Revista RUBIK Junio 2026 - Especial Exhibición

HACIA LA NORMALIDAD

El sector de la exhibición llega a una nueva edición de CineEurope, la gran convención europea de la exhibición, con la satisfacción de un inicio 2026 muy alentador.

Desde la pandemia, las salas de cine han estado sufriendo lo suyo para recuperar la normalidad. La normalidad es que la asistencia a los cines no dependa de unas pocas películas-evento, sino en un hábito de ocio establecido para muchas personas.

En este inicio de año no solamente están teniendo éxito los blockbusters más obvios, sino que películas de diferentes patrones y públicos están teniendo su hueco. El resto del año pinta bien así que confiemos en que, al finalizar el año, podamos hablar -por fin- de que la recuperación está llegando.

Mencionábamos que llega CineEurope, el evento con el que Barcelona acoge a exhibidores, distribuidores, proveedores y estudio con un programa de presentaciones de lo que está por venir, mesas redondas y stands con tecnología y servicios.

Para hablar de la situación de la exhibición en España hemos charlado con Isabel García, directora comercial de ACEC, una entidad con mucha historia en la zona de Barcelona. Asimismo, publicamos el ranking de los 10 cines españoles con más afluencia en 2025, una manera de radiografiar qué lugares en nuestro país son los que espectadores congregan.

Una de las razones para que los cines sigan siendo templos de culto es que los complejos se vayan actualizando a las tendencias del momento, diversas como son, también hay que matizar. En esta edición tenemos un bloque en el que ponemos el foco en las

renovaciones de varios cines. Uno es de culto, como Phenomena, con su gran sala única que remite a décadas pasadas, y otros son remodelaciones emprendidas por grandes cadenas: Odeon Productor, Cine Yelmo La Vaguada y Mooby Gran Sarrià Club.

Los datos son fundamentales y en esta edición analizamos los hallazgos más importantes del último estudió de la federación de exhibidores FECE y de la encuesta Cinequest que la empresa Rentrak, hasta hace poco conocida como Comscore Movies.

Uno de los datos de Cinequest motiva un reportaje acerca de la asistencia a salas de la franja de los 18-24 años. ¿Por qué ha bajado? Los jóvenes, a diferencia de los que a veces se suele decir, son el rango de edad que más va al cine pero en este informe se ve una caída aguda en los primeros años tras la mayoría de edad así que hemos creído conveniente analizarlo.

También hemos querido poner el acento en la taquilla de cine español en el inicio de año, que está siendo especialmente notablemente y no sólo por el fenómeno Torrente, presidente En el primer trimestre la cuota de pantalla fue del 31% y eso es mucho para nuestro cine, que suele sudar la gota gorda para alcanzar, si lo hace, el 20%.

Concluimos el apartado dedicado a la exhibición con un reportaje destinado a analizar las fórmulas que están implementando distribuidoras y salas de cine para atraer al público, creando eventos singulares como reclamo.

Avanzamos, a continuación, hacia un bloque temático en el que ponemos el foco en el sector de los festivales y el cortometraje. Éste incluye un artículo a cargo de La Coordinadora del Corto en el que se ponen de manifiesto las

conquistas que el gremio ha logrado en los últimos años, así como los grandes desafíos que todavía quedan por enfrentar. Retos en los que ahondamos en el siguiente reportaje, de la mano de los responsables de los cortos con más nominaciones a los Fugaz.

También ponemos el foco en la singularidad del Festival de Cerdanya, calificador de Goya en sus secciones de Mejor Cortometraje de Ficción, Mejor Cortometraje de Animación y Mejor Cortometraje Documental, cuya propuesta va mucho más allá de la pura exhibición cinematográfica. Como nos explica en una entrevista su director, Jordi Forcada, el objetivo de la organización es potenciar cada año el área de industria del certamen hasta convertir el evento en un gran hub audiovisual para este territorio rural pirenaico.

Concluimos la edición con un bloque de perspectiva internacional, compuesto por tres reportajes. En el primero, analizamos el impacto de la llegada de la IA a la industria de Hollywood, con atención a los riesgos -y también, a las posibilidades- que ello plantea. Y como cierre, dos piezas dedicadas al recientemente celebrado Festival de Cannes: un repaso del palmarés y un listado con las adquisiciones de las distribuidoras españolas durante el Marché.

Damos paso a una edición que confiamos que sea de interés para vosotros, nuestros lectores, no sin antes lanzar una vez más una consigna que forma parte de nuestro ADN editorial y nuestra visión irrenunciable sobre la exhibición de las películas: ¡Larga vida al cine en salas!

Carlos Aguilar Sambricio y Miguel Varela.

SUMARIO

CINEEUROPE 2026

PREVIA CINEEUROPE: EL EVENTO DA LA

BIENVENIDA A AMAZON MGM Y MUBI 6

NUEVOS CINES

PHENOMENA 10

ODEÓN PRODUCTOR 16

CINE YELMO LA VAGUADA 18

MOOBY CINEMAS

EXHIBICIÓN

ENTREVISTA ISABEL GARCÍA (ACEC) 24

GRAN SARRIÀ CLUB 22 44

INFORME FECE DATOS 2025’ 30

ESTUDIO CINEQUEST 34

GENERACIÓN Z: LOS JÓVENES Y LA ASISTENCIA A SALAS 36

RANKING: TOP-10 CINES ESPAÑOLES CON MÁS AFLUENCIA 40

TAQUILLA DEL CINE ESPAÑOL EN PRIMERA MITAD 2026 44

LA IMAGEN UTILIZADA PARA LA PORTADA CORRESPONDE A UNA IMAGEN PROMOCIONAL DE ‘LA ODISEA’, DIRIGIDA POR CHRISTOPHER NOLAN Y DISTRIBUIDA INTERNACIONALMENTE POR © UNIVERSAL PICTURES.

EDITADO EN MADRID EN JUNIO DE 2026 POR MARATÓN AUDIOVISUAL S.L.

TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS

DEPÓSITO LEGAL: M-1895-2024

ISSN 3020-5107

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CINEEUROPE DA LA BIENVENIDA A AMAZON MGM STUDIOS Y MUBI

EL INICIO DE AÑO ESTÁ SIENDO MUY ESPERANZADOR EN GRAN PARTE DEL MUNDO. LA ASISTENCIA A SALAS CADA VEZ PARECE ACERCARSE MÁS A LAS ÉPOCAS PREPANDÉMICAS Y SE VAN SUCEDIENDO CON MÁS CONTINUIDAD LOS ÉXITOS DE TAQUILLA. EN ESTE CONTEXTO, ES UN BUEN TIMING PARA UN NUEVO CINEEUROPE, LA GRAN CONVENCIÓN

EUROPEA DE LA EXHIBICIÓN. UN EVENTO AL QUE, ADEMÁS, SE SUMAN DOS NUEVOS ACTORES QUE SERÁN

FUNDAMENTALES EN EL FUTURO DEL SECTOR COMO AMAZON MGM STUDIOS Y MUBI.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

Del 22 al 25 de junio tendrá lugar en el Centre Convencions Internacional Barcelona (CCIB) la 35 edición de CineEurope, la convención oficial de la asociación UNIC, a la que pertenece la española FECE, y que organiza The Film Expo Group.

Como decimos, tras el excelente inicio de 2026 para la exhibición (en España los primeros cinco meses suponen un aumento del 36% con respecto al año anterior), los profesionales acuden con alegría a CineEurope, un lugar en el que se suceden las presentaciones de lo que vendrá por parte de los estudios, sazonado con una área expositiva con lo último de los proveedores de la exhibición y con una serie de charlas

y paneles con las que pulsar la situación de la industria. En esta edición destaca sobre todo la participación de dos empresas como Amazon MGM Studios y Mubi. La primera es una nueva major que, a diferencia de Netflix, sí cree en la experiencia theatrical. La segunda es una auténtica locomotora de la distribución indie y que está afrontando una internacionalización muy ambiciosa, como demuestra su desembarco este año en España. El año pasado hablamos de optimismo e incertidumbre. El optimismo se ha transformado en datos positivos y la incertidumbre cada vez lo es menos. Todavía quedan dudas, eso sí, con respecto a las consecuencias de la compra de Warner Bros. por parte de Paramount Pictures, aún pendiente de aprobación. Ahora bien, en CineEurope habrá presentaciones separadas.

LAS CLAVES DEL PROGRAMA DE CONFERENCIAS

Desde primera hora del LUNES 22 DE JUNIO los asistentes podrán disfrutar de debates sobre el sector. A las 9:00 horas comienzan las CineEurope Business Sessions, que se prolongarán hasta las 12:00 horas. La primera sesión es ‘Exhibición Cinematográfica – Principales tendencias globales por el CNC’. El CNC ha llevado a cabo un análisis exhaustivo de 14 mercados para explorar las principales tendencias del sector. El informe examina la evolución de la asistencia a las salas de cine, el comportamiento de los espectadores, la oferta, las estrategias de los exhibidores para aumentar la afluencia de público y el impacto del streaming, las redes sociales y las políticas públicas.

La segunda es ‘Lo mejor de su categoría: lecciones de todo el mundo’. El panel reúne a representantes de diversos mercados internacionales para compartir las iniciativas que están dando mejores resultados y las razones de su éxito en captación, fidelización y crecimiento de las audiencias. Destaca la presencia de Alejandro Ramírez, CEO de Cinépolis entre los participantes.

Otro panel es ‘Enfoque en la IA y las tendencias’. Además de analizar lo que la inteligencia artificial significa para los cines, se mirará cómo otros sectores están abordando esta transformación. El objetivo de esta charla es aprovechar la innovación sin perder de vista la experiencia humana y la creatividad.

La última sesión es ‘35 años de CineEurope: ayer y hoy’, una mirada retrospectiva a la evolución de la exhibición cinematográfica. Desde los avances en proyección y sonido hasta la inteligencia artificial y las operaciones basadas en datos, y todo ello en un contexto en el que los espectadores demandan mayor comodidad, más opciones y experiencias inmersivas y orientadas al evento. Entre los ponentes están Eddy Duquenne (Kinepolis), Javier Sotomayor (Regal Cineworld), Laura de Boissard (Pathé Cinémas France), Anna Marsh (StudioCanal) y la cineasta Cécilia Rouaud.

El segundo día del evento, el MARTES 23 DE JUNIO, se inicia a las 8:45 horas con el Coca-Cola Retail Seminar.

El eje de este bloque es el panel ‘Dentro de la mentalidad de la Generación Z: descifrando el código de consumo de una nueva generación’. Se trata de comprender por qué el cine sigue siendo relevante en la era de TikTok y qué espera hoy este público. La sesión combinará análisis, inspiración y propuestas prácticas.

A las 11:00 horas de esta segunda jornada se abre la Zona Expositiva de la parte de Feria en este CineEurope (Exhibition Hall, Level P0).

Otro hecho clave de esta jornada se inicia a los 13:00 horas con las ICTA Focus Sessions (Exhibition Hall, Level P0). La primera de las sesiones es ‘Live & Direct: Cómo el event cinema, las experiencias en directo y la tecnología del streaming están preparadas par transformar la asistencia a salas’. Habrá representantes de Cinépolis y Vue, entre otros.

A las 13:50 horas se produce la charla ‘El acomodador invisible: cómo la IA agéntica está reescribiendo el recorrido hacia la compra de entradas’. La sesión analizará cómo los nuevos intermediarios digitales están redefiniendo la relación entre los consumidores y los exhibidores, y qué implicaciones tiene este cambio para el marketing, la venta de entradas y la experiencia del espectador.

La jornada del MIÉRCOLES 24 DE JUNIO arranca a las 8:45 horas con la charla ‘Innovadores de la experiencia: más allá de la fricción’. A partir de los hallazgos de la empresa Levy en los sectores del deporte, el entretenimiento y la restauración para eventos, diseñando experiencias gastronómicas y de bebidas a medida, se proporcionarán las herramientas tecnológicas que sustentan su estrategia y las claves de qué ha funcionado y qué no.

A las 13:30 horas tendrá lugar las tradicionales UNIC Focus Sessions (Exhibition Hall, Level P0). El núcleo es la mesa redonda ‘Implicación de las audiencias en Europa: ¿qué funciona realmente?’. Se aportarán hallazgos sobre iniciativas como las sesiones matinales con café y pastel o CineSenior, así como programas orientados

a las familias y nuevas formas de conectar con los públicos más jóvenes a través de plataformas digitales y comunidades en línea. En definitiva,estrategias para atraer y fidelizar espectadores. Entre los participantes estará Almudena Fernández-Golfin, directora general de FECE.

También se desarrollará el UNIC People Programme. Esta sesión explorará cómo la diversidad y la inclusión pueden convertirse en motores estratégicos para el crecimiento, la creatividad y el éxito sostenible de las exhibidoras cinematográficas.

LOS RECONOCIMIENTOS DE ESTE AÑO

La cadena Multiplex Ucrania será reconocida con el premio Exhibidor del Año en CineEurope 2026 Roman Romanchuk, director ejecutivo de la compañía, será el encargado de recoger el galardón. Multiplex gestiona la mayor red de cines del país. Incluso en un contexto marcado por las constantes interrupciones causadas por la invasión rusa, la cadena ha mantenido y reestablecido sus operaciones en la medida de lo posible, continuando con la inversión en sus instalaciones.

“Bajo el liderazgo del director ejecutivo Roman Romanchuk, Multiplex ha demostrado una resiliencia y un compromiso excepcionales con el sector cinematográfico”, ha expresado el presidente de The Film Expo Group, Andrew Sunshine.

Otro galardón fundamental es para Phil Clapp, que recibirá el Premio UNIC, al que se premia su “dedicación y contribución al sector de la exhibición cinematográfica europea”. El director ejecutivo de la Asociación de Cines de Reino Unido ha sido presidente de UNIC desde 2013. Este reconocimiento es, además, un broche de oro a su despedida.

El premio de Distribuidor del Año va a parar a Jeff Goldstein, presidente de distribución global en Warner Bros. Pictures El ejecutivo dirige actualmente la distribución global en el ámbito theatrical de Warner Bros. Pictures, supervisando áreas como la relación con cineastas y exhibidores, la planificación de estrenos, la estrategia de negocio, ventas, administración y formatos especiales. También coordina la red internacional de distribución del estudio, que incluye oficinas afiliadas y socios externos.

Goldstein comenzó como becario en la oficina de Los Ángeles y ha ocupado distintos puestos en áreas regionales de ventas. Antes de

su actual cargo, fue presidente de distribución doméstica del estudio.

Los Gold Awards, reconocimiento que distingue a figuras del sector de la exhibición cinematográfica por su contribución al desarrollo de la industria en Europa, se entregarán a Tomaso Quilleri, exhibidor de Regno del Cinema (Italia); Marianne Hoff, gerente de Friberg Kino (Noruega); Nick Davey, responsable técnico de Everyman Cinema (Reino Unido); Natalie Mulinowa, directora de retail CEE&IL de Regal Cineworld (Chequia); Andres Jasper, coordinador técnico en los países bálticos de Apollo Cinemas Baltics (Estonia); Martin McCubbin, director de compras del grupo ODEON Cinemas Group (Reino Unido); Anne-Marie Otter, consultora cinematográfica de Bygdekinoen (Noruega); y Tony Dilley, vicepresidente senior de ventas de Harkness Screens (Reino Unido) La película Avatar: Fuego y Ceniza, distribuida por 20th Century Studios y perteneciente a The Walt Disney Studios, recibirá el Premio Comscore European al Logro de Taquilla 2026. La película alcanzó una recaudación de 526,6 millones de dólares en Europa, consolidándose como uno de los grandes éxitos cinematográficos del último año en la región.

STUDIO PRESENTATIONS EN CINEEUROPE 2026

• Angel Studios, durante la ceremonia de inauguración (Lunes 22 de junio; 13:30 horas)

• Lionsgate durante la ceremonia de inauguración (Lunes, 22 de junio; 14:45 horas)

• Sony Pictures (Lunes 22 de junio; 17:00 horas)

• Laika (Martes 23 de junio; 10:00 horas)

• Mubi (Martes 23 de junio; 10:30 horas)

• Amazon MGM Studios (Martes 23 de junio; 11:00 horas)

• StudioCanal (Martes 23 de junio; 16:00 horas)

• Warner Bros. Pictures (Martes 23 de junio; 17:45 horas)

• Paramount Pictures (Miércoles 24 de junio; 11:00 horas)

• The Walt Disney Studios (Miércoles 24 de junio; 16:30 horas)

• Screening de Universal Pictures, Una noche al año, en Cinesa • Diagonal Mar (Miércoles 24 de junio; 20:00 horas)

• Universal Pictures, incluyendo la proyección de La isla olvidada (Jueves 25 de junio; 10:00 horas)

ENTREVISTA CON EL DIRECTOR DEL CINE PHENOMENA

NACHO CERDÁ

TRAS SEIS MESES CERRADO, EN ABRIL REABRIÓ EN BARCELONA EL CINE PHENOMENA, UN AUTÉNTICO TEMPLO

CINEMATOGRÁFICO DE CULTO PARA LOS CINÉFILOS. SU GRAN SALA ÚNICA, SU TECNOLOGÍA DEL MÁS ALTO

NIVEL, SU ESTILO RETROFUTURISTA Y SU SELECTA PROGRAMACIÓN EXPLICAN QUE HACE UNOS MESES FUERA RECONOCIDO CON EL PREMIO CARLO LIZZANI A LA MEJOR SALA EUROPEA. HEMOS HABLADO

CON SU RESPONSABLE, NACHO CERDÁ, PARA CONOCER LAS CLAVES DE LA REMODELACIÓN

Y SU VISIÓN DE LA EXPERIENCIA CINEMATOGRÁFICA.

Tras 11 años en actividad, Nacho Cerdá creía que era el momento adecuado para, sobre todo, realizar una mejora de los espacios del complejo, en gran medida para adaptarse a lo que creen ha de ser el cine: un evento.

“Faltaba una parte importante de adaptación audiovisual a requerimientos que nosotros habitualmente recibimos por parte de clientes y no necesariamente relacionados con el cine, es decir, los corporativos”, nos cuenta Nacho Cerdá.

El cine sigue siendo un centro de exhibición cinematográfica clásico, con una tecnología todavía más avanzada que la que tenían y un interiorismo que ha evolucionado más bien hacia un cine boutique, alejándose de las multisalas.

Para los eventos lo que han hecho ha sido separar el sonido Dolby para la exhibición cinematográfica. “Nos hemos encontrado que, en ocasiones, puede ser perjudicial y creemos que debía ser un sistema cerrado que no debería compartirse con nadie”, asegura.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

“Hemos implementado toda una serie de sistemas de PA que son al margen y están fijas en el cine, que son para servir al evento y al sonido en directo, que tienen una calidad distinta a la del cine. Luego, hemos puesto unas mesas de mezcla de luz escénica que va más allá del simple foco que en ocasiones hay en una sala. Hay una luz escénica que se asemeja más a un teatro y, por tanto, es un espacio susceptible de eventos en directo de todo tipo, teatrales de pequeño formato o conciertos acústicos pequeñitos, además de eventos corporativos”, explica Cerdá.

“PHENOMENA SE CARACTERIZA POR CONVERTIR

LA EXPERIENCIA DE IR AL CINE EN ALGO MÁS

SOFISTICADO, GLAMUROSO Y TEATRAL”

A ello hay que añadir unas cámaras fijas y con inteligencia artificial que pueden estar rodando el evento en el escenario o incluso el público, porque son cámaras que se pueden mover a control remoto y que tienen la capacidad de seguimiento automático de lo que está sucediendo en el escenario.

“Una vez obtenido ese material, lo podemos estar retransmitiendo en directo a través de nuestros canales de redes sociales o cualquier otro sistema de streaming. A su vez, lo podemos ver en las pantallas del local, con lo cual los que estén fuera de sala puede seguir también un evento en directo”, revela el responsable de Phenomena.

En ese sentido es muy importante la nueva cartelería digital suministrada por Instronic, “con un nivel de definición muy grande, mucho más de las que habitualmente vemos fuera en los exteriores”.

DISTINGUIRSE DE LA ESTÉTICA MULTISALA

Uno de los aspectos que siempre ha caracterizado a Phenomena ha sido su apuesta visual. “La exhibición debería encontrar modos de distinguirse del modelo tradicional que hemos tenido hasta ahora. Lo que ha caracterizado a Phenomena desde el principio ha sido convertir la experiencia de ir al cine en algo muchísimo más sofisticado, glamuroso y teatral, que es lo que yo viví cuando era jovencito en Barcelona, donde muchos cines tenían esos grandes cortinajes con sus moquetas rojas, elementos art decó y sala única con grandes aforos y y grandes pantallas”, subraya Cerdá.

Phenomena va un poco a la contra. Hay una tendencia a salas más pequeñas, con menos butacas pero muy cómodas. En cambio, ellos mantienen el modelo de sala única grande. “Es que, sinceramente, creo que la mimetización del cine como sala de exhibición

a tu experiencia en casa creo que es un error. La persona que sale de su casa es precisamente para buscar algo distinto y una comunión social. Cuanto mayor es esta comunión, más sentido adquiere la experiencia. En cambio, cuanto más individual o más privatizada sea, más se parece a lo de casa. Es imposible que alguien se sienta mejor que en su casa o casi imposible”, afirma.

Cerdá pone como ejemplo la diferencia de ver un partido de fútbol en casa o ir al estadio pagando muchísimo más, es una experiencia, como él dice, ‘larger than life’, mientras que “lo otro es un modelo que se está produciendo ahora muy legítimo, pero que va en una línea distinta para mí de lo que debería ser el cine”.

El estudio de diseño de interiores 4Cadires se encargó de liderar la renovación y Cerdá les propuso dos estilos para inspirarse: “Uno el de los años 20 y 30, es decir, un estilo art decó que hacía que las catedrales del cine fueran espacios únicos y muy singulares. A mí me llamaba la

atención que cuando visitaba muchos cines extranjeros que muchos conservaban esos elementos y me parecía interesantísimo que en época moderna hubiera esa combinación, una especie de estilo retrofuturista”.

“La mimetización del cine como sala de exhibición a tu experiencia en casa creo que es un error. La persona que sale de su casa es precisamente para buscar algo distinto y sobre todo una comunión social. Cuanto mayor es esta comunión, más sentido adquiere la experiencia. En cambio, cuanto más individual, más se parece a lo de casa”

El responsable de Phenomena también reconoce su admiración por Antoni Bonamusa, el famoso arquitecto interiorista que hizo muchos de los locales en Barcelona en los años 60 y 70.

En el nuevo Phenomena hay más vitrina y más objetos expuestos, llevando el cine al terreno casi museístico.

“Es como una especie de exposición permanente de elementos que nos han caracterizado. Hay alguna placa conmemorativa o entradas de cuando Phenomena empezó a hacer eventos hace 16 años. Las vitrinas forman parte del recorrido por el que pasa el espectador antes de entrar en la sala. Para nosotros era muy importante que la transición desde el exterior a la sala tuviera una cierta suavidad, como una inducción a un sueño. Yo siempre lo he comparado con entrar a un mundo de irrealidad a una ensoñación. Como espectador, a veces en los cines te sacan o bien por la puerta de emergencia o te encienden las luces de golpe y eso es brusco y te parte el trance. Cuando tú entras en el Phenomena, automáticamente tienes un nivel de iluminación totalmente distinto que es relajante. Los espacios invitan a la reflexión, a desconectar y a entrar en ese mundo”, expone Cerdá.

