Revista RUBIK Septiembre 2026 - Especial Festival de San Sebastián

EL CINE ESPAÑOL, EN PLENA EFERVESCENCIA

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l cine español está en un buen momento. Todavía estamos con la resaca del hito de haber tenido tres películas compitiendo por la Palma de Oro en Cannes, incluyendo el importante premio a Mejor Dirección recibido por La bola negra, y no nos podemos olvidar del último informe FOCUS que señala que nuestra cinematografía es la que más producciones realiza en la Unión Europea, un liderazgo que también conlleva una responsabilidad sobre la que habrá que reflexionar. En cualquier caso, en este contexto, llega la 74 edición del Festival de San Sebastián, nuestro festival de clase A, y el gran punto de encuentro del sector en el que poner en común todas estas ideas entre la industria. Y también en el que ser testigos del relevo en la dirección del certamen, que pasará en unos meses, tras 16 años, de José Luis Rebordinos a Maialen Beloki. Como siempre, acudimos al evento con una edición que contiene un bloque especial dedicado al evento de casi 20 páginas, especialmente con el repaso a los títulos que pugnan por la Concha de Oro y con reportajes sobre el cine español y latinoamericano que se verá allí estos días. También nos hacemos eco de la agenda de actividades de industria a fecha de cierre de la edición y entrevistamos a Silvia Hornos,

directora de Lau Haizetara, un foro de coproducción de documentales que es una de las estrellas del apartado de industria en el evento. El otro gran bloque de esta edición es el MERCADO DE PROYECTOS de RUBIK, una iniciativa a la que nos complace dar continuidad. En un contexto de saturación de laboratorios de proyectos, queremos ofrecer una ventana alternativa, y de revisión rápida y ágil, a proyectos en desarrollo y WIP que buscan socios de coproducción y distribución. Es un formato de networking por el cual las empresas a las que se dirige esta edición pueden ‘subirse al tren’ de diversos largometrajes de ficción, largos documentales, cortos o series que se están fraguando. Antes hablábamos de las tres películas españolas en competición en Cannes. En este número reflexionamos sobre el precio que hay que pagar para luchar por la Palma de Oro. Dicho de otro modo, ¿es necesario hacer una película de 10 millones de euros, como las que participaron, para tener opciones? Lo analizamos con tres productores importantes de la industria. Otra reflexión relevante en esta edición, para la que tenemos contribución de productores, es un balance de la segunda fase del Spain Audiovisual Hub que ha liderado el SETT. Esta nueva herramienta de inversión en el audiovisual, que veremos WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

si tiene prolongación, despierta una serie de preguntas que conviene intentar responder. Tenemos varias entrevistas que hay que recalcar, como con Alberto Valverde, coordinador de ECAM Forum; con Marc Orts, responsable de Sonido de Ficción en Telson desde el año pasado; y con David González, director comercial de Toboggan Group. A esto hay que añadir un texto de Risk XXI sobre la prevención de riesgos laborales en el audiovisual para ofrecer diferentes testimonios desde la industria con los que componer una fotografía de la actualidad en el sector. Por último, contamos con unos reportajes para acercarnos a tendencias del panorama cinematográfico. Por un lado, los éxitos de Backrooms y Obsession nos llevan a detenernos en la relación entre creadores de YouTube y el acceso a Hollywood, y por otro, repasamos la evolución histórica en taquilla de la comedia romántica, un género que no pasa precisamente por su mejor momento, y mucho menos en pantalla grande. Os deseamos un otoño repleto de buenos rodajes y estrenos pero también os invitamos a tomaros un pequeño respiro, sentaros cómodamente y disfrutar de los contenidos de esta edición.

Carlos Aguilar Sambricio y Miguel Varela. 3

SUMARIO

5 minutos más © El Terrat / Ikiru Films / Movistar+

8 Silvia Hornos, directora del Foro Lau Haizetara

SAN SEBASTIÁN 2026 MERCADO DE PROYECTOS EN PELÍCULAS POR LA CONCHA DE ORO 8 CINE ESPAÑOL EN SAN SEBASTIÁN 18 DESARROLLO CINE LATINOAMERICANO 28 ENTREVISTA SILVIA HORNOS INDUSTRIA SAN SEBASTIÁN

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LARGOS DE FICCIÓN,

CORTOS,DOCUMENTALES Y SERIES

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LA IMAGEN UTILIZADA PARA LA PORTADA (© LAIA LLUCH) PERTENECE A LA PELÍCULA ‘EL MAL PADRE’ , DISTRIBUIDA POR CARAMEL FILMS Y PRODUCIDA POR MOD PRODUCCIONES, ATRESMEDIA CINE Y MISENT PRODUCCIONES.

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EDITADO EN MADRID EN SEPTIEMBRE DE 2026 POR MARATÓN AUDIOVISUAL S.L. TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS DEPÓSITO LEGAL: M-1895-2024 ISSN 3020-5107 CONTACTO: HOLA@RUBIK-AUDIOVISUAL.COM CONTACTO DE REDACCIÓN: REDACCION@RUBIK-AUDIOVISUAL.COM CONTACTO PARA PUBLICIDAD: MARKETING@RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

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ESTA REVISTA HA RECIBIDO UNA AYUDA A LA EDICIÓN DEL MINISTERIO DE CULTURA, A TRAVÉS DE LA DIRECCIÓN GENERAL DEL LIBRO, DEL CÓMIC Y DE LA LECTURA.

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Imagen de La Bola Negra © Cortesía de Movistar Plus

‘En busca de’ (In Search of) MERCADO DE PROYECTOS

REVISTA RUBIK

Reuniones one-to-one en Museo San Telmo © Pablo Cifuentes / SSIFF

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ENTREVISTAS

ALBERTO VALVERDE (ECAM FORUM)

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DAVID GONZÁLEZ (TOBOGGAN GROUP)

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Y PETER MARTIN (VANTAGE FILM) MARC ORTS (TELSON)

REPORTAJES

LA SEGUNDA FASE DEL SPAIN AUDIOVISUAL

66 EL PRECIO DE COMPETIR EN CANNES 70 HUB, A EXAMEN

LA INFORMACIÓN COMO MEDIDA DE PREVENCIÓN DE RIESGO EN RODAJES ANÁLISIS DE TAQUILLA DE LA

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80 LA REVOLUCIÓN DE LOS YOUTUBERS 86 COMEDIA ROMÁNTICA

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Los hermanos Philippou junto a Aaron McLisky en el rodaje de Devuélvemela © Cortesía de A24 Ignasi Camós

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FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN

UN VISTAZO A LA COMPETICIÓN DE SAN SEBASTIÁN 2026 SERÁN 18 PELÍCULAS LAS QUE PUGNARÁN POR LA CONCHA DE ORO EN LA 74 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN. ENTRE ELLAS HAY TRES TÍTULOS ESPAÑOLES Y TRES LATINOAMERICANOS (DE ARGENTINA, BRASIL Y CHILE), ADEMÁS DE UN PAR DE CINTAS ASIÁTICAS (SIN CONTAR UNA TURCA) Y UNA ESTADOUNIDENSE, SIENDO LA MAYORÍA DE DISTINTOS PAÍSES EUROPEOS. LOS GALARDONES DEL PALMARÉS LOS DECIDIRÁ UN JURADO PRESIDIDO POR EL CINEASTA IRA SACHS Y QUE TAMBIÉN INTEGRAN EL DIRECTOR GENKI KAWAMURA, LA GUIONISTA CATHERINE PAILLÉ, LAS ACTRICES ALICE BRAGA Y PATRICIA LÓPEZ ARNAIZ, EL ACTOR BILL SKARSGÅRD Y EL PRODUCTOR MIKE GOODRIDGE. POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

LE FAUX SOIR de Michaël R. Roskam. La película de clausura de esta edición La Faux Soir, estreno europeo tras el paso del film por Toronto. Esta película sobre la resistencia belga durante la II Guerra Mundial está basada en el libro ‘Le faux Soir, 9 novembre 1943’ de Marie Istas. Es el nuevo film de Michaël R. Roskam, conocido por Bullhead, La entrega y El fiel. La entrega participó ya en Zinemaldia y, de hecho, se llevó el premio a mejor guion. Las ventas internacionales las lleva Goodfellas. Sinopsis: Año 1943. Los nazis ocupan Bélgica y han convertido el diario nacional ‘Le Soir’ en una herramienta de propaganda. Coincidiendo con las conmemoraciones prohibidas del Día del Armisticio de 1918, un grupo de miembros de la Resistencia tiene una idea descabellada: ¿y si para levantar el ánimo del pueblo belga imprimieran una edición falsa de ‘Le Soir’? El mismo papel, la misma cabecera, el mismo formato, pero repleto de artículos que se mofan del ocupante.

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GLAXO de Benjamín Naishtat. También llega desde Toronto la nueva película del bonaerense Benjamín Naishtat, que ya es un viejo conocido del festival puesto que en 2018 trajo Rojo, con la que obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección, el de mejor actor para Darío Grandinetti y Premio a la mejor fotografía, y en 2023 presentó Puan, premio al mejor guion y Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista para Marcelo Subiotto. Glaxo adapta la novela homónima de Hernán Ronsino y está protagonizada por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi. Producida por la brasileña RT Features y la argentina Rei Pictures, para comprar sus derechos hay que acudir a Luxbox. Sinopsis: Chivilcoy, 1957. En una tranquila ciudad argentina, la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes que son inseparables. Décadas más tarde, el pasado resurge y los obliga a enfrentarse a viejas heridas, la culpa y a la posibilidad de vengarse, en un país que ha perdido su inocencia.

5 MINUTOS MÁS de Javier Ruiz Caldera. Es la primera vez que Javier Ruiz Caldera es validado por el Festival de San Sebastián. Como estandarte de la comedia, su cine es poco dado a selecciones en festivales importantes. El director, firmante de trabajos como Promoción fantasma, Tres bodas de más y Anacleto, aquí se asocia con Berto Romero como guionista y coprotagonista (junto a Javier Cámara y Belén Cuesta). Berto ya escribió el guion de Algo muy gordo para Carlo Padial, además de las series Mira lo que has hecho y El otro lado. Esta película original de Movistar Plus+ está producida por El Terrat e Ikiru Films, con Filmax en la distribución. Sinopsis: La historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el tiempo retrocede 5 minutos.

BING JIAN / BORDER de Ah Biao. Hay dos películas asiáticas en esta competición. Una japonesa, de la que hablaremos luego, y una china que está realizada por Ah Biao, realizador, guionista y director de fotografía afincado en Bangkok. Se trata de una ópera prima, algo poco habitual a concurso (aunque hay tres este año), teniendo una sección como New Directors, así que habrá que estar atentos a lo que haya visto el comité de selección para situarla en la pelea por la Concha de Oro. Está producida por Borderless Films (Hong Kong), Yilu Partners (Corea del Sur) y Nowa Films (EE.UU.). Sinopsis: En un pueblo olvidado donde los hombres han aprendido a sobrevivir ocultando sus sentimientos y utilizando pocas palabras, un joven minero sin dinero va silenciosamente a la deriva por una vida que apenas siente. Su entumecida rutina se ve rota por la llegada de una joven enigmática que atiza una curiosidad dormida y la promesa de algo nuevo. Él la sigue por un camino oscuro, dejando atrás la tranquila seguridad del único mundo que conoce, sin saber que esta desconocida no es lo que parece.

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EL DEBUT de Jesse Eisenberg. Eisenberg es uno de los actores-directores más interesantes que han surgido en los últimos años en el panorama estadounidense. En San Sebastián mostrará su tercer largometraje como director, tras Cuando termines de salvar al mundo y A Real Pain (esta última logró un Oscar a Mejor Actor Secundario). Protagonizado por Julianne Moore y Paul Giamatti, El debut es un film de Fruit Tree, la productora de Emma Stone, y que en Estados Unidos distribuye A24. En España también tiene asegurado el estreno, pues los derechos los tiene Wanda Visión. Sinopsis: Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra.

GROWTH OF THE SOIL de Hans Petter Moland. El veterano cineasta noruego Hans Petter Moland estuvo compitiendo en San Sebastián hace 31 años con Zero Kelvin, que era su segundo largometraje. El director, habitual de la Berlinale, regresa ahora con Growth of the Soil, una adaptación de una novela de 1917 escrita por Knut Hamsun, Premio Nobel de Literatura. Esta película, cuyas ventas gestiona Beta Cinema, ha sido seleccionada por Noruega para representar al país en la categoría de Mejor Película Internacional en los Oscar. Sinopsis: Un desconocido aparece tras las montañas, cargando con poco más que su propia determinación. Isak, un hombre sin pasado, busca un lugar donde asentarse y labrarse una vida trabajando la tierra. Más allá del límite del bosque, encuentra una extensión de terreno baldío, tan hostil como prometedora. La tierra lo lleva al límite, hasta que conoce a Inger, una mujer solitaria forjada por la resiliencia, discreta y silenciosa. Juntos desafían a los elementos y construyen una vida, cultivando la tierra y criando a su familia, que crece al compás de las estaciones. Sin embargo, a medida que pasan los años y el mundo los asfixia, el tiempo, las adversidades y el deseo los transforman. 10

MIS MUERTOS TRISTES de Pablo Larraín. Es la primera vez que un cineasta tan importante como Pablo Larraín compite por la Concha de Oro. El chileno ha tenido varias películas en el certamen pero fundamentalmente en Horizontes Latinos o en Perlak. Producida por Fábula para Netflix, Mis muertos tristes es una miniserie basada en cuentos de Mariana Enriquez y que en Donosti se podrá ver en formato largometraje. En el elenco destacan especialmente Mercedes Morán, Dolores Fonzi, Alejandra Flechner y Carolina Álvarez. Sinopsis: Ema, una médica recién jubilada que puede ver a los muertos, intenta procesar la muerte de su madre y sus propias cuentas pendientes. La llegada de su sobrina Julie y el asesinato de tres adolescentes en Piedrabuena, barrio del conurbano atravesado por la violencia, desatan un extraño fenómeno que rompe el frágil equilibrio entre vivos y muertos. Lo que hasta entonces había sido una carga de Ema comienza a expandirse por todo el barrio: los muertos empiezan a hacerse presentes y nadie podrá escapar al sonido de sus propios fantasmas.

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TENDER LOVING CARE de Mike Leigh. Mike Leigh ha declarado que Tender Loving Care podría ser su última película. La mera posibilidad de que esto acabe siendo cierto hace que su selección a concurso sea todo un acontecimiento, dada la magnitud del cineasta británico. El cine de Leigh ha estado en múltiples ocasiones en Perlak pero en 2024 compitió por primera vez por la Concha de Oro con Mi única familia. Protagonizado por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson, el film llega a España tras proyectarse en Telluride y Toronto. Cornerstone está a cargo de las ventas globales. Sinopsis: Las mejores amigas y compañeras de profesión Amy y Rosie trabajan en un contexto marcado por las crisis sociales y la falta de apoyo institucional. Alejada de su propia familia, Rosie es como una hijastra para los padres de Amy. Rodeadas por un rico entramado de vidas y conflictos, Amy y Rosie afrontan el peligroso y difícil trabajo de cuidar de quienes han quedado al margen de la sociedad con todas las fuerzas que tienen.

MILO de Nicole Garcia. Una de las cinco películas dirigidas por

EL MAL PADRE de Roberto Bueso. No se contaba con

GHOST SONG de Fatih Akin. La película de inauguración de esta edición es Ghost Song, el nuevo trabajo del cineasta alemán de origen turco Fatih Akin. Es la primera que Akin, conocido por películas como Contra la pared o En la sombra, compite por la Concha de Oro. El largometraje, cuyo reparto está encabezado por Mariam Dawoud y Eren M. Güvercin, está producido por las empresas alemanas Bombero International, Rialto Film y Warner Bros. Germany. Para comprar sus derechos, las distribuidoras deben acudir a Beta Cinema. Sinopsis: Farasha y Faris tienen 20 años cuando se conocen en una fiesta de graduación: una sola mirada lo cambia todo. Pero Farasha muere esa misma noche. Negándose a separarse de él, descubre un modo de cruzar la frontera entre mundos: durante 40 noches, y solo 40, puede encontrarse con Faris en sus sueños. Y así su amor sigue creciendo, hasta la última noche.

Roberto Bueso en las quinielas del cine español a concurso pero el comité de selección sorprendió con la inclusión de El mal padre, que escribe Óscar Díaz y el propio Bueso. El cineasta, que llamó la atención con su primer film, La banda, aborda las complejidades de las relaciones familiares con una mezcla entre drama y comedia. Eduard Fernández, Adam Jezierski, Francesco Carril y Meritxell Calvo lideran el reparto de esta producción de MOD Producciones, Misent Producciones y Atresmedia Cine que distribuirá en cines Caramel Films Sinopsis: Santiago Balmes, célebre escritor y académico, reúne a sus tres hijos para hacerles una petición: pasar unos días juntos en la casa costera donde veraneaban en su niñez. Para los hermanos, distanciados de su padre desde que, años atrás abandonase a su familia por otra mujer, la invitación se convierte en una oportunidad para confrontar viejas heridas.

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mujeres es Milo, el nuevo largometraje de la cineasta, guionista y actriz francesa Nicole Garcia. Supone una nueva colaboración con Marion Cotillard, con quien trabajó hace 10 años en El sueño de Gabrielle. No es la primera vez que Garcia participa en Zinemaldia, aunque cuando lo hizo en 1990, con Cada dos fines de semana, fue en New Directors. Las ventas internacionales del film las lleva StudioCanal. Sinopsis: Alice llega a una tranquila ciudad de provincias y empieza a trabajar en una cafetería, integrándose sin problemas en una vida que no es la suya. Pero no está allí por casualidad, sino por Milo, un joven mecánico de un garaje cercano. Para él, Alice es una forastera. Para ella, él es alguien ligado a un pasado que nunca ha dejado atrás. Cuando empiezan a emerger tensiones ocultas y Milo se adentra en terrenos inciertos, ambos se ven arrastrados a una disyuntiva: ¿se puede reconstruir un vínculo que se rompió hace décadas?

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Más información sobre el estudio aquí

WHAT REMAINS de Yesim Ustaoglu. La cineasta turca Yesim Ustaoglu vuelve a San Sebastián tras haber ganado la Concha de Oro en 2008 con La caja de Pandora. Lo hace con What Remains, una película turca con coproducción de Francia, Luxemburgo y Bulgaria, y cuyas ventas gestiona The Match Factory. La película, según la directora, es un viaje que permite experimentar la libertad, la sencillez y, en última instancia, “el significado del amor incondicional”. Sinopsis: Una poeta se libera de una vida que se ha vuelto asfixiante para reconectar con su voz interior y su consciencia, y permitir que su creatividad vuelva a fluir. Al empezar a cuestionar las convenciones sobre la familia, la identidad y el sentido de la vida, su camino hacia el autodescubrimiento impulsa a quienes la rodean a reconsiderar sus propias vidas, llevando a toda la familia en una nueva dirección.

LAS DISCULPAS DE VICENTINA de Gabriel Martins. El cine brasileño estará presente en la Competición de San Sebastián con el tercer largometraje de Gabriel Martins (No coração do mundo, Mars One), que presentará un film sobre una mujer que busca el perdón de las familias de un accidente provocado por su hijo. La cinta está producida por Filmes de Plástico, productora brasileña de la que Martins es cofundador. Estamos hablando de otra película de Netflix y que el streamer tiene previsto distribuir en su plataforma a partir del 20 de noviembre. Sinopsis: Cuando el autobús conducido por su hijo se precipita desde un paso elevado y causa la muerte de decenas de personas, Vicentina busca a las familias de las víctimas para pedirles disculpas y termina descubriendo los límites del perdón.

KRUX de Ulrike Tony Vahl. Otra ópera prima a concurso en esta edición es Krux, una película inspirada en hechos reales que narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial. Ulrike Tony Vahl destacó en el mundo del corto con Pein, que fue premiado por la Academia de su país, y con Gömböc, que se estrenó en Locarno. Esta producción de CALA Filmproduktion cuenta con Global Constellation como agencia de ventas. Sinopsis: En un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, el régimen nazi ordena a sus habitantes no dejar nada vivo que el enemigo pudiera encontrar. La mayoría de los hombres están en el frente. Lo que queda es un puñado de mujeres, niños y los pocos hombres a quienes se les permitió quedarse. La vida aún se sostiene en sus viejos rituales: escuela, iglesia, bodas, trabajo. Los vecinos todavía creen que todo terminará bien. Entonces el río devuelve cuerpos que nadie puede nombrar. Los rumores llenan el silencio donde deberían estar los hechos. De ese silencio crece un miedo más grande que el propio enemigo. 14

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SANTS de Mikel Gurrea. El único de los directores españoles en competición con experiencia en luchar por los principales premios es el donostiarra Mikel Gurrea, quien tuvo a concurso en 2022 a Suro. Ahora nos trae su segundo largometraje, Sants, película que también escribe, que producen Lastor Media, Kino Produzioni (Italia) y Nocturna Pictures, y que distribuirá en salas Elastica Films. Está siendo un año inolvidable para Victoria Luengo pero quién sabe si puede optar con este film a un premio interpretativo en el palmarés. Sinopsis: Lali es una joven que entra a formar parte de una banda de ladrones de figuras religiosas mientras lidia con la inminente muerte de su madre.

BRACE YOUR HEART de Amanda Kernell. Amanda Kernell es una cineasta sueca emergente que con su primer largometraje, Sami Blood, logró acaparar las miradas de la crítica internacional (obtuvo el Premio Europa Cinemas Label y el galardón a la mejor dirección novel en Giornate degli Autori de Venecia) y que confirmó su talento con la segunda, Charter, elegida para representar a su país en los Oscar. TrustNordisk es la agencia de ventas de esta producción de Nordisk Film Production en coproducción con Forest People, Compass Films, Invictus, Nordisk Film Denmark, Filmpool Nord, SVT y Film i Väst. Sinopsis: Ejva hereda el rebaño de renos de su difunto padre. Mientras lucha por sacarlo adelante, Heaika, el jefe local, se enamora de ella y, aunque duda, Ejva se siente obligada a aceptarlo. Pero todo cambia cuando llega Nejla, primo de Heaika, y Ejva descubre el amor verdadero por primera vez. Sintiéndose traicionado y celoso, Heaika reacciona con dureza, dejando a Ejva con un trastorno que provoca que le tiemblen las manos de forma incontrolable, poniendo en peligro su capacidad para cuidar del rebaño.

LES MISÉRABLES de Fred Cavayé. Los Miserables de Víctor Hugo es una obra que, cada poco tiempo, tiene una nueva adaptación. En esta edición los asistentes podrán contemplar una nueva firmada por Fred Cavayé, un realizador francés sin aspiraciones autorales que destacó en sus inicios en el thriller con títulos como Cruzando el límite y Cuenta atrás, aunque en últimas fechas ha estado más vinculado con la comedia. Protagonizada por Vincent Lindon, Tahar Rahim y Noémie Merlant, las ventas están gestionadas por StudioCanal. Sinopsis: Tras 19 años en prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean busca redención reinventándose como un respetado dignatario bajo una nueva identidad. Promete a Fantine, una trabajadora de fábrica moribunda, rescatar y proteger a su hija, Cosette, quien está siendo explotada y maltratada por la deshonesta familia Thénardier. Mientras Valjean cría a Cosette como si fuera su propia hija, es perseguido sin descanso por el inspector Javert. 16

IN MY FATHER’S ROOM de Maha Narada. La tokiota debuta en el largometraje con esta película, escrita por ella a partir de su propia novela An Unnecesary Man. San Sebastián tuvo históricamente muy buena relación con Naomi Kawase, por lo que veremos si esto puede ser el comienzo de una nueva ‘gran amistad’. Harada tiene también otros best sellers inspirados en el mundo del arte, como Canvas of Paradise y Guernica Cover Up. Sinopsis: Satomi trabaja en un museo de arte cuando recibe un sobre que contiene una misteriosa llave. Abre una habitación cuya existencia desconocía que perteneció a su padre, fallecido en soledad un mes antes. Bajo la influencia de ese pequeño objeto, rememora sus últimos días: un hombre que aparentemente había sido marginado por la sociedad pero que se refugiaba en su devoción silenciosa por la palabra, el arte del té y la belleza sutil. Siguiendo el rastro de su soledad, Satomi descubre lentamente el apacible encanto del mundo de su padre.

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Jaleos © Bteam Pictures

SAN SEBASTIÁN 2026, EL ÚLTIMO BAILE DE REBORDINOS ZINEMALDIA 2026 SERÁ ESPECIAL. DESPUÉS DE 16 AÑOS DIRIGIENDO EL MAYOR FESTIVAL DE CINE EN ESPAÑA, JOSÉ LUIS REBORDINOS LE DARÁ EL TESTIGO A MAIALEN BELOKI, QUE SERÁ LA MÁXIMA RESPONSABLE DESDE ENERO. EN ESTE 2026 ACOMPAÑARÁ A ‘REBOR’ EN LOS DISTINTOS ACTOS PARA EMPAPARSE DE LA INTENSA LABOR QUE SE LLEVA A CABO DURANTE CADA CERTAMEN. DENTRO DE LA HORNADA DE CINE ESPAÑOL EN ESTA EDICIÓN HA SORPRENDIDO LA AUSENCIA DE PESOS PESADOS EN LA COMPETICIÓN. EL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN HA OPTADO POR TRES CINEASTA MENOS OBVIOS (ROBERTO BUESO, JAVIER RUIZ CALDERA Y MIKEL GURREA), AUNQUE FUERA DE CONCURSO HABRÁ DIRECTORES DE RENOMBRE COMO DAVID P. SAÑUDO, DANIEL MONZÓN, JAVIER GINER, FERNANDO TRUEBA, MERITXELL COLELL, OSKAR ALEGRÍA, ELENA MARTÍN GIMENO, ISAKI LACUESTA O EL DEBUT COMO DIRECTOR DE JAIME LORENTE.

