loca”, espectáculo que consolidó su presencia en la escena por su intensidad interpretativa y su construcción escénica.

Se formó con reconocidos u

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maestros como Agustín Alezzo, Juan Carlos Gené, Manuel González Gil y Sergio Amigo, y complementó su entrenamiento con técnicas como Meisner, Suzuki y Viewpoints, además de estudios en dirección, dramaturgia y actuación frente a cámara.

Como actriz, ha participado en diversas producciones teatrales, entre las que se destacan “Juana la Loca”, Flores arrancadas a la niebla”, “Mi querida” de Griselda Gambaro, “Los datos personales”, “Granada, tu recuerdo me quema”, “La familia Ruttini” y “Emilia recuerda”, entre otras.

En su rol como creadora, es coautora del espectáculo “Sin pies ni cabeza” y directora de “Ropa sucia (Electra)”. Además, es socia fundadora de la compañía “La cabeza del jabalí”, orientada a la investigación y puesta en escena de textos shakespearianos.

Su trabajo también se extiende al ámbito audiovisual, con participaciones en cine, televisión y proyectos de streaming. Paralelamente, desarrolla una sostenida labor docente en

la Provincia de Buenos Aires, formando actores y promoviendo espacios de investigación teatral. Su recorrido artístico conjuga actuación, dirección y pedagogía, consolidando una voz propia dentro del teatro contemporáneo independiente.

Faty Arahuete Originaria de Tucumán y radicada en la Ciudad de Buenos Aires desde 2005, es una creadora escénica que habita el cruce entre la actuación, la dirección, la producción y la investigación académica. Su identidad artística se forjó en la Universidad Nacional de Tucumán, donde se graduó como Intérprete Dramática, y se expandió en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), donde se formó como Directora Teatral y se encuentra finalizando la Licenciatura en Dirección. Su mirada como directora se nutre de una búsqueda integral: conjugar la sensibilidad del intérprete con una construcción del espacio dramático que sea técnica y estéticamente profunda. En este camino, ha sido guiada por referentes como Marcelo Velásquez, Laura Fernández, Analía Fedra y Maiamar Abrodos, entre otros, desarrollando una praxis que prioriza la dramaturgia contemporánea y el compromiso social. Sus últimos trabajos de dirección, como “Los manicomios están llenos de sueños” (20242026), reflejan su interés por abordar temáticas urgentes como la salud mental. Otras como “El precio internacional del mango”, “Freak Show”, “Espejismo de una

drag en botines” y la performance “Estar mujer”. Como actriz, su trayectoria funciona como un puente entre los clásicos y la experimentación. Desde sus inicios en el Noroeste Argentino con obras como Ubú Rey (premiada), “300 millones” de Arlt y “Amor de Don Perlimplín...” de Lorca, hasta su presente en la escena independiente de CABA en salas como el Teatro del Pueblo con Elisa Llora, el Patio de Actores con Amanda y Eduardo (adaptación de Patricia Zangaro) y Espacio Tucumán, relatando “Mitos y leyendas del Norte Argentino”. Esta versatilidad se extiende al plano audiovisual, donde recientemente formó parte del elenco de la película Somos Belén, dirigida por Dolores Fonzi para Amazon Prime, y protagonizó diversos cortometrajes y piezas publicitarias (Banco Macro, 2026).

Su labor no se agota en el escenario. Entiende la creación como un acto de responsabilidad política y académica; por ello, colabora en el Grupo de Investigación sobre Cuerpo, Género y Performance, liderado por Alcira Serna y María Marta Hovhannessian. Es gestora de sus propios mundos. Desde la producción de sus montajes hasta la dirección de actores, busca un teatro que, además de conmover, funcione como un espacio de pensamiento crítico y transformación.

PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com 114 MiráBA

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Llega

a la Argentina con el protagónico de Nazareno Casero y dirección del Indio Romero

«Bebé Reno”

El unipersonal de Richard Gadd l¡La obra más esperada!

A desde el pasado martes

28 de abril, llegó a Buenos Aires una experiencia teatral única e impactante: “Bebé Reno”, una obra que ha revolucionado el escenario teatral contemporáneo.

Escrita y protagonizada por el aclamado dramaturgo escocés Richard Gadd, esta pieza autobiográfica aborda temas íntimos y universales, explorando lo que significa ser humano en su forma más pura y vulnerable.

Nazareno Casero interpretará a Richard en la versión local de “Bebé Reno”, con dirección del Indio Romero. La puesta estará enfocada en la dimensión íntima del texto y en el desarrollo emocional del personaje.

La icónica sala Pablo Neruda del Paseo la Plaza se convierte en el escenario perfecto para esta obra. Con su atmósfera cálida y acogedora, los espectadores se verán envueltos en la narrativa, convirtiéndose en parte de una propuesta escénica que pone el foco en la proximidad con el público.

¿De qué trata “Bebé Reno”?

En un viaje audaz entre la comedia y la tragedia, Richard

Gadd se sumerge en su propia vida, compartiendo relatos que son, a veces, brutales y perturbadores, y otras, sorprendentemente reflexivos. La obra construye un relato que pone en escena experiencias atravesadas por la vulnerabilidad y la exposición.

“No quiero que la gente salga

de aquí sin haber sentido algo“, dijo Gadd sobre su obra. Esta es tu oportunidad para experimentar “Bebé Reno” en su formato original y dejarte llevar por un torrente de emociones. El espectáculo que cuenta con la producción de Juan Pelosi, Quality Entertainment y Maximiliano Córdoba, se presentará todos los martes con función a las 20.30 horas en la sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza. Las entradas estarán disponibles en la boletería del teatro y a través de www.Plateanet.com

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Martina Lemos

Productora General y Comercial mar@agenciacoral.com.ar

ESTRENO

2026 - Espacio Callejón - Valeria Camino dirige "RUIDO DE MAR"

Amores inesperados y el incesante sonido de la marea.

En un pequeño pueblo costero de la Patagonia, Paulo vive atrapado en el recuerdo de su hermano desaparecido en el mar. Cuando decide vender su casa y marcharse para siempre, la llegada de un joven maestro que quiere abrir una escuela en el lugar y de una empresaria decidida a transformar el pueblo sacuden su destino.

Entre marineros entrañables, amores inesperados y el incesante sonido de la marea, “Ruido de mar” es una historia emotiva y luminosa sobre segundas oportunidades, despedidas necesarias y el coraje de volver a empezar.

FUNCIONES

SÁBADOS A LAS 19.30 HORAS

Espacio Callejón

Humahuaca 3759 CABA

Entradas desde $20.000 En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia:

Hernán Molina

Dirección y puesta en escena:

Valeria Camino

Actúan:

Gustavo Bayley (Paulo) Lucas Tamer (Jorge)

Federico Ventosa (Marinero René)

Bayley y Facundo Leyrado - Paulo y Ulises.

Alejandro Ríos (Marinero Goyo)

Juli Figueroa (Fonseca / Relator)

Azul Hermo (Clara)

Juan Fernando Richat (Beto)

Juan Manuel Oviedo (Capitán Aondi)

Lulai Paulini (Andrea)

Diseño de escenografía:

MiráBA 116

116 MiráBA

Equipo de RUIDO DE MAR.

Julia Seras Rodríguez

Diseño de iluminación:

Paula Fraga

Diseño de vestuario:

Julia Seras Rodríguez

Música original:

Juli Figueroa

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Producción:

Macarena Riesco, Kike Greco

Realización de escenografía:

Arturo Padial

Julia Seras Rodríguez

Shirly Weicman

Asistencia de escenografía y vestuario:

Shirly Weicman

Asistencia de dirección: Kike Greco

Duración: 75 minutos

@ruidodemar.obra ·

SOBRE LA DIRECTORA

Valeria Camino es directora, actriz y docente. Egresada de la EMAD como Técnica en Puesta en escena y Técnica en Actuación. Extendió su formación con varios maestros reconocidos del teatro a nivel nacional e internacional. Hoy es

parte de la Compañía Callejón bajo la dirección de Javier Daulte. Sus últimas creaciones como directora fueron “Dulce o amargo” en Timbre 4 y “Verona” en Teatro NÜN. Su última obra cómo intérprete fue “El Sonido” de Javier Daulte en Espacio Callejón. Valeria es creadora y directora de Camino del arte, su escuela de formación actoral con más de 15 años de trayectoria.

PRENSA

Mutuverría PR info@mutuverria.com

ESTRENO SÁBADO 2 DE MAYO TROPICO DE VIDRIOS

Unipersonal dirigido por Mario Moscoso

TRÓPICO DE VIDRIOS se presenta desde el Sábado 2 de mayo a las 18h en el Teatro El Exentrico de la 18º, Villa Crespo,CABA. Protagonizada por Hernán Schifano con dirección de Mario Moscoso y música en vivo de Elsa Cecilia González Bolia. La pieza ensaya una respuesta poética a las problemáticas de la condición humana de ayer y de hoy.

“¿Cuánto podés sostener lo que te pasa por dentro?”

Bajo esta premisa, “Trópico de Vidrios” reúne textos poéticos y teatrales de grandes autores clásicos como William Shakespeare, Federico García Lorca, Pedro Calderón de la Barca, Miguel de Cervantes, Antonio Machado, Miguel Hernández y Francisco de Quevedo.

Los textos seleccionados recorren los grandes temasenigmas de la humanidad: la vida, la muerte, el alma, el amor, el odio, la codicia, la juventud y la vejez. El conocimiento del alma humana que poseen estos autores nos introduce en los misterios del universo y alcanza una dimensión tan profunda que confronta con nuestros propios límites a la hora de abordar aquello que nos constituye: la

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vida, las alegrías y penas de amor, la soledad, el poder, el paso del tiempo y la muerte.

Protagonizada por Hernán Schifano y con dramaturgia y dirección de Mario Moscoso, la obra construye

una experiencia escénica donde la palabra es el eje central. A partir de una cuidada selección de textos, la pieza propone un recorrido sensible por distintas dimensiones de la condición humana, tendiendo un puente

entre las problemáticas del pasado y las tensiones del presente.

“Lejos de quedar anclados en el pasado, estos textos revelan una potencia actual arrolladora: resuenan con fuerza en el presente, interpelando nuestras formas de vincularnos, de pensar y de habitar el mundo.” afirma Hernán.

En un contexto contemporáneo atravesado por la deshumanización, la mercantilización y el individualismo, “Trópico de Vidrios” pone en valor la importancia de los vínculos y la potencia transformadora de la poesía. La obra se vale de la fuerza de estos autores para interpelar al espectador y abrir preguntas sobre aquello que nos constituye como sociedad.

“El tratamiento de la palabra se despliega desde el cuerpo y la voz del actor, quien transita con intensidad la vehemencia, la musicalidad y la profundidad de cada texto. Voz, gesto, emoción y pensamiento se conjugan en una interpretación que busca hacer propia la urgencia de comunicar.” cuenta Moscoso.

La propuesta se enriquece con música en vivo de piano y violín, que acompaña y potencia la experiencia escénica, generando una atmósfera poética que dialoga con cada palabra y cada silencio.

“Trópico de Vidrios” entiende al teatro como un espejo del tiempo: un espacio donde es

posible penetrar en lo más profundo de las pasiones humanas -el amor, la traición, la locura, los sueños, el conocimiento, la ambición y la desesperación- y, desde allí, intentar comprender una época atravesada por contradicciones y transformaciones.

Una obra que invita a detenerse, escuchar y dejarse atravesar por la palabra.

FICHA TÉCNICA:

Elenco: Hernán Gustavo Schifano

Musica en escena:

Elsa Cecilia González Bolia Prensa: Cecilia Dellatorre

Analía Cobas

Marketing:

Medios a tu Alcance

Producción General: u

Hernán Schifano

Equipo de Producción Artística:

Compañía La Escena Libre

Dirección y dramaturgia: Mario Moscoso

FUNCIONES

Sábados 18 horas

TEATRO EL EXCENTRICO DE LA 18º

Lerma 420, Villa Crespo, CABA. Localidades: $22.000.-

Descuento jubilados y estudiantes: $17.000.-

Adquirí tus entradas en la boletería del teatro ó desde Alternativa

MINI BIO:

Mario Moscoso / Director es un destacado actor y director argentino-español con una extensa trayectoria en teatro, cine y televisión. Ha participado en más de 90 ficciones nacionales e internacionales -muchas de ellas reconocidas con premios como el Emmy Internacional y el Martín Fierroincluyendo títulos como ATAV, División Palermo, El Tigre Verón, Monzón, Un gallo para Esculapio y Farsantes. En cine, formó parte de más de diez producciones, entre ellas El fútbol o yo, Un novio para mi mujer y El niño de barro, consolidando una presencia sostenida en la escena audiovisual.

En teatro, ha desarrollado una sólida labor como actor, director

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Hernán Schifano y Mario Moscoso.

e investigador, con especial enfoque en el teatro clásico y en verso. Dirigió y protagonizó múltiples obras sobre textos de William Shakespeare y otros autores fundamentales, y fue parte de producciones en espacios como el Teatro Nacional Cervantes y el Teatro San Martín. Fundador de proyectos y espacios teatrales, y miembro del American Zoetrope Studio -dirigido por Francis Ford Coppola-, su trayectoria combina creación, formación e investigación escénica, con una fuerte proyección internacional.

Hernán Schifano /Actor es un actor formado en el ámbito del teatro independiente, con una sólida trayectoria en teatro, cine y televisión. Se formó con reconocidos maestros como Augusto Fernandes y Carlos Gandolfo entre otros. Complementó su entrenamiento en comedia, actuación frente a cámara y casting con referentes como Emilio Tamer, Emiliano Romero, Claudio Ferrari y Mario Moscoso. Su recorrido artístico combina versatilidad y sensibilidad, abordando tanto el registro dramático como el humor.

En teatro ha participado en obras como Sueño de una noche de verano, La madre de la patria, Todo sobre la cama y Los Rinaldi: Herencia de humor, entre otras. En cine, integró diversos cortometrajes y la película Blue Lips. Además, se ha formado en producción y dramaturgia, desarrollando y gestionando sus propios proyectos, lo que amplía su perfil como creador dentro de la escena contemporánea.

MÁS PRENSA

Lic. Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Lic. Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com

ESTRENO DE “¿PARA QUÉ ME LO DECÍS?”

UNA COMEDIA ÁCIDA Y SIN FILTRO QUE LLEGA EN MAYO AL TEATRO PREMIER

Ya llega “¿Para qué me lo decís?”, una comedia ácida y contemporánea que pone en escena las contradicciones y el caos de los vínculos actuales. Con guión original y dirección de Martín Goldber, la obra marca además el debut teatral de James Cowan, Nicolás Etchebarne (@elgordoyelflako_) y de Mar Cosca (@maarcosca)

El próximo 1 de mayo a las 20 h. en el Teatro Premier estrena ¿Para qué me lo decís?, una obra fresca y divertida que expone, con humor y lucidez, las tensiones de los vínculos actuales: el miedo a la soledad, la dificultad de comunicarse hoy en día y la eterna pregunta de cuánto? —y para qué?— decir

lo que nos pasa. Una comedia generacional con un elenco joven y versátil compuesto por James Cowan, Nicolás Etchebarne y Mar Cosca.

Carla acaba de separarse y vuelve al mundo de las citas, mientras Luciano, su amigo de toda la vida, la acompaña a la distancia. Entre mensajes, silencios y malentendidos, nada es muy claro. Todo cambia cuando su ex reaparece con un pedido un poco exótico que los lleva a reencontrarse. Todo lo que parecía estar bajo control empieza a desarmarse, desenterrando verdades que nadie tenía pensado decir.

“¿Para que me lo decís? pone el

foco en la amistad, el amor y en cómo la vorágine actual atraviesa —y muchas veces atropella— los vínculos. En un contexto lleno de podcasts, terapias y discursos que invitan a conocerse, escucharse y decir lo que a uno le pasa, poner en palabras lo que sentimos sigue siendo, muchas veces, un pequeño gran caos”Martin Goldber

FUNCIONES

Teatro Premier Av. Corrientes 1565, CABA. Gran estreno: 1 de mayo 20 hs. y funciones todos los viernes a las 20 h.

Entradas a la venta por Plateanet y en boletería del teatro.

Duración: 60 minutos

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Agostina Luz López presenta en Zelaya UN PUNTO OSCURO

¿Cómo se reconfigura la vida cuando la figura del padre se diluye?

Luego de su presentación en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín, Agostina Luz López estrenó en la sala ZELAYA (Abasto) la segunda temporada de Un punto oscuro, con actuaciones de Amalia Boccazzi, Carolina Saade, Felipe Saade y María Villar. La obra puede verse los domingo a las 20 h en ZELAYA (Zelaya 3134). Entradas disponibles en Alternativa.

SINOPSIS

FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA

Intérpretes:

En una suerte de reversión de Mujercitas, tres hermanas asisten al final de la vida de su padre. Para mantenerlo unido al hilo de su existencia, le leen relatos que funcionan como espejos en los cuales su familia se refleja. La figura del padre se va desvaneciendo y las hermanas tejen una casa que las contiene mientras se preguntan por sus propios enigmas y buscan el camino de sus singularidades en esta nueva configuración familiar.

Amalia Boccazzi

Carolina Saade

Felipe Saade

María Villar

Vestuario: Mariu fermani

Escenografía:

Mariana Tirantte

Diseño de iluminación:

Alejandro Le Roux

Asistencia de dirección: Valentina Santelli

Colaboración autoral:

Ana Montes

Prensa: Marisol Cambre

Texto y dirección: Agostina Luz López

Una imagen: leerle textos, a la manera de Las mil y una noches, a un ser querido para mantener su último soplo de vida. Pero también para ayudarlo a pasar del otro lado. Los textos como medicina para cambiar el estado de nuestros cuerpos.

El ritual de la despedida es

la forma de estar de estas tres hermanas, que, ante la inminente partida de su padre, empiezan a hacerse preguntas, a elaborar teorías, a leer en voz alta textos, a tejer y a cantar canciones. Son las horas de la transformación, donde todos están un poco vivos y un poco muertos, donde el cambio está muy presente y, en ese pujante estado de incomodidad, una nueva forma de estar en la vida puede brillar.

¿Cómo se reconfigura la vida cuando la figura del padre se diluye? ¿Pueden los textos ser oráculos que nos sugieren respuestas para transitar este pasaje? En el umbral que se abre mediante los tejidos y las lecturas, los antepasados de esta familia se encuentran con los que están vivos. La capa que los separa es muy fina y, cuando se corre esa cortina, surgen nuevas maneras de vincularse.

Una pregunta acerca del corazón atraviesa toda la obra. El corazón como órgano que deja de latir cuando uno muere, pero también el corazón como sede de inteligencia y sabiduría, como ese lugar físico que revela nuestra vitalidad, como un espacio que vigila nuestros más íntimos secretos.

FUNCIONES

Domingos a las 20 h Espacio interdisciplinario

ZELAYA

Zelaya 3134, Abasto Duración: 60 minutos

Entradas: $22.000

Estudiantes y jubilados: $18.000 Hasta el 12 de julio

Agostina Luz López es escritora y directora de teatro. Sus obras exploran los vínculos entre los seres humanos atravesados por lo salvaje y la vulnerabilidad, y se caracterizan por ritualizar espacios liminales:

LAPLATA CABA

entre la vida y la muerte, la infancia y la adultez, la tierra y otros planetas, la ficción y la realidad. Escribió y dirigió Mi propia playa, La laguna, Los milagros, Animal romántico, Animal anterior, Jardín Fantástico, Un gigante rojo y Un punto oscuro. Sus obras se presentaron en salas y festivales de Argentina y del exterior, entre ellos Zürcher Theater Spektakel, Noorderzon, Dois Pontos, Royal Court Theatre y FITEI.

Recibió los premios Florencio Sánchez y S a la Creación, y fue nominada al ZKB

Patronage Prize. Publicó la novela Weiwei (NoTanPuan, 2017), el libro de relatos Otro planeta (Rosa Iceberg, 2021) y el volumen teatral Como un espejo (Mansalva, 2021). Dirige en Buenos Aires el espacio interdisciplinario ZELAYA.

PRENSA Marisol Cambre www.marisolcambre.com.ar

Teatro Armenia presenta los domingos a las 20 horas. "Prohibido matarse"

Una

obra de Tomás Masariche

Teresa está escribiendo una obra de teatro. Mientras lo hace, inesperadamente se ve obligada a enfrentar un proceso de diagnóstico médico. Una espera. La obra que escribe es tomada por completo por su coyuntura personal y convoca como actores a los protagonistas de su vida: su madre y su médico. Ninguno de los dos actuó alguna vez en sus vidas. Mientras los ensayos

avanzan y el diagnóstico no llega, Teresa se aferra a su obra como única forma de habitar la incertidumbre. La frontera entre la ficción y la vida se vuelve cada vez más difícil de sostener

FUNCIONES

¡ESTRENO 2026!

DOMINGOS A LAS 20 HORAS

Teatro Armenia Armenia 1366 CABA

Entrada general $25.000

Estudiantes y jubilados $20.000

Promoción: 4 entradas por $80.000

En venta por Alternativa Teatral FICHA TÉCNICA

Interpretes:

Almudena González

Adriana Ferrer

Walter Jakob

María Laura Alemán

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124 MiráBA

Composición musical:

María Laura Alemán

Diseño audiovisual:

Milagro de Catamarca

Diseño de vestuario:

Lara Sobel

Diseño de iluminación:

Leandro Orellano

Diseño escenográfico:

Catalina Napolitano

Tomás Masariche

Realización escenográfica:

Salvador Aleo

Colaboración en dramaturgia:

Eugenia Pérez Tomas

Fotografía:

Catalina Napolitano

Diseño Gráfico:

Patricio Vegezzi

Comunicación y prensa:

Mutuverría PR

Redes:

Macarena Villamayor

Natalia Bica

Agradecimiento:

Paola Delgado

Producción:

Horacio David

Marcelo Melingo

Asistencia de dirección:

Catalina Napolitano

Dramaturgia y dirección:

Tomás Masariche

Duración: 70 minutos

PALABRAS DEL DIRECTOR

Hace algunos meses me invitaron Horacio David y Marcelo Melingo a producir una obra para el Teatro Armenia. Lo vi como la oportunidad ideal para continuar con la heptalogía de pruebas de vida de mi proyecto

“Cuadernos del Triunfo”, proyecto en el que me propongo a lo largo de siete obras indagar sobre la vitalidad en un contexto nacional e internacional de crueldad sistematizada. Un proyecto que se pregunta una y otra vez: ¿Qué nos da vida? ¿Qué nos mantiene con vida? ¿Cuándo sentimos realmente que vivimos? Me aferré a un poema que encontré hace algunos años de una autora anónima que decía: “Vivir no es sólo respirar, vivir es amar con un sentido de ser, tener, gozar, pensar que mañana será maravilloso”. A mí hacer obras me da sentido, me hace sentir vivo. Escribir, dirigir, actuar son mis gestos vitales. Sin eso, no sé quién soy.

Me propuse entonces componer un tvshow ficcional que se proponía como consigna evitar el suicidio de sus televidentes y devolverles la vida. Apenas había escrito diez páginas cuando una noche empecé a sentir un dolor frío en el pecho. Terminé en la guardia pensando que podía ser algo pasajero pero no. Ahí comencé un proceso de diagnóstico, la incertidumbre y la espera fueron las protagonistas de mi vida. Y sin embargo decidí seguir creando esta obra. Dejé que la misma se transformara conmigo, decidí seguir contando, decidí, a partir de la escritura, sublimar toda la tristeza, la angustia y el desasosiego. Transformar algo de todo eso en una obra de arte que me devuelva a la vida a mí y a ustedes.

LAPLATA CABA

Es así como esta obra se convierte para mí en una nave de exploración que se conduce directo al centro de la vida.

Agradezco profundamente a todo el equipo de esta obra, a la producción, a mis amigxs y a mi familia por acompañarme tan amorosamente en este inesperado momento de mi vida y de mi obra, sin ustedes hubiera sido imposible.

Tomás Masariche

EQUIPO TEATRO ARMENIA

Dirección artística y producción ejecutiva:

Marcelo Melingo

Horacio David

Producción:

Guadalupe Casal

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Difusión y redes sociales: Macarena Villamayor

Natalia Bica

Diseño y fotografía: Patricio Vegezzi

Coordinador técnico: Boris Peñoñori

Operador de luces: Marcelo Aguilera

Escenario: Hernán Caleca

Boletería:

Guadalupe Casal

Asociación Cultural Armenia: Jorge Dolmadjian Florencia Milograna

PRENSA

Mutuverría PR info@mutuverria.com

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¡Estreno!

Sabrina Carballo llega al Paseo La Plaza con “Mal repartidas”

Una comedia ácida sobre hermanas y cuentas pendientes.

El pasado 23 de abril se sumó a la cartelera porteña¡Estreno! Sabrina Carballo llega al Paseo La Plaza con “Mal repartidas” Una comedia ácida sobre hermanas y cuentas pendientes.

El pasado 23 de abril se sumó a la cartelera porteña Mal repartidas, una nueva comedia que se presentará en la sala Concert del Paseo La Plaza, con funciones todos los jueves a las 20.30. La propuesta está protagonizada por Sabrina Carballo y pone el foco en uno de los vínculos más complejos de la vida familiar: el de las hermanas.

La obra sigue el reencuentro de Luz y Mora, quienes después de siete años vuelven a verse para firmar la herencia de su padre en una escribanía. Lo que comienza como un trámite formal rápidamente se transforma en un ajuste de cuentas, donde emergen reproches, silencios acumulados y recuerdos que nunca terminaron de resolverse. En ese contexto, ambas deberán enfrentarse a un pasado que sigue presente.

Sabrina Carballo encabeza el elenco junto a Selene Raimundo, quien realiza su debut teatral. Hija del productor Alberto Raimundo, la actriz se incorpora

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a una propuesta que combina humor y tensión dramática para construir una historia atravesada por lo no dicho, las diferencias y los caminos opuestos que cada personaje tomó en su vida.

Luz eligió irse y hoy vive de enseñar a otros a ser felices, mientras que Mora se quedó, sosteniendo una vida que no eligió. Desde esa oposición, Mal repartidas desarrolla una dinámica escénica donde cada palabra tiene peso y cada silencio expone una herida abierta. La obra indaga en aquello que no puede dividirse, en lo que persiste a lo largo del tiempo y en los vínculos que nunca terminan de saldarse.

Con una mirada contemporánea y un tono ácido, la propuesta encuentra su diferencial en la convivencia entre el humor y la incomodidad. Así, Mal repartidas construye una experiencia cercana y reconocible, donde la ficción dialoga directamente con emociones propias de la vida real.

FUNCIONES

Paseo La Plaza

Los jueves a las 20.30 h. Sala Concert del Paseo La Plaza jueves a las 20.30 h.

Mal repartidas, una nueva comedia que se presentará en la sala Concert del Paseo La Plaza, con funciones todos los jueves a las 20.30. La propuesta está protagonizada por Sabrina Carballo y pone el foco en uno de

los vínculos más complejos de la vida familiar: el de las hermanas.

La obra sigue el reencuentro de Luz y Mora, quienes después de siete años vuelven a verse para firmar la herencia de su padre en una escribanía. Lo que comienza como un trámite formal rápidamente se transforma en un ajuste de cuentas, donde emergen reproches, silencios acumulados y recuerdos que nunca terminaron de resolverse. En ese contexto, ambas deberán enfrentarse a un pasado que sigue presente.

Sabrina Carballo encabeza el elenco junto a Selene Raimundo, quien realiza su debut teatral. Hija del productor Alberto Raimundo, la actriz se incorpora a una propuesta que combina humor y tensión dramática para construir una historia atravesada por lo no dicho, las diferencias y los caminos opuestos que cada personaje tomó en su vida.

Luz eligió irse y hoy vive de enseñar a otros a ser felices, mientras que Mora se quedó,

LAPLATA CABA

sosteniendo una vida que no eligió. Desde esa oposición, Mal repartidas desarrolla una dinámica escénica donde cada palabra tiene peso y cada silencio expone una herida abierta. La obra indaga en aquello que no puede dividirse, en lo que persiste a lo largo del tiempo y en los vínculos que nunca terminan de saldarse.

Con una mirada contemporánea y un tono ácido, la propuesta encuentra su diferencial en la convivencia entre el humor y la incomodidad. Así, Mal repartidas construye una experiencia cercana y reconocible, donde la ficción dialoga directamente con emociones propias de la vida real.

FUNCIONES

Paseo La Plaza

Los jueves a las 20.30 h. Sala Concert del Paseo La Plaza jueves a las 20.30 h.

PRENSA: info@agenciacoral.com.ar

LOS RAVIOLIS presentan la segunda temporada de “PIYAMA PARTY”

Rock, humor y una fiesta teatral para grandes y chicos

Luego de agotar funciones y convertirse en uno de los espectáculos familiares más celebrados de la cartelera, Los Raviolis regresan con la segunda temporada de “Piyama Party”, el show de música y comedia dirigido por Diego Reinhold que propone instalar un nuevo ciclo de teatro para disfrutar en familia los domingos.

Los domingos de mayo, junio y los dos primeros domingos de julio a las 16.30h, el fenómeno

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de la música familiar vuelve al escenario del Paseo La Plaza con una propuesta que combina rock en vivo, humor y una puesta escénica dinámica, pensada para que tanto chicos como adultos se vean reflejados en la historia.

“Piyama Party” parte de una situación tan cotidiana como caótica: una pareja finalmente logra organizar una noche tranquila a solas, pero una llamada inesperada cambia

todos los planes. Sus cuatro hijos, que se habían quedado a dormir en casa de la abuela, ¡quieren volver! A partir de ese momento, la trama se convierte en un torbellino de situaciones absurdas y reconocibles para cualquier familia.

Entre escenas delirantes y momentos emotivos, el espectáculo se construye a partir de canciones que ya se transformaron en verdaderos himnos del cancionero familiar,

interpretadas con la impronta rockera que convirtió a Los Raviolis en un fenómeno único dentro de la música infantil.

Con dirección de Diego Reinhold —referente indiscutido de la comedia teatral—, el show suma ritmo escénico, humor y complicidad con el público, logrando que cada función sea una verdadera fiesta compartida.

Más que una obra para mirar, “Piyama Party” es una experiencia colectiva donde distintas generaciones se reconocen en el caos, el cansancio y, sobre todo, en el

amor incondicional que implica criar.

Acerca de Los Raviolis

Los Raviolis son una banda de rock para madres, padres y familias que se juntan para hacer música y catarsis sobre el lado B de la crianza. Las miserias y maravillas cotidianas de la educación van apareciendo durante el show y acompañando a los espectadores en esta montaña rusa de emociones, mientras el público se hermana en un encuentro rockero para celebrar que no está solo en esta aventura.

Desde 2014 hasta la actualidad, la banda ha recorrido escenarios y festivales nacionales e internacionales. Fueron dos veces nominados a los Premios Gardel. “Hoy no vino la niñera” en 2020 y “Malos Negocios” en 2024 como mejor álbum infantil, cerró cuatro veces el Lollapalooza Kids y fue declarada de Interés Cultural por la Ciudad de Buenos Aires. En 2025, recibió el Premio Konex a la música infantil.

PRENSA

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

2da Temporada en el Teatro Premier “Lo dejamos acá”

Una obra protagonizada por Juli Coria, actriz con millones de visualizaciones en redes sociales.

Luego de una temporada con funciones agotadas en Buenos Aires, Mendoza, San Juan, La Plata, Mar del Plata y Montevideo (Uruguay) regresa a la calle Corrientes la comedia que marcó el debut de Juli Coria en los escenarios. Más de 2.300 personas ya disfrutaron del humor y el histrionismo de esta actriz con millones de visualizaciones en redes sociales.

“Lo dejamos acá” es el primer espectáculo de Juli Coria, en el que la actriz e influencer lleva a escena todo su histrionismo, su verborragia y su particular modo de pensar la realidad de jóvenes y no tan jóvenes. La esencia de los videos y los personajes de Juli cobran vida en esta comedia coescrita y dirigida por Martín Goldber que confirma algo clave: la vida a los 30 no es lo que nos imaginamos. Mercurio retrógrado, los signos, la ansiedad, los problemas digestivos, las relaciones y la terapia son algunos de los universos que se mezclan creando un cóctel de locura para pasar una noche inolvidable.

