PALAVRAS QUE CRIAM MUNDOS

ENTRE BARA E ASSAH

Ha palavras que nomeiam aquilo que existe. Outras inauguram possibilidades de existencia.

Between Bara and Assah What does it mean to create? The Hebrew language, in all its depth, offers us two words that open distinct paths into this question: Bara and Assah. Bara is Divine creation. It is the word with which the Torah begins: Bereshit bara Elokim — "In the beginning, G-d created." Jewish tradition understands Bara as yesh me'ayin: bringing existence forth from non-existence. Where there was no matter, no form, no color, G-d brought a world into being. This is an exclusively Divine capacity. Assah, by contrast, means to make. It is the language of action, transformation, and human creation. The human being does not create from nothing. We receive a world that already exists: matter, nature, color, sound, words, experiences. And from what we have been given, we transform. At first glance, we might imagine Bara to be infinitely greater. And indeed, the grandeur of Divine creation is beyond comparison. Yet Jewish tradition invites us to discover within Assah a dimension of its own that is nothing short of extraordinary. G-d did not create a world merely to be contemplated. He created a physical world and placed the human being within it not simply as a spectator, but as a participant. He entrusted us with matter, intelligence, sensitivity, freedom, and talent — and invited us to make. To choose. To build. To transform. The same material can be used to destroy or to build. The same hands can wound or heal. The same physical world can conceal the Divine or become a place where the Divine Presence is revealed. It is here that Assah becomes more than making: it becomes responsibility. And it becomes partnership. The Torah tells us that G-d asked the people to build a Sanctuary, saying: "They shall make for Me a Sanctuary, and I shall dwell among them." The finite and limited human being was given the extraordinary possibility of taking the physical elements of this world and transforming them into a dwelling place for the Infinite. Perhaps art is one of the most beautiful expressions of this encounter. The artist does not create matter itself, but discovers possibilities within it. The artist receives color, form, texture, language, memory, and space — and, through a singular vision, reveals something that had never before been seen in quite that way. Transforming what was received, the artist gives something new back to the world. Between Bara and Assah, then, lies a space of encounter. On one side, G-d, who creates and sustains existence. On the other, the human being, who receives this world and is invited to transform it. We do not create as G-d creates. But we can become His partners. We can take matter and fill it with meaning. We can reveal, within a profoundly physical world, something that transcends it. Through our choices, our actions, and our talents, we can make this world a better place — a place capable of holding more beauty, more purpose, and more Divine presence. Perhaps all of this was already contained in the words with which the Torah concludes the account of Creation: "Asher bara Elokim la'assot" — «Which G-d created to make.» (Genesis 2:3) G-d created. And in creating, He left room for the human being to make. Perhaps this is precisely where Bara and Assah meet: in the world we receive from G-d, and in what we choose to make of it. Rivky Rosenfeld Centro comunitário Beit Menachem 2

Entre Bara e Assah O que significa criar? A língua hebraica, em sua profundidade, nos oferece duas palavras que abrem caminhos distintos para essa pergunta: Bara e Assah.

Bara é a criação Divina. É a palavra que inaugura a Torá: Bereshit bara Elokim — “No princípio, D'us criou”. A tradição judaica compreende Bara como yesh me'ayin: fazer surgir a existência a partir da não existência. Onde não havia matéria, forma ou cor, D'us fez existir um mundo. Essa é uma capacidade exclusivamente Divina. Assah, por sua vez, significa fazer. É o verbo da ação, da transformação, da criação humana. O ser humano não cria a partir do nada. Ele recebe um mundo que já existe: matéria, natureza, cores, sons, palavras, experiências. E, a partir daquilo que recebeu, transforma. À primeira vista, poderíamos pensar que Bara é infinitamente mais grandioso. E, de fato, a grandeza da criação Divina é incomparável. Mas a tradição judaica nos convida a descobrir, dentro do Assah, uma dimensão extraordinária. D'us não criou um mundo apenas para ser contemplado. Criou um mundo físico e colocou o ser humano dentro dele não apenas como espectador, mas como participante. Confiou-lhe matéria, inteligência, sensibilidade, liberdade e talento — e o convidou a fazer. A escolher. A construir. A transformar. A mesma matéria pode ser usada para destruir ou para construir. As mesmas mãos podem ferir ou curar. O mesmo mundo físico pode ocultar o Divino ou tornar-se um espaço onde Sua presença é revelada. É nesse ponto que Assah se torna mais do que fazer: torna-se responsabilidade. E também parceria. A Torá conta que D'us pediu ao povo que construísse um Santuário e disse: “Farão para Mim um Santuário, e habitarei entre eles”. O ser humano, finito e limitado, recebeu a possibilidade extraordinária de tomar elementos físicos deste mundo e transformá-los em uma morada para o Infinito. Talvez a arte seja uma das mais belas expressões desse encontro. O artista não cria a matéria, mas encontra nela possibilidades. Recebe cor, forma, textura, palavra, memória e espaço — e, por meio de seu olhar singular, revela algo que ainda não havia sido visto daquela maneira. Transforma o que recebeu e, nesse gesto, devolve algo novo ao mundo. Entre Bara e Assah existe, portanto, um espaço de encontro. De um lado, D'us, que cria e sustenta a existência. Do outro, o ser humano, que recebe esse mundo e é convidado a transformá-lo. Não somos criadores como D'us. Mas podemos ser Seus parceiros. Podemos tomar a matéria e preenchê-la de significado. Podemos revelar, dentro de um mundo profundamente físico, algo que o transcende. Podemos, através de nossas escolhas, nossos atos e nossos talentos, fazer deste mundo um lugar melhor — um lugar capaz de acolher mais beleza, mais propósito e mais presença Divina. Talvez tudo isso já estivesse contido nas palavras com que a Torá encerra o relato da Criação: “Asher bara Elokim la'assot” — “Que D'us criou para fazer.” (Gênesis 2:3) D'us criou. E, ao criar, deixou espaço para que o ser humano também pudesse fazer. Talvez seja justamente aí que Bara e Assah se encontrem: no mundo que recebemos de D'us e naquilo que escolhemos fazer com ele. Rivky Rosenfeld Centro comunitário Beit Menachem 3

WORDS THAT CREATE WORLDS

BETWEEN BARA AND ASSAH Some words name what already exists. Others bring new possibilities of existence into being. Bara and Assah belong to that rare category of words. In the Hebrew tradition, bara designates the act of creation attributed exclusively to the Divine. Assah belongs to the human realm of making, the creative act that transforms, organizes, and gives new meaning to what already exists. Between these two verbs lies one of humanity's oldest, and still most urgent, questions: what does it mean to create? Every act of creation changes the world, however subtly. A gesture reshapes a relationship. An image reorders memory. An idea alters the future before it even takes form. Creation unfolds through matter and language, through science and art, through technique and imagination. Every creative act expands what the world itself can become. It is from this horizon that Between Bara and Assah emerges. Artists from diverse backgrounds, practices, and artistic languages share a common commitment to exploring the nature of creation. Their materials, processes, references, and poetic approaches differ widely, yet each work retains its singular voice while contributing to a shared reflection. No work answers the question once and for all. Each creation extends the one before it and prepares the ground for the next, forming a constellation of voices engaged in an ongoing dialogue. Rather than offering definitive answers, the exhibition keeps its central question deliberately open, reminding us that creation always exceeds any definition we attempt to give it. Creating is among the most profoundly human of gestures because it transforms the world long before it transforms it completely. Every work begins before matter and continues long after it. Between bara, which brings forth, and assah, which carries creation forward, lies the space where humanity responds to the gift of existence through the act of creating. It is within that space that Between Bara and Assah takes place. Adriana Scartaris Curator 4

PALAVRAS QUE CRIAM MUNDOS

ENTRE BARA E ASSAH

Há palavras que nomeiam aquilo que existe. Outras inauguram possibilidades de existência. Bara e Assah pertencem a esse raro conjunto de palavras. Na tradição hebraica, bara designa o ato criador atribuído ao divino. Assah pertence ao fazer humano, à criação que transforma, organiza e atribui novos sentidos ao que já existe. Entre esses dois verbos inscreve-se uma das perguntas mais antigas da humanidade e, ao mesmo tempo, uma das mais atuais: o que significa criar? Toda criação modifica o mundo, ainda que discretamente. Um gesto altera uma relação, uma imagem reorganiza uma memória, uma ideia modifica o futuro antes mesmo de adquirir forma. Criar acontece na matéria e na linguagem, na ciência e na arte, na técnica e na imaginação. Cada ato criador amplia aquilo que o mundo pode vir a ser. É desse horizonte que nasce Entre Bara e Assah. Artistas de diferentes trajetórias, pesquisas e linguagens compartilham uma mesma disposição para investigar o ato de criar. Diversas são as materialidades, os procedimentos, os repertórios e as escolhas poéticas. Cada obra preserva sua singularidade e, justamente por isso, participa de uma reflexão comum. Nenhuma obra encerra a pergunta que a antecede. Cada criação amplia a anterior e prepara a seguinte, formando uma composição em que diferentes vozes permanecem em diálogo. O conjunto não procura oferecer respostas definitivas. Prefere manter aberta a questão que o tornou possível, lembrando que criar é sempre maior do que qualquer definição capaz de contê-lo. Criar é um dos gestos mais profundamente humanos, porque transforma o mundo antes mesmo de transformá-lo por completo. Toda obra começa antes da matéria e continua muito depois dela. Entre bara, que inaugura, e assah, que dá continuidade, abre-se o espaço onde a humanidade responde ao dom de existir com o gesto de criar. É nesse lugar que Entre Bara e Assah acontece.

Adriana Scartaris Curadora 5

EDIÇÃO

284 ARTBOOKS

PROJETO GRÁFICO

THIAGO CASTELANI

CRÉDITO DAS IMAGENS

AUTORES DAS OBRAS

CAPA PRODUÇÃO GRÁFICA E EDITORAÇÃO DIAGRAMAÇÃO TEXTOS ADAPTAÇÃO PARA INGLÊS

GABI ANDRADE STUDIO N.A. GABI ANDRADE ADRIANA SCARTARIS STUDIO N.A.

CURADORIA

ADRIANA SCARTARIS

MENTORIA

SANDRA BECKER

PROJETO

CLUBE DE ARTISTAS

COLEÇÃO

ART INSPIRATION VOLUME 40 - ANO 5 -2026 | EDIÇÃO BILÍNGUE

BOOKS

clube de artistas

DEZOITO MANEIRAS DE AMPLIAR O MUNDO Adriana Scartaris

Mary Queiroz

Ana de Andrade

Olinda Mota e Virgílio Mota

André Baretto

Osvaldo Gaia

Chris Acyoli

René Agostinho

Clara Afonso

Sandra Becker

Dudi Neri

Tania Martins

Greicy Khafif Iolanda Teixeira Licia Vallim

Vera Pilnik Sanovicz Vitória Barros Yvelise Cavalcante

TODA CRIAÇÃO TAMBÉM É FEITA DE ENCONTROS Dirceu Bindandi

Rivky Rosenfeld

René Agostinho

Vera Pilnik Sanovicz

COM A COLABORAÇÃO DE

THE EIGHTEEN APERTURES Every act of creation begins with an opening. Before form, there is possibility. Before an answer, there is a question. Before a path, there is an intuited direction. The apertures gathered in this chapter arise from this intermediate place, where something is not yet fully defined, yet has already begun to reveal itself. The eighteen words that follow do not seek to explain the works presented in this exhibition. Nor do they attempt to summarize the artists' thinking. They are invitations. Each offers a way of paying attention, an attitude toward life, a way of approaching what we call creation. Listening. Verb. Order. Structure. Surrender. Perception. Trust. Control. Balance. Care. Blessing. Transmission. Inheritance. Belonging. Reciprocity. Choice. Pause. Almost. Some of these words point toward gestures. Others describe states of awareness. Others still speak of the relationships we establish with the world, with one another, and with all that surrounds us. Together they trace a possible path between Bara and Assah, between the originating impulse that makes reality possible and the continuous work of giving form, sustaining, caring for, and carrying it forward. Each aperture opens onto a different landscape. Some lead us toward origins. Others draw us closer to responsibility, coexistence, or memory. None offers a conclusion. All remain open. Perhaps this is one of the deepest conditions of creation. What truly matters rarely reveals itself all at once. It first appears as a small opening. Then as a question. Later, as a path. And it is through that opening that we enter.