La famosa moqueta estilo Hotel Overlook se mantiene e incluso ha ampliado su superficie, nos señala: “La moqueta roja es nuestro seña de identidad. Da esa sensación que el

público tiene de entrar en una premiere y eso, inconscientemente, hace que el público se sienta especial. La diferencia para mí entre un cine comercial al uso y Phenomena puede ser eso: la sensación de estar bien tratado, en ocasiones, como un objeto mercantil a ser realmente un espectador con sentimientos y emociones. Ahí radica el secreto o el motivo por el cual se paga el precio de una entrada y en una película”.

LA RESTAURACIÓN Y LA VENTA DE ENTRADAS

Ha habido también algunos cambios en cuanto a la venta de entradas, nos apunta Cerdá: “Hemos cambiado a ReservaEntradas, empresa con sede en Valencia y que no tenían ningún cliente en Barcelona ciudad. Nosotros hemos sido sus abanderados en esta transición del nuevo Phenomena”.

Están muy contentos con su aportación, admite: “Su sistema es bastante dinámico y muy intuitivo. Queríamos sustituir la taquilla tradicional por un quiosco de venta como una ATM. La entrada sigue siendo también con

un atril de bienvenida donde hay una persona validando las entradas que a su vez también puede vender entradas allí en el atril. Estás como acercándote hacia un evento.

Phenomena también ha habilitado una zona llamada Nexus como espacio lounge: “Es una zona que forma parte de la reflexión de la película. Después de la experiencia, quieres comentarla con amigos. Entonces, es un espacio de más recogimiento si cabe porque tiene un nivel de aislamiento superior e incluso un tratamiento acústico que tiende a evitar rebotes de voz. La luz sigue siendo tenue y la decoración es casi como de club privado, como si estuvieses entre los años 40 y los años 80”:

Este espacio está inspirado en Blade Runner, un estilo noir pero con elementos futuristas, y con unas pantallas LED donde “se proyectan contenidos sofisticados a nivel visual”.

Además, Phenomena ha remodelado el ambigú, según señala Cerdá: “Ha habido ahí un cambio estético porque nos hemos acercado al estilo American Graffiti. Tenemos una barra nueva y mantenemos el espíritu anterior del interiorismo tradicional que teníamos en

Cines Phenomena

Phenomena. El producto es distinto al que podrías encontrar en el Nexus. El Nexus es más una coctelería donde puedes tomar una copa con unas pequeñas cosas para picar”.

En cuanto a cambios de producto, destacan las dos nuevas máquinas nuevas americanas para hacer las dulces, que antes no tenían, y que es “un material tremendamente bueno y eficaz”, según apunta. Son las máquinas americanas Cretors, que han conseguido con el distribuidor Poppify

En este sentido, con la comida en Phenomen ponen límites, nos cuenta Cerdá: “Comida como nachos o pizzas creemos que es un poco excesivo. El público más purista solamente tolera un cierto tipo de consumo. Hay gente que se molesta por esto y es una línea muy fina”.

LOS CAMBIOS DENTRO DE SALA

La pantalla gigante de Phenomena sigue teniendo el mismo tamaño: 15 metros de ancho por 6,27 de alto. Han cambiado la tela para adaptarla a la proyección láser puesto que “la reflexión es un poco distinta”.

Lo que sí ha cambiado ligeramente ha sido el aforo porque lo han reducido en unas 30 butacas, manifiesta el responsable del cine: “Hemos sustituido las butacas por unas más anchas y un poco más cómodas. No son las que ahora las multisalas podría estar ofreciendo, porque la tendencia es colocar sillones muy reclinables, casi camas incluso. “Yo creo que esto lleva casi al ámbito doméstico y eso no es nuestra intención”.

Cerdán apunta que es una tendencia que en el teatro no existe: “En el teatro tienes que estar más atento a lo que está pasando en el escenario y no te has de reclinar tanto como si te fueras a echar una siesta”.

El proveedor de butacas sigue siendo Ezcaray, pero ahora con el modelo Muzas, que a Cerdá le parecía “muy elegante” y similar a la estética anterior. “Las de antes las compré de

segunda mano del Lauren Horta, que era un cine que en ese momento cerraba y eran muy antiguas porque ya llevaban 15 años dando vueltas. El servicio que nos han dado ha sido maravilloso porque les dimos otros 11 años de trote”.

La proyección digital es distinta ahora, pues se han pasado al láser y a Christie con el modelo CP4435-RGB, que sustituye al anterior proyector Barco que tenían.

“Hay una cierta polémica que yo creo que va a desaparecer en breve y que es en cuanto a qué imágenes son más naturalistas, si las del Xenón o las del láser. Hay directores de fotografía que están todavía muy en contra de esa imagen láser que se aleja un poquito de lo tradicional. Es lo mismo que pasó con el cambio entre el 35 mm y el digital, que había gente reacia. Pero hemos visto cómo el digital ha evolucionado también mucho y hoy en día se están rodando películas con un nivel fotográfico altísimo”, explica Cerdá.

Cree que el láser también se impondrá a ciertas reticencias de los más puristas: “Nosotros apostamos por el láser porque creemos que es un tipo de exhibición que ha venido para quedarse. A nivel visual, tiene un un aspecto muy, muy bueno y con una definición tremendamente alta. Yo consulté a varias personas del mundo de la producción, no solo de la exhibición, y me decidí a dar este paso”.

Para Cerdá esa opinión de la industria es fundamental porque se enorgullece de ser un sitio que los profesionales consideran apto por su fidelidad a la intención original: “Muchas veces nos solicitan nuestros servicios para realizar controles de calidad cuando están en posproducción, ya sea para la mezcla de sonido o el etalonaje”.

Phenomena ya tenía un sonido muy bueno y Atmos pero lo han mejorado. “Aparte de mejorar aún más la acústica, hemos cambiado todas las cajas que teníamos por

unas Dolby de muy alta gama y, además, combinadas con las etapas de potencia de QSC y nuestro sistema Q-SYS”, indica.

“Hemos

apostado por la proyección láser porque creemos que ha venido para quedarse y en la mejora del sonido hemos hecho un estudio para la homogeneización

de la experiencia sin importar en qué butaca estás”

Han hecho, además, cambios en la disposición de los altavoces, nos reconoce: “Por ejemplo, se han modificado algunas posiciones de altavoces de techo y de los subgraves. Hemos hecho un estudio para que todas aquellas frecuencias que se reparten por la sala lo hagan de forma uniforme y no haya cancelaciones. Queríamos una cierta homogeneización de la experiencia sin importar en qué butaca estás”.

Estamos constantemente experimentando, actualizando y cambiando cosas. Observando, porque yo personalmente estoy muchas veces en el cine, escuchando y haciendo un control privado de calidad verificar que está todo bien o mejorar cosas que a mí no me acaban de convencer.

Por último, cabe destacar que el integrador ha sido Kelonik, del que ha recibido, nos dice Cerdá, un “un apoyo brutal” y que tienen “un montón de técnicos muy predispuestos e involucrados con nuestro proyecto” desde el minuto cero: “Yo tengo con ellos una relación muy estrecha y sabemos que, para ellos, el cine requiere de una atención distinta y más cercana”.

EL ODEON PRODUCTOR TRAS DOS DÉCADAS CERRADO

EL EMBLEMÁTICO CINE PRODUCTOR DE ALBACETE ESTÁ VIVIENDO

El centro de las ciudades ha ido perdiendo sus cines tradicionales. Pero algunos pequeños cines se están recuperando para la causa, esto es, para volver a ser esa alternativa de ocio de proximidad que siempre han sido. El edificio, cuya actividad cinematográfica se remonta a finales de los años 20 del siglo pasado, se ha rediseñado completamente para adaptarse a los estándares actuales sin perder su identidad histórica.

Los nuevos Cines Odeon Productor cuentan con cuatro salas (dos salas en la planta baja y dos en la planta superior), última tecnología de sonido y de imagen, un espacio muy cuidado y una programación que incluye sesiones matinales en los domingos.

“Estamos empezando a conseguir ese equilibrio entre gente que viene por la novedad, empujados por el ciclón Torrente”, explicaba al poco de la inauguración uno de los responsables del nuevo cine, Javier Asenjo, “así como la gente más mayor que sí que puede haber pasado por el antiguo Cine Productor”.

“Nuestro objetivo es que termine siendo la casa de todos los albaceteños”, ha manifestado el responsable. La sala

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

principal, preparada para acoger eventos culturales, tiene capacidad para acoger a 120 espectadores aproximadamente, mientras que las tres salas restantes ofrecen aforos entre 60 y 90 butacas.

Como informa Campos, la empresa constructora detrás del proyecto, se desarrollaron actuaciones de acondicionamiento acústico de las salas, con el objetivo de garantizar un adecuado aislamiento sonoro y optimizar la calidad de la experiencia cinematográfica.

Se incluyó instalaciones eléctricas, sistemas de climatización y protección contra incendios, proporcionando condiciones óptimas de seguridad, confort térmico y eficiencia energética, y también se apostó por la instalación de carpintería metálica y de madera, junto con acabados cuidadosamente seleccionados para crear espacios funcionales y modernos. La ejecución del proyecto de construcción del cine se completó dentro del plazo previsto de 11 meses.

PROYECTORES LÁSER RGB DE CHRISTIE Y OTROS ASPECTOS CLAVES

Las cuatro salas equipado con proyectores de tecnología láser RGB de

Christie, concretamente con los modelos Christie CineLife CP2309-RGB. La integración técnica se ha realizado de la mano de la empresa especializada Equipo de Cine, colaborador habitual de la cadena. Los proyectores láser permiten mejorar la calidad de imagen en términos de brillo, contraste y fidelidad cromática. El modelo Christie CineLife CP2309-RGB ofrece hasta 9.000 lúmenes, una relación de contraste de 2.000:1 y una cobertura superior al 95 % del espacio de color Rec. 2020, lo que se traduce en imágenes más precisas, con colores más intensos y negros más profundos.

Según Juan García, jefe técnico del Grupo Odeon y gerente de operaciones de Equipo de Cine, la elección de esta tecnología responde a criterios de rendimiento y eficiencia. La compañía cuenta actualmente con cerca de 80 proyectores de Christie en su red de cines. Además de la calidad visual, el sistema destaca por su menor consumo energético y la reducción de necesidades de mantenimiento frente a soluciones tradicionales.

La compañía norteamericana también proporciona los servidores, concretamente con los Christie IMB-S3 en las cuatro salas,

con almacenamiento NAS-S4 TS-464U-RP. Las pantallas son todas del modelo Space MP 1.0, de diferentes tamaños: 5,25 x 2,2 metros, 6,5 x 2,72 metros, 6,70 x 2,8 metros y 5,60 x 3,03 metros.

En cuanto al sonido, Dolby se erige como gran protagonista. El complejo cuenta con el procesador de sonido Dolby CP 950 en las cuatro salas. A esto hay que sumar tres altavoces de pantalla Dolby System 126 en cada una de las cuatro salas, con subwoofer Dolby SB218XL (dos en la sala más grande) y 10 altavoces de ambiente Dolby SR1090 en cada sala (doce en la sala más grande).

A este set tecnológico se unen las etapas suministradas por QSC.

En lo que respecta al software, conviene poner el acento en la instalación del TMS (Theatre Management System) de CineXpert y de los sistemas UniqueX y Deluxebox. Toda la cartelería digital en el hall y pasillos en el complejo es de desarrollo propio, mientras que las butacas de las cuatro salas están fabricadas por Ezcaray, con el modelo Muzas.

Con esta reapertura, Odeon Multicines refuerza su presencia en España, donde opera 18 complejos y un total de 161 salas

CINE YELMO LA VAGUADA: LA REMODELACIÓN DE UN ICONO

HACE

UNOS MESES TUVO LUGAR LA REAPERTURA DE LOS RENOVADOS CINES DEL CENTRO COMERCIAL LA VAGUADA. UN CINE HISTÓRICO CON 42 AÑOS DE HISTORIA Y QUE, TRAS OCHO MESES

DE REMODELACIÓN, ABRIÓ DE NUEVO AL PÚBLICO. CINE YELMO LA VAGUADA OFRECE 8 SALAS CON PROYECCIÓN LÁSER 4K, BUTACAS

PREMIUM, PANTALLAS MÁS GRANDES Y UNA AMPLIADA OFERTA

GASTRONÓMICA EN EL CENTRO DE MADRID.

POR

CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

En el año 1983 el madrileño

Barrio del Pilar fue testigo de la apertura de un centro comercial como La Vaguada que suponía una muestra más de la modernización de España en esa época de Transición que vivía el país.

La familia Edeline fue pionera en la exhibición cinematográfica pero en los últimos tiempos, los cines se habían quedado viejos. Cine Yelmo se hizo en 2024 con el complejo y llevó a cabo la primera reforma integral en más de 40 años de estos cines.

Una remodelación que forma parte de una transformación completa que está viviendo el propio centro comercial, que está buscando dar brillo y modernidad a un centro comercial que supuso un hito en la Historia del ocio en Madrid y en España.

Samuel Bolaños, director de comercialización de Cine Yelmo, tomó la palabra en la inauguración oficial: “La Vaguada es un espacio histórico que vuelve a ser protagonista en Madrid y que representa la perfecta unión entre tradición e innovación”.

“En Cine Yelmo trabajamos con un propósito muy claro: seguir liderando la

transformación del sector de la exhibición cinematográfica en España y seguir ofreciendo propuestas que combinen confort, tecnología y una experiencia gastronómica de primer nivel”, añadió Bolaños.

El director de comercialización de Cine Yelmo remarcó que La Vaguada forma parte de un plan de renovación más amplio, ya que en estos meses previos habían terminado la reforma de los cines de los centros comerciales de Islazul y Tres Aguas, que “ahora incorporan butacas premium, mejoras tecnológicas y una oferta gastronómica más amplia”.

El Country Manager de Cine Yelmo, Jaime Gerbolés , se dirigió también a los profesionales: “Este es un día especial para nosotros porque La Vaguada es un cine muy especial para todos los madrileños. Si no recuerdo mal, nació en el año 1983 y ha sido un cine icónico durante todos estos años. Fue el primer multicines en un gran centro comercial y ha supuesto un antes y un después porque, a día de hoy, más del 90% de los cines del país están ubicados en centro comercial”.

Inauguración © Cine Yelmo

Gerbolés subrayaba lo de “gran centro comercial” porque precisamente, Yelmo Cines, que nació en el año 1981, abrió de la mano de Ricardo Évole en el año 1982 un multicines en un centro comercial: ZocoVillalba.

En cualquier caso, Cines La Vaguada ha hecho historia y Gerbolés apuntó que desde que nació, el cine ha recibido en torno a los 40 millones de espectadores. Por tanto, no quiso perder la oportunidad de agradecer su labor a la familia Edeline, “una familia pionera en el cine en España”.

“La Vaguada es un espacio histórico que vuelve a ser protagonista en Madrid y que representa la perfecta unión entre tradición e innovación”

Samuel Bolaños

Gerbolés también contó lo importante que es este cine para el barrio y para la comunidad: “Hemos estado cerrados durante ocho meses para hacer esta obra que ha supuesto un cambio total en el cine. En este tiempo me ha sorprendido que muchísima gente se ha acercado para contarnos anécdotas relacionadas con el cine. Había muchísimas ganas de que volviéramos a abrir, la expectación ha sido enorme”.

Por último, el country manager resaltó que esta renovación coincidía con el décimo aniversario de la llegada de Cinépolis a España: “Cinepólis llegó a España para transformar de nuevo el cine en España y desde luego lo han conseguido después de más de 250 millones de euros de inversión en España”.

LOS DETALLES DEL NUEVO CINE

YELMO LA VAGUADA

El nuevo Cine Yelmo La Vaguada cuenta con salas completamente renovadas y una propuesta gastronómica ampliada. La nueva carta incluye opciones como hamburguesas, pizzas, sándwich club o brioche gratinado, además de las tradicionales palomitas y snacks.

Los antiguos cines tenían 9 salas. Con la remodelación, Cine Yelmo La Vaguada cuenta con 8 salas, de las cuales tres tienen capacidad para 3D. El integrador de la renovación del complejo ha sido Kelonik

El complejo cuenta con cerca de 1.200 butacas. El proveedor que ha suministrado las butacas ha sido el español Ezcaray. De hecho, el modelo de butaca, Leia, es nuevo y ha sido fabricado de manera exclusiva para Cine Yelmo, sobre la base de su modelo Sofía.

A nivel de proyección, el complejo sigue la pauta de transformación a proyección láser. Cine Yelmo La Vaguada cuenta con proyectores láser Barco Serie 4.

Dolby es otro de los proveedores principales del complejo. No solamente en

cuanto a sistemas de sonido y altavoces, sino también en cuanto a servidores, con los IMS3000.

Las salas mantienen escenario, ya que Cine Yelmo apuesta mucho por los eventos, pero hay que destacar que las pantallas tienen más tamaño ahora. El proveedor de las mismas es Harkness

“La Vaguada es un cine muy especial para todos los madrileños. Fue el primer multicines en un gran centro comercial y ha supuesto un antes y un después porque, a día de hoy, más del 90% de los cines del país están ubicados en centro comercial”

Jaime Gerbolés

A nivel de programación, hay que señalar que el cine ofrece sesiones matinales todos los días de la semana. Otro aspecto a tener en cuenta es que los cines no tienen taquillas tradicionales, una circunstancia que sigue el mismo patrón de las renovaciones en Islazul y Tres Aguas.

LOS NUEVOS MOOBY GRAN SARRIÀ: OCHO SALAS CON CONCEPTO PREMIUM E INTIMIDAD DE CLUB

MOOBY CINEMAS, UNO DE LOS REFERENTES DE LA EXHIBICIÓN EN BARCELONA CON 54 SALAS, INAUGURÓ EN MAYO LOS RENOVADOS MOOBY

GRAN

SARRIÀ

CLUB,

UNOS CINES QUE SE SUMAN A LA TENDENCIA DE

EXPERIENCIAS PREMIUM CON BUTACAS RECLINABLES Y MOTORIZADAS, MAYOR ESPACIO

ENTRE FILAS Y GRADERÍO.

El sector de la exhibición en España continúa con su inversión en reformar la experiencia con la gran pantalla para adaptarse a las nuevas tendencias de consumo.

El objetivo de Mooby Gran Sarrià Club es añadir oferta en Barcelona de cine boutique con mayor confort, programación parcialmente en versión original y servicios premium.

Mooby Gran Sarrià Club mantiene las ocho salas originales del cine, que han sido renovadas con instalación de graderío, nuevas butacas reclinables y motorizadas, mayor espacio entre filas y una mejora sustancial de la comodidad y privacidad del espectador.

Los aforos oscilan entre las 30 y las 80 butacas, llevando el complejo al concepto boutique. Las empresas encargadas de la integración son Kelonik y Canon

La programación combinará en torno a 50% de películas en versión original con cine doblado. Además, el cine también ofrecerá eventos especiales como ópera, ballet y proyecciones de clásicos.

Otra novedad es la transformación del tradicional bar del cine en un nuevo espacio Première Lounge. Esta zona permitirá disfrutar de una oferta gastronómica gourmet tanto de comida como de bebida.

Las entradas tendrán un precio de 11 euros de lunes a jueves y de 13 euros los viernes, fines de semana y festivos. Mooby Cinemas considera que los espectadores adultos están dispuesto a pagar algo más dinero por un valor diferencial y superior.

Hemos hablado con Pol Hernández i Serrano, responsable de Marketing y Comunicación de Mooby Cinemas, que nos indica que “la renovación de Mooby Gran Sarrià para convertirlo en el primer cine completamente premium pasaba por idear

un nuevo concepto de cine, por convertir el espacio en un ‘club privado’, de ahí el nuevo naming; Mooby Gran Sarrià Club”.

El principal cambio, subraya, “ha sido introducir butacas VIP en las 8 salas, cambiando completamente el aforo y reduciendo las localidades para mayor comodidad y sensación de intimidad, de club”.

En la campaña de lanzamiento, el circuito de cines remarca la idea de ser “el cine más exclusivo para todos los públicos”, ya que, según nos dice Hernández i Serrano, estas nuevas salas “son las más exclusivas a las que puedes ir a ver una película y son para

cualquier tipo de espectador que quiera disfrutar de la mejor experiencia”.

Además de las salas, otro cambio clave es la transformación del bar tradicional del cine a su línea gourmet Première Lounge, que ya inauguraron en Mooby Arenas a finales de año: “Ahora ha llegado a Mooby Gran Sarrià Club con una oferta gastronómica más refinada para combinarla con tus palomitas”.

LOS PROVEEDORES DE GRAN SARRIÀ CLUB

Lo más relevante de la renovación, como nos dicen desde el exhibidor, ha sido

el cambio de las butacas. El fabricante de las nuevas es Euroseating, concretamente con el modelo Prince R10, que poseen reclinación eléctrica, reposapiés motorizado, bandeja integrada y cargador de móvil.

Ahora mismo el complejo tiene un total de 428 butacas. Hay una sala principal de 88 butacas y dos con 71. Además, hay tres salas con 45 butacas, una con 36 y otra con 27. A nivel tecnológico, el complejo mantiene básicamente el equipamiento que tenía. Hacemos un repaso a los equipos con los que cuenta el cine. La sala más grande tiene un proyector Barco DP2K-23B. También hay proyectores Barco pero de otro modelo, el DP2K-15C, en cinco salas. Aparte, hay en dos salas proyectores Christie CP 2000-S.

En cuanto las pantallas, tienen Nacré en 6 salas y Refief 2.4 (3D) en dos salas. La sala principal tiene un tamaño de pantalla de 12,30 x 6,30 metros. Cinco pantallas tienen una horizontal de 9 o 10 metros, mientras que las salas más pequeñas están en torno a los 7 metros de horizontal.

El procesador de sonido de este Mooby tiene la calidad de Dolby. En dos salas está instalado el Dolby CP950, mientras que en el resto está el Dolby CP750. Todas las salas tienen amplificadores QSC y altavoces

K.C.S. de Kelonik

Todos los servidores son de Doremi, seis de ellos con el modelo ShowVault y dos con el DCP-2000. El Theatre Management System (TMS) del complejo viene de parte de Cinemanext

Por último, cabe mencionar que la cartelería digital en la zona de bar es de Iiyama, mientras que en el hall corresponden a Sony y Samsung

MOOBY CINEMAS: 54 SALAS EN BARCELONA

Mooby Cinemas es uno de los circuitos relevantes de la ciudad condal. Actualmente, cuenta con seis complejos y un total de 54 salas en Barcelona

Entre estos equipamientos destacan Mooby Arenas y Mooby Glòries, ubicados en centros comerciales estratégicos; Mooby Aribau, cine de referencia para festivales y preestrenos con más de 1.100 butacas; el centenario Mooby Bosque, habitual escenario de festivales y grandes eventos; y Mooby Balmes, referente en versión original en la ciudad.

Durante 2025, Mooby Cinemas registró cerca de 1,5 millones de entradas vendidas, de las cuales casi 160.000 corresponden a Mooby Gran Sarrià.

DIRECTORA COMERCIAL DE ACEC CINES

FUNDADA

EN

1985, ACEC CINES (ÁREA CATALANA D’EXHIBICIÒ CINEMATOGRÀFICA) ES UNA DE LAS PRINCIPALES

ASOCIACIONES DE SALAS DE CINE EN ESPAÑA. RUBIK HA HABLADO CON SU DIRECTORA COMERCIAL, ISABEL GARCÍA, PARA TENER SU PUNTO DE VISTA SOBRE LA ACTUALIDAD DE LA EXHIBICIÓN CINEMATOGRÁFICA.