Esta comedia producida por Tatoma y RGB regresa a la cartelera porteña con una propuesta diferente y sin dudas contemporánea.

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Gloria está por cumplir 30 y no sabe que hacer de su vida. En busca de respuestas, decide hacer lo que mejor le sale: Vivir a través de la vida de los demás.

Así comienza a espiar a sus vecinas Laura y Florencia. Laura es capricorniana, residente de medicina, y Florencia es ariana, administrativa en Global Garch.

La vorágine de estas tres vidas se cruzan en búsqueda de un poco de claridad ¿La encontrarán?

Mejor… Lo dejamos acá

FICHA TÉCNICA

Elenco:

Julieta Coria Inti Zúñiga

Dirección General y Puesta en Escena:

Martín Goldber

Libro:

Julieta Coria

Martín Goldber

Música original:

Juan Pablo Schapira

Diseño de escenografía y vestuario:

José Escobar

Realización escenográfica:

Agustín Justo Yoshimoto

Fotografía:

Palermo Estudio

Diseño gráfico: Sol Gómez

Producción Ejecutiva:

Gastón Gómez

Producción Artística:

Fermín Bó

Asistencia de Producción:

Juana Illia

Una producción de:

Tatoma & RGB Entertainment

Realización Audiovisual

(Tatoma):

Coordinación:

Candela Nazar

Producción:

Juana Illia

Cámara:

Sheila Becker

Fotografía:

Andrés Thomas

Camilo León Romero del Río

Sonido:

Florencia Juiz

Edición:

Guido de Genaro

Postproducción de sonido:

Juan Cruz Trujillo

Visuales: Gerónimo

Mateos Equipo

Premier Live:

Stage Managers:

Micaela Alurralde

Programadora de luces y operación técnica:

Carolina Rabenstein

Operador de sonido:

Lolo Navarro

Maquinista: Cristian Bravo

Diseño Gráfico adicional:

Lucia Molina Portela

Prensa:

Loreley Ramirez

Asistentes técnicos:

Carolina Rabenstein

Fernando Pérez

Lucas Tozer

Gonzalo González

Productora Ejecutiva General:

Luz Mollica

Producción Técnica:

Lucas Freda

Producción General:

RGB Entertainment

Vanesa Pellizzeri

Teatro Premier

FUNCIONES

Teatro Premier

LAPLATA CABA

Av. Corrientes 1565, CABA

Próximas Funciones:

1 de mayo 22.30 h.

5 de junio 22.30 h.

Entradas A la venta por Plateanet y en boletería del teatro.

Duración: 60 minutos

JULIETA CORIA ACTRIZ Y AUTORA

Inició su formación actoral desde pequeña en la provincia de San Juan. A los 17 años se mudó a Buenos Aires para continuar su carrera profesional. En teatro, se formó con reconocidos docentes como Matías Feldman, Santiago Gobernori, Javier Daulte, Shumi Gauto y Roberto Aguirre. En cine, estudió con Marco Berger y Laila Duschatzky. Actualmente sigue su formación con Alejandro Gigena.

Es egresada de la carrera de Teatro Musical en Proscenio. Integra el elenco de “La patria al hombro”, obra dirigida por Tatiana Santana que ya transita su tercera temporada en el Teatro del Pueblo.

Como directora, estuvo al frente de “Todo prendido fuego” y “Un arbolito con papá”, ambas presentadas en Microteatro. Desde 2019 crea contenido en redes sociales a través de su cuenta @julicoriaa, donde ha colaborado con marcas como Netflix, Prime Video y Spotify, entre otras. En 2023 protagonizó y co-creó “Contacto Cero”, u

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una mininovela digital producida por TNT Novelas.

con INTI ZÚÑIGA

Actor, productor y diseñador multimedial, Inti Zúñiga combina más de diez años de experiencia en teatro, audiovisual y publicidad. Participó como intérprete en obras como Severa Vigilancia, ¿Para qué me lo decís? y Habrá sido amor, y trabajó como entertainer en Norwegian Cruise Line.

Dirigió propuestas escénicas como “Plato que se sirve frío” (Microteatro) y shows en vivo de creadores como Pablo Agustín y Mati Spano. Además, colaboró como editor y creativo con figuras del entorno digital (Martín Cirio, Hecatombe, Flixxo) y fue rostro de campañas para marcas como Netflix, TNT y Havanna. Con experiencia en producción ejecutiva y técnica, formó parte de festivales como el FIBA, BAFICI y el Festival de Jazz, además de trabajar en obras en salas como Teatro Regina y Paseo La Plaza.

SOBRE EL DIRECTOR Y AUTOR MARTÍN GOLDBER

Actor, director y dramaturgo, Martín Goldber es uno de los creadores más prolíficos de su generación. Licenciado en Actuación por la Universidad Nacional de las Artes (UNA), se formó con maestros como Javier Daulte, Mariana Chaud, Rubén Ramos y Guillermo Cacace, entre muchos otros.

Su obra “Lo quiero ya” lo posicionó como referente del

teatro musical independiente: fue ganadora del Premio Hugo como Mejor Musical Off y lo llevó a ser distinguido por el Ministerio de Cultura. Recientemente estrenó “Dora, un ingrediente especial” de su autoría y dirección en el Espacio Callejón, obra por la cual recibió cinco nominaciones a los Premios ACE, incluyendo Mejor Obra y Mejor Dirección. Goldber se mueve con soltura entre la comedia, el drama y el musical. Ha trabajado en el Método Moldavsky, en giras nacionales e internacionales, y dirige también La magia de todas las cosas de Mariana Cumbi Bustinza. Su sensibilidad como director se combina con un agudo sentido del ritmo escénico y un oído preciso para la voz contemporánea.

SOBRE LOS PRODUCTORES

GASTÓN GÓMEZ - FERMÍN BÓ

GASTÓN GÓMEZPRODUCTOR EJECUTIVO

Socio de la productora Tatoma, donde se desempeña como responsable del área de streaming y producciones teatrales. Desde su rol, aporta

su experiencia en gestión financiera aplicada al desarrollo de proyectos artísticos, acompañando la planificación y ejecución operativa de la obra.

FERMÍN BÓ - PRODUCCIÓN

ARTÍSTICA Creador digital, conductor, actor, locutor y socio de la productora Tatoma. Reconocido por sus parodias virales, actualmente conductor de los programas “Se fue larga” en Luzu TV y “Viernes Trece” por El Trece. Lidera el diseño artístico de la obra, aportando una mirada contemporánea e innovadora.

COPRODUCCIÓN TATOMARGB

Lo dejamos acá es una coproducción entre Tatoma, productora especializada en vincular creadores digitales con plataformas tradicionales como el teatro, medios tradicionales y RGB Entertainment, referente de la industria con una trayectoria sólida y reconocida en la producción de espectáculos. Tatoma se une a RGB Entertainment para llevar la frescura del contenido digital al escenario del Teatro premier, como parte del Ciclo Premier Live, combinando innovación creativa con una producción escénica de primer nivel.

Instagram: @lodejamosaca

PRENSA

Loreley Ramírez loreleyramirezpr@gmail.com 132 MiráBA

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LLEGA A LA ARGENTINA LA COMEDIA FRANCESA BERLÍN BERLÍN

Ganadora del Premio Molière a Mejor Comedia (el máximo galardón del teatro francés)

Berlín, Berlín, la premiada comedia francesa de Patrick Haudecoeur y Gérald Sibleyras llegó a los escenarios argentinos el pasado 24 de abril en el teatro Apolo. Ganadora del Premio Molière 2022 a la Mejor Comedia, el máximo galardón del teatro en Francia, esta vertiginosa historia de espías, enredos y persecuciones ambientada en el Berlín de la Guerra Fría se convirtió en uno de los grandes éxitos recientes del teatro europeo.

La versión local contará con un destacado elenco integrado por Pablo Rago, Fernanda Metilli, Maxi de la Cruz y Juan Pablo Geretto, con Lucía Arduiz, Daniel Campomenosi, Andrés Vicente y Marcelo Savignone, quienes protagonizan esta comedia de ritmo frenético y humor físico que promete derribar muros a pura carcajada.

ELENCO:

PABLO RAGO

FERNANDA METILLI

MAXI DE LA CRUZ

JUAN PABLO GERETTO

CON:

LUCÍA ARDUIZ - DANIEL

CAMPOMENOSI - ANDRÉS

VICENTE -MARCELO

SAVIGNONE

DIRECCIÓN:

CORINA FIORILLO

VERSIÓN Y TRADUCCIÓN:

FERNANDO MASLLORENS Y FEDERICO GONZÁLEZ DEL PINO

PRODUCCIÓN GENERAL:

RGB ENTERTAINMENT

SINOPSIS:

“En el Berlín Oriental de la Guerra Fría, Emma y Ludwig intentan escapar al otro lado del Muro usando un departamento que esconde un pasadizo secreto. Pero el dueño es agente de la Stasi, y además se enamora de Emma.

Lo que parecía un plan perfecto

se convierte en un caos absoluto: espías, soplones, mentiras, delatores, enredos, topos, trampas, confusiones y persecuciones, con un ritmo vertiginoso que no da respiro.

Ganadora del Premio Molière, Berlin Berlin es una comedia francesa disparatada, de mucho humor físico, que derriba muros a pura carcajada.”

CLIENTES BBVA 20% DE DESCUENTO Y 3 CUOTAS. ENTRADAS A LA VENTA A TRAVÉS DE PLATEANET Y EN LA BOLETERÍA DEL TEATRO APOLO

Vane Bafaro

Prensa & Comunicación vanebafaroagencia@ vanebafaro.com

IG: @vanebafaro

CUARTA TEMPORADA DESDE EL SÁBADO 2 DE MAYO

LAS JUANAS

UNA HEREJÍA COSMICA

Luego de una exitosa temporada 2025 de siete meses a sala llena, regresa a la cartelera porteña Las Juanas, una herejía cósmica, el unipersonal escrito por Agustina Toia y dirigido por Severo Callaci. El reestreno será el sábado 2 de mayo en el Teatro La Carpintería (Jean Jaurès 858, CABA). Las entradas se encuentran disponibles a través de Alternativa Teatral.

Se trata de un espectáculo multipremiado a nivel nacional e internacional que ha sido destacado por la crítica como “una obra maestra que desborda teatralidad”. La propuesta combina potencia escénica, poesía y transformación actoral en un unipersonal que construye un universo tan íntimo como expansivo.

desafiaron su tiempo: poetas, rebeldes, guerreras que lucharon por sus ideales, atravesaron la violencia, el encierro, la guerra y el silencio, y dejaron una huella indeleble en la historia.

Las Juanas, una herejía cósmica es un profundo homenaje al universo de la mujer, inspirado en la vida de ocho figuras históricas: Juana Manso, Juana la Loca, Juana de Arco, Juana Azurduy, la Papisa Juana, Giovanna Marturano, Juana de Ibarbourou y Sor Juana Inés de la Cruz. A través de sus historias, la obra traza un recorrido por mujeres que

Desde una puesta que combina lo poético con lo político, el espectáculo propone una experiencia sensorial y emocional donde las voces de estas mujeres resuenan en el presente, construyendo un eco que interpela al espectador desde la memoria, la identidad y la resistencia.

La obra ha sido distinguida

con múltiples reconocimientos, entre ellos el Premio a Mejor Espectáculo y Mejor Actriz

Protagónica en los Premios

Victoria 2024, y los Premios Butaca 1 a Mejor Unipersonal, Mejor Dirección y Mejor

Actriz Dramática. Además, ha participado en festivales internacionales en Italia, Estados Unidos y Argentina, y fue declarada de Interés Cultural por la Provincia de Santa Fe.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Agustina Toia

Actúan: Agustina Toia

Voz en Off: Neli Ramello

Vestuario:

Rosa Arena

Kitty Di Bártolo

Laura Perales

Escenografía: Lucas Comparetto

Máscaras: Cristián Medrano

Música: Sol Gabetta

Sonido: Ernesto Figge

Fotografía: Pane Marucco

Arte Gráfico:

Adriano DI Mauro

Producción general: Toia&callaci

Puesta en escena: Severo Callaci

Dirección: Severo Callaci

Prensa: Kevin Melgar

FUNCIONES

DESDE EL SÁBADO 2 DE MAYO TODOS LOS SÁBADOS 20:00 HORAS

TEATRO LA CARPINTERÍA

Jean Jaurès 858, CABA

KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar

"LAS BINGUERAS DE EURIPIDES"

Un viaje donde el caos y la libertad se abrazan

Inspirada en «Las Bacantes», de Eurípides, la obra de Ana López Segovia, dirigida por Francisco Civit, reestrena en Ítaca Complejo Teatral los sábados a las 18h. Las entradas se compran por Alternativa.

«Las Bingueras de Eurípides» es una comedia trágica, vibrante y desbordada, donde el mito y lo cotidiano se cruzan en un bingo clandestino. Inspirada en «Las Bacantes», de Eurípides, la obra sigue a un grupo de mujeres que, entre cartones, confesiones y desafíos, encuentran en el

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juego mucho más que azar, un espacio de resistencia, comunidad y liberación.

Todo cambia con la llegada de Dionisia, una figura tan magnética como disruptiva, que las arrastra a una celebración donde lo festivo se vuelve ritual y la risa, desafío.

Con música en vivo, humor afilado y un ritmo vertiginoso, «Las Bingueras de Eurípides» nos sumerge en un viaje donde el caos y la libertad se abrazan.

PALABRAS DE FRANCISCO CIVIT, SU DIRECTOR

«Bingueras...» es un feliz gran desafío. Desde su comisión por Argentores para el semimontado, hasta su posterior producción y el actual reestreno, fue un camino sinuoso pero lleno de acuerdos, accidentes y aciertos. Creo que conjurar a un elenco tan numeroso y salir a producir en este contexto desde el independiente, ya es un gran logro en sí mismo. Dar forma, con el equipo artístico técnico y los intérpretes, a este material tan particular fue el mayor de los logros: una comedia desfachatada, guaranga, en verso y con un

contenido político que dialoga directamente con el presente de nuestro querido y maltratado país.

«Las Bingueras de Eurípides» es una pieza que nos habla sobre comunidad, apoyo ante la adversidad, la rebelión y el trágico fin que genera en víctimas y victimarios la opresión.

FICHA ARTÍSTICA - TÉCNICA:

Dramaturgia: Ana López Segovia.

Dirección: Francisco Civit.

Actúan:

Cristina Blanco

Gabriela Calzada

Vanesa Cardella

Ariel Cortina

Gisella Crimi

Natalia Chiesi

Analía González Bravo

Daniela Lozano

Juan Pablo Maicas

Federico Minervini

Roberto Monzo

Natalia Olabe

Mariana Ortiz Losada

Mar Bel Vázquez.

Diseño de Vestuario y Escenografía:

Gabriella Gerdelics.

Diseño de iluminación:

Facundo Estol.

Coreografía:

Silvina Duna.

Música original:

Juan Pablo Maicas

Francisco Civit.

Arreglos musicales:

Juan Pablo Maicas.

Colaboración musical:

Juan Pablo Maicas, Mar Bel

Vázquez

Julián Vilas

Gabriela Calzada

Gisella Crimi

Vanesa Cardella

Ariel Cortina Natalia Olabe

Roberto Monzo

Francisco Civit.

Asistente de dirección: Carlos Farías.

Producción ejecutiva:

Anabella Moreno.

Prensa: Pablito Lancone

Diseño gráfico: Adrián Riolfi.

Co-producción: Teatro El Crisol.

FUNCIONES: Sábados 18h.

Ítaca Complejo Teatral

Humahuaca 4027 CABA

Entradas por Alternativa instagram.com/bingueras. de.euripides/

PRENSA

Pablo Lancone pablolancone@gmail.com

VUELVE LA OBRA MUSICAL QUE EMOCIONA A GRANDES Y CHICOS

LA HISTORIA SIN FIN

¿Estás listo para volar?

La película más famosa de los años 80 en su versión teatral para viajar al mundo de fantasía. Nominada a los Premios Hugo como Mejor Producción de obra infantil - juvenil

Desde el pasado sábado 18 de abril de 2026 en el Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764) LA HISTORIA SIN FIN, escrita por Michael Ende y con adaptación y dirección de Hernán Bonsergent.

Con una mágica e increíble puesta en escena y efectos especiales que sorprenderán a toda la familia la obra se presentará los sábados a las 18:00 h y los domingos a las 17:00 h. Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro y por Plateanet

SINOPSIS:

La Emperatriz de Fantasía está muy enferma. Su Reino corre un grave peligro. La “Nada” está destruyéndolo todo. La única salvación depende de Atreyu, un valiente guerrero y Bastián, un niño amante de la literatura, el cual será el encargado de

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devolverle la vida a la mágica tierra de Fantasía, junto a los inolvidables personajes del libro de “La Historia sin Fin”, Falcor el Dragón Volador, el Gigante Comerrocas, un Caracol muy veloz y Morla la Tortuga más antigua.

UN IMPERDIBLE EN LA CARTELERA PORTEÑA

Para su productor Ariel Ciocco, hay que ver La Historia sin Fin “Primero, porque los que vimos en su momento la película volvemos a ser niños. Y los niños de hoy pueden conocer esta historia y estos personajes que son mágicos. Segundo, por los valores y mensajes que transmite este libro a través de la película y ahora por el musical. El valor de la lectura, la amistad, la realización de los sueños y de que nada es imposible. La película se estrenó en el 84 y aunque en aquellos años no se hablaba de bullying, es un tema que sufre el protagonista del musical. Se van a identificar los grandes y los chicos”.

LA HISTORIA SIN FIN de Michael Ende

Elenco

(Por orden alfabético)

Mateo Barbon

Julieta Barrera

Mora Britos

Marcelo Duran

Julieta Funes

Morena García

Guillermina Gesualdi

Marco López

Martina Monteros

Lucia Sciacca

Fernando Suarez

Michelle Wilkinson

Libro: Michael Ende

Dirección y Adaptación: Hernán Bonsergent

Arreglos Vocales, Coros y

Dirección Vocal:

Marcelo de Paula

Dirección de Coreografías: Rodrigo Villani

Diseño de Vestuario: Laura Torrecilla

Diseño de Escenografía: Hernán Bonsergent u

Diseño Gráfico y Redes

Sociales:

MADE Studio

Comunicación y Publicidad: Medios a tu Alcance

Prensa:

BMZ Comunicaciones

Fotografía: Fiorella Romay

Asistente de Coreografía: Michelle Wilkinson

Magui Novoa

Haydee Codon

Asistente General:

Sebastián Castillo

Esteban Bagnato

Asistentes de Producción: Ximena Andreani

Dirección General: Hernán Bonsergent

Ariel Ciocco

Rodrigo Villani

Producción General: Ariel Ciocco

FUNCIONES

LA HISTORIA SIN FIN de Michael Ende

Los sábados a las 18:00 h

Los domingos a las 17:00 h

Teatro Multiescena

Av. Corrientes 1764, CABA

Entradas a la venta en la boletería del teatro y por Plateanet

Género: Teatro Infantil con Música

Duración: 80 minutos

Clasificación: ATP

@lahistoriasinfin.argentina

PRENSA:

Marcelo Boccia

BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar

IG BMZComunicaciones

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LA COMEDIA GANADORA DEL CONCURSO CONTAR “CASUAL” con Carlos

Belloso y Malena Guinzburg

La comedia Casual, ganadora del Concurso Contar 2025, desde el pasado 15 de abril en el Multiteatro.

Con un elenco integrado por Carlos Belloso, Diego Gentile, Malena Guinzburg, Mica Lapegüe, Claudio Martínez Bel, Julián Ponce Campos y Lucas Wainraich, y bajo la dirección de Pablo Fábregas, Casual promete ser una de las apuestas más originales de la temporada 2026.

Escrita por Federico Viescas, la obra fue la ganadora del Concurso Contar en 2025, donde fue seleccionada entre numerosos proyectos por un jurado de productores del circuito comercial, generando expectativa incluso antes de su

estreno. La iniciativa impulsa el desarrollo de dramaturgia nacional, llevando textos de autores locales al centro de la escena comercial.

La producción está a cargo de Juan Manuel Caballé, Eloísa Cantón y Bruno Pedemonti; Coqui Faroni; Juan Iacoponi, Pablo Kompel y Ariel Stolier; Andy Ovsejevich; Tomás Rottemberg y Diego Scott.

SINOPSIS

Leticia cae en coma tras sufrir un accidente. En la clínica se reúnen sus amigos: un abogado sin escrúpulos, una médica al borde del colapso, una hippie fan del clona y un agente inmobiliario insoportable. Para entender qué pasó, deciden revisar su celular.

Pero lo que encuentran abre una puerta inesperada: una aplicación de encuentros casuales revela una vida secreta de Leticia que ninguno imaginaba.

Entre el morbo y la culpa, la investigación se descontrola cuando las citas empiezan a llegar. Una versión desconocida de su amiga sale a la luz y los obliga a confrontar sus propios prejuicios para aceptarla.

¿Cuánto conocemos realmente a las personas que queremos?

¿Hasta dónde estamos dispuestos a invadir la vida privada de los demás? Y, ya que estamos… ¿cómo es posible hacer un trío de a dos? Solo respuestas incorrectas.

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

SÁBADOS 17.30H - NÜN TEATRO BAR

EL SENTIDO DE SANAR

De: Rosario Charo Jaimes

¿Qué pasa cuando el pasado se convierte en la llave del futuro?

EL SENTIDO DE SANAR nos invita a acompañar a Natalia, una mujer de 40 años que, entre amores y desilusiones, enfrenta heridas del pasado y la presión de las expectativas sociales.

En ese recorrido, descubrirá que sanar implica tanto cuestionarse como reconciliarse, y que siempre existe la posibilidad de reinventarse.

Rosario Charo Jaimes , autora y parte del elenco, comparte el proceso de creación “La obra nació sin que yo supiera exactamente hacia dónde me llevaba. No es la historia de mi vida. La protagonista camina por otros lugares, atraviesa otras situaciones.Pero hay algo que sí nos une: las emociones. La fragilidad, la búsqueda, el dolor, la esperanza. Todo aquello que, de una u otra forma, también habita en mí.

Escribirla fue empezar a mirar hacia adentro. En escena, además, me acompaña mi hija. Y entonces la obra se vuelve algo aún más profundo: un encuentro entre generaciones, entre amor, memoria y futuro.

Tal vez la historia no sea mi vida. Pero en cada gesto,

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en cada silencio y en cada palabra, late una pregunta que nos atraviesa a todos: ¿Cuál es, finalmente el sentido de sanar?”.

Con una puesta íntima y conmovedora, la obra aborda temas universales como el amor, la familia y la búsqueda de bienestar emocional.

Elenco: Emanuel Biaggini

Alejandro Holm

Mila Jaimes

Rosario Charo Jaimes

Dirección: Felipe Montoya

FUNCIONES:

Sábados 17.30h

NÜN Teatro Bar

Juan Ramírez de Velasco 419 CABA

Entradas en venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia:

Rosario Charo Jaimes

Dirección: Felipe Montoya

Actúan: Emanuel Biaggini

Alejandro Holm

Mila Jaimes

Rosario Charo Jaimes

Vestuario: Vanesa Abramovich

Diseño de escenografía: Vanesa Abramovich

Diseño de luces: Gustavo Lista

Música: Ian Shifres

Diseño gráfico: Nicolas Saini

Asistencia de escenografía:

Catalina Quetto Garay

Asistencia de vestuario: Catalina Quetto Garay

Producción ejecutiva: Marina Kryzczuk

Producción general: Rosario Jaimes Munilla

Prensa: Susan Lonetti

Duración: 60 minutos

PRENSA Lic. Susan Lonetti

Periodista - Comunicación - PR susan.lonetti@gmail.com @suvalo

“EL HOMBRE QUE GUARDABA LAS NOCHES EN EL BOLSILLO...”

MIÉRCOLES CAFÉ CONCERT, EN HASTA

TRILCE

Luis De Almeida, dirigido por Mario Caraceni

El narrador, un cantor de tango homosexual, relata en primera persona su vida marcada por la memoria, el deseo y el amor prohibido. Desde sus primeras experiencia sexuales cargadas de culpa, hasta la búsqueda de la libertad en boliches y escenarios, reconstruye una biografía atravesada por la clandestinidad y la represión social, especialmente durante los años en que ser “diferente” en Argentina implicaba riesgos de persecución y desaparición.

El tango, tradicionalmente asociado a la virilidad y al desgarro masculino, es resignificado por él como refugio, lenguaje secreto y espacio de encuentros furtivos entre hombres. A lo largo del relato evocará amores intensos pero imposibles, todos marcados por la pasión, el silencio, la fugacidad y, muchas veces, la pérdida.

Entre recuerdos, canciones y confesiones, nuestro protagonista afirma con orgullo su identidad: “soy maricón”, y canta para dar voz a los que no pudieron hacerlo, para los que

amaron en la sombra.

Cantar sin pedir perdón, sin ocultarse, dejando que su voz

mantenga vivos a los amores y las memorias guardadas en sus bolsillos.

FICHA ARTÍSTICA - TÉCNICA:

Autoría: Luis De Almeida

Intérprete: Luis De Almeida

Piano: Fabio D´attoma

Diseño de luces: Gustavo Dimas García

Técnica:

Gustavo Dimas García

Prensa: Pablito Lancone

Producción Ejecutiva:

Jimena Morrone

Asistencia de dirección:

Camila Eva Ameijeiras

Dirección: Mario Caraceni

FUNCIONES:

Miércoles de abril y mayo, 22h.

Teatro: Hasta Trilce

Maza 177 CABA

Entradas por Alternativa

Instagram: @el_hombre_que_ guardaba

PRENSA

Pablo Lancone pablolancone@gmail.com

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PABLO GORLERO PRESENTA “CUANDO DEJÉ DE VOLAR”

UN VIAJE MUSICAL HACIA EL REENCUENTRO CON LA INFANCIA

El reconocido dramaturgo y director estrena su nueva obra en el Centro Cultural de la Cooperación el próximo 02 de mayo. Las funciones serán los sábados a las 18:00 h

Una propuesta conmovedora que combina actores y el arte de los títeres.

En una apuesta por el teatro que invita a la reflexión y la sanación emocional, llega el estreno de “Cuando dejé de volar”, el nuevo musical argentino para adultos y adolescentes escrito y dirigido por Pablo Gorlero, con música original de Fernando Nazar.

La obra tendrá su gran debut el 2 de mayo de 2026 y se presentará todos los sábados a las 18:00 h en el prestigioso Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543). Las entradas están a la venta en la boletería del teatro y en Alternativa Teatral.

SINOPSIS:

Jerónimo, un hombre adulto, regresa a la casa de su infancia. Allí, el tiempo parece haberse detenido: su cuarto conserva el universo de fantasías, juegos y refugios que lo acompañaron cuando era niño. Entre objetos, canciones y viejos compañeros

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-el Capitán Roger, un muñeco de acción sin un brazo; Eusebio, un dragón soñador; y Francisco, el perro que nunca olvidó-, Jerónimo se reencuentra con su versión infantil y con Darío, su amigo imaginario. A través de una equilibrada dosis de humor, música en vivo y una delicada manipulación de títeres, la pieza explora la memoria emocional,

el impacto del bullying, el poder de la imaginación y la imperiosa necesidad de reconciliarse con uno mismo. La narrativa propone un encuentro íntimo entre un adulto y su “yo” niño, culminando en un reencuentro inesperado que ilumina el presente a través del amor más puro.

“En tiempos complejos

CABA

es fundamental ofrecer espectáculos que inviten a pensar que una sociedad distinta es posible”, Pablo Gorlero.

Cuando Dejé de Volar de Pablo Gorlero con Jerónimo Dodds

Actores Titiriteros:

Mariano Agustín Botindari -

Diego Ferrari

Niños Actores: Gonzalo Aguirre - Teo

Rotenberg Hirsch

Libro, Letras y Dirección General: Pablo Gorlero

Música: Fernando Nazar

Coreografía: Marina Svartzman

Diseño y Realización de títeres: Alejandra Farley - María

Victoria Kohakura

Diseño de Escenografía: Vanesa Abramovich

Diseño de Vestuario: Luis Skupien

Diseño de luces: Agustín Bandi

Asistente de Dirección:

Pamela Jordan

Producción Ejecutiva:

Haydée Codón

Asistentes de Realización de Títeres:

Abril Girard Kohakura - Azul

Girard Kohakura

Realización del perro: Inés Sceppacuercia

Voces en Off:

Patricio Coutoune - Susana

Dutka

Redes Sociales: MADE Studio

Prensa:

BMZ Comunicaciones

Producción General: Ariel Ciocco

Cuando Dejé de Volar Clasificación: ATP

Género: Teatro Musical

Duración: 80 minutos

FUNCIONES

Estreno: 02 de mayo de 2026 a las 18:00 h

Todos los sábados a las 18:00 h

Centro Cultural de la Cooperación

Av. Corrientes 1543 CABA

Las entradas están a la venta en la boletería del teatro y en Alternativa Teatral.

Instagram: @cuandodejedevolar.elmusical

PRENSA

Marcelo Boccia

BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar

IG BMZComunicaciones

PROGRAMACION DE MAYO

Cantos al Sur del Mundo Viernes, 1 de Mayo

20:00 - 22:30 hs

Las más recordadas melodías del repertorio hispanoamericano en las voces de Hugo González Koppmann ( Talca, Chile) y Osvaldo Cortinovis (Córdoba, Argentina).

Las composiciones del A. Yupanqui, V. Parra, J. Dávalos, A.Manzanero, J.M.Serrat, A. Piazzolla, ME Walsh y muchos otros.

Con las guitarras de Samy

Mielgo y Oscar Ballester.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

MareMium Grandes

Encuentros

Sábado, 2 de Mayo

17:00 - 19:30 hs

Poesía y Música

Coordinan Bibi Albert / María Laura Coppié

Poetas Invitad@s Olga Liliana Reinoso, Viviana Aguirre,

Marta Elena Guzmán, Julieta Aguerregaray y Fabio Herrera con sus canciones. Entrada Libre

Consumición Mínima $12000

Ingreso a la sala 17h Comienzo de la lectura 17:30

Leo Pastore A solas.

Sábado, 2 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

Un concierto íntimo donde Leo Pastore, acompañado de su guitarra, repasa las canciones que marcaron su vida, junto a la cantante invitada María Cecilia Aquino.

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Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta

Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Akor Trío

Domingo, 3 de Mayo

17:00 - 19:30 hs

Con el objetivo de explorar el repertorio para trío de violín, clarinete y piano, una formación instrumental poco transitada pero con vastas posibilidades sonoras, decidimos fundar

AKOR TRIO. A través de nuestra música buscamos compartir con el público la belleza y la diversidad de este universo musical, y contribuir a su difusión y promoción. Obras de Milhaud, Katchaturian, Shostakovich y Cosentino

Akor Trío

Gloria Villa violín

Amalia Del Giudice clarinete

Carolina Cho piano

Consumición Mínima $12000

Ingreso a la sala 17h - Comienzo

del espectáculo 17:45

Hoy que no estás - Homenaje a Chico Novarro

Domingo, 3 de Mayo

20:30 - 23:30 hs

Un concierto único, con versiones propias, donde la artista interpretará obras muy conocidas de Chico, como “Amnesia”, “Cordón”, “Cómo” y “Algo contigo” junto a otras composiciones menos transitadas como “Quién puede juzgarte” y “Hoy que no estás”. Habrá tangos y boleros, y un condimento muy emotivo, ya que Vivi acompañará las canciones con un material audiovisual inédito que pertenece a su colección privada, y que fue grabado y documentado justamente en La Biblioteca Café en el año 2014 en ocasión de un show de Vivi al que asistió el gran Chico Novarro como invitado de honor, por la amistad artística que los unía.

Vivi Verri voz

Amalia Escobar piano y dirección musical

Cindy Harcha bandoneonista invitada

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

5 Martes 21:00 h.

Música Popular de Brasil

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano.

Un encuentro para escuchar, compartir y disfrutar de la riqueza rítmica y melódica de la MPB, con versiones cuidadas y una impronta bien actual.