AS DEZOITO FRESTAS Toda criação começa com uma abertura. Antes da forma existe uma possibilidade. Antes da resposta existe uma pergunta. Antes do caminho existe uma direção pressentida. As frestas reunidas neste capítulo nascem desse lugar intermediário, onde algo ainda não está completamente definido, mas já começa a tornar-se visível. As dezoito palavras que seguem não almejam explicar as obras desta exposição. Tampouco pretendem resumir o pensamento dos artistas. Funcionam como convites. Cada uma delas oferece uma forma de atenção, uma atitude diante da vida, uma maneira de aproximar-se daquilo que chamamos criação. Escuta, verbo, ordem, estrutura. Entrega, percepção, confiança. Controle, equilíbrio, cuidado. Bênção, transmissão, herança. Pertencimento, reciprocidade, escolha. Pausa e quase. Algumas dessas palavras apontam para gestos. Outras para estados de consciência. Outras ainda para relações que estabelecemos com o mundo, com os outros e com aquilo que nos envolve. Juntas, formam um percurso possível entre Bara e Assah, entre o impulso inaugural que torna uma realidade possível e o trabalho contínuo de dar forma, sustentar, cuidar e continuar. Cada fresta abre-se para uma paisagem diferente. Algumas conduzem à origem. Outras aproximam-nos da responsabilidade, da convivência ou da memória. Nenhuma delas oferece uma conclusão. Todas permanecem abertas. Essa parece ser uma das condições mais profundas de qualquer criação. Aquilo que verdadeiramente importa raramente se apresenta por inteiro. Primeiro surge como uma pequena abertura. Depois como uma pergunta. Mais adiante, como um caminho. E é por ela que entramos

FIRST MOVEMENT The formation of consciousness

Every act of creation begins long before the gesture. Before building, naming, or transforming anything, there is a gradual process of recognition. We learn to listen, to distinguish, to name, to organize, and to perceive relationships. Little by little, what once seemed dispersed begins to acquire an inner form. The six apertures that follow accompany this movement. They speak of the passage between the unknown and what gradually becomes conscious. Between our first encounter with the world and our ability to understand it lies a path shaped by attention, language, structure, openness, sensitivity, and perception. It is along this path that we begin to recognize who we are.

A formacao da consciencia

Toda criação começa muito antes do gesto. Antes de construir, nomear ou transformar qualquer coisa, existe um lento processo de reconhecimento. Aprendemos a ouvir, a distinguir, a nomear, a organizar e a reconhecer relações. Aos poucos, aquilo que parecia disperso adquire forma interior. As seis frestas que seguem acompanham esse movimento. Elas falam da passagem entre o desconhecido e aquilo que começa a tornar-se consciente. Entre o primeiro contato com o mundo e a capacidade de compreendê-lo, existe um percurso feito de atenção, linguagem, estrutura, disponibilidade, sensibilidade e percepção. É nesse percurso que começamos a reconhecer quem somos.

Muito antes de aprendermos a falar, aprendemos a escutar. Escutamos ritmos antes de compreender significados. Escutamos a voz antes das palavras, a presença antes da imagem, o silêncio antes da resposta. A escuta é uma forma de acolhimento. Ela exige menos afirmação e mais disponibilidade, menos certeza e mais atenção. Grande parte da vida é vivida tentando responder. Criar, porém, começa em outro lugar. Começa quando interrompemos o impulso de preencher o mundo com nossas próprias vozes e nos tornamos capazes de perceber aquilo que já está diante de nós. Toda criação nasce de um encontro. E todo encontro começa pela escuta.

Long before we learn to speak, we learn to listen. We hear rhythms before we understand meanings. We hear a voice before its words, a presence before its image, silence before its answer. Listening is an act of receptivity. It calls for less assertion and more openness, less certainty and more attention. Much of life is spent trying to respond. Creation, however, begins elsewhere. It begins when we interrupt the impulse to fill the world with our own voices and become capable of perceiving what is already before us. Every act of creation begins with an encounter. Every encounter begins with listening.

Existem palavras que descrevem. Outras transformam. Ao longo da vida, aprendemos que nomear algo é também estabelecer uma relação com aquilo que foi nomeado. Quando uma experiência, uma ideia ou um sentimento encontram linguagem, algo muda. Aquilo que parecia difuso torna-se reconhecível. Aquilo que permanecia disperso encontra um lugar na consciência. O verbo aproxima pensamento e realidade. Ele permite que uma intenção encontre forma, que uma percepção encontre linguagem, que uma possibilidade encontre existência. Toda criação passa por esse instante raro em que algo deixa de habitar apenas a possibilidade e começa a ocupar o mundo.

Some words describe. Others transform. Over time, we discover that naming something also establishes a new reality. When an experience, an idea, or a feeling finds language, it becomes recognizable. What once seemed diffuse begins to take shape. What had remained unnamed finds its place within consciousness. The verb brings thought and reality into dialogue. It allows intention to find form, perception to find language, and possibility to find existence. Every act of creation passes through that rare moment when something ceases to inhabit possibility alone and begins to take its place in the world.

A ordem costuma ser confundida com rigidez. No entanto, as formas mais complexas da vida dependem justamente da capacidade de organizar diferenças sem eliminá-las. Uma floresta, um corpo, uma constelação ou uma cidade revelam que a complexidade não depende da ausência de ordem, mas da riqueza das relações que a constituem. Cada elemento ocupa um lugar, participa de um conjunto e contribui para algo maior do que si mesmo. A ordem não apaga a diversidade. Ela torna possível sua permanência. Criar é reconhecer relações. Aproximar elementos, perceber padrões, compreender afinidades. Muitas vezes a ordem não precisa ser inventada. Precisa apenas ser percebida.

Order is often mistaken for rigidity. Yet the most complex forms of life depend precisely on the ability to organize differences without eliminating them. A forest, a body, a constellation, or a city reveal that complexity does not arise from the absence of order, but from the richness of the relationships that compose it. Each element occupies a place, participates in a whole, and contributes to something greater than itself. Order does not erase diversity. It makes its continuity possible. To create is to recognize relationships. To bring elements closer together, to perceive patterns, to understand affinities. More often than not, order does not need to be invented. It simply needs to be perceived.

Nem tudo o que sustenta uma forma pode ser visto. Raízes permanecem sob a terra. Ossos permanecem sob a pele. Ideias, valores e memórias também constroem estruturas invisíveis que orientam escolhas, relações e modos de habitar o mundo. Grande parte daquilo que nos constitui permanece invisível mesmo quando seus efeitos já podem ser percebidos. Estruturas não servem apenas para sustentar peso. Elas permitem crescimento, transformação e continuidade. Quanto mais viva uma estrutura, maior sua capacidade de adaptar-se sem perder sua integridade. Criar é participar da construção daquilo que permanecerá quando o gesto já não estiver presente.

Not everything that sustains a form can be seen. Roots remain beneath the earth. Bones remain beneath the skin. Ideas, values, and memories also create invisible structures that guide choices, relationships, and ways of inhabiting the world. Much of what constitutes us remains unseen even when its effects can already be perceived. Structures do more than support weight. They make growth, transformation, and continuity possible. The more alive a structure is, the greater its ability to adapt without losing its integrity. To create is to participate in the construction of that which will remain when the gesture itself is no longer present.

Entregar-se exige uma forma particular de coragem. Algumas das experiências mais importantes da vida chegam como intuição, pressentimento ou mistério. Não se apresentam completas. Não oferecem garantias. A compreensão vem depois, quando vem. A entrega não elimina a dúvida. Ela permite seguir adiante apesar dela. Existe coragem em reconhecer os limites daquilo que sabemos e permanecer disponíveis para aquilo que ainda não compreendemos. Criar exige essa confiança rara. A disposição de continuar quando ainda não é possível enxergar a forma inteira daquilo que está por vir.

Surrender requires a particular kind of courage. Some of the most important experiences in life arrive as intuition, premonition, or mystery. They do not present themselves fully formed. They offer no guarantees. Understanding comes later, when it comes at all. Surrender does not eliminate doubt. It allows us to move forward despite it. There is courage in recognizing the limits of what we know and remaining open to what we do not yet understand. Creation requires this rare form of trust. The willingness to continue when it is still impossible to see the full shape of what is yet to come.

Ver é diferente de perceber. Vemos aquilo que está diante dos nossos olhos. Percebemos aquilo que adquire significado. A percepção não depende apenas dos sentidos. Ela nasce da atenção, da experiência, da memória e da capacidade de estabelecer relações entre aquilo que observamos e aquilo que conhecemos. Duas pessoas podem olhar para a mesma paisagem e encontrar coisas diferentes. O mundo pode permanecer o mesmo, enquanto cada olhar carrega uma história distinta. Perceber é participar ativamente da construção de sentido. Grande parte da vida permanece invisível até que nos tornemos capazes de reconhecê-la.

Seeing is different from perceiving. We see what stands before our eyes. We perceive what acquires meaning. Perception does not depend solely on the senses. It arises from attention, experience, memory, and the ability to establish relationships between what we observe and what we already know. Two people may look at the same landscape and find different things within it. The world may remain the same, while each gaze carries a distinct history. To perceive is to participate actively in the construction of meaning. Much of life remains invisible until we become capable of recognizing it.

SECOND MOVEMENT Human action upon the world

Recognition is only the beginning. At some point, every understanding calls for a response. What we perceive begins to guide choices, influence relationships, and transform the way we participate in the world. Consciousness ceases to be mere observation and becomes action. The six apertures that follow accompany this movement. They speak of the trust required to begin a journey, the desire to intervene in reality, the search for balance, the importance of care, of that which we receive without producing, and of the responsibility to pass forward what we have received. To create is also to accept consequences. Every gesture leaves new traces, establishes connections, opens new paths, and participates in the construction of possible futures. It is along this path that consciousness becomes commitment.

SEGUNDO MOVIMENTO A acao humana sobre o mundo

Reconhecer não basta. Em algum momento, toda compreensão pede uma resposta. Aquilo que percebemos começa a orientar escolhas, influenciar relações e transformar a maneira como participamos do mundo. A consciência deixa de ser apenas observação e torna-se ação. As seis frestas que seguem acompanham esse movimento. Elas falam da confiança necessária para iniciar um caminho, do desejo de intervir na realidade, da busca por equilíbrio, da importância do cuidado, da experiência da gratidão e da responsabilidade de transmitir aquilo que recebemos. Criar é também assumir consequências. Cada gesto produz novas marcas, estabelece vínculos, inaugura caminhos e participa da construção de futuros possíveis. É nesse percurso que a consciência se transfor ma em responsabilidade.

Os caminhos mais importantes raramente começam com garantias. Quase sempre avançamos sustentados por algo mais frágil e, ao mesmo tempo, mais poderoso: a confiança. Não a certeza de que tudo dará certo, mas a disposição de continuar mesmo quando parte do caminho permanece desconhecida. É justamente aí que sua força se revela. Confiar é aceitar uma medida inevitável de risco. Toda amizade, toda descoberta, toda criação e toda mudança exigem esse gesto. Existe sempre um momento em que deixamos de analisar possibilidades e escolhemos caminhar. Criar requer essa coragem discreta. A capacidade de caminhar quando apenas o próximo passo pode ser visto.

The most important paths rarely begin with guarantees. More often than not, we move forward sustained by something both more fragile and more powerful: trust. Not the certainty that everything will work out, but the willingness to continue even when part of the path remains unknown. It is precisely there that its strength reveals itself. To trust is to accept an inevitable measure of risk. Every friendship, every discovery, every act of creation, and every meaningful change requires this gesture. There is always a moment when we stop analyzing possibilities and choose to walk. Creation requires this quiet courage. The ability to keep moving when only the next step can be seen.