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ntre el 18 y el 26 de septiembre se celebra la 74º edición del Festival de San Sebastián, el certamen de clase A del panorama festivalero español. Esta edición será singular porque será la última de José Luis Rebordinos al frente del festival. Una función que lleva cumpliendo 18

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

desde el año 2011, para regocijo de una industria española que ha valorado muy positivamente su labor desde entonces. Le sucederá Maialen Beloki, que comenzará en la dirección en enero tras haber sido elegida de forma unánime en el concurso que se abrió, y quien conoce perfectamente este trabajo puesto que ha sido una de las subdirectoras desde 2016. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

“Como ya sabéis, llegan tiempos de cambio. Desde enero de 2027, la dirección del festival será asumida por Maialen Beloki, que es una de nuestras subdirectoras desde 2016. A ella y a su equipo les tocará escribir la hoja de ruta del Zinemaldia del futuro, que sin duda necesita personas más jóvenes y con una mirada renovada y diferente”, afirmó José Luis Rebordinos

FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN en la presentación en Madrid de la nueva edición. Maialen Beloki aseguró en dicho acto que ese festival del futuro lo quieren plantear “sin ruptura radicales pero sí actualizando sus objetivos y rejuveneciendo algunos de sus programas clave”. Seguirán queriendo proporcionar una oferta cinematográfica “rica y diversa”, manteniendo una línea editorial “definida y reconocible”. El objetivo es seguir siendo una “cita única en el mundo” y ha subrayado que nunca se debe olvidar que Zinemaldia es un festival “orientado al público”. Pero pasemos a la programación del cine español para este año. La gran sorpresa de las películas españolas en Sección Oficial a Concurso es, sin duda, El mal padre de Roberto Bueso, que presenta aquí su tercer largometraje tras La banda y Llenos de gracia. Un film que los espectadores podrán disfrutar en salas comerciales a partir del 20 de noviembre con distribución de Caramel Films. Esta producción de MOD Producciones, Misent Producciones y Atresmedia Cine protagonizada por Eduard Fernández sigue al célebre escritor y académico Santiago Balmes, que reúne a sus tres hijos tras un

El castillo © Movistar Plus WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

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REPORTAJE Ruega por nosotras © Elastica Films

tiempo distanciados para pedirles un último deseo: pasar las Navidades en la casa donde veraneaban de niños. Para los hermanos la invitación se convierte en una oportunidad para confrontar viejas heridas y tratar de entender quién es su padre. Especialmente para el hijo menor, a punto de convertirse en padre por primera vez. También llama la atención, por el género del film, que compita por la Concha de Oro 5 minutos más, cinta dirigida por Javier Ruiz Caldera y escrita por Berto Romero. Es una película original de Movistar Plus+ que cuenta con la producción de El Terrat (The Mediapro Studio) e Ikiru Films. Protagonizado por Javier Cámara, Berto Romero y Belén Cuesta, la historia se centra en un matrimonio en crisis, atrapado en un bucle temporal. El estreno previsto en salas está fijado el 22 de enero de 2027, de la mano de Filmax. El otro largometraje español en la máxima categoría es Sants de Mikel Gurrea, que viene de la celebrada Suro, con la que ya estuvo en Sección Oficial en 2022. Esta producción de Lastor Media, Kino Produzioni y Nocturna Pictures tiene distribución asegurada en España mediante Elastica Films. Nos presenta a una mujer, interpretada por Victoria Luengo, que entra a formar parte 20

de un grupo de ladrones de figuras religiosas, mientras lidia con la inminente muerte de su madre, que encarna Ariadna Gil. FUERA DE CONCURSO Y PROYECCIONES ESPECIALES Como ya es habitual, suele haber algunas series en el Festival de San Sebastián. En Sección Oficial pero fuera de concurso, está El castillo, producción original Movistar Plus+ en colaboración con Caballo Films y Mafalda Entertainment. Basada en el libro de no ficción El proxeneta de Mabel Lozano, está creada y escrita por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, y la dirección principal es de Elena Martín Gimeno (Creatura). Es un policíaco de seis capítulos que cuenta la historia real del auge de la mafia proxeneta española. Entre las cinco Proyecciones Especiales hay dos títulos que sonaban para Sección Oficial pero al final no compiten por la Concha de Oro. Uno es Ruega por nosotras de Daniel Monzón, que ya estuvo fuera de concurso en 2021 con Las leyes de la frontera. El film está ambientado en 1974 y sigue el internamiento de una joven rebelde de 19 años en el denominado Patronato de Protección de la Mujer de Madrid. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Coescrita con Jorge Guerricaechevarria, y con producción de Arcadia Motion Pictures y la francesa Noodles Production, se muestra un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí la joven protagonista tratará de sobrevivir buscando apoyo en la amistad con Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa, y otras chicas que están en su misma situación. Elastica Films la estrena en salas el 6 de noviembre. La otra película muy esperada es Sacamantecas de David Pérez Sañudo (Ane, Los últimos románticos), que será una Proyección Especial en la gala conjunta de RTVE-EITB. Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz protagonizan este thriller inspirado en hechos reales ambientado al final de la III Guerra Carlista. La Claqueta y Amania Films producen esta cinta que Disney llevará a salas el 6 de noviembre. El film se enmarca en la Álava del siglo XIX. Mientras la III Guerra Carlista agoniza, varias mujeres aparecen estranguladas en las afueras de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega en busca de justicia, decidida a demostrar que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes. Sin embargo,

FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de recursos en tiempos de guerra y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos. También en proyecciones especiales estará Azken agurra (Último adiós), lo nuevo de Koldo Almandoz (Sipo Phantasma, Oreina). Es una dramedia existencialista producida por Garabi Films y Txintxua Films acerca de una empresa de funerales laicos personalizados. Y también en este apartado veremos Más allá de la sociedad, serie documental de Carlos Torres que retoma el relato allí donde terminaba la película La sociedad de la nieve: después del rescate, cuando los supervivientes regresaron a sus hogares y se reencontraron con las familias de quienes no volvieron. No nos queremos olvidar de Bajañí del madrileño Fernando Trueba. Se trata de un documental que supone un recorrido sonoro por tres países y universos musicales a través de la guitarra de Niño Josele. NEW DIRECTORS, ZABALTEGI Y GALAS RTVE Hay que hablar de la presencia en New Directors del debut en el largometraje de Javier Giner: Esta soledad, producida por Balance Media Entertainment, La Embajada TV y Basajaun Filmak. Tras la serie Yo, adicto, el cineasta se apoya en los actores Oriol Pla

y Marina Salas para reflejar a dos jóvenes que sobreviven en un estado de confusión, soledad y vacío existencial en Bilbao. Filmax la distribuirá en España el 30 de octubre. El film sigue a Leo y Lorea, cuya relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo. El debut como director de Jaime Lorente es también una película a destacar, El mal hijo, basada en la novela homónima de Salvador S. Molina y producida por AF Films y por Emedia Canary Projects. Susi Sánchez, Miguel Ángel Puro y Hugo Arbués lideran el elenco de este drama familiar sobre un niño abandonado por su padre que se ve obligado a vivir con su abuela. La cinta, que inaugura New Directors, estará codistribuida en España por Karma Films y AF Pictures (estreno el 16 de octubre). A mercados internacionales la vende Film Factory. ¿Cuál es su historia? Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, este se ve obligado a irse a vivir con su abuela, a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece

El mal hijo © Karma Films / AF Pictures

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haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas. Aquí también se encuentra una coproducción de Nephilim Producciones, February, Seven Days, proyecto ganador del Premio de la Industria WIP Europa y el Premio WIP Europa 2025 en San Sebastián. Es el debut en el largometraje de la germanoucraniana Tatjana Moutchnik, que utiliza la invasión rusa de su país como telón de fondo del reencuentro entre dos hermanos ucranianos en Stuttgart para el entierro de su madre. Zabaltegi-Tabakalera volverá a ser un lugar para propuestas más audaces. Entre ellas, hay que destacar la presencia de Hamalau Gau (Catorce noches) del navarro Oskar Alegria, conocido por La casa Emak Bakia. Se trata de un viaje noctámbulo y musical, una deriva por el ideario del artista vasco Jorge Oteiza. También está en esta sección Jaleos del prolífico Isaki Lacuesta. Este largometraje documental producido por Lastor Media, La Termita Films y Goroka es un recorrido por la historia del flamenco narrado por C. Tangana. Bteam Pictures la lleva a salas españolas el 13 de noviembre. A partir de materiales de archivo y una estructura fragmentada y polifónica, la película propone una historia del flamenco

REPORTAJE

Lejos de los árboles © Raw Cinema (Sideral)

que lo vincula con la modernidad, lo popular y lo político. Tras competir por Leopardo de Oro de Locarno tendrá estreno nacional aquí Meritxell Colell con Lejos de los árboles, un film de Allegra Films, coproducción con Animalita Cine (Perú) y Exit Film (Italia). Raw Cinema (Sideral) es la distribuidora en España y la croata Split Screen se encarga de las ventas internacionales. El film narra el viaje a Perú de Adela, una artista mexicana, nieta de exiliados republicanos, que sigue el legado de su abuelo: crear un mapa sonoro de lenguas en peligro de desaparición. Las Galas RTVE son siempre unas de las citas más populares. Aparte de Sacamantecas, que está en Proyecciones Especiales también, hay que mencionar tres largometrajes en este apartado. La película que más interés despierta es Arriba Tutto, ópera prima como director del cómico José Mota y que cuenta con Karra Elejalde, Pablo Cabello, Olivia Molina, Diego Anido y Mila Borrás en el elenco, además del propio director. La Terraza Films, Malas Calles Films, Producciones Nueva Línea, Ikiru Films y la italiana Lupin Film amparan este film ambientado en 1905, con un cómico ambulante que ha enseñado a su hijo pequeño, Michi, a ver la magia y el humor en cada rincón de la vida. Pasados los años, en tiempos de guerra, Michi se ha convertido en un hombre amargado y consumido por el rencor. A Contracorriente Films estrenará en España el film el 9 de octubre, mientras que Latido Films es la agencia de ventas. 24

En el ámbito de la comedia sobresaldrá Burundanga, película de José Corbacho que producen Minoria Absoluta, Kowalski Films y Feelgood Media. Disney estrenará en España la cinta el 4 de diciembre y Film Factory gestiona las ventas globales. Adriana Torrevejano, Carol Rovira, Marcel Borràs, Francesc Ferrer, Jordi Sánchez, Silvia Abril y Santi Millán comandan el reparto de esta película, cuya historia sigue a Berta, que descubre que está embarazada y no sabe qué hacer, porque duda del amor de su pareja, Manel. Aconsejada por su amiga Sílvia, decide administrarle burundanga, la llamada droga de la verdad. Pero cuando empieza a hacer efecto, Manel confiesa algo mucho más inesperado: que forma parte de un comando de ETA. La otra Gala RTVE es un documental: La voz quebrada. Dirigida por Manuel Menchón y producida por K&S Films, Pantalla Partida e Imagine! Films. El largometraje se centra en Lorca y habla de un último amor, truncado por el fascismo, entre Lorca y un joven llamado Juan Ramírez de Lucas. Está construida con documentos inéditos como cartas, poemas y recuerdos. VELÓDROMO, MADE IN SPAIN, ZINEMIRA Y CULINARY ZINEMA Hay otro título importante a tener en cuenta este año para el Velódromo: Karateka, el tercer largometraje de Aritz Moreno (Ventajas de viajar en tren). Andrea Ros, Patrick Criado y Ernesto Alterio encabezan el reparto de un film que cuentan la historia de Sandra WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Sánchez, el oro olímpico de karate, en la modalidad de kata, a los 39 años. Es una producción de Atresmedia Cine, Sr.&Sra., Apaches Entertainment, Colosé Producciones en coproducción con la belga Wrong Men, y con distribución de Warner Bros. Pictures. También se verá en el Velódromo Muguruza FM 40 Tour, documental codirigido por Ander Merino Etxebeste y Fermin Muguruza y realizado en el contexto de la última gira musical de Muguruza, donde retrata sus 40 años de compromiso, resistencia cultural y canciones convertidas en identidad colectiva. Y por último, se mostrará el primer episodio de la 13ª temporada de la serie Go!azen, producción de Pausoka en la que en cada temporada muestra un nuevo verano en el campamento de Basakabi. En la sección Made in Spain habrá tres estrenos mundiales que conviene mencionar. La película de clausura es 200 vidas, Paco Rabal de Vanesa Benítez, producida por MLK Producciones y Horizon Media en coproducción con Francia y México, La película recupera la figura del actor Paco Rabal a través de grabaciones en casete y películas Super 8 de sus viajes, rodajes y festivales, recorriendo su trayectoria artística y personal. Rabal recibió el Premio a Mejor Actor en la primera edición del Festival de San Sebastián en 1953 y el Premio Donostia en 2001. También debuta aquí Kotodama, el camino del espejo, ópera prima de Eugenio Tardón y Carla Cañellas. La producción de Kotodama Project sigue el viaje de una

REPORTAJE

Karateka © Warner Bros.

mujer entre el Camino de Santiago y la ruta japonesa del Shikoku Henro para explorar el significado del concepto japonés del kotodama, relacionado con el espíritu de las palabras. Los creadores presentarán además en el Museo Chillida Leku la exposición ‘Kokoro no Michi: el sueño de Inari Kuko’. El estreno mundial restante es El otro chiquito, cinta que escriben y dirigen Juan Zavala y Javier Morales a partir de una idea original de Diego San José. El film recuerda al mítico cómico de los 90 Chiquito de la Calzada, quien tuvo que enfrentarse a la aparición de Lucas Grijander, un personaje similar interpretado por el humorista Florentino Fernández. El documental está producido por Movistar Plus+ en colaboración con la productora Globomedia. En Zinemira, la sección del cine vasco, habrá 10 estrenos mundiales. Igor Legarreta inaugurará la sección con Las ciegas hormigas, protagonizado por Josean Bengoetxea, Miren Gaztañaga, Carlos Santos, Urko Olazabal e Itziar Ituño, y producido por Lamia

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Las ciegas hormigas © Disney

Producciones, LaZona, Sideral Cinema y Buendía Estudios Bizkaia. El director, tras Cuando dejes de quererme y Todas las lunas, se basa en la novela homónima de Ramiro Pinilla y cuenta la historia de una familia que se hace a la mar para recuperar el carbón de un barco inglés hundido en la costa tras una tormenta. Disney la estrena en salas el 9 de octubre. El documental sobre Karlos Arguiñano, Un tal Karlos de Arantxa Aguirre, se encargará de la clausura de esta sección. La producción de Bainet pretende encontrar la persona detrás del personaje y mostrará al famoso cocinero en sus espacios más íntimos pero también en situaciones muy alejadas de su rutina, escuchándole y escuchando a quienes tiene muy cerca. Cerramos el repaso con el cine español en Culinary Zinema. Destaca especialmente la película de inauguración, Noor: cocinar pasados posibles, una producción de Godello Entertainment que dirigen Carlos Velasco y Chia Chi Hu.

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El documental, que tiene a Raabta en las ventas internacionales, se aproxima al trabajo de Paco Morales y Paola Gualandi en el restaurante Noor de Córdoba, donde ambos desarrollan una reinterpretación contemporánea de la herencia gastronómica de Al-Ándalus. Otro título gastronómico será Subijana, más allá de un bigote, dirigida por Jorge Fernández Mayoral y Jesús Javier Ruiz Aquerreta. El documental producido por Visual Comunicación propone un retrato personal y profesional de Pedro Subijana, uno de los principales impulsores de la Nueva Cocina Vasca y una figura vinculada a la transformación de la gastronomía española durante las últimas décadas. La cinta de clausura será Mallorca, un receptari de Pablo Bujosa Rodríguez, una producción de Bastera Films que recorre distintos pueblos de Mallorca para mostrar recetas y productos vinculados a la tradición gastronómica de la isla.

Bloques erráticos

ARGENTINA LIDERA EL CINE LATINOAMERICANO EN ZINEMALDIA 2026 UNA VEZ DESGLOSADO EL CINE ESPAÑOL EN ESTA EDICIÓN, EN RUBIK QUEREMOS TAMBIÉN SUBRAYAR LOS TÍTULOS MÁS IMPORTANTES DEL CINE LATINOAMERICANO MÁS ALLÁ DE LOS TRES LARGOMETRAJES EN PUGNA POR LA CONCHA DE ORO: GLAXO DE BENJAMÍN NAISHTAT, MIS MUERTOS TRISTES DE PABLO LARRAÍN Y LAS DISCULPAS DE VICENTINA DE GABRIEL MARTINS. ENTRE LA PROGRAMACIÓN, HAY QUE DESTACAR ESPECIALMENTE LA PROLIFERACIÓN DE CINE ARGENTINO EN ZABALTEGI, LO QUE ES UNA OBVIA MUESTRA DE APOYO DEL CERTAMEN A ESTA CINEMATOGRAFÍA QUE SUFRE EL CASTIGO DE SU GOBIERNO ACTUAL.

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mpezamos el repaso al cine latinoamericano con la sección New Directors destinada a descubrir talentos emergentes. Una de las dos películas de Latam está firmada por el chileno Thomas Woodroffe, Bloques erráticos, producción de Fiebre (Chile), La Belle Affaire (Francia) y Un Puma (Argentina) cuyas ventas gestiona MPM Premium y cuyo reparto comandan Denis Lavant, Daniel Muñoz, Francesca Bozzano, Dominique Legoupil, 28

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

Reinaldo Caro, Dominga Sotomayor y Felipe Gálvez. Es la ópera prima de un cineasta que estudia el máster de Archivo en la Elías Querejeta Zine Eskola y que narra la historia del fantasma del cineasta Lucien Castelnau que, después de ser liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. La otra es Morro del mexicano Rodrigo García Saiz y con un elenco encabezado por WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Gustavo Sánchez Parra, Anna Diaz y Ernesto Meléndez. Se trata de una producción de Central Films, The 42 Films y Calouma Films. Esta segunda película, tras Lluvia (2023), que se proyectó en Málaga, gira en torno a un veterinario en un pequeño pueblo. Desde la muerte de su hijo, su vida transcurre entre rutinas silenciosas y una culpa que permanece sin nombre. La violencia del lugar no irrumpe: se mantiene latente, como un eco constante. Ese equilibrio frágil se ve alterado cuando debe curar a Morro, el perro herido de un capo local.

FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN En Zabaltegi-Tabakalera, llama poderosamente la atención la fortísima presencia argentina, empezando por la cinta de inauguración, Pedro en el país de María Alché y Benjamín Naishtat, que, como hemos dicho, también está en Competición. Este documental de Bucarelli Cine (Argentina), Pimienta Films (México) y Staer (Noruega) retrata a Pedro Catella, que atraviesa cada gran episodio histórico de América Latina en la segunda mitad del siglo XX. Agente de la resistencia peronista desde los 9 años, tirador de élite en la sierra del Escambray a los 17, su vida estuvo signada por un destino revolucionario y trágico, el destino de su país. Otro documental argentino con doble dirección es El fantasma de David Lamelas e Ignacio Masllorens, producida por El Pampero Cine y El Rayo Verde. ¿Qué cuenta? Dos jóvenes productoras reciben el encargo de realizar un documental sobre una figura esquiva y enigmática de la vanguardia argentina de los años sesenta. El proyecto exige además la participación de David Lamelas, un exitoso referente del arte conceptual y antiguo compañero de ruta del artista. Lo que comienza como un trabajo claro y acotado en torno a entrevistas y archivos comienza a transformarse en una

pregunta inquietante: ¿Cómo hacer visible a alguien que eligió desaparecer? La argentina María Aparicio presentará en el certamen A veces me entra tristeza, otras veces rebelión, protagonizada por Eva Bianco y Roger Koza. Es una producción de La Buena Hora y Las Flores, coproducida por Mordisco Films, Pyewacket Films, Cosabona Films, Brava, Pifostio Films, Pasajes Invisibles y Zampano Producciones. El relato pone el foco en Eva, que está de paso por Madrid y pasa los días en soledad. La ciudad es un lugar desconocido por donde ella se desplaza sin rumbo y con la curiosidad adormecida. Pero una tarde, en una sala del Museo Reina Sofía, un hombre se acerca a ella. Su nombre es Dante y es un historiador argentino que se encuentra en Madrid realizando una investigación sobre Juan Bialet Massé y las luchas obreras de su país. También se podrán ver dos cortos argentinos aquí. Uno es Cine vivo: un artefacto de Albertina Carri, una obra multimedia que incluye también un libro y una performance. Según lo definen, es “un artefacto venido del pasado para ser lanzado al futuro como una cápsula de posibilidades”. El otro es Para los contrincantes de Federico Luis, que se ambienta en el duro barrio de Tepito y

El fantasma

A veces me entra tristeza, otras veces_rebelión

sigue a un joven que persigue el sueño de convertirse en campeón de boxeo. En la sección de Horizontes Latinos hay 12 películas pero solamente una es un estreno mundial: A professora de francês del brasileño Ricardo Alves Jr.. Esta producción de Entre filmes (Brasil), Karö Filmes (Portugal) y Les Valseurs (Francia) sigue a Graça, que vive en Belo Horizonte, donde imparte clases particulares de francés y convive con su novia francesa. Tras una emergencia de salud de su padre, regresa a la casa de su infancia en las afueras. Allí, una familia vecina que lidera

La ilusión de un verano sin fin

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una congregación religiosa local le ofrece apoyo. Mientras intentan devolverla a ‘su lugar’, Graça queda atrapada en un mundo de intolerancia y fanatismo, lo que la conduce por un inquietante camino hacia la pérdida de la cordura. Vamos a destacar también dos películas cuya première ha sido en verano. En la sección Cineasti del Presente del Festival de Locarno se presentó La ilusión de un verano sin fin, documental de Alessandra Sanguinetti, nacida en Nueva York pero criada en Argentina. Es una producción de Everlasting Summer,

MUBI e Impact Partners, con Autlook Filmsales gestionando las ventas internacionales. El film empieza en 1999, cuando Sanguinetti invita a sus vecinas de nueve años a compartir sus fantasías, iniciando una colaboración de décadas. Mientras Guillermina y Belinda dejan la infancia, sus juegos adquieren el peso de la realidad. Con el paso del tiempo como eje, la película registra su amistad frente al trabajo, la maternidad y futuros distintos. Procedente de Karlovy Vary llega a Horizontes Latinos la película Cinco años, cuatro meses de los colombianos Juan Miguel Gelacio y Esteban Hoyos García, que producen Selva Producciones, Redline Enterprises, Chicamocha Films y Andante Producciones. El argumento se centra en Martha, una madre que perdió el rastro de su hijo durante el conflicto armado colombiano y que recibe la noticia de que no se encontró ninguna coincidencia ósea en la última exhumación en la que había participado. Tras agotar todas las vías institucionales, acude a un grupo de mujeres en el que conoce a Sandra, quien le habla de un rumor: “En un pueblo remoto de las llanuras, puedes pedirle un favor a un muerto”. Juntas emprenden un viaje en busca de respuestas. Al margen de eso, en Horizontes Latinos hay varios largos estrenados en Berlinale como Narciso, Moscas, Chicas tristes (Generation) y El tren fluvial (Perspectives), y en Cannes como El deshielo (Un Certain Regard), La perra (Quincena), Seis meses en el edificio rosa con azul (Semaine), Ceniza en la boca (Proyecciones Especiales aunque antes en Sundance) y Siempre soy tu animal materno (Un Certain Regard). Esta última obra será la película inaugural. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

ENTREVISTA

DIRECTORA DEL FORO LAU HAIZETARA

SILVIA HORNOS EL FORO DE COPRODUCCIÓN DE DOCUMENTALES LAU HAIZETARA ES UNA DE LAS GRANDES CITAS DE INDUSTRIA DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN. ORGANIZADO POR LA ASOCIACIÓN DE PRODUCTORES EPE-IBAIA Y EL PROPIO CERTAMEN, DEL 21 AL 23 DE SEPTIEMBRE DE 2026 TABAKALERA ACOGERÁ LA 22ª EDICIÓN DE ESTE EVENTO INDISPENSABLE PARA LOS PROFESIONALES DE LA NO FICCIÓN. HABLAMOS CON LA DIRECTORA DEL FORO, SILVIA HORNOS, PARA CONOCER LOS DETALLES DE LA NUEVA EDICIÓN Y SU OPINIÓN SOBRE LA SITUACIÓN DEL DOCUMENTAL.