Anticipadas por web $12.000

En la sala, en efectivo $15.000

Consumición mínima $12000 u

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Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Pío Roviralta Miércoles, 6 de Mayo 21:00 - 23:30 hs

Baladas profundas y letras que invitan a pensar. Acompañado por un grupo de músicos de primer nivel, Pio propone una noche de emociones y reflexión.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Mercedes Valenzuela y Diego Nudelman

Canción Latinoamericana Jueves, 7 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

La cantante Mercedes Valenzuela y el guitarrista Diego Nudelman presentan un espectáculo de música

folclórica argentina y canción latinoamericana.

Un viaje sonoro a través de obras clásicas y otras menos transitadas.

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21h A las 21:30 aproximadamente comienza el espectáculo.

La consumición mínima es de $12.000. ¡Nos vemos!

Lilián Saba . Por el lejano mirar

Viernes, 8 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

La pianista interpretará temas

propios de su último trabajo discográfico “Por el lejano mirar” y otros temas clásicos de la música argentina.

La acompañarán en esta oportunidad las cantantes Silvia Iriondo y Mora Martínez, el vientista Marcelo Chiodi y el percusionista Ciro Gargaglione.

Sobre Lilian Saba Pianista, compositora y arregladora de música argentina. Solista y líder de grupos instrumentales. También acompañó proyectos de grandes músicos: Juan Falú, Liliana Herrero, Raúl Carnota, entre otros. Por su labor cultural y musical en 2015 recibe el Premio a la Trayectoria Artística del Fondo Nacional de las Artes. Por su labor como compositora en 2025 recibe el Premio Konex. En el mismo año edita su octavo disco Por el lejano mirar. Paralelamente ha desarrollado una intensa actividad docente en la Escuela de Música Popular de Avellaneda y en el Conservatorio Manuel de Falla de Buenos Aires en la especialidad ‘música popular argentina de raíz folklórica’.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

EleTrío Sábado, 9 de Mayo 17:00 - 19:30 hs

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Luego de su primer disco “T´on -Yah (“Voz” en lengua Wichi); de de su 2do. álbum “Los árboles míos”, nominado a los Premios Gardel 2024 como Mejor disco de Folklore Alternativo; y tras algunos meses de gestión creativa, el EleTrío presenta adelantos de su nuevo disco “Año 2300”.

EleTrío:

Eleonora Eubel, voz, piano y composición

Marcelo Lupis violín, percu y voz

Rodrigo Agudelo guitarra y voz

Invitado: Jerónimo Carmona contrabajo

Consumición mínima $12000

Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Hard Bop 7tet

Sábado, 9 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

Interpretarán composiciones de

Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más.

Gustavo Cortajerena - trompeta Ariel Domínguez - saxo alto Sebastian marcial - saxo tenor Gonzo Pérez - trombón Martín wyzcykier - piano

Roberto Villagra - contrabajo Camilo Zentner - batería

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Recital de Canzoni Italiane e Napoletane

Domingo, 10 de Mayo

17:00 - 19:30 hs

Leonardo Pastore y Tomás Ballicora

El tenor Leonardo Pastore y el pianista Tomás Ballicora interpretan las más célebres canciones del repertorio italiano

y napolitano de los grandes tenores del pasado.

Obras de Tosti- GastaldónFalvo- De curtis- CardilloDenza- Valente- Tagliaferri entre otros.

Consumición mínima $12000

Dos minitas

Domingo, 10 de Mayo

20:30 - 23:00 hs

Dos Minitas es un dúo de guitarra, percusión y voces, nacido en 2019 en la Ciudad de Buenos Aires. Su repertorio u MiráBA 151

aborda distintos géneros de la música rioplatense (tangos, valses, candombes y milongas) a partir de arreglos instrumentales y vocales propios. Se ha presentado en distintos escenarios, milongas, ciclos y festivales del país. Su primer disco, “El qué dirán” volumen 1 y 2, aborda temas del cancionero ciudadano clásico, así como también piezas contemporáneas.

Florencia Ubertalli voz

Rocío Dubuisson Guitarra y coros

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. A las 21:15 aproximadamente comienza el espectáculo.

Música Popular de Brasil

Martes 12 de mayo 21:00 h.

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante

Broder Bastos junto al baterista

Camilo Zentner, presentan un show de música popular

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brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano.

Un encuentro para escuchar, compartir y disfrutar de la riqueza rítmica y melódica de la MPB, con versiones cuidadas y una impronta bien actual.

Anticipadas por web $12.000

En la sala, en efectivo $15.000

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Soul Station Cuarteto Miércoles, 13 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

Soul Station es un cuarteto de Jazz integrado por saxo tenor, piano, contrabajo y batería que rinde homenaje a uno de los grandes referentes del Hard Bop. Con un sonido cálido y elegante, el grupo

propone un recorrido por el repertorio y la estética musical de Hank Mobley. El repertorio incluye tanto composiciones originales de Mobley como arreglos propios del cuarteto, manteniendo viva su esencia con una mirada actual.

Martín Polanuer saxo tenor

Ornella Contreras piano

Bruno Mazzitelli contrabajo

Joaquín Keclach batería

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:30 aproximadamente comienza el espectáculo.

Dúo Bote

Jueves, 14 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

El Dúo Bote conformado por la cantora Flor Bobadilla Oliva y el guitarrista Abel Tesoriere presentan en esta ocasión un recorrido por el repertorio de sus discos y un adelanto de las nuevas canciones que vienen asomando.

El dúo cuenta con dos discos, el último, “Aromas del tiempo” ganador de los premios Carlos Gardel a mejor disco de folklore (2024)

En los últimos meses se presentaron en el Festival Nacional de Chamamé (Corrientes), en el Palacio Libertad en el ciclo Tarde de Boleros, en el CCC (Centro Cultural de la Cooperación), en Bebop entre otros. En años anteriores en Café Berlín BA presentando su nuevo disco, en La Trastienda BA como teloneros de Fernando Cabrera y Hugo Fattoruso, en Centro Cultural Borges, en Festival de música Lapacho, Corrientes. en el Centro Cultural Vicente Cidade, Posadas, Misiones. Dúo Bote representa uno de los referentes contemporáneos que mantienen vivo el legado del folklore litoraleño, la guarania y el bolero.

Consumición mínima $12000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

MATERIA PRIMA (Di cosa siamo fatti)

Viernes, 15 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

JULIETA CANCELLI celebra sus 50 años

¿Alguna vez te preguntaste de que música esta hecha tu vida?

Un viaje entre tangos, boleros, musica italiana y española con un toque de rock. espectáculo íntimo, poético y musical. Julieta Cancelli voz

Diego Del Carmen piano e invitados.

Consumición mínima $12000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Valor de la entrada $20mil anticipada y 25mil en puerta

Relatos en Sol Sábado, 16 de Mayo

17:00 - 19:30 hs

En RELATOS EN SOL dialogan historias narradas con canciones que se entrelazan.

Liliana Romero actriz y narradora y Miriam Martino cantante y actriz, nos introducirán en los los mundos de personajes y canciones de cuentos propios y de otros autores.

Las acompaña en piano Pepo

Lapouble

Consumición mínima $12000 Ingreso a las 17. Servimos la merienda y luego comienza el espectáculo.

Parlami D’Amore Sábado, 16 de Mayo 21:00 - 23:30 hs

Parlami d’Amore Canciones de la Italia Romántica - NovenaTemporada

Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, u MiráBA 153

sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez Laganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos traen imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

REVIRADAS “PINTANDO TANGO”

Domingo, 17 de Mayo

20:30 - 23:00 hs

CONCIERTO Y PRESENTACIÓN DEL EP

Dúo de tango formado por Paula de Ovando, pianista argentina, y Lucie Delahaye, guitarrista y cantante franco-argentina. Reviradas presenta su primer

EP con tangos del mundo, alemanes, franceses y polacos, con perspectiva de género. Se acompañan los temas con imágenes realizadas por artistas plásticas argentinas Romina Pernigotte, Liliana Rago, Daïana Sena y Adriana Doré como trabajo colaborativo.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. A las 21:15 aproximadamente comienza el espectáculo.

Ehola en Concierto - Belén

Pasqualini & Timna Comedi Martes, 19 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

En formato cercano e íntimo, EHOLA propone un concierto donde la música se vuelve relato y encuentro. El dúo de piano, guitarra y dos voces formado por Timna Comedi y Belén Pasqualini entrelaza canciones, improvisación y paisajes sonoros que nacen del cruce entre lo folklórico, lo jazzero y lo profundamente personal.

Ambas artistas, atravesadas por geografías diversas, construyen una identidad sonora singular: Timna, argentina nacida en Israel, con vida en Brasil, Canadá y Nueva York; y Belén, nacida en Buenos Aires, marcada por sus recorridos por Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Desde ahí, EHOLA vibra como una expresión de raíz argentina con espíritu de world music.

Sus voces dialogan con naturalidad y riesgo, creando armonías innovadoras dentro de un universo sensible donde conviven lo ritual, lo lúdico y lo poético. En la cercanía del espacio, cada canción invita a escuchar distinto: a dejarse atravesar por una música que no busca imponerse, sino abrir un territorio común entre quienes están ahí.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

El Empujón

Miércoles, 20 de Mayo 21:00 - 23:30 hs

Esteban Saccone guitarra, Javier Lewkowicz guitarra, Sebastián Rey batería.

El grupo fusiona jazz con ritmos locales y una búsqueda sonora propia, alejándose de lo estrictamente tradicional. 154 MiráBA

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CABA

Desde 2019 trabajan en la construcción de la identidad del trío, grabando, produciendo y tocando.

Publicaron un primer disco conceptual dedicado al mar, con nueve composiciones y un enfoque tímbrico particular, con videoclip El Mar, filmado en la costa argentina como cierre audiovisual del álbum.

Participaron en varios festivales de Jazz y actualmente se encuentran produciendo su segundo disco y ahora presentan su proyecto en La Biblioteca Café

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Entre canción y canción Jueves, 21 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

Un recorrido musical de esas canciones que no mueren con el tiempo. Guaranias, zambas, baladas…

composiciones de Duke

Nancy Sfardini voz

Pablo Martinez Zuviria piano

Consumición mínima $12000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Porter & Ellington Experience

Viernes, 22 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

El trío presenta una exquisita propuesta, un show especial recreando exclusivamente

Ellington y Cole Porter, invitando a un diálogo entre los estilos contrastantes de sus clásicos.

Ludmila Fernández voz

Abel Rogantini piano

Roby Seitz contrabajo

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Una Tarde de Ópera

Sábado, 23 de Mayo

17:00 - 19:30 hs

La soprano Mercedes García

Blesa y el barítono Emiliano Rodriguez interpretan la ópera cómica de Giancarlo Menotti El Teléfono con el acompañamiento de Florencia Caruso al piano y bajo la dirección escénica de Marlon Ze

El programa se completa con una selección de temas de la ópera de George Gershwin

Porgy & Bess

Dirección general: Buenos u

MiráBA 155

PROGRAMACION DE MAYO

Aires Ópera de Cámara

Consumición mínima $12000

Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

EN CLAVE ALMODÓVAR LA MÚSICA DE SUS PELÍCULAS Y MUCHO MÁS

Sábado, 23 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

Una pincelada que ilustra la obra del genial artista manchego, canciones, escenas y relatos de las películas mas emblemáticas de Pedro Almodóvar,

interpretadas por Grisel

D’Angelo, Edith Margulis, Simón Martins y Santiago

Ortega. Libro y producción Edith Margulis.

Derecho a Show $18000

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta

Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Una Tarde de Ópera

Sábado, 23 de Mayo

17:00 - 19:30 hs

La soprano Mercedes García

Blesa y el barítono Emiliano

Rodriguez interpretan la ópera cómica de Giancarlo Menotti El Teléfono con el acompañamiento de Florencia Caruso al piano y bajo la dirección escénica de Marlon Ze

El programa se completa con una selección de temas de la ópera de George Gershwin

Porgy & Bess

Dirección general: Buenos Aires Ópera de Cámara

Consumición mínima $12000

Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

José María Saluzzi & Ignacio

Montoya Carlotto

Domingo, 24 de Mayo

20:30 - 23:00 hs

José María Saluzzi & Ignacio

Montoya Carlotto presentan “Palabras Mudas”

Un encuentro entre dos músicos de sólida trayectoria y sensibilidad afín da origen a

MiráBA 156

156 MiráBA

Palabras mudas, un proyecto íntimo y profundo que se despliega en el singular formato de guitarra y piano. A partir del diálogo sonoro que ambos construyen con sutileza y libertad, el repertorio se enriquece con composiciones originales inspiradas en lecturas recientes.

Textos de Amélie Nothomb, Roberto Bolaño, Albert Camus y otros autores, funcionan como disparadores poéticos para estas obras instrumentales en las que la palabra, al silenciarse, se transforma en música. Con una impronta delicada y reflexiva, Palabras mudas propone una experiencia estética en la que confluyen la literatura, la improvisación y la composición contemporánea, en manos de dos artistas que honran la escucha y el cruce de lenguajes.

José María Saluzzi guitarra & composición

Ignacio Montoya Carlotto piano & composición

Entradas anticipadas $17.000

En la sala -en efectivo- $20.000 Consumición mínima $12.000

Música Popular de Brasil 26 Martes de mayo 21:00 h.

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano. Un encuentro para escuchar, compartir y disfrutar de la riqueza rítmica y melódica de la MPB, con versiones cuidadas y una impronta bien actual.

Anticipadas por web $12.000

En la sala, en efectivo $15.000

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

CABA CABA

Juan Cornejo Sensaciones

Miércoles, 27 de Mayo 21:00 - 23:30 hs

Pablo Martínez Zuviria -piano y dirección musical, Juan Pablo Ferreyra guitarra y Lucas Argomedo en bajo.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Almalusa - Casa de Fados Viernes, 29 de Mayo 21:00 - 23:30 hs

En esta 11° temporada, Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género.

Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio u

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Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Pablo Moro guitarra, Ignacio Long contrabajo.

Almalusa Ha sido declarada de Interes Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Beatriz Pichi Malen canta al Huemul Sábado, 30 de Mayo

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17:00 - 19:30 hs

La cantora Mapuche Beatriz Pichi Malen de Los Toldos regresa a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires para ofrecer un repertorio renovado relacionado con la preservación de la vida y el respeto a la diversidad. Siempre en lenguaje Mapuche, ofrecerá textos propios y canciones que ligan las diferentes especies de la tierra con lo estelar del firmamento y lo intangible espiritual.

Consumición mínima $12000 Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Cantar La Justa - Varieté

Musical

Sábado, 30 de Mayo

21:00 - 23:30 hs

Irina Hauser, Patricia Malanca y Federico Mizrahi cantan la justa, en un varieté musical íntimo que recrea el clima de un living de ensayo entre artistas unidos por el mismo ideal de

justicia social. Con canciones, humor y reflexión.

Consumición mínima $12000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Manos con Harina, Manos con Historia - Mariano Llorente Domingo, 31 de Mayo

17:00 - 19:30 hs

Mariano Llorente nos cocina en vivo su receta ganadora del concurso Recetas de Familia 2025 “La torta esponja de la abuela Yaya”, y a la vez nos sumerge en un mundo de historias y relatos con aromas y sabores a hogar.

Artistas Invitados, Alicia Frediani narradora, Edith Margulis cantante, Simón Martins guitarra

Entrada con Merienda $28000 Abrimos las puertas a las 17hs. A partir de ese horario servimos el té ¡Nos vemos!

My Favorite Things

Domingo, 31 de Mayo

20:30 - 23:00 hs

El cuarteto de Jazz PURSUANCE se reúne para homenajear uno de los discos esenciales del saxofonista

John Coltrane en el centenario del nacimiento del mismo, “My Favorite Things” un álbum que dió un contundente giro en la historia de la música y se consagró como piedra

angular del jazz moderno y

LAPLATA CABA

pieza fundamental de la música popular.

PURSUANCE:

Marco Fornasier saxo tenor y soprano

Walter Balaszczuk piano

Fabio La Pietra contrabajo

Ari Gavazzo batería

Consumición mínima $12.000

Show con Cena a la Carta Ingreso: 20:30h. El espectáculo comienza 45 minutos después.

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de MAYO

Temporada 2026

El Coliseo Podestá presenta la agenda de espectáculos y actividades del mes de mayo

El Equilibrista, Topa, Fabiana Cantilo y Nico de Tracy, son algunos de los artistas que visitarán y ofrecerán sus espectáculos en el teatro de calle 10 entre 46 y 47.

Además, durante todos los lunes de mayo, se llevará a cabo “Laberinto Podestá, el último aplauso”, la primera producción integral del Coliseo Podestá.

Este espectáculo cuenta con veinte artistas locales que le dan vida a esta ficción basada en hechos reales. Las entradas son gratuitas, con cupo limitado, y se retiran por boletería.

Asimismo, el Museo José Juan Podestá también presenta sus actividades destinadas a instituciones educativas de la ciudad y de la región con el programa “Las escuelas llegan al Coliseo”.

En este sentido, los lunes se desarrollará “Colores en escena” (visita/taller), los días martes tendrá lugar “Del Museo al escenario: un viaje histórico por el Teatro Coliseo Podestá” (visita), los miércoles será el

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turno de “De la carpa itinerante al escenario: una historia viva” (visita teatralizada) ; y los jueves de cada semana habrá función de “Juan Moreira, una leyenda popular”, en versión teatral para marionetas. Vale destacar que los cupos del primer semestre para todas las propuestas ya están agotados.

AGENDA MAYO

Todos los lunes, a las 20.30 horas

Laberinto Podestá, el último aplauso

Apta + 13 años

Entrada gratuita, cupos limitados, se retiran por boletería.

En el marco de los 140 años del Coliseo Podestá, esta obra adquiere un significado especial

por tratarse de la primera producción integral realizada con recursos propios del Teatro.

“Laberinto Podestá, el último aplauso” es un viaje nocturno, sensorial. Murmullos antiguos y pasos sin dueño. El eco de una historia que se niega al olvido. Este espectáculo cruza mito y memoria, atraviesa fantasía y realidad, invocando ese lado no visible del teatro donde conviven fantasmas, arte y vida con presencia de la familia Podestá. Una experiencia íntima, poética y estremecedora, donde el espectador se convierte en testigo de aquello que aún late entre paredes. Veinte artistas locales, le dan vida a esta ficción basada en hechos reales.

Dramaturgia, dirección y puesta en escena: Claudio Rodrigo / Juan Pablo Thomas. Idea original: Silvina De Micheli. Producción general: Alejandra Bignasco. Producción integral: Teatro Municipal Coliseo Podestá.

Elenco: Luna Benaglia, Juan Camiletti, Juliana Colli, Carolina Cremonte, Edgardo Desimone, Leandro Etchegaray, Santiago Franco, Luciano Guglielmino, Joaquín Merones, Lucía Pérez

Martins, Miguel Retamar, Franco Santoro, Cintia Silveyra D´avila, Florencia Verón. Dirección de arte, ambientación y vestuario: María Oswald Caracterización, asistencia de vestuario, arte y ambientación: Flor Gangoiti. Diseño lumínico ambiental: Federico Genovés. Asistencia y operación técnica: Leira Lattaro/ Pedro Reinoso. Música original: Luciano Guglielmino. Diseño de sonido en vivo: Luciano Guglielmino/ Leandro Etchegaray. Sonido en tiempo diferido: Daniel Reinoso Fotografía: Sol Sabato. Diseño gráfico: Estanislao Massigoge.

Jueves 7, a las 20 horas

Sala China Zorrilla

Compañía, con Irene Bianchi, María Inés Portillo y Luis Carril. Comedia dramática/ ATP

“Compañía” explora la crisis de un matrimonio convencional después de 30 años de casados. La historia sigue a Ana y Osvaldo, un matrimonio que lleva una vida rutinaria y tranquila hasta que Osvaldo

conoce a Magda, una mujer viuda y esotérica que irrumpe en su vida y desata una comedia negra que pone al descubierto los desencuentros de la pareja y las soledades ocultas en su relación.

La obra invita a reflexionar sobre los vínculos amorosos estables, la costumbre y el desgaste del amor, así como sobre la necesidad de compañía y la búsqueda de nuevas formas de convivencia. Con lenguaje directo, coloquial y cargado de dobles sentidos, se refuerza el carácter humorístico y reflexivo de la obra.

Viernes 8, a las 21 horas

Ennio Morricone- Homenaje sinfónico

Música/ ATP

Una función a cargo de la Orquesta Aeropuertos Argentina que traerá recuerdos, nostalgia y un reconocimiento al compositor de las melodías más hermosas e inolvidables de películas como “Cinema Paradiso” y “El bueno, el malo y el feo”, entre otras. En este gran homenaje

LACABAPLATA

sinfónico, el público recorrerá los mejores momentos musicales de su vasta carrera como compositor, arreglador y director de las más bellas obras musicales que se hayan hecho para el mundo del cine. La función cuenta con una gran puesta de producción, con más de 70 personas en escena: músicos cantantes, coro, además de una gran pantalla de proyección digital donde se verán reflejadas imágenes de las grandes películas a las que Morricone aportó su música, sincronizadas con la orquesta, cantantes y coro en vivo.

Sábado 9, a las 21 hs

El Equilibrista, con Mauricio Dayub

Comedia/ Apta + 13 años

El equilibrista es la historia que cada uno de nosotros podría contar acerca de su vida, si pudiera volver a ser niño. Es una forma soñada de compartir parte de nuestra vida, deleitando, ilusionando. Sin tristezas, con euforia y emoción. Para salir con el ímpetu necesario y demos- u

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trar que el mundo es de los que se animan a perder el equilibrio.

Autores: Mariano Saba, Patricio

Abadi y Mauricio Dayub.

Dirección: César Brie.

Domingo 10, a las 16 hs y a las 18 hs

Topa, un mundo de colores

Infantil/ Apta + 2 años

Diego Topa, el artista infantil número uno de Latinoamérica, presenta su espectáculo “Topa Un mundo de colores”, una propuesta musical y teatral que celebra el encuentro con las familias que lo acompañan día a día desde sus hogares. Luego de años de éxitos en los escenarios más importantes del país y de convocar a millones de espectadores en Latinoamérica, Topa inicia una nueva etapa donde el show en vivo se convierte en una verdadera extensión de ese vínculo cotidiano con su público.

“Topa Un mundo de colores” no es solo un espectáculo: es una fiesta para cantar, bailar y emocionarse en familia, con las canciones que ya son parte

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de la banda sonora de miles de infancias y nuevos lanzamientos que invitan a seguir soñando.

Jueves 14, a las 20 hs

Sala China Zorrilla Madera Mineral, memorias del barro

Música/ ATP

El dúo folklórico platense “Madera Mineral” presenta: Memorias del barro.

Luego de consagrarse como ganadoras del Certamen PreCosquín 2026 en el rubro Dúo Vocal, y participar en la Cuarta Luna del Festival Oficial del mismo, se presentarán en el emblemático Teatro Coliseo Podestá, con el fin de compartir su nuevo espectáculo. Un repertorio renovado en el cual se incluirán tanto arreglos de obras folklóricas populares como también composiciones propias. Además, contarán con invitados especiales y la presencia de la bailarina Cam González.

Música / ATP + 13 años

Fabiana Cantilo vuelve al escenario en formato Banda de Rock, con un show poderoso que recorre las canciones que marcaron sus 13 discos y más de 40 años de historia en la música.

Una experiencia vibrante que combina himnos inolvidables, nuevas composiciones y clásicos del rock nacional, con una energía renovada, sonido actual y una puesta intensa con proyecciones, que conecta directo con el corazón del público.

Voz fundamental del rock argentino, Cantilo reafirma su presente con un espectáculo electrizante, visceral y emotivo, celebrando su legado con la fuerza y autenticidad que la convierten en una artista única e imprescindible.

Domingo 17, a las 20 horas

Sábado 16, a las 21 horas

Fabiana Cantilo

Corto Circuito, con Pedro Alfonso, Yayo Guridi, Viviana Saccone, Diego Ramos,

Julieta Poggio y Ana Paula Buljubasich

Comedia

Apta+ 5 años

Bajo la dirección de Diego Ramos, la obra presenta situaciones desopilantes y malentendidos provocados por la irrupción de un robot en la vida cotidiana. Protagonizada por Pedro Alfonso, Yayo Guridi, Viviana Saccone, Diego Ramos, Julieta Poggio y Ana Paula Buljubasich, “Corto Circuito” promete ser la comedia imperdible de la temporada, combinando risas, tecnología y momentos que resonarán con toda la familia.

Jueves 21, a las 20 horas

Sala China Zorrilla

El vuelo de las brujas, de Grupo Temporal con Martha Bugiolachi, Mónica Calcagno, Jorgelina Pérez. Dramaturgia y dirección: Adriana Sosa

Comedia dramática /ATP

Tres mujeres habitan en la residencia “BUENA VIDA”

para la tercera edad, un lugar colmado de reglas, instructivos y obediencia que las controla en forma permanente… entre otras cosas. Entre ellas surge la sororidad como modo de resistencia. Una historia que, con momentos de humor, reflexiona, desde una mirada de género, sobre el envejecimiento activo, las obras sociales, el cuerpo como artefacto productivo y el derecho a elegir la forma de transitar esa etapa de la vida.

Viernes 22, a las 21.30 horas

LAPLATA

Experiencia Queen

Música / ATP

El show promete llevar al público a revivir los grandes éxitos de Queen en una única noche, transportándolos a los icónicos conciertos de la banda de manera fiel y deslumbrante. Este espectáculo, que recrea a la perfección tanto la música como la escenografía de los conciertos de Queen, representa con notable exactitud a cada uno de los miembros originales del grupo. Con vestuarios auténticos y el uso de instrumentos originales, el espectáculo ofrece una experiencia única para los fanáticos de todas las edades.

Sábado 23, a las 21 horas

Purga, con Nico De Tracy Stand Up-Humorístico / Apta + 16 años

PURGA es un espectáculo construido a lo largo de dos años de funciones en bares de Capital Federal y el conurbano bonaerense. En este show el comediante aborda temas como sus inicios en el stand up, la paternidad y la crianza, u

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trar que el mundo es de los que se animan a perder el equilibrio.

Autores: Mariano Saba, Patricio

Abadi y Mauricio Dayub.

Dirección: César Brie.

Domingo 10, a las 16 hs y a las 18 hs

Topa, un mundo de colores

Infantil/ Apta + 2 años

Diego Topa, el artista infantil número uno de Latinoamérica, presenta su espectáculo “Topa Un mundo de colores”, una propuesta musical y teatral que celebra el encuentro con las familias que lo acompañan día a día desde sus hogares. Luego de años de éxitos en los escenarios más importantes del país y de convocar a millones de espectadores en Latinoamérica, Topa inicia una nueva etapa donde el show en vivo se convierte en una verdadera extensión de ese vínculo cotidiano con su público.

“Topa Un mundo de colores” no es solo un espectáculo: es una fiesta para cantar, bailar y emocionarse en familia, con las canciones que ya son parte

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de la banda sonora de miles de infancias y nuevos lanzamientos que invitan a seguir soñando.

Jueves 14, a las 20 hs

Sala China Zorrilla Madera Mineral, memorias del barro

Música/ ATP

El dúo folklórico platense “Madera Mineral” presenta: Memorias del barro.

Luego de consagrarse como ganadoras del Certamen PreCosquín 2026 en el rubro Dúo Vocal, y participar en la Cuarta Luna del Festival Oficial del mismo, se presentarán en el emblemático Teatro Coliseo Podestá, con el fin de compartir su nuevo espectáculo. Un repertorio renovado en el cual se incluirán tanto arreglos de obras folklóricas populares como también composiciones propias. Además, contarán con invitados especiales y la presencia de la bailarina Cam González.

Música / ATP + 13 años

Fabiana Cantilo vuelve al escenario en formato Banda de Rock, con un show poderoso que recorre las canciones que marcaron sus 13 discos y más de 40 años de historia en la música.

Una experiencia vibrante que combina himnos inolvidables, nuevas composiciones y clásicos del rock nacional, con una energía renovada, sonido actual y una puesta intensa con proyecciones, que conecta directo con el corazón del público.

Voz fundamental del rock argentino, Cantilo reafirma su presente con un espectáculo electrizante, visceral y emotivo, celebrando su legado con la fuerza y autenticidad que la convierten en una artista única e imprescindible.

Domingo 17, a las 20 horas

Sábado 16, a las 21 horas

Fabiana Cantilo

Corto Circuito, con Pedro Alfonso, Yayo Guridi, Viviana Saccone, Diego Ramos,

Julieta Poggio y Ana Paula Buljubasich

Comedia

Apta+ 5 años

Bajo la dirección de Diego Ramos, la obra presenta situaciones desopilantes y malentendidos provocados por la irrupción de un robot en la vida cotidiana. Protagonizada por Pedro Alfonso, Yayo Guridi, Viviana Saccone, Diego Ramos, Julieta Poggio y Ana Paula Buljubasich, “Corto Circuito” promete ser la comedia imperdible de la temporada, combinando risas, tecnología y momentos que resonarán con toda la familia.

Jueves 21, a las 20 horas

Sala China Zorrilla

El vuelo de las brujas, de Grupo Temporal con Martha Bugiolachi, Mónica Calcagno, Jorgelina Pérez. Dramaturgia y dirección: Adriana Sosa

Comedia dramática /ATP

Tres mujeres habitan en la residencia “BUENA VIDA”

para la tercera edad, un lugar colmado de reglas, instructivos y obediencia que las controla en forma permanente… entre otras cosas. Entre ellas surge la sororidad como modo de resistencia. Una historia que, con momentos de humor, reflexiona, desde una mirada de género, sobre el envejecimiento activo, las obras sociales, el cuerpo como artefacto productivo y el derecho a elegir la forma de transitar esa etapa de la vida.

Viernes 22, a las 21.30 horas

LAPLATA

Experiencia Queen

Música / ATP

El show promete llevar al público a revivir los grandes éxitos de Queen en una única noche, transportándolos a los icónicos conciertos de la banda de manera fiel y deslumbrante. Este espectáculo, que recrea a la perfección tanto la música como la escenografía de los conciertos de Queen, representa con notable exactitud a cada uno de los miembros originales del grupo. Con vestuarios auténticos y el uso de instrumentos originales, el espectáculo ofrece una experiencia única para los fanáticos de todas las edades.

Sábado 23, a las 21 horas

Purga, con Nico De Tracy Stand Up-Humorístico / Apta + 16 años

PURGA es un espectáculo construido a lo largo de dos años de funciones en bares de Capital Federal y el conurbano bonaerense. En este show el comediante aborda temas como sus inicios en el stand up, la paternidad y la crianza, u

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experiencias personales oscuras y situaciones crudas de la vida cotidiana, logrando un relato ágil, honesto y deliberadamente incómodo.

Sábado 30, a las 19 horas Empieza con D, siete letras, con Eduardo Blanco y Victoria Almeida.

Comedia /Apta + 6 años

La última obra teatral de Juan José Campanella, “Empieza con D, Siete Letras” se presenta en el Teatro Municipal Coliseo Podestá.

En la sala de espera de un consultorio dental, dos personajes chocan de la manera

más inesperada: Miranda Delgado, una profesora de yoga en sus 30, verborrágica, carismática y con un humor tan afilado como su lengua; y Luis Cavalli, un médico retirado en sus 60, viudo y todavía buscando el manual de instrucciones de un nuevo mundo.

Entre risas, ironías y momentos profundamente humanos, su relación se convertirá en una montaña rusa emocional, donde el amor y el humor son los protagonistas principales.

ENTRADAS

Se encuentran a la venta en la boletería del Teatro, de martes a domingos de 10 a 20 horas y feriados de 15 a 20 h. Las localidades también se pueden conseguir a través de Plateanet.

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MiráBA

Una pieza magistral con tintes de thriller psicológico. El principio de Arquímedes de Josep Maria Miró, dirigida por Sara Mon

Continúa su segunda temporada con una función el sábado 23 de mayo a las 21h. en Teatro Abierto de la ciudad de La Plata.

Este magistral clásico del teatro catalán contemporáneo que en 2011, recibIó el Premio Born de teatro, uno de los más prestigiosos de España, es uno de esos montajes imprescindibles que ningún buen aficionado al

teatro debería perderse.