Desde cedo aprendemos a organizar, medir, prever e antecipar. Grande parte da experiência humana foi construída a partir desse desejo de compreender o mundo e reduzir a incerteza. Controlar tornou-se uma maneira de produzir segurança diante daquilo que parece instável. Esse impulso permitiu construir cidades, ampliar conhecimentos e transformar paisagens. Ao mesmo tempo, recorda-nos que nem tudo responde à nossa vontade. Existem forças, acontecimentos e circunstâncias que permanecem além de qualquer tentativa de domínio. Criar exige um diálogo constante entre intenção e imprevisibilidade. Saber agir quando algo depende de nós e saber aceitar quando não depende. É entre esses dois movimentos que o equilíbrio se torna necessário.

From an early age, we learn to organize, measure, predict, and anticipate. Much of human experience has been shaped by this desire to understand the world and reduce uncertainty. Control has become a way of creating a sense of security in the face of what appears unstable. This impulse has allowed us to build cities, expand knowledge, and transform landscapes. At the same time, it reminds us that not everything responds to our will. There are forces, events, and circumstances that remain beyond any attempt at mastery. Creation requires a constant dialogue between intention and unpredictability. Knowing when to act because something depends on us, and knowing when to accept what does not. It is between these two movements that balance becomes necessary.

Costumamos imaginar o equilíbrio como um estado de estabilidade. A vida, porém, raramente permanece imóvel. Tudo está sujeito a mudanças, tensões, encontros e transformações. Equilibrar-se não significa eliminar essas forças, mas aprender a conviver com elas. Um corpo encontra equilíbrio através de pequenos ajustes contínuos. O mesmo acontece com escolhas, relações e projetos. Muitas vezes, aquilo que parece secundário é precisamente o que sustenta o conjunto. Criar exige essa atenção constante. A capacidade de reconhecer tensões, ajustar direções e preservar aquilo que realmente importa. O equilíbrio não é um ponto de chegada. É uma prática.

We often imagine balance as a state of stability. Life, however, rarely remains still. Everything is subject to change, tension, encounters, and transformation. To find balance does not mean eliminating these forces, but learning to live with them. A body finds balance through countless small adjustments. The same is true of choices, relationships, and projects. Very often, what appears secondary is precisely what sustains the whole. Creation requires this constant attention. The ability to recognize tensions, adjust direction, and preserve what truly matters. Balance is not a destination. It is a practice.

Nem tudo aquilo que possui valor se impõe ao olhar. Grande parte da vida depende de gestos discretos, repetidos e quase invisíveis. Cuidar é dedicar tempo, presença e atenção àquilo que poderia ser negligenciado ou esquecido. É reconhecer importância onde muitos enxergam apenas detalhe. Aquilo que cuidamos tende a crescer, fortalecer-se e permanecer. Relações, conhecimentos, memórias e projetos exigem mais do que intenção. Exigem continuidade. O cuidado transforma interesse em compromisso e aproxima desejo de responsabilidade. Criar também é cuidar. Daquilo que desejamos construir, daquilo que desejamos preservar e daquilo que confiamos ao futuro.

Not everything that holds value draws attention to itself. Much of life depends on gestures that are discreet, repeated, and almost invisible. To care is to dedicate time, presence, and attention to what might otherwise be neglected or forgotten. It is to recognize importance where many see only a detail. What we care for tends to grow, strengthen, and endure. Relationships, knowledge, memories, and projects require more than intention. They require continuity. Care transforms interest into commitment and brings desire closer to responsibility. To create is also to care. For what we wish to build, for what we wish to preserve, and for what we entrust to the future.

Nem tudo aquilo que transforma uma vida pode ser produzido. Existem encontros, oportunidades, afetos, descobertas e aprendizados que chegam até nós sem que possamos reivindicar sua origem. Muitas vezes reconhecemos seu valor apenas mais tarde. Reconhecer uma bênção é compreender que nem tudo nasce da vontade, do esforço ou do planejamento. Algumas das coisas mais valiosas da existência dependem também da capacidade de acolher aquilo que nos é oferecido. Criar exige essa abertura. A disposição de receber, cuidar e transmitir aquilo que um dia chegou até nós.

Not everything that transforms a life can be produced. There are encounters, opportunities, affections, discoveries, and learnings that come to us without any claim to their origin. Very often, we recognize their value only later. To recognize a blessing is to understand that not everything arises from will, effort, or planning. Some of the most valuable things in existence also depend on our ability to welcome what is offered to us. Creation requires this openness. The willingness to receive, to care for, and to pass on what once came to us.

Poucas coisas chegam ao futuro exatamente como eram. Ainda assim, muito daquilo que recebemos continua a existir porque encontra novas vozes, novos gestos e novos caminhos. Transmitir não significa repetir. Significa acolher algo, compreender seu valor e permitir que siga adiante. Toda transmissão envolve cuidado, interpretação e responsabilidade. Aquilo que é transmitido nunca permanece idêntico ao ponto de partida, mas continua guardando algo de sua origem. Criar também é participar dessa continuidade. Recebemos, transformamos e confiamos aos outros aquilo que um dia chegou até nós.

Few things arrive in the future exactly as they once were. Even so, much of what we receive continues to exist because it finds new voices, new gestures, and new paths. To transmit does not mean to repeat. It means to receive something, recognize its value, and allow it to continue forward. Every act of transmission involves care, interpretation, and responsibility. What is transmitted never remains identical to its point of origin, yet it continues to preserve something of where it began. To create is also to participate in this continuity. We receive, transform, and entrust to others what once came to us.

THIRD MOVEMENT Shared life

No existence unfolds in isolation. What we receive, build, and transform finds continuity in the relationships we establish throughout life. We are shaped by inheritances, recognize ourselves through belonging, are transformed through encounters, and assume responsibilities through the choices we make. The six apertures that follow accompany this journey. They speak of what connects us to those who came before us, to those who walk beside us, and to those who will come after us. They speak of the responsibilities we share, the bonds we cultivate, and what we choose to carry forward. To create is also to participate in a story larger than one’s own life. It is along this path that what we receive, transform, and offer finds continuity.

TERCEIRO MOVIMENTO Vida compartilhada

Nenhuma existência acontece isoladamente. Aquilo que recebemos, construímos e transformamos encontra continuidade nas relações que estabelecemos ao longo da vida. Somos formados por heranças, reconhecemo-nos no pertencimento, transformamo-nos nos encontros e assumimos responsabilidades através das escolhas que realizamos. As seis frestas que seguem acompanham esse percurso. Elas falam daquilo que nos conecta aos que vieram antes de nós, aos que caminham ao nosso lado e àqueles que ainda virão. Falam das responsabilidades que compartilhamos, dos vínculos que cultivamos e daquilo que decidimos levar adiante. Criar é também participar de uma história maior do que a própria vida. É nesse percurso que aquilo que recebemos, transformamos e oferecemos encontra continuidade.

Chegamos ao mundo acompanhados por aquilo que outros construíram antes de nós, geração após geração. Antes de qualquer escolha, já recebemos uma língua, histórias, conhecimentos, símbolos, afetos e formas de compreender o mundo. Grande parte daquilo que somos foi construída por pessoas que jamais conheceremos. Receber uma herança não significa viver no passado. Significa reconhecer que nossa existência participa de uma continuidade maior. Herdamos conquistas, perguntas, memórias e responsabilidades. Algumas serão preservadas. Outras serão transformadas. Criar é acrescentar algo próprio àquilo que nos foi confiado. Toda herança permanece viva quando alguém decide assumir sua continuidade.

We enter the world accompanied by what others have built before us, generation after generation. Before making any choice, we have already received a language, stories, knowledge, symbols, affections, and ways of understanding the world. Much of who we are has been shaped by people we will never meet. To receive an inheritance does not mean living in the past. It means recognizing that our existence participates in a larger continuity. We inherit achievements, questions, memories, and responsibilities. Some will be preserved. Others will be transformed. To create is to add something of our own to what has been entrusted to us. Every inheritance remains alive when someone chooses to carry its continuity forward.

Pertencer é reconhecer-se parte de algo maior sem perder aquilo que nos torna únicos. As formas mais ricas de convivência surgem quando diferenças encontram maneiras de coexistir sem perder aquilo que as torna singulares. O pertencimento não exige uniformidade. Ele nasce do reconhecimento de que diversidade e vínculo podem ocupar o mesmo lugar. Ao longo da vida, participamos de famílias, comunidades, culturas e histórias que contribuem para a formação de quem somos. Ao mesmo tempo, também contribuímos para transformá-las. Pertencer é participar de uma construção contínua entre aquilo que recebemos e aquilo que oferecemos. Criar é participar de algo maior sem abrir mão da própria singularidade.

To belong is to recognize oneself as part of something larger without losing what makes us unique. The richest forms of coexistence emerge when differences find ways to live together without surrendering what makes them singular. Belonging does not require uniformity. It arises from the recognition that diversity and connection can inhabit the same space. Throughout life, we take part in families, communities, cultures, and histories that contribute to the formation of who we are. At the same time, we also help transform them. To belong is to participate in an ongoing construction between what we receive and what we offer. To create is to take part in something greater without surrendering one’s own singularity.

Poucas coisas importantes florescem sozinhas. Ao longo da vida, somos continuamente transformados pelos encontros. Aprendemos com aqueles que vieram antes de nós, crescemos ao lado daqueles que caminham conosco e deixamos marcas naqueles com quem compartilhamos a vida. Cada relação modifica, amplia e devolve algo que não existia antes dela. A reciprocidade nasce desse movimento. Não se trata de equivalência ou retribuição, mas do reconhecimento de que toda convivência produz influência mútua. Aquilo que oferecemos também nos transforma. Criar é participar desse movimento contínuo entre dar e receber, entre escutar e responder, entre deixar uma marca e permitir-se ser marcado.

Few important things flourish on their own. Throughout life, we are continually transformed by encounters. We learn from those who came before us, grow alongside those who walk beside us, and leave traces in those with whom we share our lives. Every relationship alters, expands, and returns something that did not exist before it. Reciprocity arises from this movement. It is not a matter of equivalence or repayment, but of recognizing that every form of coexistence generates mutual influence. What we offer also transforms us. To create is to participate in this continuous movement between giving and receiving, between listening and responding, between leaving a mark and allowing oneself to be marked.

Nem tudo acontece quando desejamos. Existem processos que amadurecem lentamente, encontros que chegam no instante certo e respostas que apenas se revelam quando estamos preparados para compreendê-las. O tempo não determina apenas a duração das coisas. Ele também participa de seu significado. Vivemos tentando antecipar acontecimentos ou prolongar aquilo que desejamos conservar. Ainda assim, grande parte da vida acontece num ritmo que não controlamos. Aprender a reconhecer esse ritmo também é uma forma de sabedoria. Criar é compreender que cada começo, cada espera e cada realização possuem o seu próprio tempo.

Not everything happens when we want it to. There are processes that mature slowly, encounters that arrive at the right moment, and answers that reveal themselves only when we are ready to understand them. Time does more than determine the duration of things. It also shapes their meaning. We often try to anticipate what is yet to come or prolong what we wish to preserve. Yet much of life unfolds according to a rhythm beyond our control. Learning to recognize that rhythm is itself a form of wisdom. To create is to understand that every beginning, every season of waiting, and every fulfillment has its own time.

Nem toda transformação acontece através do movimento. Existem momentos em que interromper torna-se tão importante quanto agir. A pausa não interrompe o sentido. Ela permite reencontrá-lo. Recuperar perspectiva, reorganizar prioridades e aproximar-nos daquilo que muitas vezes se perde na velocidade dos dias. Vivemos cercados por estímulos, tarefas e urgências. A pausa cria uma distância necessária entre nós e aquilo que nos ocupa. Nesse intervalo, voltamos a perceber o que antes passava despercebido. Criar também exige pausas. É nelas que o tempo deixa de ser medida e volta a ser experiência.

Not every transformation happens through movement. There are moments when stopping becomes just as important as acting. Pause does not interrupt meaning. It allows us to rediscover it. To regain perspective, reorder priorities, and draw closer to what is often lost in the speed of everyday life. We live surrounded by stimuli, tasks, and urgencies. Pause creates a necessary distance between ourselves and the things that occupy us. Within that interval, we begin to notice what had previously gone unseen. Creation also requires pauses. It is within them that time ceases to be a measure and becomes an experience once again.