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au Haizetara es un espacio para promover proyectos documentales ante potenciales financiadores y expertos del sector audiovisual y cinematográfico. El foro cuenta con tres fases destacadas (los Talleres, las Sesiones de Pitching y las Reuniones Individuales) para acompañar a los responsables de los proyectos y ayudarlos a que puedan conseguir nuevos socios para que se hagan realidad. Entre los commissioning editors que acuden este año hay representantes de RTVE, ARTE, Filmin, EITB, Movistar Plus+, 3Cat, Caixaforum+, Al Jazeera, Rakuten TV, Cinephil, Sundance Institute, Dogwoof o Ford Foundation, entre otros. En esta edición hay 15 proyectos seleccionados. Los ocho impulsados desde España son Amar de Víctor Forniés (Colibri Studio), El progreso de Alba Sueiro Barragáns (Contracultural Media y Sarandonga Films), Ganar, ganar y ganar de Joanna Pardos y Magdalena Oliver (Fishcorb Films y La Manchester Audiovisual), Hamaka de Alfonso García (Basque Films), Helado y Patatas Fritas 32

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

de Cristina Urgel (Doc Land Films), Los hijos de Paulette Herzog de Abel García Roure y Luis Vecino Rubio (Tromso Films y Lazslo Hace Brand Films Company), My Fantastic Plastic Lover de Soledad Velasco (Damita Joe y Matchbox Films) y Pajarracos de Zaira Zanguitu (Señor y Señora). Rubik: Afrontáis la 22º edición de Lau Haizetara. Habéis sido pioneros en esta clase de eventos para documentales. ¿Cómo ha evolucionado el evento desde sus inicios y qué valoración haces de la trayectoria que habéis recorrido? Silvia Hornos: A lo largo de estas 22 ediciones, el Foro Lau Haizetara de San Sebastián ha ido evolucionando hasta consolidarse como un espacio de referencia imprescindible para el documental. Hemos conseguido ser un punto de encuentro estratégico entre productores, financiadores y agentes de la industria audiovisual. Tratamos siempre de encontrar proyectos de calidad y no perdemos de vista el objetivo de lo que para nosotros es un Foro: ayudar a que los proyectos sean finalizados.

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“EL AUGE DE LAS COPRODUCCIONES INTERNACIONALES ES LA VÍA PARA SUPERAR LA VULNERABILIDAD DEL DOCUMENTAL Y FOROS COMO LAU HAIZETARA SON FUNDAMENTALES PARA FACILITARLAS” Silvia Hornos

Rubik: ¿Cómo se trabaja conjuntamente entre EPE-IBAIA y el Festival de San Sebastián para llevar a cabo el foro? S. H.: La colaboración es un pilar fundamental. EPE-IBAIA, la Asociación de Productoras Audiovisuales Independientes del País Vasco, asume la organización del

Foro: coordinación del comité de selección, la organización de los talleres, del pitching, la búsqueda de posibles financiadores, seguimiento de los proyectos... El Festival de San Sebastián, por su parte, entre otras cosas, nos brinda su marco y su incomparable plataforma de visibilidad, lo que para nosotros es fundamental. Rubik: Tenéis acuerdos con eventos como Fipadoc y DocsBarcelona, ¿en qué se traduce esta colaboración? S. H.: Estos acuerdos son cruciales para tejer una red de apoyo internacional. Significa que proyectos que destacan en sus plataformas pueden encontrar un hueco en Lau Haizetara, y viceversa, ampliando así su proyección internacional y sus posibilidades de financiación y coproducción y es una gran oportunidad para los proyectos.

La increíble historia de una película que no hemos visto, premiada en Lau Haizetara 2025 © Ulises Proust / SSIFF

Rubik: ¿Hay algunas novedades para esta edición? S. H.: La novedad de esta edición, es sin duda la colaboración con el Sheffield DocFest, uno de los festivales de documentales más importantes del mundo . Esta alianza se materializa en un nuevo premio que convierte al foro en una puerta de entrada directa al mercado británico. 33

Imagen del foro Lau Haizetara © Pablo Cifuentes / SSIFF

Lau Haizetara se afianza aún más como un foro clave que no sólo conecta proyectos con la industria europea, sino que ahora ofrece un vínculo directo y tangible con uno de los mercados más influyentes del mundo para el documenta.

“Hay dos grandes tendencias que marcan el documental actual. Por un lado, un fuerte compromiso con temas de urgencia social, y por otro, una gran diversidad de miradas y formatos, con una proyección internacional muy marcada” Rubik: Habéis recibido este año 150 proyectos, de los cuales habéis elegido 15. ¿Cuáles son los principales criterios de valoración para hacer la selección? S. H.: El comité de selección aplica un proceso de selección basado en criterios muy definidos, tales como universalidad y el atractivo de la historia, es decir, que tenga potencial para conectar con audiencias de diferentes países. También valoramos la solidez del equipo creativo, el porcentaje de financiación y la importancia de los difusores y distribuidores ya confirmados. Por supuesto, las posibilidades reales de coproducción internacional son factores determinantes . Rubik: ¿Cómo trabajáis los talleres para asesorar los proyectos? ¿Qué personas les tutorizan? S. H.: Los talleres son una fase esencial para que los equipos lleguen a las sesiones de pitching en las mejores condiciones. Son 34

sesiones formativas y obligatorias donde se les asesora sobre cómo presentar su proyecto de forma efectiva, clara y atractiva ante posibles inversores. La tutoría corre a cargo de profesionales y expertos del sector de reconocido prestigio, tales como Catherine Ulmer y Ventura Durall. Rubik: En un foro de coproducción siempre es clave la asistencia de empresas, entidades y commissioning editors relevantes para presenciar los pitches y reunirse con los proyectos. ¿Cuáles acuden este año o suelen ir a Lau Haizetara? S. H.: Efectivamente, la presencia de altos cargos de la industria es clave para el éxito del foro. Contamos con grandes profesionales como Al Jazeera, POV, ARTE France, RTVE, TV3, YLE…. En general, televisiones, plataformas, distribuidoras y fondos de inversión Rubik: Me imagino que después de tantos años, habéis tenido muchos casos de éxito de proyectos que han pasado por aquí y han tenido un impacto. ¿Cuáles destacarías en los últimos tiempos? S. H.: Sin duda. Un ejemplo claro de ello es el largometraje Domingo Domingo (2023), dirigido por Laura García Andreu y producido por SUICAfilms. Ha sido uno de los casos de éxito más premiados y recientes originados en el foro. Este documental pasó por la edición de 2021 de Lau Haizetara, donde se alzó con el Premio al Mejor Proyecto Documental. Tras completar su desarrollo y producción, tuvo una excelente trayectoria internacional, con estreno mundial en el Festival Internacional de Documentales de Tesalónica y consolidó su éxito logrando una nominación en los Premios Goya como Mejor Película Documental. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Rubik: ¿Qué tendencias ves en los últimos años en el ámbito del documental? S. H.: Para mí hay dos grandes tendencias que marcan el documental actual. Por un lado, un fuerte compromiso con temas de urgencia social, donde vemos un protagonismo creciente de historias sobre mujeres, resiliencia y supervivencia frente a la adversidad. Por otro lado, hay una gran diversidad de miradas y formatos, con una proyección internacional muy marcada, donde las coproducciones son casi una norma necesaria para sacar los proyectos adelante .

“La novedad de esta edición es la colaboración con el Sheffield DocFest, uno de los festivales de documentales más importantes del mundo y una puerta de entrada directa al mercado británico” Rubik: A nivel de industria, ¿Cómo está la situación? Porque el formato documental siempre tiene una situación vulnerable. ¿Cómo ves cómo está en cuanto a financiación y distribución? S. H.: El documental sigue siendo un formato que, pese a su vulnerabilidad, demuestra una gran fortaleza y adaptabilidad. La financiación es un reto constante, pero el auge de las coproducciones internacionales es la vía principal para superarlo, y foros como el nuestro son fundamentales para facilitarlas. En cuanto a la distribución, estamos viendo un cambio de paradigma: las plataformas digitales han abierto nuevas ventanas y oportunidades, pero la distribución tradicional sigue siendo un desafío para llegar a las grandes audiencias.

FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN

SAN SEBASTIÁN CONECTA TALENTO Y NEGOCIO EN SU ZONA DE INDUSTRIA EL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN SIGUE CONSOLIDANDO SUS ACTIVIDADES PROFESIONALES. A CONTINUACIÓN, DAMOS CUENTA DE LAS PRINCIPALES CHARLAS, PRESENTACIONES Y MESAS REDONDAS DE LA AGENDA DE INDUSTRIA, Y DE LOS PROYECTOS QUE PARTICIPAN EN VARIAS SECCIONES DE INDUSTRIA. HAY QUE AÑADIR, ADEMÁS, QUE LA ORGANIZACIÓN PROMUEVE ESTE AÑO UN FOCO SOBRE TURQUÍA, CON UNA DELEGACIÓN RELEVANTE DE TALENTOS DE ESTE PAÍS. POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

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s muy importante recalcar que la agenda de actividades que vamos a repasar está elaborada con la información de la que disponíamos a fecha de cierre de la edición. Muy probablemente ha habido algunos cambios y se han añadido nuevos eventos. Comenzamos con el VIERNES 18 DE SEPTIEMBRE, concretamente con la presentación de ‘Crossroards SSIFF / FICX 2026’ a las 17:00 horas en Kursaal – Club

de Prensa (con acreditación de industria). Una convocatoria que contará con José Luis Rebordinos por Zinemaldia y Alejandro Díaz Castaño y Tito Rodríguez por FICX. El día siguiente, el SÁBADO 19 DE SEPTIEMBRE, donde destaca una jornada destinada a las series, ‘We Are Family’, que se desarrolla a las 17:00 horas en Tabakalera – Sala 1 (con acreditación de industria y prensa) con la colaboración de Europa Creativa Desk MEDIA Euskadi.Participan el productor Fran Araujo, la actriz y cineasta Aina Clotet y el creador Javier Ferreiro.

El primer día con más intensidad de industria será el DOMINGO 20 DE SEPTIEMBRE, día en el que podemos reseñar la charla ‘El nuevo guion del audiovisual. Diversidad, inversión y futuro’ a las 10:00 horas en Kursaal – Club de Prensa (con acreditación), organizado por el Ministerio para la Transformación Digital y la Función Pública. Algo después los profesionales podrán acudir a la conferencia ‘Acompañando la creación: panorama de residencias y laboratorios internacionales’ a las 12:30 horas en Tabakalera (con entrada).

Conferencia en San Sebastián 2025 © Pablo Cifuentes / SSIFF

Panel sobre financiación celebrado en San Sebastián 2025 © Mikel Martínez / SSIFF

Pero quizás el momento más destacado del día será la ya tradicional Presentación del Día del Cine Español, que tendrá lugar a las 19:00 horas en el Kursaal -Club de Prensa (con acreditación de industria y prensa). No obstante, el primer día grande a nivel de industria es el LUNES 21 DE SEPTIEMBRE, jornada que comenzará con la mesa redonda ‘EGEDA. Atraer a la audiencia: las claves del marketing audiovisual desde Hollywood’ a las 10:30 horas en Museo San Telmo - Salón de Actos (con acreditación de industria). Modera Carlos Antón (Director de Desarrollo de Negocio, EGEDA) y participa Alejandra Múgica, consultora de Marketing y Comunicación Audiovisual. Hay un par de paneles relativos con Google en el Hotel María Cristina (con acreditación de industria). Primero se pondrá en marcha ‘IA: Fomentar la eficiencia y proteger la creatividad’ a las 11:00 horas, con Álvaro Longoria (Morena Films), Marcos Pérez-Ogilvie (Google), Jorge Galindo (ESADE EcPol), y María Luisa Gutiérrez (Bowfinger), y después ‘IA: soluciones concretas que ya están contribuyendo a mejorar la industria audiovisual’ a las 12:30 horas, con Johann Choron (Google), Lucas Ortiz Estefanell (La Fenêtre), Laura Pedro Albiol (Orlando

Films) y Carmen Páez Soria (Ministerio de Cultura). Entre medias, también hay otra opción muy interesante, la mesa redonda ‘Foro de Coproducción: 15 años impulsando historias’ a las 12:00 horas en Museo San Telmo – Salón de Actos (con acreditación de industria). A las 13:30 hay dos citas a las que acudir. Por un lado un aperitivo por el Focus on Turquía en el Museo San Telmo – Claustro (con acreditación de industria). Por otro, el cóctel ‘YouTube y la Nueva Era de la Producción Audiovisual’ en el Hotel María Cristina (con acreditación de industria). Un poco después, a las 14:30 horas, tendrá lugar el Europa Distribution Workshop en el Kursaal – Sala 9 (evento cerrano). También se desarrollará en los siguientes dos días, el último junto a Europa International. Pasamos ahora a eventos informales como el cóctel ‘Andalucía, destino de cine’ a las 18:00 horas en el restaurante Muka (con invitación), organizado por Andalucía Film Commission. A las 19:00 horas en el Museo San Telmo – Claustro (con acreditación de industria) se podrá asistir al Happy Hour de Cinemachile. La jornada concluye con el evento ‘Federación Pantalla celebra a los Festivales WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

de Cine de España’, que se celebra en Baluarte a las 20:30 horas (con invitación). El MARTES 22 DE SEPTIEMPRE se inicia con el Encuentro de Inversores Creativos, que comienza a las 10:00 horas en Tabakalera – Prisma (con acreditación de industria), coorganizado con CAA Media Finance. Contempla varias charlas: ‘Invertir para crecer: SETT y la industria audiovisual española’, ‘El nuevo panorama de EE.UU.’, ‘Perspectivas de The Veterans’, ‘Un nuevo enfoque del streaming’ o’ Producción y financiación más allá de las fronteras’, entre otras. A las misma hora, a las 10:00 horas, tiene lugar en el Kursaal – Club de Prensa (con acreditación de industria) la presentación del II Estudio Spain Film Commission de impacto audiovisual en España. Participan: Juan Manuel Guimeráns (Spain Film Commission), Marta Moretto (Olsberg, SPI), Kayleigh Hughes (Olsberg, SPI) y Jesús Cambra (Universidad Pablo de Olavide). Casi al mismo tiempo los profesionales disponen también de la charla ‘Narrar con el cuerpo. Autobiografías entre realidad y ficción en el cine LGBTIAQ+ iberoamericano’ a las 10:30 horas en el Museo San Telmo – Salón de Actos (con acreditación de industria y entradas para el público), Ana Tiagx Vélez (cineasta, docente y 37

FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN

LOS EVENTOS DE INDUSTRIA Y SUS PROYECTOS

Pitch en WIP Latam © Pablo Cifuentes / SSIFF

travesti), Lluís Garau (artista multidisciplinar) y Afioco Gnecco (director y guionista). A nivel de financiación, a las 12:00 horas hay una cita clave en Tabakalera – Labe (con invitación), organizad por la SET y que es una Mesa Estratégica de Inversión y Financiación Audiovisual, una sesión de trabajo estratégica que reúne a inversores y entidades financieras para intercambiar perspectivas y explorar soluciones de financiación e inversión. Otra opción de la mañana son el Encuentro de festivales de cine LGBTIAQ+ iberoamericanos a las 12:30 horas en el Museo San Telmo – Salón de actos (con acreditación de industria). La jornada finalizará con dos momentos relajados. Por un lado, el evento ‘Canarias en Foco’, organizado por Canary Islands Film, a las 19:30 horas en el Kursaal – Club de Prensa (con invitación). Además, a las 20:30 horas en el restaurante Muka (con invitación) se desarrollará el cóctel Galicia at SSIFF, organizado por Agadic. El día MIÉRCOLES 23 DE SEPTIEMBRE comenzará con el evento ‘Nordic Connection: tendiendo puentes entre los países nórdicos y el País Vasco’ a las 9:30 horas en el Kursaal – Sala 9 (con acreditación de industria). A las 10:00 horas en Tabakalera – Prisma (con acreditación de industria) prosigue el Encuentro de inversores creativos, coorganizado con CAA Media Finance. En este caso con 38

paneles como ‘¿Qué quiere el mercado?’, ‘Marcas y cine: fórmulas que funcionan’, ‘Retos y oportunidades actuales de Europa’, ‘Repensando los modelos tradicionales’ y ‘Mirando hacia el futuro’. A las 16:30 horas tendrá lugar en el Kursaal – Sala 9 (con acreditación de industria) la mesa redonda ‘ALÍA: IA en el pipeline audiovisual: creación, derechos y nuevos procesos’, con Mabel Klimt de Elzaburu moderando a Marta Bragado (Sony – C2PA), Javier Urosa (DoTechnology), Ferran Piquer y Guillermo Valero (Efectoscopio), Miguel Amoedo (AEC) y José Jaime Linares (APPA). El momento estrella del día es para los Premios de Industria a las 20:00 horas en el Kursaal – Sala Ruedas de Prensa (con acreditación de prensa e industria), a lo que seguirá la Copa de la industria a las 21:00 horas en el Museo San Telmo – Claustro (con acreditación de industria). Por último, el JUEVES 24 DE SEPTIEMBRE tiene lugar, en el marco del Zinemaldia & Technology, el panel ‘Audiencias, algoritmos y distribución audiovisual’ a las 12:30 horas en Tabakalera – Prisma (con acreditación), donde participan Gloria Saló (GECA), Fleur Dopheide (The Searchers) y Vicky Cazalla (YouTube) En esta jornada también tiene lugar la Asamblea General de ALÍA - Alianza Industria Audiovisual a las 16:00 horas en el Kursaal – Sala 9 (evento cerrado). WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

El Foro de Coproducción EuropaAmérica Latina cumple 15 años y el Premio al mejor proyecto incrementa su dotación a 30.000 euros. Entre las primeras o segundas películas están Cara sucia de Ignacio Acconcia, El último sonidero de Selma Cervantes, El último crucero de Rachel Daisy Ellis, Isabel Hernández de Giorgio Giampà, Este es el recuerdo que me gustaría tener de mamá de Ernesto Martínez Bucio, Las ilusiones de Ingride Pokropek, Los inexpertos de Felipe Solari Yrigoyen y La revolución de las sirenas modernas de Azul Vanni Núñez. Habrá proyectos de cineastas que ya han competido en el certamen: Diario inconsciente de Santiago Loza, Piedras gigantes de Christopher Murray, Los ensayos de Celina Murga, Te vienen a quitar tus congos de Nelson Carlo de los Santos Arias; y Buscando a Sam de Mariana Rondón. Completan la selección Mamá ceniza de Tana Gilbert y O estranho menino de Matias Mariani. En lo que respecta a WIP Latam, se presentarán seis películas: Galerna de Tatiana Huezo, Viajes y placeres de Mariano Luque, Lovers Go Home! de Juan Sebastián Mesa, La cuestión criminal de Matías Italo Scarvaci, O último canto dos pássaros de Beatriz Seigner yTodos los lugares a donde ir de Tiagx Vélez.. Por su parte, en WIP Europa, los cuatro largos son The Battle of Hedgehogs de M. Tayfur Aydin, In a Manner of Speaking de Val Jashari, Sentimentos familiares de Mónica Lima y The First Week of August de Filip Mojzes. Queremos destacar también los cinco proyectos proyectos entre los diez elegidos para el Zinemaldia Startup Challenge: Volum, que propone captura volumétrica en tiempo real para generar una comunicación inmersiva; Dymensium, que utiliza tecnología 4DGS para crear experiencias inmersivas y gemelos digitales de alta fidelidad; intoreality. tv, que presenta un reproductor web interactivo que combina la señal tradicional 2D con señales inmersivas y multidispositivo para que la audiencia participe activamente en la experiencia; HAMO, que crea personajes digitales interactivos en tiempo real combinando diferentes técnicas de animación; y Pixentinel, que utiliza la IA para la detección, diagnóstico y respuesta ante los fallos de señal en streamings.

MERCADO DE PROYECTOS 2026 - LARGOMETRAJES DE FICCIÓN EN DESARROLLO

MERCADO DE PROYECTOS EN DESARROLLO Y WIP 2026 COINCIDIENDO CON EL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2026, NOS COMPLACE LANZAR LA TERCERA EDICIÓN DE NUESTRO MERCADO DE PROYECTOS, UN CATÁLOGO DE CONSULTA QUE PUEDE RESULTAR DE GRAN UTILIDAD PARA LA INDUSTRIA, PUES AQUÍ SE PODRÁN ENCONTRAR DE MANERA RÁPIDA DIFERENTES TIPOS DE PROYECTOS AUDIOVISUALES QUE BUSCAN SOCIOS PARA AVANZAR HACIA SU PRODUCCIÓN O DISTRIBUCIÓN.

E

n nuestra web publicamos constantemente noticias sobre convocatorias de laboratorios, residencias y foros de coproducción, pero sentimos que muchos proyectos se quedan por el camino o que podrían llegar a más empresas potencialmente interesadas en sumarse, por lo que estimamos que esta iniciativa es un atractivo puente alternativo para conectar a la industria.

Nuestro ya tradicional MERCADOS DE PROYECTOS permite una revisión ágil de proyectos con una información directa, con la pretensión de ser una ventana de descubrimiento de talento y/o proyectos afines para promover una eventual alianza. En las próximas páginas desglosamos los proyectos en largos de ficción, largos documentales, series, y cortos:

TODOS LOS HÉROES

SINOPSIS: Millán es un psicólogo infantil que trabaja con niños enfermos. Uno de sus pacientes es Sergio, un chaval con leucemia que espera un trasplante de médula y cuyo deseo más profundo es llegar a ver el estreno en cines de la última película de la saga de fantasía épica ‘Los Guardianes de Sëlka’. Pero queda poco tiempo y la vida del pequeño peligra. Millán, cuya existencia está vacía desde que su hijo murió, encontrará en este sueño un objetivo y hará todo lo posible por cumplirlo. Tanto que él y sus compañeros en el hospital se dejarán el sentido del ridículo por el camino. DATOS DE CONTACTO: Alicia Albares / +34 680 864 623 / alicia@pifostiofilms.com / https://www.pifostiofilms.com/ 42

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Dirección: Alicia Albares y Paco Cavero Guión: Paco Cavero y Alicia Albares Productora: Pifostio Films Idioma: Castellano Género: Comedia, Feelgood Movie Target: Jóvenes y Adultos de 25 a 65 años Referencias: Campeones (Fesser); Rebobine, por favor / Be Kind Rewind (Gondry) Presupuesto estimado: 2.000.000 € Apoyos: CIIF Market, Festival de Cine de la Cerdanya, VLC Pitch Forum, Laboratorio DCP (proyecto ganador) Fase del proyecto: Desarrollo En busca de: Coproductores, TV, plataformas, distribuidora y agente de ventas

MONDRAGÓN - EL HIJO DE LA LUNA

DATOS DE CONTACTO: Jose Senés / +34 645 204 623 / josenes14@gmail.com

PANDEMIA

SINOPSIS: La pandemia de COVID 19 trae cada día nuevos problemas que se van amontonando. Los estados de ánimos de la gente fluctúan y retraen hacia el pesimismo. En una ciudad pequeña, una familia hace frente a la pandemia y procura llevar el día a día de la manera más optimista posible. A pesar de ello, las malas noticias llenan el universo familiar. Jordi y Carmen, que a la vez son padres, hijos y abuelos, logran plantearse con la máxima serenidad el tiempo de la cuarentena mientras se juntan tres generaciones en dos casas diferentes.

Dirección: Raimon Miranda Guion: Raimon Miranda y Marta Fornieles Idioma: Catalán y castellano Género: Drama fantástico Target: +7 años Referencias: Contagio (Soderbergh), Doce monos (Gilliam), Estallido (Petersen), 28 días después (Boyle), La amenaza de Andrómeda (Wise), Hijos de los hombres (Cuarón), The Host (Bong), La carretera (Hillcoat), A ciegas (Meirelles) Presupuesto estimado: 300.000€ Fase del Proyecto: Desarrollo En busca de: Agente de Ventas, Financiación, Productora, Distribuidora y Plataforma

DATOS DE CONTACTO: Marta Fornieles / +34 600 776 199 / marta.fornieles@gmail.com

EN BUSCA DE

SINOPSIS: Elin y Lars viven un matrimonio seguro y predecible en la comunidad sueca de Fuengirola. Cuando Elin se siente atraída por Thiago, un camarero argentino, despierta un deseo que ya creía perdido. Entre la seguridad y la incertidumbre, comienza a cuestionarse si el amor, la igualdad y la libertad bastan para mantener vivo el deseo. DATOS DE CONTACTO: Raheleh Kamali / +34 654 640 453, +46 722 256 841 / raka.kamali@gmail.com

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MERCADO DE PROYECTOS 2026 - LARGOMETRAJES DE FICCIÓN EN DESARROLLO

SINOPSIS: Siete años después de huir de casa con catorce años, Luna vuelve al clan gitano Mondragón con Oliver, un hijo albino que nadie esperaba y que busca su sitio entre maleantes y trapicheos. Sara, la hermana que se quedó atrás, carga con el peso de mantener unida a una familia rota. Mientras el barrio se calienta entre payos y gitanos, una pistola desaparece.