Sin duda alguna, estamos ante un texto que cuenta con una potentísima estructura narrativa y que funciona como el mecanismo de un reloj. Desde el arranque la historia atrapa por completo, manteniéndote en vilo de principio a fin. La historia va hacia delante y hacia atrás y toma del cine el recurso del Raccord. Éste es, sin duda, otro de los grandes aciertos del texto ya que esas repeticiones van generando más y más tensión. Sin lugar a dudas, Josep María Miró ha confeccionado una auténtica

joya teatral que encierra una gran carga emocional y atraviesa a los espectadores a medida que transcurre la trama.

La historia está ambientada en un natatorio el día en que el grupo infantil de Los caballitos de mar empieza a nadar sin flotador. Este momento crucial para los más pequeños es el desencadenante de la trama. Un incidente aparentemente trivial, una muestra de cariño de Lucas, un profesor de natación hacia un niño desata una escalada de suposiciones y desconfianza entre padres,

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profesores y la comunidad. Un gesto que parece inocente se convierte en la sospecha de lo que no se vió y se observa con prejuicio, generando una presión para tomar partido entre lo que se dice, lo que se asume y lo que debería ser.

Uno de los puntos fuertes del montaje de Sara Mon es el elenco: Nahuel López, es Lucas, el protagonista y consigue plasmar a la perfección la increíble evolución psicológica del personaje. Juan Patricio Nievas, dando vida a Gastón, el otro profe de la pileta transmite muy bien el cambio de percepción cuando su amigo es ‘acusado’. Carolina Cremonte Bressan encarna, de manera convincente, a la directora de la pileta, una mujer sobre la que recae una enorme presión. Completa el elenco Edgardo Sancho, en el rol de uno de los padres representa de forma muy acertada esa visión recelosa de algunos adultos sobre determinadas cuestiones que atañen a sus hijos.

La puesta en escena de Nahuel López y Sara Mon es impactante y eficaz. La escenografía de Alejandro Mateo con una paleta de colores minimalista, ensambla de modo impecable con un magnífico diseño de luces obra de Juan Camiletti y una fantástica ambientación sonora con música original de Osvaldo Aguilar con un final que se las trae.

‘El principio de Arquímedes’ es una obra que te sumerge en una

profunda reflexión y que abre decenas de interrogantes sobre los miedos contemporáneos, las relaciones humanas, los prejuicios y la confianza.

“La solución es inevitablemente incómoda. Y nada será igual aunque quizás nada haya sucedido”.

EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES

Autoría:

Josep Maria Miró

Actúan:

Carolina Cremonte Bressán

Nahuel López

Juan Patricio Nievas

Edgardo Sancho

Vestuario:

Alejando Mateo

Escenografía:

Alejandro Mateo

Iluminación:

Juan Camilletti

Música original: Osvaldo Aguilar

Efectos Sonoros:

Osvaldo Aguilar

Diseño gráfico: Laura Talucci

Asistencia de dirección: Juan Camilletti

Puesta en escena: Nahuel López

Sara Mon

Dirección de actores:

Sara Mon

FUNCIÓN

Sábado 23 de Mayo a las 21h en Teatro Abierto Calle 38 nº 1265 entre 21 y 22. La Plata. Teléfono: 0221 567-8713 .

Duración:

70 minutos

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

CONTACTO:

Sara Mon saramon56@gmail.com

MiráBA 169

4ta temporada: Única función Sábado 16 de Mayo 18 h.

Con las manos atadas

Autoría Claudia Piñeiro - Dirección Sara Mon

Premios Mejor Actuación Femenina y Masculina en la Fiesta Regional de Teatro Independiente de la Provincia de Buenos Aires, por la Región 8.

Una historia policial, un asalto en una escribanía, dos víctimas de un robo.

Con las manos atadas, la comedia dramática de Claudia Piñeiro continúa su Cuarta Temporada con una única función el sábado 16 de mayo a las 18 h en teatro Espacio 44 de la ciudad de La Plata.

Víctimas de un robo, la escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía. En el lugar más inhóspito, el caos original deviene en un planteo intimista de “dos personas

solas, dos solitarios “ como los describe la autora. Elena y Gutiérrez, que han compartido el mismo espacio de trabajo durante años, desconocen todo el uno del

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otro. Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche.

La escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía donde ambos trabajan. En el lugar más inhóspito el caos original deviene en un planteo intimista de “dos personas solas, dos solitarios “ como los describe la autora.

La brecha social y jerárquica se desvanece, como en una especie de Saturnalia y el lugar dominante alterna de uno a otro al menos en ese momento único fuera de las reglas donde

solo cuentan el uno con el otro.

Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche.

Humana, sorprendente, desopilante y profunda, esta comedia dramática despliega una mirada atenta y sutil sobre las relaciones humanas.

CON LAS MANOS ATADAS de CLAUDIA PIÑEIRO

Actúan

MARIANA ARRUPE

MARIO MAHLER.

Música original y Efectos sonoros:

OSVALDO AGUILAR

Diseño de luces NAHUEL LÓPEZ

Diseño y realización de la Gráfica

LAURA TALUCCI

Dirección

SARA MON

FUNCIÓN

Sábado 16 de Mayo 18 h. En Espacio 44 Calle 44 nro 496 entre 4 y 5 La Plata.

Entradas por Alternativa teatral. @teatroespacio44

CONTACTO

Sara Mon saramon56@gmail.com

Música

ORQUESTA TÍPICA DI PASQUALE

Presenta su nuevo álbum:

¿Qué pasa con la música popular hoy?

PRESENTACIÓN:

«¿Qué pasa con la música popular hoy?”

(orquesta en vivo: piano, dirección, arreglos, composición y producción: Juan Ignacio Di Pasquale; Violines: Julia Testa, Anahí Melendez, Antonio Fernandez, Hilen Rocío Alves//Viola: Dayana Parra.// Violonchelo: Zacarias Grynberg// Bandoneones:Joaquín Sterman, Tomás Muir, Manuel Del Pozo//

MiráBA 172

Contrabajo::Diego Vázquez)

Martes 12, 19 y 26 de mayo: puerta 20:00h. - Recital 21:00h. La Carbonera

Carlos Calvo 299, esquina Balcarce- San Telmo- CABA

DETALLE DE FECHAS:

Martes 12 de mayo: con Pipi Piazzolla + Damian Fogiel, Luciana Jury, Nacho Mozetic,

cuarteto de vientos más Daisy Lombardo de invitada especial. Link a entradas

Martes 19 de mayo: con Daniel Maza + cuerda de tambores, María Pien, Carmén Sanchez Viamonte más Tilsa Llerena de invitada especial. Link a entradas

Martes 26 de mayo: con Carlos Moscardini, Dúo Bote

(Flor Bobadilla Oliva y Abel Tesoriere), Marcelo Moguilevsky y Sebastián Esposito más Julia Moscardini de invitada especial. Link a entradas

El pianista, compositor y director

Juan Ignacio Di Pasquale presenta su nueva producción discográfica. Se trata de un álbum donde el tango se mixtura con una variada gama de géneros: chamamé, folklore y jazz, entre otros. Cuenta con la colaboración de grandes referentes de la escena actual.

Cada presentación en vivo contará con la presencia de los distintxs artistas invitadxs que grabaron en el álbum, con lo cual cada fecha será única e irrepetible.

El disco surge como fruto del trabajo realizado a lo largo de tres años, en los cuales la orquesta anfitrionó el ciclo de conciertos «¿Qué pasa con la música popular hoy?».

En este material, la orquesta interpreta arreglos propios de obras de grandes referentes de la música popular de géneros/ ritmos tales como milonga, vals, chamamé, jazz, folclore, indie-entre otros-, generando un diálogo entre el tango y esos géneros.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

TEMAS:

1) Castigo: (4:32) Autor/es, compositor/es: Sebastián Espósito

Grabaron: Sebastián Espósito y

Marcelo Moguilevsky

2) Doña Carmen:(3:33) Autor/ es, compositor/es: Carlos Moscardini

Grabó: Carlos Moscardini

3) Regreso:(4:39) Autor/es, compositor/es: Esteban Godoy y Abel Tesoriere

Grabaron: Abel Tesoriere y Flor Bobadilla Oliva

4) Polacos: (3:21) Autor/es, compositor/es: Daniel “Pipi” Piazzolla.

Grabaron: Daniel “Pipi” Piazzolla, Lucio Balduini y Damian Fogiel

5) El extrañante: (4:19) Autor/es, compositor/es: Gabo Ferro

Grabó: Luciana Jury

6) La vida la muerte: (2:43)

Autor/es, compositor/es: Juan Saraco

Grabaron: Nadia Larcher y Andrés Pilar

7) La espera: (3:59) Autor/es, compositor/es: Laura Urteaga

Grabaron: Nacho Mozetic, Cristian Caceres, Santiago Bustos, Marcelo Lanouguere y Lautaro Quipildor.

8) Candombe bailador: (2:51)

Autor/es, compositor/es: u

María Volonté y Daniel “Maza”

Grabaron: Daniel “Maza”, Inés Cuello y Eliana Zarabozo

9) San Camilo:(3.30) Autor/es, compositor/es: María Pien

Grabó: María Pien

10) Electricidad: (4:22) Autor/es, compositor/es: Carmen Sanchez

Viamonte

Grabó: Carmen Sanchez

Viamonte

Productor: Juan Ignacio Di Pasquale

Asistente de producción: Rodrigo Almonacid

Dirección y arreglos: Juan Ignacio Di Pasquale

Artistas invitados:

Pipi Piazzolla, Daniel Maza, Marcelo Moguilevsky, Sebastián Espósito, Abel Tesoriere,

Inés Cuello, Eliana Zarabozo, Flor Bobadilla Oliva, Luciana

Jury, Carlos Moscardini, Nadia Larcher, Andrés Pilar, María Pien, Carmen Sánchez

Viamonte, Nacho Mozetic

Músicos de la grabación: Violines:

Julia Testa, Octavio Bianchi

Godoy, Laura Campos, Hilen

Rocío Alves, Ariadna Bruschini, Renzo Martínez, Marcos Carreras.

Violas:

Dayana Parra, Lucas Rodriguez. Violonchelos: Regina Manfredi/ Marcela Vicente

Bandoneones: Joaquín Sterman, Tomás

Muir, Tito Pellecchia, Rodrigo

Almonacid

Contrabajo: Diego Vázquez

Técnicos de grabación: Rodrigo

Ruiz, Alejandro Marani, Agustina Curci, Santiago García Ferro

Asistentes:

Barile, Brachetta, Cano Ortiz, Coronel, Cosentino, Escoda, Figueredo, Gel, Harrison, La Rosa, Markow, Pilarche, Villafañe, Estudiantes Taller de Grabación de Sonido 2, Lic. en Audiovisión, UnLa Mezcla y mastering: Ariel Lavigna

Grabado en Estudio “Enrique Santos Discépolo”, UnLa Diseño gráfico: “Fuji”

Institucional:

Universidad Nacional de Lanús, Departamento de Artes y Humanidades, Licenciatura en Audiovisión, Taller de grabación 2.

Algo más acerca de “¿Qué pasa con la música popular hoy?”

En este presente tan álgido de producción de tango, folklore y diversas músicas populares, Juan Ignacio Di Pasquale, director de la Orquesta Típica Di Pasquale, se plantea la pregunta: «¿Qué pasa con la música popular?» y, a lo largo de tres años, intentó responderla.

¿Cómo?

A través de un ciclo de conciertos mensuales en el Teatro Hasta Trilce, donde la orquesta actuó como anfitriona recibiendo cada mes a referentes de diversas vertientes de la música popular (folklore, chamamé, jazz, candombe, indie, etc.). Pero no se trató simplemente de un encuentro casual en el escenario. La propuesta fue más ambiciosa: crear un diálogo profundo entre la orquesta típica de tango y sus invitados, generando una fusión genuina entre los géneros.

Los arreglos:

Confiando en que La Típica —nuestra pequeña sinfónica tanguera— es capaz de jugar en todas las canchas y navegar en todos los ríos, Juan se propuso realizar arreglos de las obras del repertorio de los invitados para interpretarlas de manera conjunta, generando en muchos casos encuentros (hasta ahora) únicos e inéditos.

¿Y el disco? ¿Cómo se grabó?

Durante esos tres años, la orquesta soñaba con registrar este trabajo; sin embargo,

los recursos necesarios para hacerlo representaban un impedimento difícil de superar por sus propios medios.

La universidad pública, un espacio que nos abraza. Hacia fines de 2023, Juan y la Orquesta Típica Di Pasquale entraban a grabar en la UNLa, conocían el imponente estudio “Enrique Santos Discépolo” y al profesor Rodrigo Ruiz del “Taller de Grabación” de la Lic. en Audiovisión.

Fue entonces que se empezó a cocinar este gran proyecto: Grabar una selección de obras de los casi 30 arreglos realizados en el ciclo.

Gracias a la colaboración y el trabajo mancomunado realizado junto a la Universidad Nacional de Lanús, Lic. en Audiovisión del Departamento de Humanidades y Artes, Sec. de Cultura y Comunicación de la universidad y la Discográfica del Sur, con sus equipos docente, no docente, administrativo y estudiantil, este proyecto se pudo concretar. El mismo se realizó en 3 jornadas durante los meses de octubre y noviembre de 2024.

El proyecto contó con el apoyo del Fondo Metropolitano de las Artes, el cual permitió solventar otros gastos.

Acerca de Juan Ignacio Di Pasquale

Es pianista, compositor, director y arreglador de tango y músicas populares. Realiza trabajos de composición y arreglos para teatro y cine nacional e internacional. Director de la Orquesta Típica Di Pasquale, premiada por INAMU, FNA y FMA, con la cual ha participado en numerosos e importantes festivales de tango y ha colaborado con referentes destacados de la escena de la música popular, como Pipi Piazzolla, Inés Cuello, Daniel Maza, Nadia Larcher y Carlos Moscardini, entre otros.

PRENSA

Ana Garland Management anagarland@gmail.com

VIDEO

Teaser - Candombe Bailador (feat. Daniel Maza, Inés Cuello y Eliana Zarabozo)

LARGO CAMINO DEL BEATLE VAQUERO NUEVO ÁLBUM DE RINGO STARR

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Un nuevo capítulo musical suena fuerte en la vida de Ringo Starr quien, a solo un año de su último lanzamiento, presenta su álbum Long Long Road, con colaboraciones de lujo y producción de T Bone Burnett. Ringo tiene un historial relacionado a la música country que se remonta a las maravillosas canciones Honey don’t, What Goes On o Don’t Pass Me By junto a The Beatles, hasta su segundo álbum en solitario: Beaucoups of Blues de 1970. Long Long Road (Largo Largo Viaje) es un disco que ya desde su título plantea un dilema filosófico como el paso

del tiempo, el vínculo con los amigos y recuerdos de una vida bien vivida.

Long Long Road consta de diez canciones que nos presentan el sonido de Ringo siendo él mismo con una banda que ya lo acompañó en su trabajo anterior como buenos cowboys beatlemaníacos. El nombre de este ensamble es The Texans haciendo referencia a una banda de Liverpool allá por 1959 en donde Ringo tocó. The Texans está compuesto por Paul Franklin, David Mansfield, Dennis Crouch, Daniel Tashian, Rory Hoffman, Patrick Warren y Colin Linden, mientras que

entre los músicos invitados se encuentran Billy Strings, Sheryl Crow y St. Vincent.

Este segundo álbum en conjunto con Burnett surge a partir de un evento celebrado en Los Ángeles en 2022 donde Ringo le pidió que escribiera una canción para un EP. Burnett se tomó la tarea muy en serio y compuso casi 20 canciones que se materializaron tanto en Look Up (2025), su primer álbum completo en seis años que llegó al número uno en los rankings, como en Long Long Road (2026). “Cuéntame una historia y no me importa si es verdad”

dice el inicio de este nuevo disco que representa un viaje por parte de su carrera artística con la misma frescura y energía de siempre, como un octogenario plenamente activo.

Grabado en Nashville y Los Ángeles, con una estética clásica, pero de alta calidad, su sonido nos permite ver por qué Ringo era el mayor fan del country de los Beatles. Su voz da cuenta del paso del tiempo, pero sigue cautivando y juntándose con grandes músicos que, como el vino, se fortalecen a medida que pasan los años. El “Oh baby don’t go” del segundo tema, tiene cierta reminiscencia Beatle que recuerda a clásicos como Act Naturally o Hey Bulldog. El tercer tema quizás sea el menos country del disco, recién es el que tiene un coro muy característico de la década del 50, que también nos transporta a los coros tanto The Beatles como The Beach Boys. La cantante Molly Tuttle, quien ya aparecía el año pasado con una química especial y su voz encantadora en Can You Hear Me Call, esta vez se impone como la presencia femenina más constante del álbum desde lo vocal y también desde lo musical por su interpretación en varios pasajes de guitarra acústica.

Sir Ringo Starr, además de haber sido uno de los miembros originales de The Beatles, con todo lo que ello conlleva, a lo largo de su carrera ha recibido nueve premios GRAMMY y

fue incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Publicó 20 discos de estudio como solista entre 1970 y 2023. Actuó en más de 15 películas, recibiendo un Oscar y fue nominado como actor a un Emmy. Publicó 8 libros y realizó numerosas exposiciones como artista plástico. En 2008 Ringo empezó a dedicar su cumpleaños del 7 de julio a promover la Paz y el Amor. Fue nombrado caballero en 2018 y lleva más de 40 años de giras con sus compañeros de la All Starr Band. Con Long Long Road, a sus 85 años, suma 22 discos como solista en una prolífica carrera artística. La historia que nos cuenta, sin importar si es real o ficcional, tiene su huella musical y conmueve como siempre. ¡Gracias por este regalo del Beatle que siempre quiso ser vaquero!

Ringo Starr – Long Long Road (2026)

LADO A

1.RETURNING WITHOUT TEARS

2.BABY DON’T GO

3.I DON’T SEE ME IN YOUR EYES ANYMORE

4.IT’S BEEN TOO LONG (con Molly Tuttle y Sarah Jarosz)

5 WHY

LADO B

1.YOU AND I (WAVE OF LOVE) (con Molly Tuttle)

2. MY BABY DON’T WANT NOTHING

3.CHOOSE LOVE (con St. Vincent)

4.SHE’S GONE (con Molly Tuttle)

5. LONG LONG ROAD Road (con Sheryl Crow)

VIDEO

Ringo Starr - Long Long Road (Official Music Video)

Nacho Nacif presenta su nuevo EP “VIVO”

Un manifiesto emocional sobre el arte de existir sin anestesia.

Hay momentos en la carrera de un artista donde todo converge. La historia, las preguntas, las pérdidas, el deseo. “VIVO”, el primer EP de Nacho Nacif , nace exactamente en ese punto: donde vivir deja de ser una idea y se convierte en una decisión.

No es solo un lanzamiento. Es un universo en expansión.

A lo largo de cinco canciones, Nacho construye un recorrido que no busca respuestas fáciles, sino experiencias reales: el amor que enciende, la energía que empuja,

la vulnerabilidad que expone y la celebración que irrumpe incluso en medio de la incertidumbre. Con un sonido anclado en el pop latino contemporáneo, pero atravesado por una sensibilidad autoral cada vez más definida, “VIVO” funciona como una declaración íntima y generacional.

“VIVO es mi respuesta a una pregunta: cómo vivir la vida para que, cuando llegue el final, sepa que lo di todo”, comparte el artista.

El EP no propone una narrativa

lineal, sino emocional. Cada canción abre una puerta distinta dentro del mismo pulso vital: estar presente. Sentir. Caer. Volver. En ese mapa, conviven momentos de euforia con instantes de introspección, delineando una identidad artística que ya no teme mostrarse en sus contrastes.

El focus track, “Vamo a Bailar”, condensa el espíritu más luminoso del proyecto: energía pura, cuerpo en movimiento y una invitación directa a habitar el presente sin culpa. Pero el recorrido no se queda ahí.

Canciones como “Todo lo bueno tiene un fin” profundizan en la otra cara del proceso: el reencuentro con uno mismo, el aprendizaje que llega después del quiebre, la reconstrucción emocional como parte inevitable del crecimiento.

Este lanzamiento marca un nuevo capítulo en la trayectoria de Nacho Nacif, no solo por ser su primer EP, sino por la claridad conceptual que lo sostiene. Hay una decisión estética, narrativa y emocional que ordena el proyecto y lo proyecta más allá del formato.

“VIVO” verá la luz acompañado de una campaña que se despliega entre Argentina y España, sus dos territorios clave, con activaciones en medios, plataformas digitales y un evento de lanzamiento en Madrid que reunirá a artistas, creadores, marcas y prensa. El 9 de mayo, ese universo se traducirá en vivo con un show presentación en la capital española, antesala de una gira confirmada a partir de octubre por distintas ciudades.

En paralelo, el crecimiento orgánico de su comunidad — más de 117 mil seguidores en Instagram y 400 mil en TikTok— potencia el alcance de un proyecto que no deja de expandirse, conectando con una audiencia que encuentra en sus canciones algo más que música: un reflejo.

Porque si algo deja claro “VIVO” es que Nacho Nacif no

está persiguiendo hits. Está construyendo sentido. Y en ese proceso, confirma que pertenece a una nueva generación de artistas que no solo interpretan su tiempo, sino que lo atraviesan.

“Mi mamá me dice” fue un hit, por lo que decidió hacer el video con su madre y mostrar parte de su Mendoza querida.

Más sobre Nacho Nacif: Un artista que convirtió la experiencia en voz

Nacho Nacif es un artista pop nacido en Mendoza Argentina, de 25 años que desarrolla su carrera entre Argentina y España , posicionándose dentro de la nueva escena del pop latino. Alcanzó visibilidad internacional tras su paso por Factor X España, donde llegó a la final presentando

sus canciones originales “Madrid” y “10 AM”, recibiendo elogios de figuras como Abraham Mateo y Lali.

Formado en la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires y con experiencia internacional en escenarios de Europa —incluyendo festivales como el Día de la Hispanidad y el Orgullo—, en 2026 realizó sus primeros shows propios con entradas agotadas en Madrid y Buenos Aires.

Entre sus colaboraciones se destacan trabajos junto a Alejandro Lerner y Yami Safdie , consolidando un perfil artístico versátil y en constante evolución. Con una comunidad en crecimiento sostenido, Nacho Nacif se proyecta como una de las voces emergentes con mayor proyección dentro del pop en español.

ANGIE KAB angiekab@gmail.com IG: @heygocomunicacion

VIDEO

Todo Lo Bueno Tiene Un Fin

¿Quién es PinkPantheress?

La artista que redefine el Pop Gen-Z, conquistó el #1 Global y se prepara para Coachella.

Hay artistas que siguen las tendencias y hay artistas que las crean. PinkPantheress, la británica que pasó de producir ritmos en su dormitorio durante la pandemia a dominar la industria, llega a 2026 consolidada como la figura más influyente de la nueva generación y una de las piezas clave de la corriente new nostalgic.

Una pionera en la producción y el sonido “New Nostalgic” Con un estilo único que fusiona el pop alternativo con el drum & bass y una curaduría experta de samples de los 90 y 2000, PinkPantheress ha hecho historia al convertirse en la primera mujer en ganar el BRIT Award

a Productora del Año. Este reconocimiento técnico, sumado a su reciente puesto número 1 con el hit “Stateside” junto a Zara Larsson , la sitúa como la mente maestra detrás del sonido que define nuestra era.

El fenómeno “Stateside”: Del #1 a las Olimpíadas

Su colaboración con Zara Larsson no solo alcanzó la cima de los charts y se consolidó en el Billboard Hot 100, sino que se transformó en un fenómeno cultural. La canción volvió a explotar globalmente gracias a la atleta olímpica Alysa Liu , quien adaptó el baile del video oficial para la rutina de patinaje artístico

con la que se coronó campeona en Milán.

De Bath al mundo: Identidad, Orígenes e Influencias

Nacida en Bath, de ascendencia keniana por parte de su madre, la artista comenzó a componer a los 14 años. Su nombre artístico nació de forma casi accidental mientras miraba el programa británico The Chase, y ha manifestado que prefiere mantener su identidad fuera del ojo público.

Sus influencias son un puente entre décadas: desde la energía de Hayley Williams (Paramore) hasta productores de big beat

de los 2000 como Basement Jaxx y Groove Armada. Esta formación musical le permite crear canciones con un sonido progresivo que dialoga con artistas como Salute y Fcukers, diferenciándose de cualquier otra estrella pop actual.

La artista de culto que todos quieren

Su capacidad para desdibujar géneros ha despertado el interés de los creativos más disruptivos. En la escena hispana, figuras de la talla de Ca7riel y Paco Amoroso ya han manifestado públicamente su interés por colaborar con ella, reconociéndola como la vanguardia absoluta. Con más de 700 millones de reproducciones en su álbum Fancy Some More? , PinkPantheress ha colaborado con una elite diversa que incluye a Kylie Minogue, Kaytranada, Anitta y SEVENTEEN.

Del legado de “Boy’s a Liar” a la consagración en los Grammys 2026

Este ascenso meteórico no es

casualidad, sino una construcción sólida que tiene como cimiento el impacto sísmico de “Boy’s a Liar Pt. 2” junto a Ice Spice, el hit que la catapultó a la masividad. Sobre esa base, PinkPantheress ha edificado un imperio visual que hoy abraza el imaginario inglés en su álbum Fancy That y su expansión Fancy Some More?, donde éxitos virales como “Illegal” -con su challenge que fue replicado hasta por figuras alrededor del mundo entero, incluyendo a la estrella argentina Maria Becerra para presentar su nueva era musical- se transformaron en un fenómeno de reproducciones masivas. Esta evolución la llevó a brillar en los Grammy 2026, donde sus nominaciones a Mejor

Álbum de Pop Alternativo y Mejor Grabación Dance/Electrónica confirmaron que su propuesta ya es parte de la nueva historia de la música.

El desierto la espera: Coachella y su consagración

El 2026 marca su despliegue total en los escenarios más prestigiosos:

Debut en Coachella: Una de las presentaciones más esperadas en el desierto californiano. Headline en Primavera Sound Barcelona: Su primer gran protagónico como cabeza de cartel en Europa.

Gira “An Evening with PinkPantheress” : Tour norteamericano tras agotar funciones en el O2 Brixton Academy y The Wiltern.

MP Comunicación

María Peluffo prensa@mariapeluffo.com maria@mariapeluffo.com @mpeluffomkt

VIDEO

PinkPantheress - Stateside + Zara Larsson (Official Video)

LORENA BRACAMONTE presenta su nuevo álbum "PASAJE"

Bandoneón: Pablo Mainetti // Piano: Hernán Possetti

Violonchelo: Diego Sánchez// Proyecciones: Santiago Pérez Bracamonte y Pedro Marangoni.

PRESENTACIÓN

Domingo 17 de mayo 20:30h

Teatro Empire

Hipólito Yrigoyen 1934, CABA

Teléfonos: 49538254

Entradas en puerta ($25.000).-

La cantante y autora Lorena Bracamonte lanza su nuevo álbum de tango- “Pasaje”- una obra que integra textos de su autoría con la composición musical y dirección del bandoneonista Pablo Mainetti.

El disco-un conjunto poético y sonoro- propone un recorrido por los ciclos de la existencia —el comienzo, el sueño, el invierno y la vigilia, entre otros— entrelazados con reflexiones sociales y culturales. En este trabajo, Bracamonte aborda el género desde una perspectiva contemporánea, combinando la tradición ciudadana con una interpretación contemporánea.

El proceso creativo La producción del álbum se desarrolló a partir de una dinámica colaborativa estrecha: Bracamonte escribió la totalidad de los poemas que funcionan como núcleo del disco y Pablo Mainetti tradujo esa poética al lenguaje musical, creando piezas específicas para cada texto. El material cobró

forma mediante sesiones de experimentación, improvisación y un exhaustivo trabajo de ensamble entre música y palabra.

La dirección musical de Pablo Mainetti logra un sonido donde el tango dialoga con otros géneros, priorizando siempre la narrativa poética. Su trabajo define la identidad sonora de cada track, partiendo de la introspección inicial hasta el cierre reflexivo de la obra.

“Pasaje” se consolida como una propuesta estética sólida, anclada en la tradición porteña pero abierta a nuevas búsquedas dentro de la música de Buenos Aires.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Lorena Bracamonte: Voz, textos y producción general.

Pablo Mainetti: Dirección musical, composición, arreglos y bandoneón.

Piano: Hernán Possetti

Violonchelo: Diego Sánchez. Bandoneón: Pablo Mainetti

Repertorio:

Comienzo (Instrumental) Música: Pablo Mainetti (0.42)

Sueño (Tango) Letra: Lorena Bracamonte

Música: Pablo Mainetti (3.23)

Invierno (Instrumental) Música: Pablo Mainetti (1.40)

Camino (Milonga) Letra: Lorena Bracamonte

Música: Pablo Mainetti (3.47)

Suspenso / Danza (Instrumental / Poema)

Música: Pablo Mainetti | Texto: Lorena Bracamonte (1.19)

Vigilia (Vals) Letra: Lorena Bracamonte

Música: Pablo Mainetti (2.02)

Caja musical (Instrumental)

Música: Pablo Mainetti (0.21)

La Risa (Canción) Letra: Lorena Bracamonte

Música: Pablo Mainetti (3.47)

Ingeniería de Grabación, Mezcla y Mastering: Grabado el 18 de diciembre de 2024 en estudios 0618 y mezclado y masterizado en Estudios Moma por Fernando Martínez.

Editorial y distribución digital: EPSA PUBLISHING S.A. (2026)

Ilustración: Santiago Pérez Bracamonte

Fotografía de ilustración: Clara Neone

Fotografía: Carlos Furman

Asesoramiento de imagen: María

Jazmín Zelaya

Edición y diseño gráfico: Diego

Joel Rocha

Acerca de Lorena Bracamonte:

Nacida en Buenos Aires, cuenta con una trayectoria de 25 años en el canto profesional y la docencia en técnica vocal y repertorio.

Formación Académica

Inició sus estudios en la Escuela Polivalente de Arte de Ezeiza. Su formación técnica incluye:

Técnica Vocal: Formada por Susana Naidich. Instituciones: Vocalista

Profesional por el Instituto Tecnológico de Música Contemporánea (ITMC) y Formación para Cantantes en la Academia Nacional del Tango. Especialización: Diplomatura y Posgrado en Usos de la Voz (UNSAM). Participó en seminarios dictados por Susana Rinaldi, Juan Carlos Cuacci e Inés Rinaldi.

Trayectoria y Presentaciones

Desde sus inicios en la escena del tango en 2001, se ha presentado en espacios como el Centro Cultural de la Cooperación y Sabor a Tango. Fue finalista del Certamen Hugo del Carril y participó en el II Festival de Tango Independiente. A lo largo de su carrera, ha colaborado con músicos como Nicolás Ledesma, Rafael Varela y Fernando Suárez

Paz.

Discografía y Proyectos Destacados

El instante (2010): Álbum debut con Producción, arreglos y dirección musical de Gabriel Senanes, donde presenta también su primer letra de tango junto a la composición músical de Gabriel Senanes, presentado en el Teatro 25 de Mayo. Desbocada (2013): Proyecto con eje en la fusión de autores como Lorca, Páez y Spinetta. Estuches del aire (2015): EP grabado a dúo con Rafael Varela con orientación folclórica. Gira Internacional (2016): Presentaciones en España. Ciudad Ensueño (2017) y Buenos Aires Granada (2018): Trabajos dedicados a la obra de Piazzolla y a la integración del fado con el folklore.

Producción reciente (2021): Lanzamiento de los temas de su autoría “Será otro día” y “Tiempo”

PRENSA

Ana Garland Management anagarland@gmail.com

VIDEO Camino

ROX PRESENTA

“ALTA FRECUENCIA”

UN SENCILLO QUE INVITA A ELEVAR EL ESTADO INTERNO Y REDEFINIR LA REALIDAD

Roxana Frontini, conocida artísticamente como ROX, presenta “Alta Frecuencia”, su nuevo lanzamiento musical y conceptual que propone una reflexión profunda sobre el estado interno como punto de partida para la creación de la realidad.