Algumas das experiências mais importantes da vida nunca se encerram completamente ou de forma definitiva. Não compreendemos tudo. Não concluímos tudo. Nenhuma forma de conhecimento, criação ou realização alcança um estado definitivo e imutável. Existe sempre algo além daquilo que conseguimos nomear, construir ou compreender plenamente. Longe de representar uma insuficiência, o quase preserva o movimento. Ele recorda que toda chegada contém um novo começo e que toda resposta traz consigo outras perguntas. Aquilo que permanece aberto continua capaz de crescer, transformar-se e gerar novos caminhos Criar é aceitar essa condição humana. Reconhecer que nenhuma obra encerra completamente aquilo que a tornou possível. Entre o realizado e o que ainda pode existir permanece uma pequena distância fértil. É nela que

Some of the most important experiences in life never fully come to an end, nor do they ever reach a final conclusion. We do not understand everything. We do not complete everything. No form of knowledge, creation, or accomplishment reaches a definitive and unchanging state. There is always something beyond what we are able to name, build, or fully comprehend. To create is to accept this human condition. To recognize that no work can ever fully contain what made it possible. Between what has been realized and what may still come into being, there remains a small yet fertile distance. It is there that we continue to create.

Vitória Barros Marabá, Pará, Brasil | Geógrafa e artista visual Sou artista visual e geógrafa. A floresta amazônica, a água e os impactos da ação humana sobre os ecossistemas orientam a minha pesquisa. Em pinturas, fotografias e esculturas, procuro ampliar a atenção para as formas de vida que partilhamos e para a responsabilidade que temos sobre elas. Em 2002, implantei uma galeria de arte dedicada à formação de públicos e ao encontro entre artistas, educadores, estudantes e agentes culturais. Participei da Bienal das Amazônias com a obra pública Árvores Vermelhas e desenvolvo projetos de arte e educação há mais de duas décadas. Vitória Barros Marabá, Pará, Brasil | Geographer and visual artist I am a visual artist and geographer. My practice is shaped by the Amazon rainforest, water, and the impact of human activity on ecosystems. Through painting, photography, and sculpture, I seek to deepen awareness of the living world and of our responsibility to protect it. In 2002, I founded an art gallery dedicated to cultivating audiences and fostering dialogue among artists, educators, students, and cultural practitioners. I participated in the Bienal das Amazônias with the public artwork Red Trees and have developed art and education projects for more than two decades.

Procurei construir uma árvore feita de luz, água e som. A Menorá tornou-se raiz, tronco e copa; os tubos transformaram-se em caminhos para aquilo que normalmente não ouvimos. Ao aproximar o ouvido da obra, o visitante encontra os sons dos planetas e, talvez, a lembrança de que criar é ligar o visível ao invisível.

I sought to create a tree made of light, water, and sound. The Menorah became its roots, trunk, and canopy, while the tubes turned into pathways to what usually remains unheard. By leaning in and listening, visitors encounter the sounds of the planets and, perhaps, a reminder that creation begins by connecting the visible with the invisible. 34

A natureza ocupa um lugar central na minha pesquisa artística há muitos anos. Ao longo desse percurso, desenvolvi uma série de obras inspiradas nas formas da natureza a partir de tubos e conexões de PVC, materiais normalmente associados à infraestrutura urbana. Interessa-me aproximar esses universos aparentemente distantes e revelar como a vida depende tanto da floresta que vemos quanto das redes invisíveis que a tornam possível. Em Bara e Assah, essa investigação encontrou um novo desdobramento. A Menorá surgiu como referência para pensar a criação, a luz e o conhecimento, enquanto a árvore permaneceu como elemento fundamental da minha pesquisa. Aos poucos, ambas fundiram-se numa única estrutura. A incorporação dos sons dos planetas ampliou essa construção, transformando a obra num convite à escuta. Aproximar o ouvido da peça é estabelecer uma ligação entre natureza, matéria, cosmos e imaginação, lembrando que criar também pode ser um exercício de ouvir aquilo que normalmente permanece fora do alcance dos sentidos.

Nature has been at the heart of my artistic practice for many years. Throughout this journey, I have developed a body of work inspired by natural forms using PVC pipes and fittings, materials more commonly associated with urban infrastructure. I am interested in bringing these seemingly distant worlds together, revealing how life depends not only on the forests we see, but also on the invisible networks that make them possible. For Bara and Assah, this investigation took on a new dimension. The Menorah emerged as a way of thinking about creation, light, and knowledge, while the tree remained a central element of my practice. Gradually, the two merged into a single form. The incorporation of planetary sounds further expanded the work, transforming it into an invitation to listen. Bringing one's ear close to the piece establishes a connection between nature, matter, the cosmos, and imagination, suggesting that creation can also begin by listening to what normally lies beyond the reach of our senses.

Algumas obras são construídas pela soma dos seus materiais. Outras são organizadas por uma ideia. Em A Escuta do Verbo, Vitória Barros reúne formas que, ao longo da história humana, serviram para transportar algo essencial: a árvore distribui seiva, a Menorá distribui luz, os tubos distribuem água e os sons dos planetas transportam informações sobre corpos que permanecem em movimento há bilhões de anos. Cada componente da obra participa dessa mesma vocação de conduzir, fazendo com que elementos provenientes de diferentes tempos e campos de conhecimento passem a integrar uma única construção. Ao abrir a exposição, a obra propõe um gesto que antecede qualquer interpretação: escutar. Nada nela surge como ilustração ou ornamento; cada forma integra uma cadeia de transmissão que aproxima matéria, conhecimento e experiência sensível. Ao colocar o ouvido junto à estrutura, o visitante completa esse percurso e torna-se parte dessa sequência. Em Palavras que Criam Mundos: Entre Bara e Assah, a peça sugere que toda criação começa por uma forma de atenção. Antes da palavra, existe a escuta. Antes do nome, existe a disposição para perceber aquilo que já está presente e aguarda ser reconhecido.

Some works are built through the accumulation of materials. Others are shaped by an idea. In The Listening of the Word, Vitória Barros brings together forms that, throughout human history, have served to carry something essential. The tree carries sap, the Menorah carries light, the pipes carry water, and the sounds of the planets carry traces of celestial bodies that have remained in motion for billions of years. Each element shares this same purpose of transmission, allowing forms drawn from different times and realms of knowledge to become part of a single composition. As the opening work of the exhibition, it proposes a gesture that precedes interpretation itself: listening. Nothing functions as illustration or ornament. Every form belongs to a chain of transmission that brings matter, knowledge, and sensory experience into relation. By placing an ear close to the structure, visitors complete that journey and become part of it. Within Words That Create Worlds: Between Bara and Assah, the work suggests that every act of creation begins with a particular kind of attention. Before the word comes listening. Before the name comes the willingness to recognize what is already there, waiting to be perceived.

Vitória Barros A Escuta do Verbo, 2026 Escultura sonora à partir de tubos e conexões de PVC | 250 × 210 × 37 cm

Vitória Barros A Escuta do Verbo ( Listening to the Word ), 2026 Sound sculpture made from PVC pipes and fittings 250 × 210 × 37 cm

Créditos técnicos: Locução: Natacha Barros Captação de som: Itair Rodrigues Assistente de produção: Antônio Pereira Filho

Technical Credits Voice: Natacha Barros Sound Recording: Itair Rodrigues Production Assistant: Antônio Pereira Filho

Iolanda Teixeira

Lisboa, Portugal | Artista visual

Vivo em Lisboa e encontro na arte digital o principal instrumento da minha criação. Interessome pelas marcas que a vida urbana deixa na forma como vemos, comunicamos e atribuímos sentido ao mundo. A partir de estruturas gráficas, fragmentos visuais e referências da cultura contemporânea, desenvolvo composições que transformam a experiência da cidade em imagem. O meu trabalho procura tornar visíveis relações, padrões e tensões que passam despercebidos no cotidiano. Iolanda Teixeira

Lisboa, Portugal | Visual artist

I live in Lisbon, where digital art has become the primary medium of my practice. I am interested in the traces urban life leaves on the way we see, communicate, and make sense of the world. Drawing on graphic structures, visual fragments, and references from contemporary culture, I create compositions that transform the experience of the city into images. My work seeks to reveal the relationships, patterns, and tensions that often go unnoticed in everyday life.

I am drawn to that rare moment when language ceases to describe the world and begins to create it.

Em Bara e Assah, interessou-me sobretudo a relação entre palavra e criação. Ao regressar aos enunciados do Génesis, voltei a encontrar uma questão que me acompanha há muito tempo: de que forma uma linguagem pode produzir realidade? Antes da matéria, antes da paisagem, antes da figura humana, existe uma voz que nomeia e, ao nomear, faz surgir. A partir dessa inquietação, procurei construir uma sequência visual que não ilustrasse os acontecimentos, mas que acompanhasse o movimento da própria criação. A linguagem dos quadrinhos revelou-se um campo fértil para essa investigação, pela forma como articula tempo, fragmento e continuidade. Cada imagem nasceu como uma tentativa de tornar visível a passagem entre o verbo e a forma, entre aquilo que é anunciado e aquilo que começa a existir. 38

For Bara and Assah, I was especially interested in the relationship between language and creation. Returning to the opening verses of Genesis, I found myself revisiting a question that has accompanied me for many years: how can language bring reality into being? Before matter, before landscape, before the human figure, there is a voice that names, and in naming, brings things into existence. From that question, I sought to create a visual sequence that would not illustrate events, but instead follow the movement of creation itself. The language of comics proved to be a particularly fertile medium for this exploration, through its ability to weave together time, fragmentation, and continuity. Each image emerged as an attempt to make visible the passage from word to form, from what is spoken into what begins to exist.

Tudo começa com uma frase. Uma frase curta. Poucas palavras. Um enunciado capaz de atravessar séculos sem perder a capacidade de gerar imagens. Iolanda Teixeira parte de dez passagens da criação para acompanhar o percurso de uma palavra quando ela abandona o estado de linguagem e começa a adquirir forma. Cada obra nasce dessa passagem. Um lugar onde som, escrita, pensamento e imagem passam a ocupar a mesma superfície. A partir daí surgem separações, aproximações, ritmos, expansões e composições que parecem crescer diante do olhar. Ao longo da série, o vazio inicial torna-se progressivamente habitado. As linhas fragmentam-se, agrupam-se, multiplicamse. Aparecem estruturas que fazem lembrar cidades, organismos, novas constelações, sementes ou corpos, preservando sempre uma margem de abertura. Cada composição conserva a energia de algo que ainda está a acontecer. Como se a matéria guardasse a memória do instante em que uma palavra encontrou lugar para existir e, ao fazê-lo, inaugurasse uma nova possibilidade de mundo.

It all begins with a sentence. A short sentence. Just a few words. A statement capable of crossing centuries without losing its power to generate images.Iolanda Teixeira draws on ten passages from the story of Creation to follow the journey of a word as it leaves the realm of language and begins to take form. Each work emerges from that transition, a place where sound, writing, thought, and image come to inhabit the same surface. From there, divisions, connections, rhythms, expansions, and compositions unfold and seem to grow before our eyes. As the series progresses, the initial emptiness gradually becomes inhabited. Lines break, gather, and multiply. Structures begin to evoke cities, living organisms, constellations, and maps. Each composition retains the energy of something still coming into being, as though matter itself remembered the instant when a word first found a place to exist and, in doing so, opened the possibility of a new world.