ISABEL GARCÍA A

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

ctualmente, la asociación se compone de Multicines Bages Centre (Manresa), Filmax Gran Vía ACEC

4DX (Hospitalet de Llobregat), Multisalas Figueres (Figueres), Multicines Imperial (Sabadell), Multicines Olot (Olot), Multicines Eix Macià (Sabadell), Acec Almenara (Lorca) y Multicines Niessen (Errenteria)

Rubik:¿Cuántos cines y pantallas componen actualmente la red de ACEC? ¿Cómo ha evolucionado la entidad en los últimos tiempos?

Isabel García: Ahora mismo somos ocho cines en ACEC. En origen, en ACEC se juntaron independientes para tener más fuerza y negociar conjuntamente. Crearon una especie de departamento de programación externalizado y eso ha llevado a sinergias que van más allá de la programación, lógicamente.

“LA EXPERIENCIA CATÁRTICA DE LOS CINES ES IMPORTANTE, ES MÁS DIVERTIDO REÍR O

LLORAR CON UN GRUPO DE GENTE”

Últimamente, pospandemia, el circuito ha ido evolucionando y ha ido perdiendo locales en algunos casos, porque algunos se han vendido y otros se han independizado. Ahora mismo, los que se han quedado son los socios fundadores, de hecho. Al final, el núcleo de la empresa es el que ha tenido el peso.

Hay cines como Filmax Gran Vía que, obviamente, cuentan con toda una serie de elementos diferenciales. Seguimos siendo los únicos que tienen tres pantallas 4DX y todos los cines han intentado actualizarse dentro de sus posibilidades, pese a las dificultades que hemos sufrido tras la pandemia.

Pero tenemos que hablar en positivo. Este año estamos de enhorabuena y los cines están funcionando muy bien. Además, con géneros muy diferentes, y eso demuestra que el cine está vivo.

Rubik: Vivimos un proceso de renovación en el mundo de la exhibición. Se tiende a más confort, menos butacas, más ofertas premium en tecnología y comida. ¿Cómo ves esta tendencia y cómo lo notas en vuestros cines?

I.G.: Las salas premium tienen poca representación porque no es que estemos en contra del modelo, pero probablemente

no encaja tanto con nosotros. Sí encaja, lógicamente, el tema de la tecnología: las salas Atmos, que haya buen sonido, proyección láser…. También los formatos 4DX y ScreenX. Este último es un formato especial que no funciona tan bien, pero el 4DX sí.

Pero, al final, hay una necesidad de ofrecer unas salas en condiciones y el público lo agradece. Hay más competencia y la pospandemia ha cambiado un poco los hábitos, así que tenemos que recuperar a ese público que se ha acostumbrado a ver el cine en casa. Evidentemente, le tienes que ofrecer algo más de lo que tiene en su casa.

Pero si un título tiene el suficiente valor por sí mismo y es lo suficientemente llamativo, el espectador va a ir.

La comodidad está muy manida, yo creo que es importante la experiencia catártica. Es más divertido reír o llorar con un grupo de gente. Todas esas experiencias compartidas tienen un plus. La magia —aunque suene súper cursi— es que ir al cine y concentrarte viendo una película y desconectar tiene un valor. Una experiencia interrumpida no se queda grabada en tu memoria.

Rubik: Históricamente, las salas no han contado con ayudas. Ahora es habitual

que haya líneas, gestionadas por las Comunidades. ¿Cómo están funcionando en Catalunya?

I.G.: Es un tema un poco espinoso porque, como tú dices, las ayudas se han planteado pospandemia, en un sector que ha sido totalmente afectado. La producción y la distribución sí tenían ayudas y nosotros siempre hemos quedado excluidos.

“Iniciativas

como Cine Sénior son un poco tramposas porque

se puede pensar que quitan valor, pero generan un hábito y eso es positivo.

Lo ideal sería que hubiese algún tipo de iniciativa similar para la gente joven”

En Cataluña existen unas líneas de ayudas y el ICEC tiene un compromiso muy bueno, aunque siempre queremos más, evidentemente. Es verdad que desde el ICAA

ha habido algún pequeño valle por un tema de presupuestos y algunas ayudas se quedaron un poco huérfanas. En ese sentido sí que estamos algo descontentos.

Pero el ICEC sí que las ha seguido convocando y, cuando ha habido dinero desde Madrid, también se han ampliado a través de las líneas de subvención que ya estaban establecidas en Cataluña.

Rubik: También han surgido algunas iniciativas como Cine Sénior. ¿Qué valoración haces de esta iniciativa?

I.G.: Con Cine Sénior también hemos tenido nuestros problemas con la Administración. Fue una ayuda un poco populista pero todas estas ayudas son bienvenidas.

Lo que está clarísimo es que no sé hasta qué punto el cine es caro. Yo creo que no lo es, siempre lo negaré y lo volveré a decir: el cine no es caro. Estas ayudas son un poco tramposas porque se puede pensar que quitan valor, pero lo que sí hacen seguro es generar un hábito.

Eso hay que verlo como algo positivo. Es una iniciativa que realmente ha llevado gente al cine, sobre todo en los cines de centro. Ha tenido un éxito clamoroso y se va a repetir este año, ya que la convocatoria ya está en marcha.

Lo ideal sería que hubiese algún tipo de iniciativa similar para la gente joven. No sé si exactamente en ese formato, pero sí alguna iniciativa conjunta que incentivase el hábito de los jóvenes de ir al cine.

Rubik: Ahora viene una nueva Fiesta del Cine. Yo he notado un cierto estancamiento de esta iniciativa en cuanto a asistencia. Al principio tuvo un impacto muy grande y ahora parece un poco más quemada. ¿Cómo ves su evolución?

I.G.: El problema es que los usuarios nos adaptamos y al final todo nos parece más

de lo mismo. En ese sentido, probablemente requeriría un mayor impacto mediático. Es muy difícil reinventarla porque la Fiesta del Cine es un modelo que ya existía en otros países y que se ha replicado en muchos sitios.

Se debe mantener esa concesión al usuario, ese momento en el que se le da un valor especial y se habla de cine. Que se hable de cine ya es positivo. Es una excusa para recordar hacer una fiesta, que todos los cines estén volcados y que se hace un precio especial para el usuario. Yo creo que hay que mantenerla. Lo que pasa es que probablemente se requerirían más apoyos o llegar mejor al público porque probablemente no se le da el suficiente impulso.

Rubik: Aunque es complicado por la situación política, en principio, el Gobierno quiere retomar la tramitación de la nueva Ley del Cine. ¿Qué opinión te merece el borrador en lo que respecta a la exhibición?

I.G.: Las reivindicaciones que se hacen desde la exhibición a la Ley de Cine son varias, pero una fundamental es sobre la cuota de pantalla, que desaparezca o funcione por un sistema de incentivos —no de sanciones— y el fomento a la demanda.

De nada sirve tener salas vacías. Se tienen que programar títulos que el público quiere ver. No se trata de imponer, si no de incentivar. La ley tendría que estimular la demanda.

Rubik: Creo que el borrador rebajaba del 25% al 20% la cuota del cine europeo, pero la mantenía…

I.G.: La cuota de pantalla es jurídicamente un poco cuestionable. Al final, las imposiciones siempre serían mejor si se plantearan como incentivos. Ese es nuestro planteamiento y nuestra reivindicación. Tendría que desaparecer o, al menos, transformarse en un compromiso incentivado. Entiendo que

tenemos que tener un compromiso, aunque seamos empresas privadas.

Yo creo que simplemente tendría que premiarse a quien hiciese más programación europea o española. Hay cines que, por su ubicación o por estar en determinados complejos, tienen muy difícil defender ese tipo de programación de manera permanente porque no tienen el público adecuado.

Hay otros cines que lo llevan en su ADN y les cuesta mucho menos defenderla. Y no me parecería mal que se les premiase por ello. Lo que pasa es que trasladar esa obligación a un cine donde no existe ese público es complicado. No es que no queramos ofrecer esas películas; es que no tenemos el público.

“Los dos escenarios de compra de Warner Bros. eran malos, pero con Paramount es un poco mejor. Netflix tiene una posición clara en contra de la sala de cine, aunque luego hable de estar a disposición del público”

Rubik: El año 2026 ha empezado muy bien pero desde la pandemia la asistencia no se ha recuperado tan rápido como se esperaba. ¿Por qué crees que ha sido tan difícil?

I.G.: Por un cambio de hábitos. Eso es una realidad. La pandemia nos ha condicionado muchísimo, también en los horarios y en pequeñas cosas de nuestra vida cotidiana. Todos hemos hecho pequeños cambios.

Lógicamente, las plataformas tuvieron su momento de auge total porque tenían un público cautivo en casa y la gente se acostumbró a ver el cine de otra manera.

Pero creo que sí se está rectificando. Las plataformas están muy bien pero, al final, lo que han hecho es sustituir a la televisión de toda la vida. Siempre se pone el acento en que es una amenaza para la sala de cine pero la experiencia es diferente.

(…) Es una realidad que los porcentajes han bajado, no voy a discutir lo indiscutible. Pero también es verdad que quien iba a ver Marvel iba a seguir viendo Marvel y quien iba a ver cine europeo iba a seguir viendo cine europeo. O iba a ver ambas cosas. Si se crean las sinergias adecuadas, las plataformas tampoco tienen por qué ser un problema. Yo creo que ha habido alguna plataforma que ha querido demonizar a la sala de cine, pero realmente en las plataformas la gente consume sobre todo series, y las series ya las veíamos antes en la televisión. Lo que ha cambiado es el canal y la inmediatez.

Al principio también penalizó mucho que la ventana se recortara. Eso confundió al público. Pero yo creo que ahora mismo la gente ya se va organizando y las ventanas ya no son tan cortas. Los propios estudios se han dado cuenta y han rectificado y están dando unas ventanas adecuadas para sus títulos porque saben que hay una rentabilidad. Hicieron el experimento y ahora más o menos todo va volviendo a su sitio. Con los datos de este año, se está verificando que a la gente le apetece salir.

Rubik: ¿Cómo ves la evolución del marketing y de la comunicación? Ahora, con Internet y las redes sociales, entiendo que ha cambiado bastante la manera de hacer llegar los estrenos al público. ¿Cómo ves la situación actual?

I.G.: A veces echamos de menos que alguna película tenga más refuerzo en cuanto a campañas. Se ha tirado todo mucho hacia las redes sociales y, aunque yo desconozco hasta qué punto la gente ha dejado de ver televisión, el impacto que tiene colocar un tráiler en un partido de fútbol o en una Fórmula 1 es algo que luego se nota.

Las redes sociales están muy bien y todos las utilizamos. Ahora parece que, con la inteligencia artificial, llegas a un target muy concreto, que todo está muy segmentado y está todo perfecto. Pero yo creo que la publicidad y las campañas de marketing tradicionales siguen siendo muy importantes.

Ver un buen display, un standee en los cines, ver campañas por la calle o tener

presencia televisiva... La televisión sigue teniendo sus momentos pico de audiencia y, obviamente, hay que optimizarlos. Yo creo que eso sigue siendo un elemento muy importante.

También es verdad que han proliferado las distribuidoras y las películas. Tenemos muchísimos títulos. Hay independientes que trabajan muy bien su producto pero otros creen que con poner la película en la sala de cine ya ha acabado su trabajo. Pero si haces simplemente eso, la película pasa sin pena ni gloria porque no tiene acceso al público. A veces son contenidos muy dignos y que tendrían su público, pero si no tienes esa comunicación y no haces esa inversión, es muy complicado.

Rubik: Respecto a la recuperación de las salas, otro factor decisivo es que con la propia pandemia y las huelgas las majors han estrenado menos películas y al final ellas representan la mayor parte de la asistencia a salas.

I.G.: Esos elementos impidieron volver a la normalidad. Pero también es cierto que este año los grandes distribuidores y estudios están volviendo a mover producto potente. Habrá que ver qué pasa con movimientos como la posible fusión entre Paramount y Warner, o qué papel pueden ocupar nuevos actores como Amazon, que ya está entrando con fuerza en el mercado theatrical

Lo de Warner y Paramount está por ver, pero se habla de un compromiso de 15 títulos por estudio, 30 en total, lo cual no estaría mal.

En CinemaCon, el mensaje era claro: el theatrical vuelve a ser importante para ellos. Y ahora hay que confiar en que se mantenga esa apuesta.

Rubik: Sobre la posible fusión de Paramount y Warner, evidentemente había mucha incertidumbre. Dentro de que las fusiones no suelen ser buenas porque tienden a reducir títulos, en este caso probablemente era mejor que otros escenarios, como una integración con Netflix, que es una empresa que no cree en el theatrical.

I.G.: Los dos escenarios eran malos, pero con Paramount es un poco mejor. Netflix, en ese sentido, es muy duro con las salas de cine. Sus propios estrenos, cuando tienen entidad, no se explotan en sala como podrían. Por ejemplo, La sociedad de la nieve podría haber sido una película de 20 millones en España o más, pero su potencial se redujo porque no se plantea desde una lógica de explotación en salas.

“A veces echamos de menos refuerzo en cuanto a campañas. Las redes sociales están muy bien, y todos las utilizamos, pero la publicidad y las campañas de marketing tradicionales siguen siendo muy importantes”

Netflix tiene una posición clara en contra de la sala de cine, aunque luego hable de estar a disposición del público. Su público quiere el estreno inmediato en plataforma, y eso es incompatible con la ventana cinematográfica. Además, sus películas de premios, en mi opinión, a veces carecen del pulso de un productor más presente que aporte un mayor control comercial. A menudo son películas con

exceso de metraje o con decisiones demasiado autorales. Falta esa figura que equilibra lo creativo con lo comercial.

Paramount y Warner representan otro modelo. Warner, como estudio de creadores, aporta ese equilibrio entre comercialidad y talento. Y aunque estas fusiones siempre generan dudas, es mejor este escenario que una deriva hacia plataformas puramente digitales.

Rubik: ¿Cómo de importante crees que es el producto local para la recuperación y para la salud en general de la asistencia?

I.G.: Es importantísima. Es básico tener una industria fuerte en cada territorio, porque no puedes depender solo de terceros. En España, Francia o Italia se ve claramente: cuando el cine local funciona, marca la diferencia.

Nosotros dependemos mucho del cine estadounidense y eso no se revierte de la noche a la mañana, ni nadie pretende que se revierta. Si a la gente le gusta, pues obviamente es lo que se le tiene que dar.

(…) Tener buenos creadores, hagan taquilla mayor o menor, es clave. El año pasado el fenómeno Sirat y Los domingos. Ahora mismo hay gente haciendo cosas buenísimas. Viene El ser querido de Sorogoyen o La bola negra, que le tengo muchísimas ganas. Es bueno haber tenido esa representación en Cannes con tres títulos en sección oficial.

FECE RECLAMA UN REPARTO

IGUALITARIO DE LAS AYUDAS Y PIDE

CAMBIOS EN LA VENTANA Y LAS CUOTAS

LA FEDERACIÓN DE CINES DE ESPAÑA (FECE) PRESENTÓ RECIENTEMENTE EL INFORME ANUAL ‘LAS SALAS DE CINE.

DATOS 2025’. RUBIK ACUDIÓ AL ACTO PARA CONOCER LOS ÚLTIMOS DATOS DE ESTA AUTÉNTICA RADIOGRAFÍA DE LA SITUACIÓN DE LA EXHIBICIÓN EN ESPAÑA, QUE ADEMÁS ES COMPARADA CON OTROS PAÍSES DE LA UNIÓN EUROPEA.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

Las cifras que estamos viendo en 2026 son tremendamente positivas y ofrecen un horizonte ilusionante para que la exhibición por fin pueda acercarse a la tan ansiada recuperación postpandémica.

No obstante, el 2025 no fue lo bueno que hubiera sido deseable y esto es lo que refleja este estudio de FECE, entidad que representa a más del 80% de los empresarios de salas de cine.

En ese sentido, las salas de cine cerraron el 2025 con 65 millones de espectadores, un descenso del 8%, y el segundo año consecutivo de caída tras el descenso registrado en 2024.

En lo que respecta a recaudación, el saldo fue de 453 millones de euros ingresados Aquí la caída es menor, en un 4,9% con respecto al año previo.

“Estas cifras confirman que la recuperación iniciada en 2022 y 2023, no sólo se interrumpió, sino que dio paso a un retroceso en la asistencia muy irregular en 2025: con un crecimiento del 3% el primer semestre, seguido de una caída del 16% en el segundo. En este contexto, las ayudas públicas se revelan como un instrumento esencial para garantizar la supervivencia de las salas de cine como equipamientos culturales”, apuntan desde FECE.

Hay que resaltar que los datos que se reflejan en el estudio ‘Las salas de cine. Datos 2025’ tienen como fuentes Comscore Movies (ahora Rentrak), Ministerio de Cultura, Censo de Salas de Cine AIMC y UNIC- International Unión of Cinemas.

Como comentaba el presidente de FECE, Álvaro Postigo, en esta ocasión han querido poner el acento en aspectos cualitativos, sobre

todo en cuanto a comparación con otros países europeos o en relación a diferencias entre regiones en España.

Avatar: Fuego y Ceniza lideró el ranking de películas más vistas mientras que Padre no hay más que uno 5 fue la mejor en el ámbito nacional. Hubo 30 películas a lo largo del año que estuvieron al frente de la tabla semanal en algún momento.

El mejor fin de semana fue el último, el del 26-28 de diciembre con 9,9 millones de euros aunque el mejor día de asistencia fue el 2 de julio con 554.244 euros.

El cine español obtuvo una cuota de taquilla del 19%, la misma cifra que el año anterior. En comparación con los mejores mercado de nuestros homólogos europeos, el dato es más bajo: Francia (37%), Italia (32%) y Alemania (27%). Hay que subrayar que en el primer trimestre del 2026 el cine español

ha protagonizado una cuota del 30%, una cifra que el cine español hace mucho que no consigue.

El parque de salas de cine se mantiene estable. Existe, a fecha de 2025, un total de 760 cines (+1,1%) y 3.562 pantallas (+0,1%), además de un total de 732.080 butacas (-0,8%).

FECE indica que hay 418 empresas exhibidoras, de las cuales el 83% son microempresas. Estas compañías dan empleo a 6.483 trabajadores.

Andalucía es con 647 la región con más pantallas (22 más respecto a 2024). Le siguen Catalunya con 576 (+4) y la Comunidad de Madrid con 544 (misma cifra que el año previo). Otros territorios con un parque amplio son la Comunitat Valenciana con 417 (-1), Euskadi con 198 (-1) y Galicia y Castilla y León con 176, una y tres pantallas más respectivamente en comparación con 2024.

Canarias (-13 pantallas) y Navarra (-9 pantallas) son las Comunidades que han registrado mayores perdidas de pantallas en su censo.

España tiene 73 pantallas por millón de habitantes. FECE lo compara con otros países europeos y nuestro país tiene una buena cifra entre los estudiados, solo por detrás de Irlanda (104) y Francia (93). Por ejemplo, Reino Unido tiene 66 pantallas por millón de habitantes, Italia posee 60 y Alemania cuenta con 58.

La Comunidad de Madrid, con 13,9 millones de espectadores, comanda la lista de las Comunidades Autónomas con mayor número de espectadores, seguida de Cataluña, con 11,9 millones de espectadores y Andalucía, con 9.4 millones de espectadores.

A continuación, vienen la Comunitat Valenciana con 7,5 millones de espectadores, País Vasco con 3,2 M, Galicia con 2,7 M, Castilla y León con 2,69 M, Canarias con 2,5 M y Región de Murcia con 2,2 M.

La Rioja (-3%), País Vasco (-5.2%) y Cantabria (-6%) son las regiones que han registrado un menor descenso en la variación de espectadores. Por otro lado, Ceuta y Melilla (-19.8%), Navarra (-11.9%) y Andalucía (-11.5%) son las Comunidades que han registrado caídas de espectadores mas pronunciadas.

PETICIONES DE LA FEDERACIÓN

FECE se apoya en ciertos datos y comparativas para intentar convencer al

ICAA y otras instituciones de hacer una serie de cambios, especialmente en el marco de una Ley del Cine que no sabemos qué futuro va a tener pero que, supuestamente, se va a intentar promover de nuevo.

Uno de los aspectos en los que más incidieron en la presentación fue el desigual reparto de las ayudas a salas de cine por parte del ICAA

“En un escenario de retroceso, la línea de ayudas del ICAA es fundamental para garantizar la supervivencia de las salas de cine y fomentar la cultura y la diversidad cinematográfica. Y por eso, el reparto no puede ser desigual”, señala FECE.

En 2025, Aragón, Asturias, Extremadura y La Rioja no ejecutaron el reparto de las ayudas, quedando estos cines sin acceso a esta línea de apoyo.

Además, el estudio realiza un análisis comparativo entre los importes distribuidos para cada comunidad autónoma, con las

pantallas de cine registradas en cada una de ellas y, según recalcan, “aparecen grandes diferencias en el reparto que carecen de sentido”.

Por ejemplo, la Comunidad de Madrid ha recibido una ayuda de 1.782€ por pantalla, Canarias 2.132€ por pantalla y Andalucía 2.277€ por pantalla, pero en cambio los cines en Cantabria han recibido 3.807€ por pantalla y los cines en Navarra 3.632€ por pantalla. Entre medias, encontramos casos como los de Catalunya con 2.732€ por pantalla, Galicia con 2.647€ por pantalla y Comunitat Valenciana con 2.566€ por pantalla.

De hecho, hay regiones que ni siquiera han ejecutado las ayudas asignadas: Aragón, Asturias, Extremadura y La Rioja.

“Llama especialmente la atención el caso de Madrid, uno de los tres principales mercados en cuanto al número de cines y pantallas, el primer mercado de espectadores y sin embargo es el último en

el reparto de las ayudas”, apuntan desde FECE.

La federación aboga por un criterio único: “El sector considera que este reparto dispar de las ayudas no puede

volver a producirse, y para ello propone como criterio único de reparto el número de pantallas inscritas en cada territorio, de tal forma, que reciban la misma ayuda independientemente de su ubicación, ya que

la exhibición cinematográfica es un mercado único”.

En otro orden de cosas, hay una comparativa con Francia, Italia y Alemania en relación a la ventana de exhibición y la cuota de pantalla.

Para FECE es muy relevante que España es el único país de estos cuatro donde la ventana de exhibición no está regulada por ley, y al mismo tiempo es el único con una cuota de pantalla obligatorio para el cine europeo. También subrayan que Italia ofrece incentivos fiscales específicos para los exhibidores. En lo que coinciden los cuatro es que hay regulación específica para las ayudas a salas de cine y en que realizan campañas de promoción para fomentar la asistencia a los cines con financiación pública, parcial o total.

“Una vez más, y de cara a la nueva Ley del Cine que mantiene su retraso en la aprobación, para las salas de cine es imprescindible que la nueva ley recoja definitivamente la ventana de exhibición, que la cuota de pantalla pase de ser un sistema de sanciones a un sistema de incentivos para fomentar con éxito la diversidad cultural y que se incluya a los cines, junto a los otros subsectores, en los incentivos fiscales”, sostienen.

LAS TENDENCIAS DE LA ASISTENCIA A SALAS SEGÚN CINEQUEST

EL MISMO DÍA QUE SE PRESENTÓ EL ÚLTIMO ESTUDIO DE FECE SOBRE SALAS DE CINE, COMSCORE MOVIES,

AHORA REBAUTIZADA DE NUEVO COMO RENTRAK, TAMBIÉN REVELÓ LOS DATOS DE SU ÚLTIMA ENCUESTA

CINEQUEST. JOAQUÍN VEGAS, CLIENT INSIGHTS MANAGER, PRESENTÓ LOS DATOS RECABADOS PARA ANALIZAR EL COMPORTAMIENTO DEL ESPECTADOR CINEMATOGRÁFICO EN LOS 18 MESES PREVIOS.