Artista multidisciplinaria, ROX desarrolla su práctica en la intersección entre la música, el arte visual y el diseño, construyendo un universo creativo integrado donde el sonido se expande hacia experiencias, objetos y lenguajes visuales. En este contexto, “Alta Frecuencia” no se presenta solo como una canción, sino como parte de una

narrativa más amplia que explora la relación entre identidad, percepción y potencial humano.

El concepto de “frecuencia” se aborda en esta obra como una metáfora de coherencia: la alineación entre pensamiento, emoción, cuerpo y acción. A través de esta mirada, el sencillo

plantea una pregunta central: ¿Qué versión de nosotros mismos somos capaces de sostener?

En un escenario contemporáneo atravesado por la sobreestimulación y la fragmentación de la atención, “Alta Frecuencia” propone a la música como una herramienta de recalibración consciente. No solo como expresión emocional, sino como un recurso capaz de influir en la forma en que percibimos, decidimos y actuamos.

Lejos de prometer transformaciones inmediatas, la obra se presenta como una invitación clara: elevar el estado interno como acto de

responsabilidad personal y como primer paso hacia una vida más consciente, expansiva y coherente.

La canción también dialoga con la necesidad de romper patrones heredados, emocionales, culturales y familiares, para abrir espacio a nuevas posibilidades, dejando atrás estructuras limitantes del pasado. En este sentido, “Alta Frecuencia”se posiciona no solo como una pieza musical, sino como una decisión: la de habitar una versión más amplia, alineada y consciente de uno mismo.

SOBRE ROX

Roxana Frontini es una artista multidisciplinaria cuya práctica se despliega entre la música, el arte visual y el diseño como un sistema creativo integrado. Su obra explora la relación entre mentalidad, identidad y potencial humano, basada en la convicción de que la forma en que pensamos define cómo creamos y experimentamos la realidad.

En el centro de su práctica está la música, que escribe e interpreta como el origen de un cuerpo de

obra más amplio que se expande hacia pinturas, esculturas, objetos y experiencias inmersivas, donde el sonido se convierte en forma.

Paralelamente, ha construido más de dos décadas de experiencia global en los mundos del lujo, la moda, el entretenimiento y la innovación, colaborando con marcas internacionales, compañías Fortune 500 y proyectos emergentes en Estados Unidos, Europa y América Latina.

Es fundadora de roxanafrontini. com , su laboratorio creativo de música, arte y diseño, y de curatorsgroup.com , firma estratégico-creativa orientada al desarrollo de marcas de alto impacto. Además, se desempeña como docente en Instituto Marangoni Miami y lidera iniciativas de mentoría para nuevas generaciones de creativos y líderes.

Dentro de su discografía, se destacan lanzamientos como “Cristal”, un punto de inflexión que amplificó su alcance en medios internacionales y funciona como un homenaje a la fuerza de

las mujeres latinoamericanas; “Hermandad”, una canción cocreada con su hermano que propone un mensaje universal de paz; y “Unconditional Love” , presentada en el marco de Art Basel Miami Beach, donde integró música en vivo, arte visual y performance en una experiencia inmersiva, junto al cuatrista venezolano Edward Ramírez.

Su trabajo se nutre de una exploración constante de la metafísica, el pensamiento cuántico y la conciencia humana, abordados desde una práctica artística viva y en evolución. En el centro de su propuesta existe un compromiso claro: elevar la mentalidad y desbloquear el potencial humano a través del laboratorio musical y atelier de arte y diseño.

PRENSA

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

VIDEO

Roxana Frontini — Alta Frecuencia [ROX Official Video]

LAS TRAMPAS DE LILY

“4 CARAS”

EL REGRESO DE UN EMBLEMA DEL ROCK DE LOS AÑOS 2000

“4 CARAS” Este nuevo single recientemente editado, es una reversión del clásico de Alejandro Schanzenbach de los años 90. El propio Schanzenbach colaboró en la grabación, junto al gran Antonio Birabent como invitado especial.

TRAYECTORIA, SELLOS Y EL REGRESO A LAS FUENTES

Banda formada en 2003 en la ciudad de Río GallegosLas Trampas de Lily capturó el interés de la productora argentina PopArt desde sus primeros pasos e impulsó su primer EP, dando inicio a su carrera profesional;

consolidándose como una pieza clave en el engranaje del rock nacional de los 2000. Así, en 2005 editaron bajo el sello EMI su álbum debut ‘La calle que brilla’, bajo la producción de Alejandro Villa (Duna) y Mano Custodio (Custodios/ Los Tipitos); este disco incluyó cortes como ‘Las chicas de Bond Street’ y ‘Esto no es para mí’, que lograron alta rotación en compilados nacionales [Soy Rock] y canales de música como Much Music y CM. En 2007 reafirmaron su lugar con ‘Escucho las voces’ (EMI), trabajo que fue elegido como Mejor disco under por el Suple NO de Página/12. Esta etapa los

llevó a tocar en La Trastienda y compartir escenarios junto a Babasónicos y Vicentico. En 2010, la banda dio un salto de calidad técnica con ‘Todo de nuevo’, editado por Sony Music. El disco fue producido por Ulises Butrón y masterizado por Mario Siperman (Los Fabulosos Cadillacs). Con este álbum recorrieron los festivales más importantes del país como Quilmes Rock, Pepsi Music y Cosquín Rock.

LA ETAPA INDEPENDIENTE Y LA ACTUALIDAD

Tras los discos ‘En la radio’ (2012) —un homenaje a los

sonidos clásicos del rock— y ‘Suerte de estar vivos’ (2015), la banda atravesó su período independiente sin perder nunca su núcleo creativo. Su resiliencia y constancia en la escena nacional, derivó en una invitación que reactivó esa mística que Las Trampas de Lily tiene con sus raíces, con sus primeros fans; fue en 2019 que la banda regresó a su ciudad natal -Rio Gallegos- para brindar un show histórico, donde confirmaron la vigencia de sus canciones.

Actualmente, la banda se encuentra ensayando y en proceso de grabación de nuevas canciones bajo la producción de Ale Villa, preparando su vuelta definitiva a los escenarios.

Soportes discográficos: PopArt, EMI y Sony Music

Presencia en Medios:

Soy Rock, Much Music, CM, Banda Soporte y Página12

Festivales y Escenarios:

Cosquín Rock, Pepsi Music, Quilmes Rock, La Trastienda y Aniversario de La Plata (junto a

Babasónicos)

Colaboraciones y producción: Ulises Butrón, Antonio Birabent, Mario Siperman (LFC) y Alejandro Schanzenbach

RESUMEN DISCOGRÁFICO

2005: La calle que brilla (EMI) –Prod. Ale Villa y Mano Custodio. 2007: Escucho las voces (EMI) – Elegido Mejor Disco Under (Pág/12).

2010: Todo de nuevo (Sony Music) – Prod. Ulises Butrón. Master: Mario Siperman. 2012 / 2015: En la radio / Suerte de estar vivos (Etapa independiente).

2024: 4 Caras (Single) – Ft.

Antonio Birabent y Alejandro Schanzenbach.

REDES | PLATAFORMAS

instagram.com/lastrampasdelily/ /youtube.com/channel/ Spotify https://open.spotify.com/ intl-es/

PRENSA / CONTACTO GESTION INDIE @gestionindie.prensa Maia Triñanes Juliana Sanguinetti maiatrinanes@gmail.com

VIDEO 4 Caras (feat. Antonio Birabent & Schanzenbach)

MAGUI OLAVE REVERSIONA

“ROSAS” DE LA OREJA DE VAN GOGH

Y comienza a celebra sus 10 años de trayectoria con la musica.

La emoción, la identidad y la potencia del cuarteto se fusionan en una nueva versión de un clásico inolvidable: “Rosas”, de La Oreja de Van Gogh, cobra una nueva vida en la voz de Magui Olave, una de los grandes referentes femeninas del género.

En el marco de sus 10 años de carrera solista —que se celebrarán en mayo de 2026—, Magui presenta esta sesión especial grabada en formato “falso vivo” desde el emblemático escenario de Plaza de la Música. La propuesta combina una realización audiovisual inmersiva con una estética cuidada al detalle: pantallas que evocan

un universo visual inspirado en el lejano oeste, atravesado por tonalidades magenta y violáceas que dialogan con la identidad artística que la cantante ha construido a lo largo de su camino.

Acompañada por su banda y una puesta multicámara, Magui logra capturar la energía de un show en vivo, generando una experiencia envolvente que invita al espectador a sentirse parte de la escena.

“Rosas” no es solo una reinterpretación: es una apropiación emocional desde el cuarteto, donde la sensibilidad de

la canción original se entrelaza con el pulso característico del género cordobés, logrando una versión fresca, intensa y profundamente conectada con el público.

UNA VOZ QUE ABRIÓ CAMINO

Magui Olave es hoy una de las voces femeninas más representativas del cuarteto, y una de las artistas que contribuyó a expandir el género más allá de Córdoba, llevándolo a nuevos públicos en todo el país. Su vínculo con la música comenzó desde muy pequeña, acompañando en coros a su primo, el icónico Rodrigo Bueno,

figura clave en la popularización del cuarteto a nivel nacional.

“Crecí con la música como parte de mi vida cotidiana, arriba y abajo del escenario. El cuarteto es mi identidad”, ha expresado en distintas entrevistas, reflejando el arraigo y la pasión que atraviesan su carrera.

En casi una década como solista, Magui ha construido un recorrido sólido, con presencia

en escenarios a nivel nacional e internacional

UN PRESENTE EN EXPANSIÓN

Con “Rosas ”, Magui Olave no solo rinde homenaje a una canción que marcó a toda una generación, sino que reafirma su identidad artística en un momento clave de su carrera. Este lanzamiento funciona como antesala de un año significativo, donde celebrará sus primeros 10

años como solista con nuevos proyectos, música y escenarios por recorrer.

Una artista que supo construir su propio camino, llevando la fuerza del cuarteto a nuevos horizontes, sin perder nunca su raíz.

Vicky Roa Comunicaciones MKT | COMUNICACIÓN vicky@vickyroa.com.ar

VIDEO Magui Olave // Rosas

Marcos Montes presenta Un mundo guardado

Canciones y poemas de Atahualpa Yupanqui

En vivo: sábado 2 de mayo a las 20h, Centro Cultural Borges, Viamonte 525, CABA, con entrada libre y gratuita por orden de llegada. Las entradas se comienzan a entregar una hora antes del show.

El actor, cantor y músico Marcos Montes presenta su álbum Un mundo guardado – Canciones y poemas de Atahualpa Yupanqui (Los Años Luz, 2026) en el que, con su voz y su guitarra, interpreta parte del cancionero del gran folclorista argentino acompañado en piano por Facundo Ramírez y Gabriela Bernasconi y con la producción musical de Fernanda Morello

Como músico, Marcos Montes se formó en canto, piano y guitarra y editó cuatro discos: Now’s the time (2000) con el grupo de jazz vocal Blow Back; Way down South (2004); Toco y me voy... un poco toco, con la cantante y actriz Gipsy Bonafina (2008) y Trois tangos, con Axel Krygier y Gonzalo Demaria (2010). En su faceta de actor, participó en más de 50 obras de teatro en Argentina y recibió numerosas nominaciones y distinciones por su trabajo, entre ellas el Premio Florencio Sánchez, el Premio Municipal Trinidad Guevara, el Luisa Vehil y el Premio Carlos Gardel. Entre 2009 y 2018,

trabajó en Francia junto a Alfredo Arias. Fundó el grupo de teatro (H)umoris Dramatis junto a Carlos Portaluppi y Guillermo Ghío e hizo participaciones en televisión y cine, entre otros, con los directores James Ivory, Roland Joffe, Ana Katz, Anahí Berneri y Daniel Burman.

Dice Marcos Montes: “Pasaron más de treinta años desde que vi por primera vez a Suma Paz, en el Teatro Nacional Cervantes, haciendo su homenaje a Atahualpa Yupanqui. ¨Hay un aromo nacido en la grieta de una piedra / parece que la rompió pa’ salir de adentro de ella¨ nos dijo a los espectadores reunidos en la entonces llamada Sala Argentina (hoy Orestes Caviglia).

Ese día sentí un llamado, como me había pasado pocos años antes, cuando resolví dedicarme al teatro. Aunque ahora era otra la urgencia: me llegaba la necesidad de pasar un mensaje. el mensaje que la tierra tiene para sus hombres y mujeres.

Hace ya quince años que presento, en la Argentina y en el exterior, Un mundo guardado, las canciones y los poemas de Atahualpa que más tocan mi corazón. Frecuentemente me propusieron grabar este material; pero no fue hasta la conformación de la compañía Telón de fondo ―con la pianista Fernanda Morello, y el cineasta y autor José Militano―, que me decidí a hacerlo.

Sin ser un folklorista de carrera, mi aproximación a la obra del maestro es desde la sensibilidad por su poesía y la simpleza tan profunda de sus melodías y letras. En el disco (que publicó Los Años Luz) hago un recorrido por distintas temáticas y también distintos ritmos argentinos, como la zamba, la milonga campera, la entrerriana, la huella y otras formas musicales que Atahualpa divulgó.

Si bien siempre me presento en vivo solo con mi guitarra, evocando la figura más clásica del cantor criollo, para la grabación convoqué, además, a dos excelentes músicos: los pianistas

Facundo Ramírez y Gabriela Bernasconi. Ambos acercaron sus visiones personales e innovadoras sobre el folklore, con un respeto particular por la obra de Don Ata.

Yupanqui, en algún momento, le advirtió a Suma Paz: “en la vida del artista hay largas esperas, y hay que saber detenerse. El camino es largo; cuidado con los atajos, son cortos, son lindos, pero la van a llevar a otro lado”. Deseo que los años que esperé para acercar al público este disco den cuenta de mi compromiso con la obra y el pensamiento de nuestro máximo trovador”.

Un mundo guardado

Canciones y poemas de Atahualpa Yupanqui por Marcos Montes

FICHA TÉCNICA

Voz y guitarra:

Marcos Montes Piano: Facundo

Ramírez, Gabriela Bernasconi

Producción musical:

Fernanda Morello

Producción artística:

Fernanda Morello, José Militano, Marcos Montes

Producción general: Marcos Montes

Grabación, mezcla y mastering: Agustín Silberleib

Diseño de tapa:

José Militano (detalle de pictografía rupestre; Cerro Colorado, Córdoba, Argentina)

Grabado del 27 al 29 de enero de 2026 en Buenos Aires, Argentina – Estudio Doctor F

Un proyecto de TDF Producciones

Distribuido por Los Años Luz Discos

TEste concierto fue presentado en la República Argentina, Uruguay, Francia (Maison de l’Amérique Latine, París, 2011, Théâtre Le Trident, Cherbourg, 2016), Alemania (Seidlvilla, Munich, 2011 y 2018), Irlanda (Cill Rialaig - Ballinskelligs, 2014), nuevamente Alemania (Embajada Argentina en Berlín, 2018) y España (Colegio Mayor Argentino, Madrid, 2019).

En 2025, hizo dos temporadas en La Biblioteca Café de Buenos Aires (abril y noviembre) y fue el espectáculo inaugural en la apertura del Espacio Mistral de Madrid, España, dirigido por Andrea Stefanoni, Aaron Leeverace y Maximiliano Legnani (10 de octubre).

Prensa: Karina Nisinman karina.nisinman@gmail.com

Marta del Pino mardepinos@gmail.com

VIDEO Zamba perdida

MATIAS PUENTE presenta

No voy a parar Nuevo disco y video

Matias Puente presenta su disco debut „No voy a parar“, acompañado de un video filmando en los escenarios naturales de Tafí del Valle, con Matias como protagonista, que nos demuestra que cuando nuestras convicciones nacen desde el fondo de nuestro corazón, no hay voces que las hagan callar.

Este material discográfico contiene 10 canciones, 5 ya fueron lanzadas previamente, y 5 son estrenos.

El joven artista nos confía en este trabajo, nuevas experiencias sonoras y sensitivas. Entre los géneros que transita el álbum encontramos baladas clásicas, modernas, pop y hasta una salsa. Las historias que recorren nos hablan de amor, atracción y desengaño, acompañadas de mensajes de superación y fuerza.

Diez composiciones que nos llevan de la mano por territorios donde prima la emoción y la búsqueda interior. Matias Puente dio forma a las canciones, todas de su autoría, dando lugar a la intuición, siguiendo los ritmos, melodías, sentimientos e historias que buscaban ser encontradas.

En palabras del artista „fue un trabajo de depuración muy profundo donde pude expresar a

través de la música sentimientos y emociones que alguna vez vivieron en mí y no supe como expresar.”

FICHA TÉCNICA

Autor y Compositor: Matias Puente Producción, programación y arreglos / Mix y máster: Pablo Balzano y Achi Deuz

Dirección Video y animación: Victor Montero Arte de Tapa: Matias Puente

LOS TEMAS:

1 Mil heridas / 2 Aún te recuerdo

/ 3 Daño / 4 Estoy perdido / 5

Belleza y juventud / 6 No voy a parar / 7 Ya no confío / 8 Mejor amiga / 9 Nos sobró pasión / 10

Un nuevo día llegó

FICHA TÉCNICA

Autor y compositor: Matías

Puente

Producción, mix y master: Pablo Balzano y Achi Deuz

Asistente de producción y make up: Pilar Castro

Psicóloga: Lic. Magdalena

Torrego

Dirección audiovisual y montaje: Víctor Montero

DF y Cámara: Luciano Angulo

Locación: Cerro AmpuqcataoTafi del Valle - Tucumán

MÁS SOBRE MATÍAS PUENTE:

Compositor y cantante de Tucumán, Argentina, apasionado de la música desde su infancia, aunque no ha sido un camino fácil de aceptación y confianza,

su pasión siempre fue más fuerte y logró enfocarse al cien por ciento en este camino de la poesía y la lírica. Criado en una familia de melómanos, Matías encontró refugio en la música como una forma de expresar las complejidades emocionales que enfrentó desde temprana edad. A lo largo de los años, y tras haber estudiado su verdadera esencia, logró encontrar en la balada pop una conexión profunda consigo mismo y con el mundo que lo rodea.

A pesar de su pasado como modelo y de llevar una vida exitosa como ingeniero industrial, Matías nunca perdió de vista su verdadera pasión: la música. Desde sus primeros pasos en el canto, superando la timidez y el miedo escénico, hasta el desarrollo de sus propias composiciones y la producción independiente de su primer álbum como cantautor, ha demostrado un compromiso inquebrantable con su arte.

Con el apoyo de talentosos productores y músicos, como Pablo Balzano y Achi Deuz, ha dado vida a sus sueños musicales, creando obras que reflejan su profunda conexión con la belleza y la emoción de la música.

Luego de grabar su primer álbum como cantautor independiente, y presentarse en distintos puntos del país, hoy se encuentra trabajando en nuevas canciones en One Song Records con la

ayuda del reconocido Baladista Argentino Cesar Banana Pueyrredon.

Ahora, decidido a compartir su música con el mundo, Matías se embarca en un viaje audaz para revivir géneros olvidados y transmitir la verdadera esencia de la música a través de sus letras y melodías. Con determinación y fuerza, busca las oportunidades y los medios para dar a conocer su arte, con la esperanza de inspirar y emocionar a todos aquellos que escuchen su voz.

LANZAMIENTOS 2026

NO VOY A PARAR

QUE DIFICIL ES VIVIR SIN TI

YA NO CONFIO MEJOR AMIGA

UN NUEVO DIA LLEGO

NOS SOBRO PASION

ACTIVIDAD 2025

-Lanzamiento Belleza y juventud (finalista Festival de la Canción Argentina)

-Gira de medios por Córdoba. -Show presentación EP+Covers a beneficio de fundación DAR Tucumán.

-Show Boleros en Jockey Club

de Tucumán.

-Participación en homenaje a Abel Pintos en peña del morfi TELEFE.

-Comienza a Grabar nuevas canciones en Co Autoría con Cesar Banana Pueyrredón.

ACTIVIDAD 2024

-Lanzamiento debut como cantautor con mil heridas

-Lanzamiento Aun te Recuerdo

-Gira de medios por Tucumán y salta

-Lanzamiento Daño

-Lanzamiento Estoy Perdido

-MIL HERIDAS nominada a Mejor canción – Premios Mercedes Sosa

-Finalista y 2do puesto en Festival Argentina- Presentación en vivo en Palacio Libertad

-Invitado en Festival Stage – San Lorenzo, Santa Fe

-Show principal en Navidad del jardín – Sociedad Rural de Tucumán

PRENSA Claudina Sánchez https://www.soyclaudinasanchez. com/

VIDEO NO VOY A PARAR - MATÍAS

SE LANZA Fueyerías

Monumental álbum sobre el bandoneón en el que participan más de treinta destacados intérpretes de este instrumento a lo largo de tres continentes.

Este álbum se presentará en vivo el sábado 30 de mayo a las 21h en La Carbonera, Carlos Calvo 299 CABA, con la presencia de los maestros Rodolfo Mederos, Daniel Binelli, Víctor Lavallén, Lisandro Adrover, Horacio Cabarcos, Ignacio Varchausky, Ramiro Boero, Daniel Ruggiero, Leandro Pane, Camilo Ferrero, Natsuki Nishihara, Franco Bruschini, Astor Cuquejo, Damián Torres, Gaspar Tatián y el director Pablo Jaurena.

Entradas por Passline

En un hecho histórico para el tango y para el patrimonio

musical argentino, en mayo se lanza Fueyerías, importante producción discográfica que rinde homenaje al paradigmático instrumento tanguero, para la cual se reunió a 31 bandoneonistas de diversas generaciones y estilos en obras que son rescates históricos, nuevas composiciones y nuevos arreglos y que fueron grabadas entre Buenos Aires, Córdoba, Tokio, París, Madrid y Medellín, lo que lo convierte en un documento musical minucioso e inédito.

Los músicos y productores a cargo de esta titánica tarea, Pablo Jaurena (bandoneonista,

investigador y docente, tres veces nominado a los Premios Grammy) e Ignacio Varchausky (contrabajista, productor musical y fundador de la Orquesta El Arranque) lograron realizar grabaciones originales con maestros bandoneonistas consagrados como Víctor Lavallén (90), Rodolfo Mederos (85), Néstor Marconi (83), Lisandro Adrover (80) y Daniel Binelli (79), junto a destacados referentes de generaciones posteriores como Juanjo Mosalini, Ryota Komatsu, Claudio Constantini, Ramiro Boero, Lysandre Donoso, Fabrizio Colombo, Santiago Segret, Damián

Torres, Jun Hayakawa, Camilo Ferrero, Ayelén Pais, Gaspar Tatián, Giovanni Parra, Satoshi Kitamura, Marco Blandón, Carmela Delgado, Daniel Ruggiero, Juan Pablo Jofre, Natsuki Nishihara, Leandro Yoyo Pane, Franco Bruschini, Astor Cuquejo, Takatoki Susuki y Felipe Etkin. En tres obras, el álbum cuenta además con la participación especial de los contrabajistas Horacio Cabarcos, Ignacio Varchausky y Lucas Eubel Frontini, alcanzando un total de 36 músicos en la producción.

El repertorio está atravesado por tres vectores conceptuales:

Rescate histórico: de la mano de nuevas y exclusivas transcripciones se recrean versiones legendarias para ensambles de bandoneones, algunas inéditas, que no cuentan con grabaciones comerciales, y otras grabadas hasta sesenta años atrás. En la mayoría de los casos, estas piezas se versionan con alguno de los músicos que las grabaron originalmente, como el caso de Víctor Lavallén y Lisandro Adrover junto a los bandoneones de Pugliese en “Canaro en Paris” y “Quejas de bandoneón” respectivamente y Daniel Binelli, Rodolfo Mederos y Dino Saluzzi en “Loca bohemia”. En esta línea se encuadra también “Flores negras” registrada en vivo en Japón por los bandoneones de Leopoldo Federico junto a invitados japoneses.

Nuevas composiciones: destacados bandoneonistas y compositores actuales escriben nuevas obras especialmente comisionados para este álbum, como el caso de “Lomé” de Juanjo Mosalini, “Before the curtains” de JP Jofré, “Un Dios hecho cenizas” de Rodolfo Mederos, “Fresco de mañana” de Damián Torres y Pablo Jaurena y “Paisaje cafetero” de Pablo Jaurena.

Nuevos arreglos: es el caso de “Abandono”, arreglo inédito de Julio Pane para su dúo; Che, Buenos Aires” y “Responso” que tienen arreglos de Néstor Marconi; y “Milonguero viejo”, con arreglo de Claudio Constantini. Todos ellos sin grabaciones comerciales hasta este álbum.

TEMA POR TEMA RESCATE HISTÓRICO

1 Canaro en París (Scarpino / Caldarella) Pablo Jaurena junto a Víctor Lavallén (Rosario), Ramiro Boero (Buenos Aires), Camilo Ferrero (Buenos Aires), Ignacio Varchausky (Buenos Aires).

2. Loca Bohemia (Francisco De Caro): Pablo Jaurena junto a Daniel Binelli (Buenos Aires), Santiago Segret (Buenos Aires), Daniel Ruggiero (Buenos Aires).

3. Quejas de bandoneón (Juan de Dios Filiberto): Pablo Jaurena junto a Lisandro Adrover (Bs. As.), Lysandre Donoso (Francia),

Carmela Delgado (Francia), Fabrizio Colombo (Mendoza), Lucas Eubel Frontini (Buenos Aires).

4. Flores Negras (Francisco De Caro): Pablo Jaurena junto a Ryota Komatsu (Tokio), Takatoki Susuki (Tokio), Satoshi Kitamura (Tokio), Jun Hayakawa (Tokio), Horacio Cabarcos (Buenos Aires).

NUEVAS COMPOSICIONES

1 Lomé (Juanjo Mosalini)Pablo Jaurena junto a Juanjo Mosalini (París).

2.Paisaje cafetero (Pablo Jaurena) - Pablo Jaurena junto a Marco Blandón (Medellín) y Giovanni Parra (Bogotá).

3. Fresco de mañana (Pablo Jaurena / Damián Torres) - Pablo Jaurena junto a Damián Torres (Córdoba).

4. Un Dios hecho cenizas (Rodolfo Mederos) - Pablo Jaurena junto a Rodolfo Mederos (Buenos Aires), Franco Bruschini (Buenos Aires) y Sofia Calvet (Rio Negro).

5. Before the curtains (JP Jofre) - Pablo Jaurena junto a Juan Pablo Jofré (San Juan)

NUEVOS ARREGLOS

1 Che Buenos Aires (Raúl Garello) - Pablo Jaurena junto a Néstor Marconi (Rosario), Ayelen Pais (La Pampa), Natsuki u

Nishibura (Tokio).

2. Milonguero Viejo (Carlos Di Sarli) - Pablo Jaurena junto a Claudio Constantini.

3. Responso (Anibal Troilo)Pablo Jaurena junto a Gaspar Tatián, Astor Cuquejo, Felipe Etkin.

4. Abandono (Pedro Maffia) Pablo Jaurena junto a Leandro “Yoyo” Pane.

PABLO JAURENA (1981, Río Tercero, Córdoba, Argentina)

Es bandoneonista, arreglador, compositor y director. Fue tres veces nominado a los Latin Grammy: en 2023 al Mejor Álbum de Tango por su disco solista Retrato Del Aire; y luego por dos participaciones: en 2022 al Mejor Álbum de Tango como músico en el disco Tango de Ricardo Montaner y en 2021 al Mejor Álbum de Tango como compositor en Tango of The Americas de la Pan American Symphony Orchestra.

Profesor en Composición Musical, graduado en la Universidad Nacional de Córdoba (2008, Argentina). Egresado de la Orquesta Escuela de Tango Emilio Balcarce (Buenos Aires), bajo la dirección de Emilio Balcarce (2006) y Néstor Marconi (2007). Se formó con maestros como Hilda Herrera, Dino Saluzzi, Rodolfo Mederos, Julio Pane,

Ramiro Gallo, Federico Pereiro y Damián Torres, entre otros. Ha sido becario del Fondo Nacional de las Artes (Argentina) en tres oportunidades para el estudio del bandoneón y la composición. Desde 2011 es Primer Bandoneón Solista de la Orquesta Provincial de Música Ciudadana de Córdoba. Integra la Orquesta El Arranque y diversos proyectos propios, entre ellos el Pablo Jaurena Sexteto.

Ha participado en más de 70 producciones discográficas y sus composiciones y arreglos han sido interpretados por agrupaciones de los cinco continentes. Ha compartido escenario y proyectos con figuras históricas del tango argentino como Emilio Balcarce, Raúl Garello, Néstor Marconi, Víctor Lavallén, Rodolfo Mederos, Atilio Stampone, Osvaldo Piro, Lisandro Adrover, Osvaldo Requena, Daniel Binelli, Julio Pane, Roberto Álvarez, Horacio Ferrer, Raúl Lavié, María Graña y el Quinteto Real.En el ámbito del folklore argentino ha trabajado con Hilda Herrera, Ramón Ayala,

Juan Falú, Jairo, Chango Spasiuk, Raúl Carnota, Raly Barrionuevo y Pancho Cabral.A nivel internacional ha colaborado con artistas de la talla de Shakira, Ricardo Montaner, Milo J, Trueno, Bizarrap y Cecilia Todd. Desarrolla además una intensa labor pedagógica y de investigación, con clases magistrales en instituciones de Europa, América y Asia.

En 2023 publicó su libro 10 estudios para bandoneón (Tango Sin Fin). Actualmente impulsa el proyecto Fueyerías, dedicado al bandoneón y su proyección internacional.

WEB: pablojaurena.com.ar instagram.com/pablo.jaurena/ facebook.com/pablojaurena w.youtube.com/c/PabloJaurena https://open.spotify.com/intl-es/ artist/

PRENSA

Marta del Pino mardepinos@gmail.com

VIDEO

Retrato del aire (Pablo Jaurena) Bandoneon solo

MADONNA LANZA

“I FEEL SO FREE”

Tras ser enviada anticipadamente a DJs y clubes seleccionados, lo que disparó la demanda, Madonna lanza “I Feel So Free” de su próximo álbum Confessions II.

Producida por Madonna y Stuart Price, la canción es la primera muestra de música nueva antes del próximo sencillo principal. Sumérgete experimentando el visualizador hipnótico que lo acompaña.

A principios de esta semana se anunció que el esperado nuevo álbum de Madonna, Confessions II, se lanzará el 3 de julio a través de Warner Records. El nuevo álbum es la continuación de su icónica contraparte Confessions on a Dance Floor.

Los fans pueden pre-ordenar el álbum + la selección definitiva de vinilos, CDs y casetes expandidos AQUÍ

MP Marketing y Comunicación info@mariapeluffo.com

VIDEO

Madonna - Me siento tan libre (Visualizador oficial)

Franco Martinez - nuevo lanzamiento + anuncio de show

Las Palabras Justas

El single que da nombre a su próximo disco

Franco Martinez: Lanzamiento de Las Palabras Justas, single que da nombre a su nuevo disco pop/ rock (cuenta con colaboraciones como la de Vic Bernardi) y anuncia su presentación en vivo el 10/05 en La Tangente

- Se estrenó el single que da nombre a su próximo álbum y confirma su presentación oficial el 10 de mayo en Buenos Aires, donde el disco tendrá su primera escucha completa en vivo -

Franco Martínez lanza “Las palabras justas”, el single que da nombre a su próximo disco y marca un nuevo adelanto de su etapa más reciente. El lanzamiento llega acompañado del anuncio de su show presentación el domingo 10 de mayo en La Tangente (Palermo) a las 20 hs, donde el artista dará a conocer en vivo el material

completo por primera vez.

“Las palabras justas” no solo da nombre al disco, sino que funciona como una pieza central dentro de este nuevo trabajo. Con este lanzamiento, Franco Martinez continúa revelando el universo de un álbum de 8 canciones, del cual ya se conocen varios adelantos disponibles en plataformas digitales, reunidos en una playlist que anticipa su identidad sonora, con una impronta dentro del indie pop/rock romántico, el disco propone un recorrido por historias atravesadas por el amor, el deseo y los vínculos, en un equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo.