Iolanda Teixeira Enunciados, 2026 Arte digital impressa em vidro 56 × 42 cm cada Iolanda Teixeira Enunciados ( Utterances ), 2026 Digital art printed on glass 56 × 42 cm each

Clara Afonso

Castelo Branco, Portugal | Artista plástica multidisciplinar

Sou artista plástica portuguesa. A minha produção desenvolve-se no campo da abstração, onde investigo questões ligadas à contemplação, ao mistério da criação e às dimensões espirituais. Durante mais de 35 anos dediquei-me ao ensino das artes, mantendo em paralelo uma intensa atividade expositiva, com participação em bienais internacionais e exposições em diferentes países. A minha pesquisa procura tornar visíveis relações que escapam à observação imediata, aproximando arte, natureza e experiência interior. Clara Afonso

Castelo Branco, Portugal | Multidisciplinary fine artist

I am a Portuguese visual artist whose practice is rooted in abstraction, exploring themes of contemplation, the mystery of creation, and the spiritual dimension of human experience. For more than thirty-five years, I devoted myself to teaching the arts while maintaining an active exhibition practice, participating in international biennials and exhibitions across several countries. My work seeks to reveal relationships that lie beyond immediate perception, bringing art, nature, and inner experience into dialogue.

Every form arises from a deeper order that precedes it.

Ao incorporar a filotaxia a esta obra, interessoume a relação entre uma ordem que parece existir independentemente de nós e o gesto humano que a reconhece, interpreta e transforma. Vejo nesse encontro uma questão que me acompanha há muito tempo: o que nos é dado e o que fazemos a partir disso. A pintura tornou-se o lugar onde essas duas forças se aproximam, sugerindo que criar também é entrar em diálogo com estruturas que nos antecedem.

In incorporating phyllotaxis into this work, I became interested in the relationship between an order that seems to exist independently of us and the human gesture that recognizes, interprets, and transforms it. I see in that encounter a question that has accompanied me for many years: what is given to us, and what we choose to make of it. Painting became the place where these two forces converge, suggesting that creation is also a dialogue with structures that existed long before us.

Minha pesquisa já habita um campo de abstração ligado ao invisível, à contemplação e à experiência espiritual. O desafio desta obra foi encontrar uma estrutura capaz de materializar essa dimensão sem recorrer à representação. A filotaxia apresentou-se como possibilidade por revelar uma ordem recorrente na natureza, onde crescimento, expansão e organização obedecem a princípios que antecedem a forma visível. Ao incorporar essa geometria à pintura, procurei aproximar intuição e construção, gesto e cálculo, reunindo numa mesma superfície qualidades que participam do surgimento das formas vivas.

My practice has long inhabited a realm of abstraction shaped by the invisible, contemplation, and spiritual experience. The challenge of this work was to find a structure capable of giving material form to that dimension without resorting to representation. Phyllotaxis emerged as that possibility, revealing an underlying order in nature, where growth, expansion, and organization follow principles that precede visible form. By incorporating this geometry into the painting, I sought to bring intuition and structure, gesture and calculation, into conversation, allowing qualities that shape the emergence of living forms to coexist on a single surface. 43

Esta obra organiza-se em torno de uma pergunta antiga: o que, afinal, criamos?

This work is built around an enduring question: what, after all, do we create?

A pintura de Clara Afonso surge de uma pesquisa abstrata anterior à presença da filotaxia. A geometria não funciona aqui como ponto de partida nem como estrutura imposta à composição. Surge como reconhecimento. Ao identificar na natureza um princípio capaz de dialogar com questões já presentes na sua investigação, a artista aproxima dois movimentos distintos: observar e construir.

Clara Afonso's painting grows out of an abstract investigation that predates the incorporation of phyllotaxis. Here, geometry is neither the point of departure nor a structure imposed upon the composition. It appears instead as an act of recognition. By identifying in nature a principle capable of engaging with questions already present in her practice, the artist brings together two distinct gestures: observing and making.

A sobreposição do padrão encontrado em flores, sementes e folhas introduz uma tensão subtil entre descoberta e elaboração. Há algo nesta estrutura que não pertence à artista. Há algo que lhe pertence inteiramente. Entre essas duas condições, a obra aproxima-se do núcleo conceitual de Bara e Assah. Nem toda criação começa do vazio. Muitas vezes ela começa quando reconhecemos uma ordem que já estava diante de nós e, a partir dela, produzimos novos sentidos, novas relações e novas formas de ver.

The superimposed pattern found in flowers, seeds, and leaves introduces a subtle tension between discovery and invention. Part of this structure belongs to no one. Part of it belongs entirely to the artist. Between these two conditions, the work draws close to the conceptual core of Bara and Assah. Not every act of creation begins from emptiness. More often, it begins when we recognize an order that has always been there and, from it, create new meanings, new relationships, and new ways of seeing.

Clara Afonso Ponto zero, 2026 Acrílica sobre tela com interferência digital impressa sobre metacrilato 120 × 120 cm

Clara Afonso Ponto Zero ( Zero Point ), 2026 Acrylic on canvas with digitally printed intervention on acrylic sheet 120 × 120 cm

Dudi Neri

São Paulo, Brasil | Ilustradora e designer gráfica

A minha pesquisa articula arte digital, inteligência artificial e processos contemporâneos de criação para investigar matéria, luz e formas em transformação. Interessa-me construir imagens que habitam a fronteira entre o orgânico e o mineral, entre microscopia e paisagem, revelando geologias imaginárias onde a escala se dissolve e a matéria parece adquirir vida própria. Dudi Neri

São Paulo, Brasil | Ilustradora e designer gráfica

My practice brings together digital art, artificial intelligence, and contemporary creative processes to explore matter, light, and forms in transformation. I am interested in creating images that inhabit the threshold between the organic and the mineral, between the microscopic and the landscape, revealing imagined geologies where scale dissolves and matter seems to acquire a life of its own.

Quando me deparei com o tema Palavras que Criam Mundos: Entre Bara e Assah, a minha primeira questão foi compreender como uma pesquisa construída a partir da matéria poderia dialog ar com uma exposição que nasce da linguagem. O meu trabalho costuma partir de estruturas minerais, organismos imaginários e paisagens que habitam uma zona indefinida entre geologia e vida. Desta vez, fui levada a olhar para a origem dessas formas.

When I first encountered the theme Words That Create Worlds: Between Bara and Assah, my initial question was how a practice rooted in matter could engage with an exhibition grounded in language. My work usually begins with mineral structures, imagined organisms, and landscapes that inhabit an indeterminate space between geology and life. This time, however, I found myself looking toward the origin of those forms.

Ao investigar os conceitos de Bara e Assah, comecei a pensar na criação como algo que acontece antes das classificações. Antes da pedra, da concha, da célula ou do nome que lhes atribuímos. Interessa-me esse instante em que a matéria ainda não se decidiu completamente e diferentes futuros permanecem possíveis. A obra surgiu dessa aproximação. Um exercício de observação sobre aquilo que está prestes a existir, mas ainda não pertence inteiramente a nenhuma categoria conhecida.

As I explored the concepts of Bara and Assah, I began to think of creation as something that takes place before classification. Before the stone, the shell, the cell, or the names we give them. I am drawn to that moment when matter has not yet fully resolved itself and multiple futures remain possible. The work emerged from that inquiry, an observation of what is on the verge of coming into being, yet does not fully belong to any known category.

Procuro a vida antes do nome. I seek life before its name. O processo começou com uma investigação sobre estruturas minerais, formações cristalinas e organismos que habitam diferentes escalas da natureza. À medida que as imagens surgiam, percebi que o meu interesse já não estava apenas na observação dessas referências, mas nos momentos em que elas deixavam de ser identificáveis. Passei a construir composições onde rocha, célula, concha e paisagem coexistem sem fronteiras definidas, como se fossem manifestações distintas de uma mesma matéria.

A utilização de ferramentas digitais e inteligência artificial permitiu-me expandir esse processo exploratório, testando aproximações inesperadas entre formas, texturas e estruturas. O trabalho tornou-se verdadeiramente autoral durante a seleção, a edição e a construção da imagem final. O desafio foi preservar uma tensão constante entre reconhecimento e estranhamento, permitindo que cada elemento permanecesse simultaneamente familiar e desconhecido. Foi nesse intervalo que a obra encontrou a sua configuração.

The process began with an investigation into mineral structures, crystalline formations, and organisms that exist across different scales of nature. As the images took shape, I realized that my interest no longer lay simply in observing these references, but in the moments when they ceased to be identifiable. I began creating compositions in which rock, cell, shell, and landscape coexist without defined boundaries, as though they were different manifestations of the same underlying matter.

The use of digital tools and artificial intelligence allowed me to expand this exploratory process, testing unexpected relationships between forms, textures, and structures. The work became truly my own through the selection, editing, and construction of the final image. The challenge was to preserve a constant tension between recognition and estrangement, allowing each element to remain at once familiar and unfamiliar. It was within that interval that the work found its final form.

Em Vida antes do nome, Dudi Neri conduz o olhar para uma região onde as classificações habituais começam a perder estabilidade. As formas apresentadas na obra oscilam entre organismo e mineral, entre anatomia e paisagem, sem se fixarem inteiramente em nenhuma dessas condições. Conchas, células, cristais, relevos e estruturas microscópicas parecem compartilhar uma mesma origem, como se estivéssemos diante de uma matéria que ainda experimenta os seus próprios caminhos de organização. A artista constrói um universo visual onde a escala deixa de oferecer respostas. O que poderia ser uma formação geológica revela-se tecido vivo; o que parece um organismo pode também ser lido como cartografia, fóssil ou constelação. Ao aproximar-se dos conceitos de Bara e Assah, a obra encontra uma questão fundamental: o que existe antes do nome? Em vez de representar formas reconhecíveis, Dudi investiga o instante em que diferentes possibilidades permanecem abertas e a matéria ainda não assumiu uma identidade definitiva. A criação surge aqui não como acontecimento concluído, mas como uma força em contínua elaboração. Cada imagem parece habitar um estágio primordial, quando pedra, vida, memória e imaginação ainda participam da mesma substância. O resultado é uma visualidade que convida o observador a abandonar certezas e a contemplar a potência contida naquilo que está prestes a tornar-se.

Dudi Neri Vida antes do nome, 2026 Arte digital a partir de fotografia, colagem digital e inteligência artificial | Impressão em metacrilato 150 × 92,7 cm (proporção áurea)

In Life Before Its Name, Dudi Neri leads the eye into a realm where familiar classifications begin to lose their stability. The forms that inhabit the work oscillate between organism and mineral, anatomy and landscape, never fully settling into any one of these conditions. Shells, cells, crystals, landforms, and microscopic structures appear to share a common origin, as though we were witnessing matter still searching for its own principles of organization. The artist constructs a visual universe in which scale no longer offers certainty. What first appears to be a geological formation reveals itself as living tissue; what seems to be an organism may just as easily be read as cartography, fossil, or constellation. In dialogue with the concepts of Bara and Assah, the work arrives at a fundamental question: what exists before it has a name? Rather than representing recognizable forms, Dudi investig ates the moment when multiple possibilities remain open and matter has yet to assume a definitive identity. Creation appears here not as a completed event, but as a force in continuous formation. Each image seems to inhabit a primordial stage, where stone, life, memory, and imagination still belong to the same substance. The result is a visual language that invites viewers to suspend certainty and contemplate the potential held within what is on the verge of becoming.

Dudi Neri Vida antes do nome ( Life Before Its Name ), 2026 Digital artwork created from photography, digital collage, and artificial intelligence | Printed on acrylic sheet 150 × 92.7 cm (golden ratio)

René Agostinho

São Paulo, São Paulo, Brasil | Artista visual

A minha produção artística investiga a condição humana a partir de temas como origem, consciência, finitude e criação. A figura humana ocupa um lugar central na minha pesquisa, não como representação do indivíduo, mas como espaço de reflexão sobre aquilo que nos constitui e nos ultrapassa. Interessa-me o instante em que perguntas essenciais permanecem abertas e a imagem se torna um instrumento de pensamento. A partir de questões que acompanham a minha própria trajetória, procuro criar obras que aproximem experiência sensível, investigação filosófica e busca de significado. Participei de exposições no Brasil e no exterior, incluindo as Bienais de Firenze e Osten. René Agostinho

São Paulo, São Paulo, Brasil | Visual artist

My artistic practice explores the human condition through themes of origin, consciousness, finitude, and creation. The human figure occupies a central place in my work, not as a representation of the individual, but as a space for reflecting on what both defines us and lies beyond us. I am drawn to those moments when fundamental questions remain open and the image becomes an instrument of thought. Guided by questions that have accompanied my own journey, I seek to create works that bring together sensory experience, philosophical inquiry, and the search for meaning. I have participated in exhibitions in Brazil and abroad, including the Florence and Osten Biennials.