Dirección: En busca de directora femenina Guion: Jose Senés Productora: Tarannà Films Idioma: Castellano y Valenciano Género: Drama social costumbrista / Comedia irónica y notas de thriller Target: Adulto y joven adulto. Mujeres reivindicativas. Referencias: Carmen y Lola (A. Echevarria), El niño de la bicicleta (Dardenne), Mala hierba (Kheiron), Los lunes al sol y Princesas (León de Aranoa) y Las leyes de la frontera (Monzón) Apoyos: Finalista en el Laboratorio de Proyectos del Festival de Alicante 2024. Tutorizado en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma y eb Barreira A+D Fase del proyecto: Desarrollo inicial (retoques de guion) En busca de: Coproductora

Título en inglés: In Search of Dirección y Guion: Raheleh Kamali Idioma: Español y Sueco Género: Drama / Drama íntimo, Romance Contemporáneo Target: Adultos Referencias: La notte (Antonioni), Belle de jour (Buñuel) Apoyos: Proyecto seleccionado en el Sundance Screenwriters Lab en dos ocasiones: shortlist en 2022 y shortlist en 2024. Asimismo, el proyecto se presentó en la residencia en Mallorca y Menorca vinculada al festival de cine. Fase del proyecto: Desarrollo y búsqueda de financiación En busca de: Productores y coproductores, especialmente en España y Suecia; financiación; ayudas públicas; agentes de ventas y distribuidores. 43

MERCADO DE PROYECTOS 2026 - LARGOMETRAJES DE FICCIÓN EN DESARROLLO

EL TRIBUNAL

SINOPSIS: En Ibiza, Damià, un profesor a punto de jubilarse, preside un tribunal de oposiciones y decide impedir que nadie consiga la única plaza. Entre favoritismos, conflictos de interés, relaciones secretas, tecnicismos y aspirantes dispuestos a denunciar irregularidades, el tribunal se verá obligado a sobrevivir a sus propias contradicciones para evitar que el proceso sea anulado. INTENCIONES DEL DIRECTOR: El Tribunal convierte en comedia el universo de las oposiciones docentes, retratando con una mirada crítica y afectuosa las tensiones y situaciones humanas entre opositores, tribunales y administraciones. Desde su experiencia como creador audiovisual y docente de la enseñanza pública, el autor aborda la vocación, la precariedad, la evaluación, el poder y la necesidad de reconocimiento. Supone, además, la continuidad creativa del equipo artístico de Desokupados, consolidado tras su experiencia teatral en Ibiza y Mallorca y su presentación en el ICIB en 2025. El Tribunal apuesta por una producción plenamente arraigada en las Islas Baleares, con reparto ibicenco y profesionales baleares. Paralelamente, se prepara una obra teatral homónima para 2027-2028, que permitirá desarrollar y madurar personajes y situaciones antes del rodaje. La concentración de la acción en un instituto y el trabajo previo con el reparto favorecen una producción racional, sostenible y ajustada a un presupuesto moderado.

Dirección: Andreu Fullana Guion: Andreu Fullana y Carmen Vidal Productora: BIAM Audiovisual Idioma: Catalán (51%) y Castellano (49%) Género: Comedia, Comedia de enredos Target: +16 años Referencias: Votemos (Requejo) y las obras de teatro Taxi (1983) y Políticamente Incorrecto (1990) de Ray Cooney y Majòrica (1987) de Xesc Forteza Presupuesto estimado: 222.400€ del cual hay confirmado un 21,31% Apoyos: Se espera conseguir el apoyo de ICIB Fase del proyecto: Desarrollo En busca de: Coproducción, distribuidores, televisiones y plataformas

DATOS DE CONTACTO: Andreu Fullana / +34 629 40 46 10 / produccion@biamaudiovisual.com / https://biamaudiovisual.com/nosotros/

LLEGÓ CON ELLA

SINOPSIS: Victoria, embarazada, llega con su familia a un cortijo aislado en Jaén. Tras morir en un parto difícil, regresa inexplicablemente a la vida poseída por el espíritu de su abuela, acusada de brujería. Acosada por fenómenos violentos, Victoria usará el poder de su linaje para proteger a sus hijas y romper la maldición familiar. DATOS DE CONTACTO: Alicia Albares / +34 680 864 623 / alicia@pifostiofilms.com / https://www.pifostiofilms.com/

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Dirección: Alicia Albares y Paco Cavero Guion: Paco Cavero y Alicia Albares Productora: Pifostio Films Idioma: Castellano Género: Drama, Terror Target: Jóvenes y Adultos de 15 a 65 años Referencias: Expediente Warren - The Conjuring (Wan), La Bruja (Eggers), El páramo (Casademunt) Presupuesto estimado: 1.800.000 € Apoyos: MadMarket, Round Robin - Fantastic Pavillion del Cannes Film Festival; Festival de Cine de la Cerdanya Fase del proyecto: Desarrollo En busca de: Coproductores, TV, plataformas, distribuidora y agente de ventas

MERCADO DE PROYECTOS 2026 - CORTOMETRAJES

20 DE ENERO

SINOPSIS: El día en que España somete a referéndum el reconocimiento legal de las inteligencias artificiales, Esmeralda Cruz vive atrapada entre la decadencia, el alcohol y el recuerdo de su antigua fama como estrella infantil. Cuando descubre que una humanoide comienza a ocupar su lugar en el programa de televisión donde trabaja, la sensación de que algo terrible está a punto de suceder se vuelve insoportable. Y todo parece estar relacionado con una antigua canción de La Oreja de Van Gogh. INTENCIONES DEL DIRECTOR: 20 de enero nace de varias inquietudes que siento profundamente generacionales: la nostalgia por un futuro optimista que nos prometieron cuando éramos niños y que nunca llegó a existir, la irrupción de la IA en espacios que hasta hace muy poco considerábamos exclusivamente humanos, como el arte, la interpretación o la creación y la inquietud por cómo será la relación entre personas y tecnología en un futuro muy próximo. Quiero abordar estas cuestiones desde el fantástico y la ciencia ficción, pero manteniendo siempre nuestra protagonista, Esmeralda, y su recorrido emocional en el centro de la historia. La IA forma ya parte del trabajo, la TV, el ocio y las instituciones porque el verdadero conflicto no está en la tecnología, sino en nosotros: en cómo reaccionamos cuando aquello que hemos creado empieza a ocupar espacios que antes eran exclusivamente nuestros. Bajo su envoltorio de thriller distópico, 20 de enero habla de la necesidad de reconocimiento, de la frustración de toda una generación, de la identidad y de una pregunta profundamente humana: ¿qué queda de nosotros cuando sentimos que ya no somos imprescindibles?

Dirección y guion: Miguel Varela Productoras: Be a Child, Astronaut Films y Pifostio Films Idioma: Español Género: Ciencia Ficción / Thriller Distópico Duración estimada: 20 minutos aprox. Target: Adulto Referencias: Black Mirror (Brooker), El show de Truman (Weir), Dogville (Von Trier), Matrix (Wachowski), Perfect Blue (Kon), Cisne Negro (Aronofsky), Ex Machina (Garland), Langosta (Lanthimos), Mulholland Drive (Lynch), Sin City (Miller y Rodríguez), The Neon Demon (Winding Refn) y Birdman (Iñárritu) Apoyos: Distribución por YAQ Fase del Proyecto: Desarrollo En busca de: Financiación y coproductoras

DATOS DE CONTACTO: Andreu Fullana / +34 629 40 46 10 / produccion@biamaudiovisual.com / https://biamaudiovisual.com/nosotros/

DELIA

SINOPSIS: Delia, superviviente de abusos durante su infancia, recibe la noticia de que su padre ha muerto y decide regresar a su aldea de origen para romper el silencio y recuperar la libertad. DATOS DE CONTACTO: Nahia Laiz / +34 665 998 896 / nahialg@yahoo.es / www.nahialaiz.es

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Dirección y Guion: Nahia Laiz Productoras: Nahia Laiz, Lunatica Films y Pifostio Films Idioma: Castellano Género: Drama, Fantástico Duración estimada: 18 minutos Target: Hombres y mujeres a partir de 16 años, consumidores habituales de cine independiente, cortos y festivales de primera línea / Profesionales del sector social, la psicología, el feminismo y público concienciado con las problemáticas de salud mental y la infancia Referencias: Un monstruo viene a verme (Bayona), Petite Maman (Sciamma) Presupuesto estimado: 89.000 euros (financiado el 70%) Apoyos: Guion gestado en el marco USINAGB en el Instituto Cervantes de Berlín Fase del proyecto: Postproducción En busca de: Agentes de ventas, agente de prensa, distribución, financiación/servicios de postproducción.

HASTA QUE LA TIERRA ACEPTE

INTENCIONES DEL DIRECTOR:El corto parte de una imagen en mi cabeza: un hombre caminaba solo por los campos de Castilla cargando con un bulto. Trataba de enterrar algo, pero la tierra lo escupía. No sabía quién era, de dónde venía ni qué llevaba consigo. Pero había algo profundamente triste en aquella figura. Algo que me obligaba a seguir observándola. Con el tiempo comprendí que aquel hombre estaba avergonzado. No era un héroe. No era un mártir. No era un vencedor. Era alguien que había huido. Un hombre incapaz de enfrentarse a aquello contra lo que debía luchar y condenado a cargar con las consecuencias de esa decisión. A partir de ahí nace un western psicológico, donde el paisaje castellano se convierte en una extensión del mundo interior de Salvador. En este recorrido, la sobriedad será fundamental, apoyándonos en el silencio, las miradas y la expresividad del protagonista frente a la inmensidad del paisaje. El clímax llegará con su encuentro con su madre, donde deberá enfrentarse finalmente a sus actos y a la mirada de quien mejor le conoce. Combinando una estética de western clásico con una mirada contemporánea, los elementos fantásticos aparecerán de manera contenida, sin romper la realidad del relato, funcionando como manifestaciones de un trauma que Salvador no puede seguir ocultando.

Dirección y Guion: Marcos de Isidoro Martín Productoras: Monito Producciones y EFD Idioma: Español Género: Western, Road Movie, Realismo Mágico, Drama Duración estimada: 10-15 minutos aprox. Target: +18 años Referencias: El bueno, el feo y el malo y Hasta que llegó su hora (Leone), Lawrence de Arabia (Lean), Apocalypse Now (Coppola), Centauros del desierto (Ford), No es país para viejos (Coen) Presupuesto estimado: 60.000€ (30% conseguido) Fase del proyecto: Preproducción; rodaje en julio de 2027 En busca de: Coproductores con inversión de capital

DATOS DE CONTACTO: Marcos de Isidoro Martín / +34 625 542 358 / marcosdeisidoromartin@gmail.com

MERCADO DE PROYECTOS 2026- CORTOMETRAJES

SINOPSIS: Tras desertar de la Guerra Civil, Salvador emprende el camino de regreso a casa cargando con un bulto que intenta enterrar, pero que la tierra no termina de aceptar y devuelve a la superficie. Durante su viaje, deberá enfrentarse a aquello que arrastra consigo para descubrir si aún puede regresar a casa.

TODO LO QUE ME GUSTARÍA DECIR(TE) Dirección y Guion: Alba Pino Productoras: Actores Madrid Callao Idioma: Español Género: Drama íntimo / Familiar Duración estimada: 15 minutos aprox. Target: Público adulto de entre 15 y 55 años, con especial afinidad hacia el público femenino y espectadores interesados en dramas emocionales y relatos intimistas. Referencias: Lady Bird (Gerwig), Viaje al cuarto de una madre (Rico Clavellino) y Alma salvaje – Wild (Vallée) Presupuesto: Se cuenta ya asegurado un 30% con inversión privada Fase del proyecto: Desarrollo avanzado / Financiación SINOPSIS: Dos hermanas recorren tres etapas vitales clave: adolescencia, maternidad y madurez. A través y preproducción previa al rodaje En busca de: Completar financiación de una pantalla dividida entre lo que se dijeron y lo que callaron, ambas intentan despojarse de miedos y reproches para reencontrarse en un clímax sanador donde sus verdades por fin logran respirar unidas. DATOS DE CONTACTO: Alba Pino y Manuel Hernández / +34 678 449 339 / direccion@actoresmadrid.com / produccion@actoresmadrid.com / https://act-madrid.com/contacto/ WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

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MERCADO DE PROYECTOS 2026 - LARGOMETRAJES DOCUMENTALES

GUARDIANAS

SINOPSIS: Mencay, una joven waorani de 26 años, está perdida entre la selva y la ciudad. Mientras su abuela pierde la memoria, dos lideresas de su pueblo son amenazadas de muerte. El gobierno avanza sobre el Yasuní, su territorio ancestral. Ante la destrucción inminente, Mencay deberá decidir si huye o se convierte en su defensora. INTENCIONES DE LA DIRECTORA: Siempre había querido conocer la selva. Cuando llegué por primera vez a la Amazonía ecuatoriana, en 2019, descubrí un mundo inigualable: una naturaleza desbordante y comunidades indígenas que, a pesar de la presión de la modernidad, siguen preservando una forma de vida en equilibrio con su territorio. Los Waorani fueron los últimos contactados de la Amazonía ecuatoriana, hace sólo apenas sesenta años. Convivir con ellos me transformó. También me hizo comprender que su cultura se encuentra hoy al límite: la extracción petrolera, la deforestación, las carreteras, la violencia contra líderes ambientales y el modelo de consumo global amenazan no sólo un territorio, sino una forma de entender la vida. Durante cuatro años regresé a Ecuador para investigar, filmar y construir un vínculo con la comunidad. Finalmente encontré en Mencay, una joven waorani de 26 años, el corazón de esta historia. A través de ella, la defensa del Yasuní se convierte también en una búsqueda íntima: identidad, memoria, miedo y futuro. Guardianas nace de ese encuentro. Un documental híbrido que cruza realidad y ficción para acercarnos a una lucha política y, al mismo tiempo, profundamente humana: la defensa de un territorio que también representa nuestra propia relación con la naturaleza. DATOS DE CONTACTO: Mireia Pozo Maya / +34 661 906 502 / mireia@mayafilms.tv / www.mayafilms.tv TEASER: https://vimeo.com/1013501110 (Contraseña: Guardianas)

Dirección: Mireia P. Maya       Guion: Mireia P. Maya, Cecilia Gessa y Mencay Caiga Productoras: Maya Films (España), Peacock Films (Ecuador) y Gessas Producciones (España) Idioma: Español Género: Medio ambiente. Derechos humanos. Mujeres. Igualdad de género. Amazonia. Cambio climático Target: Edad: 20–65 años. Género: especialmente mujeres, aunque dirigido a todos los géneros. Perfil: público interesado en documental social, medioambiental y de autor, derechos humanos, feminismo, pueblos indígenas, justicia climática y defensa del territorio. Potencial de circulación internacional. Referencias: Yanuni (Ladkani), Ex-Pajé (Bolongesi), The Territory (Pritz), Holding Up the Sky (Pieter Van Eecke), We Are Guardians (varios directores). Presupuesto estimado: 340.000 euros (ya financiado el 35%: 120.000€) Apoyos: ICEC (Desarrollo largometraje), El Moden (Desarrollo largometraje), Diputació de Girona (Publics per la cultura), Ajuntament de Girona, Festival San Sebastián (Públic Pitch). Acampadoc Residencia documental (selección) Fase del proyecto: Producción En busca de: TV, Plataformas, Coproductor.

MOISÉS, LA MEMORIA QUE NO CALLA

SINOPSIS: Aída investiga el fusilamiento de su bisabuelo Moisés en 1936 para liberar a su abuela de la culpa que arrastra en silencio. Al confrontar la memoria familiar con la Causa Judicial 423/36, afloran denuncias vecinales y listas negras. Este documental íntimo busca la restitución de un inocente para sanar las heridas. DATOS DE CONTACTO: Aída Cordero Domínguez / +34 666 774 494 / aidacordero@gmail.com / Instagram: @aidacorderod

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Dirección y Guion: Aída Cordero Domínguez Idioma: Castellano Género: Documental / No Ficción | Histórico / Personal (Memoria Democrática y Archivo Familiar) Target: Espectadores de entre 35 y 70 años interesados en la memoria histórica contemporánea, los derechos humanos y el cine documental de investigación Referencias: Las historias que contamos (Polley), El silencio de otros (Carracedo y Bahar), Nostalgia de la luz (Guzmán), Las cartas perdidas (Climent) Presupuesto estimado: 150.000 – 200.000€ Apoyos: Ayuda a desarrollo de guion del ICAA 2025 Fase del proyecto: Desarrollo En busca de: Productores

LARGOMETRAJES DOCUMENTALES

TODOS LOS FUEGOS

SINOPSIS: Una cineasta entra en el archivo que su suegro construyó durante treinta años alrededor de los últimos años del Che Guevara. Mientras intenta comprender la herida que dejó en él el derrumbe de los ideales en los que había creído, descubre que en esas mismas imágenes persiste algo que ella todavía necesita: la posibilidad de volver a creer.

Dirección y Guion: Aldana Juárez Czeplowodzki Productoras: Ágata Films, La Kaseta Ideas Factory y BAF Business & Filmmakers Idioma: Español Género: Documental de creación / Ensayo cinematográfico / Archivo y memoria Target: Adulto Presupuesto estimado: 445.000 € (con un 37 % ya confirmado) Apoyos: Residencia Walden (2022), con acompañamiento de Marta Andreu / Pitch en DOC.LAB Coimbra (2026) / Selección ICAA Spanish Showcase Pitch en FICG Guadalajara (2026) Fase del proyecto: Preproducción En busca de: Coproductores, TVs o plataformas, distribuidores y agentes de ventas

DATOS DE CONTACTO: David Fontseca Romanos / +34 615 644 227 / david@lakaseta.com / www.lakaseta.com

MERCADO DE PROYECTOS 2026 - SERIES EN DESARROLLO

AGUA NEGRA

SINOPSIS: Ana Ferrer, supervisora del puerto de Valencia y cómplice en su juventud de mafias migratorias, encuentra un contenedor repleto de mujeres africanas muertas, y al negarse a encubrirlo, secuestran a su hijo para presionarla, lo que la obliga a buscarlo por sus propios medios mientras arriesga su vida y enfrenta las culpas de su pasado. INTENCIONES DEL CREADOR: ¿Qué pasa cuando decidimos no mirar, cuando callamos a pesar de que nuestro silencio o nuestra inacción condena al otro? Lo que hicimos en el pasado, ¿se puede simplemente olvidar o encuentra la forma de confrontarnos en las formas variadas de la culpa? El tema de este proyecto es la culpa. La que heredamos de nuestros padres, la que cargamos por los pecados antiguos, la que la vida nos hace redimir de los modos más crueles. Ana carga la suya; Imanol hereda la de su padre. Mi larga relación con el mundo del transporte marítimo y la logística influyó en el tipo de historia que elijo para explorar estos temas, igual que mi propia experiencia como escritor migrante. En mis previos trabajos literarios, indagué siempre en el desarraigo, la redención, los personajes que buscan segundas oportunidades. El personaje de Ana Ferrer ha fallado. Su silencio la condena y las repercusiones la arrastran a confrontarse con lo peor de sí misma. Ana es llevada al límite y, cuando está a punto de rendirse por completo, lo que la libera es justo lo que la condenaba.

DATOS DE CONTACTO: Norma Velásquez / +34 674 865 620 / norma@suenaperu.com / www.suenaperu.com

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Creador: Javier Mariscal Crevoisier Dirección: Por confirmar Productora: Norma Velásquez (Suena Perú) Formato: 6 x 40’ Idioma: Castellano Género: Thriller criminal. Drama social Target: Público adulto joven y adulto, consumidor de series de thriller de estilo HBO Referencias: Mare of Easttown (personaje protagonista femenino fuerte; mujer policía con un pasado no muy limpio busca una persona desaparecida), The Wire 2T (ambiente en el puerto de Baltimore; mafias, personajes fuertes y poliédricos, contenedores, corrupción policial), Top of the Lake (el peso del pasado y los pecados sin redimir; una detective retorna a su pueblo natal e investiga una desaparición mientras enfrenta viejos traumas); True Detective 3T (un personaje que arrastra la culpa por un viejo crimen y líneas temporales distintas que concurren) Presupuesto estimado: 5 millones de euros Fase del proyecto: Desarrollo En busca de: Productoras españolas, Televisiones, Plataformas

ENTREVISTA

COORDINADOR DE ECAM FORUM

ALBERTO VALVERDE EL TERCER ECAM FORUM SE CELEBRÓ EN MADRID EL PASADO MES DE JUNIO Y, AHORA CON CALMA, HEMOS QUERIDO CONTACTAR CON SU COORDINADOR, ALBERTO VALVERDE, PARA HACER UN BALANCE DE LO QUE SUPUSO LA NUEVA EDICIÓN DEL EVENTO Y DE LA EVOLUCIÓN TAN FAVORABLE QUE ESTÁ TENIENDO UN MERCADO Y FORO DE COPRODUCCIÓN QUE SE HA CONVERTIDO EN INDISPENSABLE PARA LA INDUSTRIA NACIONAL E INTERNACIONAL.

R

ubik: Con un poco de reposo ya tras la última edición de ECAM Forum, ¿qué balance haces de este año, en el que ha habido más de 800 acreditados y 150 invitados? Alberto Valverde: Creo que es muy positivo el balance de este año y de lo que se ha logrado en tres años. Los resultados son abrumadoramente positivos en el sentido de que superaron las expectativas de lo que

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

podíamos lograr en tres años y el objetivo que había desde el inicio, que era generar un punto de encuentro nuevo en España, muy internacional y capaz de atraer a invitados de primera y a proyectos de primera. En cuanto a esta tercera edición, tenemos la sensación de que, a diferencia de la primera y la segunda, quizá porque el evento se conoce más o porque la lista de invitados este año era todavía más potente, cada veo que vemos que se generan más cosas en Matadero, más allá de lo que

Alberto Valverde en ECAM Forum 2026

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nosotros generamos con las reuniones y el programa oficial. Esos días era muy común ver a María Zamora, a Alex Lafuente, a las principales empresas independientes del país cerrando cosas para sus próximas películas y aprovechar esos tres días para venir y presentar sus proyectos a Le Pacte o Pyramide, por ejemplo, o cerrar cosas con programadores de festivales. Es decir que, diferencia de los dos primeros años, este paraguas o plataforma para la industria ya no se solo para los proyectos que

ENTREVISTA

ECAM Forum 2026

participan y ha dado un salto. Saben que viene gente importante y se organizan con reuniones informales en los alrededores de Matadero o en la Cantina. Vemos que está siendo muy útil para muchas otras producciones, no solo para las que seleccionamos. Rubik: Muchas veces el balance de este tipo de eventos es más a largo plazo porque al final lo más positivo es que los proyectos se acaben haciendo o terminando, ¿no? Cómo veis el balance de los casos de éxito en años anteriores y cómo se van materializando? A.V.: Muy bien. En las recientes ayudas selectivas del ICAA hay varios proyectos que pasaron por ECAM Forum. Una película de la primera edición como Te amo y hoy todo es hermoso de María Alché, que vino sin coproducción española, ha recibido ayuda a través de Elastica Films, que entró en el proyecto. Ese es un ejemplo pero hay varios, también de proyectos de La Incubadora. Vemos esos pasitos en películas que empezaron por aquí, como la película de María Herrera Desde que tú te has ido, que luego ha ido a Les Arcs gracias a conocerla aquí y así relanzar su carrera internacional. Otro ejemplo de nuestro primer año es la uruguaya El milagro del Surubí de Lorenzo Tocco, que ha mostrado ahora su primer corte en el First Look de Locarno. Vemos cómo, de esa primera edición, algunas películas que estaban en desarrollo ya se han rodado y se están financiando, con caminos muy positivos. Ya hay resultados tangibles respecto a las películas de desarrollo. Respecto a las películas en postproducción, ha habido unos resultados abrumadoramente

“YO NO SÉ SI HAY OTROS WORK-IN-PROGRESS QUE TENGAN UN RATIO DE ÉXITO COMO LAST PUSH EN ECAM FORUM, NOS ESTÁ ALUCINANDO” positivos desde el principio. Las ocho películas que participaron en el primer Last Push, al año siguiente ya se habían estrenado todas en Toronto, Locarno, Rotterdam, Marsella, etc., teniendo un circuito muy bueno. El segundo año ocurrió lo mismo y este año, en apenas unas semanas que han pasado desde la finalización del evento, cinco de las diez películas que participaron ya han encontrado première en Venecia, Toronto, Marsella… Son resultados muy rápidos y muy positivos, porque la idea de esa sección era justo esa, apoyar a películas de gran valor, que están en un momento muy frágil de postproducción, que necesitan una ayuda para su último paso: conseguir agente de ventas o una première en un festival. Los resultados desde el primer año han sido muy positivos. Yo no sé si hay otros work-in-progress que tengan un ratio de WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

éxito como Last Push en ECAM Forum. Es algo que nos está alucinando bastante. Rubik: ECAM Forum tiene un foco muy internacional. Creo que este año han venido profesionales de más de 20 países. Gente de mucho nivel, además. ¿Cómo estáis evolucionando en esta vertiente? A.V.: Hay mucho cariño en el diseño de las invitaciones. Se dedica un tiempo en pensar quiénes somos, qué tipo de evento es, qué tipo de proyectos nos llegan y qué cine es el que estamos apoyando. En base a eso, ¿qué necesitan y quién está ahí fuera que les pueda ayudar? Partiendo de ese cariño inicial y de ese cuidado en la curación de la lista de invitados, desde el primer año nos hemos encontrado con gente que llegaba al evento y decía ‘wow, lo que hay en la sala ahora mismo’. Nos daban la enhorabuena porque 55

ENTREVISTA veían que el nivel de invitados era muy alto y es algo que la gente valora. Lo que yo noto como evolución es que el primer año era venir a ciegas. Algunos confiaron en nosotros por el trabajo que ya veníamos haciendo desde ECAM. Al principio, cuando hablábamos con gente como Charades, Le Pacte, Pyramide o Mubi, nos decían que no podían o mandaban a un junior o de rango medio dentro de su organigrama. Pero en este tercer año ha venido gente como Bobby Allen, que es vicepresidente senior de Producción en Mubi; Eric Lagesse, presidente de Pyramide; Alice Labadie, responsable de adquisiciones en Le Pacte; Pierre Mazars, cofundador de Charades… Por eso cada vez vienen más CEOs, vicepresidentes y gente del mayor rango, porque es un evento que es unas semanas después de Cannes donde pueden ver a gente de ese perfil de manera más relajada. Es un espacio útil para hablar de otras cosas que no han podido hablar en Cannes. (…) La vocación internacional va en la línea del tipo de proyectos que queremos apoyar y de la identidad que le queremos dar al evento. Una cosa va de la mano de la otra. El tipo de proyectos también va a condicionar incluso nuestro futuro. Nos gustaría que el evento se consolidase en España como un punto de encuentro, pero también hay una ambición a nivel Europa. (…) Hay una novedad muy importante y es que acabamos de recibir una carta oficial de Eurimages que anuncia que, para el siguiente

ciclo 2027-2029, ECAM Forum va a ser el único foro de coproducción y mercado de España que tiene financiación y apoyo de Eurimages a través de su línea de sponsors. Rubik: Yo siempre he recibido buen feedback del evento por parte de la gente y vosotros también. Pero qué cosas os comentan para mejorar en próximas ediciones... A.V.: Sin duda, hay retos. Por ejemplo, la jornada FINDE, que lleva dos años y está funcionando muy bien, creemos que va a tocar repensarlo un poquito para saber cuáles son las partes más útiles. Nuestro objetivo macro era que el mundo de la financiación e inversión y la producción independiente se conozcan y sepan cómo trabaja. Entonces, el reto va a ser hacer zoom in a necesidades más concretas, que sea un matchmaking más específico en futuras ediciones para que sea más útil para todo el mundo. Somos poco complacientes y todo el rato estamos pensando cómo mejorar todas las partes del evento. Tenemos un reto principal que es cómo escudriñar un evento con seis secciones distintas entre charlas de industria, un foro de financiación y las cuatro secciones de proyectos con sus pitches, con sus reuniones, y que todo esto ocurre en tres días y lograr que no se solapen en la agenda del invitado. El tiempo sigue siendo un reto. Este año pasamos de cuatro días a tres. También es un reto la integración de un evento con una

sensibilidad de foro profesional de puertas cerradas con un foro abierto a la ciudadanía, con debates y charlas. Antes hablábamos de la financiación europea. En ECAM Forum automáticamente hemos conectado muy fuerte con el mejor talento de España y Latinoamérica pero queremos que haya más proyectos europeos. Hemos tenido proyectos de Rumanía, Bulgaria, Francia o Alemania pero queremos recibir más y seleccionar más proyectos europeos en las próximas ediciones. Además de eso, mantener lo que funciona, que es el tiempo de calidad y dedicarle cariño a todo esto. Siempre hay una petición de crecer y crecer, que haya más acreditaciones y proyectos, que el foro y el mercado sean más grandes… Tenemos claro que no queremos que sea más grande. La clave del éxito es mantenerlo en un tamaño en el que permanezca todo humano. Gestionar estas distintas piezas dentro del engranaje del evento en tres días sigue siendo un reto. Tenemos una especie de cabezonería por permanecer en el tamaño que hemos logrado y no crecer más. Es algo que tenemos muy presente y debemos tener una conversación honesta de por qué funciona tan bien el evento y por qué hay ese runrún en Europa y la gente está viniendo. No queremos que sea un mercado enorme en el que te vas a perder sino que todo está más curado. Para leer la entrevista completa, visita www. rubik-audiovisual.com

ECAM Forum 2026

BARCE Rodaje de La Catedral del Mar © Atresmedia

COMMI Rodaje de El perfume © Filmax

En el cine todo es posible. La magia del celuloide y ahora de la televisión, ha hecho que nuestra imaginación volase hacia el infinito y más allá. A través de la pantalla, grande y pequeña, Barcelona se ha convertido en un gran plató audiovisual que nos ha ofrecido historias inimaginables.