La presentación oficial será el domingo 10 de mayo en La Tangente, uno de los espacios más destacados de la escena musical de Buenos Aires, con capacidad limitada, en un formato íntimo y con banda completa que permitirá una primera escucha completa del disco en vivo.

Las entradas ya se encuentran disponibles por la web de La Tangente.

ACERCA DE “LAS PALABRAS JUSTAS”

“Las palabras justas” refleja amores imposibles, con estribillos

que buscan provocar distintas emociones hasta volverse parte de la historia de quien escucha.

El lanzamiento se enmarca en una serie de adelantos que el artista viene presentando desde 2024, entre ellos “Para alguien”, “Lo que fue”, “Besos fijos” junto a Victoria Bernardi y “La mejor versión de mí”, consolidando una identidad sonora que se expande en este nuevo trabajo.

El disco se construye a partir de un hilo conceptual atravesado por el amor y la seducción, con un sonido que combina una estética vintage —con guiños a los años 80— y una producción actual. Fue grabado con una misma formación de músicos en todos los temas, buscando una identidad sonora homogénea a lo largo del álbum.

Este trabajo representa además un punto de inflexión en la carrera de Franco Martinez, marcando

una transición hacia una propuesta más orgánica y con mayor profundidad emocional: ni una palabra más, ni una menos —las palabras justas.

El disco fue trabajado respetando una misma formación en todas las canciones: Franco Martinez en Voz, Guitarras, arreglos y producción musical, Juan Agustín “Gucho” Bernal en producción musical, guitarras, teclados y arreglos, Guillermo Salort (Conociendo Rusia, Emmanuel Horvilleur) en baterías, Nicolás Bolo (Agua Florida, Detonantes) en bajo, Guillermo Hirmas Pintor (Feli Colina) en teclados e Ignacio Maquieira en Mixes y Mastering.

Disponible en todas las plataformas digitales.

Algo más acerca de FRANCO MARTINEZ

Franco Martinez es un cantante, guitarrista y compositor de Buenos Aires cuya propuesta se mueve dentro del indie pop romántico, con influencias del pop-rock en español, la new wave de los 80 y la canción latinoamericana. Sus letras, atravesadas por el amor, el desamor y los vínculos contemporáneos, construyen una

identidad sensible y directa que conecta con nuevas audiencias.

Su vínculo con la música comenzó desde muy chico y tuvo un punto de inflexión en 2007, tras presenciar el regreso de Soda Stereo, experiencia que lo acercó definitivamente a la guitarra, instrumento con el que compone hasta hoy. Se formó en la Escuela de Música de Buenos Aires (EMBA) y dio sus primeros pasos profesionales luego de ganar un certamen de canto en Paseo La Plaza, lo que le permitió comenzar a desarrollar sus primeras grabaciones.

En 2018 comenzó a ganar visibilidad en redes a partir de sus versiones acústicas, colaborando con artistas como Yami Safdie y captando la atención de figuras como Carlos Rivera y Axel. Su interpretación de “How Deep Is Your Love” fue destacada por Bee Gees, formando parte durante un año de su perfil oficial.

Su discografía incluye los EPs “El club de tus amores” y trabajos anteriores donde explora el cruce entre el pop y lo emocional,

además de colaboraciones con artistas de la escena regional.

En vivo, Franco Martinez se ha presentado en distintos espacios de la escena local como Lucille, Paseo La Plaza, Rabieta y el ciclo Nómade, entre otros, construyendo un recorrido sostenido dentro del circuito independiente. En 2026 continúa expandiendo su proyecto con shows en formato banda completa y la presentación oficial de su primer álbum.

Redes Sociales instagram.com/ francomartinezmusica/ www.youtube.com/@ franmarmusica Spotify: https://open.spotify.com/ intl-es/ https://linktr.ee/franmarmusica

Romina Girardi Agencia rominagirardiagencia@gmail. com https://linktr.ee/rominagirardiok VIDEO

Franco Martinez - Las Palabras Justas

FLORENCIO FINKEL PRESENTA

GLAM & GREMIO

El tercer disco solista del músico, compositor y productor Cuenta con la participación de Ignacia, Lucy Patané, Pedro Bulgakov.

FLORENCIO FINKEL

Cantante arriesgado, bajista furtivo, bailarín temerario, productor selectivo y compositor permanente.

MiráBA 200

Como bajista o cantante, es o ha sido parte de los proyectos de Lucy Patané, Diego Frenkel, Ignacia Etcheverry, Pedro Bulgakov, Lowrdez (Bandana)

y Leo Costa, tanto en shows en vivo como en grabaciones.

Ha compartido escenarios con muchísimos artistas como Lisandro Aristimuño, Juana Molina, Lula Bertoldi, Marilina Bertoldi, Fernando Ruiz Díaz, Leo García, Kevin Johansen, Charo Bogarin, Paula Maffia, Tonolec y Palo Pandolfo, entre muchos otros.

Florencio tiene varios formatos para sus presentaciones en vivo. Según el show, puede tocar con banda entera, en dúo con batería o solo set, donde se vale de loopeos en tiempo real en medio de sus canciones, lo que lo obliga a un malabarismo sónico de alta adrenalina. Tiene dos discos solistas anteriores:

EL PAN EXTRATERRESTRE

(2016), un disco ecléctico de sonido clásico, y FINKL (2019), basado en sintetizadores y con el libro Crónicas marcianas como disparador.

Lanzó también dos Eps: CHOQUE DE FRENTE (2022) y DINAMITA DOBLE (2022), un personalísimo homenaje a la banda Queen de los años 70, grabado sin uso de la tecnología digital, con sobre-grabaciones infinitas de voces y guitarras.

Además participó del disco Homenaje a Artaud, editado por el sello RGS, con su versión de „Las

habladurías del mundo“. Y editó el Ep TORNO (2018) en dúo junto a Mauricio Mayer .

GLAM & GREMIO

Una urgente toma de posición ante la furiosa actualidad.

Un álbum que busca la complementación de opuestos: humor y dramatismo, resistencia y baile, brillo y opacidad, confort e incomodidad, reverberaciones generosas y sonidos secos de alto impacto, electrónica fragmentada y el pulso de músicos tocando juntos en un estudio. Todo esto conviviendo y entretejiéndose a lo largo de nueve canciones.

Hay un desfile de músicos invitados, animadores de la escena actual, que grabaron en el disco: Ignacia, Lucy Patané, Pedro Bulgakov, Melina Xilas, Ricardo Boschin, Diéguez Amigo, Tomás Campione, Franco Lombardi y Karin González.

El disco fue coproducido entre Florencio y Tomás Campionequien también lo mezcló - y fue masterizado por Brian Iele.

"GLAM & GREMIO”

FICHA TÉCNICA:

1 -DIA SIN PIEL

Lucy Patané: Guitarra

Franco Lombardi: piano

Pedro Bulgakov: batería

Florencio: voz, coros, teclados, programaciones.

Letra: Florencio Finkel / Música: Florencio Finkel y Lucy Patané

2- HORROCRUX

Karin González: coros

Diéguez: guitarra

Florencio: voz, coros, teclados, programaciones

Letra y Música: Florencio Finkel

3- EL OCTAVO PASAJERO

Karin González: coros

Florencio: voz, coros, bajo, teclados, programaciones

Letra y Música: Florencio Finkel

4- AFUERA (ft IGNACIA)

Ignacia Etcheverry: voz

Tomás Campione: guitarra

Ricardo Boschin: guitarra

Pedro Bulgakov: batería

Florencio: voz, coros, bajo, teclados, programaciones

Letra: Florencio Finkel / Música: Florencio Finkel e Ignacia Etcheverry

5- LA ESCENA

Pedro Bulgakov: batería

Florencio: voz, coros, bajo, teclados, programaciones

Letra y Música: Florencio Finkel

6- BLACK PERRA

Florencio: voz, coros, teclados, programaciones

Letra y Música: Florencio Finkel

7- CREYENTE

Tomás Campione: guitarra

Florencio: voz, coros, bajo, teclados, programaciones

Letra y Música: Florencio Finkel

8- OTRO PLAN

Karin González: coros

Melina Xilas: saxo

Pedro Bulgakov: batería

Florencio: voz, coros, bajo, u

teclados, programaciones

Letra y Música: Florencio Finkel

9- OJO DE BUEY (Bonus Track)

Ricardo Boschin: guitarra

Franco Lombardi: teclados

Pedro Bulgakov: batería

Florencio: voz, coros, bajo, piano

Letra y Música: Florencio Finkel

GLAM & GREMIO

Producido por Florencio y Tomás

Campione

Mezclado por Tomás Campione

Masterizado por Brian Iele

Grabado entre junio de 2024 y octubre de 2025 en los estudios

Super Tomate, Sale la luna, Estudio Miriada.

Baterías grabadas en Lo De Pepo.

(*)Grabado en las casas de cada músico durante la pandemia en 2020.

Arte gráfico realizado por Los Hermanos Peladilla.

REDES SOCIALES

Instagram: florenciofinkel_ok

Facebook: https://www.facebook.com/ florencio.finkel

Canal Youtube: https://www.youtube.com/@ florenciofinkel6344

Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/ artist/

Contacto:

Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

“NORMAL”

LUA anuncia el lanzamiento de NORMAL, su nuevo single, ya disponible en todas las plataformas digitales.

“Normal” es el primer adelanto de la nueva etapa musical de LUA. Producido por Barnett, el single ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y marca un giro en su identidad sonora, incorporando influencias del post-punk y el punk rock.

La canción aborda el duelo anticipado: ese dolor que irrumpe incluso antes de que alguien se vaya. Desde una sensibilidad cruda y honesta, retrata la ansiedad de intuir una pérdida inminente y la angustia de habitar un presente que ya se percibe frágil. En ese territorio ambiguo, entre la negación y la certeza, “Normal” transforma ese estado suspendido en una experiencia íntima y profundamente humana.

SOBRE LUA

LUA es un proyecto musical independiente originario de zona sur de Buenos Aires, activo desde 2023, que se mueve entre el post-punk, la electrónica, el pop oscuro y el rock alternativo. Con una identidad sonora íntima y atmosférica, su propuesta combina sintetizadores envolventes, guitarras texturales y bases rítmicas hipnóticas con una lírica profundamente emocional.

Sus canciones abordan temas como la ansiedad, la

vulnerabilidad, el deseo y la búsqueda de calma en medio del caos. Ese cruce entre lo melancólico y lo bailable define su universo artístico: una estética nocturna, sensible y confesional que dialoga con la nostalgia y la introspección contemporánea. En este imaginario, la fragilidad convive con la intensidad, y la catarsis se transforma en sonido.

Detrás del proyecto se encuentra Luna Olivera (LUA), estudiante de música desde 2015, con formación en piano y bajo desde

2019, y cantante desde siempre. Luego de integrar diversas bandas como vocalista y tecladista, inició su camino solista en 2023 con el lanzamiento de “Tormenta”. En 2024 presentó su primer EP,

En vivo, LUA se presenta en formato full band, llevando su propuesta a una experiencia potente e inmersiva, donde la energía del rock alternativo se fusiona con la sensibilidad electrónica, potenciando la conexión emocional con el público.

Actualmente, el proyecto avanza en la producción de su próximo EP, un nuevo capítulo que profundiza y expande la búsqueda estética y conceptual iniciada en su debut.

Moonlight Music julietacprensaycomunicacion@ gmail.com

VIDEO LUA - Normal

Erich Larsson presenta su nuevo disco

“Reproducción Extendida”

Un viaje sonoro entre loops y paisajes oníricos

El músico misionero Erich Larsson (radicado actualmente en Nueva Zelanda) presenta su nuevo trabajo discográfico “Reproducción Extendida”, una obra que encuentra su eje en la experimentación sonora más que en una unidad estilística o temática. A lo largo del álbum, el uso del loop se consolida como herramienta central, permitiendo construir una narrativa en espiral donde los elementos se repiten, mutan y evolucionan. Esta lógica de repetición e irregularidad propone una escucha inmersiva, en la que el pulso se sostiene mientras las capas se transforman. El resultado es un entramado dinámico que desdibuja las estructuras tradicionales de la canción. Así, la producción se vuelve el verdadero hilo conductor del proyecto.

El disco también marca una profundización en recursos como el sampling, incorporado como un elemento distintivo dentro de la instrumentación.

Las composiciones se desplazan hacia territorios oníricos, con letras que exploran escenarios imaginarios y emociones en tensión. En este universo, las imágenes de deseo, placer y búsqueda espiritual construyen un equilibrio poético entre lo etéreo y lo terrenal. Las canciones

nacieron inicialmente desde la computadora, pero luego fueron trasladadas al laboratorio sonoro de CANKI. Allí, los bocetos originales se transformaron en piezas más complejas, con nuevas capas, atmósferas y una identidad renovada.

A pesar de su base digital, el álbum no pierde su anclaje orgánico, incorporando una dimensión más humana en su etapa final. Con la participación de músicos en vivo, las canciones adquieren una impronta más rockera y vital. El recorrido del disco comienza con “Llevas Puesto un Letrero” y su mirada sobre la monotonía urbana, y atraviesa momentos

destacados como “Hasta Ver El Sol” y la introspectiva “Escenario”. Hacia el cierre, “Pudo Entender” funciona como una síntesis emocional del viaje, entre memorias turbulentas y nuevas posibilidades. De este modo, la obra se presenta como una travesía sonora y sensorial, abierta a múltiples interpretaciones.

FICHA TÉCNICA

“Reproducción Extendida”

Erich Larsson: Voz, coros, guitarras, sintetizadores, samples, programaciones y percusión.

Juan Pablo López: bajo en “Llevas Puesto un Letrero”, “Hasta Ver el Sol” y “Escenario”.

Martín Britos: batería y percusión en “Llevas Puesto un Letrero” y “Hasta Ver el Sol”. CANKI: sintetizadores, guitarras, programaciones en “Llevas Puesto un Letrero”, “Hasta Ver el Sol”.

Emiliano Augusto: teclados en “Llevas Puesto un Letrero”.

Emiliano Villanueva: guitarras en “Llevas Puesto un Letrero”. Pompeo Rigamonti: percusión en “Llevas Puesto un Letrero” y “Hasta Ver el Sol”.

Todas las canciones compuestas y escritas por Erich Larsson; salvo “Pudo Entender”, compuesta

y escrita por Erich Larsson, Fernando Verón, Martin Britos Dumois, Emiliano Maidana y Juan Pablo López.

“Llevas Puesto un Letrero” y “Hasta Ver el Sol” Co-producido por Erich Larsson y CANKI. “Escenario” y “Pudo Entender” producido por Erich Larsson.

“Llevas Puesto un Letrero” y “Hasta Ver el Sol” mezclado por Estanislao López.

“Escenario” y “Pudo Entender” mezclado por CANKI.

Todas las canciones masterizadas por Estanislao López. Créditos foto: María Irala

Proyecto solista del artista y productor misionero Germán H. Vázquez Pedrozo, Erich Larsson nace como una plataforma de exploración sonora y poética dentro del indie y la electrónica alternativa argentina. Su carrera solista inicia en diciembre de 2018 con la salida del simple “Drama”. Un año después fue el turno de “Los Muertos”, canción que sirvió para anunciar la llegada de su primer trabajo discográfico.

En los meses que siguieron, Germán se abocó a la producción del material y finalmente tras una serie de tratamientos sonoros exhaustivos, lanzó “Adorno” en noviembre de 2020, un debut que combinó sensibilidad pop con una estética retro y atmósferas electrónicas. Luego de un período de presentaciones en vivo y

nuevas sesiones de producción, en octubre de 2023 lanzó “Hasta Ver el Sol”, adelanto de lo que sería su siguiente trabajo: el EP “Reproducción Extendida”, donde profundiza una búsqueda sonora que incorpora elementos cercanos al Madchester, Trip Hop y Dream Pop, con mayor presencia de texturas, loops y pulsos rítmicos envolventes.

En 2025, “Reproducción Extendida” se consolida como una nueva etapa del proyecto, ampliando el universo estético de Erich Larsson con canciones más directas, nocturnas y sensoriales, producidas en colaboración con el músico y productor CANKI (Juan Francisco Obregoso). Este

trabajo reafirma su interés por la experimentación electrónica sin perder el pulso melódico que caracteriza su obra.

Erich Larsson se presenta así como una búsqueda personal de pasajes sonoros y líricos cargados de misticismo urbano: secuencias nocturnas de introspección y catarsis donde conviven la contemplación, el baile y la emoción. Sus composiciones transmiten una sonoridad tan optimista como lúgubre, atravesada por el misterio. Es el volumen de una experiencia llena de significados insondables e imágenes secretas.

Más info: instagram.com/erichlarsson/ twitter.com/erich_larsson www.tiktok.com/@erich.larsson

LUCAS SEOANE

PRENSA

lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane

VIDEO

Erich Larsson - Hasta Ver el Sol (Video Oficial)

ENRIQUE THOMPSON REVIRADO PROJECT

La vanguardia del Jazz-Tango entre dos continentes.

El saxofonista y compositor argentino Enrique Thompson (radicado entre Canarias, Viena y Berlín) redefine la intersección entre la tradición del Río de la Plata y la improvisación del jazz contemporáneo con composiciones originales en la escena europea.

En un panorama musical donde las fronteras son cada vez más difusas el Revirado Project de Enrique Thompson emerge como un puente sonoro esencial entre Buenos Aires y Europa. Radicado en España, Austria y Alemania, el saxofonista y compositor argentino ha logrado lo que pocos: despojar al tango de sus clichés para reconstruirlo desde la libertad del jazz moderno y la precisión académica.

Aunque el bandoneón suele ser el protagonista indiscutido del género, Thompson ha posicionado al saxofón como un narrador lírico y potente dentro de la música ciudadana. Su estilo se caracteriza por una técnica impecable y una sensibilidad profunda, capaz de evocar la melancolía del puerto porteño y la energía vibrante de los clubes de jazz de Berlín o Viena.

Thompson, quien fundó Revirado Project en 2014, ha dedicado años a fusionar el jazz junto con

el tango y la música folklórica argentina, explorando nuevas fronteras a través de la creación espontánea y la mezcla con diversas músicas del mundo. Con una carrera marcada por la innovación, la agrupación ha producido música original y reinterpretaciones de clásicos que abarcan desde el jazz hasta la música clásica y la electrónica, lo que les ha permitido construir una identidad artística inconfundible.

Recientemente, fue invitado a participar de un concierto transmitido desde Lugano (Suiza) por la RSI (Radio Nacional Suiza) y que formará parte de un álbum que verá la luz este año.

Actualmente, Enrique Thompson se encuentra presentando su más reciente material discográfico y preparando giras que lo llevarán por los principales escenarios de jazz en Europa y Sudamérica durante la próxima temporada.

Road Map: La ruta de Revirado

17/4 – Proyecto Revirado en CABA, Café Vinilo, Buenos Aires

18/4 – Jazz en la Biblioteca –Planta Alta – La Plata

22/4 – ¡Jazzahead 2026 Bremen! - Bremen, Alemania.

30/4 – Berlín – Día Internacional del Jazz – Enrique Thompson & Proyecto Revirado

El ADN de la vanguardia: acerca de Enrique Thompson

Enrique comenzó a tocar el saxofón a los 10 años y a los 12, ya estaba inmerso en la formación clásica del conservatorio.

Sin embargo, su pasión lo llevó

hacia el jazz y la improvisación, impulsándolo hacia un viaje musical más amplio. Perfeccionó su técnica de saxofón e improvisación bajo la guía de destacados maestros y leyendas del jazz como Bob Mintzer, Michael Brecker y Paquito D’Rivera.

En 2010 se mudó a Viena, Austria, donde pasó sus primeros años en Europa integrándose en la escena musical europea. Desde entonces, ha grabado y lanzado 10 álbumes, siempre infundiendo sus raíces argentinas en su obra, lo que distingue su enfoque del jazz de otros estilos.

En 2012 co-fundó Traspié (electro-tango) y Revirado Project (fusión jazz/tango), mezclando las tradiciones argentinas con la composición moderna y la improvisación. También ha colaborado en innumerables

proyectos con músicos de todo el mundo.

Para apoyar a los artistas independientes, co-fundó Artruism Records y la asociación cultural Artruism Verein.

En 2017 Enrique se trasladó a Berlín, pero tras un año, una invitación lo llevó a las Islas Canarias, donde reside y trabaja desde 2019, mientras continúa presentándose por toda Europa.

Para ver la biografía completa: https://enriquethompsonmusic. com/press-kit/

F L O R C A R R O Z Z A Prensa y Comunicación https://florcarrozza.webnode.es/ https://www.instagram.com/ florcarrozza.prensa/

VIDEO

Revirado Project -jazz tango fusion- LIVE Concert Album “Song for Someone / Canción para Alguien“

Antes de su llegada a Argentina CHAMBAO

Celebra

su nuevo disco 25° aniversario

Rodeada de grandes estrellas y amigos como Estopa, Vanesa Martín, Malú, Alejandro Sanz, Ricky Martín, Serrat y Pablo Alborán entre otros

27 de Mayo | Teatro Broadway | Buenos Aires

28 de Mayo | Quality Espacio | Córdoba

Ya está disponible el nuevo disco de la Mari de Chambao, CHAMBAO 25 ANIVERSARIO, un proyecto muy especial con 25 grandes colaboraciones

concebido como un homenaje a su público, a su historia y a todas las personas que han formado parte de su camino musical durante este cuarto de siglo. La artista ha reunido a grandes nombres como Estopa, Malú, Rosario Flores, Pablo Alborán, Joan Manuel Serrat o Ricky Martin, y se embarca en una gira internacional por Europa y América.

Este disco nace del deseo de celebrar las bodas de plata de Chambao desde el amor, la gratitud y la conexión profunda que siempre ha existido entre La Mari y su público. Un vínculo resistente y sincero que ha crecido con el tiempo y que ahora se materializa en un álbum que simboliza el amor por la música, celebrando un cuarto de siglo con la belleza y la fortaleza que se forjan con el tiempo en la unión tan sólida.

El proyecto ha sido producido y

grabado entre mayo y octubre de 2025, con producción y maquetación a cargo de María del Mar Rodríguez (La Mari), Bob Benozzo y Pedro Pimentel, y masterizado por Bob Benozzo en Altavox Estudio (Milán). Se trata de una producción de Colores Nuevos Records, cuidada al detalle y concebida como una auténtica celebración colectiva.

Este disco marca solo el comienzo de un año muy especial para Chambao. La celebración continuará sobre los escenarios, donde los conciertos se convertirán en una gran fiesta compartida, reafirmando la esencia de un proyecto que, 25 años después, sigue más vivo que nunca.

Chambao, se presentará en la Argentina en el marco de su gira internacional aniversario. Las fechas confirmadas son: 27 de mayo – Teatro Broadway, Buenos Aires y 28 de mayo –Quality Espacio, Córdoba.

Desde finales de los años noventa, Chambao ha desarrollado un lenguaje musical propio que fusiona flamenco, música electrónica y sonidos chill, dando origen al estilo pionero conocido como Flamenco Chill. Con una identidad sonora inconfundible, el proyecto se consolidó como uno de los más personales y trascendentes de la música en español.

A lo largo de su trayectoria, Chambao ha obtenido 11 discos de platino en España, premios Ondas, la Medalla de Andalucía y nominaciones a los Latin Grammy, además de reconocimientos en los Premios Goya. Su música ha recorrido los principales escenarios de Europa y Latinoamérica, incluyendo experiencias únicas como grabaciones en el Glaciar Perito Moreno en Argentina.

MÁS INFO DE CHAMBAO

María del Mar Rodríguez Carnero, conocida como La Mari de Chambao, nació en Málaga.

Es compositora y vocalista del grupo musical Chambao. Es una de las voces más singulares y reconocibles de la música española contemporánea.

Fundadora y alma del proyecto Chambao, ha sido pionera en la fusión del flamenco, creando un estilo propio conocido como flamenco chill que marcó a toda una generación.

Desde el lanzamiento de Endorfinas en la mente (2003) y el éxito masivo de canciones como Ahí estás tú, Pokito a poko o Papeles mojados, La Mari se consolidó como una artista capaz de combinar raíz, modernidad y emoción, conectando con un público amplio y diverso tanto en España como a nivel internacional.

Vicky Roa Comunicaciones PR | MKT | COMUNICACIÓN vicky@vickyroa.com.ar

VIDEO

Chambao - 25 aniversario (Álbum) - Making Of Capítulo 1: El Principio (Afterparty)

Desde Shanghai Catalina presenta el videoclip de "Solos los dos"

La cantante residente en Shanghai reivindica sus orígenes argentinos en esta sentida pieza audiovisual.

Catalina, cantante argentina que reside en Shanghai y quien estuvo recientemente en Buenos Aires de visita promocional, presenta mundialmente el videoclip de su single “Solos los dos”, el cual ya está disponible en YouTube.

Reivindicando sus orígenes, Catalina marca territorio en este clip. El mismo contiene imágenes grabadas en Buenos Aires que destacan la identidad porteña y acompañan la melodía de la canción donde el soul, el jazz y el tango se funden en la voz de esta gran artista que está captando la atención

de los medios nacionales e internacionales.

Enfundada en un vestido negro y haciendo uso de su presencia cautivante, Catalina se mueve entre paisajes que le pertenecen y se convierte en embajadora de nuestra cultura llevando en alto la bandera argentina hacia tierras lejanas. Una artista completa, que no sólo canta en castellano sino también en inglés y en chino mandarín, herramientas que logran el nexo ideal para entrelazar naciones.

Dijo Catalina: “Quiero que mis canciones puedan ayudar a

otras personas y, más que crear una comunidad, crear una familia. Mis letras hablan de la distancia, de la identidad, de la nostalgia por un lugar que no siempre es físico, y también del amor, que es lo único universal. Mi mensaje central no es de dónde vengo ni en qué idioma: si hay algo que te llega al corazón, te llega y listo”.

Catalina planea volver a Buenos Aires para presentarse en vivo dentro de pocos meses, mientras sigue en plena producción de nuevas canciones y videoclips.Sin dudas una apuesta fuerte donde lo clásico

y lo moderno se unen para hacer de su propuesta musical un combo atrayente entre generaciones. Una artista para tener en el radar.

La chica del micrófono vintage

Nacida en Argentina y criada en China desde los seis meses de edad, Catalina es una artista internacional cuya identidad musical fusiona sus raíces latinoamericanas con una profunda influencia global.

A los 13 años fue invitada por Paramount Studios a grabar su primera canción original, marcando el inicio de su carrera profesional en la industria musical.

Con más de 160.000 seguidores en redes sociales chinas y más de 16 millones de

visualizaciones en TikTok China (Douyin), Catalina ha construido una sólida presencia digital en el mercado asiático.

En esta etapa de su carrera Catalina busca la expansión de su carrera musical, y es por ello que apuesta fuerte a la comunicación de su proyecto y a la visibilidad estratégica de su música a nivel global.

Recientemente se estrenó otra

pieza audiovisual de Catalina, perteneciente a su single “Los Tiempos Dorados”, material que también se puede ver y escuchar por YouTube (y disponible en plataformas de escucha)

Susana GalarzaAgente de Prensa. sgprensaydifusion@gmail.com

VIDEO

Solos Los Dos - Catalina (Official Music Video)

El nuevo disco de Avedorada "HOY"

Dialoga con códigos del cine y el videoclip actual.

En este nuevo videoclip dirigido por Cris Hana, la imagen se construye como un paisaje sensorial donde la ciudad nocturna se convierte en protagonista. A través de una estética marcada por luces de neón, reflejos sobre el asfalto mojado y una atmósfera introspectiva, el video despliega un universo visual que oscila entre lo onírico y lo urbano.

La cámara avanza con ritmo contenido, acompañando un relato más emocional que narrativo, donde el tiempo parece dilatarse y cada plano invita a la contemplación. La dirección apuesta por una puesta en escena minimalista pero cargada de intención, en la que el uso de la luz y el color funciona como vehículo expresivo central.

Con una impronta cinematográfica y una sensibilidad contemporánea, esta nueva obra audiovisual de Avedorada propone una pieza que dialoga con códigos del cine y el videoclip actual, reforzando la identidad estética del proyecto y amplificando su dimensión artística.

El resultado es una obra envolvente que trasciende el formato tradicional del videoclip para convertirse en una experiencia visual inmersiva.

En un ecosistema musical en constante mutación, pocas transformaciones resultan tan orgánicas y consistentes como la de Héctor Tamburi. Tras su etapa como Ekhtronic —donde inicia su colaboración con Manuel Caizza—, el proyecto encuentra una nueva forma y profundidad.

Compositor, productor y multiinstrumentista, Caizza cuenta con una sólida trayectoria: fue baterista de Indios, Rosal y Mauro Conforti & La Vida Marciana, lideró la banda Verne como principal compositor y actualmente desarrolla su obra en Cátaros, además de desempeñarse como guitarrista en Los Tercos.

De ese cruce creativo nace AVEDORADA, una identidad que no solo sintetiza sus recorridos previos, sino que los potencia. El proyecto despega con un álbum debut cargado de simbolismo y una clara vocación estética.

Esta nueva etapa marca un punto de madurez artística: una arquitectura sonora donde la electrónica se funde con la intensidad del pop y el pulso del rock alternativo, dando lugar a una atmósfera envolvente y contemporánea.

BIOGRAFIA

Héctor Tamburi, el artista que el público conoció bajo el seudónimo Ekhtronic, inicia una nueva era

bajo el nombre de AVEDORADA. Tras años de componer en inglés, este nuevo proyecto marca un hito en su carrera: el desembarco definitivo en el español. Nacido en Nueva York pero radicado en Mendoza desde los once años, su música es un reflejo de ese cruce cultural y una evolución que no se detiene.

Su trayectoria es la de un buscador inquieto. Desde sus inicios en los 2000, Tamburi recorrió el espectro sonoro desde el bajo en bandas de hardcore y punk hasta la experimentación alternativa con Espuma. Fue en 2008 cuando consolidó su identidad como compositor y cantante al fundar Ekhtronic.

Héctor se define como un artista nómada y lúdico: “Me aburro fácilmente; cuando la inspiración llega, simplemente enciendo todo y dejo que los sonidos dicten el camino. Algunos juegan videojuegos, yo juego con Ableton Live. Es mi diversión”, explica sobre su proceso creativo.

Su discografía documenta este viaje: desde The New Perfect Body (2009) y el instrumental Trippers (2010), hasta el álbum Ozónica (2011). En 2019, lanzó Península, una ambiciosa colaboración grabada entre Buenos Aires, Mendoza y Nueva York junto a músicos como Carlos “Tody” Tapia, con influencias de Phoenix y Tame Impala.

Hoy, con AVEDORADA, Héctor Tamburi desafía nuevamente sus

propios límites. Con un enfoque renovado y la calidez del idioma español, su propuesta reafirma que la música es, ante todo, un territorio de transformación constante.

DISCOGRAFIA COMO AVEDORADA

- Nueva era (Single) 29/06/2024

- AVDA (EP) 12/07/2024

- AVDA II (EP) 02/05/2025

- ADARODEVA (Album)

01/01/2026

DSCOGRAFIA COMO EKHTRONIC

The new perfect body (CD2009)

You know (single - 2009)

Perfect bodies (lado B - 2010)

Trippers (EP instrumental2010)

Ozónica (CD 2011)

It’s up to you (single - 2012)

Journey” (single - 2013)

Dormitory” (single - 2014)

Península (CD - 2019)

Connect (CD - 2021)

X Pro sontrip session (en vivo 2022)

Here we go ( single 2023)

Connect live huentala hotel (en vivo 2024)

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AGENCIA LES DILETANTES

Natalia Eva de Parseval lesdiletantes@gmail.com

VIDEO

AVEDORADA - HOY (Official Video)

LANZAMIENTO: Alan Sutton se sumó a canción de Agustina Giovio “

Apocalipsis

”

La artista Agustina Giovio, referente del nuevo pop uruguayo, lanzó “Apocalipsis”, un feat con Alan Sutton que llega como el primer corte de su próximo álbum.

Producido por ella misma junto a Jerónimo Romero (integrante de Alan Sutton & las Criaturitas de la Ansiedad), la canción que explora el caos personal como motor de transformación, marca un quiebre y muestra la potencia de la evolución musical de Agustina Giovio.