Ao desenvolver este trabalho, deparei-me com uma questão que acompanhou todo o processo: qual é o lugar do ser humano entre Bara e Assah? A reflexão levou-me para além da construção das imagens e obrigou-me a considerar temas ligados à origem, à consciência e ao próprio significado da criação. O desafio consistiu em encontrar uma linguagem visual capaz de sustentar essa investigação sem a reduzir a uma explicação ou a uma resposta definitiva. Cada imagem foi construída como uma aproximação a esse mistério: o que nos antecede, o que nos constitui e o que continua a nascer através de nós. Ao final, percebi que a obra não encerrava a pergunta que lhe deu origem. Apenas a tornava visível.

While developing this work, I found myself returning to a question that accompanied the entire process: what is the human place between Bara and Assah? That question led me beyond the making of the images, toward a reflection on origin, consciousness, and the very meaning of creation. The challenge was to find a visual language capable of sustaining that inquiry without reducing it to explanation or definitive answers. Each image became a way of approaching this mystery: what precedes us, what constitutes us, and what continues to come into being through us. In the end, I realized that the work did not resolve the question from which it emerged. It simply made it visible.

Procuro aquilo que existe antes de ser nomeado. I seek what exists before it is named.

O processo criativo deste tríptico começou no papel. Antes das pinturas, vieram as perguntas, os desenhos, as anotações e as tentativas de encontrar uma forma para ideias que ainda não estavam completamente claras. Ao refletir sobre Bará e Assah, encontrei-me diante de questões ligadas à origem, à criação e à condição humana. Os esboços acompanharam essa investigação e permitiram que diferentes possibilidades fossem sendo construídas, revistas e transformadas ao longo do percurso. As obras nasceram desse diálogo contínuo entre pensamento e imagem, aproximando a vastidão da criação, a experiência humana e a vida em formação. Estas páginas preservam parte desse caminho.

The creative process behind this triptych began on paper. Before the paintings came the questions, the sketches, the notes, and the attempts to give form to ideas that were not yet fully defined. As I reflected on Bara and Assah, I found myself drawn into questions of origin, creation, and the human condition. The sketches accompanied that inquiry, allowing different possibilities to emerge, be reconsidered, and gradually transformed along the way. The paintings grew out of this continuous dialogue between thought and image, bringing together the vastness of creation, human experience, and life in the process of becoming. These pages preserve part of that journey.

Em Quando Ainda Não Tinha Nome, René Agostinho aproxima-se de um instante anterior à linguagem. O tríptico reúne imagens que habitam um estado primordial da experiência humana, onde forma, significado e identidade ainda não foram plenamente definidos. A aurora boreal, o corpo humano e a vida em formação aparecem como manifestações distintas de uma mesma questão: o que existe antes de receber um nome? Cada imagem preserva algo que permanece fora do alcance das classificações e resiste a uma definição definitiva. A investigação proposta por Bará e Assah adquire aqui uma dimensão profundamente humana. O olhar dirige-se para aquilo que antecede a linguagem e para a necessidade que temos de atribuir sentido ao mundo. O corpo ocupa o centro da composição como lugar de consciência e de interrogação. Entre a vastidão cósmica e a vida que começa, torna-se a medida através da qual procuramos compreender a nossa própria existência. As três imagens permanecem em diálogo contínuo, reunindo origem, consciência e possibilidade num mesmo horizonte de reflexão. Surge então uma pergunta fundamental: em que momento passamos a atribuir nome, identidade e significado àquilo que já participava da realidade muito antes de nós?

In Before It Had a Name, René Agostinho approaches a moment that precedes language. The triptych brings together images that inhabit a primordial state of human experience, where form, meaning, and identity have yet to be fully defined. The aurora borealis, the human body, and life in formation appear as distinct manifestations of the same question: what exists before it is named? Each image preserves something that remains beyond the reach of classification, resisting any definitive definition. The inquiry proposed by Bara and Assah takes on a profoundly human dimension here. The gaze turns toward what precedes language and toward our need to make sense of the world. The body occupies the center of the composition as a site of both consciousness and questioning. Between the vastness of the cosmos and life just beginning, it becomes the measure through which we seek to understand our own existence. The three images remain in continuous dialogue, bringing together origin, consciousness, and possibility within a shared horizon of reflection. A fundamental question then emerges: at what moment do we begin to assign names, identity, and meaning to what had already belonged to reality long before us?

René Agostinho Quando Ainda Não Tinha Nome, 2026 | Tríptico I e III | Acrílica sobre tela de linho 120 × 90 cm cada II ( Perpetuidade ) | Musou Black e acrílica sobre tela 140 × 90 cm

René Agostinho Quando Ainda Não Tinha Nome ( Before It Had a Name ), 2026 Triptych Panels I & III | Acrylic on linen canvas 120 × 90 cm each Panel II ( Perpetuity ) | Musou Black and acrylic on canvas 140 × 90 cm

André Barretto

Ribeirão Preto, São Paulo, Brasil | Artista

Sou artista plástico autodidata e dedico minha pesquisa à relação entre luz, percepção e contemplação. Após mais de três décadas afastado da pintura, retomei a produção artística com uma compreensão renovada do olhar e de seus limites. Interessa-me explorar aquilo que surge lentamente diante de nós: paisagens, atmosferas e instantes em que o visível parece guardar algo além de si. Minhas obras integram coleções no Brasil, Canadá e Inglaterra. André Barretto

Ribeirão Preto, São Paulo, Brasil | Visual artist

I am a self-taught visual artist whose practice explores the relationship between light, perception, and contemplation. After more than three decades away from painting, I returned to my artistic practice with a renewed understanding of vision and its limits. I am interested in exploring what slowly reveals itself before us: landscapes, atmospheres, and moments when the visible seems to hold something beyond itself. My works are held in private collections in Brazil, Canada, and the United Kingdom.

Ao aceitar o convite para participar de Bara e Assah, deparei-me com uma pergunta que parecia maior do que a própria pintura: como representar o instante da criação? Não uma paisagem pronta, mas o momento em que a luz começa a surgir e o mundo ainda existe como possibilidade.

Durante a execução, compreendi que criar também pode significar avançar sem dominar completamente o caminho. Cada camada revelava questões que não estavam visíveis no início. Cada escolha exigia atenção, escuta e confiança no próximo gesto. A pintura foi se formando entre descobertas, ajustes e sucessivas aproximações daquilo que eu procurava expressar.

Meu processo costuma ser guiado pela observação e pela construção gradual da imagem. Desta vez, a experiência foi diferente. A limitação da minha visão tornou impossível planejar detalhadamente a composição. Não houve estudos prévios nem a segurança de saber exatamente onde cada decisão me levaria. A obra precisou nascer diretamente sobre a tela.

Ao longo desse processo, percebi que a criação possui algo de profundamente humano. Ela nos coloca diante do desconhecido, dos nossos limites e daquilo que permanece além do nosso controle. Ao final, compreendi que o maior desafio não era representar a origem do mundo, mas aceitar que o próprio ato de criar nasce dessa convivência entre mistério e confiança. Algumas imagens não surgem porque conseguimos vê-las por inteiro. Surgem porque continuamos caminhando em direção a elas.

Nem toda imagem nasce daquilo que vemos. Algumas nascem daquilo em que confiamos. Not every image is born from what we see. Some are born from what we trust.

When I accepted the invitation to take part in Bara and Assah, I found myself facing a question that seemed larger than the painting itself: how can the moment of creation be represented? Not a finished landscape, but the instant when light begins to appear and the world still exists as possibility. My process is usually guided by observation and the gradual construction of the image. This time, the experience was different. The limitations of my vision made it impossible to plan the composition in detail. There were no preliminary studies, nor the reassurance of knowing exactly where each decision would lead. The work had to come into being directly on the canvas. As the painting unfolded, I came to understand that creation can also mean moving forward without ever fully knowing the path ahead. Each layer revealed questions that had not been visible at the outset. Every decision required attention, attentiveness, and trust in the next gesture. The painting gradually took shape through discovery, revision, and successive attempts to draw closer to what I was trying to express. Throughout this process, I realized that creation is profoundly human. It places us before the unknown, before our own limitations, and before all that remains beyond our control. In the end, I understood that the greatest challenge was not to represent the origin of the world, but to accept that the act of creation itself arises from this coexistence of mystery and trust. Some images do not appear because we can already see them in their entirety. They emerge because we continue moving toward them.

Entre a Luz e a Origem aproxima o visitante de um instante raro: aquele em que o mundo ainda não encontrou sua forma definitiva. No centro da composição, a luz inaugura uma possibilidade de ordem. Águas, vegetação, rochas e horizonte surgem como sinais de uma realidade que começa a se organizar, como se a matéria ainda estivesse aprendendo a existir. O interesse da obra não reside na representação de uma paisagem, mas na tentativa de imaginar o breve intervalo entre o impulso criador e a consolidação do mundo visível.

In Between Light and Origin, André Barretto invites viewers into a rare moment, one in which the world has yet to assume its final form. At the center of the composition, light inaugurates the possibility of order. Water, vegetation, rock, and horizon emerge as signs of a reality beginning to organize itself, as though matter were still learning how to exist. The work is less concerned with depicting a landscape than with imagining the brief interval between the creative impulse and the emergence of the visible world.

Uma segunda camada de leitura conduz a obra para um lugar ainda mais singular dentro de Bara e Assah. André Barretto desenvolve sua produção artística em constante negociação com os limites da visão. Diante da impossibilidade de controlar plenamente a imagem futura, o processo constrói-se por aproximações sucessivas, decisões intuitivas e descobertas que acontecem durante o próprio fazer. Cada avanço exige confiança naquilo que ainda não se revela por completo. Nesse sentido, a pintura encontra uma correspondência inesperada com a questão central da exposição.

A second layer of meaning places the work in a particularly distinctive position within Bara and Assah. André Barretto's artistic practice unfolds in constant negotiation with the limits of vision. Unable to fully anticipate the final image, he builds the work through successive approximations, intuitive decisions, and discoveries made in the very act of painting. Each step forward requires trust in what has not yet fully revealed itself. In this sense, the painting finds an unexpected resonance with the exhibition's central question.

Antes de se tornar forma, toda criação habita uma zona de incerteza. Antes de ser vista com clareza, precisa ser pressentida. Entre a luz e a origem, André recorda que criar talvez seja justamente isso: prosseguir quando o caminho ainda está em formação.

Before becoming form, every act of creation inhabits a space of uncertainty. Before it can be seen clearly, it must first be sensed. Between light and origin, André reminds us that creation may be precisely this: continuing forward while the path itself is still taking shape.

A ndré Barretto Entre a Luz e a Origem, 2026 Óleo sobre tela 100 × 80 cm

André Barretto Entre a Luz e a Origem ( Between Light and Origin ), 2026 Oil on canvas 100 × 80 cm

Tania Martins

São Paulo, São Paulo, Brasil | artista visual

Procuro criar imagens que permaneçam abertas, como sonhos que continuam a revelar sentidos mesmo depois do despertar. Minha pesquisa investiga transparências, sobreposições e diferentes camadas de percepção, aproximando pintura, memória e imaginação. Flores, pássaros e portais surgem com frequência nesse universo visual, não como símbolos fixos, mas como formas em constante transformação. Interessa-me aquilo que se mostra apenas em parte, permitindo que cada pessoa complete a experiência a partir do próprio olhar, das próprias lembranças e daquilo que escolhe reconhecer na imagem. Tania Martins

São Paulo, São Paulo, Brasil | visual artist

I seek to create images that remain open, like dreams that continue to reveal new meanings long after we awaken. My practice explores transparency, layering, and different modes of perception, bringing painting, memory, and imagination into dialogue. Flowers, birds, and portals recur throughout this visual universe, not as fixed symbols, but as forms in constant transformation. I am interested in what reveals itself only partially, allowing each viewer to complete the experience through their own gaze, memories, and what they choose to recognize within the image.