Este informe Cinequest de Rentrak se ha compuesto de más de 39.500 encuestas realizadas, abarcando preguntas sobre 427 títulos, con un promedio mensual de 28 títulos.

Cada encuesta tiene como universo a personas a partir de 18 años que hubieran acudido al cine en la semana previa. Con un error muestral del 2,19%, se entrevistó a 500 personas cada semana a través de encuesta online y de forma aleatoria. El cuestionario era en formato de autocumplimiento online con respuestas cerradas.

Las Comunidades Autónomas con mayor representatividad en el estudio son la Comunidad de Madrid (23%),

Andalucía (16,8%), Catalunya (13,3%), Comunitat Valenciana (9,9%), Galicia (6%), Castilla y León (5,5%) y Euskadi (4,6%).

En lo referente a géneros cinematográficos , entre los 427 títulos recogidos, lidera claramente el que predomina es el drama con 126 largometrajes. Después, le siguen la comedia con 69, la animación con 64, el terror con 48, la acción con 40 y el thriller/suspense con 35.

En cuanto al perfil del espectador, las mujeres superan a los hombres representando el 53,7% del público. En cuanto a las franjas, están todas muy igualadas aunque lidera la de +55 años con 24,% salvo por la franja de 18-24 años, con solamente 6,9%. Más allá de

que es la franja con menos cantidad de años (la mayoría son 10 años y no 7), el dato es muy sorprendente en lo negativo, ya que normalmente son los más jóvenes los que más van al cine. En otro artículo vamos a abordar en RUBIK las posibles razones de este dato. Las audiencias jóvenes están más orientadas a un perfil femenino. Así, en la franja 18-24 años, las mujeres representan el 68,3% y en la de 25-34 años suponen el 60,5%. Los mayores de 55 años constituyen el único tramo con mayoría masculina (58,7%).

Las edades medias están más igualadas pero con mayoría femenina: las mujeres alcanzan el 55,9% en la franja 35-44 años y el 53,7% en el tramo de 45-54 años. El romance (64%), el musical (62%), la comedia (58%) y el drama (55%) son

DONDE LAS GRANDES HISTORIAS

CONECTAN CON LAS PERSONAS

513 Salas · 50 Complejos

Puesto 11 en el ranking ‘Giants of Exhibition: Europe’

EL CINE SE VIVE EN EL CINE

LAS SALAS DE CINE SIGUEN SIENDO UN ÚNICO ESPACIO: CULTURAL,

SOCIAL, EMOCIONAL Y TECNOLÓGICO

En el marco de CineEurope 2026, el gran encuentro internacional de referencia para la industria de la exhibición cinematográfica, Cine Yelmo celebra su posición como uno de los actores clave del mercado europeo y como referente de la experiencia cinematográfica en España.

La compañía se sitúa como el primer circuito español en el ranking europeo “Giants of Exhibition: Europe”, ocupando el puesto 11 de la clasificación con 513 salas y 50 complejos. Un reconocimiento que pone en valor su dimensión, su capilaridad y su papel en la evolución de una industria que sigue demostrando su capacidad de adaptación, innovación y conexión con las audiencias.

Pero liderar no es solo ocupar una posición destacada en un ranking. Liderar es tener una visión clara de futuro. Es entender que la sala de cine sigue siendo un espacio único: cultural, social, emocional y tecnológico. Un lugar donde las historias se convierten en experiencias compartidas y donde cada detalle cuenta para que el espectador quiera volver.

Desde esa visión, Cine Yelmo trabaja para seguir elevando el estándar de la exhibición cinematográfica en España, impulsando un modelo basado en la innovación, la calidad, la comodidad y la mejora continua de la experiencia. Una estrategia que combina crecimiento, tecnología, conocimiento del público y una apuesta decidida por hacer de cada visita al cine un momento diferencial.

En un contexto en el que la industria audiovisual evoluciona a gran velocidad, Cine Yelmo mira al futuro con una ambición clara: reforzar el valor de la gran pantalla, seguir acercando el cine a nuevos públicos y consolidar la sala como el mejor destino para vivir las historias en toda su dimensión.

LIDERAR ES MIRAR AL FUTURO DE LA GRAN PANTALLA

Para mí, liderar Cine Yelmo significa seguir defendiendo el valor único de vivir el cine en una sala de cine. En un contexto en el que el consumo audiovisual evoluciona constantemente, nuestro reto es ofrecer una experiencia diferencial, capaz de hacer que cada espectador sienta que venir al cine merece la pena.

La gran pantalla sigue teniendo algo insustituible: reúne, emociona y genera espacios compartidos. Convierte una película en un momento colectivo, en una experiencia que se vive con otros y que permanece mucho más allá de los títulos de crédito.

Nuestra visión de futuro combina innovación y cercanía. Innovación para seguir transformando nuestros espacios, incorporando tecnología y desarrollando nuevas formas de disfrutar del cine. Cercanía para escuchar al espectador, entender cómo cambian sus hábitos y cuidar cada detalle de su visita.

En los últimos años hemos impulsado una evolución muy importante en Cine Yelmo: renovación de complejos estratégicos, mejora de servicios, avance tecnológico y una propuesta cada vez más completa y personalizada. Todo responde a una misma ambición: seguir siendo un referente en la forma de vivir el cine en España.

Nuestra consolidación como primer circuito español en el ranking europeo “Giants of Exhibition: Europe”, en el marco de CineEurope 2026, es un reconocimiento que nos llena de orgullo y un impulso para seguir mirando hacia delante.

Porque liderar no es solo ocupar una posición destacada. Liderar es anticiparse, evolucionar y construir una experiencia cinematográfica relevante, emocionante y memorable.

Y en Cine Yelmo, ese futuro ya se está viviendo.

Jaime Gerbolés

Director General de Cine Yelmo

CINE YELMO PROFFESIONAL

Soluciones

para

empresas, marcas e instituciones

Cine Yelmo Professional pone a disposición de empresas, marcas e instituciones sus salas, espacios y soportes para crear acciones de alto impacto en un entorno único: la gran pantalla.

1. Corporate

Para incentivar, fidelizar y conectar con clientes, empleados y colaboradores

Venta corporativa de entradas

Entradas de cine a precios especiales para acciones de incentivo, promoción o fidelización dirigidas a clientes, empleados, colaboradores o comunidades.

Pases privados

Proyecciones exclusivas para empresas, colegios, grupos o colectivos, con posibilidad de elegir cine, película, horario y configuración de la experiencia.

Programas de fidelización e incentivos

Soluciones pensadas para premiar, motivar o generar engagement a través de una experiencia de ocio atractiva, flexible y de alto valor.

2. Events

Para presentar, reunir y celebrar en un entorno diferente

Alquiler de salas y espacios

Salas, halls o cines completos para eventos corporativos, presentaciones, reuniones, conferencias, lanzamientos, formaciones, celebraciones o encuentros internos.

Eventos corporativos

Espacios adaptados para convertir una convención, rueda de prensa, entrega de premios, jornada de formación o acción de team building en una experiencia memorable.

Experiencias diferenciales para eventos

Diferentes formatos de sala para adaptar cada evento al tipo de público, objetivo y aforo necesario.

3. Media & Brand

Experiences

Para dar visibilidad, generar impacto y activar marcas

Publicidad en pantalla

Campañas publicitarias en la gran pantalla, en un entorno de alta atención, con estimaciones de audiencia por título y cine, y certificación de audiencia real al finalizar la campaña.

Acciones especiales de marca

Activaciones en el cine para ampliar la presencia de marca y conectar con el espectador antes, durante o después de la película.

Personalización y soportes en el complejo

Stands en hall, personalización de bares, palomiteros y espacios, sampling en sala, vinilos y pantallas digitales de lobby.

4. Yelmo School

Para acercar el cine al entorno educativo

Propuestas para centros educativos y colegios, incluyendo pases privados y experiencias adaptadas para públicos escolares.

UN DESTINO. MUCHAS FORMAS DE VIVIR EL CINE

E n Cine Yelmo, cada espectador encuentra su propia forma de vivir la gran pantalla. Un recorrido por experiencias que combinan innovación, confort, inmersión, gastronomía y emoción para convertir cada visita en mucho más que una película.

Destino Luxury

El cine en clave exclusiva.

Máximo confort, servicio diferencial y una experiencia más sofisticada para disfrutar cada película con todos los detalles.

Destino Premium

Más comodidad. Más experiencia. Butacas más confortables, mayor amplitud y una forma de elevar la sesión desde el primer minuto.

Destino Sala Junior

El cine también se juega.

Una experiencia pensada para que los más pequeños disfruten de la gran pantalla en un entorno cómodo, divertido y familiar.

Destino Salas Híbridas

Flexibilidad para cada espectador. Espacios que integran diferentes opciones de butacas y experiencias para adaptarse a distintos públicos, momentos y formas de consumo.

Destino MacroXE

La gran pantalla en su máxima expresión.

Imagen espectacular, sonido envolvente y una experiencia de alto impacto para vivir los grandes estrenos en grande.

Destino 4D E-Motion

Cuando la película también se siente.

Movimiento, vibración y efectos ambientales para entrar en la acción y vivir el cine con todos los sentidos.

Destino Gastronomía

Mucho más que palomitas.

Una propuesta que completa la experiencia y convierte la visita al cine en un plan de ocio más sabroso, cómodo y disfrutable.

Destino +QueCine

Mucho más que películas.

Eventos exclusivos, deportes, ópera y contenidos alternativos para disfrutar el cine de una forma diferente.

Destino Tecnología

La mejor imagen en cada sesión.

La tecnología láser presente en la mayoría de nuestras salas garantiza una experiencia visual superior.

© Rentrak

claramente la principal desmotivación con un 41%.

A continuación, otros aspectos a tener en cuenta son que no saben si les gustará la película (23%), que consideran que es más cómodo ver películas en casa (18%), que tienen otras cosas que hacer (15%), que los horarios son limitados (14%) o que el público les incomoda (11%).

Los encuestados también respondieron acerca las razones por las que elegir una película. La primera es el género o la temática (37%), seguida del tráiler (25%), acompañar a una persona que quería verla (23%), recomendación de otras personas (18%), los actores (18%) y las buenas críticas (16%).

los géneros preferidos por el público femenino.

Por su parte, la contrapartida masculina prefiere la ciencia-ficción (59%) y la acción (54%). El suspense (28%), el drama (27%) y la comedia (26%) son los géneros más fuertes en la franja de mayores de 55 años. Para el público millennial sobresalen la fantasía (50%) y el terror (32%).

Otro dato interesante del estudio es con quién fueron los encuestados Un 50,4% respondió que con su pareja. Otras relaciones de peso fueron con amigos (19,8%), solo (13,1%) y en familia con niños (12,5%).

Cinequest también analiza el hábitat del espectador . Un 71,1% corresponde a áreas metropolitanas, es decir, de poblaciones de más de 50.000 habitantes.

En la franja de lugares de más de 500.000 habitantes constituye el 26,2%. Entre las poblaciones entre 50.000 y 200.000 habitantes, el porcentaje es el 27,6%. Sin embargo, en la franja de 200.000-500.000 habitantes baja al 17,3%.

RAZONES PARA IR

A LAS SALAS DE CINES

Pasamos a uno de los puntos más relevantes del informe Cinequest: los motivos para ir al cine . Según las encuestas de Rentrak, la principal razón es la experiencia cinematográfica en sí (pantalla grande, sonido, butacas) con un 51%.

¿Cómo descubren las películas los espectadores? La publicidad en Televisión sigue liderando, con un 28%. En segundo lugar, con un 25%, están empatados la promoción en Redes Sociales y la publicidad en Cines.

Otros factores importantes son tener un plan que hacer fuera (37%), que sea un estreno de especial relevancia (36%), interés por el director o el reparto (28%) o el hecho de contribuir a mantener el cine (21%).

Rentrak también pregunta por las razones para no ir y el precio, tanto de las entradas como de la comida y bebida, es

Cómo descubren las películas los espectadores es otro de los asuntos relevantes del estudio. A pesar de lo que se pueda pensar, la publicidad en Televisión sigue liderando, con un 28%. En segundo lugar, con un 25%, están empatados la promoción en Redes Sociales y la publicidad en Cines. Un poco después, con un 24%, queda las recomendaciones de amigos y familiares. La promoción en Internet y los artículos sobre la película seguirían con un 17%. Los últimos canales de importancia son la publicidad en Exteriores, con un 13%, y la publicidad en Radio, con un 7%.

Dentro de las redes sociales , el informe resalta que Instagram es el líder con un 27,1%, seguida por el 21,8% de YouTube y el 18% de TikTok. A continuación, quedarían Facebook con 15,8% y X/Twitter con 10,7%.

ASÍ ES EL PÚBLICO ‘GEN Z’: MÁS SELECTIVO Y ATRAÍDO POR LAS PELÍCULAS EVENTO

UN ESTUDIO CINEQUEST RECIENTE REALIZADO POR RENTRAK (ANTES COMSCORE MOVIES) REVELA QUE LOS ESPECTADORES ENTRE 18 Y 24 AÑOS REPRESENTAN EL 6,9% DE LA ASISTENCIA AL CINE EN LOS ÚLTIMOS 18

MESES. LA CIFRA SORPRENDE PORQUE, A PRIORI, CONTRADICE UNA IDEA ASENTADA EN LA INDUSTRIA Y QUE AVALAN OTROS INFORMES: LOS JÓVENES SON, POR DEFINICIÓN, EL PÚBLICO MÁS FIEL A LA GRAN PANTALLA.

CABE PREGUNTARSE, SI ESTA FRANJA DE EDAD SIGUE PERCIBIENDO IR AL CINE COMO UNA EXPERIENCIA

ESPECIAL O HA SUFRIDO UNA DESCONEXIÓN CULTURAL Y/O SOCIAL.

POR NEREA MÉNDEZ PÉREZ

Imagina que el pasado fin de semana estrenaron una película que no pudiste ir a ver al cine por la razón que fuera, pero has estado leyendo críticas positivas y en redes sociales has visto historias de conocidos yendo a verla o hilos debatiendo sobre el contenido de la misma. Cuando vuelves el lunes a clase o al trabajo, tus compañeros sacan el tema de la película y tú no puedes participar activamente en la conversación. ¿Esta situación te generaría ansiedad? ¿Sientes que te estás perdiendo una experiencia y que si no te das prisa en acudir al cine puede que sea demasiado tarde para ser parte de ese fenómeno?

Si la respuesta a todas esas preguntas es afirmativa, lo que estás experimentando se

conoce como FOMO (Fear of Missing Out o miedo a perderse algo), un concepto muy extendido en el espectador joven (de 15 a 25 años) que condiciona en cierta medida muchas de sus decisiones relacionadas con el ocio. El cine, como experiencia colectiva, no es ajeno a las lógicas de este perverso concepto.

“El cine sigue teniendo un valor muy claro como experiencia: pantalla grande, sonido, plan social…”, explica Joaquín Vegas, Client Insights Manager de Rentrak, “de hecho, muchos jóvenes siguen pensando que hay películas que hay que ver en el cine, pero es cierto que esa sensación se limita a ciertos títulos”. Igual que reconocen que hay cintas dignas de ver en las salas, también

consideran otros contenidos más propios del consumo en casa y prefieren esperar para verlos allí.

No obstante, y aquí entra en juego el FOMO, “cuando un título se vuelve viral, los jóvenes acuden a verlo durante las primeras semanas para ser parte del fenómeno”, señala Vegas, “no es tanto que hayan dejado de interesarse por el cine, sino que han cambiado la forma en la que consumen contenido”.

¿Y SI ME PIERDO UNA GRAN PELÍCULA?

Ese 6,9% que sobresale entre todos los datos de la asistencia al cine que contabiliza la encuesta de Cinequest, herramienta de métrica

sociodemográfica de Rentrak, y que representa al público más joven, no es una alerta sobre la pérdida de un segmento poblacional. Al contrario, debemos verlo como un aviso de que no estamos sabiendo interpretar el comportamiento de un nuevo público joven

que se moviliza en masa y que se ha vuelto más selectivo ante la fragmentación de las opciones de ocio.

La última encuesta de hábitos y prácticas culturales (2024-2025), realizada por el Ministerio de Cultura, apunta a una bajada de la asiduidad en esta franja de edad en los últimos tres meses (suponen el 47,3%), así como en el número medio de veces que acudieron al cine (2,5), pero los jóvenes de 20 a 24 años continúan liderando las cifras de asistencia frente a otros segmentos de la población. En este caso, resulta sorprendente cómo a pesar de acudir con menos frecuencia, el público joven y su poder de concentración continúa haciendo que varios títulos se coloquen en lo más alto de la taquilla año tras año.

Para comprender mejor esta bajada en la asistencia, el analista de Rentrak comparte tres factores que podrían estar afectando al comportamiento de los jóvenes. En primer lugar, señala “la comodidad del streaming, que ofrece una opción más flexible”, pero también ve determinante el lugar que ahora ocupan los videojuegos y las redes sociales en el tiempo de ocio de los jóvenes.

Asimismo, identifica que hay un contexto de fondo importante: “Los jóvenes en España están viviendo una situación económica complicada, con menor capacidad adquisitiva y más presión sobre el ocio. Eso hace que cualquier gasto, como ir al cine, se evalúe mucho más”.

Otro dato de la propia encuesta Cinequest confirma esta idea, pues el 41% del público –ya no solo el de esta franja de edad– sostiene que las entradas y productos de bar son demasiado caros. Vegas considera que el precio no es un factor excluyente y que no expulsa al público joven de las salas, pero “contribuye a que el consumo sea más selectivo”. Es decir, se sigue yendo al cine, pero ahora cada decisión está mucho más condicionada por el valor percibido de cada película.

“Cuando una película se vuelve viral, los jóvenes acuden

a verla durante

las primeras semanas para ser parte del fenómeno”

Joaquín Vegas, Rentrak

Esto nos remite a una pregunta clave: ¿consideran los jóvenes que hay una menor presencia de películas percibidas como verdaderamente imprescindibles para ver en la sala? Manuel Berna, presidente de Neocine, se aproxima a esta cuestión cuando dice que “el público en general se mueve mucho por la película evento”. Al contrario que el público familiar, que lleva a los niños al cine con

Torrente presidente.

© Jorge Fuembuena

Imagen cortesia de Atresmedia Cine

cierta asiduidad, o el público más adulto, que ha tenido la costumbre de ir al cine de manera más regular, la estadística de los jóvenes “puede variar en función del evento cinematográfico”, opina el CEO de Neocine.

“Creo que la gente joven tiene muchas opciones de ocio, entonces solo va al cine cuando es algo muy grande. Hay una parte de ese público que estamos generalizando, pero es cierto que se moviliza cuando todos sus círculos hablan de la película”, argumenta. Este ‘efecto llamada’ se hizo más evidente tras la pandemia, con títulos como Barbie, Oppenheimer, Super Mario Bros: La película o Torrente, presidente, entre muchos otros. “El mercado postpandemia funciona así, a picos. Y este es un público que, de repente, no está y aparece en masa”, reflexiona Berna.

Él pone como ejemplo reciente de esta tendencia La asistenta, que se estrenó la primera semana de 2026 y acumuló más de dos millones de espectadores en salas y una recaudación de casi 15 millones de euros solo en España. “Conozco mucha gente de esta franja de edad que el año pasado apenas fueron al cine, sobre todo después del verano y hasta final de año. Entonces llegó La asistenta, porque Avatar ya tiene un público fiel, y fueron en masa a verla”, dice Berna. No obstante, no basta con querer convertir un estreno en un acontecimiento. Movilizar a los jóvenes también depende mucho del producto. En palabras del presidente de Neocine: “Si el producto no lo merece y no tiene la calidad o el atractivo para este segmento de la población, por mucho que se quiera generar una película evento será difícil. Siempre es complicado dar con la tecla, pero por lo que hemos vivido estos años atrás, cuando se da en ella este segmento responde”.

En esta misma línea, el analista de Rentrak señala que “el joven responde bien cuando siente que vale la pena o que está viviendo algo que no tiene en casa”. La clave, según él, es “hacerles sentir parte de algo especial”.

EL FUTURO DEL PÚBLICO JOVEN

EN LAS SALAS

Al ser preguntado por los retos que afronta el circuito de la exhibición española, Berna lo tiene claro: “Creo que, al final, el objetivo sería conseguir que esa franja de edad vaya al cine con regularidad, no solo a la película evento”. El presidente de Neocine recuerda que cuando era joven y llegaba el fin de semana, una de las principales opciones de ocio era ir al cine y ver qué se había estrenado. “Ahora la audiencia está muy fragmentada y el reto es conseguir eso”, señala.

“Creo que, al final, el objetivo sería conseguir que esa franja de edad vaya al cine con regularidad, no solo a la película evento”

Manuel Berna, Neocine

Por su parte, Vegas apunta que la recuperación de este hábito en el público más joven es una responsabilidad compartida entre varios sectores de la cadena audiovisual. “Las distribuidoras necesitan ofrecer contenido que conecte, los exhibidores tienen que adaptar precios y experiencia, y también las instituciones

pueden ayudar a facilitar el acceso”, argumenta.

Ambos entrevistados apuestan por ver el vaso medio lleno. Para Vegas, “este 2026 estamos disfrutando de contenido variado, original y con gran conexión con el público joven, y por ello sus números de asistencia están mejorando”. Recientemente, hemos conocido que la asiduidad general en los primeros cinco meses del año ha aumentado en un 36% respecto a 2025, lo que supone el mejor arranque desde 2019.

“No sé en el fondo si ya estamos en el mercado anterior a la pandemia; es difícil saberlo. Es verdad que los datos de este año son muy buenos, pero dependemos mucho de los grandes eventos y las grandes películas”, aclara Berna. “Hay una subida generalizada a nivel mundial, pero hay mercados importantes que no están viendo estos incrementos. Creo que en el caso de España una parte importante de ese aumento ha sido el fenómeno Torrente”, añade.

“Todos estamos expectantes a ver cómo va la segunda parte del año, porque hay títulos muy fuertes. Vamos a ver cómo termina la segunda parte del año, qué títulos hay y a ver cuál es la foto final de este año”, concluye con ánimos, pero cauteloso.

Por delante tenemos, entre otros muchos, estrenos como El día de la revelación, de Steven Spielberg; Tadeo Jones y la lámpara maravillosa de Enrique Gato; el regreso de un clásico de Pixar como Toy Story 5; Supergirl de DC Studios, u Obsession, de Curry Barker. A falta de conocer también qué tal han funcionado entre el espectador joven dos títulos como El drama o Backrooms. Como si se tratase de una quiniela, ¿cuáles serán las películas consideradas como imprescindibles y que movilizarán al público joven?

LOS 10 CINES EN ESPAÑA CON MÁS ASISTENCIA EN 2025

EN UNA EDICIÓN TAN ENFOCADA EN LA EXHIBICIÓN COMO ESTA, EN RUBIK HEMOS QUERIDO HACER UN RANKING CON LOS COMPLEJOS CINEMATOGRÁFICOS EN ESPAÑA CON MÁS AFLUENCIA DE ESPECTADORES, A PARTIR DE LOS DATOS DE RENTRAK (ANTES COMSCORE MOVIES) PARA EL AÑO 2025. UNA RADIOGRAFÍA

PARA CONOCER LOS TEMPLOS DE CINE QUE MÁS ‘FELIGRESES’ CONGREGAN..