“A diferencia de mi primer trabajo “Generación de Cristal”, que aborda el vacío existencial y la búsqueda de respuestas con un sonido

más urbano; Apocalipsis es el primer corte de mi próximo disco que le abre la puerta al amor, a la importancia de los vínculos y a caminar acompañados en la vida” , afirma la artista.

La unión entre Giovio y Sutton no fue azarosa. Según relató la propia artista, la idea de invitar a Alan surgió de una profunda conexión con su sensibilidad artística: “Mi primer contacto con el trabajo de Alan sucedió

cuando un alumno de canto de 7 años trajo una canción de él para trabajar en clase. Meses después me encontré compartiendo escenario con Alan, en Montevideo donde finalmente entendimos que nuestros universos no solo se juntaban sino que compartían público”, contó.

El single une la fuerza pop de Giovio y el pop alternativo de Sutton para crear una escena poderosa, onírica y cálida. Con este estreno,

Giovio busca consolidar el crecimiento artístico que viene demostrando desde su álbum debut, posicionándose como una de las voces con mayor proyección en la escena pop actual de la región.

MINI BIO

Agustina Giovio es una cantante, compositora y productora uruguaya consolidada como referente del pop-rock actual. En 2025, fue destacada con el Premio Graffiti a “Nuevo Mejor Artista” y su álbum debut, Generación de Cristal, recibió la nominación a Mejor Álbum Pop.

Formada con honores en la AMDA de Nueva York, su carrera independiente incluye hitos como el sold out en Magnolio Sala y la creación de su fandom “Ovejas Negras”. Se ha presentado en festivales de renombre como Cosquín Rock (Argentina y Uruguay), América Rockstars y el Festival Buena Vibra, además de abrir shows para artistas como Maria Becerra, Tan Biónica, Miranda! y WOS.

Expandió su alcance en Argentina con presentaciones en The Roxy Live. Actualmente trabaja en su nuevo material discográfico, tras el reciente lanzamiento de su single “Apocalipsis” junto a Alan Sutton & las Criaturitas de la Ansiedad.

@alansuttonylascriaturitas

Prensa Cecilia Diaz agencia CEd cecilia@agenciaced.com

VIDEO APOCALIPSIS - AGUSTINA GIOVIO X

La cantante y compositora Verónica Walfisch presentó su primer álbum.

LO QUE CORRE DELANTE DE MÍ

Verónica Walfisch sigue presentando su primer disco, Lo que corre delante de mí, síntesis de un largo proceso de trabajo, aprendizaje y descubrimiento. Canciones con música y letra propias, nacidas de su encuentro con el piano y de su búsqueda como cantante. Composiciones intuitivas que se nutren de una poética personal donde desarrolla texturas, intensidades e imágenes. Estructuras musicales sencillas e inestables, sostenidas en juegos de tensiones y pausas. Música aireada, música nómade.

Mientras trabaja en su nuevo material, volverá a reunirse con

Guillermo Pesoa (acordeón), Federico Ghazarossian (contrabajo) y Luján Ricci (violín) para celebrar y compartir las canciones del disco y otras composiciones de su autoría.

“LO QUE CORRE DELANTE DE MÍ»

1- CIRUELAS

2- BÚFALOS

3- ASÍ ME VERÁS

4- INSÚA

5- GUANTES

6- ALGO

7- RÍO

Verónica Walfisch: piano y voz Federico Ghazarossian: contrabajo

Guillermo Pesoa: acordeón

Luján Ricci: violín

Todas las canciones compuestas por Verónica Walfisch

Grabado entre julio de 2023 y septiembre de 2025 en Estudio

Aural por Gustavo Semmartin y Guillermo Pesoa

Producido por Guillermo Pesoa

Arreglos de contrabajo: Federico Ghazarossian

Arreglos de violín y acordeón: Guillermo Pesoa

Mezclado por Guillermo Pesoa y Gustavo Semmartin

Masterizado por Pablo Rabinovich @rabipablo

Arte de tapa: Florencia Walfisch

Diseño: Pablo Martín

Disponible en plataformas digitales.

CAMINO CANTOR

Verónica Walfisch comenzó su camino cantor inventando canciones románticas mientras viajaba en el transporte escolar que la llevaba desde su casa al jardín de infantes. En aquel tiempo, hacía extensas giras actuando y cantando, viajando de un lugar a otro en enormes

carromatos tirados por caballos cuyas riendas manejaba a la perfección. De esas épocas, de pura bohemia, recuerda con cariño las largas horas de ensayo frente al espejo y a su hermoso público: muñecos y animales que habitaban los lugares más recónditos del planeta de su dormitorio. Un patrio 25 de mayo, en la escuela primaria, escuchó por vez primera al coro escolar. Esperó tres largos años, hasta que un glorioso día de marzo la aceptaron como aprendiz de coreuta y fue inmensamente feliz. Siguió por esos rumbos hasta el bachillerato llegando al ansiado podio de “Solista del Coro de Egresados”. Al mismo tiempo, le ponía voces a temas de un par de amigos hippies que empezaban a jugar con la música. Luego las tablas captaron toda su atención y su creciente timidez logró callar su voz por unos cuantos años.

Cansada de los reproches de familiares y amigos, y anhelando en silencio su pasado de cantora, un día cualquiera decidió retomar su camino musical.

De a poco se fue animando a cantar como solista sola solita y sola y a buscar un repertorio propio. Así fue que, buscando y escuchando, escuchando y buscando, una tarde de invierno se topó con “Que te vaya bonito” de José Alfredo Jiménez y supo, irremediablemente, por donde seguiría su rumbo cancionero. Inauguró así las “Noches de Serenata” de canciones rompecorazones, canciones de amor con raíz folklórica, rancheras, sones, valses, habaneras, boleros, a veces acompañada con guitarra, otras veces con su banda, o simplemente acompañándose con un xilofón, con maracas o a capella, como sea, lo que urge es cantar. u

Un día, hace más de una década, se le ocurrió estudiar piano. Así se lo pedían en silencio sus estudiantes de canto. A las pocas clases su maestro le propuso componer. Ella se negó, no sabía música. Él insistió, sólo necesitaba ser curiosa y probar. Y allá fue, a descubrir un planeta lleno de tensiones sonoras, palabras misteriosas y sombras inquietantes, que se volvieron relatos con forma de canción.

BIOGRAFÍA

Verónica Walfisch, actriz, cantante, compositora, docente.

Participó como actriz en “Kantor, wielopole, mezrich, wielopole” de Mariana Obersztern, para el ciclo Invocaciones del CC San Martín. Formó parte de los elencos dirigidos por Pompeyo Audivert en “Buenos Aires 2003”, “El pintor”, “Rosa responde” y “Puente Roto”. Integró la Comedia Nacional con “El médico a palos”, de Moliere, en Teatro Nacional Cervantes y Teatro Regio, obra con la que hizo varias giras por la

provincia de Buenos Aires. Debutó en televisión con “Socorro 5º año”, escrito y dirigido por Rodolfo Ledo. Participó en las telenovelas “Princesa”, “Una voz en el teléfono”, “Déjate querer”, “Muñeca brava” y en los unitarios “Detective de señoras”, “Poné a Franchela”, “Los Benvenuto”, “300 kilates”, “Impostores”, entre otros.

Como cantante y actriz creó varios espectáculos de música y relatos con la narradora Claudia Stella: “Quisiera amarte menos”, “Niños, diapositivas de infancia”, “Cuentos, Leyendas y Canciones de Latinoamérica” y “Cuentos, Leyendas y Canciones de

Argentina”.

Comenzó su camino como intérprete con un repertorio de canciones de amor con raíz folklórica, así nacieron las “Noches de Serenata” con las que se presentó varios años en distintos bares, restaurantes y centros culturales de la Ciudad de Buenos Aires y alrededores.

Luego comenzó su camino como cantautora.

Desde 2022 presenta sus canciones con el contrabajista Federico Ghazarossian en salas de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y en diferentes ámbitos del Gran Buenos Aires. En 2023 comenzó a trabajar en su primer disco, “Lo que corre delante de mí”, el cual fue presentado en vivo en noviembre de 2025.

instagram.com/verowalfisch/ youtube.com/@ veronicawalfisch7656

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

VIDEO Aurora

PONFE VA A PRESENTAR EN VIVO

“REPARO”

El nuevo álbum del dúo de hermanos se va a presentar en vivo por primera vez en el Centro Cultural Thames el 9 de mayo.

Reparo es el primer álbum de Ponfe, el proyecto de los hermanos Isabel y Joaquín Ponferrada. Producido junto a Bruno Gross en su estudio, el disco se construye alrededor de una idea central: el “reparo” como refugio, como intento de reconstrucción, pero también como duda, pausa o tiempo de retirada.

Las canciones recorren vínculos, momentos de quiebre y procesos internos desde una escritura íntima y directa, donde la voz ocupa un lugar central. En ese cruce entre lo emocional y lo reflexivo, el disco propone un tono cercano, que se mueve entre la vulnerabilidad y la observación.

En lo sonoro, Reparo combina indie-pop con elementos del folk y lo electrónico, generando un clima que alterna entre lo cálido y lo explosivo. La producción acompaña ese movimiento, con una propuesta rica en capas, texturas y matices. Funciona así como un primer álbum que presenta una identidad e instala una pregunta: cómo habitar aquello que cambia, respira y se transforma.

Reparo va a ser presentado en vivo por primera vez el 9 de mayo en el Centro Cultural Thames a

las 22:30 h, en formato full band.

SOBRE PONFE

Ponfe es un dúo musical conformado por los hermanos Joaquín e Isabel Ponferrada. En octubre del 2020 lanzaron su EP debut “¿Desea guardar los cambios?”, producido por Marco Otranto (Cítrico). A fines de julio del 2023 lanzaron su segundo EP, “Otra Dedicatoria”, producido por Lautaro Cura y Panchito Villa, y Guido Moretti.

En esos años se presentaron

en distintos escenarios de Buenos Aires, incluyendo shows en espacios como Camping y La Tangente, y participaron de festivales y ciclos en vivo. Su música, combina sensibilidad pop con una fuerte impronta en la armonía y escritura.

Este 2026 lanzan su primer álbum, Reparo. Producido junto a Bruno Gross, este disco de 9 canciones, marca un punto de inflexión en su recorrido. Se trata de un trabajo íntimo que indaga en la idea de refugio, reconstrucción y duda. Una especie de manifiesto contemporáneo donde el grupo revela la construcción de una identidad viva.

Agencia de prensa y comunicación Moonlight Music andyolmedoproducciones@ gmail.com

VIDEO ponfe | A Yerbas

RAVYN LENAE COMPARTE DOS NUEVOS SENCILLOS

“Reputation” feat. Dominic Fike y “Bobby”

Ravyn Lenae regresa para compartir dos nuevos sencillos y videos musicales, “Reputation” con Dominic Fike y “Bobby” a través de Atlantic Records. Los nuevos sencillos y los visualizadores dirigidos por Matthew Dillon Cohen marcan el comienzo de una nueva era para la aclamada cantautora, quien acaba de vivir un estelar 2025 con su éxito “Love Me Not”, que alcanzó el top 5 del Billboard Hot 100. Armada con sus primeras propuestas del año y aún más música en camino para este año, Ravyn Lenae se prepara para un 2026 aún más grande.

Escrita junto a Dominic Fike y producida ejecutivamente por su colaborador frecuente y productor ganador del GRAMMY, Dahi, “Reputation” cuenta la historia de una relación romántica que ha seguido su curso, aunque ninguno de los dos está dispuesto a admitirlo ante el otro. Mientras que “Reputation” se presenta como un discurso indirecto entre amantes en una relación tensa, su lado B, “Bobby”, es el diálogo interno que muestra a Lenae debatiéndose entre implorar a su pareja que “abra los ojos”, salvando la relación, y elegir terminar la relación de una vez por todas. Tanto “Bobby” como “Reputation” sirven como una muestra más del hábil lirismo de Ravyn Lenae combinado con su

delicada voz, mientras traduce el lento deterioro de una relación, comunicando eficazmente los sentimientos persistentes de lealtad y amor compartidos entre la pareja, en emotivas baladas pop.

2025 fue un año de despegue para Ravyn Lenae, que la vio actuar en Jimmy Kimmel Live!, Good Morning America, realizar sus primeras actuaciones en Coachella y en el Lollapalooza de su ciudad natal, Chicago, una residencia de dos noches y cuatro espectáculos con entradas agotadas en el famoso Blue Note Jazz Club que Billboard calificó como “una

hábil exhibición de musicalidad y sabiduría”, una asociación de marca con Coach, así como una gira principal por Norteamérica y el Reino Unido/ UE, además del éxito arrollador de “Love Me Not”. Junto a estos logros, se unió a Reneé Rapp y Sabrina Carpenter en fechas seleccionadas de sus giras por arenas en Norteamérica y actuó en múltiples festivales internacionales. El pasado junio, actuó en el famoso festival de música Primavera Sound de Barcelona y en el Governors Ball de Nueva York.

Arte de la portada del sencillo “Reputation”

MP Comunicación

María Peluffo maria@mariapeluffo.com @mpeluffomkt

VIDEO

Ravyn Lenae - Reputation (feat. Dominic Fike) [Official Music Video]

TOMATES EN VERANO presenta

DECÍ QUIÉN SOS Adelanto de su próximo disco

La banda oriunda de Mar del Plata prepara su quinto álbum de estudio del que ya se puede escuchar el primer single en todas las plataformas.

Tomates en Verano, el trío marplatense de shoegaze y post-punk, presenta “Decí quién sos”, primer adelanto de su próximo LP de estudio. La canción se mueve en ese territorio incómodo donde la claridad no llega y las emociones quedan suspendidas: vínculos que se dicen y se desdicen, certezas que duran lo que un verano.

Editado por Casa del Puente Discos, el single ya se puede escuchar en todas las plataformas: fue co-producido junto al inglés Graham Sutton y grabado en Estudio Unísono, en Buenos Aires, Argentina.

Con una lírica directa pero cargada de tensión, recorre la confusión, el desgaste y la necesidad urgente de verdad. Hay algo que ya no alcanza -ni la dulzura, ni las promesas- y lo único que queda en pie es la pregunta: quién sos realmente cuando todo lo demás cae.

La portada acompaña esa idea con una imagen potente: un As de picas en llamas. La carta más espiritual de la baraja ardiendo como símbolo de

transformación, de lo que se consume para dar lugar a otra cosa. Un gesto de ruptura, pero también de revelación.

“Decí quién sos” no busca respuestas fáciles. Es un momento de quiebre, donde decir la verdad —aunque incomode— se vuelve inevitable.

Tomates en Verano se presentará junto a Public Image LTD (PIL) y Buenos Vampiros el domingo 12 de abril, en Ciudad Cultural BrewHouse Puerto de Mar del Plata. Las entradas están disponibles a través de CultuTickets.com

Acerca de Tomates en Verano:

Tomates en Verano es una banda formada en Mar del Plata en el 2004. Ya editaron “Tomates en Verano” (2016), “Soñando Despierto” (2018) y „Todos los Días son Felices“ (2020) y “Sin Ton Ni Son” (2023). Hoy el trío está integrado por Carina Monjeau en bajo y voz, Ignacio Giobellina en guitarra y Pedro Moscuzza en batería.

Su música podría enmarcarse entre el shoegaze, el post punk gótico y el rock alternativo con una fuerte impronta local, resultando un concepto con una identidad diferente en una escena que parece no detener su crecimiento.

PRENSA cygprensa@gmail.com info@cygprensa.com

VIDEO

TOMATES EN VERANO / DECI QUIEN SOS / OFFICIAL VIDEO

WINONA RIDERS PRESENTA SU NUEVO DISCO

"0%"

En su quinto álbum de estudio, Winona Riders retoma el sonido abrumador, inconformista y potente que lo caracteriza. Entre críticas al mundo de hoy; reflexiones sobre la fe, el perdón y la culpa; la incansable búsqueda de nuevos estímulos y relatos de traición, hartazgo y vértigo, el quinteto construye una postal que abarca cada recoveco del mundo que lo rodea: adrenalínico, combativo y explícito.

Escúchalo en todas las plataformas

Con bases rockeras, actitud punk, destellos electrónicos y deslices dubs, “0%” expande su discografía y propone un ambiente tan denso como maleable, donde la oscuridad comanda pero también fluctúa, y la luminosidad ofrece espacios de quietud expansiva. En palabras del conjunto, “la batalla, hace ya un largo rato, es cuerpo a cuerpo”.

FICHA TÉCNICA

Producido por Winona Riders Letras y música por Winona Riders

Grabado en Octubre 2025 en SoundRec

Mezclado y masterizado por Mauro Taranto en La Cocina de

Beti, excepto track 13 (mezclado por Winona Riders)

Drum Doctor: Martín Visconti

Técnico de sonido: Santiago Vidiri

Técnico de grabación: Mauro

Taranto

Asistencia en estudio: Mariano

Angiolillo

Producción adicional en track 3: Javier Núñez

Coros adicionales en track 7 y

track 12: Deep Theo

Sello: Indie Folks

Winona Riders

Ariel Mirabal Nigrelli: Voces, guitarras

Ricardo Morales: Voces, guitarras

Gabriel Torres Carabajal: Percusión, guitarra y voces

Santiago Vidiri: Bajo

Francisco Cirillo: Batería, sintetizadores y voces

Sobre Winona Riders

Winona Riders es una banda argentina formada en Morón (Provincia de Buenos Aires), fundada por Ariel Mirabal Nigrelli y Ricardo Morales en el año 2018. Actualmente el grupo está formado por Ariel Mirabal Nigrelli (voz y guitarra), Ricardo Morales (voz y guitarra), Gabriel Torres Carabajal (percusión), Francisco Cirillo (Batería) y Santiago Vidiri (bajo). Según sus integrantes,

una de las principales razones por las que este proyecto nace es para convertirse en la banda que siempre quisieron ver en vivo y nunca pudieron, llevando al frente sus propias reglas y una filosofía de tocar la mayor cantidad de veces posible. El 15 de junio de 2019 debutaron en vivo en formato trío en Salas Tifón de Ramos Mejía.

Oriundo del oeste, el conjunto marida rock stone, krautrock, noise y psicodelia. Comprendidos en el denominado movimiento musical ‚‘post-pandemia‘‘, surgido en el país en 2021 ante la necesidad de salir a las calles tras el encierro causado por el COVID-19, Winona Riders tiene cuatro álbumes de estudio publicados —Esto es lo que obtenés cuando te cansás de lo que ya obtuviste (2023), El sonido del éxtasis (2023), No hagas que me arrepienta (2024) y Quiero que lo que yo te diga sea un arma en tu arsenal (2025)— y varias grabaciones en vivo. En su joven trayectoria ya ha completado giras por todo el país, Latinoamérica y Europa,

y ha valido su presencia en la industria con aperturas a artistas internacionales como The Brian Jonestown Massacre (2023), King Gizzard & The Lizard Wizard (2024) y Primal Scream (2025).

Con un show en el mítico Estadio Obras de 4 horas, una tapa de Rolling Stone Argentina, una exitosa gira por Europa en 2025 —que incluyó Irlanda, Inglaterra, Francia, Alemania y España— y convocatorias a los lineups de Lollapalooza, Cosquin Rock, Primavera Sound y Music Wins, Winona Riders se ha consolidado como una de las propuestas artísticas más disruptivas, enérgicas y potentes de la escena actual argentina y mundial.

Foto por Georgina Loyola @ gina.loy

Emilia Hernández Prensa & Comunicación @emiprensa info@emiprensa.com.ar

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WINONA RIDERS - 0%

Matt Miller presenta “Parece que no ha cambiado” Su álbum debut como solista

Matt Miller lanzó “Parece que no ha cambiado”, un disco ecléctico, en el que las 13 canciones que lo componen tienen su propio espacio y dan lugar para comprender las distintas temáticas que interpelan al artista, cómo lo son la falta de empatía y el creciente individualismo.

A nivel sonoro “Parece que no ha cambiado” nos referencia a los años de crecimiento del artista y sus influencias, llevando esos sonidos a la actualidad. Otra marca distintiva es su tinte hogareño ya que gran parte del álbum fue grabado en el estudio montado en la casa de Matt Miller.

Además, cuenta con la participación de Lula Bertoldi y Gabriel Pedernera de Eruca Sativa, entre otros artistas. El álbum está disponible desde el lunes 6 de abril en todas las plataformas digitales.

Escuchá “Parece que no ha cambiado” en Spotify: Mirá el video de “Dando vuelta” en YouTube:

MATT MILLER EN LA TANGENTE

Presentación oficial de su álbum debut “Parece que no ha cambiado”.

Viernes 15 de mayo. 20 h.

Honduras 5317, CABA. Entradas desde $13.000. En venta en: https://tickets.latangente.com.ar / musica/matt-miller

Matt Miller es un músico, docente, luthier y productor argentino. Integró bandas como Zumbadores, Handels, entre otros proyectos. Trabajó como productor en distintos álbumes, además de estar a cargo de la dirección musical de distintos

artistas. En abril de 2026 lanzó su álbum debut solista “Parece que no ha cambiado”.

https://www.instagram.com/ elmattmiller

LUCAS SEOANE PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com

VIDEO

Matt Miller - Al Borde (Videoclip Oficial)

Malena Narvay presenta

“Perdí el control y me gustó” y consolida su universo de pop electrónico

La artista argentina Malena Narvay continúa expandiendo su propuesta musical con el lanzamiento de su nuevo single, “Perdí el control y me gustó”, disponible en todas las plataformas digitales a partir del 26 de marzo. Con una identidad estética muy marcada y un sonido que cruza el pop contemporáneo con la electrónica melódica, este estreno marca un claro punto de inflexión en su proyecto artístico, posicionándola como una de las figuras emergentes más singulares de la escena actual.

A través de esta nueva canción, la cantante y actriz sigue construyendo un universo que se mueve con naturalidad entre dos mundos: la sensibilidad emocional del pop y la energía inmersiva de la electrónica.

“Perdí el control y me gustó” es una obra que simboliza, justamente, la libertad emocional y la belleza de soltar las riendas, reflejando su madurez y evolución en el estudio.

El proyecto representa una nueva corriente híbrida dirigida a una audiencia joven y adulta que conecta desde una fuerte sensibilidad estética.

Acompañada de una narrativa visual impecable y un sonido envolvente, Malena genera

una comunidad cada vez más amplia que busca autenticidad

y experiencias profundas, acercando el universo pop al lenguaje de la cultura club y alternativa.

Con este audaz paso, “Perdí el control y me gustó” no solo busca cautivar a su audiencia más fiel, sino expandir su alcance hacia los ecosistemas del dance pop y el pop electrónico. Así, Male Narvay reafirma su visión artística y prepara el terreno para un 2026 que la encuentra como un referente ineludible dentro de la nueva generación de artistas latinos.

MP Comunicación

María Peluffo maria@mariapeluffo.com https://linktr.ee/maria_peluffo_ marketing

VIDEO

Malena Narvay - Perdí El Control y Me Gustó (Video Oficial)

Cine

ESTRENO EN CINES AGOSTO 2026 “YO, NARCISO”

LA NUEVA PELÍCULA DE ADRIÁN SUAR Y NATALIA OREIRO

YO, NARCISO, la nueva película protagonizada por Adrián Suar y Natalia Oreiro presenta sus primeras imágenes. El film dirigido por Suar llegará a los cines en agosto de 2026. Este primer adelanto marca el regreso de una dupla que conquistó al público hace más de una década y que ahora se une por primera vez en la pantalla grande.

Después del éxito de 30 noches con mi ex y MazelTov, la nueva película propone una mirada irónica y entrañable sobre el narcisismo moderno —ese reflejo que atraviesa las relaciones, las redes y la forma en que nos mostramos y nos amamos—. Con humor y lucidez, la historia expone el desafío de vincularse en una era donde todos buscamos ser vistos, admirados y validados, invitando al espectador tanto a reír como a reflexionar.

SINOPSIS:

Rocío Flores (Natalia Oreiro), profesora universitaria de sociología, escribe un libro sobre

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el narcisismo moderno. Para entender mejor a su “sujeto”, decide estudiarlo desde adentro y elige como caso a Máximo Rey (Adrián Suar), un carismático cirujano plástico.

Bajo una falsa identidad, Rocío se hará pasar por una paciente interesada en un retoque estético, y de esta manera busca observar y analizar a Máximo sin ser descubierta. Pero las consultas pronto se convierten en citas donde él despliega todo su encanto. Rocío, decidida a mantener el vínculo sin caer en su juego, inventa excusas cada vez más absurdas para mantenerlo a raya.

Cuando Máximo descubre que se ha enamorado de ella, “el experimento” se descontrola.

¿Podrá Rocío completar su investigación sin convertirse en víctima de su propio plan?

Yo, narciso, es una comedia de enredos. La película satiriza la obsesión por la imagen, el ego masculino y los límites del deseo.

Protagonizada por:

Adrián Suar - Natalia Oreiro

Dirección:

Adrián Suar

Guion:

Pablo Solarz - Adrián Suar

Producida por:

Preludio y Pampa Films

Elenco:

Julieta Zylberberg, Sofía

Morandi, Mariano Saborido, Andy Chango, Eleonora

Wexler y Camila Peralta

Participación especial:

Moria Casán

FICHA TÉCNICA

Producida por:

Preludio y Pampa Films

Distribuida por: Buena Vista International

Género: Comedia Rodaje: Octubre - Noviembre 2025

Estreno: Agosto 2026

Dirección:

Adrián Suar

Guion:

Pablo Solarz y Adrián Suar

Productores: Adrián Suar, Pablo E. Bossi, Cabe Bossi y Pol Bossi

Productores ejecutivos: Diego Andrasnik, Juan Lovece y Maximiliano Lasansky u MiráBA 227

Director de fotografía:

Guillermo Nieto

Director de arte:

Mariana Sourrouille

Edición: Florencia Efron

Música: Nicolás Sorín

Dirección de producción:

Florencia Clérico

Asistente de dirección:

Luís Bernárdez

Vestuario:

Liliana Piekar

Dirección de sonido:

Guido Berenblum

Casting:

Iair Said Maquillaje y pelo:

Karina Camporino

Prensa y comunicación:

Vanesa Bafaro

Distribuida por:

Buena Vista International

SOCIAL MEDIA: https://www.youtube.com/@ buenavistala https://www.facebook.com/ BuenaVistaLA/ https://www.instagram.com/ buenavistainternationalla/ https://x.com/BuenaVistaIntLA https://www.tiktok.com/

@buenavistala

Vane Bafaro

Prensa & Comunicación

IG: @vanebafaro

X: @vanebafaro vanebafaroagencia@ vanebafaro.com

VIDEO YO, NARCISO | TEASER OFICIAL

FESTIVAL LUSITALIANO

19º FESTA DO CINEMA ITALIANO

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Con una serie de nuevas y originales películas provenientes de Italia, la Festa do Cinema Italiano 2026 renueva su programación en la capital portuguesa. Un evento que ya está por llegar a su vigésima entrega y que presentó una de las mejores ediciones de la historia en cuanto a asistencia de público, con aproximadamente 14.000 espectadores en las salas.

Entre las destacadas se encontraban dos películas presentadas en el Festival de Cine de Venecia. La primera de ellas, Campo di Battaglia, del director Gianni Amelio, protagonizada

por un sólido elenco encabezado por Alessandro Borghi, Gabriel Montesi, Federica Rosellini y Giovanni Scotti. El film narra la historia de soldados gravemente heridos al final de la Primera Guerra Mundial que llegan a diario a un hospital militar para ser examinados y decidir su destino. Este drama juega un papel fundamental como parte de una historia tal vez no muchas veces contada que tenía que ver con los autolesionados que evitaban regresar al frente de batalla. Aquí se puede ver el poder autoritario y estricto del inflexible doctor Stefano Zorzi, quien observando con detalle

como si fuera un inspector a los heridos, llega a descubrir y condenar tanto a soldados como médicos que intentaban escapar de aquel destino. Presentada en el Festival de Cine de Venecia e inspirada libremente en la novela La Sfida de Carlo Patriarca, la película reflexiona sobre la automutilación de los soldados y también establece la versión de un médico que intentaba ayudarlos para alejarlos de aquella gran tragedia como un espejo de la locura de todas las guerras.

Por otro lado, Un anno di scuola de Laura Samani, retrata la adolescencia femenina con

delicadeza y rigor en una Trieste de hace 20 años donde Fred, una joven sueca de dieciocho años se une a una clase compuesta solo por chicos. Con mucha frescura y cierta poesía en el uso de los encuadres y la dinámica actoral, el film cuenta cómo esta chica llama la atención de Antero, Pasini y Mitis, amigos de toda la vida que comienzan a salir, coquetear y hasta enamorarse de ella generando idas y vueltas amorosos. Bellas y múltiples escenas dan cuenta como los jóvenes pasan de la ingenuidad a los deseos irrefrenables frente a las presiones invisibles de la sociedad. Una versión actualizada de aquella temática adolescente explorada y desarrollada por el gran John Hughes en la década del ochenta.

Entre las películas premiadas, el galardón máximo fue para Gioia

Mia de Margherita Spampinato, estrenada en el Festival de Cine de Locarno, que narra la historia de Nico, un niño rebelde experto en tecnología que pasa el verano en Sicilia, en casa de una tía anciana, desconectado del mundo digital. Es una historia que explora dos generaciones distintas unidas por amores imposibles, anhelos y la creación de lazos para toda la vida. La Mención Honorífica en la Competencia fue otorgada a la comedia negra con aires navideños titulada Ultimo Schiaffo de Matteo Oleotto, presentada en el Festival de Cine de Roma. Y por primera vez, la Festa do Cinema Italiano, reforzando su compromiso con el descubrimiento y la promoción de nuevos talentos en el cine italiano, otorgó el primer Premio al Mejor Cortometraje para Festa

in famiglia de Nadir Taji.

El jurado competitivo compuesto por la agregada cultural Giusi Tinella, el editor João Vilela Geraldo y la actriz Ana Vilaça subrayó que las siete películas en competición demostraron dos ejes fundamentales: la capacidad creativa de Italia para abordar narrativas desde las periferias con grandes papeles secundarios, y el deseo de evocar la belleza y la poesía de los encuentros fortuitos. Si debo decir que se extrañó mucho la sección llamada ópera na tela, dedicada exclusivamente a la ópera, que se había programado en el 2025. Ojalá en su próxima edición de 2027 tenga un lugar preponderante para el público cinéfilo y melómano acercando cine y ópera italiano para todo el público.

LLEGÓ AL CINE GAUMONT EL ESPERADO ESTRENO DE “ROCAMBOLE EN EL CAMINO” UN DOCUMENTAL QUE RECORRE LA VIDA, OBRA Y PENSAMIENTO DE RICARDO COHEN, FIGURA CLAVE DEL ARTE VISUAL DEL ROCK NACIONAL.

Dirigido por Marcia Paradiso y Matías González, el film propone un viaje íntimo y revelador por el universo creativo de Rocambole, desde su taller en La Plata hasta distintos espacios culturales donde su obra dialoga con nuevos públicos. Junto al periodista Oscar Jalil, Rocambole abre su memoria, en un recorrido que evita la biografía tradicional para centrarse en el pulso vivo de su arte y las historias detrás del mito ricotero.

“Rocambole en el camino” revisita el universo simbólico de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota a través de la mirada del protagonista, el artista detrás de una iconografía que marcó a generaciones. Desde el arte de tapa musical de todos los discos de los Redondos, los afiches y volantes, las entradas a los shows, los avisos para diarios, las escenografías, los telones, las proyecciones, todo un despliegue de imágenes que crearon una marca visual en el rock nacional.

“Rocambole en el camino” no solo retrata a un creador fundamental, sino también a un pensador que eligió construir su obra en contacto directo con el público, llevando el arte fuera de los circuitos tradicionales. El documental invita a descubrir el detrás de escena, en un

encuentro cercano con uno de los artistas más influyentes de la cultura popular argentina. Gran estreno Gran: sábado 25 de abril a las 20 horas en Cine Gaumont: Av. Rivadavia 1635 –Caba, segunda función: martes 28 de abril, 20 horas en la misma sala. ¡Los esperamos!