La ciudad ha sido, y sigue siendo, escenario de innumerables producciones audiovisuales, tanto películas como series han poblado sus calles y plazas con sus rodajes. Algunas veces, Barcelona se ha representado a sí misma en variedad de épocas

y situaciones, reales o inventadas. Nos ha contado la lucha popular de un hombre y todo un barrio, el de Torre Baró por sus derechos en El 47 de Marcel Barrena o un triángulo amoroso complicado en Vicky, Cristina, Barcelona de Woody Allen.

Otras veces, la ciudad ha representado urbes inconcretas. Podría pasar por cualquier ciudad del hemisferio norte con un poco de imaginación y la magia del cine adecuada. Por ejemplo, en la serie El inocente de Harlan Coben que Oriol Paulo adaptó para Netflix y rodó en la ciudad con Mario Casas

ELONA MUCHAS CIUDADES EN UNA CIUDAD

ISSION Rodaje de El 47 © Mediapro

de protagonista. Aquella ciudad era Barcelona, ciertamente, para los que la rodaron y los que viven aquí y la pueden reconocer, pero para el resto del mundo fue una urbe cosmopolita indeterminada.

Y finalmente, Barcelona se ha disfrazado y camuflado de otros lugares tan dispares como La Habana como en el Mr. Arkadin de Orson Welles, la costa oeste de Estados Unidos en El Maquinista de Brad Anderson con Christian Bale, París en la última temporada de The Crown o incluso sitos que nunca han existido surgidos de la imaginación de escritores y guionistas.

Lugares como el castillo del malvado de Fu-manchú, el planeta Fundación surgido la mente de Isaac Asimov o la ciudad Esmeralda con su Dorothy y Toto siguiendo el camino de baldosas amarillas. Todo eso y mucho más ha sido, es y puede ser Barcelona. Abramos sus puertas y echemos un vistazo a como la narrativa de la ciudad se ha construido a través del cine y la televisión. Una ciudad diferente. Muchas ciudades en una ciudad. Miremos a la Barcelona que el audiovisual ha creado y que nos ha hecho disfrutar en la gran pantalla y en la pequeña también.

BARCELONA FILM COMMISSION

YOU IMAGINE IT, WE MAKE IT HAPPEN IF YOU WANT TO KNOW US, WE INTRODUCE OURSELVES Si quieres rodar en Barcelona, el primer paso que tienes que dar es contactarnos a través de nuestra oficina de atención a los rodajes. Esta oficina forma parte de la Barcelona Film Commission, el servicio público del Ayuntamiento de Barcelona, que a través del ICUB (Institut de Cultura de Barcelona), promueve y apoya al sector audiovisual en la ciudad. Juntos iremos de la mano para que tu rodaje se lleve a cabo. Te ayudaremos en la obtención de los permisos de rodaje necesarios, y facilitaremos la coordinación con los diferentes servicios municipales que intervienen en la concesión de dichos permisos.

IF YOU WANT TO FILM HERE, WE GIVE YOU THE INFORMATION

En nuestra página web encontrarás toda la información necesaria para rodar en nuestra ciudad. Es el primer paso. Además, en ella podrás consultar directorios de localizaciones, empresas del sector y también una extensa filmografía de películas y series rodadas en Barcelona. No dudes en contactar con nuestra oficina para que podamos resolver todas tus dudas y preguntas. Estamos aquí para ayudarte.

IF YOU WANT TO SCOUT IT, WE GIVE YOU SOME TOOLS Si buscas un lugar en concreto para rodar, en nuestro directorio de localizaciones encontrarás información de localizaciones tanto públicas como privadas de Barcelona y del resto de Cataluña con toda la información necesaria para contactar con las personas o entidades que lo las gestionan. Es una primera ventana a los lugares que te esperan en nuestra ciudad.

IF YOU WANT TO WORK HERE, WE GIVE YOU SOME CONTACTS Si por el contrario quieres encontrar una empresa de catering, material técnico, posproducción o sostenibilidad entre muchas otras áreas, consulta nuestro directorio de empresas que recoge las empresas de Barcelona relacionadas con el audiovisual. Aquí podrás encontrar lo que buscas para facilitar tus rodajes.

IF YOU WISH TO EXPLORE FURTHER, WE SUGGEST THESE FILMS Si quieres conocer todas las producciones que han pasado por nuestras calles, en nuestra extensa filmografía podrás consultar los largometrajes, series de televisión, TV movies y miniseries que han rodado en Barcelona. Es un directorio vivo que está en constante desarrollo, ya sea incorporando nueva información sobre las producciones más actuales o haciendo investigación histórica sobre producciones que han filmado en el pasado en la ciudad. Navega por ella y descubre todo lo que se ha filmado en la ciudad.

IF YOU WANT TO VISIT IT, WE WALK WITH YOU Si por el contrario te apetece darte una vuelta por los lugares en los que se han rodado tus películas o series favoritas, consulta nuestras rutas de cine sobre largometrajes y series. En estos artículos reseguimos los pasos de sus protagonistas repasando las localizaciones que han utilizado a la hora de rodar. Y por supuesto, si tienes cualquier consulta, no dudes en contactarnos. Estamos aquí para ayudarte. Recuerda que You imagine it, we make it happen.

YOU IMAGINE IT, WE MAKE IT GREEN Barcelona Film Commission:

Promoviendo la sostenibilidad en la producción audiovisual En Barcelona, la industria audiovisual no solo busca la excelencia creativa, sino también la responsabilidad ambiental y social. La Barcelona Film Commission, trabaja desde hace años para ayudar a las producciones a implementar criterios sostenibles en todos los niveles de sus proyectos, desde la preproducción hasta el rodaje y la postproducción.

Nuestro compromiso con la sostenibilidad La sostenibilidad es un eje central de nuestro trabajo. Nos esforzamos por ofrecer herramientas, recursos y asesoramiento que permitan a las producciones reducir su impacto ambiental, fomentar la diversidad y la igualdad de oportunidades, y apoyar la economía local. Entre los ámbitos en los que trabajamos destacan: - Consumo de materiales, energía y agua: promovemos el uso eficiente y responsable de recursos. - Gestión de residuos: facilitamos buenas prácticas para reducir, reciclar y reutilizar materiales en los rodajes. - Movilidad y emisiones: animamos a optar por transporte público, vehículos compartidos o eléctricos, y minimizar los desplazamientos innecesarios. - Impacto social y comunitario: fomentamos la relación positiva con la comunidad y la inclusión en el sector audiovisual.

Herramientas y recursos Ponemos a disposición de las producciones diversas guías y decálogos de buenas prácticas, adaptadas a rodajes en Barcelona, que incluyen desde criterios de sostenibilidad hasta cuestionarios de autoevaluación. También contamos con otros materiales y recursos que facilitan la aplicación de criterios de sostenibilidad en todas las fases del proyecto. Además, en la Barcelona Film Commission damos visibilidad y apoyo a las empresas proveedoras que contribuyen a que las producciones sean más sostenibles. Contamos con un Directorio de Empresas, que reconoce mediante distinciones a aquellas empresas que ofrecen productos o servicios sostenibles, usan energía 100% renovable, comunican sus acciones de sostenibilidad, cuentan con certificaciones oficiales o demuestran compromiso social. Estas distinciones facilitan a las producciones la identificación de proveedores responsables, fomentando la reducción de la huella de carbono y el impacto global de la producción audiovisual. Como veis, la Barcelona Film Commission apuesta por una industria audiovisual más responsable, que integre la sostenibilidad como parte de su ADN creativo. Cada pequeño gesto cuenta: elegir proveedores sostenibles, minimizar residuos, reducir emisiones o fomentar la inclusión social son pasos que, sumados, transforman el sector. Nuestro objetivo es claro: construir un ecosistema audiovisual que sea ambiental, social y económicamente sostenible, al servicio de la ciudad y de las futuras generaciones.

BARCE

FIL COMMI The Times They Are A-Changin’ Ya desde los primeros días del cine, Barcelona se convirtió en un centro neurálgico del séptimo arte. Los hermanos Lumière enviaron a Alexandre Promio para rodar el documental Vistas españolas en 1896 con diversas vistas del puerto. Se considera una de las primeras filmaciones hecha en España. La cinta se tituló Place du port à Barcelone. En 1898 Fructuós Gelabert rodó en el Casino de Sants, Riña en un café, la que es considerada como la primera película de acción española. Un film que compró la famosa productora francesa Pathé, que estableció una sucursal en la ciudad.

Hollywood Nights

En los años veinte, Barcelona atrae a Hollywood y se convierte en sede de varias de sus distribuidoras. En 1924 se instalan Metro Goldwyn Corporation y la Hispano Foxfilm, y en 1927 Paramount Films. En 1937 Errol Flynn visitaba la ciudad. Unos años más tarde, en los años 50, el star system americano rueda películas como la mencionada Mr. Arkadin (1955) de Orson Welles. También estuvo de paso Ava Gadner rumbo a la costa para rodar Pandora y El holandés errante.

California Stars

Rodaje de Historias del buen valle © Los ilusos films

Paint it Black

Pero los años 50 también fueron los del cine negro en España y Barcelona fue su capital. El género del cine criminal barcelonés nació con el estreno en 1950 de dos films fundamentales Apartado de Correos 1001 de Julio Salvador y Brigada Criminal de Ignacio F. Iquino. La buena acogida del público fue tan espectacular que las productoras vieron una oportunidad que aprovecharon al máximo con toda una década de films que marcaron el género. Delincuencia, atracos, joyas, bajos fondos portuarios, todo ello se reflejó en films como El fugitivo de Amberes (1954) de Miguel Iglesias o Distrito Quinto (1957) de Julio Coll.

Entre los años 60 y 70, se rodaron algunos clásicos del cine como The Passenger de Antonioni con Jack Nicholson de protagonista subido al teleférico o caminando por las Ramblas. En el Circus World protagonizado por John Wayne descubrimos el Port Vell, la estatua de Colón y el Liceu. En The Great White Hope de Martin Ritt de 1970, James Earl Jones pelea en el Canódromo de la Meridiana, se pasea por al parque de la Ciutadella como si fuera Berlín y el Estadio Olímpico de Montjuïc se convirtió en un hipódromo de La Habana. El puerto de Barcelona también fue el de la Habana en Mr. Arkadin y en Voyage of the Damned de Stuart Rosenberg (1976). Por lo visto, en aquella época Barcelona estaba hermanada sin saberlo con la ciudad cubana. Incluso fue un castillo del Bósforo en el que se convirtió el Parque Güell en la rocambolesca The castle of Fumanchú (Jesús Franco, 1969) con Christopher Lee de protagonista. Un actor que además se paseó por nuestra ciudad en aquellos años en la piel del famoso Drácula en Count Dracula (1970) del mismo director o en la experimental Umbracle (1972) de Pere Portabella.

Rebel Rebel

En 1963 Francisco Rovira-Beleta rodó Los Tarantos con Carmen Amaya y una jovencísima la Singla (también el maravilloso documental de 2023 sobre su vida dirigido por Paloma Zapata). En ella nos sumergía en la Barcelona chabolista del barrio del Somorrostro en una historia sobre dos jóvenes enamorados cada uno de dos familias gitanas enfrentadas y en la que Antonio Gades bailaba bajo un arco de agua en las Ramblas. Una adaptación muy libre del Romeo y Julieta de Shakespeare.

Rodaje de El cuerpo en llamas © Netflix

ELONA The Best

LM MISSION ISSION Pero si Barcelona pegó un gran salto cinematográfico, traspasando nuestras fronteras y llegando al gran público internacional fue gracias a dos películas y a dos directores. Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar (1999) y Vicky, Cristina, Barcelona (2008) de Woody Allen. Gracias a esos rodajes Barcelona ha podido ser cualquier ciudad, país o época. Desde la Francia del s. XVIII en El perfume de Tom Tykwer (2006), pasando por la costa oeste de Estados Unidos en El Maquinista (2004) de Brad Sanderson, el París donde murió Lady Di en la sexta temporada de The Crown (2023), el México de los años 50 en Marlowe (2023) de Neil Jordan, El embrujo de Shanghái de Fernando Trueba (2002), Granada en la actualidad en la serie coreana Memorias de la Alhambra o incluso Tailandia durante un tsunami en Lo imposible (2012) de J. A. Bayona que rodó en las Piscina Bernat Picornell y las Piscinas Municipales de Montjuïc.

Rodaje de Biutiful © Mod Producciones

Bad Reputation

A finales de la década y principios de los 80 José Antonio de la Loma retrató a la Barcelona que dio lugar al llamado cine quinqui en sus películas. Films como Perros Callejeros (1977), Perros Callejeros II: Busca y captura (1979) y Los últimos golpes de “El Torete” (1980).

One Way Or Another

Rodaje de Yo, adicto © Disney+

Every Picture Tells a Story

Barcelona también ha sido historia cuando nos ha mostrado el desastre de la Guerra Civil y la lucha contra la dictadura en Tierra y Libertad (1995) de Ken Loach o Libertarias (1996) de Vicente Aranda, la vida de Salvador Puig Antich represaliado en Salvador (2006) de Manuel Huerga o la lucha vecinal de un barrio como Torre Baró en El 47 (2024) de Marcel Barrena.

Directores barceloneses como Marc Recha nos mostraron otras Barcelonas en Petit Indi (2009) centrada en el barrio de Vallbona, un barrio que también es protagonista del nuevo film de José Luis Guerín, Historia del buen valle (2025). Ya le dedicó a la ciudad su primer y excelente documental En construcción (2001). Cesc Gay o Ventura Pons siempre retratan en sus películas la ciudad más cosmopolita y Bigas Luna la más extravagante. Mientras, Rosa Vergés nos mostraba su particular versión de la ciudad en Boom Boom (1990) o Souvenir (1994). En la actualidad, en Mamífera (2024) Liliana Torres situó su historia de una mujer que decide no ser madre en el barrio de Montbau y Aina Clotet ha retratado el microcosmos de Vallvidrera en la serie This is not Sweden (2023). Por su parte, Biutiful (2010) de Alejandro G. Iñárritu nos mostraba una mirada externa de una Barcelona que nunca habíamos visto reflejada así en el cine, algo que también ha hecho el también mexicano Fernando Frías de la Parra en la adaptación del libro No voy a pedirle a nadie que me crea.

Take a Walk on the Wild Side

Y no nos olvidemos de los zombis, que nos han invadido en numerosas ocasiones. La última en la tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon (2025), pero también lo hizo en la famosa saga REC iniciada en 2007 por Jaume Balagueró y Paco Plaza o las apocalípticas El año de la plaga (2018) Carlos M. Ferrera, Los últimos días (2013) de los hermanos David y Àlex Pastor o Apocalipsis Z (2024) de Carles Torrens, que ya tienen en marcha el rodaje de su segunda parte. El terror es un género que se ha asentado en la ciudad y no solo a través de los zombis sino de fantasmas, apariciones, vampiros y otras criaturas de la noche como en Darkness (2002) de Jaume Balagueró, Down a Dark Hill (2018) de Rodrigo Cortés, El orfanato (2007) de J.A. Bayona, Bird Box Barcelona (2023) de los hermanos Pastor y clásicos de la ciencia ficción como The Day of the Triffids (1963) de Steve Sekely y Freddie Francis rodada en el Poble Espanyol.

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ENTREVISTA

VANTAGE FILM Y TOBOGGAN GROUP SELLAN UNA ALIANZA PARA IMPULSAR LAS LENTES HAWK EN ESPAÑA TOBOGGAN GROUP INCORPORA LAS LENTES HAWK A SU CATÁLOGO DE ALQUILER TRAS ALCANZAR UN ACUERDO CON VANTAGE FILM, EN UN MOMENTO DE EXPANSIÓN DE SUS INSTALACIONES EN ESPAÑA. SOBRE EL ACUERDO, LA EVOLUCIÓN DE LA COMPAÑÍA, EL DESARROLLO DEL HUB DE VILLAVERDE Y SUS PRÓXIMOS PROYECTOS HABLAMOS CON DAVID GONZÁLEZ, DIRECTOR COMERCIAL, SOCIO Y FUNDADOR DE TOBOGGAN GROUP Y CON PETER MARTIN, CEO Y COFUNDADOR DE VANTAGE FILM. POR SARA RODRÍGUEZ MARTÍN

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a alianza entre Vantage Film y Toboggan Group convierte a la compañía española en el socio de Hawk en España, incorporando sus lentes cinematográficas a su catálogo de alquiler y acercándolas a los profesionales y producciones del mercado nacional. Toboggan actúa como interlocutor y soporte local para los clientes, facilitando el acceso a las ópticas, su prueba y asesoramiento, mientras Vantage aporta la fabricación, el conocimiento técnico y el respaldo internacional de la marca. El objetivo del acuerdo consiste en ofrecer a directores de fotografía y productoras españolas un acceso más directo a las lentes Hawk y a los servicios asociados, dentro de la creciente actividad internacional del sector audiovisual en España. Rubik: Me gustaría empezar hablando sobre el acuerdo que habéis alcanzado. ¿En qué consiste y cuáles son vuestras expectativas? Peter Martin: Desde hace más de 35 años, aportamos nuestra experiencia y nuestro equipo a las producciones y, hasta la fecha, se han rodado más de 2.000 Peter Martin, CEO y cofundador de Vantage Film

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ENTREVISTA

productoras, y estamos ultimando cómo hacer esa presentación. P.M: En la presentación los asistentes tendrán la posibilidad de probar las lentes. Allí voy a explicar cómo empezó la asociación, nuestros objetivos y valores cuando hacemos lentes, cómo diseñamos las lentes, cómo manufacturamos las lentes, todo lo que hacemos en Alemania.

David González, director comercial, socio y fundador de Toboggan Group

películas y programas utilizando objetivos Hawk. Empezamos en los años 90 y, muy temprano, uno de nuestros grandes éxitos fue equipar Star Wars: Episodio I de George Lucas. Empezamos con eso y continuamente hemos desarrollado nuestras lentes para dar a los artistas en el negocio cinematográfico las herramientas que necesitan para realizar la narración de la historia del cine. A lo largo de estos años hemos tenido un gran éxito a nivel internacional y hemos desarrollado numerosas lentes anamórficas y esféricas. Nuestros clientes son artistas y eso hace que seamos una compañía compacta y flexible, con un conocimiento profundo de nuestra industria. Esa filosofía se refleja tanto en nuestros productos como en la forma en la que están concebidos para ser utilizadas. Hoy las producciones cinematográficas son cada vez más internacionales y se ruedan en diferentes localizaciones, por lo que necesitamos una red mundial de colaboradores. España se ha convertido en un territorio muy activo: cuenta con excelentes equipos, localizaciones y estudios, y acoge grandes producciones internacionales, tanto estadounidenses como británicas. Por eso necesitamos partners fuertes que puedan ofrecer nuestras lentes en cada territorio 58

y estar cerca de los clientes. Estamos muy contentos de haber encontrado a Toboggan, que cuenta con una amplia experiencia en el alquiler de cámaras y, además, dispone de sus propios estudios. Estamos muy satisfechos de que nuestras lentes estén ahora presentes en España al nivel de calidad que consideramos necesario, de la mano de nuestros compañeros de Toboggan Group. David González: Sí, la verdad es que es una alianza bastante importante para Toboggan y yo creo que también para Hawk, porque nosotros desde Madrid tenemos acceso a muchísimas producciones internacionales y producciones nacionales. Y tenemos la gran suerte y el privilegio de poder ofrecer estas lentes en exclusiva junto a Hawk. Creemos que es una oportunidad muy relevante para el mercado español, porque nos permite poner a disposición de las producciones una gama de ópticas muy amplia y ofrecer un servicio especializado con un acceso directo a este tipo de material. Además, vamos a hacer una presentación a finales de octubre en Madrid para hablar de toda la oferta completa, y vamos a invitar al sector, directores de fotografía, productores, WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Rubik: Me gustaría saber un poco más sobre tus lentes Hawk. ¿Cuál ha sido el gran desafío técnico en diseñar la gama Hawk anamórfica? P.M: El desafío es que nuestra industria es mundial, y, a menudo, las lentes se vuelven demasiado complicadas. Por eso construimos nuestras lentes más puristas. Hawk no busca eliminar las imperfecciones ópticas de las lentes anamórficas, sino conservarlas y controlarlas para convertirlas en parte de la estética de la imagen. Desde mi perspectiva, cuando la imagen se ve bien a través de la cámara inmediatamente, no tienes que luchar por lograr una luz diferente con filtros o en la postproducción. Porque puedes tener todo en la cámara, pones una lente de buena calidad en la cámara, como una lente de Hawk, y el director estará inmediatamente contento, creo, y puedes ahorrar tiempo en la grabación. Además, nuestras lentes son muy robustas. No estoy hablando de estética, pero cuando hablamos de puntos técnicos, son lentes muy robustas y así no te metes en problemas y pierdes tiempo. Así que, invertir en buenas herramientas, es inteligente, porque ganas tiempo en el set, lo que de por sí es mucho, mucho dinero. Rubik: Toboggan ha sido el elegido para proporcionar todo el equipo al nuevo canal La Séptima. ¿Qué me puedes contar sobre este proyecto? D.G: Toboggan Group ha resultado adjudicataria del concurso para la puesta en marcha del nuevo canal, que comenzará sus emisiones el próximo 5 de noviembre. Nuestro trabajo abarca la implementación integral del estudio: desde la adecuación de los decorados y de todo el set de rodaje hasta la implantación completa de la infraestructura técnica necesaria para la producción.