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

1. KINÉPOLIS BARCELONA SPLAU (Cornellà, Barcelona) – 28 pantallas

Rasgos del cine: El complejo cuenta con 28 salas, lo que lo convierte en el cine con mayor número de salas de España. Esta capacidad le permite ofrecer una cartelera muy amplia, mantener títulos durante más semanas y llegar a públicos diversos. Además, destaca por su programación de sesiones matinales todos los días del año y por sesiones en versión original, cine europeo y cine en catalán, con la voluntad de ampliar próximamente su oferta a más lenguas. Todas sus salas son de proyección láser, mejorando la calidad de imagen y contribuyendo a una mayor eficiencia energética. Además, 19 de sus 28 salas cuentan con sonido Dolby Atmos, lo que lo sitúa como el cine con mayor número de salas equipadas con esta tecnología en España.

Novedades recientes: Para mejorar el confort, sus instalaciones han sido renovadas recientemente, incluyendo la incorporación de 360 butacas reclinables y la renovación de la entrada principal, con nuevos equipos automáticos de venta de entradas y mejoras en la atención al cliente.

2. KINÉPOLIS CIUDAD DE LA IMAGEN (Pozuelo, Madrid) – 24 pantallas

Rasgos del cine: Inaugurado en 1998, fue el primer cine de Kinepolis Group en España y se convirtió desde sus inicios en un referente por tamaño, capacidad y experiencia. Cuando abrió, consiguió el Récord Guinness al complejo cinematográfico con mayor número de butacas (9.200). Entre sus espacios más destacados se encuentra la Sala 25, con una pantalla de 25 x 10 metros y alrededor de 1.000 butacas. Esta sala ha acogido más de 400 premières, convirtiendo al complejo en un punto de encuentro clave para la industria cinematográfica.

Novedades recientes: En los últimos años,ha reforzado su apuesta por la tecnología y los formatos premium, con propuestas como IMAX, 4DX, ScreenX y Laser Ultra. También ha mejorado sus procesos de compra, la oferta de restauración y los servicios al cliente. Además, el complejo cuenta con el parque de ocio infantil The Magic Forest, acoge eventos especiales, contenidos alternativos, actos corporativos, congresos, presentaciones y experiencias privadas. Propuestas como KinePLAY permite jugar a videojuegos en una sala privada con pantalla XXL.

3. CINESA NASSICA (Getafe, Madrid) – 20 pantallas

Rasgos del cine, por Ramón Biarnés (Managing Director Norte y Sur de Europa de Odeon Cinemas Group: “Su principal rasgo diferencial es que cuenta tanto con una sala iSense, equipada con sonido envolvente Dolby Atmos®, una pantalla extragrande y un proyector de máxima definición. Cuenta con una sala ScreenX, que implementa una tecnología poco habitual donde la imagen no solo en la pantalla frontal sino también en las paredes laterales, creando una experiencia más inmersiva de 270 grados. Además, es el complejo más grande de Cinesa, con una oferta muy amplia de sesiones y estrenos”.

4. KINÉPOLIS PATERNA (Paterna, Valencia) – 24

pantallas

Rasgos del cine: El complejo cuenta con 24 salas y 8.000 butacas, equipadas con proyección láser de última generación y sonido 7.1. Entre sus principales atractivos destacan IMAX con Láser, que ofrece una experiencia más inmersiva; la sala 4DX, con efectos sensoriales; y las salas 23 y 24, que cuentan con dos de las pantallas más grandes del mercado, con 250 metros cuadrados cada una. Desde 2017 impulsa sus preestrenos de cine español, con presencia de directores, actores y equipos artísticos. La iniciativa suma ya más de 100 eventos y más de 25.000 espectadores.

Novedades recientes: En los últimos años, el complejo ha reforzado su apuesta por una programación diversa, potenciando las sesiones en VOSE y consolidando Cine K, un espacio dedicado al cine independiente y de autor.

5. CINES LYS (Valencia) – 14 pantallas

Rasgos del cine por Silvino Puig (Director de Programación y Servicios Generales):

“Un factor importante del éxito del cine es que el público valenciano es muy cinéfilo y los Lys han conseguido ese equilibrio de programación entre cine autoral y cine comercial. Es un cine céntrico y bien comunicado, en una calle peatonal y a un paso de la Plaza del Ayuntamiento”

Novedades recientes: “Hemos tenido que recuperar audiencia con actividades que estábamos haciendo antes de pandemia, como el Cineclub Lys, que se ha consolidado y es un referente. A partir de 2021, empezamos a organizar el ‘Cita a ciegas con el cine’. Empezamos una vez al mes y ahora todas las semanas hay que hacerlo. Hay una comunidad activa y gente que suele venir y todos los martes se congregan entre 200 y 250 personas para ver una película que no saben cuál va a ser. Puede ser un estreno o una reposición, pero siempre en versión original. Me gusta porque yo pretendía acercar la versión original a un cine que nunca de VOS, así que estamos muy contentos.

También hemos puesto en marcha algunos clásicos los miércoles o el ‘Terroríficamente Lys’ que ha movido el Departamento de Marketing y que está funcionando muy bien. Tocar distintos géneros nos ha hecho ver que hay público para esto”.

6. CINESA MÉNDEZ ÁLVARO (Madrid) –16 pantallas

Rasgos del cine por Ramón Biarnés (Managing Director Norte y Sur de Europa de Odeon Cinemas Group): “Destaca por su ubicación en ciudad y bien comunicada junto al intercambiador de Méndez Álvaro. Su principal valor añadido es la sala iSense, equipada con sonido envolvente Dolby Atmos®, una pantalla extragrande y un proyector de máxima definición, además de una programación amplia que incluye algunos pases en versión original subtitulada”.

Novedades recientes: “En los últimos años, Cinesa Méndez Álvaro ha sido el escenario de algunos de los preestrenos que hemos llevado a cabo para fidelizar a nuestra comunidad. Se mantiene como una opción sólida para quienes buscan una experiencia premium en Madrid sin desplazarse a complejos más periféricos”.

7. CINESA PARC VALLÈS

(Terrasa,

Barcelona) – 20 pantallas

Rasgos del cine por Ramón Biarnés (Managing Director Norte y Sur de Europa de Odeon Cinemas Group): “Es uno de los complejos más importantes de Cinesa en Cataluña, y cuenta con una sala iSense equipada para ofrecer una experiencia audiovisual de alto nivel. Su tamaño y oferta de estrenos lo convierten en una referencia para el área metropolitana de Barcelona”.

Novedades recientes: “La gran novedad para este cine llegó a finales de 2024, cuando instalamos las VIP Beds, camas integradas en dos salas que permiten ver películas con un nivel de comodidad poco habitual en España. Hace poco se reformaron 2 salas, cambiando todas las butacas estándar y poniendo un par de filas de butacas VIP y las VIP Beds en primera fila”.

8. CINESA PARQUESUR (Leganés, Madrid) – 12 pantallas

Rasgos del cine por Ramón Biarnés (Managing Director Norte y Sur de Europa de Odeon Cinemas Group): “Su elemento distintivo es la sala IMAX, el formato cinematográfico premium más reconocido del mundo, que permite ver hasta un 26 % más de la imagen original, y que trabaja codo con codo con los productores de las películas en un proceso llamado IMAX DMR® para potenciar miles de detalles en prácticamente cada toma y así poder realzar hasta el más mínimo movimiento. Está especialmente orientado a grandes estrenos, películas de acción, ciencia ficción y producciones diseñadas para aprovechar pantallas gigantes y sonido de gran potencia”.

9. MK2 NERVIÓN (Sevilla) – 18 pantallas

Rasgos del cine por Álvaro Postigo (Director General mk2 España): “Algo indiscutible de mk2 Nervión es el disponer de un cine de 18 salas en el centro de una capital como Sevilla. Esto ha permitido que desde su apertura sea el cine número 1 de la ciudad y por tanto de Andalucía. Creo que es una combinación de ubicación y línea editorial. Es un referente en Sevilla y a nivel nacional”.

Novedades recientes: “Desde su reforma en 2022, se ha convertido en un cine con salas con aforos desde 300 a 50, donde poder disfrutar no solo de los títulos de temporada comerciales con las mejores condiciones técnicas y butacas, sino también de cine de autor y de festivales en unas condiciones que no se suele poder en los cines independientes más afines a ese tipo de títulos. Además, en estos últimos años nos hemos convertido en el cine de referencia de cine comercial VOSE, de películas de catálogo gracias a nuestros ciclos semanales de Classic y Cult, y de todas las proyecciones evento donde somos el primer cine de la ciudad y de los primeros de España en: Conciertos como BTS, Taylor Swift, ciclo El Señor de los Anillos, etc”.

10. OCINE LES GAVARRES (Tarragona) – 17 pantallas

Rasgos del cine: Los cines fueron inaugurados en 1998 y durante todo este tiempo se han mantenido como el complejo más grande de Ocine con sus más de 3.000 butacas, con las salas más grandes de la provincia de Tarragona. Ubicado en la zona del polígono de Les Gavarres, también realizan la retransmisión o proyección de acontecimientos especiales como ópera y ballet, o ciclos temáticos. Ofrecen algunos pases VOSE y cuentan con sonido Atmos y sala Kids.

Novedades recientes: En julio de 2024, en conmemoración del 25º aniversario, Ocine abrió aquí una sala 4D E-Motion, convirtiéndose en la primera en el territorio peninsular en ofrecer esta tecnología suminitrada por empresa argentina Lumma. Esta tecnología ofrece una experiencia cinematográfica inmersiva que va más allá de la simple visualización de una película en pantalla. Incluye amplio rango de movimientos, ráfagas de aire, tiros de aire expulsados alrededor del cuello, diversas intensidades de vibración, aromas, rociadas de agua, temblores, suaves brisas y destellos de luces.

EL CINE ESPAÑOL

ENCUENTRA UN NUEVO IMPULSO EN 2026: ¿RECUPERACIÓN ESTRUCTURAL O FELIZ ALIVIO?

POR ÁLVARO GÓMEZ ILLARRAMENDI

LOS DATOS EN LAS SALAS ESPAÑOLAS DE ENERO A MAYO DE 2026 PERMITEN CELEBRAR UN PERIODO DE ÉXITOS QUE TAMBIÉN BENEFICIA AL CINE ESPAÑOL, AUNQUE LOS DATOS DEL SEGUNDO SEMESTRE SERÁN

FUNDAMENTALES PARA PODER HABLAR DE CAMBIO DE TENDENCIA.

Tras varios ejercicios marcados por la volatilidad y la dificultad para consolidar la recuperación pospandémica, la exhibición de cine en España ha firmado en 2026 uno de los mejores arranques de la última década.

Los datos de los primeros cinco meses muestran una evolución extraordinariamente positiva del mercado cinematográfico español. Entre enero y mayo, la asistencia a salas de cine ha aumentado un 36%,

superando los 30 millones de espectadores, frente a los 23,3 millones de 2025 (casi 9 millones de espectadores más), convirtiéndose en los mejores datos en este periodo desde 2019.

Si analizamos las 10 películas con más éxito en nuestros cines durante estos 5 meses, encontramos propuestas tan diversas como Torrente, presidente (28 millones de euros recaudados), Michael (22 M€), Super Mario Galaxy: La película (21 M€), Avatar: Fuego y Ceniza (35 M€ desde su estreno en 2025), La asistenta (15 M€), El diablo viste de Prada 2 (11 M€), Proyecto Salvación (9 M€), Hoppers (8 M€), Cumbres borrascosas (8 M€) y Hamnet (7 M€).

Más allá de la contribución a estas cifras de un buen calendario de estrenos, con un ritmo casi incesante de propuestas interesantes, y de la acumulación de varios fenómenos comerciales, algunos más enfocados a un público adulto no necesariamente cinéfilo (el que más parecía haber abandonado las salas), es innegable que semejantes éxitos no se habrían producido sin la recuperación, al menos por parte del público, del hábito de ir al cine, lo que devuelve

dinamismo a un mercado que todavía no había logrado estabilizarse completamente tras la pandemia.

En este contexto tan esperanzador, resulta significativo el papel desempeñado por la producción nacional. Durante el primer trimestre, el cine español alcanzó una cuota de mercado del 31%, una cifra inhabitual en el contexto reciente y que sitúa a 2026 entre los mejores ejercicios para el producto local desde antes de la pandemia.

Ahora bien, ¿podemos extrapolar los datos de estos meses a un diagnóstico más general y positivo sobre la industria local?

MÁS ALLÁ DEL EFECTO TORRENTE

La nueva entrega de la franquicia creada por Santiago Segura se convirtió rápidamente

en el gran fenómeno comercial del año. A mediados de abril ya había superado los 26 millones de euros de recaudación, una cifra extraordinaria para cualquier producción española contemporánea y suficiente para liderar con claridad el ranking nacional. La relevancia industrial del fenómeno resulta indiscutible. Muy pocas producciones europeas son capaces de movilizar más de tres millones y medio de espectadores en un periodo tan corto de tiempo.

Sin embargo, reducir la fortaleza del cine español en 2026 exclusivamente al efecto Torrente sería una interpretación incompleta.

Es decir, incluso eliminando el impacto de Torrente presidente, el primer trimestre (que no suele ser el periodo de estreno predilecto de las distribuidoras nacionales) habría registrado los mejores resultados para el cine español desde 2019. Y ello con una combinación muy sugerente de títulos destinados al público familiar, juvenil y cinéfilo.

Esto representa una diferencia importante respecto a otros ejercicios recientes. Tradicionalmente, las cuotas elevadas del cine español dependían de uno o dos títulos extraordinarios. En 2026 aparece por primera vez en mucho tiempo la sensación de que varios productos nacionales están contribuyendo simultáneamente al resultado agregado.

Los primeros meses del año dejaron también el buen comportamiento de títulos como Aída y vuelta (5 M€), Abuela tremenda (3 M€), Amarga Navidad (2,5 M€), Rondallas (2 M€), La familia Benetón +2 (2,1 M€), Ídolos (1,8 M€), Balandrau (1M€) o Boulevard (0,9 M€).

Ídolos

EL REGRESO DE LAS CLASES MEDIAS DE LA TAQUILLA

Por tanto, uno de los fenómenos más interesantes de este periodo no se encuentra en los grandes títulos, sino en los escalones intermedios del mercado.

Durante años, la estructura comercial del cine español se ha ido polarizando. Por un lado aparecían grandes éxitos capaces de superar ampliamente los 10 millones de euros; por otro, una enorme cantidad de producciones con recorridos comerciales muy limitados.

Durante el primer trimestre, el cine español alcanzó una cuota de mercado del 31%, una cifra inhabitual en el contexto reciente y que sitúa a 2026 entre los mejores ejercicios para el producto local desde antes de la pandemia.

En este sentido, la estructura del cine español mostró un elevado grado de concentración en 2025. Los datos del ICAA reflejaban que únicamente 16 películas españolas superaron el millón de euros de recaudación. La mayor parte de la cuota anual descansaba sobre un grupo muy reducido de títulos.

Los primeros meses de 2026 muestran una evolución diferente. Si bien la concentración continúa existiendo (Torrente presidente representa una parte sustancial del resultado global del cine español), el mercado presenta

una mayor densidad de producciones capaces de alcanzar cifras comerciales relevantes y sugiere una recuperación siquiera parcial de la denominada “clase media” de la taquilla española, es decir, películas capaces de superar el millón de euros, mantener carreras relativamente estables y generar un volumen de espectadores significativo sin necesidad de convertirse en fenómenos excepcionales.

La relevancia industrial de este aspecto es enorme, pues una cinematografía sostenible necesita más películas rentables y menos dependencia de acontecimientos extraordinarios.

LA CUOTA NACIONAL VUELVE AL CENTRO DEL ANÁLISIS

El 31% de cuota alcanzado por el cine español durante el primer trimestre obliga a replantear algunas narrativas que se habían instalado en el debate sectorial.

Durante los últimos años se había extendido la percepción de una desconexión creciente entre la producción nacional y el público generalista. Sin embargo, los datos de 2026 muestran que sigue existiendo capacidad para movilizar audiencias amplias cuando coinciden determinados factores: campañas de marketing eficaces, reconocimiento previo de marca, géneros populares y una correcta estrategia de lanzamiento.

La cuestión es si este comportamiento podrá mantenerse durante el resto del año. Históricamente, las cuotas superiores al 25% han sido difíciles de sostener en el mercado español. La llegada de grandes blockbusters internacionales durante el verano suele reducir el peso relativo del cine nacional.

No en vano, en abril la cuota española descendió hasta el 19,4% de la recaudación mensual, un porcentaje inferior al registrado durante el primer trimestre. Aun así, la producción nacional conservó una posición competitiva dentro de un mes liderado por grandes producciones internacionales como Super Mario Galaxy: La película y Michael.

En mayo, los datos fueron empeorando hasta el triste fin de semana del 29 al 31 de mayo, el peor del año con solo 3,5 millones de euros de recaudación total, que dejó una cuota para el cine español de solo un 5,7% (195.000 euros). El tibio o mal resultado de los títulos premiados en Málaga (Yo no moriré de amor, Los Justos, Corredora), ha impedido

compensar parcialmente esas cifras, al contrario que en ejercicios anteriores, en los que Sorda o 20.000 especies de abejas lograron cifras muy estimables.

No obstante, se espera que la situación mejore en las próximas semanas gracias a la llegada de numerosas novedades españolas en junio (Cada día nace un listo, La luz, Todo lo que fuimos, etc.).

No en vano, los datos sugieren la existencia de un suelo comercial más sólido para el cine español. La producción nacional mantiene capacidad para atraer espectadores incluso en momentos de fuerte competencia internacional. Por ello, la evolución de la segunda mitad del ejercicio

será determinante para valorar el alcance real de la recuperación.

UN CONTEXTO INTERNACIONAL FAVORABLE

La evolución de la taquilla coincide además con un momento de gran visibilidad internacional para la cinematografía española.

La histórica presencia española en Cannes 2026, con varias producciones compitiendo en las principales secciones del festival, confirma que el buen momento no se limita únicamente al ámbito comercial. También existe una percepción creciente de fortaleza creativa e industrial en el exterior.

Aunque el éxito en festivales no se traduce automáticamente en espectadores, sí contribuye a reforzar la imagen internacional de la industria y a facilitar nuevos modelos de financiación y coproducción.

LA VERDADERA PRUEBA LLEGARÁ EN EL SEGUNDO SEMESTRE

A finales de mayo resulta evidente que 2026 ya puede calificarse como un año excepcional para la exhibición cinematográfica española.

Sin embargo, todavía es pronto para afirmar que nos encontramos ante un cambio estructural.

Las grandes preguntas permanecen abiertas. ¿Podrá el cine español mantener cuotas superiores al 20% durante el resto del ejercicio? ¿Seguirán apareciendo títulos

capaces de alimentar la clase media de la taquilla? ¿Estamos ante una ampliación real de la base de espectadores o simplemente ante una concentración temporal alrededor de unos éxitos que han coincidido en el tiempo?

Si bien la concentración continúa existiendo, el mercado presenta una mayor densidad de producciones españolas capaces de alcanzar cifras comerciales relevantes y sugiere una recuperación siquiera parcial de la denominada ‘clase media’

Las respuestas llegarán durante los próximos meses. Pero hay una conclusión que ya parece difícil de discutir: después de varios años de incertidumbre, el cine, y concretamente el español, ha recuperado protagonismo comercial y vuelve a ocupar una posición central en la conversación sobre el futuro de las salas. La primavera de 2026 ha demostrado que el cine español sigue teniendo capacidad para generar fenómenos populares, sostener éxitos de tamaño medio y competir por el liderazgo de la taquilla. La magnitud de estas buenas noticias ese cambio se medirá en los próximos meses.

LA EVENTIZACIÓN DEL CINE: ESTRATEGIAS PARA DEVOLVER AL PÚBLICO A LAS SALAS

LAS SALAS DE EXHIBICIÓN CONTINÚAN BUSCANDO LA MANERA DE REMONTAR LAS CIFRAS DE ASISTENCIA AL CINE TRAS LA PANDEMIA. VIVIMOS EN UNA ERA DONDE LAS PLATAFORMAS BRINDAN UNA COMODIDAD AL ESPECTADOR QUE HA ALEJADO A LA AUDIENCIA DE LA EXPERIENCIA DE IR AL CINE. SIN EMBARGO, NO SON LA ÚNICA RAZÓN DE ESTE DISTANCIAMIENTO. ANTE ESTE PANORAMA, MUCHAS SALAS ESTÁN IMPLEMENTANDO NUEVAS FÓRMULAS VINCULADAS A CREAR UN EVENTO ESPECIAL PARA ATRAER DE NUEVO AL PÚBLICO. PARA ABORDAR ESTA CUESTIÓN CON MÁS PROFUNDIDAD, HABLAMOS CON JAVIER PACHÓN, DIRECTOR EJECUTIVO Y DE PROGRAMACIÓN DE CINECIUTAT (MALLORCA); MIREIA GRAELL, PRODUCTORA DE RINGO MEDIA; Y MARÍA OLIVA, JEFA DE DISTRIBUCIÓN EN SIDERAL CINEMA.

POR SARA RODRÍGUEZ MARTÍN

La caída de la asistencia a las salas ha llevado al sector de la exhibición a explorar nuevas fórmulas para atraer al público, unas herramientas que cada vez resultan más habituales para incentivar a la audiencia, sobre todo cuando se trata de cine independiente.

El auge de estas iniciativas también plantea un debate dentro del sector: hasta qué punto pueden reforzar la experiencia cinematográfica sin que el evento termine eclipsando a la propia película.

Para Javier Pachón —que además de dirigir CineCiutat es vicepresidente de la asociación de exhibidores Promio—, el sector todavía se encuentra en una fase de reajuste tras la pandemia. Un periodo en el que abundan las producciones, pero cada estreno compite por justificar el tiempo y el dinero de los espectadores El interés por una película ya no garantiza necesariamente su consumo en salas, ya que la decisión de acudir al cine se ha vuelto más selectiva.

Mireia Graell, productora de Ringo Media, habla desde su experiencia

trabajando con cine de autor e independiente y considera que la asistencia a las salas no evoluciona de forma homogénea y depende en gran medida del tipo de película. Al fin y al cabo no es lo mismo atraer al público a un blockbuster que a películas más autorales.

Es María Oliva, jefa de distribución en Sideral Cinema, quien opina que “la era cinematográfica prepandemia nunca va a ser la misma” y que anclarse en tratar de recuperar las cifras del pasado es un error ya que, bajo su punto de vista, el mercado actual responde a dinámicas diferentes.

CAMBIOS EN EL SECTOR Y NUEVOS MODELOS DE CONSUMO

El público cinematográfico actual presenta perfiles muy distintos, y para Mireia Graell se pueden identificar dos tipos de espectadores. Por un lado, están aquellos que acuden al cine motivados por intereses muy concretos, ya sea una temática determinada, una saga o un género específico.

Por otro, destaca la fidelidad de un segmento tradicional que continúa

manteniendo el hábito de acudir regularmente a las salas. El mayor reto radica, como mencionábamos antes, cuando la película es más autoral o independiente. “Hay otras ventanas para este tipo de películas, y ahí encontramos mucho mejor a nuestras audiencias, por ejemplo en festivales o en plataformas”, explica.

Javier Pachón, sin embargo, realiza un análisis más amplio y considera que el público ha aprendido tres grandes lecciones durante los últimos años. La primera es el descubrimiento masivo de las plataformas de streaming, que han ampliado el acceso al cine para perfiles de espectadores que anteriormente no consumían este tipo de servicios. “Ahora hasta mis padres tienen Filmin”, comenta como ejemplo de una tendencia generalizada.

La segunda lección radica en que la expansión de estas plataformas también ha puesto de manifiesto la necesidad de contar con nuevas estrategias frente a una oferta cada vez más amplia. “Al final, la broma que tenemos en la industria es que el show más visto en Netflix es la página de inicio”, apunta.