FICHA TÉCNICA:

GUIÓN:

MARCIA PARADISO Y MATIAS GONZÁLEZ

PRODUCCIÓN:

MARCIA PARADISO Y MATÍAS GONZÁLEZ

DIRECCIÓN:

MARCIA PARADISO Y MATÍAS GONZÁLEZ

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA y CAMARÓGRAFOS:

FACUNDO DORSO, MARIO VARELA, JUAN IGNACIO

ANTONIO, BRUNO FIMIANI, u MiráBA 233

LUCIANO VACCARO

DRONE: NUMA VIARD

SONIDO en RODAJE y POST PRODUCCIÓN:

ESTEFANÍA FICA DUPOUYDARÍO PROCOPIO

POST PRODUCCIÓN DE IMAGEN/ EDICIÓN:

FEDERICO DI BRINO

ANIMADORA:

JULIETA AUBIN

PRODUCCIÓN: ALEJANDRA PERDOMO

Duración: 89 minutos

Formato: DCP

Distribuye: Marcia Paradiso ROCAMBOLE EN EL CAMINO fue subsidiado por el INCAA y cuenta con el Apoyo de Fomento del BAFILM y del INAMU (Instituto Nacional de la Música)

BIOFILMOGRAFÍA DE LA CODIRECTORA

MARCIA PARADISO (Buenos

Aires, 1960)

Documentalista, investigadora, guionista, productora y docente. Es Licenciada en Comunicación Social por la Universidad Nacional de Lomas de Zamora (1996) y graduada en Realización Cinematográfica por el Instituto de Arte Cinematográfica de Avellaneda (1984). Ejerció la docencia en seminarios de investigación en Comunicación en la Universidad Nacional de Lomas de Zamora, en el IDAC, en el Instituto Cineargento y en el Movimiento de Documentalistas. Se especializó en cine documental etnográfico y social. Coordinó el Centro de Producción del IDAC y dictó las cátedras de “Comunicación audiovisual” y “Metodología de la investigación documental” en el IDAC.

Cursó seminarios de especialización en “Cine

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documental” junto a Jorge Prelorán , al realizador brasileño Eduardo Coutinho, a los documentalistas cubanos Rolando Almirante y Jorge Fuertes y a la documentalista Juana Sapire , entre otros. Realizó los largometrajes documentales LUNAS CAUTIVAS- HISTORIAS DE POETAS PRESAS (2012) y AGUAS ABIERTAS (2015), recibiendo varias distinciones en diversos festivales (DERHUMALC, Cine y DDHH en Montevideo, entre otros).

BIOFILMOGRAFÍA DEL CODIRECTOR

MATÍAS GONZÁLEZ (BUENOS ARES, 1981)

Licenciado en Comunicación Social y Licenciado en Periodismo en Universidad Nacional de Lomas de Zamora.

Realizador audiovisual por la Escuela de Medios

Audiovisuales de Lomas de Zamora y formación en Movimiento de Documentalistas (CABA). Cursó Seminario de Realización Integra Documental en el Centro Cultural San Martín con Pablo Reyero y Clínica de Guión para Cine y Televisión en House Cinema. Se desempeñó como productor de contenidos audiovisuales para el Consejo e Instituto Nacional de las Mujeres. Integró el equipo de Prensa y Comunicación Institucional de la Dirección Nacional de Economía

Popular.

Integra la Productora Tierra Documental, en el área de Dirección y Producción de Los filmes Aguas Abiertas (INCAA; 2015) y Lunas Cautivas –Historias de Poetas Presas (INCAA; 2012).

PRENSA

Paula Alberti paulaalbertipress@gmail.com

VIDEO Rocambole en el camino trailer 2

Una y mil veces

Nuevo trabajo documental de Ernesto Fontan llega a las salas comerciales

El 29 de abril estrena Una y mil veces, nuevo largometraje documental de Ernesto Fontan. La película reconstruye la historia de 52 exiliados uruguayos que, durante las dictaduras de los años 70, se unieron al Frente Sandinista de Liberación Nacional para combatir el régimen de Anastasio Somoza.

A través de testimonios de protagonistas y familiares, el film explora las motivaciones y el contexto de una época atravesada por el exilio y las luchas revolucionarias en América Latina. “Lo más conmovedor fue descubrir que se trató de una decisión

individual y voluntaria, impulsada por el compromiso y el altruismo”, señala Fontan, quien apuesta a mantener viva en la memoria colectiva una historia inédita del cine latinoamericano.

SINOPSIS

Luego de más de cuatro décadas en que medio centenar de uruguayos lucharon voluntariamente junto al pueblo nicaragüense en la revolución de 1979, varios de los protagonistas deben vencer el miedo a remover recuerdos que dejaron una huella imborrable. Esta película propone hacerle frente al olvido y plantea la pregunta colectiva: ¿lo volverían a hacer?

Título original: Una y mil veces Documental Duración: 70 min.

Idioma: Español

País: Argentina

Año: 2025

ERNESTO FONTÁNDIRECTOR

Realizador audiovisual argentino graduado como Licenciado en Audiovisión (UNLa) en 2005. Desde 2013 se desempeña en The Walt Disney Company como realizador de diversos proyectos. En 2021, dirigió su ópera prima documental titulada “Tarará». u MiráBA 237

En 2022, fundó la productora Ámbar Cine. En 2025 estrena su segundo largometraje documental titulado “Una y Mil Veces”.

Es docente de Montaje en la UBA, Universidad de Buenos Aires.

SOBRE EL PROYECTO

Desde muy joven me

interesaron profundamente la historia contemporánea de América Latina y los movimientos revolucionarios de liberación. Crecí en una familia politizada — de hecho, mi nombre Ernesto es un homenaje al Che Guevara— y ya desde entonces conocía la relevancia de la figura de Augusto César Sandino en la historia nicaragüense. Me encontré con esta historia

durante una gira por Europa con mi película anterior, “Tarará”. Lo más conmovedor fue descubrir que aquellos 52 combatientes uruguayos decidieron, de forma individual y voluntaria, sumarse a la lucha en Nicaragua, sin el respaldo directo de organizaciones políticas. La posibilidad de indagar en los motivos detrás de una decisión tan trascendental —y en muchos casos definitiva para sus vidas — me resultó profundamente movilizador. Estoy convencido de que estos ejemplos de compromiso y altruismo deben ser conocidos, y que es necesario que existan obras que los registren y los mantengan vivos en la memoria colectiva. Por eso creo que esta historia, que nunca antes fue contada en el cine, merece ser narrada: por quienes ya no están, por quienes siguen soñando con un mundo más justo, y por el valor histórico que representa - Ernesto Fontan-

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EQUIPO TÉCNICO

Dirección

Ernesto Fontan

Idea original

José Pommerenck

Fernando Mazzeo

Federico Trias

Guión

Ernesto Fontan

Marcos Coria

Bruno Scarponi

Producción

Tatiana Nemecek

Ernesto Fontan

Producción Ejecutiva

Mariano Corbacho

Dirección de Producción

Tatiana Nemecek

Equipo de Producción

Fernando Mazzeo

Néstor Luzardo

Ricardo Daher

Miguel Angel Ortíz

Dirección de Fotografía & Cámara

Bruno Scarponi

Cámara adicional

Ignacio Mazzeo

Montaje

Sebastián Frota

Ernesto Fontan

Sonido directo

Marcos Coria

Post-Producción de sonido

Julián García Reig

Música original

Juan D’Eramo

Diseño y Arte Digital

Evangelina Irungarayy

Can Kuyumku

Prensa

Erica Denmon @ambarcine

Prensa & Comunicación

Erica Denmon erica@denmon.com.ar

VIDEO

Trailer de “Una y mil veces”, nuevo documental de Ernesto Fontán

ESTRENO CINE

"Mujeres, al final de este viaje" de Paola

Nucci

SINOPSIS

“Mujeres, al final de este viaje” es un documental que cuenta la historia de mujeres víctimas de trata que se reúnen en un taller de cine a filmar sus cortos, donde relatan parte de los sucesos que vivieron, siendo el taller el modo de unión y comunicación entre ellas con la sociedad. Vemos las particularidades de cada una y el vínculo que se construye entre ellas con el taller, la unión a través de compartir experiencias muy parecidas.

FICHA TÉCNICA EQUIPO

Director de Fotografía:

Mauricio Asial

Director de Sonido: Lucia Palenzuela

Compaginador:

Paola Nucci

Compaginador:

Ana Alonso

Camarógrafo: Mauricio Aciar

Director: Paola Nucci

Guionista:

Paola Nucci

Guionista:

Ana Alonso

Productor Ejecutivo:

PALABRAS DE LA DIRECTORA

Paola Nucci - Directora

- Tripulación de cabina a sus puestos, estamos próximos al despegue.

- Su atención por favor, le aseguramos que deberán permanecer sentados y con el cinturón de seguridad. Los oídos se me tapan y destapan... Mujeres no tenía nombre todavía cuando lo comencé, recuerdo aquellas salas vacías de los tribunales tucumanos cuando ellas prestaban testimonio. Comienzo a sentir una leve

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turbulencia... entiendo que seguimos levantando vuelo.

Al lado mío muchas veces estaba la periodista que vino de Bs As, mujer de vasta experiencia y que terminó escribiendo su libro del tema. Ingresaba por las mañanas y muchas veces hacía doble turno. ¿Qué es ser valiente?

Ellas eran las putas...Las que volvían siempre con sus tratantes, entonces no estaban sometidas... ... - les gustaba lo que hacían...

Ese era el argumento de los tipos de corbata. ¿Como si la corbata los distingue de los otros? ¿Les gustaran las cámaras?

Los días que venía su madre era un movimiento poco visto en Tucumán con la prensa. Durante todo el año éramos

menos en la sala de prensa, diría que mis dedos de mi mano derecha sobrarían para contarlos, sobre todo en las jornadas de las tardes. Salía muchas veces de noche, como si no me cansara, como si no tuviera trabajo, como si me pagaran por hacerlo !!!...Dios mío, ¿En qué pensaba cuando iba?!!!!

El arbolito ya había sido armado y era imponente en el hall de entrada como aquel edificio emblemático de tribunales.

Las copas de agua relucían en las mesas del tribunal... Ellas llegaban muchas veces sin desayunar, con lo puesto... Y así se iban. Sus memorias eran frágiles, como su vida misma. Solo algunas jornadas o momentos tuvieron custodia y

acompañamiento psicológico . Las custodias, los policías varones a ellas las hacían sentir incómodas, las psicólogas las contenían.

Estamos ya por encima de las nubes.

Las mujeres se expresaban cómo podían, los abogados de la querella las protegían, las discusiones y chicanas eran eternas con la otra parte, en el medio ellas esperan que el tribunal resuelva... Y ellos, dejaron de ser tibios para ser permisivos. Debían contestar, daban lugar...

- Cinco putas señor presidente, cinco prostitutas señor presidente...

Llegaba con una camarita Panasonic hogareña y un trípode casi roto, pero era mi equipo y que orgullo llevarlo. Luego vinieron los que alquilamos , u MiráBA 241

ya profesionales, cuando el proyecto creció.

- Estamos previendo el arribo a las 11 h, hora local. Diez años es una década, en diez años podés cambiar pañales y luego terminar emocionada cuando lo ves finalizar la primaria próximos a la adolescencia. En 10 años pueden pasar tantas cosas... El proyecto llevó ese tiempo y un poco más, desde aquella mañana cuando comenzaba hasta estas líneas con la peli terminada. Con un expediente de por medio, con abogados y lágrimas que supe cambiar por alegría luego.

Tantas personas nobles en el camino por agradecer, tantos profesionales que formaron parte de este proyecto. Empezó como una motivación individual, terminó siendo colectivo en su realización.

Me costó también varias sesiones de emergencia. A ellas también les pasó el mismo tiempo.

Me pregunto xq todos manejamos una misma hora local y sin embargo los tiempos son diferentes

A ellas también les pasó los años, tuvieron sus hijos y los criaron como pudieron, con mucho amor. La droga que les inyectaron hizo estragos en sus cuerpos...

- Bienvenidas al Taller de cine. La pandemia vino y se fue, el dengue le siguió, la inflación y el calor tucumano hacían estragos las tardes que debían juntarnos, sumado a los estados se ánimos de cada una .

El desayuno o merienda muchas veces eran sus primeras comidas, otras veces guardaban las facturas y todo lo que había en la mesa en una servilleta para llevarles a sus hijos cuando terminaba la reunión... le dábamos los viáticos, los últimos años todo fue solventado con dinero propio y de Ana, mi socia en este proyecto y colega de trabajo, de gran convicción.

- ¿Llegamos al mismo lugar que empezamos?

Pregunta la nena, el papá le contesta entre risas.

- No no

Le explica, no logro escuchar... Ya no presto atención al entorno.

¿Llegamos al mismo lugar donde empezamos? Me pregunto.

“Mujeres, al final de este viaje” Fragmento diario de rodajePaola Nucci - Directora

Sobre la DIRECTORA

PAOLA NUCCI

Egresada de la Escuela Universitaria de Cine, video y Tv (U.N.T.) en la especialidad de Dirección y de la Facultad de Artes (U.N.T) en la carrera de Fotografía.

Seleccionada para participar de la 6° Edición Talent Campus Buenos Aires, de la Universidad del Cine, en el marco del Bafici 2011. Docente en la en la escuela de Artes de Tucumán ESEA, en la materia Medios Audiovisuales. Realizó pasantía en canal 10,

Tv por aire, Tucumán. Fue colaboradora en el Festival Nacional de Cine- Tucumán, 2009. Su tesis final, un documental de 24 minutos, fue declarado de interés Turístico y Cultural por el Ente Tucumán Turismo y Ente Cultural de Tucumán. Actualmente se encuentra trabajando en un proyecto Documental Ganador del 8° Concurso Raymundo Gleyzer (INCAA - NOV 2015), seleccionado además el mismo en 1° Concurso Raymundo Gleyzer- Cine de Base (INCAA/ ENERC), en el Taller ENERC DOC Buenos Aires 2014, en el Taller-Coach IBERMEDIA de Desarrollo de ProyectosCine Campus, Islas Canarias, España.

En el Taller DOC LAB Concordia del Observatorio de Cine, Barcelona- Buenos Aires, en el marco del Festival Internacional de Cine Social de Concordia y en las clínicas pre MICA NOA 2012 (Mercado de las Industrias Culturales Argentinas, Presidencia de la Nación.

SOBRE LA PRODUCTORA

ANA ALONSO

Egresada de la Escuela

Universitaria de Cine, video y Tv (U.N.T.) en la especialidad de Dirección y de la Facultad de Artes (U.N.T) en la carrera de Fotografía.

Seleccionada para participar de la 6° Edición Talent Campus Buenos Aires, de la Universidad del Cine, en el marco del Bafici 2011. Docente en la en la escuela de Artes de Tucumán ESEA, en la materia Medios Audiovisuales.

Realizó pasantía en canal 10, Tv por aire, Tucumán. Fue colaboradora en el Festival Nacional de Cine- Tucumán, 2009. Su tesis final, un documental de 24 minutos, fue declarado de interés Turístico y Cultural por el Ente Tucumán Turismo y Ente Cultural de Tucumán. Actualmente se encuentra trabajando en un proyecto Documental Ganador del 8° Concurso Raymundo Gleyzer (INCAA - NOV 2015), seleccionado además el mismo en 1° Concurso Raymundo Gleyzer- Cine de Base (INCAA/ ENERC), en el Taller ENERC DOC Buenos Aires 2014, en

el Taller-Coach IBERMEDIA de Desarrollo de ProyectosCine Campus, Islas Canarias, España.

En el Taller DOC LAB Concordia del Observatorio de Cine, Barcelona- Buenos Aires, en el marco del Festival Internacional de Cine Social de Concordia y en las clínicas pre MICA NOA 2012 (Mercado de las Industrias Culturales Argentinas, Presidencia de la Nación)entre otros.

CONTACTOS

Paloma García +54911 63818535 palogarciaperiodista@gmail.com garbocultura@gmail.com @garboprensa

MUJERES, AL FINAL DE ESTE VIAJE

Paola Nucci (Directora) +54 9 381 5507587 mujeresdocumentaltuc@gmail. com fotosfilm@gmail.com

VIDEO Mujeres al final de este viaje 6 de abril de 2026

ESTRENO 14 DE MAYO

«Lo habrás imaginado”

Una película de Victoria Chaya Miranda PROTAGONIZADA POR DIANA LAMAS, CARLOS PORTALUPPI, OSMAR NÚNEZ Y MARIO PASIK.

ESTRENO

JUEVES 14 DE MAYOESPACIOS INCAA

AVANT PREMIERE

MIERCOLES 13 DE MAYO19:00 H.

C.C. 25 DE MAYO (AV. TRIUNVIRATO 4444)

Lo habrás imaginado, el thriller policial dirigido por Victoria Chaya Miranda, se presenta como una propuesta intensa y provocadora. Con una fuerte

impronta autoral, la película aborda uno de los temas más sensibles de la actualidad: la red de trata infantil.

Victoria Chaya Miranda

Protagonizada por Diana Lamas, Carlos Portaluppi, Osmar Núñez y Mario Pasik, la historia construye un universo oscuro donde los vínculos personales se cruzan con secretos familiares y estructuras de poder ocultas. El elenco se completa con María Ibarreta, Germán Da Silva, Gustavo Pardi, Susana Varela, Esteban Prol y Patricia Condron.

A diferencia de los thrillers convencionales, el film escrito y dirigido por Victoria Chaya Miranda utiliza un lenguaje visual que renuncia a las respuestas digeridas. La narrativa invita a armar el sentido junto a los personajes, obligando al público a procesar la información en tiempo real mientras transita la delgada línea entre la lealtad familiar y la búsqueda de la verdad. No es solo una película sobre la red de trata infantil; es un rompecabezas narrativo donde cada pieza revela cómo los sistemas de poder operan u

MiráBA 245

Con una duración de 85 minutos, sonido 5.1 y una propuesta visual en calidad 4K, Lo habrás imaginado apuesta a una estética cuidada que refuerza el clima tenso y opresivo de la historia, acompañando el recorrido emocional de sus personajes.

Avalada por más de 30

MiráBA 246 en el silencio. La apuesta no solo construye suspenso, sino que también interpela al espectador.

selecciones oficiales, Lo habrás imaginado llega a los cines tras una exitosa ruta de festivales donde fue galardonada como mejor película en el festival internacional de Cine político y ha obtenido premios en los rubros, Mejor Dirección, Mejor Actuación Masculina (Carlos Portaluppi) y Mejor Actriz (Diana Lamas).

SINOPSIS

La hermética vida de Abril se quiebra ante la reaparición de dos figuras de su pasado en vísperas de Navidad: su tío Ángel y Guille, un viejo amigo de la adolescencia. Lo que comienza como un reencuentro fortuito pronto se revela como el inicio de una investigación judicial paraestatal que desentraña el horror oculto tras la fachada de una familia ejemplar.

FICHA TÉCNICA

Dirección y guion: Victoria Chaya Miranda 246 MiráBA

Producción:

Inocencia Cero

Producción asociada y ejecutiva:

Gale Cine – Martín Bullrich –Luis Bustamante

Jefa de producción:

Leticia Tapia

Elenco:

Diana Lamas, Carlos

Portaluppi, Osmar Núñez, Mario Pasik, María Ibarreta,

Germán Da Silva, Gustavo

Pardi, Susana Varela, Esteban

Prol, Patricia Condron

Dirección de fotografía y cámara:

Sebastián Andrés Gallo

Dirección de arte:

Catalina Oliva

Montaje: Nicolás Fedor Sulcic

Música original:

Lula Bertoldi

Diseño de sonido y mezcla: José Luis Díaz

Ilustración y animación: Mutan.tv

Género:

Policial negro

Duración: 85 minutos

Prensa: Kevin Melgar

KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar

TRAILER LO HABRAS IMAGINADOTráiler

EL ANDARIEGO Historia de un grupo vocal

Una película de creación colectiva de Laura Piastrellini, Eduardo Fisicaro y Silvia Majul

Miércoles 6 de Mayo, 19hs, La Carbonera

Carl/ BUNOS, os Calvo 299, Buenos Aires / 011 15-25613497 VENTA https://www.passline.com/

El andariego llega al ciclo de La Carbonera, bajo la curaduría de Yael Szmulewicz, para celebrar un año de su exitoso estreno en el Gaumont. Esta obra, única producción documental de temática folclórica y narrativa política en recorrer salas durante 2025, contará con una charla abierta junto a sus realizadores y protagonistas.

Esta creación colectiva, dirigida por Laura Piastrellini, Eduardo Fisicaro y Silvia Majul, se consagra como una pieza fundamental para comprender la música popular y su narrativa política. El film propone un viaje a los orígenes de la identidad sonora argentina, partiendo desde 1954 en San Rafael, Mendoza.

A través de las voces de sus protagonistas, se rescata el concepto estético y militante de movimientos como La Carpa y el Nuevo Cancionero, hitos que inspiraron a la Nueva Trova Cubana y a la Nueva Canción Chilena. Con un valioso archivo audiovisual y fotográfico, el rodaje recorre La Rioja, Buenos Aires, Córdoba y Neuquén para reconstruir un legado que marcó un punto de inflexión vocal, poético y social en toda la región.

SINOPSIS

El periodista Santiago Giordano investiga la historia de Los Andariegos, uno de los grupos vocales más sorprendentes del “Boom del folklore”. En un viaje a sus raíces y un “mano a mano” con Cacho Ritro, Beto Sará, Raúl Mercado y Agustín Gómez, el documental recupera nombres, sonidos y lugares para convertir la nostalgia en historia viva.

Participan:

Pancho Cabral , Lilian Cladera (Hija de Chacho Santa Cruz uno de sus fundadores), Fabiana Cacace , “La Bruja” Salguero , J uan Arabel , Roció Araujo , Patricia Cangemi , Mariela “La Contreras” , entre otros. u MiráBA 249

DIJO LA PRENSA

“Un trabajo necesario y que le hace justicia a Los Andariegos.”

Catalina Dlugi – El portal de Catalina

“Recuperar la historia de un grupo musical no es un ejercicio cerrado sobre sí mismo, sino que debe entenderse en una perspectiva mayor, que involucra la historia cultural de una región, de un pueblo, de un país.”

José Luis Visconti – Hacerse la crítica

“Lo que hacen los directores es ir de a poco construyendo la historia como un espiral que se agiganta”

Pablo Kulcar – Artemetraje

“Giordano es nuestro mejor cicerone… y hablar de Los Andariegos era hablar de la más depurada vanguardia musical.”

Fernando Brenner – Escribiendo Cine

“trabajo minucioso sobre el grupo, que ningún fan del

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folklore debería pasar por alto ”

Mauro Apicella - Diario La Nación

“La historia que pudo ser contada a tiempo.”

Pedro Robledo - De Coplas y Viajeros

“Creado colectivamente, el trabajo le hace justicia a uno de los grandes grupos del folklore argentino…”

Cristian Vitale – Página 12

“El film se concentra en observar (y hacer observar) la innovación … en que se asumió el espíritu de una época y de las formas en que ese sonido es recogido por músicos de este tiempo.”

Mariano Suarez – Negras y Blancas

“Una creación grupal que vence al individualismo, por su impacto continental y por la vigencia de sus ideas.”

Liliana Isod – El espectador emancipado web

“audacia y refinamiento dentro

de las especies nativas..”

Sergio Arboleya – Reencuadre web

FICHA TECNICA

El Andariego, historia de un grupo vocal (Argentina, 2024) 63 minutos | Documental Musical

Calificación ATP | Distribución

Independiente

Esta película cuenta con el apoyo del INCAA y del INAMU

Dirección y Producción: Laura Piastrellini - Eduardo FisicaroSilvia Majul

Entrevistas y Producción

Periodística: Santiago Giordano

Guion: Silvia Majul - Josefina

Marcel

Asistente de Sonido y Mastering: Erwin Otoño

Sonido: Abelardo Cabrera –Darío Arcella - Eduardo Fisicaro

Edición y Postproducción de color: Josefina Marcel

Cámaras: Magdalena Ripa

Alsina – Laura Piastrellini –Eduardo Fisicaro

Diseño y arte: Majo Yorio

BIOGRAFIA DE LOS DIRECTORES y el PERIODISTA

Acerca de Laura Piastrellini

Con más de 20 años dedicada intensamente al terreno audiovisual, varios premios, Laura es una de las cineastas más reconocidas de Cuyo. Su más reciente trabajo “Pulsando la Vida”, un innovador trabajo

transmedia, ha recibido excelentes críticas por ser la primera película de carácter etnomusicológico; además de obtener distinciones. También trabajo como asistente de dirección y en producción de varias largometrajes como “El mal absoluto” (2022), “La Mujer de la foto” (2021), “Digo la Cordillera” (2019), “Compadres, La vida y obra de Armando Tejada Gómez” (2012) y dirigió algunos cortometrajes destacándose “Huarpes en su propia voz” (2010), entre otros. Como periodista hizo camino en televisión a través de magazines distribuidos tanto en el país como en el exterior y con varios reconocimientos. Estudió fotografía documental y periodística, y ha publicado sus obras en diferentes medios. Su trayectoria académica incluye una Maestría en Comunicación Digital Interactiva en la UNR, una Licenciatura en Comunicación

Social de la UNCuyo, un Posgrado en Gestión por Proyectos en Ámbitos Públicos en la UNL, y diversas diplomaturas: Gestión Cultural e Industrias Creativas; Programa de Actualización en Docencia Universitaria (FEDUBA/ CONADU-FSOC-CLACSO)

Desarrollo; Gestión de Proyectos en la Industria Audiovisual (UNCuyo) Actualmente, se desempeña como JTP en la Cátedra “Audiovisual I” en la FCPyS de la UNCuyo. Actualmente se encuentra presentando “El Andariego, historia de un grupo vocal”, del cual es co-directora.

Acerca de Eduardo Fisicaro

Eduardo Fisicaro es uno de los fotógrafos más reconocidos del país, con exposiciones en distintas salas (Centro Cultural Borges, Salas de Cosquín en el Marco del Festival y en distintas

provincias del país), además fue Curador de muestras itinerantes de Lima Quintana, Aníbal Troilo, Suma Paz; entre otras.

Es un importante referente en la televisión argentina (con más de 30 años como Asistente de Dirección en Canal 7, TV Pública) destacándose en programas como “Todo por dos pesos”. Realizó producciones y direcciones especiales para canal Encuentro, TN y Canal U , de la Universidad de Córdoba. Ganó premios y reconocimientos como el de realizar un relevamiento de las 13 localidades de Sierras Chicas Córdoba. Guionó y dirigió más de 20 videos y actualmente realiza cortos para artistas. Como cineasta trabajó en el área de producción y dirección de cámaras en “Un Pueblo Hecho Canción, Una Película Sobre Ramón Navarro” (2017), como editor “El Nombrador, u MiráBA 251

una película sobre Daniel Toro” (2022) y actualmente como co-director de documental “El Andariego, historia de un grupo vocal” (2024).

Acerca de Silvia Majul

Agente de Prensa, realizadora audiovisual autodidacta, colaboradora en diferentes medios radiales, televisivos y gráficos desde hace 35 años. Como agente de prensa trabajo con artistas, actores y escritores nacionales y extranjeros de un gran abanico ecléctico. Ideó y produjo muestras, espectáculos y el reciente álbum doble “Canciones para no morir”, homenaje a Lima Quintana, con importantes artistas de todos los géneros.

Como realizadora audiovisual dirigió “Un Pueblo Hecho Canción, una Película Sobre Ramón Navarro” (2017), “El Nombrador, una película sobre Daniel Toro” (2021) y el reciente , con dirección colectiva, “El Andariego, historia de un grupo vocal” (2024). Colaboró en la

investigación y prensa de otras películas, produjo y guionó ciclos para canal Encuentro y TN. En el plano de la literatura escribió el ensayo “Entre a mi pago sin golpear. La identidad cultural santiagueña en algunas canciones de Trullenque”, junto a Carlos Juárez Aldazábal; y obtuvo 2° Premio Fundación Cultural de Santiago del Estero y recientemente “La Amanecida”, para la colección “Historia de la canción social”, de la editorial “Mil Campanas”.

Sobre Santiago Giordano

Santiago Giordano es músico, docente, ensayista y crítico

musical. Se formó en Italia como guitarrista y compositor, con maestros como Angelo Gilardino y Franco Donatoni. En la actualidad es titular de las cátedras de Historia del Folklore en la Escuela de Música popular de Avellaneda. Desarrolla labor periodística en Argentina en Radio Nacional y en el diario Página/12. Además de numerosos ensayos y artículos de crítica musical, ha publicado los libros In Genio. Historias de música italiana (2008) y Había que cantar. Una historia del Festival de Cosquín (2010). Ha dado charlas sobre Historia de la Música Popular en distintas universidades del país, colaborado en la curaduría de distintas producciones discográficas y recientemente ha realizado la investigación y entrevistas para la película documental “El Andariego, historia de un grupo vocal” (2024).

SilviaMajul silviamajul@gmail.com

TRAILER

Trailer El Andariego, historia de un grupo vocal.

“CHAO LA SIRENA”

La comedia romántica más esperada del año del estudio detrás de “The Animatrix” y “Mind Girl”

HILARANTE Y VISUALMENTE IMPACTANTE PREMIADA EN EL FESTIVAL DE ANIMACIÓN

DE ANNECY

Una alocada comedia romántica animada situada en un mundo futurista donde humanos y criaturas marinas conviven en sociedad.

La Sirena ChaO sigue la historia del joven ingeniero naval Stephan, cuya vida cambia inesperadamente cuando ChaO, una misteriosa princesa proveniente del mar, le propone matrimonio. A medida que ambos comienzan a derribar sus barreras emocionales, un romance inesperado y conmovedor empieza a florecer. Aquí hay mariposas en el estómago garantizadas.

La película explora temas como la diversidad, la aceptación y la conexión entre especies distintas, todo envuelto en una estética visual vibrante y surrealista. CHAO: LA SIRENA está producida por Studio 4°C, marca registrada cuando se trata de innovación en el anime, responsable de obras de culto como Mind Game, la trilogía Berserk: The Golden Age Arc y la antología The Animatrix. En sus más de 100.000 ilustraciones, su director Yasuhiro Aoki combina técnicas modernas de animación con un estilo más artesanal reflejado, u

lo que significó la obtención del Premio del Jurado en el Festival de Animación de Annecy 2025.

CHAO: LA SIRENA cuenta la historia de Stephan, un común y corriente ingeniero que cambia abruptamente su vida cuando una enigmática princesa sirena le propone matrimonio de manera directa e inesperada. Esta simple premisa indaga en temas como el amor fuera de lo convencional, la convivencia entre mundos

opuestos y la aceptación de lo desconocido, todo con un tono ligero, accesible y cargado de humor. ¿Qué sucederá con su inesperado e improbable romance?

Producida por Eiko Tanaka, una de las ejecutivas más influyentes de la industria del anime, reconocida por su rol clave en el desarrollo de proyectos de alto nivel internacional en Studio Ghibli (Mi vecino Totoro, Kiki: entregas a domicilio), CHAO: LA SIRENA se consagra como una de las propuestas más originales y atractivas del año dentro de la animación japonesa contemporánea. El resultado es una película fresca, entretenida y distinta, que busca conectar con el público a través de una historia cercana, divertida y visualmente impactante. CHAO: LA SIRENA es una película imperdible para quienes buscan una experiencia diferente dentro de la animación comercial

actual.

Encuéntrala en cines desde este 23 de Abril.

FICHA TÉCNICA

Título Original: ChaO País: Japón

Versiones: Subtitulada y doblada al español

Duración: 90 minutos

Género: Animación

Año: 2025

Dirección: Yasuhiro Aoki

Voces: Ouji Suzuka (Stephan), Anna Yamada (Chao)

Ambientada en un mundo futurista donde humanos y sirenas coexisten, esta alocada comedia romántica con toques de fantasía sigue a un oficinista llamado Stephan, cuya rutina se ve alterada cuando la princesa sirena ChaO le propone matrimonio. Un amor inesperado y genuino comenzará a forjarse.

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

VIDEO

ChaO : La Sirena - Trailer Oficial (DOB Español)