ENTREVISTA

Además, Toboggan aportará todo el equipo humano de operaciones, incluyendo cámaras, operadores, personal técnico. En definitiva, asumimos de forma integral tanto la puesta en marcha técnica del estudio como su operación diaria. Es un proyecto especialmente ilusionante para nosotros y supone un nuevo reto que afrontamos con mucha energía. Rubik: También os encontráis en una nueva etapa después de que Ecija adquiriese Toboggan Group. ¿Cuáles han sido las nuevas líneas empresariales, nuevos objetivos y qué ha supuesto ese cambio? D.G: La verdad es que todavía no hemos tenido mucho tiempo para asentar esta nueva etapa, pero una de las líneas en las que estamos trabajando es la financiación de proyectos a través de fondos de inversión. La idea es poder ayudar a las empresas que necesiten estructurar y financiar sus proyectos, ofreciendo así un servicio adicional a la producción que complemente nuestros servicios técnicos. Es una de las líneas estratégicas que queremos desarrollar. Al mismo tiempo, estamos estudiando nuevas áreas de creación y crecimiento, y ahora mismo estamos centrados en poner en marcha la segunda fase del proyecto que ya anunciamos. Rubik: Te iba a preguntar por esa segunda fase de expansión. ¿Se planea abrir estudios en otras zonas de Madrid o se va a concentrar todo en Villaverde? D. G: La primera fase arrancó con Villaverde. Comenzamos las obras en agosto de 2024 y las concluimos a finales del año pasado. Desde entonces, la acogida ha sido

muy positiva, especialmente por parte de las producciones internacionales. Este año la actividad está funcionando muy bien y ya tenemos numerosos proyectos previstos para 2027 y 2028. A partir de esa experiencia, nuestra intención es seguir ampliando nuestra presencia en otras zonas de Madrid y llevar este modelo a nuevos territorios. También estamos trabajando en Canarias, donde estudiamos ampliar nuestra capacidad de estudios, y en Bilbao ya contamos con un plató operativo. La idea no es simplemente replicar lo que hemos hecho en Villaverde, sino adaptar el modelo a las necesidades de cada mercado y ampliar la oferta con nuevos servicios. Queremos poner a disposición de las producciones no solo platós, sino también soluciones cada vez más completas que cubran distintas áreas del proceso audiovisual y faciliten el desarrollo de los proyectos. Rubik: Y durante este tiempo, ¿cuántos rodajes habéis acogido? D.G: Trabajamos en numerosas producciones, tanto nacionales como internacionales, y colaboramos con algunas de las principales productoras del sector, como Bambú, Boomerang, Onza Entertainment, Buendía o Good Mood, entre otras. En ficción, destacaría especialmente Clanes, donde hemos participado en las temporadas 1 y 2 y ya estamos trabajando en la tercera. También hemos formado parte de producciones como La Viuda Negra, Física o Química, A la deriva y, actualmente, estamos trabajando en el biopic de Rocío Jurado. Pero nuestra actividad va mucho más allá de la ficción. También participamos en grandes formatos de entretenimiento como

The Floor, Grand Prix, Casados a primera vista o MasterChef. Precisamente, esa experiencia trabajando de forma tan cercana con las producciones nos permitió detectar que sus necesidades iban mucho más allá del alquiler de cámaras o del equipamiento técnico. Muchas veces necesitan espacios donde instalarse durante semanas o meses, disponer de zonas de trabajo, almacenar vestuario y material, contar con carpintería, lavandería o centralizar sus oficinas de producción. A partir de ahí fuimos ampliando nuestros servicios y desarrollamos los centros de producción, espacios concebidos para que los equipos puedan concentrar gran parte de su operativa en un mismo lugar. La producción puede llegar y encontrarse con toda la infraestructura preparada, evitando desplazamientos constantes entre diferentes localizaciones y haciendo mucho más eficiente el trabajo diario. De esta forma, hemos desarrollado dos modelos de hub complementarios: por un lado, los platós, orientados al rodaje; y, por otro, los centros de producción, que concentran los servicios, espacios e infraestructuras que una producción necesita para desarrollar su actividad. Rubik: ¿Cuáles son vuestros siguientes planes, ya de cara a 2027? D. G: La puesta en marcha de la fase 2 responde a varios objetivos e incorpora nuevas líneas de servicio. Estamos muy cerca de obtener la luz verde definitiva para poder lanzarla. A medio plazo, nuestro objetivo es seguir avanzando hacia una fase 3, aunque ese desarrollo dependerá de cómo evolucione el proyecto y de las oportunidades que vayan surgiendo.

Imagen del interior del plató de Villaverde de © Toboggan Group

ENTREVISTA

RESPONSABLE DE SONIDO DE FICCIÓN DE TELSON

MARC ORTS DESPUÉS DE MÁS DE TRES DÉCADAS DEDICADO AL SONIDO CINEMATOGRÁFICO, MARC ORTS AFRONTÓ EN 2025 UNA NUEVA ETAPA PROFESIONAL AL INCORPORARSE A TELSON, ESTUDIO DE POSTPRODUCCIÓN DE GRUPO MEDIAPRO, COMO RESPONSABLE DE SONIDO DE FICCIÓN. SIETE PREMIOS GOYA, OCHO GAUDÍ, DOS PLATINO Y UN GOLDEN REEL AWARD AVALAN UNA TRAYECTORIA EN LA QUE HA TRABAJADO CON ALGUNOS DE LOS CINEASTAS MÁS RELEVANTES DEL PANORAMA NACIONAL E INTERNACIONAL. POR MIGUEL VARELA

“LA TECNOLOGÍA ESTÁ AL ALCANCE DE TODO EL MUNDO; LO QUE MARCA LA DIFERENCIA ES EL TALENTO DEL EQUIPO HUMANO”

A

lgo más de un año después de su llegada, conversamos con Orts sobre su nueva dimensión profesional, el acompañamiento creativo a los directores, el desarrollo de talento dentro de los equipos y una transformación tecnológica que, en su opinión, no modifica una convicción esencial: por mucho que avance la tecnología, las películas continúan construyéndose entre personas.

Lo determinante fue la estructura. Vi uno de los equipos de postproducción más completos que había en España porque Telson podía cubrir prácticamente todos los procesos: VFX, color, publicidad, sonido… Y dentro del sonido podíamos abordar edición de diálogos, diseño, supervisión, efectos sala, mezclas de televisión o cine. Además, existía todo el equipamiento necesario. Eso terminó inclinando la balanza.

Rubik: Algo más de un año después habéis trabajado en numerosos proyectos. ¿Qué balance haces de esta primera etapa? M. O.: Lo primero fue conseguir que las productoras, directores y clientes con los que había trabajado durante tantos años supieran dónde estaba y entendieran que desde Telson podía seguir ejerciendo mi trabajo de mezcla y supervisión. Creo que

Rubik: Te incorporaste a Telson en 2025 como responsable de sonido de ficción después de una trayectoria muy extensa. ¿Qué te llevó a afrontar este cambio? Marc Orts: Había pasado una etapa muy intensa de la que terminé bastante desgastado, así que necesitaba cambiar y recomponerme un poco. Durante un tiempo trabajé como freelance y después vino a buscarme Nacho Menéndez, director ejecutivo de Telson. Me sentí muy querido desde el principio. Tenía que pensármelo porque existían otras posibilidades, pero finalmente me convenció. 60

© Cortesía de Telson

ENTREVISTA Marc Orts / © Cortesía de Telson

y el acompañamiento a dirección. Eso me permite estar encima de varios proyectos, pero sobre todo hacer que la gente pueda crecer. Cuando un compañero o compañera trabaja directamente con un cliente y hace bien su trabajo, esa relación se consolida. Y si después ese cliente confía directamente en esa persona, generamos una continuidad que beneficia a todo el equipo. No se trata de que todo tenga que pasar por mí, sino precisamente de conseguir que quienes están alrededor puedan asumir cada vez más responsabilidades.

existe una serie de productoras en España que confían en mí y también en el equipo que puedo tener detrás. A eso se sumó la incorporación de un equipo muy potente en Barcelona. Pero mi función también ha cambiado. En algunos proyectos sigo ejecutando directamente y en otros actúo más como supervisor. En Amarga Navidad, por ejemplo, hice la supervisión de sonido, pero no mezclé personalmente la película. Mi función era estar al lado de los directores y del equipo. Eso es algo que los directores buscan ahora de mí: acompañamiento, experiencia y seguridad durante el proceso. Rubik: ¿Cómo percibes esa evolución desde el trabajo más operativo hacia una visión más transversal? M. O.: Creo muchísimo en el trabajo en equipo y en el crecimiento profesional de toda la gente implicada. Llevo ya unos 35

años en esta profesión y existe una evolución generacional evidente.

Lo determinante para mi incorporación a Telson fue la estructura. Vi uno de los equipos de postproducción más completos que había en España porque podía cubrir prácticamente todos los procesos: VFX, color, publicidad, sonido… El hecho de que muchas producciones entren en Telson vinculadas a mi nombre implica que yo me involucre al cien por cien. En unas lo hago directamente desde la mezcla y en otras desde la supervisión WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Rubik: ¿En qué momento debería empezar realmente el trabajo de sonido en una producción? ¿Sigue entrando demasiado tarde en algunos proyectos? M. O.: Depende mucho del director y de la producción. Todos consideran importante el sonido. La diferencia está más en cuánto conocen su ejecución y cómo quieren participar en ella. Hay directores veteranos que confían plenamente en el equipo y esperan que seamos nosotros quienes planteemos soluciones, y otras generaciones que quieren involucrarse desde el principio. También depende muchísimo del guion. Hay proyectos donde desde la propia lectura entiendes que el sonido tiene que desempeñar un papel narrativo especialmente importante. Ahora mismo, por ejemplo, estamos trabajando en una película de Marcel Barrena en la que el sonido es fundamental y hemos empezado a trabajar esa parte desde fases muy tempranas. Y nosotros también tenemos responsabilidad: debemos explicar en determinadas producciones por qué merece la pena incorporar el sonido antes al proceso. Rubik: ¿Cómo se traduce lo que un director imagina en una propuesta sonora acorde? M. O.: Normalmente, cuando un director confía en el equipo, espera que nosotros hagamos propuestas. Podemos elaborar una especie de guion técnico-artístico de sonido y plantear tratamientos, diseños e intenciones. Pero una propuesta de sonido nunca se entiende completamente sobre el papel. Se entiende cuando empiezas a escucharla. Es entonces 61

ENTREVISTA

cuando el director puede decir: esto funciona, esto no lo imaginaba así, quiero llevarlo hacia otro lugar o quizá tenemos que quitar algo. Hay cuestiones básicas. La primera es la comprensión de los diálogos. Ese es el A más B del sonido: necesitamos entender aquello que los personajes dicen. A partir de ahí aparece todo lo demás: integración, diseño, emoción, intención… Y muchas decisiones definitivas se toman en mezcla. Si queremos emocionar podemos subir la música, pero a veces, si queremos emocionar de verdad, lo que hacemos es quitar todos los sonidos. Ahí tomas decisiones pensadas directamente para aquello que va a sentir el espectador, siempre con la aprobación del director. Rubik: También estáis haciendo crecer perfiles jóvenes y dando más responsabilidad a profesionales que llegan a un ámbito tradicionalmente muy masculinizado. ¿Cómo entiendes ese desarrollo del talento? M. O.: La evolución está siendo increíble. Intento ayudar todo lo que puedo, pero creo que esto sirve exactamente igual para talento femenino y masculino. Al final hablamos de responsabilidad y de conseguir 62

Fotografía tomada durante la postproducción de Amarga navidad del equipo de Telson con los hermanos Almodóvar © Cortesía de Telson

El talento se construye trabajando mucho y estando acompañado de personas de las que puedas aprender. Por eso necesitamos relevo, transmisión de conocimiento y que quienes entran puedan trabajar junto a profesionales con experiencia hasta desarrollar su propio criterio. que las personas se sientan libres para crear y enseñar aquello que saben hacer. Si están continuamente supeditadas a lo que yo pueda decidir o a lo que determine un responsable de equipo, estamos limitando esa libertad y, por tanto, también su crecimiento. Valeria Arcieri y Laia Picón, por ejemplo, son profesionales tremendamente completas. Pueden trabajar en diferentes especialidades: diálogos, mezcla, diseño… y además ser creativas. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Para crecer necesitas libertad: poder hacer cosas, probar, equivocarte, descubrir en qué puedes mejorar e ir avanzando. Mi función tiene que consistir también en conseguir que eso sea posible. Rubik: En vuestro ámbito aparecen constantemente nuevas herramientas. ¿Cómo está cambiando la inteligencia artificial el trabajo de postproducción? M. O.: Hemos experimentado un crecimiento espectacular en hardware y software durante los últimos cinco años. Tenemos herramientas muchísimo más potentes y rápidas y las grandes compañías tecnológicas han entendido bastante bien cuáles son nuestras necesidades. Algunas ya están basadas en inteligencia artificial, aunque conviene diferenciar. No estamos hablando necesariamente de IA generativa, sino de softwares que incorporan determinados procesos de IA dentro de circuitos cerrados. Además, tenemos profesionales jóvenes dentro del equipo que están muy al día de las herramientas que aparecen y de cómo pueden hacer nuestro trabajo más funcional. Para mí la clave está ahí: no utilizar la IA para que haga el trabajo creativo por nosotros, sino para desarrollar herramientas que nos faciliten el trabajo.

Fotograma de The Human Hibernation

ENTREVISTA

Si conseguimos que la tecnología elimine procesos mecánicos o puramente técnicos, podremos dedicar todavía más tiempo a aquello que realmente nos interesa: la parte creativa. Rubik: ¿Y dónde están los límites para evitar que esa tecnología termine sustituyendo trabajo humano? M. O.: Ahí entra la responsabilidad que tenemos dentro del oficio. Creo que en el ámbito creativo somos muy conscientes de que no debemos utilizar mecanismos que puedan perjudicar a otros profesionales. Cualquier utilización que pueda afectar a una productora, un intérprete o cualquier otro profesional tiene que producirse con conocimiento y autorización expresa de las partes implicadas. Y si incorporáramos una herramienta de IA que modificase nuestra manera de trabajar, para mí debería ser una conversación de equipo, nunca una imposición. Primero hay que conocerla, entender qué hace, disponer de las autorizaciones necesarias y valorar conjuntamente si realmente mejora un determinado proceso. Es bueno que exista ese debate porque la gente sabe qué hay detrás de todo esto: hay puestos de trabajo en juego. Rubik: Mirando al futuro, ¿qué permitirá a una empresa de postproducción seguir siendo relevante: tener cada vez mejor tecnología o contar con los mejores profesionales para utilizarla?

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa cuenta con postproducción de © Telson

M. O.: La tecnología está al alcance de todo el mundo; lo que marca la diferencia es el talento del equipo humano. Para seguir creciendo tenemos que tener a los mejores. No hay otra. La tecnología se ha convertido además en algo enormemente accesible. Hoy puedes tener un buen teléfono, un ordenador y programas de edición y sonido con los que técnicamente puedes hacer una cantidad enorme de cosas. Lo que vale es el talento. Y ese talento se construye trabajando mucho y estando acompañado de personas de las que puedas aprender. Por eso necesitamos relevo, transmisión de conocimiento y que quienes entran puedan trabajar junto

© Telson

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a profesionales con experiencia hasta desarrollar su propio criterio. La tecnología seguirá evolucionando y seguramente desaparecerán o se automatizarán algunos procesos técnicos. Pero cuando tienes que dar el visto bueno definitivo a una película, la decisión continúa siendo colectiva. Ahí están el director, el montador, el músico, supervisión de sonido, producción… El conjunto de esas personas termina cerrando la película. Una película no la cierra una parte tecnológica. Siempre se cierra en equipo. Por eso nuestro futuro pasa por seguir incorporando talento y conseguir que la gente que ya tenemos dentro pueda continuar creciendo.

© Amuse Animation

LA SEGUNDA FASE DEL SPAIN AUDIOVISUAL HUB, A EXAMEN: UNA INDUSTRIA AÚN ESCÉPTICA LE CONCEDE EL APROBADO EL PASADO AGOSTO CONCLUYÓ LA SEGUNDA FASE DEL PLAN SPAIN AUDIOVISUAL HUB Y TOCA HACER BALANCE. LA INVERSIÓN PÚBLICA GESTIONADA POR LA SETT SE HA INSTRUMENTADO A TRAVÉS DE 11 OPERACIONES REALIZADAS EN 12 EMPRESAS QUE SUMAN MÁS DE 244 MILLONES DE EUROS DE INVERSIÓN PÚBLICA. ¿QUÉ OPINA LA INDUSTRIA AUDIOVISUAL AL RESPECTO?

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icen que la fe mueve montañas. En el audiovisual español lo que mueve es dinero. Así lo ha demostrado la Sociedad para la Transformación Tecnológica (SETT) al creer en el potencial de 12 empresas y utilizar la inversión pública como palanca de arrastre de capital privado. La estrategia forma parte de la segunda fase del Plan Spain Audiovisual Hub, en la que se han formalizado 244 millones de euros repartidos en 11 operaciones que cubren toda la cadena del audiovisual: fondos que financian producciones y coproducciones (Culture CAP7 y Moby Dick Film Capital), grupos de ficción de tamaño europeo y estudios de cine independiente (Aurora Media Inversiones, Good Films Studios Spain, Ítaca Films Madrid, 66

POR NEREA MÉNDEZ PÉREZ

Moonlight Studios Spain, The Refinery e Impulse Studio), animación con propiedad intelectual propia (Ánima Kitchent, Amuse Labs y la franquicia Milo) y espacios donde crear y postproducir (LAZONA Hub Audiovisual). “Muchas veces se habla de que este es un sector muy estratégico, pero no se ponen las herramientas para que se pueda desarrollar como uno importante”, destaca David Ciurana, productor de Fosca Films y responsable de la cartera de modelos de financiación audiovisual de PAC - Productors Audiovisuals de Catalunya. “Esa mezcla de inversión pública para hacer que la inversión privada entre en el sector es muy buena idea”, habla en nombre de toda la asociación, “creemos que es la forma, porque lo que más falta es financiación privada para que podemos crecer y ser más potentes”. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Para Ciurana, la cuantía de los fondos es también reseñable. “El audiovisual nunca había tenido tanto dinero, Estamos acostumbrados a las ayudas a la producción del ICAA, que son mucho menos”, indica. La iniciativa estaba dotada con 1.500 millones de euros, de los cuales, como ya mencionamos, se han formalizado 244 millones. Los fondos sin invertir tendrán que ser devueltos a la Unión Europea. El productor señala que uno de los problemas ha sido el “poco tiempo” para gestionar ese volumen de inversión. “Si se hubiese dado más tiempo para hacer un programa de cuatro años, creo que se hubieran hecho más proyectos, más inversión y también la gente habría tenido más confianza en el modelo”, explica. La industria ha tenido conocimiento de la existencia de esta iniciativa desde que la SETT

REPORTAJE

emprendió una carrera contrarreloj por diversos festivales y mercados europeos para explicar cómo se iba a aplicar esta inversión y cómo funcionaba la presentación de proyectos. La fecha límite era el 31 de agosto de 2026. Pilar Benito, directora general de Morena Films y expresidenta de AECINE, califica este modelo de “oportunidad perdida” y apunta el “poco margen de reacción” como una de las causas. “Es verdad que estos fondos se pidieron hace varios años, pero creo que en la industria no éramos muy conocedores de todos los requisitos. Cuando nos hemos enterado de qué se necesitaban invertir antes de agosto de 2026 estábamos en mayo de 2025”, explica. Además, añade que, si hubieran sabido desde el principio que iba a haber esa cantidad de dinero, que califica de “desorbitada”, habrían podido plantear otras maneras de invertir ese dinero en la industria. CENTRALIZACIÓN DE LAS INVERSIONES

anunciara la inyección de los 1.500 millones de euros en septiembre de 2024. Sin embargo, el nombramiento de María Coronado como directoria de Audiovisual de la entidad –y gestora de estos fondos– no se produjo hasta febrero de 2025. A partir de ahí, Coronado

La Comunidad de Madrid y Canarias concentran la mayoría de los proyectos seleccionados por la iniciativa. De hecho, la capital española cuenta con una de las inversiones más potentes: se han destinado 98 millones de euros a Aurora Media Inversiones, una sociedad de nueva creación para levantar un grupo europeo de ficción española que nace de la inversión conjunta de Grupo Secuoya y Société Générale, con la SETT en el 49%.

“Hasta cierto punto tiene coherencia que la mayoría de proyectos sean de Madrid, porque a lo mejor es donde está el capital privado disponible para invertir”, subraya Ciurana sobre la centralización. “Y luego en Canarias sabemos por qué hay tanta actividad. Con los incentivos fiscales que hay es más beneficioso producir desde allí”, añade. Benito también señala el incentivo fiscal en las islas y País Vasco como otro atractivo más a sumar a esta nueva inversión. Asimismo, destaca el establecimiento de Good Films en Ciudad de la Luz, pues ve “necesario que se aprovechen esos estudios, que son los mejores de Europa y están desaprovechados”. Y luego Madrid, “nos guste o no es donde sucede todo”, dice. La productora de Morena Films aplaude la variedad de los proyectos, pero le generan dudas las inversiones realizadas en compañías extranjeras: “Al final lo que van a hacer es generar empleo, que está fenomenal, pero el valor de esas compañías no se va a quedar en España”. El productor asociado a PAC comparte ese pensamiento al señalar que “ha habido unas cuantas iniciativas extranjeras que se han instalado aquí y han recibido inversión pública”. Ciurana no sabe con certeza si la razón es que no se presentaron suficientes proyectos nacionales, pero le hubiera gustado ver más apoyo a “empresas medianas y pequeñas, que son la mayoría de productoras y empresas de postproducción del sector audiovisual español”.

Presentación © LAZONA Hub Audiovisual

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REPORTAJE Entre la selección también encontramos proyectos enfocados a los efectos especiales y la animación, “que necesitan tantísima inversión que les va a venir bien”, según Benito. Uno de ellos es Amuse Labs, una nueva productora de animación infantil que “nace con el objetivo de generar IP, no tanto para producirla”, cubriendo desde el guion hasta licencias y el merchandising, como detalla Rubén Zarauza, CEO de Amuse Studios. Él es uno de los socios de la empresa de nueva creación, junto a otros socios españoles, franceses y la SETT, que ha entrado en el proyecto con un 35% de participación. Zarauza explica que siempre han tenido “la obsesión de ser más generadores de IP que una fábrica para terceros”, por eso cuando surgió la oportunidad con esta financiación extraordinaria para invertir no se lo pensaron dos veces. “Tenemos un pipeline estructurado para tener producciones activas en los próximos cuatro años. Esta es una empresa que tiene un business plan que hay que cumplir y que tiene proyección. No es a fondo perdido, aquí se espera una rentabilidad”, aclara. El directivo dice que “el verdadero retorno económico está en conseguir hacer una franquicia que tenga licencias y productos derivados para reinvertir”. Matiza que con esta inversión “nadie se quiere hacer multimillonario, sino seguir produciendo y no solo una temporada. Queremos hacer tres

temporadas, una película, un desarrollo digital, un videojuego y franquicias televisivas… Ese es el objetivo”.

Pilar Benito califica de “oportunidad perdida” este modelo: “En la industria no éramos muy conocedores de todos los requisitos”. Si hubieran sabido desde el principio que iba a haber esa cantidad de dinero, que califica de “desorbitada”, habrían podido plantear otras maneras de invertir ese dinero en la industria. LAS DUDAS QUE GENERA EL MODELO Benito ve positivo tener al Estado como socio, pero aún hay dudas sobre el papel de la Administración dentro de la empresa. “Hay que tener muy claro cuál es el exit, hasta cuándo va a estar ahí”, cuestiona. “¿Qué pasa si luego cambian los partidos políticos? ¿Cómo van a tomar las decisiones dentro de esa empresa? ¿Quién tomará las decisiones desde el punto

de vista público? Todo eso genera muchas dudas”, continúa la productora. Por su parte, el CEO de Amuse Studios declara no estar preocupado por la presencia del Estado como propietario parcial. “Hay un órgano administrativo, que es lo lógico, porque es un dinero público que hay que responder con claridad y acierto”, subraya, pero le parece que es para sacar pecho con esta política audiovisual. “Cuando vas a un mercado internacional y dices que el Gobierno está invirtiendo en ti a través de una sociedad estatal participada por otras, pues al final te da un crédito”, dice Zarauza y lamenta que el sector de la animación haya adolecido históricamente de ese acompañamiento. Ciurana apuesta por la continuidad de este modelo y señala la necesidad de transparencia y seguimiento “para la buena imagen del sector”. Para él “sería interesante hacer un seguimiento público y transparente de estas inversiones. Es decir, estas empresas han hecho estas películas y cómo han ido. O qué han hecho las empresas con esos fondos. No como medida de control, sino que es bueno que el capital privado vea que esto funciona y que es un sector invertible y en el que pueden participar”. La industria coincide en que el modelo es mejorable y hay que analizarlo bien para medir en el futuro cuál ha sido su éxito o fracaso. Aún con escepticismo, le dan el aprobado.