Finalmente, la tercera lección es la recuperación del valor de las experiencias compartidas. Frente a las posibilidades del consumo doméstico, piensa que el público está redescubriendo la dimensión social de acudir a una sala de cine: “Vamos recordando que nos gusta hacer cosas juntos. La experiencia comunitaria de salir de casa y ver películas con desconocidos tiene un valor que tal vez habíamos olvidado”.

Estamos llegando a un punto donde esta misma experiencia comunitaria no es suficiente para atraer de nuevo al espectador. María Oliva habla de “la era del más que cine” al referirse a este escenario donde muchas salas comienzan

a incorporar actividades complementarias a las proyecciones: coloquios, encuentros con directores, presentaciones especiales o debates, entre otras muchas iniciativas. Son formatos que han ganado protagonismo por esa necesidad que existe de hacer que una película destaque para que se vea. “¿Cómo ponemos en valor ver una película de manera colectiva? Pues vamos a darle también la experiencia del evento”, explica. Sin embargo, advierte de que estas iniciativas plantean una contradicción: “Esto no pone en valor la película ni la experiencia del cine por sí misma, sino el sobreesfuerzo que hacemos para acompañarla”.

Javier Pachón sitúa la llamada “eventización” del cine como una estrategia muy favorable de cara al futuro y señala que los datos de la industria muestran que la Generación Z se ha convertido en el principal público de ciclos retrospectivos y reposiciones cinematográficas.

UNA COMPETENCIA CONSTANTE CON LAS PLATAFORMAS DE STREAMING

Aunque las salas independientes, como las pertenecientes a la red de CineCiutat, suelen compararse con los grandes complejos cinematográficos, Pachón rechaza esa visión

simplificada: “Nuestro competidor es el sofá, y va más allá”. A su juicio, la verdadera competencia no ocurre meramente entre cine y plataformas, sino que existe un mercado más amplio donde las plataformas son solo la punta del iceberg: “También competimos con el bar del barrio que organiza charlas o recitales de poesía”.

Aun así, considera que las salas independientes aportan elementos diferenciales vinculados a la proximidad, la sostenibilidad y el apoyo a la producción local, además de la cercanía emocional y comunitaria. Destaca que estos espacios suelen ofrecer una mayor visibilidad a producciones europeas, nacionales o locales que difícilmente encontrarían cabida en otros circuitos.

María Oliva habla de “la era del más que cine” y añade “¿Cómo ponemos en valor ver una película de manera colectiva? Pues vamos a darle también la experiencia del evento. Esto no pone en valor la película ni la experiencia del cine por sí misma, sino el sobreesfuerzo que hacemos para acompañarla”. Coloquio

Esta necesidad de hacer que una película sea ‘La Película’, la gran elegida de entre todas las ofertadas, ha derivado, según María Oliva, en la necesidad de “generar la sensación de película-evento o de película imprescindible. Ahí es donde el público encuentra la razón de ir”, explica.

“Lo que estamos viendo es que se quiere que la experiencia en cine valga la pena”, explica Javier Pachón, quien sitúa la llamada “eventización” del cine como una estrategia muy favorable de cara al futuro. Uno de los fenómenos que más llama la atención al exhibidor es el comportamiento de los espectadores más jóvenes. Pachón señala que los datos de la industria muestran que la Generación Z se ha convertido en el principal público de ciclos retrospectivos y reposiciones cinematográficas. Este interés representa una oportunidad para conectar con nuevos públicos y acercarlos a otras propuestas cinematográficas.

Por su parte, Mireia Graell sí que señala la comodidad de las plataformas como factor clave: “Hay muchas películas que la audiencia prefiere ver en casa o esperar a que llegue a x plataforma”. Esto ocurre cuando la película no genera el suficiente interés para ir a verla al cine y asumir el gasto económico. Según explica la productora, muchas personas no están dispuestas a destinar parte de su presupuesto a una entrada de cine cuando saben que podrán acceder posteriormente a la misma película desde sus hogares.

Además, para las producciones independientes es muy complicado conseguir visibilidad en un mercado saturado de lanzamientos: “El poder destacar un poquito para que escojan tu película es el principal reto”. Ante esta situación, afirma que se requiere “un ejercicio muy grande de marketing, conocer muy bien la película que tenemos entre manos y saber apuntar a su público”

EL CINE: EXPERIENCIA O EVENTO

María Oliva también señala que los datos de asistencia suelen ser superiores cuando la proyección incorpora actividades complementarias, sobre todo cuando se trata de producciones independientes: “Hay películas que necesitan sí o sí de este acompañamiento porque, si no, es muy complicado conseguir atraer y diferenciarse”.

Mireia Graell también valora positivamente este tipo de iniciativas: “Donde hay coloquio acude más gente que donde no hay coloquio”. Aún así, también advierte de que estas actividades presentan limitaciones económicas importantes para las producciones independientes. “Si el coloquio es en Barcelona y la directora está en Barcelona, es sencillo. Pero si es en Madrid ya no me sale a cuenta pagar el AVE, el hotel y todo lo que implica”, comenta, reconociendo que en muchas ocasiones estas acciones se realizan aun sabiendo que no generarán beneficios económicos directos.

Javier Pachón señala alguna de las iniciativas de CineCiutat para fomentar que la audiencia vuelva a las salas. Entre ellas destaca ‘Descubriendo cine de estreno’, una iniciativa que permite ofrecer pases especiales de películas que, por diferentes motivos, no formarían parte de la programación habitual. También menciona ‘Conversando con’, una propuesta basada en coloquios posteriores

a las proyecciones que pueden contar con la presencia de directores, miembros del equipo artístico o representantes de colectivos relacionados con las temáticas abordadas por las obras.

“Desde que el ser humano es ser humano, la gente se junta alrededor de un fuego para contarse historias y contarse cómo se siente”, señala, destacando que ir al cine es algo más que ir a ver una película.

La creciente importancia de estas actividades plantea también interrogantes sobre el futuro de la exhibición. María Oliva, quien señala el riesgo que existe de que la industria termine dependiendo de forma estructural de este tipo de incentivos. “No deberíamos depender de esto. Está bien como valor añadido, pero no debería ser lo que le dé valor al cine”, señala.

Además, como cabría esperar, todos estos cambios también afectan a la propia producción cinematográfica. En su opinión, los grandes estudios atraviesan una etapa especialmente conservadora en la que predominan las secuelas, remakes y reinicios de franquicias. Algo que responde, según explica, a la voluntad de reducir riesgos económicos en un contexto de incertidumbre. Mientras tanto, el cine independiente continúa buscando espacios para hacerse visible dentro de un mercado dominado por grandes campañas promocionales.

Por su parte, Mireia Graell considera que “el hecho de que la sala esté llena, sea por un coloquio o por cualquier otro evento, la lleva hacia esa colectivización, hacia que todo el mundo ría o llore junto”. Por otro lado, coincide con María Oliva en lo mucho que esta nueva corriente está afectando al proceso de producción, reconociendo que, cuando trabaja en nuevas películas, suele imaginar posibilidades vinculadas a sus temáticas. “Si, por ejemplo, estamos desarrollando una película alrededor de la cosmología, se te va la cabeza pensando que podrías hacer cosas en un observatorio”.

INFRAESTRUCTURAS E INCENTIVOS A LA EXHIBICIÓN

No todas las producciones ofrecen las mismas oportunidades para generar actividades complementarias y según explica Mireia Graell, “los eventos de animación no tienen tanta visibilidad como los de ficción o los documentales”.

Asimismo, observa que aquellas obras cuyos creadores tienen una conexión personal fuerte con el relato suelen facilitar la organización de encuentros y coloquios. Como ejemplo menciona La furia, una película construida a partir de una experiencia personal de su directora.

María Oliva también opina que, a pesar de las dificultades actuales en la taquilla, “el cine independiente está viviendo un momento muy bonito”. Según recalca, algunas películas están logrando resultados que hace unos años parecían inalcanzables para este tipo de propuestas: “Hay películas que poco a poco están llegando y obteniendo resultados que antes no veíamos”.

Para darle un impulso al sector de la exhibición, Javier Pachón considera que el sector debe actuar simultáneamente en varios frentes. Por un lado, ve imprescindible modernizar las infraestructuras y adaptar los espacios a las nuevas expectativas de los espectadores. Por otro, insiste en la necesidad de que las administraciones públicas consideren la exhibición cinematográfica como una parte estratégica de la industria audiovisual.

El director de CineCiutat explica que diversos estudios presentados durante el Festival de Cannes mostraban una correlación entre el apoyo institucional a las salas y los resultados de taquilla: “Los países donde hay más apoyo de iniciativas públicas a los cines, mejor va la taquilla”. A su juicio, el objetivo no debe ser que las administraciones rescaten económicamente a los exhibidores, sino crear mecanismos que faciliten la inversión y la modernización del sector.

EL ECOSISTEMA DE INDUSTRIA DEL CERDANYA FILM FESTIVAL 2026

QUIEN SE ACERQUE ESTE VERANO AL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA DE CERDANYA DESCUBRIRÁ QUE SU PROPUESTA VA MUCHO MÁS ALLÁ DE UNA PROGRAMACIÓN DE PELÍCULAS. A LO LARGO DE LOS ÚLTIMOS AÑOS, EL CERTAMEN PIRENAICO HA EVOLUCIONADO HASTA CONVERTIRSE EN UN PUNTO DE ENCUENTRO PARA CREADORES, PRODUCTORES, DISTRIBUIDORES, INTÉRPRETES, ARTISTAS VISUALES Y PROFESIONALES DE MÚLTIPLES DISCIPLINAS CULTURALES, CONFIGURANDO UN ECOSISTEMA QUE COMBINA EXHIBICIÓN, FORMACIÓN, INDUSTRIA Y TERRITORIO.

El cine seguirá siendo el gran protagonista de la cita. El festival volverá a ofrecer una amplia selección de largometrajes, cortometrajes y documentales, acompañados por algunas de las secciones que mejor representan su identidad. Entre ellas destacan la dedicada al medio natural y la montaña, estrechamente vinculada al entorno pirenaico; la sección de Memoria Histórica; Trinxat de Cerdanya, centrada en el terror y el fantástico; y Cinefilia, una ventana abierta a producciones internacionales. Junto a las proyecciones, el Festival de Cerdanya ha desarrollado una sólida programación profesional dirigida a los distintos agentes de la industria audiovisual. Durante el certamen tendrán

lugar conferencias, mesas redondas y workshops dedicados a cuestiones como la producción independiente, la coordinación de intimidad en rodajes, los incentivos fiscales o las distintas vías de financiación para proyectos audiovisuales.

La formación volverá a ocupar un papel destacado mediante diversas masterclass centradas en áreas clave de la creación audiovisual. Desarrollo de guion, dirección de actores, procesos de casting o marketing para proyectos audiovisuales forman parte de una oferta diseñada tanto para profesionales en activo como para nuevos creadores que buscan ampliar conocimientos y contactos.

El entorno natural de la Cerdanya también estará presente en las actividades de industria. Varios talleres

abordarán las particularidades de los rodajes en montaña y en condiciones climáticas complejas, una temática cada vez más relevante para las producciones que buscan escenarios naturales y localizaciones singulares.

La dimensión internacional del festival se verá reforzada a través de las jornadas Transmeeting , concebidas como espacios de intercambio profesional en torno a la programación de festivales, la distribución internacional y las oportunidades de coproducción . Una iniciativa que refuerza la vocación transfronteriza de un certamen situado en un territorio que conecta de forma natural diferentes realidades culturales.

El apoyo a los nuevos proyectos constituye otro de los pilares de la programación. Productores, guionistas

contenidos transmedia, mientras que Pitch Links ofrecerá un espacio abierto para presentar proyectos en desarrollo.

También volverá Short Market , una iniciativa centrada en el cortometraje que combina encuentros rápidos con distribuidoras y programadores de festivales junto a diversas actividades formativas. A ello se suman las sesiones one-to-one y los espacios de networking , concebidos para favorecer el contacto directo entre profesionales y la generación de futuras colaboraciones.

busca favorecer el desarrollo de futuras adaptaciones cinematográficas de obras literarias.

La innovación tecnológica también tendrá un espacio destacado gracias a las actividades del Lab Digital, que abordará cuestiones relacionadas con la fotografía, el timelapse, la inteligencia artificial generativa y las nuevas tendencias en arte digital.

y creadores podrán presentar sus propuestas mediante distintos formatos de pitching y encuentros profesionales. El programa Pitch Showcase facilitará reuniones individuales con productoras interesadas en proyectos de ficción, animación, documental, series o

Más allá de las actividades desarrolladas durante los días del festival, el proyecto mantiene una importante apuesta por la incubación y el acompañamiento de nuevas iniciativas creativas. Programas como LabPro Verano, Pyrene Artes Visuales, Pyrene Artes Escénicas, Pyrene Digital o Pyrene Cultura Popular permiten impulsar proyectos vinculados al audiovisual, las artes visuales, las artes escénicas y la creación digital.

Entre las novedades más interesantes destaca Tinta Viva , una iniciativa destinada a conectar el sector editorial con el audiovisual. A través de encuentros específicos entre escritores, editoriales, productores y guionistas, el programa

El festival completa su propuesta con actividades que trascienden el ámbito estrictamente cinematográfico. La programación incluirá muestras de artes visuales, talleres de dramaturgia y microteatro, conciertos de música de cámara centrados en bandas sonoras y diferentes iniciativas vinculadas a la cultura popular y la accesibilidad.

Con esta combinación de cine, formación, industria y actividad cultural, el Festival Internacional de Cinema de Cerdanya continúa consolidando una propuesta singular dentro del panorama audiovisual español.

Una cita que invita no solo a descubrir nuevas películas, sino también a participar en un espacio donde surgen ideas, proyectos y colaboraciones capaces de prolongarse mucho más allá de los días de festival.

EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA DE CERDANYA AFRONTA

SU EDICIÓN DE 2026 CONSOLIDADO COMO UNA DE LAS PROPUESTAS MÁS SINGULARES DEL PANORAMA ESPAÑOL. LEJOS DE LOS GRANDES NÚCLEOS URBANOS DONDE TRADICIONALMENTE SE CONCENTRA LA INDUSTRIA, EL CERTAMEN HA CONSTRUIDO UNA IDENTIDAD PROPIA

DESDE EL TERRITORIO, CONVIRTIÉNDOSE EN PUNTO DE ENCUENTRO

PARA CINEASTAS, PRODUCTORES, DISTRIBUIDORES, INTÉRPRETES Y PROFESIONALES DE MÚLTIPLES DISCIPLINAS CREATIVAS. ENTREVISTAMOS

A SU DIRECTOR PARA CONOCER MÁS SOBRE EL CERTAMEN.

JORDI FORCADA L

POR MIGUEL

o que comenzó como un festival centrado en la exhibición cinematográfica ha evolucionado en los últimos años hacia un proyecto mucho más ambicioso. Jornadas profesionales, laboratorios, residencias artísticas, programas de formación, encuentros de industria y una creciente apuesta por la internacionalización forman hoy parte de una estructura que busca generar impacto más allá de las fechas concretas del festival.

Al frente del proyecto se encuentra Jordi Forcada Nicolau, director del certamen, con quien conversamos sobre la evolución del Festival de Cerdanya, el papel de la cultura en los territorios rurales, los desafíos de construir industria audiovisual lejos de las grandes capitales y la situación actual del cortometraje y de los festivales en España.

Rubik: Os encontramos en plena preparación de una nueva edición del Festival. ¿En qué punto estáis ahora mismo?

Jordi Forcada: Ya hemos cerrado el plazo de inscripción de películas y estamos en la

“EL CORTOMETRAJE DEBE PRESTIGIARSE COMO FORMATO PROPIO, NO COMO UNA PRUEBA PARA LLEGAR AL LARGOMETRAJE”

fase de selección. El comité está visionando todo el material recibido para decidir qué obras entrarán finalmente en programación y cómo encajan dentro de las distintas secciones del festival.

Paralelamente hemos abierto todas las convocatorias de proyectos para las jornadas profesionales. Están abiertos los distintos formatos de pitch, los encuentros one to one con productoras, el programa de cortometrajes, las actividades destinadas a creadoras menores de 30 años y también estamos ultimando nuevas iniciativas. Una de las novedades de este año es Tinta

Viva, una jornada de pitch pensada para conectar el sector editorial con el audiovisual. Queremos generar un espacio de encuentro entre editoriales, escritores, guionistas y productoras para explorar posibles adaptaciones de obras literarias a la pantalla. Además de todo esto, estamos trabajando en los laboratorios de verano, las residencias artísticas y las actividades formativas que desarrollamos en distintos puntos de la Cerdanya.

Rubik: Cuando uno analiza toda esta programación da la sensación de que

el festival trasciende ampliamente la exhibición cinematográfica tradicional.

J. F.: Sí, porque nuestra realidad también es diferente. Nosotros operamos en un territorio rural y pirenaico, con una población dispersa y con unas necesidades culturales específicas.

Hace años nos dimos cuenta de que podíamos y debíamos asumir funciones que en otros territorios están repartidas entre varias entidades. Como gran festival del Pirineo catalán podíamos convertirnos en un punto de encuentro para distintos ámbitos creativos relacionados con el audiovisual.

Nuestra idea es evolucionar hacia un auténtico hub cultural. Un espacio capaz de aglutinar y producir de manera razonable toda una serie de estructuras artísticas que sean útiles para el territorio. Evidentemente trabajamos desde la Cerdanya, pero nuestra mirada es transfronteriza. Tenemos Francia a pocos kilómetros, Andorra muy cerca y una posición geográfica que nos permite actuar como punto de conexión entre distintos agentes culturales.

Por eso pensamos el festival desde una doble perspectiva: ser útiles para el sector audiovisual y ser útiles para el territorio.

Rubik: ¿Qué puede ofrecer un festival situado en la periferia que resulte más difícil encontrar en una gran capital?

J. F.: Precisamente esa condición periférica es una ventaja. Nosotros no competimos en volumen ni queremos hacerlo. Operamos en un entorno donde el mainstream del sector no está tan presente y eso nos permite ser mucho más precisos a la hora de decidir qué hacemos y para quién lo hacemos.

En las grandes ciudades existe una cierta lógica de economía de escala. Hay muchas actividades, muchos eventos y mucha oferta. Nosotros tenemos otra realidad. Cada actividad que ponemos en marcha debe tener una utilidad clara para el territorio y para los profesionales que participan.

También trabajamos a otro ritmo. Somos un festival muy cercano. No aspiramos a organizar eventos masivos porque ni siquiera tendría sentido. Tenemos una sala de 230 butacas. Nuestro éxito no se mide por llenar un recinto con miles de personas. Se mide por el impacto cultural que generamos, por la calidad de la experiencia que ofrecemos y por las relaciones que conseguimos crear.

“Nuestro éxito no se mide únicamente por llenar una sala de butacas, sino por el impacto cultural que generamos y las relaciones que conseguimos crear. Hoy una parte muy importante de nuestros recursos están destinados a industria, formación y desarrollo profesional.”

Además, al trabajar en grupos más reducidos se generan dinámicas mucho más interesantes. Los profesionales tienen tiempo para hablar, conocerse y establecer relaciones reales. Muchas veces un encuentro pequeño y cercano resulta más eficaz que un gran mercado donde todo sucede de forma mucho más acelerada.

Rubik: Hablemos de programación. ¿Qué buscáis cuando seleccionáis las películas del festival?

J. F.: Siempre intentamos equilibrar varias cosas. Por un lado nos interesa mucho el talento emergente, especialmente las nuevas voces y las óperas primas. Llevamos años apostando por largometrajes españoles de nuevos realizadores y por cineastas que aporten miradas diferentes. Pero también debemos tener en cuenta el público. Nosotros estamos en una zona donde no existe una oferta cinematográfica permanente. Si programáramos únicamente propuestas muy de nicho no estaríamos cumpliendo nuestra función de acercar el cine reciente a la ciudadanía. Por tanto, intentamos encontrar un equilibrio entre el valor artístico de las obras y su capacidad para conectar con el público. Es una línea muy fina y probablemente una de las partes más complejas de nuestro trabajo.

Luego tenemos secciones muy vinculadas a nuestra identidad territorial.

Mantenemos, por ejemplo, las sesiones de terror que recuperan una tradición histórica de Puigcerdà. También organizamos proyecciones de memoria histórica en los búnkeres de la Línea P y desarrollamos una sección específica dedicada a montaña, naturaleza y medio ambiente, cuestiones muy vinculadas al Pirineo. A esto se suma nuestra apuesta histórica por el talento femenino emergente y una sección internacional especialmente centrada en cortometrajes.

Rubik: Precisamente quería preguntarte por el cortometraje. Sois festival calificador para los Premios Goya y vivís de primera mano una realidad cada vez más compleja: el cuello de botella que se forma en los procesos de selección debido al elevadísimo nivel de producción.

J. F.: Sí. Nosotros recibimos más de 2.000 cortometrajes cada año. Seleccionamos entre 120 y 140, que ya es una cifra bastante elevada. El problema es que cada vez se produce más y más.

Por un lado esto es una buena noticia porque significa que existe actividad creativa. Pero también genera una enorme saturación. Los jurados tienen cada vez más trabajo y resulta muy difícil dar visibilidad a todas las obras.

Nosotros fuimos de los primeros festivales en instaurar el pago por selección. Creemos que los creadores tienen derecho a recibir una compensación económica cuando su obra forma parte de la programación. Además, esto nos ayuda a profesionalizar el circuito y a establecer ciertos estándares de calidad.

Rubik: ¿Cómo puede destacar un nuevo creador en un contexto donde los festivales reciben miles de cortometrajes?

J. F.: Esa es la gran pregunta. Y sinceramente creo que el problema no siempre está en quien hace el corto, sino en quién lo mira. Durante muchos años se han generado determinadas dinámicas dentro del sector que favorecen ciertas inercias. A veces se apuesta por nombres conocidos, por determinadas distribuidoras o por proyectos que encajan con las tendencias del momento. No por el cortometraje en sí. Mientras eso siga ocurriendo, muchos trabajos excelentes seguirán teniendo dificultades para abrirse camino.

También existe otro problema. Se ha perdido en parte el cortometraje que simplemente busca entretener o conectar con el espectador. Recibimos muchísimas obras que abordan temáticas similares y que responden a patrones narrativos

muy parecidos. Cuando tienes doscientas películas hablando de lo mismo, la selección se vuelve tremendamente complicada.

Y luego hay una cuestión que me preocupa especialmente: muchas personas entienden el cortometraje únicamente como un paso previo al largometraje. Como una prueba.

“No queremos ser una actividad que aparece una semana al año y desaparece. Queremos construir estructuras permanentes que generen valor para el audiovisual y para el territorio.”

Yo creo que eso es un error. El cortometraje debe prestigiarse como formato propio. Es una forma de expresión artística perfectamente válida por sí misma. Mientras se siga percibiendo como un simple trampolín, será difícil que ocupe el lugar que merece.

Rubik: También habéis desarrollado una importante actividad profesional alrededor del festival. ¿Cómo diseñáis estas jornadas?

J. F.: Intentamos alejarnos de la idea clásica de agenda cerrada donde una actividad sucede detrás de otra sin demasiada conexión entre ellas.

Lo que buscamos es que la experiencia tenga valor más allá de cada actividad concreta. Que un productor pueda asistir a una mentoría, pero también compartir una conversación informal con otro profesional. Que un actor pueda acudir a una formación y después coincidir con directores o distribuidores en otros espacios.