O maior desafio deste trabalho foi preservar a natureza fugidia da experiência que lhe deu origem. O sonho permaneceu em minha memória com uma nitidez emocional muito maior do que visual. Recordava a sensação de encantamento, a serenidade do encontro e a beleza daquele instante, mas não uma imagem fixa que pudesse simplesmente reproduzir.

The greatest challenge of this work was to preserve the elusive nature of the experience from which it emerged. The dream remained in my memory with far greater emotional clarity than visual precision. I remembered the sense of wonder, the serenity of the encounter, and the beauty of that moment, but not a fixed image that could simply be reproduced. 58

Some dreams continue creating long after we awaken.

Ao desenvolver a obra, procurei construir um espaço capaz de acolher essa lembrança sem encerrá-la numa única interpretação. A utilização de camadas transparentes permitiu aproximar diferentes tempos da percepção: aquilo que foi visto, aquilo que permaneceu como sensação e aquilo que continuou a se transformar na memória. Ao longo do processo, as imagens também se transformaram. A flor, o pássaro e o portal deixaram de ocupar lugares definidos e passaram a compartilhar uma mesma forma em constante mutação. O desafio consistiu em preservar essa condição aberta, permitindo que a obra conservasse algo da mesma surpresa, delicadeza e encantamento presentes naquele encontro.

As I developed the work, I sought to create a space capable of holding that memory without confining it to a single interpretation. The use of transparent layers allowed different moments of perception to coexist: what had been seen, what remained as sensation, and what continued to evolve in memory. As the process unfolded, the images themselves also began to change. The flower, the bird, and the portal gradually ceased to occupy fixed positions and instead came to share a single form in constant transformation. The challenge was to preserve that openness, allowing the work to retain something of the same sense of wonder, gentleness, and quiet enchantment that marked the original intuition. 59

Há experiências que permanecem vivas porque resistem à fixação. Quanto mais a memória tenta organizá-las, mais elas revelam novas possibilidades de leitura. Tania Martins parte dessa matéria instável para construir uma obra onde sonho, lembrança e imaginação coexistem numa mesma superfície. Flor, pássaro e portal deixam de ocupar lugares definidos e passam a participar de uma imagem em constante transformação. As transparências ampliam essa condição de abertura. Cada camada altera a leitura da anterior e introduz novas relações entre aquilo que se mostra e aquilo que permanece parcialmente oculto. A imagem nunca se apresenta por inteiro; revela-se aos poucos, convidando o observador a descobrir percursos próprios entre suas formas e aparições. Nesse espaço de descoberta, criar aproxima-se de um gesto de escuta, preservando o mistério e permitindo que a imagem continue a transformar-se a cada encontro.

Some experiences remain alive because they resist being fixed in place. The more memory attempts to organize them, the more they reveal new possibilities for interpretation. Tania Martins draws on this unstable substance to create a work in which dream, memory, and imagination coexist within the same surface. The visual elements no longer occupy fixed positions, becoming part of an image in constant transformation. Layers of transparency deepen this sense of openness. Each layer reshapes the one before it, introducing new relationships between what is revealed and what remains partially hidden. The image never presents itself all at once. It gradually reveals itself, inviting the viewer to discover their own paths through its forms and appearances. Within this space of discovery, creation becomes an act of listening, preserving mystery while allowing the image to continue transforming with each encounter.

Tania Martins Quando a Flor Criou Asas, 2026 Acrílica sobre tela com sobreposições digitais impressas sobre voil 150 × 100 cm

Tania Martins Quando a Flor Criou Asas ( When the Flower Grew Wings ), 2026 Acrylic on canvas with digitally printed overlays on voile 150 × 100 cm 61

Vera Pilnik Sanovicz

São Paulo, São Paulo, Brasil | Artista, Arquiteta e Educadora de arte

Investigo como a luz questiona minha experiência cotidiana e modifica a forma como percebo o mundo. A rotina de encontros com diferentes geografias alimenta uma pesquisa em que realidade, imaginação e lembrança deixam de ser categorias fixas e se transformam em espaços de luz e sombra. É na tela que as dúvidas se tornam imagens, que a luz se torna cor e que as incertezas da experiência vivida encontram forma. As pinturas não procuram registrar o mundo como ele é, mas questionar o mundo à medida que ele passa por mim. Vera Pilnik Sanovicz

São Paulo, São Paulo, Brasil | Artist, Architect, and Art Educator

My practice explores how light questions my everyday experience and reshapes the way I perceive the world. Constant encounters with different geographies nourish a body of work in which reality, imagination, and memory cease to be fixed categories, becoming instead spaces of light and shadow. It is on the canvas that doubt becomes image, light becomes color, and the uncertainties of lived experience find form. My paintings do not seek to record the world as it is, but to question it as it passes through me.

O desafio deste trabalho foi lidar com a distância entre aquilo que experimentei, aquilo que lembro e aquilo que a imagem se tornou ao longo do processo. A luz coloca em dúvida a estabilidade da percepção; a memória coloca em dúvida a experiência vivida. Com Bara e Assah, surgiu uma nova pergunta: o que entendemos por criação? Se já desconfiava daquilo que vejo, passei também a desconfiar da ideia de origem.

The challenge of this work was to navigate the distance between what I experienced, what I remember, and what the image became over the course of the process. Light unsettles the stability of perception; memory unsettles lived experience. With Bara and Assah, a new question emerged: what do we mean by creation? If I had already learned to question what I see, I also began to question the very idea of origin. The image emerges from the convergence of photographs, writings, and layers of memory that reorganize actions, landscapes, and everyday life. At a certain point, the process enters into dialogue with artificial intelligence. By participating in the construction of the image, it further expands the uncertainty surrounding what we see, remember, and imagine. What interests me is not fidelity to the original image, but the transformations that arise at each stage of the process. 62

Da junção entre fotografias, escritos e camadas de memória nasce a imagem, reorganizando ações, paisagens e experiências do cotidiano. Num certo momento, esse processo passa pelo diálogo com a inteligência artificial que, participando da construção da imagem, amplia a dúvida daquilo que vemos, lembramos ou imaginamos. O que me interessa não é a fidelidade a uma origem, mas as transformações que surgem em cada etapa do processo .

Toda paisagem guarda marcas de quem passou por ela. Every landscape carries the traces of those who have passed through it. Se Bara e Assah trouxe uma desconfiança em relação à ideia de origem, também tornou mais evidente para mim a impossibilidade da originalidade. Muito do que penso sobre pintura vem do estudo da história da arte e de como os impressionistas transformaram a luz em experiência e a experiência em pintura. A pintura se torna o espaço da negociação entre controle e rendição, e a tela passa a ser um lugar onde as imagens são testadas e transformadas. Nesse fazer percebo que realidade e ilusão se misturam e a memória deixa de funcionar como arquivo fiel para tornar-se porosa, seletiva e inventiva. Entre montanhas ocupadas por construções e ondas artificiais surgiu a reflexão sobre a tentativa humana de organizar aquilo que ultrapassa qualquer expectativa de controle. O surfista parece dominar a onda, mas depende de um mar fabricado. O esquiador, pequeno diante da imensidão da montanha, vê-se gigante através das estruturas construídas. A paisagem deixa de ser conquista e torna-se uma fantasia de controle, uma tentativa de sustentar alguma forma de domínio diante da imensidão e da própria fragilidade humana. Nesse estado de suspensão, quando a imagem ainda oscila entre surgir e diluir, as obras talvez nunca estejam completamente prontas. Permanecem como perguntas, sem nunca apresentar respostas.

If Bara and Assah led me to question the very idea of origin, it also made me more aware of the impossibility of originality. Much of what I understand about painting has been shaped by my study of art history and by the way the Impressionists transformed light into experience, and experience into painting. Painting becomes a space of negotiation between control and surrender, while the canvas becomes a place where images are tested and transformed. Through this process, I have come to see that reality and illusion inevitably intermingle, and that memory no longer functions as a faithful archive, but instead becomes porous, selective, and inventive. Between mountains occupied by human constructions and artificial waves, a reflection on the human desire to organize what ultimately exceeds every attempt at control emerges. The surfer appears to master the wave, yet depends on a manufactured sea. The skier, diminished by the vastness of the mountain, is made to seem larger through the structures we have built. The landscape ceases to be a conquest and becomes instead a fantasy of control, an attempt to sustain the illusion of mastery before immensity and our own human fragility. Within this suspended state, where the image continues to oscillate between appearing and dissolving, the paintings may never be entirely complete. They remain as questions, never offering definitive answers. 63

Montanhas e oceanos costumam ser imaginados como imagens de grandeza natural, lugares onde a escala do mundo reduz a dimensão humana. Vera Pilnik Sanovicz aproxima-se dessas paisagens por outro caminho. Seu olhar detém-se nos sinais quase imperceptíveis da presença humana: uma sombra projetada sobre a neve, uma estrutura que se inscreve no horizonte, marcas discretas que revelam a tentativa de ocupar, organizar e experimentar aquilo que nos excede. Em Bara e Assah, essas pinturas encontram uma ressonância particular. A tradição hebraica distingue a criação inaugural da criação que transforma e dá continuidade ao que já existe. Entre montanhas, ondas e dispositivos construídos para torná-las acessíveis, a artista observa justamente esse segundo movimento. A paisagem permanece vasta e indomável, mas recebe camadas de intenção, técnica e desejo. O teleférico, a onda produzida, as estruturas que quase desaparecem na imagem revelam uma condição profundamente humana: criar não significa dominar o mundo, mas participar dele. Cada intervenção deixa um vestígio. Cada vestígio torna-se uma forma de habitar.

Mountains and oceans are often imagined as expressions of nature's grandeur, places where the scale of the world diminishes the human figure. Vera Pilnik Sanovicz approaches these landscapes from a different perspective. Her gaze lingers on the almost imperceptible traces of human presence: a shadow cast across the snow, a structure inscribed on the horizon, subtle marks that reveal our desire to inhabit, organize, and experience what ultimately exceeds us. Within Bara and Assah, these paintings acquire a particular resonance. In the Hebrew tradition, a distinction is made between the original act of creation and the human act of transforming and extending what already exists. Between mountains, waves, and the structures built to make them accessible, the artist turns her attention precisely to this second movement. The landscape remains vast and untamed, yet it receives layers of intention, technique, and desire. The cable car, the manufactured wave, and the structures that almost disappear into the image reveal something profoundly human: to create is not to master the world, but to take part in it. Every intervention leaves a trace. Every trace becomes a way of inhabiting the world.

Vera Pilnik Sanovicz Ilusão da conquista, 2026 Óleo sobre tela 150 × 80 cm

Vera Pilnik Sanovicz Desejo de mar, 2026 Óleo sobre tela 150 × 80 cm

Vera Pilnik Sanovicz Ilusão da Conquista ( Illusion of Conquest ), 2026 Oil on canvas 150 × 80 cm

Vera Pilnik Sanovicz Desejo de Mar ( Sea Longing ), 2026 Oil on canvas 150 × 80 cm 65

Osvaldo Gaia

Belém, Pará, vive e trabalha no Rio de Janeiro, Brasil | Escultor e

Nasci em Belém do Pará e desenvolvo minha trajetória artística entre o Rio de Janeiro e a Amazônia, região à qual retorno continuamente em busca das referências que alimentam minha pesquisa. Interessa-me a inteligência presente nas construções humanas, especialmente nos objetos, ferramentas e soluções desenvolvidas pelas comunidades ribeirinhas, observando como esses engenhos condensam memória, conhecimento e experiência. Minha produção transforma essas observações em esculturas, pinturas e instalações que articulam precisão construtiva, síntese formal e densidade simbólica. Exponho desde 1975 no Brasil e no exterior.

Osvaldo Gaia

Belém, Pará, vive e trabalha no Rio de Janeiro, Brasil | Escultor e

I was born in Belém, in the Brazilian Amazon, and have developed my artistic practice between Rio de Janeiro and the Amazon, a region to which I continually return in search of the references that sustain my work. I am interested in the intelligence embedded in human-made constructions, particularly the objects, tools, and solutions developed by riverside communities, observing how these forms of ingenuity embody memory, knowledge, and lived experience. My work transforms these observations into sculptures, paintings, and installations that bring together structural precision, formal economy, and symbolic depth. I have exhibited in Brazil and internationally since 1975.