Presentación durante MAFIZ de la nueva fase de Spain Audiovisual Hub © Jesús Domínguez / Festival Málaga

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La bola negra © Carla Oset / Movistar Plus

EL PRECIO DE COMPETIR EN CANNES: ¿CUÁNTO PESA EL PRESUPUESTO EN EL CINE DE AUTOR? LA PASADA EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES CONTÓ CON TRES PRODUCCIONES ESPAÑOLAS COMPITIENDO POR LA PALMA DE ORO EN SU COMPETICIÓN OFICIAL. EL SER QUERIDO, AMARGA NAVIDAD Y LA BOLA NEGRA SON TRES PRODUCCIONES CUYOS PRESUPUESTOS RONDAN O SUPERAN LOS DIEZ MILLONES DE EUROS, UNA CIFRA MUY ALEJADA DE LA MAYORÍA DEL CINE DE AUTOR ESPAÑOL. ESTA COINCIDENCIA PLANTEA LA CUESTIÓN DE HASTA QUÉ PUNTO LA DIMENSIÓN ECONÓMICA DE UNA PRODUCCIÓN PUEDE CONDICIONAR SUS POSIBILIDADES DE COMPETIR EN LOS PRINCIPALES FESTIVALES INTERNACIONALES. PARA ANALIZAR LA RELACIÓN ENTRE PRESUPUESTO, PRODUCCIÓN Y PROYECCIÓN INTERNACIONAL, HABLAMOS CON ALBA SOTORRA, DE OCEANIKA; LUIS FERRÓN, DE LAZONA; Y TONO FOLGUERA, DE LASTOR MEDIA. POR SARA RODRÍGUEZ MARTÍN

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l presupuesto es uno de los principales elementos que acompañan al debate sobre la capacidad del cine español para competir en el circuito internacional. Las tres producciones españolas presentes este año en la Competición Oficial de Cannes se sitúan en una horquilla presupuestaria poco habitual para el cine de autor nacional, lo

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que vuelve a poner sobre la mesa la relación entre dimensión económica, condiciones de producción y acceso a los grandes festivales. La cuestión no se limita al coste de rodar una película: también intervienen factores como el reparto, los recursos técnicos, el desarrollo y la postproducción, así como la promoción, las ventas y la distribución internacional. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

A partir de esta cuestión, Alba Sotorra, de Oceanika; Luis Ferrón, de LAZONA; y Tono Folguera, de Lastor Media, abordan desde su experiencia distintas dimensiones de esta relación. Los tres productores se refieren al peso que puede tener el presupuesto en las secciones más competitivas de los festivales, pero también a otros elementos que intervienen en el recorrido de una película: la mirada autoral, la trayectoria de sus responsables,

REPORTAJE distribuidores internacionales. Sin embargo, Luis Ferrón introduce un matiz fundamental: la relación resulta mucho menos evidente cuando se observa el circuito internacional en su conjunto. El productor recuerda casos como Alcarràs, que ganó el Oso de Oro de Berlín con un presupuesto contenido, o 20.000 especies de abejas, que llegó a la competición del festival alemán también con una producción alejada de las grandes cifras. Ambas rondan los dos millones de euros.

Un presupuesto mayor permite acceder a talento internacional, disponer de más recursos creativos y técnicos y, además, dedicar una parte importante de la financiación a las fases que rodean a la película: ventas internacionales, promoción y distribución.

el trabajo previo de productoras, agentes de ventas y distribuidoras, el acceso a intérpretes internacionales y las estructuras de financiación. MÁS DE 70 AÑOS DESDE QUE TRES PRODUCCIONES ESPAÑOLAS COINCIDEN EN LA COMPETICIÓN POR LA PALMA DE ORO EN CANNES La presencia española en Cannes este 2026 ha supuesto un evento histórico, ya que desde el 1954 no coincidían tres producciones de nuestro país en la Competición oficial. Un logro que destaca especialmente al tratarse de producciones con presupuestos muy por encima de la media cuando hablamos de producciones españolas, cuyo presupuesto se sitúa en torno a los dos o tres millones de euros. Para Alba Sotorra, la relación entre presupuesto y presencia en festivales depende, en buena medida, de la sección de la que se hable. “No existe una relación directa entre presupuesto y selección cuando hablamos de primeras o segundas películas en secciones

como la Quinzaine des Cinéastes o secciones paralelas de los grandes festivales, donde el riesgo artístico y la voz del autor tienen un peso fundamental”, explica. La situación cambia, sin embargo, cuando se habla de la Competición Oficial de Cannes. En ese contexto, Sotorra sí observa una relación más directa entre la dimensión económica de la producción y sus posibilidades. Un presupuesto mayor permite acceder a talento internacional, disponer de más recursos creativos y técnicos y, además, dedicar una parte importante de la financiación a las fases que rodean a la película: ventas internacionales, promoción y distribución. Tono Folguera es todavía más contundente cuando amplía la comparación a los grandes festivales europeos. A su juicio, cuando una película aspira a competir en las secciones oficiales de Cannes, Berlín o Venecia, “hacerlo sin un presupuesto comparable al de otras producciones europeas supone partir en inferioridad de condiciones”. La diferencia afecta a los valores de producción, al casting y a la campaña previa, pero también a la capacidad de atraer a agentes de ventas y WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

La conclusión que comparten, aunque desde posiciones diferentes, es que el presupuesto no garantiza una selección, pero sí puede proporcionar las condiciones que hacen más viable competir al máximo nivel. ¿QUÉ COMPRA REALMENTE UN PRESUPUESTO DE DIEZ MILLONES? Para Tono Folguera, uno de los elementos más valiosos que puede comprar una producción es algo mucho menos visible: tiempo. “Lo más caro de todo es dar al director o la directora las condiciones para hacer una buena película”, relata. La diferencia puede ser considerable. Frente a los rodajes de cuatro o cinco semanas habituales en buena parte del cine independiente español, un presupuesto mayor permite ampliar el calendario hasta ocho o nueve semanas. Eso se traduce en más posibilidades para ensayar, repetir tomas, trabajar con los intérpretes o desarrollar determinadas escenas. El ejemplo de Alcarràs resulta especialmente significativo. El trabajo prolongado de Carla Simón con los actores fue una parte fundamental de la construcción de la película. Para Folguera, disponer de más recursos habría permitido ampliar todavía más ese proceso.

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REPORTAJE

Amarga Navidad © Warner Bros

A ese tiempo se suman los recursos humanos y técnicos. Luis Ferrón señala que un mayor presupuesto permite “tener un equipo más grande, más medios técnicos para hacer la película y sobre todo un punto diferencial al poder contar con estrellas de renombre internacional que ayuden a que la película viaje, conecte con un público amplio”. Alba Sotorra coincide en que “contar con intérpretes como Penélope Cruz o Javier Bardem no solo aporta valor artístico, también da una enorme visibilidad a la película, y eso es algo que los grandes festivales tienen en cuenta, especialmente en la Competición Oficial, donde la alfombra roja forma parte del impacto internacional del certamen”. El presupuesto, además, no termina cuando comienza el rodaje. Para Sotorra, una producción de mayor dimensión puede dedicar más recursos a las ventas internacionales, la distribución, la promoción y la estrategia internacional. La película no solo tiene que estar terminada: necesita encontrar compradores, distribuidores y público en otros mercados. Folguera pone el foco en la denominada campaña previa. “El posicionamiento de una película comienza mucho antes de que llegue al festival y, en ocasiones, incluso antes de que empiece el rodaje”, explica. En ese proceso intervienen la productora, el director, los agentes de ventas, la distribuidora y la trayectoria previa de los responsables. La competencia es especialmente elevada. Los festivales internacionales reciben miles de películas y, en ese contexto, una

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producción que llega acompañada de una determinada expectativa puede partir de una posición diferente a la de un proyecto completamente desconocido. Todo esto tiene un límite que los tres productores establecen con claridad: el dinero no sustituye a la mirada artística.

Cuando una película aspira a competir en las secciones oficiales de Cannes, Berlín o Venecia, según Tono Folguera, “hacerlo sin un presupuesto comparable al de otras producciones europeas supone partir en inferioridad de condiciones” Para Ferrón, los festivales buscan antes que nada una propuesta con una voz propia. El productor resume las prioridades en tres elementos: una visión artística singular, una película que no se haya visto antes y una novedad en la forma de contarla. Sotorra formula la misma idea desde la definición del propio cine de autor: “El cine de autor sigue definiéndose por la WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

singularidad de la mirada de la cineasta, no por el presupuesto”. Hay, además, una contradicción en esta relación. Si disponer de más recursos ofrece mejores condiciones de producción, también puede introducir nuevos condicionantes. Folguera lo resume de forma contundente: “Cuanto más dinero tienes, más peajes pagas, obviamente”. Una producción de mayor presupuesto suele implicar más socios financieros, más intereses y más personas con expectativas sobre el resultado final. La independencia creativa puede verse condicionada precisamente por la dimensión económica que permite hacer realidad un proyecto más ambicioso. LA EXIGENCIA PARTICULAR DE CANNES Los tres productores también coinciden en que Cannes presenta una dificultad específica, especialmente en su Competición Oficial. Según explica Ferrón, “Cannes te exige un poco más y no se trata exclusivamente del presupuesto”. La trayectoria del director, la confianza de los agentes internacionales, el respaldo de distribuidores y la capacidad de generar interés forman parte de un mismo ecosistema. La relación entre presupuesto y festivales puede funcionar, además, en ambas direcciones. No siempre es el dinero el que precede al reconocimiento. En algunos casos ocurre justamente al contrario. “Lo difícil siempre es esa primera piedra”, plantea

REPORTAJE

Folguera. Para él, la sucesión puede ser la siguiente: una primera película con pocos recursos consigue entrar en un festival; el reconocimiento que obtiene genera confianza; esa confianza facilita la financiación del siguiente proyecto; y el nuevo presupuesto permite afrontar una producción de mayor escala. Carla Simón es uno de los ejemplos más claros de este proceso. Sus primeros trabajos se desarrollaron con presupuestos contenidos y fueron construyendo una trayectoria festivalera que posteriormente facilitó el acceso a proyectos de mayor dimensión. Para Sotorra, la trayectoria previa de los directores también genera confianza y expectativas, pero advierte de que no basta por

sí sola. La Competición Oficial exige que la película concreta tenga una voz autoral y una calidad excepcionales. Ferrón establece incluso una comparación entre Un año y una noche y Alcarràs, dos películas españolas que compitieron en Berlín con dimensiones económicas diferentes. La primera presentaba una producción más ambiciosa y compleja; la segunda, una estructura más contenida. El resultado favorable para Alcarrás, en palabras de Ferrón, demuestra que el presupuesto no lo es todo: “Es decir, creo que el dinero puede ayudar a la visión del director o de la directora, y creo que el dinero puede ayudar a trabajar con más tiempo y con mejor casting. Pero, en

última instancia, es la propia película la que determina su recorrido”. La comparación internacional introduce otra variable: la capacidad de las distintas industrias para financiar cine de autor. Sotorra señala que, con la excepción de Francia, buena parte del cine de autor europeo se desarrolla también con recursos limitados y mediante estructuras de coproducción internacional. El caso de El triángulo de la tristeza, levantada mediante una coproducción entre diez países, ejemplifica hasta qué punto una película puede necesitar sumar distintos mercados para alcanzar una determinada dimensión.

La bola negra © Carla Oset / Movistar Plus

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REPORTAJE Folguera considera que España continúa teniendo presupuestos medios inferiores a los de industrias como Francia, Italia o Estados Unidos, además de una capacidad de inversión privada más limitada. Ferrón es más prudente a la hora de establecer comparaciones directas entre países, pero sí identifica dificultades concretas en el modelo español: “la incertidumbre, los cambios legislativos y de convocatorias y la falta de calendarios suficientemente estables complican la planificación de producciones cuyo recorrido puede prolongarse durante años”. EL ECOSISTEMA FINANCIERO DE LAS PRODUCCIONES ESPAÑOLAS Otra de las cuestiones que se abordan cuando hablamos del presupuesto de una película es que la financiación pública no es suficiente. Folguera, Sotorra y Ferrón apuntan a la necesidad de mantener un sistema en el que intervengan varios agentes. En esta línea, Folguera destaca la apuesta de Movistar Plus+ por proyectos independientes de mayor presupuesto: “Hemos visto recientemente a Movistar arriesgando con cine independiente de alto presupuesto, y han salido muy bien las jugadas. O sea, hace unos años seguramente un Sirat o un La bola negra era imposible de

plantear en España. Ahora, quizá y espero que esto sea contagioso, que surjan nuevos partners y que más allá de las televisiones públicas, que son las que normalmente han arriesgado, se animen más plataformas”.

Todo esto tiene un límite que los tres productores establecen con claridad: el dinero no sustituye a la mirada artística. Además, si disponer de más recursos ofrece mejores condiciones de producción, también puede introducir nuevos condicionantes. Sotorra, por su parte, reclama también una mayor implicación de las televisiones y de las instituciones públicas: “Creo que nuestras televisiones e instituciones públicas deberían apostar con más decisión por el cine

El ser querido @María Heras

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de autor, aumentando su financiación.” A su juicio, ese apoyo permitiría levantar producciones más ambiciosas y reforzar su proyección internacional. Ferrón, además, plantea el problema desde la estructura de financiación. Una película española necesita habitualmente combinar distintas fuentes: “Las fuentes de financiación que necesitamos para producir una película son entre cuatro y seis fuentes distintas, y hay que conseguir convencer a todo el mundo”. Ayudas públicas, plataformas, televisiones y televisiones autonómicas forman así parte de un mismo ecosistema. Si una de esas patas desaparece, levantar determinados proyectos resulta más complicado. Las tres posiciones convergen en una misma necesidad: que el sistema sea capaz de generar películas singulares y, al mismo tiempo, proporcionarles las condiciones económicas e industriales necesarias para que puedan viajar. El presupuesto no convierte automáticamente una película en candidata a Cannes, pero tampoco es un elemento neutro. Puede determinar cuánto tiempo tiene un director para trabajar, qué equipo puede reunir, qué reparto puede incorporar y qué capacidad tendrá la producción para construir su recorrido internacional.

Rodaje de La buena letra © Caramel Films

ANTES DEL ‘MOTOR’ O ‘ACCIÓN’: LA INFORMACIÓN COMO PRIMERA MEDIDA PREVENTIVA UN GUION PERMITE ANTICIPAR PELIGROS, PERO LA EVALUACIÓN DE RIESGOS SOLO ES ÚTIL CUANDO INCORPORA CÓMO, DÓNDE Y CON QUÉ MEDIOS SE EJECUTARÁ REALMENTE CADA PLANO. POR DAVID TRAVÉS AMBROSIO Y ELENA LÓPEZ CANTÓN (RISK XXI – PRL & SERVICES)

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obre el papel, una escena puede describir que un personaje baja corriendo unas escaleras, cruza una carretera o entra en una habitación llena de humo. Desde el punto de vista preventivo, esas frases son solo el inicio. ¿La escalera pertenece a un decorado en plató o a una localización real? ¿La carrera se filmará con cámara al hombro, Steadicam o desde un camera car? ¿Habrá lluvia artificial, figuración, un menor, un especialista ? ¿El humo tendrá concentración ligera? Cada respuesta transforma la los riesgos, la exposición y, por tanto, las medidas preventivas que deben adoptarse. 76

La prevención en una producción no puede ser una fotografía tomada al comienzo de la preproducción. Debe evolucionar junto al propio plan de rodaje: La Ley de Prevención de Riesgos Laborales exige actualizar la evaluación cuando cambian las condiciones de trabajo, y en un sector en el que una secuencia puede trasladarse de una localización a otra la víspera del rodaje, o cambiar sus requerimientos de ejecución en los momentos antes, esta obligación tiene una traducción muy concreta: la información preventiva debe circular con la misma rapidez que la información de producción. WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

UN CENTRO DE TRABAJO CAMBIANTE En una película pueden convivir una oficina de producción, plató, almacén de arte, una carretera cortada, una cantera, una vivienda habitada y un exterior sin suministro eléctrico. Cada espacio introduce condiciones diferentes de accesos, evacuación, iluminación, estabilidad del terreno, ruido, climatología, presencia de terceros, etc. A ello se suma una plantilla de personal técnico acostumbrada a trabajar en el sector de forma itinerante, con rotaciones y formada por departamentos propios, además de empresas auxiliares,

REPORTAJE El orden del set, las circulaciones segregadas, la señalización, la protección del cableado y una iluminación de trabajo suficiente siguen siendo medidas básicas, aunque nunca aparezcan en pantalla. El montaje merece especial atención porque concentra cargas suspendidas, trabajos en altura, tareas simultáneas, movimiento de vehículos y maquinaria, etc. Un palio o un decorado en el exterior, puede actuar como una vela en exteriores: cuanto mayor es su superficie, más decisivos son el viento, el lastrado, los amarres, la vigilancia de las condiciones y el criterio de desmontaje. No basta con que el elemento “esté sujeto”. EL GUION DESCRIBE LA ACCIÓN; EL RODAJE DETERMINA EL RIESGO

autónomos , especialistas y figuración, que conforman un complejo engranaje de trabajo para hacer posible la ejecución del proyecto. La coordinación de actividades empresariales es, por tanto, un ejercicio de organización, logística, coordinación y seguridad, además del propio intercambio documental de información, que debe permitir que todas las partes implicadas conozcan las interferencias reales del set. Los riesgos más generales aparecen mucho antes de la primera toma. Carga y descarga, montaje /desmontaje, manipulación de cámaras, trípodes, baterías y luminarias; en el tendido de cableado por zonas de paso; en los cuadros eléctricos y grupos electrógenos; en el uso de escaleras, torres, trusses o plataformas elevadoras móviles de personal (PEMP); y en los desplazamientos, la fatiga, las jornadas nocturnas o las condiciones termohigrométricas.

El análisis de guion es una herramienta preventiva de primera lectura. Permite señalar escenas con vehículos, armas, fuego, humo, agua, animales, multitudes, alturas, peleas, caídas, efectos especiales o participación de menores. Sin embargo, el riesgo no reside únicamente en lo que hace el personaje, sino en el procedimiento elegido para filmarlo. La evaluación debe describir el trabajo real, no limitarse a reproducir la ficción. Pensemos en una conversación dentro de un coche. Puede resolverse con el vehículo estacionado en plató, con fondos proyectados y alimentación eléctrica controlada; sobre una plataforma remolcada; o circulando en tráfico real mientras una camera car acompaña la acción. En el primer caso predominan la implantación de equipos, el cableado y la evacuación. En los otros aparecen circulación vial, fijación de cámara y accesorios, comunicación entre conductores, itinerario, cortes, permisos, posiciones del equipo y prohibición de improvisar puntos de anclaje. El diálogo es el mismo; el escenario, a ojos del equipo especialista en prevención, no. Podríamos mencionar un mismo caso con una steadicam, donde el guión refleja que la cámara sigue el personaje, pero la ejecución tiene condicionantes tales como caminar hacia atrás, subida de escaleras, terrenos irregulares, etc. Todo esto debemos tenerlo contemplado desde el recce técnico. Sabemos que la prevención no se puede ver en el plano final, pero sí que se debe notar en el set. La decisión creativa puede cambiar durante un ensayo. Una caída inicialmente simulada puede pasar a ejecutarse físicamente; WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

una lluvia prevista como efecto visual puede convertirse en agua real de efectos especiales; o un plano fijo puede transformarse en un travelling con vías y dolly. Estos cambios deben activar una pregunta sencilla: ¿sigue siendo válida la evaluación? Si cambian el método, el equipo, la localización, las personas expuestas o la intensidad de la acción, la respuesta suele exigir revisión, nuevas medidas y comunicación al equipo antes de rodar. Es aquí, y en ese momento, donde el criterio preventivo adquiere un mayor valor y participación: no se trata únicamente de decir “NO” a algunas situaciones, ideas o planteamientos, sino de determinar qué condiciones preventivas permiten convertirlo en un “SÍ”. Medidas técnicamente adecuadas y aplicables en las condiciones reales del rodaje y compatibles con las necesidades de la producción, garantizando al mismo tiempo la seguridad del equipo técnico y artístico y proporcionando seguridad jurídica a todas las partes implicadas.

“El riesgo no reside únicamente en lo que hace el personaje, sino en el procedimiento elegido para filmarlo. La evaluación debe describir el trabajo real, no limitarse a reproducir la ficción”

EL RECCE TÉCNICO: CUANDO LA PREVENCIÓN PISA LA LOCALIZACIÓN El recce técnico es el punto de encuentro entre la intención creativa y las condiciones materiales del rodaje. No es únicamente una visita para decidir encuadres. Producción, localizaciones, dirección, fotografía, eléctricos, grips, maquinistas, arte, sonido, especialistas, etc. junto con el departamento de prevención pueden detectar cuestiones distintas: acceso de camiones, capacidad de carga, potencia disponible, emplazamiento del generador, recorridos de cable, alturas, salidas, cobertura telefónica, áreas de espera, convivencia con público y alternativas meteorológicas. La visita resulta especialmente relevante si habrá rigging, PEMP, camera car, dron, palios de gran formato, efectos, animales, agua o 77

REPORTAJE menores. Medir, fotografiar, localizar puntos de anclaje, comprobar el firme y acordar zonas de montaje permite que prevención y los demás departamentos evalúen un espacio para convertirlo en el ideal para los trabajos a realizar, en términos artísticos, logísticos, de requerimientos y de seguridad, permitiendo diseñar las medidas adecuadas compatibles con el rodaje y sus características. MENORES: UNA EVALUACIÓN INDIVIDUALIZADA, NO UN ANEXO GENÉRICO La participación de menores de 16 años requiere autorización de la autoridad laboral. Debemos tener los puestos evaluados garantizando la no existencia de peligro para su salud ni su formación, así como también la actividad a desarrollar, todo esto antes de su incorporación. Debemos considerar su falta de experiencia, su madurez y el desarrollo todavía incompleto (tienen consideración de Personal Especialmente Sensible). En la práctica, la evaluación destinada a tramitar una autorización debe ser específica y descender a las condiciones concretas de la participación: menor concreto, edad, estado de salud comunicado por sus representantes, personaje, escenas, tareas, localizaciones, fechas, horarios, jornada, descansos, desplazamientos y medidas preventivas. No es equivalente rodar un diálogo breve en un plató acondicionado que una secuencia nocturna

en exterior, cerca de tráfico, agua, animales, humo o efectos especiales. Tampoco basta con afirmar que “el menor estará acompañado”: hay que identificar las condiciones de la actuación y evitar su exposición a operaciones de montaje, maniobras, cargas suspendidas o áreas técnicas, entre otros.

“La decisión creativa puede cambiar durante un ensayo. Estos cambios deben activar una pregunta sencilla: ¿sigue siendo válida la evaluación? La respuesta suele exigir revisión, nuevas medidas y comunicación al equipo antes de rodar”

PRODUCCIÓN Y PREVENCIÓN NECESITAN LA MISMA VERSIÓN DEL RODAJE La productora integra la prevención en la organización; el equipo de producción concentra el pulso operativo; y el servicio de prevención transforma la información en evaluación, planificación y medidas. Ninguno puede trabajar de forma aislada. Prevención

Butacas Ezcaray Seating © Cines Embajadores

Rodaje de 53 domingos ©Manolo Pavón / Cortesía de Netflix

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necesita versiones actualizadas del guion o separatas, desglose de secuencias, plan de rodaje, órdenes del día, fichas de localización, recce, relación de equipos y proveedores y efectos previstos. Al mismo tiempo, la información preventiva debe llegar al set de forma operativa. Las medidas críticas deben incorporarse a la orden de rodaje, reuniones técnicas, inducciones, toolbox talks o consignas de departamento (por ejemplo, zonas de exclusión, límites meteorológicos, secuencia de montaje, circulación de vehículos). Cuando intervienen varios departamentos en secuencias de especial peligrosidad, la coordinación debe ser clara y directa, con responsabilidades definidas y una única referencia para las decisiones de seguridad. Producción debe consultar a Prevención ante cambios que puedan afectar a la seguridad, y Prevención debe valorar su impacto. Cambios de localización, cámara, estructuras, maquinaria o incorporación de menores pueden modificar sustancialmente el escenario. En nuestro equipo de prevención nos gusta terminar con una frase “muy nuestra” que refleja una gran realidad de adaptaciones constantes y de remar a favor tanto de la prevención, como de la ejecución de los trabajos para conseguir un plano perfecto: “En el nombre del Arte, todo es posible, pero no todo se vale”.

DE JULIA ROBERTS A SYDNEY SWEENEY: LA COMEDIA ROMÁNTICA CAMBIÓ DE CARAS… ¿Y PERDIÓ SU ATRACTIVO EN LA PANTALLA GRANDE?