Nos gusta trabajar con una especie de geometría variable. Hay actividades simultáneas, distintos itinerarios y perfiles muy diversos conviviendo durante varios días.

Al final muchas oportunidades profesionales surgen en esos espacios informales. En una conversación tranquila, durante una comida o tomando una cerveza. Y ese tipo de entorno es algo que podemos ofrecer especialmente bien desde un festival como el nuestro.

Rubik: Buscáis generar ecosistema más que acumular actividades...

J. F.: Exactamente. No queremos hacer veinte actividades porque sí. Queremos que tengan sentido dentro de una propuesta global. Por eso intentamos reunir perfiles muy diversos. Productores, guionistas, actores, directores, localizadores, distribuidores… Nos interesa que se mezclen disciplinas distintas porque de ahí surgen muchas veces colaboraciones inesperadas.

Y sabemos que funciona porque hemos visto cómo proyectos que comenzaron en el festival terminaban convirtiéndose en películas o en colaboraciones profesionales reales.

“Mientras que muchos creadores sigan percibiendo el corto como un paso previo al largometraje, será difícil que ocupe el lugar que merece entre la sociedad.”

Rubik: El festival cumple ya diecisiete ediciones. ¿Cómo ha evolucionado desde sus inicios?

J. F.: Hasta la pandemia probablemente teníamos una mirada más local. Estábamos muy centrados en la exhibición y en consolidar el propio festival.

La pandemia nos obligó a parar y reflexionar. Ahí nos preguntamos qué queríamos ser dentro de diez años y decidimos apostar mucho más por la utilidad para el sector.

Desde entonces hemos invertido muchísimo esfuerzo en desarrollar las jornadas profesionales, los laboratorios, las residencias y los programas formativos. Actualmente una parte importante del presupuesto del festival está destinado a estas actividades.

Eso nos ha permitido encontrar un espacio propio dentro del calendario audiovisual. Especialmente durante el verano, donde no existen tantas propuestas de este tipo.

Rubik: ¿Y cómo imaginas el futuro del proyecto?

J. F.: Nuestra ambición va más allá del festival. Queremos consolidar un hub audiovisual pirenaico y transfronterizo capaz de coordinar iniciativas, generar sinergias y crear oportunidades para los profesionales que trabajan en este territorio.

También estamos desarrollando programas de alfabetización audiovisual para escolares. En los últimos años hemos trabajado con miles de niños y niñas del Pirineo. Sembrar esa semilla cultural me parece fundamental.

Y otro ámbito que queremos potenciar es todo lo relacionado con los rodajes en

montaña. Es un sector con muchísimo potencial y creemos que el Pirineo puede convertirse en un referente europeo en este campo si se articulan adecuadamente los recursos y las estrategias.

“Un festival regional puede ofrecer algo que a veces cuesta encontrar en los grandes mercados: tiempo, cercanía y conversaciones que terminan convirtiéndose en proyectos.”

Al final nuestro objetivo es que las actividades no sean eventos aislados que aparecen una vez al año y desaparecen. Queremos construir estructuras permanentes que generen valor durante todo el año, tanto para el territorio como para la industria audiovisual.

Porque si algo hemos aprendido en estos años es que un festival puede ser mucho más que una programación de películas. Puede convertirse en una herramienta de transformación cultural, profesional y territorial. Y ahí es donde queremos seguir creciendo.

LOS DESAFÍOS DEL CORTO EN ESPAÑA, SEGÚN LOS MÁS NOMINADOS EN LOS FUGAZ

APROVECHANDO LA CELEBRACIÓN DE LA DÉCIMA EDICIÓN DE LOS PREMIOS FUGAZ, LOS PRINCIPALES GALARDONES DEL CORTOMETRAJE, EN RUBIK HEMOS QUERIDO HABLAR CON PRODUCTORES DE LOS TRES TÍTULOS CON MÁS NOMINACIONES, MONTECARLO 67, CARA DE CONA Y SER UN HOMBRE, PARA CONOCER MÁS SOBRE LA SITUACIÓN DEL MUNDO DEL CORTO Y SOBRE ESTOS RECONOCIDOS TRABAJOS EN PARTICULAR.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

La entrega de premios tiene lugar el 22 de junio en la Sala 25 de los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen.

Allí se van a desplazar los representantes de los cortos nominados para las 21 categorías.

La gran novedad de esta edición es que la categoría principal de Mejor Cortometraje amplía a 10 producciones los nominados. Los candidatos son Montecarlo 67 de Ruben Guindo, Cara de cona de Guillermo de Oliveira, Ser un hombre de Lucas Parra, El fantasma de la quinta de James A. Castillo, Epifanía de Chiqui Carabante, Faustino

de Germán Mairen, In memoriam de Teresa Bellón y César F. Calvillo, Lo que no se ve de María Algora y Mikel Bustamante, Pordentro de Álvaro G. Company y Mario Hernández y Una vocal de Polo Menárguez.

Montecarlo 67 es el cortometraje más nominado de esta edición, con 13 candidaturas, por delante de Cara de cona y Ser un hombre, que alcanzan 10 nominaciones cada uno. Completa el listado principal In Memoriam y Chicken Jazz, ambos con siete candidaturas, y Una vocal, que obtiene cuatro.

“Celebrar diez ediciones y llegar a estas nominaciones con una selección tan amplia nos recuerda por qué nacieron los Fugaz.

Queríamos que el cortometraje tuviera un espacio propio, serio y reconocible dentro del audiovisual, y esta edición demuestra que ese espacio sigue creciendo gracias al trabajo de creadores, productoras, festivales y profesionales de todo el sector”, declara Samuel Rodríguez, codirector de CortoEspaña, entidad organizadora de los premios.

Entre los 34 cortometrajes con alguna candidatura, 13 cuentan con participación femenina en la dirección, lo que supone un 38,2%.

Respecto a la pluralidad lingüística, siete de los títulos nominados incorporan lenguas

Rodaje de Cara de cona © Imagen cortesía de PuroCuento

cooficiales y ocho son multilingües, con presencia de catalán, gallego, árabe e inglés. Otro dato llamativo es que los cinco cortos de temática medioambiental presentes en la shortlist han conseguido alguna nominación.

LOS CORTOS MÁS NOMINADOS

El corto con más nominaciones es Montecarlo 67 , que cuenta la historia de cómo Chicho Ibáñez Serrador y Pilar Miró se encuentran con un jovencísimo Steven Spielberg en el festival de Montecarlo 1967.

Para hablar sobre él hemos contactado a Gerardo de las Morenas , productor de Claqueta Blanca

Según nos cuenta, Montecarlo 67 ha tenido tan buena acogida porque tiene “un guion muy bien escrito” y porque el director Rubén Guindo “ha sabido crear un espacio muy cercano al espectador y se empatiza rápidamente con los personajes”. Ese sentido, nos dice, “fue

un acierto romper la cuarta pared porque le da una frescura total al cortometraje”.

“Cada día se consumen más los cortos y las salas de los festivales se llenan para verlos. Pero no hay casi sitios donde venderlos para poder, por

lo menos, cubrir parte de los

gastos”

Gerardo de las Morenas, Claqueta Blanca

“También cuenta con una actuación de los actores formidable en el que Carlos Santos interpreta el papel de Chicho de forma magnífica y, por supuesto, Veki Velilla en su papel de Pilar Miró y Marco Steel haciendo de Steven Spielberg. También

destaca una gran fotografía, que junto a toda la labor de arte y vestuario, hace que te metas en los 67 en el festival de Montecarlo. Creo que esa cercanía al incorporar al equipo dentro de las imágenes del corto es una de las grandes bazas de su éxito”, explica.

Otro de los cortos con más candidaturas es Ser un hombre de Lucas Parra, que sigue a un inocente niño de siete años que acompaña a su padre y a su abuelo en una cacería que le cambiará para siempre.

Hemos charlado con Jofre Farré de la productora Sumendi y nos ha dicho que la clave de su éxito está “en el guion y en la historia”, que “atrapa y cautiva desde el primer fotograma”. Le da mucho mérito al director Lucas Parra, ya que la historia se basa en sus vivencias de cuando era pequeño. El productor reconoce que confiaban en que iba a funcionar pero su gran recibimiento se debe a que “funciona en muchos aspectos, a muchos niveles, y que cada cuál puede sacar sus propias conclusiones y hacer su propia lectura. Es un corto que te concede esta libertad”.

Creen, por encima de todo, que está funcionando “porque impacta y emociona, y porque luego se te queda dentro, dando vueltas durante mucho tiempo después de que se ha terminado”.

También queremos hablar sobre Cara de Cona, un corto de Guillermo de Oliveira sobre un hombre que vive y trabaja desde hace años en una pequeña aldea de la Galicia rural. Su paz interior se ve perturbada por la llegada de un vecino bonachón hacia el que siente un odio irracional e ideará un crimen perfecto del que nadie pueda culparle jamás y del que ni el mismo pueda avergonzarse.

“Es un cortometraje atípico y creo que precisamente ahí está parte de su éxito. No se hizo pensando en festivales ni calculando qué temáticas funcionan bien en circuito; se hizo desde la honestidad, desde un lugar incómodo”, indica Charli Rodrigo, productor en PuroCuento

El corto te coloca en la piel de un protagonista que representa las peores partes del ser humano “y eso no es fácil de digerir, pero sí te mueve algo por dentro”. El productor admite que están orgullosos de los numerosos premios del público, porque eso implica que “conecta con la gente de verdad”. Es un corto “que incomoda, que no te deja tranquilo, pero que al mismo tiempo engancha”.

Rodrigo también destaca la calidad técnica, visual y artística, así como a actores como Milo Taboada , Diego Anido, Nancho Novo y Cristina Andrade. De modo que, “siendo atrevido y diferente”, resulta “muy redondo” en todos sus aspectos.

“El

corto favorece y fomenta la industria, es la cantera de talentos. Todos los logros del cine español, ahora tan de moda, se deben de alguna forma u otra a que alguien realizó sus primeras horas de vuelo rodando cortos”

Jofre Farré, Sumendi

Hay que subrayar que PuroCuento es también una empresa de servicios que se dedica al alquiler de material de producción, montaje de sets y soporte técnico para rodajes. ¿Por qué esa cualidad? “Es una combinación que surgió de manera bastante orgánica, y creo que esa es la mejor manera de describirla. Yo comencé como meritorio, fui creciendo dentro del sector hasta montar PuroCuento Filmmaking Supplies, pero siempre tuve la espina de producir, dirigir y escribir,

que era para lo que me había formado anteriormente”.

Guillermo de Oliveira, que fue compañero de clase, les pidió servicios para un corto y Rodrigo entró como proveedor e incluso le apoyo en la producción: “De ahí nació una manera de trabajar basada en la sinergia y la confianza con los directores y equipos con los que trabajamos”. Como apunta, es “un modelo que funciona porque los proyectos nacen desde la conexión real con los cineastas, no desde el cálculo” y eso “se nota en el resultado”.

LA FINANCIACIÓN Y LA SITUACIÓN DE LA INDUSTRIA DEL CORTO

Preguntamos a los productores por lo fácil o difícil que fue levantar los cortos. Gerardo de las Morenas asegura que la financiación de cualquier cortometraje “es siempre difícil” y en su caso estuvieron 3 años buscando cómo conseguir el dinero, hasta que en una convocatoria de la Comunidad de Madrid les dieron la ayuda.

“A partir de ese momento, empezamos a buscar el resto que nos faltaba, parte con un crowdfunding y parte con el dinero que pusimos las productoras”, apostilla el productor de Montecarlo 67.

Jofre Farré afirma que, sin el ICAA, que les dio la ayuda sobre proyecto, no hubieran podido hacer Ser un hombre. El productor manifiesta que era un rodaje ciertamente complicado: “Un niño como protagonista,

muchos actores, muchos figurantes, muchos animales (podencos, conejos, hurones), muchos vehículos, muchas armas y también algún que otro disparo. También mucho, mucho frío y muchos exteriores de difícil acceso, con lluvia y, por lo tanto, con barro”.

El objetivo, como nos cuenta, era obtener “el mayor realismo posible” para “una inmersión absoluta”. Producirlo ha sido “un verdadero privilegio” y “una gozada”, gracias a un equipo con “megatones de profesionalidad, generosidad y talento”.

Charli Rodrigo también recalca que financiar un corto siempre es difícil “y más cuando hablamos de un proyecto arriesgado y de gran presupuesto para los estándares del formato”. En el caso de Cara de Cona, lo financiaron ellos mismos, “combinando inversión directa con recursos propios”, a lo que hay que sumar algunas ayudas institucionales conseguidas y otras que esperan recibir. “Los premios en festivales también aportan su granito de arena”, añade.

De todos modos, comenta que “el cortometraje no es un negocio rentable” y “la inversión difícilmente se recupera”. A cambio, tienes “libertad creativa total” y “todo fluye de manera orgánica”.

El gran reto de rodaje de Cara de Cona fue la localización, según indica Rodrigo: “Rodamos en la Ribeira Sacra, en un enclave de difícil acceso, lejos de cualquier ciudad grande. Rodar fuera de los núcleos urbanos siempre es un hándicap: mover equipo y

personal, resolver la logística del día a día, incluso algo tan básico como llevar la comida al equipo se convierte en un desafío. Pero la ayuda de gente del pueblo fue fundamental para sacarlo adelante”.

También les hemos querido consultar en RUBIK por cómo ven la situación del corto ahora mismo. Gerardo de las Morenas cree que “cada día se consumen más, hay muchos festivales y las salas se llenan de espectadores para verlos”. El productor de Montecarlo 67 pone de ejemplo ‘Sanse Cortos en Abierto’, donde llenaron la sala con más de 500 asistentes.

También alaba el nivel técnico “formidable” de los cortos actuales, con un nivel de guion, técnico y actoral que “no envidian a muchos largometrajes”. El problema, apunta De las Morenas, es que los costes han subido y, sin embargo, “no hay casi sitios donde vender los cortos para poder, por lo menos, cubrir parte de los gastos”.

En el caso de Jofre Farré, lo más importante es que las instituciones públicas sigan apoyando el formato como lo vienen haciendo, que no toquen lo que funciona y que no lo demos por garantizado: “El corto favorece y fomenta la industria. Como también lo hace el apoyar las óperas primas. El corto es la cantera de talentos. La verdadera

escuela de cualquier cinematografía. Todos los logros del cine español, ahora tan de moda, se deben de alguna forma u otra a que alguien realizó su primeras horas de vuelo rodando cortos”.

“Hay que facilitar el acceso a los incentivos para

productoras

nuevas y

directores noveles. Hace falta

un sistema de ayudas más inclusivo que acompañe ese talento desde el principio, no solo cuando ya tienes un historial consolidado”

Charli Rodrigo, PuroCuento

A Charli Rodrigo le genera “sensaciones encontradas” el mundo del corto en España. “Por un lado, veo en los festivales un nivel increíble: gente joven con historias poderosas

y un valor de producción que asombra. El corto sigue siendo el gran escaparate para nuevos cineastas, y eso es totalmente necesario. En ese sentido, hay que reconocer la gran labor que hacen certámenes como los Premios Fugaz”, afirma.

Pero, por otro lado, “la realidad de la financiación y los incentivos es frustrante”, especialmente para productoras que empiezan. Ellos vienen del mundo de los servicios y la producción publicitaria, con años de experiencia, y aun así han encontrado dificultades para acceder a ayudas, “a pesar de coproducir con una productora con más bagaje en ficción”. Les está pasando lo mismo con un documental que el propio Charli Rodrigo está dirigiendo y ahora está en postproducción, puesto que “el acceso a ayudas institucionales, estatales o autonómicas se complica mucho cuando no cumples ciertos requisitos formales, independientemente de la calidad del proyecto”.

Su reclamación es clara: “hay que facilitar el acceso a los incentivos para productoras nuevas y directores noveles”. El talento se ve en los festivales pero lo que falta es “un sistema de ayudas más inclusivo que acompañe ese talento desde el principio, no solo cuando ya tienes un historial consolidado”.

Imagen de la celebración de El día más corto 2025

© Cortesía de La Coordinadora del Cortometraje Español

EL CORTOMETRAJE AVANZA: BALANCE, CONQUISTAS Y HORIZONTE DESDE LA COORDINADORA DEL CORTO

EL ECOSISTEMA AUDIOVISUAL ESPAÑOL VIVE UN MOMENTO DE EFERVESCENCIA. LAS PLATAFORMAS Y LOS NUEVOS MODELOS DE CONSUMO HAN RECONFIGURADO NUESTRO CINE. SIN EMBARGO, EN MEDIO DE ESTE TORBELLINO, HAY UN FORMATO QUE SIGUE SIENDO EL MOTOR DE LA VANGUARDIA NARRATIVA Y EL ESLABÓN QUE EXIGE MAYOR PROTECCIÓN: EL CORTOMETRAJE.

POR LA JUNTA DIRECTIVA DE LA COORDINADORA DEL CORTOMETRAJE ESPAÑOL

Desde la Coordinadora asumimos en 2022 el reto de conformar una nueva Junta Directiva con un propósito inquebrantable: dejar de pedir permiso para exigir el espacio que, legítimamente, nos corresponde. El cortometraje no es el hermano pequeño ni la sala de espera hacia el largo ; es un género en sí mismo con una potencia narrativa incalculable.

En apenas cuatro años, hemos reforzado nuestra presencia en las

instituciones, abierto el diálogo y la colaboración con otras asociaciones del sector para trabajar juntas, reconstruido las dinámicas de trabajo asociativo tras la pandemia y consolidados proyectos dentro y fuera de nuestras fronteras. El corto español rebosa vitalidad creativa, pero choca contra serios desafíos estructurales. Nuestra obsesión en este tiempo ha sido convertirnos en una herramienta verdaderamente útil de interlocución, defensa y articulación para toda la profesión.

LA BATALLA EN LOS FESTIVALES: DIGNIFICAR A QUIEN CREA

Los certámenes son la ventana natural para nuestras obras y el gran trampolín de los creadores, pero sus condiciones han estado tradicionalmente marcadas por la precariedad. No olvidemos que buena parte del corto español se levanta a pulso, desde el esfuerzo personal y rascándose el bolsillo. Hay cineastas que sostienen sus carreras pagando de su cuenta la promoción y los viajes, sin una industria

sólida que les respalde. Defender el corto pasa obligatoriamente por asegurar unas condiciones mínimas para la gente que lo hace posible. Por eso nos hemos volcado en pelear por la estandarización del pago por selección y en luchar para que los festivales y eventos asuman, sin excusas, los viajes, alojamientos y dietas de los equipos invitados. Dignificar el formato empieza por dignificar a sus profesionales.

Aun así, la vida de un corto no puede morir en los festivales. El gran reto pendiente sigue siendo encontrar huecos estables de exhibición. Cuesta muchísimo ver cortos en salas comerciales, televisiones o plataformas, y eso frena el recorrido de obras que tienen un valor cultural inmenso.

CONOCER EL SECTOR PARA TRANSFORMARLO DE VERDAD

Teníamos muy claro que, sin datos, estábamos ciegos. Históricamente, al

sector le han faltado estudios específicos para entender el impacto real de lo que hacemos.

Para solucionar esto lanzamos ‘El cortometraje español en 50 datos’, un proyecto propio para sacar una radiografía exacta del formato: cómo se produce, distribuye, exhibe y financia hoy en día. Tener números sobre la mesa es vital si queremos reclamar políticas culturales más justas. La idea es actualizar este informe cada año para tomar el pulso a nuestra evolución.

DIÁLOGO INSTITUCIONAL Y EL FIN DE LOS TECHOS DE CRISTAL

Sin el apoyo público, el corto es inviable. Por eso no hemos dejado de sentarnos con el ICAA para que las líneas de financiación se ajusten al encarecimiento real de los rodajes. Logramos algo fundamental: revisar a fondo la lista de festivales que dan puntos para estas ayudas, reclamando un baremo más justo que no deje tirados a circuitos clave para la difusión contemporánea.

Y el reconocimiento institucional tiene que ir parejo al de la profesión. De ahí que estemos reuniéndonos con la Academia de Cine por algo histórico: que el cortometraje tenga por fin su propia Especialidad. Queremos que quienes cimentan su carrera en el corto sean académicos con voz y voto, sin necesidad de hacer un largometraje para que se les tome en serio.

UN CINE PARA TODO EL MUNDO

También hemos querido poner el foco en la accesibilidad. El cine es un derecho, no un privilegio reservado a quienes no tienen barreras físicas o territoriales. En este tiempo hemos impulsado proyecciones con subtitulado especial para personas sordas y nos hemos esforzado en llevar los cortos más allá de las grandes ciudades, buscando siempre nuevos públicos.

EL REGRESO DE ‘EL

DÍA MÁS CORTO’ Y LA FUERZA DE LA UNIÓN

Nuestra razón de ser es que los cortos lleguen a la gente. Resucitar [ED+C] El

Día Más Corto, que se había apagado en pandemia, no era opcional, era un deber. Hoy conseguimos que cada 21 de diciembre el corto vuelva a brillar en más de 300 espacios a la vez (colegios, hospitales, plazas y cines).

Además, hemos creado una gala central itinerante que ya ha pisado Alicante, Almagro y Madrid, pensada para celebrar la profesión y homenajear a referentes del sector como Juanjo Giménez, Carlota Pereda o el programador Jorge Sanz.

MIRANDO AL FUTURO: EL CORTO COMO DESTINO

Cada vez menos personas ven el cortometraje como un formato “menor”, una simple práctica de escuela o una tarjeta de visita.

A esto se le suman retos enormes que tenemos encima de la mesa y no podemos ignorar: cómo está cambiando el consumo cultural, el papel de las plataformas, cómo hacer rentable la distribución, el embudo de los festivales o el tsunami de la inteligencia artificial.

El cortometraje español ya no pide permiso para existir. Ya existe, transforma, innova y es un pilar absoluto de la cultura y la identidad de nuestro país. Es industria, laboratorio, cantera y trinchera.

“Cada vez menos personas ven el corto como un formato menor (…) Tenemos retos enormes encima de la mesa: cómo está cambiando el consumo cultural, el papel de las plataformas, cómo hacer rentable la distribución, el embudo de los festivales o el tsunami de la IA”

Desde la Coordinadora vamos a seguir dando la cara para amarrar los logros conseguidos, abrir nuevas vías de diálogo y garantizar que el corto ocupe, definitivamente, el lugar que se ha ganado en las instituciones, en la industria audiovisual y en los ojos del público.

ENTRE EL RECELO Y LA OPORTUNIDAD: HOLLYWOOD Y LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL

ENTRE LOS GRANDES PROTAGONISTAS DE LA LXXIX EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES, CELEBRADA ENTRE EL 12 Y EL 23 DE MAYO DE 2026, FIGURÓ LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL, EN BOCA DE NUMEROSOS

ASISTENTES AL CERTAMEN. LA INDUSTRIA DEL CINE, Y EN PARTICULAR LA DE HOLLYWOOD, APROVECHÓ

EL MARCO DEL FESTIVAL PARA ESCENIFICAR UNA DESESCALADA EN LA GUERRA DECLARADA HASTA AHORA CONTRA ESTA NUEVA TECNOLOGÍA.

POR DIEGO SALGADO

I.

“No creo que la inteligencia artificial generativa implique la desaparición del cine, tal y como tememos hoy. Tampoco creo que constituya la solución a los problemas que arrastra el sector. Nos hallamos en los estadios iniciales de su uso. A lo mejor, dentro de cinco años echamos la vista atrás y concluimos que esta primera fase tentativa fue al menos divertida. O a lo mejor, resulta que para entonces estamos usando la inteligencia artificial mucho menos de lo que imaginamos ahora mismo. En cualquier caso, siempre he entendido el cine como un ejercicio de exploración, y me apetece abordar este nuevo paradigma para comprender con qué lidiamos realmente, más allá de que se trate,

obviamente, de una tecnología mediatizada por algunas de las corporaciones tecnológicas más poderosas de nuestro planeta”. Estas declaraciones de Steven Soderbergh, concedidas a las revistas Variety y Vanity Fair, dan cuenta precisa del punto de inflexión que la última edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, celebrada el pasado mes de mayo, ha representado para los debates en torno a la intromisión de las IAs generativas en el desarrollo de la producción audiovisual. Soderbergh, cuyo cine se ha caracterizado en efecto por un talante curioso y desprejuiciado ligado al empleo de tecnologías recién aparecidas —filmación en digital, móviles, cámaras de visor electrónico—, presentó en el Festival de Cannes un documental, John Lennon: The Last Interview, cuyo metraje se debe en un

10% a la IA generativa Meta, lo cual le granjeó numerosas críticas. Y es que, hasta el momento, las industrias del cine y la televisión solo habían tenido oficialmente en consideración las inteligencias artificiales predictivas, útiles desde hace al menos una década para analizar datos y deducir de los mismos patrones y tendencias. La elaboración de guiones, el cálculo de costes de producción, la previsualización de planos, la creación de ciertos efectos especiales y las estrategias de distribución y exhibición, son algunos de los sectores en los cuales juegan ya su papel herramientas como Runway, Quilty, Metaphysic y Largo.ai. Sin embargo, el rechazo fue total al entrar en escena entre 2021 y 2022 las inteligencias artificiales generativas, capaces de producir simulacros cada vez más perfeccionados de textos, ilustraciones,

fotografías e imágenes en movimiento merced al procesamiento de cantidades masivas de datos. Las redes sociales nos han familiarizado con los efectos cinemáticos que obtienen Kling AI, Seedance, Sora, Veo y otras IAs generativas, pero el entusiasmo de sus usuarios contrasta con la animadversión hacia ellas que ha puesto de manifiesto una y otra vez el mundo del arte y la cultura, en concreto el del cine.

Las razones son evidentes: las IAs generativas obtienen sus resultados mediante la gestión extractiva de imágenes creadas por los seres humanos, atentando en muchos casos contra sus derechos de autor, y al servicio en última instancia, como apuntaba Soderbergh, de grandes compañías ajenas a las industrias culturales, cuyo único objetivo es el de justificar la aplicación de la inteligencia artificial a todas

las facetas de la vida humana, en una de las iniciativas más agresivas, impredecibles —y artificiales, valga la paradoja— en la historia del capitalismo.

Para el científico estadounidense Gary Marcus, una de las máximas autoridades en el pensamiento en torno a las IAs, el abandono acrítico a las mismas de las economías y las sociedades es susceptible de desembocar en un escenario distópico.

II.

Ahora bien, la reacción del audiovisual ante las IAs generativas ha adoptado formas diferentes según la localización de la industria. En Europa, el cine y la televisión se debaten entre las políticas proteccionistas hacia la cultura de los Estados, y el anhelo de estos por no perder la carrera hacia la supremacía geoestratégica; véase HispanIA 2040, hoja de ruta del gobierno español dirigida a convertir nuestro país en “uno de los más prósperos, justos y sostenibles del mundo”.

El cine latinoamericano, por su parte, oscila entre el rechazo desde el punto de vista autoral y la curiosidad por el potencial de la IA para subvertir la hegemonía económica y cultural del cine norteamericano, con la producción hondureña de animación COPÁN: La leyenda (2026) y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias como epicentros respectivos de las controversias y las reflexiones.

Ecosistemas audiovisuales como el surcoreano o el chino han abrazado la inteligencia artificial, sin que importen demasiado hasta el momento las quejas de creadores y críticos. En Corea del Sur empieza

a normalizarse la presencia en la cartelera y las plataformas de streaming de películas en cuya producción ha intervenido la IA generativa — Run to the West (2025), I’m Popo (2026), The House (2026)—, mientras en China se vive un boom de microdramas sintéticos realizados para móviles cuyo volumen de negocio alcanzará este año los tres mil millones de dólares. Existen dos aspectos determinantes para la implantación de las IAs generativas en el audiovisual de Asia Oriental: el atractivo de la novedad —que pasará antes o después y contribuirá seguramente al estallido global de la burbuja de la IA que se pronostica desde hace un tiempo—, y el abaratamiento de los costes de producción que entraña su utilización.

Ese último aspecto es el que han esgrimido varias figuras de Hollywood en Cannes para acreditar la implementación de la IA en películas y series televisivas. Cabe recordar que, desde 2022, la Meca del Cine se encuentra sumida en una crisis sin precedentes derivada de la pandemia de COVID-19, la reducción de producciones para streaming, los paros laborales históricos en 2023 de actores y guionistas, los devastadores incendios de 2025 en California, la larga sombra de fusiones y adquisiciones entre compañías, y la competencia de los creadores de contenidos para Instagram, TikTok y YouTube; no es casualidad que habituales de YouTube como Kane Parsons, Curry Barker o los hermanos Danny y Michael Philippou hayan tomado

por asalto en los últimos tiempos el cine estadounidense de terror.

Estamos, como puede apreciarse, ante una tormenta perfecta de sucesos que se ha traducido en la reducción de las producciones de Hollywood en un 40%, con la consiguiente pérdida de hasta cuarenta mil puestos de trabajo.

Este panorama ha hecho que el recurso a las IAs generativas y el debate en torno a las mismas se hayan impuesto al tabú: si hace un par de años la oscarizada The Brutalist (2024) era objeto de polémica por aplicar de puntillas la inteligencia artificial para mejorar la pronunciación del húngaro por parte de los protagonistas, Adrien Brody y Felicity Jones, y crear un efecto gráfico en los minutos finales, en estos momentos los artífices de la serie televisiva de Amazon Prime La casa de David (2025) presumen abiertamente de multitud de efectos visuales logrados gracias a IAs generativas, y lo mismo cabe decir del realizador Doug Liman; su nuevo proyecto, la intriga Bitcoin: Killing Satoshi, protagonizada por Casey Affleck y Gal Gadot, confiará sus exteriores e interiores, así como la iluminación, a la tecnología que nos ocupa.

Liman argumenta que, de este modo, un presupuesto estimado inicialmente en 230 millones de dólares se reducirá a 70. Al filme de Liman hay que sumar el documental ya citado de Steven Soderbergh, John Lennon: The Last Interview, y propuestas en mayor o menor grado de desarrollo que lideran Darren

Aronofsky, Chuck Russell y Harmony Korine, entre otros. Tanto los ejecutivos de Disney como los directores James Cameron y Robert Zemeckis se han mostrado receptivos a los avances que vivimos, mientras que los actores Ashton Kutcher y Ben Affleck y, para sorpresa de muchos, un realizador tan venerado como

Martin Scorsese han apostado sin medias tintas por ellos a través de startups…

Como adelantábamos, todas estas aproximaciones, cada vez más francas, de la industria estadounidense a las inteligencias artificiales generativas —que cabe entender tanto desde la perspectiva artística como la del pelotazo especulativo—, tuvieron en la última edición del Festival de Cannes un escenario privilegiado para su legitimación.

III.

Siguiendo la estela de la actriz y productora Reese Witherspoon, que, desde las páginas de la revista Glamour, alentaba el pasado mes de abril a las mujeres de la industria audiovisual a dejar atrás sus prejuicios sobre las IAs, dado que “los trabajos que ocupan tienen tres veces más posibilidades de ser automatizados que los de los hombres”, dos estrellas presentes en Cannes, Cate Blanchett y Demi Moore, expresaron un interés constructivo por el tema.

Para Blanchett, asistente al certamen como cofundadora del Displacement Film Fund, iniciativa de ACNUR para apoyar a cineastas desplazados por conflictos bélicos, “la innovación puede coexistir con la creatividad humana, y la inteligencia artificial es inevitable. Con el tiempo, formará parte de nuestra vida

y de nuestras actividades, los debates públicos sobre ella son necesarios. Lo importante en el ámbito del audiovisual es que su utilización esté sujeta al consentimiento por lo que toca a nuestra imagen y nuestra voz”.

Moore, miembro del jurado de la sección oficial, fue más lejos al asegurar que “las IAs ya están aquí, y el marco regulatorio seguramente se va a quedar corto a la hora de fijar su uso. Hollywood tendrá que buscar la manera de trabajar con ellas. Resistirse supondrá embarcarse en una batalla que vamos a perder”.

El responsable de las sagas de El señor de los anillos (2001-2003) y El hobbit (20122014), Peter Jackson, receptor en el festival de una Palma de Oro honorífica, se expresó en el mismo sentido, aunque haciendo hincapié en el factor creativo de la ecuación. En línea con Blanchett, Jackson cifró su línea roja “en la explotación sin permiso de las características de actores reales”, un problema que tratan de solventar corporaciones como la holandesa Particle6 Group, creadora de una granja de personalidades sintéticas entre las cuales destaca Tilly Norwood.

Por lo demás, para Jackson, “las inteligencias artificiales son una herramienta más, comparable a los efectos especiales de los pioneros del cine o el stop-motion. El impacto

que tengan las imágenes generadas con IA dependerá de la imaginación y originalidad de las personas que alimenten los programas”. Jackson incidía así en una cuestión que incomoda tratar en el ámbito de la cultura, superpoblado de artistas que aspiran a destacar y plataformas que compiten por nuestra atención: las IAs generativas no han sido un cisne negro, un suceso imprevisible y de consecuencias disruptoras, sino el corolario inevitable de un proceso enloquecido de producción y consumo, en especial de la imagen, que ha primado su condición de moneda de cambio en el mercado de la hiperconexión virtual sobre su valor expresivo.

En este sentido, la reflexión más lúcida escuchada en Cannes fue quizá la de otra actriz, Tilda Swinton, invitada por el festival a impartir una clase magistral. Para la intérprete de Orlando (1992) y La habitación de al lado (2024), “el cine ha sobrevivido a otras amenazas tecnológicas, las ha incorporado a su ADN (...) la inteligencia artificial no tendrá oportunidad ninguna de batirnos si, como cineastas, nos decantamos por el riesgo, por ir más allá de lo formulaico, por superarnos (...) lo que le frustra al público, lo que nos pone en peligro, es ir al cine para descubrir que la película por la que han apostado ya la han visto cuarenta veces”.

LOS JAVIS CON LA BOLA NEGRA, MEJOR DIRECCIÓN EN UN CANNES CON PALMA DE ORO PARA FJORD DE MUNGIU

EL JURADO DE LA SECCIÓN OFICIAL DE LA 79 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES, PRESIDIDO POR PARK CHANWOOK, CORONÓ A FJORD DEL RUMANO CRISTIAN MUNGIU, QUE CONSIGUIÓ SU SEGUNDA PALMA DE ORO TRAS 4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS. ESPAÑA VE RECOMPENSADA SU PARTICIPACIÓN HISTÓRICA CON UN PREMIO TAN IMPORTANTE COMO MEJOR DIRECCIÓN PARA JAVIER AMBROSSI Y JAVIER CALVO POR LA BOLA NEGRA. AINA

CLOTET TAMBIÉN ES PREMIADA POR VIVA EN LA SEMANA DE LA CRÍTICA.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

España ha contado con tres películas en Competición este año en Cannes, un hecho histórico que no se daba desde 1954, una época en la que el festival recibía muchas menos películas y no era tan complicado como ahora.

El ser querido de Rodrigo Sorogoyen y Amarga Navidad de Pedro Almodóvar han tenido una recepción buena, con opiniones discrepantes, cierto es, pero es que competir en Sección Oficial de Cannes no es nada fácil ya que el nivel de exigencia por parte de la crítica es muy alto. Aunque no hayan sido de las mejor valoradas, han salido indemnes.

La que sí ha sido reforzada, aunque también tenga sus detractores, ha sido el segundo largometraje de los Javis, La bola

negra. Este romance épico, contado en tres épocas y basado en relato inacabado de Lorca, es una producción de Movistar Plus+ y Suma Content en coproducción con El Deseo y Le Pacte y con la participación de Atresmedia.

El film de Javier Ambrossi y Javier Calvo será distribuido en España por Elastica Films. Las ventas las gestiona Goodfellas y lo cierto es que ha generado un enorme interés internacional, sobre todo en Estados Unidos, donde ha generado una puja que terminó ganando Netflix.

El premio a Mejor Dirección, que los Javis comparten con el polaco Pawel Pawlikowski por Fatherland (film que distribuirán en España Caramel Films y Mubi), es histórico porque solamente dos españoles lo lograron con anterioridad: Luis Buñuel en 1951 por

la película mexicana Los olvidados y Pedro Almodóvar en 1999 por Todo sobre mi madre. No obstante, la película del palmarés ha sido Fjord, el nuevo film del rumano Cristian Mungiu. No solamente obtiene la Palma de Oro, sino también el FIPRESCI de la Crítica. Una película que ha generado mucho debate, porque trata temas que dan lugar a la conversación sobre aspectos de la sociedad.

Distribuida en España por Caramel Films y Filmin, la historia sigue a los Gheorghiu, una devota pareja rumano-noruega que se instalan en un pueblo situado junto a un remoto fiordo, donde entablan amistad con sus vecinos, los Halberg. Sus hijos conectan a pesar de haber recibido educaciones muy distintas. Pero cuando la adolescente Elia Gheorghiu aparece en la escuela con

varios hematomas, la comunidad comienza a preguntarse si la estricta educación tradicional impartida por sus padres tiene algo que ver.

Mungiu obtiene su segunda Palma de Oro, pues ya la había conseguido por 4 meses, 3 semanas, 2 días. Entra en un selecto club que incluye a Michael Haneke, Ruben Ostlünd, Emir Kusturica, Ken Loach, Jean Pierre y Luc Dardenne, Bille August, Francis Ford Coppola y Shohei Imamura.

La que para muchos era la favorita para la Palma de Oro, Minotaur del ruso Andrei Zviagintsev, consigue el segundo premio en importancia, el Gran Premio del Jurado. Es otro título que lleva Elastica Films en nuestro país.

Otro de los títulos más venerados en esta edición ha sido All of a Sudden de Ryusuke Hamaguchi. Quizás el premio de interpretación femenina se queda algo corto pero al menos entra en el palmarés. El otro premio interpretativo es para Coward de Lukas Dhont, para sus dos protagonistas. Un nuevo reconocimiento al cineasta belga, uno de los más en forma en el panorama contemporáneo.

La alemana Valeska Grisebach y el francés Emmanuel Marre fueron también reconocidos respectivamente con el Premio del Jurado para The Dreamed Adventure y el Mejor Guion para Notre Salut

Entre las cintas que se quedan fuera del palmarés y han tenido una buena acogida hay que destacar las dos cintas estadounidenses: Paper Tiger de James Gray y The Man I Love de Ira Sachs. También se debe destacar dos películas de género como Hope de Na Hong-jin y The Unknown de Arthur Harari. Cannes no es muy receptivo a este tipo de filmes pero los fans del género las han aplaudido. La surcoreana ha sido de los títulos más divisorios, pero ha tenido no pocos comentarios extraordinariamente positivos.

De las secciones paralelas, debemos poner el acento en el hecho de que el jurado de la Semana de la Crítica, presidido por la cineasta india Payal Kapadia, le otorga un premio revelación a Viva, la ópera prima de Aina Clotet. La Gradiva de Marine Atlan, sensación del festival, logró el premio principal. También hay que subrayar que la ganadora en Un Certain Regard, Everytime de Sandra Wollner, fue rodada en Tenerife con la productora Tourmalet Films haciendo el service.

A continuación, el palmarés de la Competición de Cannes 2026:

SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO

• Palma de Oro a la Mejor Película: FJORD de Cristian Mungiu

• Gran Premio del Jurado: MINOTAUR de Andrei Zviagintsev

• Mejor Dirección: LA BOLA NEGRA de Javier Calvo y Javier Ambrossi y FATHERLAND de Pawel Pawlikowski

• Premio del Jurado: THE DREAMED ADVENTURE de Valeska Grisebach

• Mejor Guion: NOTRE SALUT de Emmanuel Marre

• Mejor Interpretación Femenina: Virginie Efira y Tao Okamoto por ALL OF A SUDDEN de Ryusuke Hamaguchi

• Mejor Interpretación Masculina: Emmanuel Macchia y Valentin Campagne por COWARD de Lukas Dhont

COMPETICIÓN DE CORTOS

• Palma de Oro: PARA LOS CONTRINCANTES de Federico Luis

UN CERTAIN REGARD

• Premio Un Certain Regard: EVERYTIME de Sandra Wollner

• Premio del Jurado: ELEPHANTS IN THE FOD de Abinash Bikram Shah

• Premio Especial del Jurado: IRON BOY de Louis Clichy

• Mejor Actor: Bradley Fiomona Dembeasset por CONGO BOY de Rafiki Fariala

• Mejor Actriz: Marina de Tavira, Daniela Marín Navarro y Mariangel Villegas en SIEMPRE SOY TU ANIMAL MATERNO de Valentina Maurel

CAMÉRA D’OR

• Premio Caméra d’or: BEN’IMANA de Marie-Clémentine Dusabejambo (proyectada en Un Certain Regard)

LA CINEF

• Primer Premio: LASER-GATO de Lucas Acher.

LAS PELÍCULAS DE CANNES 2026: ¿QUIÉN LAS DISTRIBUYE EN ESPAÑA?

COMO ACOSTUMBRAMOS EN RUBIK, TRAS LA CELEBRACIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES, EL MÁS IMPORTANTE DEL MUNDO CINEMATOGRÁFICO, HACEMOS UN BALANCE DE LAS PELÍCULAS ALLÍ PROYECTADAS QUE YA TIENEN

DISTRIBUCIÓN ASEGURADA EN ESPAÑA, ASÍ COMO TÍTULOS QUE FUERON ADQUIRIDOS EN EL MARCHÉ DU FILM.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

PELÍCULAS DE LA SECCIÓN OFICIAL

A CONTRACORRIENTE FILMS

El ser querido de Rodrigo Sorogoyen

AVALON

Historias paralelas de Asghar Farhadi

BTEAM PICTURES

A Woman´s Life de Charline Bourgeois-Tacquet

Moulin de László Nemes

The Man I Love de Ira Sachs

CARAMEL FILMS

All of a Sudden de Ryusuke Hamaguchi (Mejor Actriz)

Fatherland de Pawel Pawlikowski (con Mubi) (Mejor Dirección)

Fjord de Cristian Mungiu (con Filmin) (Palma de Oro y FIPRESCI)

The Birthday Party de Léa Mysius

DIAMOND FILMS

Paper Tiger de James Gray

ELASTICA FILMS

Gentle Monster de Marie Kreutzer

Minotaur de Andrey Zvyagintsev (Gran Premio del Jurado)

La bola negra de Javier Calvo y Javier Ambrossi (Mejor Dirección)

FILMIN

Fjord de Cristian Mungiu (con Caramel) (Palma de Oro y FIPRESCI)

Notre Salut de Emmanuel Marre (Mejor Guion)

The Unknown de Arthur Harari

MUBI

Coward de Lukas Dhont (Mejor Actor)

Fatherland de Pawel Pawlikowski (con Caramel) (Mejor Dirección)

Hope de Na Hong-jin

WARNER BROS.

Amarga Navidad de Pedro Almodóvar (ya estrenada)

VERTIGO FILMS

Sheep in the Box de Hirokazu Koreeda

*A fecha de cierre de esta edición, hay tres películas que competían por la Palma de Oro de la que no sabemos todavía su distribución en España: Garance (Jeanne Henry), Nagi Notes (Koji Fukada) y el Premio del Jurado, The Dreamed Adventure de Valeska Grisebach.

ADQUISICIONES EN OTRAS SECCIONES O DURANTE EL MARCHÉ

A CONTRACORRIENTE FILMS

Karma de Guillaume Cannes (Fuera de Competición)

Maverick: The Epic Adventures of David Lean de Barnaby Thompson (Cannes Classics)

ADSO FILMS

I See Buildings Fall Like Lightning de Clio Barnard (en Quinzaine)

La más dulce de Laïla Marrackhi (en Un Certain Regard)

Low Expectations de Eivind Landsvik (en Quinzaine)

Sanguine de Marion Le Corroller (en Cannes Midnight) (con Twelve Oaks Pictures)

ALFA PICTURES

C’est quoi l’amour de Fabien Gorgeart

L’adoption de Ivan Calbérac

La maison des femmes de Mélisa Godet

Merry Christmas Aubrey Flint de Jack Spring

Zona Merah: Dead City de Sidarta Tata y Fajar Martha Santosa

APPLE TV

Ven a volar conmigo de John Travolta (en Cannes Première)

ATALANTE CINEMA

All the Lovers in the Night de Yukiko Soder (en Un Certain Regard)

Diary of a Chambermaid de Radu Jude (en Quinzaine)

Las libertad doble de Lisandro Alonso (en Quinzaine)

The Pelechian Project de Artavazd Pelechian (en Cannes Classics)

Words of Love de Rudi Rosenberg (en Un Certain Regard)

AVALON

Ceniza en la boca de Diego Luna (en Special Screenings)

Club Kid de Jordan Firstman (en Un Certain Regard) (con Bteam)

BTEAM PICTURES

Butterfly Jam de Kantemir Bagalov (película inaugural en Un Certain Regard)

Dream Come True de Juho Kuosmanen

CARAMEL FILMS

Everytime de Sandra Wollner (Mejor Película en Un Certain Regard)

Viva de Aina Clotet (en Semaine)

ELASTICA FILMS

El deshielo de Manuela Martelli (en Un Certain Regard)

La Gradiva de Marine Atlan (Mejor Película en Semaine)

Rehearsals for a Revolution de Pegah Ahangarani (en Special Screenings)

FILMIN

A Girl’s Story de Judith Godrèche (en Un Certain Regard)

Flesh and Fuel de Pierre Le Gall (en Semaine)

Jim Queen de Marco Nguyen y Nicolas Athane (en Midnight Screenings)

The Story of Concrete de John Wilson

Viva Carmen de Sébastien Laudenbach (en Quinzaine)

INOPIA FILMS

Breeder de Alex Goyette

Last Flight, con Benedict Cumberbatch

River de Joshua Giuliano

November 1963 de Roland Joffé

KARMA FILMS

Il Rumore Delle Cose Nuove de Paolo Genovese

Iron Boy de Louis Clichy (Premio Especial en Un Certain Regard)

LA AVENTURA

El arte del engaño – La Vénus Électrique de Pierre Salvadori (película de inauguración en Cannes, Fuera de Competición)

Fujiko de Taichi Kimura (Premio del Público en Udine)

The End of It de María Martínez Bayona (en Un Certain Regard)

Never After Dark de Dave Boyle (Mejor Película en sección Midnight de SXSW)

LA ZONA FILMS

Quo Vadis Aida – The Missing Part de Jasmila Žbanic

MIRROR AUDIOVISUAL

Ceux Qui Comptent de Jean-Baptiste Léonetti

MUBI

Her Private Hell de Nicolas Winding Refn (Fuera de Competición)

Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma de Jane Schoenbrun (película de inauguración en Un Certain Regard)

PACK MÀGIC

The Unicorn That Said No de Studio Noi y Marc-Uwe Kling

VÉRTIGO FILMS

Lucy Lost de Olivier Clert (en Special Screenings)

WANDA VISION

Ink de Danny Boyle

The Debut de Jesse Eisenberg

YOUPLANET PICTURES

La Bataille de Gaulle: L’Âge de Fer de Antonin Baudry (Fuera de Competición)

© Elastica Films