Notting Hill @Universal Pictures

HUBO UN PERIODO EN LA HISTORIA DEL CINE COMERCIAL EN EL QUE UNA PRODUCCIÓN CENTRADA EN LA RELACIÓN CHISPEANTE DE DOS PERSONAS PODÍA RIVALIZAR CON LOS EFECTOS VISUALES DE ÚLTIMA GENERACIÓN PARA CONVERTIRSE EN EL PILAR FINANCIERO DE LOS GRANDES ESTUDIOS DE HOLLYWOOD. LA COMBINACIÓN DE DOS FIGURAS DEL STAR SYSTEM CON QUÍMICA CONTRASTADA, UN GUION CON SENTIDO DEL HUMOR Y UNA CAMPAÑA DE DISTRIBUCIÓN GLOBAL GARANTIZABA FRECUENTEMENTE RETORNOS MILLONARIOS Y UN IMPACTO DURADERO EN LA CULTURA POPULAR. POR ÁLVARO GÓMEZ ILLARRAMENDI

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in embargo, el devenir comercial del género en las últimas tres décadas es la mejor prueba de la transformación estructural del modelo de negocio cinematográfico. Transformación de la que dicho género parece la principal víctima. La romcom (comedia romántica) no ha dejado de producirse, pero su hábitat natural se ha trasladado masivamente a la exhibición doméstica y a los catálogos de streaming. Lo que a finales del siglo XX constituía algo habitual — el estreno en miles de salas de una comedia de 80

estudio con aspiraciones de superar los 200 o 300 millones de dólares— se contempla hoy como un acontecimiento verdaderamente extraordinario. LA PRIMERA ÉPOCA DE ESPLENDOR: DE LA SCREWBALL AL CINISMO DE LOS 70 Y 80 Producciones como Sucedió una noche (Frank Capra, 1934), La fiera de mi niña (Howard Hawks, 1938) o Historias de Filadelfia (George Cukor, 1940), cumbres de la screwball comedy, WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

enriquecieron la premisa romántica y el enredo disparatado con agudas observaciones sobre la sociedad y el conflicto de clases, basando su humor en el antagonismo dialéctico y la “lucha de sexos”. El prestigio crítico (el filme de Capra obtuvo los cinco premios principales de la Academia) iba acompañado de una enorme popularidad. Durante los años cincuenta y sesenta, la fórmula se “aligeró” hacia una factura más comercial encabezada por el tándem formado por Doris Day y Rock Hudson. Confidencias de medianoche (1959) alcanzó una recaudación

TAQUILLA en Estados Unidos de 18 millones de dólares, cimentando una dinámica de éxito que ambos repetirían en Pijama para dos (1961), también por encima de los 16 millones de dólares de recaudación, y No me mandes flores (1964). En los años setenta, aunque la resurrección de la screwball comedy brindó éxitos como el de ¿Qué me pasa, doctor? (Peter Bogdanovich, de 1972, recaudó 66 millones de dólares sobre un presupuesto de 4), la inclinación hacia historias de corte más maduro y urbano también se ajustó al espíritu de su tiempo y a las apetencias del público. Annie Hall (1977) ingresó unos 38 millones de dólares en el mercado estadounidense a partir de un presupuesto aproximado de 4 millones. Ajustada a la inflación, dicha recaudación equivaldría a 200 millones de dólares de hoy en día, convirtiéndose en el mayor éxito de taquilla de Woody Allen. Ese mismo año, La chica del adiós (1977, Herbert Ross) obtuvo 102 millones de dólares a nivel global, erigiéndose en la primera comedia romántica en superar esa marca. A finales de los años ochenta, Cuando Harry encontró a Sally (Rob Reiner, 1989), contribuyó decisivamente a definir la comedia romántica moderna a base de agudos diálogos

La fiera de mi niña @RKO Pictures

y observaciones realistas sobre las relaciones entre hombres y mujeres. Con un presupuesto de 16 millones de dólares, la película recaudó 92,8 millones solo en Estados Unidos y Canadá, después de un lanzamiento limitado solo en algunas ciudades y una ampliación progresiva a medida que crecía el boca a boca, un factor que siempre ha sido decisivo en los hitos de este género. LA ERA DORADA (1990-2000): LA RENTABILIDAD DEL CARISMA Y EL STAR POWER El inicio de los años noventa marcó el apogeo económico de la comedia romántica como pilar del cine comercial masivo. Pretty Woman (Garry Marshall, 1990) se produjo con un presupuesto de 14 millones de dólares y alcanzó los 463,4 millones de dólares en la taquilla mundial (178,4 millones en el mercado norteamericano y 285 millones en el ámbito internacional). Pese a debutar con unos modestos 11,3 millones de dólares en su primer fin de semana, la película mantuvo un rendimiento sostenido en cartelera que multiplicó por más de treinta su coste de producción. Marshall repetiría la fórmula

con Novia a la fuga (1999), que volvió a reunir a Julia Roberts y Richard Gere y alcanzó los 309,5 millones, aunque su huella en la cultura popular es muy inferior. El éxito de Pretty Woman consolidó durante los años noventa la comedia romántica como uno de los géneros más rentables del cine comercial, al tiempo que permitió desarrollar distintas variantes de la fórmula. Una de las líneas más clásicas fue la representada por Nora Ephron, primero como guionista y posteriormente como directora de Algo para recordar (1993) y Tienes un e-mail (1998). Ambas películas, protagonizadas por Tom Hanks y Meg Ryan, recuperaron el modelo sentimental de la comedia romántica clásica y rindieron homenaje explícito a Tú y yo (1957) y El bazar de las sorpresas (1940). La primera recaudó 227,8 millones de dólares en todo el mundo, mientras que la segunda alcanzó los 250,8 millones. Frente a esta vertiente más tradicional, los hermanos Farrelly llevaron el género hacia un humor más irreverente y gamberro con Algo pasa con Mary (1998), que recaudó 369,9 millones de dólares sobre un presupuesto de 23 millones. Paralelamente, películas como Jerry Maguire (1996) y Mejor… imposible (1997), que

REPORTAJE recaudaron respectivamente 273,6 y 314,2 millones de dólares, ampliaron las fronteras del género al combinar romance, drama y comedia adulta, fundamentando su éxito en grandes historias y famosísimos intérpretes. El rendimiento internacional del género se intensificó con la participación de la industria británica a través de varios clásicos contemporáneos caracterizados por su muy inglesa mezcla de dulzura e ironía. El éxito internacional de Cuatro bodas y un funeral (1994), dirigida por Mike Newell y escrita por Richard Curtis, contribuyó decisivamente a consolidar el modelo británico de comedia romántica y a convertir a Grant en una de sus principales estrellas. Esta fórmula alcanzó una nueva dimensión con Notting Hill (1999) dirigida por Roger Michell y también escrita por Curtis, que recaudó 364 millones de dólares en todo el mundo sobre un presupuesto de 42 millones, con aproximadamente el 68 % de sus ingresos procedentes de los mercados internacionales. La tendencia se prolongó con Love Actually (2003), dirigida por el propio Curtis, cuya recaudación internacional alcanzó los 191,7 millones de dólares de un total mundial de 252,6 millones. Estas cifras evidencian la capacidad de la comedia romántica británica para trascender su mercado de origen y convertirse en un producto cinematográfico de alcance global.

LOS 2000: MÁXIMO VOLUMEN DE PRODUCCIÓN Y SLEEPER HITS Durante la primera década del siglo XXI, las comedias románticas de Hollywood continuaron manejando presupuestos relativamente elevados, respaldados en buena medida por su capacidad para atraer público tanto en el mercado norteamericano como en el internacional. Un ejemplo significativo es Lo que piensan las mujeres (2000), dirigida por Nancy Meyers y protagonizada por Mel Gibson y Helen Hunt. La película contó con un presupuesto estimado de 70 millones de dólares y obtuvo una recaudación mundial de 374,1 millones, de los cuales 182,8 millones procedieron de Estados Unidos y Canadá y 191,3 millones de los mercados internacionales. Además, logró una apertura de 33,6 millones de dólares en su primer fin de semana en Norteamérica. En 2002 se produjo uno de los fenómenos financieros más singulares de la comedia romántica contemporánea: Mi gran boda griega. Con un presupuesto de apenas 5 millones de dólares, la producción partía de una escala muy inferior a la de las grandes comedias románticas de Hollywood de la época. Su estreno estadounidense fue limitado, con solo 108 salas, y obtuvo 597.362 dólares durante su primer fin de semana. Sin embargo, su rendimiento fue creciendo de manera

Cuando Harry encontro a Sally ©Columbia Pictures 52

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sostenida gracias, en buena medida, al boca a boca, hasta alcanzar una distribución máxima de 2.016 salas en Estados Unidos y Canadá y una recaudación mundial de 368,7 millones. El éxito de Mi gran boda griega constituye, por tanto, un contrapunto relevante frente a las producciones de mayor presupuesto del mismo periodo. Mientras títulos como Lo que piensan las mujeres se apoyaban en grandes estrellas, presupuestos elevados y una estrategia de distribución más convencional, Mi gran boda griega evidencia el potencial comercial de un modelo basado en una inversión inicial reducida, un estreno limitado y una expansión progresiva sustentada en la respuesta del público. Su extraordinario recorrido en taquilla convirtió la película en uno de los ejemplos más destacados del fenómeno conocido como sleeper hit: una producción que, lejos de alcanzar su máximo rendimiento inmediatamente después de su estreno, incrementa su audiencia y su recaudación de forma gradual. El dinamismo del mercado permitió la coexistencia de producciones de distinta escala y procedencia. Entre las comedias románticas británicas, El diario de Bridget Jones (2001) destacó con un presupuesto de 25 millones de dólares y una recaudación mundial de 282 millones. A ella se sumó The Holiday (2006), coproducción de marcado carácter anglosajón protagonizada por Cameron Diaz, Kate

REPORTAJE

Winslet, Jude Law y Jack Black, que contó con un presupuesto de 85 millones y alcanzó los 205,2 millones de dólares en todo el mundo. Por su parte, las comedias románticas estadounidenses de gran vocación comercial demostraron también una notable capacidad de recaudación. Sweet Home Alabama (2002) superó los 180,6 millones de dólares a escala mundial, mientras que Cómo perder a un chico en 10 días (2003) alcanzó los 177,4 millones. El caso de Hitch (2005) fue especialmente significativo: con un presupuesto de 70 millones de dólares, recaudó 371,6 millones en todo el mundo y consiguió una apertura de 43,1 millones en su primer fin de semana en Norteamérica, consolidándose como uno de los grandes éxitos comerciales de la comedia romántica de la década. Finalmente, la explotación de propiedades televisivas previamente consolidadas ofreció otra vía de enorme rentabilidad. Sexo en Nueva York (2008), basada en la popular serie de televisión homónima, aprovechó el reconocimiento de marca y la fidelidad de su audiencia para alcanzar 418,8 millones de dólares en todo el mundo: 152,6 millones en Estados Unidos y Canadá y 266,1 millones en los mercados internacionales. Este resultado ilustra cómo, durante la segunda mitad de la década, el género podía beneficiarse no solo del atractivo de sus estrellas, sino también de la existencia de audiencias previamente construidas en otros medios. El modelo tradicional de estudio alcanzó uno de sus últimos grandes éxitos con La 85

proposición (2009). Producida con un presupuesto de 40 millones de dólares y protagonizada por Sandra Bullock y Ryan Reynolds, la película recaudó 317,4 millones de dólares en todo el mundo, tras obtener 33,6 millones durante su primer fin de semana en Estados Unidos y Canadá. Su recaudación en Norteamérica ascendió a 164 millones de dólares, mientras que los mercados internacionales aportaron aproximadamente 153,4 millones. LA DÉCADA DE 2010: RECONFIGURACIÓN INDUSTRIAL Y EL DESVÍO HACIA EL STREAMING A partir de 2010, los grandes estudios de Hollywood incrementaron el peso estratégico de las propiedades intelectuales preexistentes y de las producciones con elevado potencial comercial, especialmente las franquicias de superhéroes, la ciencia ficción de gran escala y el cine de acción. En este contexto, la comedia estrenada en salas experimentó una progresiva fragmentación de sus fórmulas. En este sentido, La boda de mi mejor amiga (Paul Feig, 2011) constituye un ejemplo destacado de la consolidación de la comedia coral protagonizada por mujeres: producida con unos 32,5 millones de dólares, alcanzó aproximadamente 289 millones de recaudación mundial. otras producciones recuperaron elementos de la comedia romántica desde planteamientos más próximos al drama y al cine independiente. Por WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

su parte, El lado bueno de las cosas (David O. Russell, 2012), producida con un presupuesto de 21 millones de dólares, combinó comedia, drama y romance alcanzando 236,4 millones de dólares en todo el mundo Paralelamente, la expansión de las plataformas de streaming transformó el modelo de distribución y explotación de la comedia romántica. Al trasladarse una parte importante de estas producciones directamente al consumo doméstico, las plataformas podían evaluar su recepción mediante indicadores internos de consumo y audiencia, sin depender del rendimiento en taquilla. En este contexto, Netflix encontró en la comedia romántica juvenil un producto especialmente adecuado para su estrategia de contenidos, con productos como A todos los chicos de los que me enamoré (2018) y Mi primer beso (2018), ambas basadas en obras literarias y convertidas posteriormente en franquicias. Netflix señaló en 2021 que cada una de estas sagas había superado los 125 millones de hogares alcanzados desde su estreno y que una cuarta parte de esos hogares había visto las cinco películas de ambas franquicias. Estos resultados evidencian que la demanda por la comedia romántica no había desaparecido, sino que se había desplazado parcialmente hacia un modelo de consumo doméstico en el que el éxito ya no se expresaba mediante entradas vendidas en salas ni se relacionaba necesariamente con su prestigio o reparto.

Locamente millonarios - Crazy Rich Asians © Warner Bros.

EXCEPCIONES RECIENTES Y ESTADO ACTUAL DEL MERCADO Aunque la presencia de la comedia romántica en la cartelera comercial se ha reducido notablemente, algunas producciones recientes han demostrado que el género conserva capacidad para generar importantes rendimientos en salas. Locamente millonarios (Crazy Rich Asians; Jon M. Chu, 2018), producida con un presupuesto de 30 millones de dólares, alcanzó una recaudación mundial de aproximadamente 239,3 millones. Un caso todavía más significativo fue Cualquiera menos tú (Will Gluck, 2023), protagonizada por Sydney Sweeney y Glen Powell. La película recaudó 220,3 millones de dólares en todo el mundo, de los cuales 88,3 millones procedieron de Estados Unidos y Canadá y 132 millones de los mercados internacionales. Su estreno norteamericano

fue relativamente modesto, con 6 millones de dólares durante su primer fin de semana, pero la película mantuvo una trayectoria comercial prolongada hasta alcanzar una recaudación mundial muy superior a la que hacía prever su apertura. El caso resulta especialmente relevante por producirse en un contexto en el que las comedias románticas de gran estudio habían perdido presencia en las salas. La creciente visibilidad de la película en redes sociales, junto con el atractivo de la pareja protagonista y la respuesta positiva del público, contribuyeron a prolongar su recorrido comercial. En España, la película también obtuvo un resultado destacado, con una recaudación equivalente a aproximadamente 6,8 millones de dólares. El realizador Will Gluck no ha tenido la misma suerte con su estreno de este verano, Una noche al año, que ha obtenido resultados decepcionantes en un escenario que difiere

notablemente del de principios de siglo, pues ahora debe competir en un ecosistema de atención hiperfragmentado. Mientras que en décadas pasadas la presencia sostenida de títulos liderados por Julia Roberts, Meg Ryan, Hugh Grant, Sandra Bullock, Cameron Diaz o Matthew McConaughey garantizaba la presencia destacada de la comedia romántica en la taquilla anual, hoy el género sobrevive de forma masiva en el entorno digital, reservando para las salas de cine apariciones cada vez más espaciadas y dependientes de campañas de comunicación transmedia. No en vano, determinados títulos han demostrado que existe un público dispuesto a acudir a las salas cuando la película consigue convertirse en un acontecimiento cultural o viral. El género no ha muerto, solo ha mutado, reproduciéndose generosamente en streaming y esperando sus ocasiones para volver a brillar en la pantalla grande.

Cualquiera menos tú © Sony Pictures

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Obsession ©Cortesía de Universal Pictures

LA REVOLUCIÓN DE LOS YOUTUBERS,, Y LA INACCIÓN YOUTUBERS DE LA INDUSTRIA EL ESTRENO CASI SIMULTÁNEO DE BACKROOMS Y OBSESSION, Y SUS RESPECTIVOS ÉXITOS A NIVEL DE TAQUILLA, HA PUESTO SOBRE LA MESA LO QUE LOS YOUTUBERS PUEDEN APORTAR A NIVEL EXPRESIVO. PERO ¿Y SI LO QUE HA PERMITIDO LA RED DE STREAMING ES CIRCUNVALAR A UNA INDUSTRIA ARTÍTRICA, ENVEJECIDA, QUE HA DIFICULTADO QUE LAS VOCES JÓVENES LLEGUEN AL GRAN PÚBLICO? POR TONIO L. ALARCÓN 86

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urante la muy recomendable entrevista que concedieron al pódcast de Michael Rosenbaum, Inside of You, los hermanos Danny y Michael Philippou explicaban que su canal de YouTube, RackaRacka, era para ellos la manera de lograr la experiencia que no les proporcionaba el circuito profesional. Una vivencia que personifica a la perfección el perfil de creador procedente de la

REPORTAJE burocratizada, para asimilar el impulso de nuevas generaciones con ideas mucho más conectadas con el público de su propia edad. Por lo que esas redes, cuyo proceso de distribución es mucho más eficaz y más dinámico que el de las grandes empresas del sector cinematográfico y televisivo, le ha sacado un rédito extraordinario a la clarísima negligencia en la búsqueda de talento por parte de un sector que no ha sabido, y claramente sigue sin saber, adaptarse a un mundo en rapidísima transformación. En épocas pretéritas, la existencia de circuitos alternativos permitía que las producciones independientes, por modestas que fueran, pudieran encontrar su público y generar, hasta cierto punto, beneficios para las empresas de distribución que apostaran por ellas. Además de impulsar la aparición de cineastas jóvenes que, con presupuesto moderados, incluso mínimos, podían llamar la atención de la industria: véanse ejemplos tan dispares como los de Sam Raimi con Posesión infernal (1981) o Kevin Smith con Clerks (1994). Hoy en día, con la mayor parte de la exhibición en manos de grandes conglomerados, que a su vez ha renunciado al concepto de los cines de proximidad, sería casi imposible. De ahí que YouTube, TikTok o Instagram se hayan convertido, ya para un par de generaciones, en el equivalente en clave de streaming de esos viejos circuitos alternativos. Además, garantizándole una enorme facilidad de acceso a su público potencial. EL MOLDE DE DAVID F. SANDBERG

popular red social de streaming de vídeos que puede saltar, con mayor naturalidad, a la industria cinematográfica tradicional. Y al que, al analizar el fenómeno, muchos medios de comunicación meten equivocadamente en el mismo saco que los youtubers que no tienen interés real por el audiovisual, sino que lo que quieren es monetizar su trabajo accediendo al mercado de los influencers (de hecho, se han mudado en masa a una plataforma

que se lo facilita más, pero da menos juego narrativo, como Twitch). Enfocar el debate en la (supuesta) aportación expresiva de YouTube al lenguaje audiovisual es desviar la mirada de la importancia de las redes sociales, y ahí habría que meter también a TikTok, Instagram, Vimeo y similares, a la hora de garantizar un espacio para los creadores jóvenes. La industria audiovisual se ha vuelto, en general, demasiado lenta, y en exceso WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Quizás la mejor manera de entender la importancia de YouTube como circuito alternativo de exhibición está en el director de la reciente Until Dawn (2025). Ya durante sus primeros pasos dentro de la industria, cuando se dedicaba fundamentalmente al documental y a la animación, empleó la red social para publicar trabajos que recibieron premios diversos y que acabaron comprando televisiones nórdicas. Pero su auténtica oportunidad le llegó cuando se decidió a ahondar en su amor por el género terrorífico en su canal Ponysmasher. Ahí aprovechó su experiencia acumulada para rodar microcortos hechos, literalmente, con lo puesto, y en general protagonizados por su mujer Lotta Losten. Lo que le permitía ser eficaz y llegar a mucha más gente por la brevedad de trabajos como Lights Out (2013), apenas una anécdota de tres minutos con la cual aprovechó 87

REPORTAJE Backrooms © A24

al máximo las posibilidades de viralización de la plataforma. Hasta el punto de llamar la atención de productores como Lawrence Grey y James Wan, que primero le ofrecieron expandir el corto en Nunca apagues la luz (2016) para, demostrada su profesionalidad, ponerle a cargo de una secuela como la estupenda Annabelle: Creation (2017). Sin seguramente pretenderlo, Sandberg estaba creando el molde que seguirían, años más tarde, cineastas más jóvenes: la creación de una carrera, desde lo modesto, aprovechando la viralidad de las redes de streaming, hasta ganar la suficiente tracción popular como para llamar la atención de una industria necesitada de nueva sangre, pero incapaz de generarla por sí sola. Ahí encajarían tanto los mencionados hermanos Philippou como Curry Barker, pues también optaron por trabajos cortos, heterogéneos, que les permitían producir mucho y con un coste muy reducido. Con una 88

diferencia fundamental. Los primeros siempre se enfocaron hacia la dirección, pese a que muchas veces tuvieran que intervenir como actores en sus vídeos, mientras que Barker hizo el trayecto contrario: empezó a hacer vídeos de humor junto a su colega Cooper Tomlinson para proporcionarse oportunidades como intérprete, bajo el nombre That’s a Bad Idea, y ha acabado desarrollando una carrera paralela (y más exitosa, un poco a lo Tarantino) como director. De hecho, los Philippou tuvieron un acceso más directo a la industria por el hecho de estar vinculados a un tejido artístico más pequeño como el australiano. Aprovechando su carrera en YouTube como carta de presentación, los Philippou no dejaron jamás de colaborar como técnicos, incluso sin cobrar un céntimo, en todas las producciones que se lo permitieron. Así, trabajando en Babadook (2014) establecieron contacto con compañías como Triptych WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

Pictures y Causeway Films. La primera les financió algunos de sus vídeos para redes, y una productora de la segunda, Samantha Jennings, es la que les dio el impulso financiero necesario para que pudieran rodar, con un presupuesto modesto, Háblame (2022). Lo interesante del caso de Barker es que, frente a la dificultad para abrirse camino dentro de una industria mucho más cerrada a los nombres nuevos como la hollywoodiense, optó por aprovechar su experiencia con That’s a Bad Idea para autoproducirse un largometraje de terror de bajísimo presupuesto. 800 dólares es lo que le costó Milk & Serial (2024), found footage que intentó estrenar en circuitos convencionales, pero acabó lanzando, con un éxito fenomenal, en la propia YouTube. Con lo que, cuando el productor James Harris le propuso rodar una adaptación cinematográfica de su corto The Chair (2023), pudo apoyarse en tan exitosa experiencia para defender que le parecería mucho

REPORTAJE Nunca apagues la luz © Cortesía de Warner Bros.

más interesante llevar adelante el guión de largometraje que ya tenía escrito, Obsession (2025), por un presupuesto ajustadísimo (750.000 dólares). LOS CASOS DE PARSONS Y MARKIPLIER ¿Dónde encaja Kane Parsons dentro de la vía abierta por Sandberg? A priori, responde a un esquema de acceso a la industria mucho más parecido al del sueco (es decir, más directo, y sin necesidad de haber estado en contacto con la misma como los Philippou) que al de sus compañeros de generación. Pero aporta una diferencia fundamental. Mientras Sandberg, los Philippou y Barker construyeron una carrera heterogénea como youtubers, cambiando con frecuencia de estilo y de temática, en cambio Parsons ya desarrolló, desde muy pronto, la necesidad de vehicular su creatividad en obras de mayor homogeneidad. Algo que ya apuntaba en su relectura de Ataque a los Titanes en forma de viejos noticiarios, pero que adquiría un nuevo nivel cuando decidió darle forma audiovisual, y una cierta coherencia narrativa, a los creepypasta dedicados a las Backrooms. La ambición que hay detrás de los veinticinco capítulos de Backrooms (2022-) convierte a su derivación cinematográfica, Backrooms (2026), en algo 90

más que una simple adaptación para el gran público. Cierto es que el guión de Will Soodik traiciona, hasta cierto punto, el espíritu de la serie web introduciéndole cierto aire psicologista muy propio de A24. Pero Parsons abre una vía alternativa interesante: la de prolongar cinematográficamente una obra nacida en YouTube, insertándola como un constructo más de la misma (a diferencia de la opción tomada por Goosework para The Amazing Digital Circus, la de estrenar el último episodio en salas). Quizás el caso más peculiar es el de Mark Edward Fischbach, cuya intención era, como Barker y Tomlinson, explorar su interés por la comedia vía YouTube, pero acabó dedicándose a hacer gameplays bajo el seudónimo Markiplier porque le garantizaba la monetización de su trabajo. Precisamente, el impulso de su trabajo como youtuber le dio la posibilidad de incidir en una narración audiovisual más compleja, aunque fuera para explorar las posibilidades interactivas que ofrecía YouTube, con la serie formada por A Date With Markiplier (2017), A Heist With Markiplier (2019) e In Space With Markiplier (2022). Todo ello, recordémoslo, contenido exclusivo para la red social de streaming, donde Fischbach llegó a acumular veinte WWW.RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

millones de seguidores, abriéndole la posibilidad de rodar un documental en el que explorar sus raíces norcoreanas, Markiplier from North Korea (2022). Un conjunto de probaturas, y de perfeccionamiento de su propio sistema de producción, que le permitió autofinanciar Iron Lung (2026), adaptación del videojuego indie homónimo, por un presupuesto de 3 millones de dólares. Lo que nos lleva a lo realmente suculento del caso de Fischbach, y es que no se conformó, como Barker, con estrenar en YouTube. Quería llegar a cines, así que, tras lograr estrenar en pequeños cines independientes a lo largo de Estados Unidos, aprovechó su popularidad para pedirle a los fans que presionaran a las grandes cadenas de distribución para estrenar Iron Lung. El resultado fue que, sin necesidad de seguir un circuito convencional (aunque en Europa y en India hubo compra de derechos por parte de Piece of Magic Entertainment y Warner Bros India), ha alcanzado una taquilla de 51,2 millones de dólares. Ahí sí que late una revolución para el sector: la posibilidad de circunvalar el tejido industrial mayoritario (que, como antes comentaba, sigue siendo lento y conservador) para llegar al público de forma más directa, sin necesidad de tantos intermediarios que quieren su pedazo del pastel.