Minha trajetória foi construída a partir de uma observação prolongada. Ao longo dos anos, mantenho o interesse pelas formas de inteligência inscritas nos objetos, nas ferramentas e nos modos de fazer desenvolvidos pelas comunidades ribeirinhas da Amazônia. Cada reencontro com esse universo acrescenta novas camadas à pesquisa, revelando relações entre matéria, função e conhecimento. Cultivo um processo contínuo de atenção, no qual a obra se desenvolve como consequência do tempo dedicado à observação, ao entendimento e à construção de formas. My artistic journey has been shaped by sustained observation. Over the years, I have remained deeply interested in the forms of intelligence embedded in the objects, tools, and craft traditions developed by the riverside communities of the Amazon. Each return to this universe adds new layers to my research, revealing relationships between material, function, and knowledge. I cultivate a continuous practice of attention, through which the work develops as a result of the time devoted to observation, understanding, and the construction of form.

Nenhuma forma existe sozinha. No form exists in isolation.

O processo criativo acontece como um exercício contínuo de construção e síntese. As formas passam por sucessivos ajustes até que cada elemento encontre seu lugar na composição. Peso, tensão, escala, ritmo e proporção participam dessa busca por equilíbrio. Aos poucos, a estrutura ganha clareza e revela apenas o essencial. Procuro reduzir a forma ao necessário, preservando aquilo que lhe dá sentido, força e capacidade de permanecer aberta a diferentes leituras.

My creative process unfolds as a continuous exercise in construction and refinement. Forms undergo successive adjustments until each element finds its place within the composition. Weight, tension, scale, rhythm, and proportion all contribute to this search for balance. Gradually, the structure gains clarity, revealing only what is essential. I seek to reduce form to its necessary elements, preserving what gives it meaning, strength, and the capacity to remain open to multiple interpretations.

Dependo de você pro meu equilíbrio organiza uma estrutura na qual cada elemento responde ao outro. Peso, tensão, apoio e suspensão participam de uma mesma composição, construída com precisão e economia de meios. Nada ocupa um lugar arbitrário. A estabilidade nasce da relação entre partes distintas, revelando que toda forma depende de acordos delicados para manter sua integridade. A tradição hebraica associa a criação à organização das forças que tornam a vida possível. Em Bara e Assah, a obra de Osvaldo Gaia encontra ressonância nessa ideia ao apresentar o equilíbrio como resultado de uma construção compartilhada. A síntese formal alcançada pelo artista concentra uma questão presente tanto na matéria quanto na experiência humana: existir implica responder ao outro. A obra sugere que criar também é estabelecer relações capazes de dar forma e continuidade ao mundo.

In I Depend on You for My Balance, Osvaldo Gaia arranges a structure in which every element responds to the others. Weight, tension, support, and suspension become part of a single composition, built with precision and remarkable economy of means. Nothing occupies an arbitrary place. Stability emerges from the relationship between distinct parts, revealing that every form depends upon delicate agreements to preserve its integrity. In the Hebrew tradition, creation is understood as the ordering of the forces that make life possible. Within Bara and Assah, Osvaldo Gaia's work resonates with this idea by presenting balance as the result of a shared construction. The artist's formal economy concentrates a question that belongs equally to matter and to human experience: to exist is to respond to the other. The work suggests that creation is also the act of establishing relationships capable of giving form and continuity to the world.

Osvaldo Gaia Dependo de Você para o Meu Equilíbrio, 2020 Madeira, acetato, linha e manta 142 × 75 × 9 cm

Osvaldo Gaia Dependo de Você para o Meu Equilíbrio ( My Balance Depends on You ), 2020 Wood, acetate, thread, and batting 142 × 75 × 9 cm

Mary Queiroz

São Miguel Arcanjo, São Paulo, Brasil | artista visual

Sou artista autodidata e dedico-me à pintura a óleo sobre tela. Minha pesquisa nasce da observação da natureza e da busca por compreender as relações entre criação, espiritualidade e vida cotidiana. Interessa-me encontrar grandeza nos pequenos gestos, nos detalhes muitas vezes ignorados e nas formas pelas quais a luz revela significados. Já participei de exposições em diversas cidades brasileiras e tenho obras em coleções particulares no Brasil, Argentina e Colômbia. Mary Queiroz

São Miguel Arcanjo, São Paulo, Brasil | visual artist

I am a self-taught artist whose practice centers on oil painting. My work grows from close observation of nature and from a desire to understand the relationships between creation, spirituality, and everyday life. I am interested in discovering greatness within small gestures, in the details that often go unnoticed, and in the ways light reveals meaning. I have participated in exhibitions throughout Brazil, and my works are held in private collections in Brazil, Argentina, and Colombia.

Durante muito tempo procurei representar a grandeza da criação. Aos poucos, compreendi que ela também se revela naquilo que quase passa despercebido. O desafio foi construir uma imagem que mantivesse essa tensão entre o imenso e o mínimo, entre o mistério da origem e o trabalho paciente das pequenas coisas. O esboço guarda os primeiros sinais dessa descoberta e mostra como a composição foi sendo construída até encontrar sua forma final.

For a long time, I sought to represent the grandeur of creation. Gradually, I came to understand that it also reveals itself in what almost goes unnoticed. The challenge was to create an image capable of holding the tension between the immense and the minute, between the mystery of origin and the patient work of small things. The sketch preserves the first signs of that discovery, revealing how the composition gradually took shape before arriving at its final form.

The grandeur of creation reveals itself in the smallest gestures.

Esta obra nasceu de um período de observação e contemplação. As leituras sobre Bara e Assah despertaram em mim reflexões sobre a origem das coisas, a presença divina na criação e a responsabilidade humana diante do mundo que recebemos e transformamos. Enquanto pesquisava, passei a olhar com mais atenção para a natureza ao meu redor. A luz refletida na água, as formas das pedras e o trabalho contínuo das formigas revelaram uma verdade que passou a orientar toda a composição: a grandeza da criação também se manifesta naquilo que parece pequeno.

This work grew out of a period of observation and contemplation. My reading of Bara and Assah prompted reflections on the origin of things, the divine presence within creation, and our human responsibility toward the world we inherit and transform. As I immersed myself in this inquiry, I began to look more closely at the natural world around me. Light reflected on water, the forms of stones, and the tireless work of ants revealed a truth that came to guide the entire composition: the grandeur of creation also reveals itself in what appears small.

A tradição hebraica distingue dois movimentos da criação. Bará refere-se ao impulso inaugural, aquilo que inaugura uma possibilidade. Assah refere-se ao trabalho contínuo de dar forma, organizar, cuidar e construir. Mary Queiroz aproxima essas duas dimensões a partir de uma questão essencial: onde a grandeza realmente se manifesta? Sua resposta surge numa inversão de escala. Aquilo que costumamos procurar na vastidão é reencontrado no detalhe. O olhar abandona a busca pelo extraordinário para reconhecer que significado, beleza e propósito também habitam os gestos mínimos. Desse modo, a criação deixa de ocupar apenas o lugar da origem e passa a manifestar-se continuamente naquilo que cresce, transforma, constrói e participa do mundo. Ao aproximar grandeza e pequenez numa mesma realidade, a obra convida a rever a medida das coisas e sugere que a totalidade permanece inscrita em cada uma de suas partes, como se cada detalhe guardasse algo daquilo que chamamos de criação.

The Hebrew tradition distinguishes between two movements of creation. Bara refers to the primordial act, the impulse that brings new possibility into being. Assah refers to the ongoing work of giving form, organizing, caring for, and building upon what already exists. Mary Queiroz brings these two dimensions together through a fundamental question: where does greatness truly reveal itself ? Her answer emerges through an inversion of scale. What we usually seek in vastness is rediscovered in the smallest detail. The gaze abandons the search for the extraordinary and comes to recognize that meaning, beauty, and purpose also inhabit the smallest gestures. In this way, creation no longer belongs solely to the moment of origin, but continues to reveal itself in all that grows, transforms, builds, and participates in the world. By bringing greatness and smallness into the same reality, the work invites us to reconsider the measure of things, suggesting that the whole remains inscribed within each of its parts, as though every detail preserved something of what we call creation.

Mary Queiroz Reflexo da Criação, 2026 Óleo sobre tela 100 × 80 cm

Mary Queiroz Reflexo da Criação ( Reflection of Creation ), 2026 Oil on canvas 100 × 80 cm

Licia Vallim

São João da Boa Vista, Brasil | Artista

A minha pesquisa nasce do encontro entre fé, espiritualidade e pintura. Interessa-me compreender como o invisível encontra forma, cor e matéria, revelando dimensões do sagrado que habitam a experiência humana. Desenvolvo obras em técnica mista sobre tela, madeira e papel, nas quais luz, gesto e movimento procuram tornar visíveis processos de transformação interior. A água ocupa um lugar central na minha investigação, como imagem de renovação, vitalidade e manifestação divina. A arte é, para mim, um exercício de contemplação, entrega e comunhão. Vivo em Ribeirão Preto desde 1985, onde também dirijo a CH. Faria Galeria de Artes by Licia Vallim. Licia Vallim

São João da Boa Vista, Brasil | Visual artist

My practice grows from the meeting of faith, spirituality, and painting. I am interested in understanding how the invisible finds form, color, and material presence, revealing the sacred dimensions of human experience. I create mixed-media works on canvas, wood, and paper, where gesture and movement seek to make visible processes of inner transformation. Water occupies a central place in my practice as an image of renewal, vitality, and divine presence. For me, art is an exercise in contemplation, surrender, and communion. I have lived in Ribeirão Preto since 1985, where I also direct the C.H. Faria Art Gallery by Licia Vallim.

O maior desafio deste trabalho foi aprender a diminuir a minha própria vontade para ouvir com mais clareza aquilo que precisava ser revelado. Desde o início, compreendi que esta obra exigia mais do que decisões estéticas. Exigia confiança, escuta e disponibilidade interior.

The greatest challenge of this work was learning to quiet my own will so that I could listen more clearly to what needed to be revealed. From the very beginning, I understood that this work demanded more than aesthetic decisions. It required trust, attentiveness, and inner openness.

Durante o processo, aprofundei a minha relação com a oração e a contemplação. Busquei reconhecer a soberania de Deus sobre toda a criação e compreender como o gesto humano participa de algo que o ultrapassa. Aos poucos, a pintura deixou de ser apenas uma construção formal e tornou-se um espaço de encontro entre inspiração espiritual e ação concreta.

Throughout the process, I deepened my practice of prayer and contemplation. I sought to recognize God's sovereignty over all creation and to understand how the human gesture participates in something greater than itself. Gradually, the painting ceased to be merely a formal construction and became a place of encounter between spiritual inspiration and tangible action.

A água surgiu como elemento central dessa investigação. Ela carrega a ideia de movimento contínuo, renovação e vida. A figura feminina apareceu como imagem de uma fonte que acolhe e oferece, tornando visível a passagem daquilo que desce do alto para aquilo que alcança o mundo. Cada camada da obra procurou aproximar matéria e transcendência, reunindo aquilo que é visível e aquilo que só pode ser percebido pela fé.

Water emerged as the central element of this inquiry. It carries the idea of continuous movement, renewal, and life. The female figure became the image of a source that welcomes and gives, making visible the passage of what descends from above into the world. Each layer of the work seeks to bring matter and transcendence into a closer relationship, uniting what is visible with what can only be perceived through faith.

Ao final, compreendi que criar também é um exercício de entrega. A obra nasceu do encontro entre aquilo que me foi confiado e aquilo que pude construir com as minhas próprias mãos.

In the end, I came to understand that creation is also an act of surrender. The work emerged from the meeting between what had been entrusted to me and what I was able to shape with my own hands. 75

Em muitas tradições, a água aparece como origem, renovação e promessa de continuidade. Ela acompanha a humanidade desde os seus relatos mais antigos, associada ao nascimento, à transformação e à vitalidade. Sua imagem percorre tempos, crenças e culturas, preservando a capacidade de falar simultaneamente da matéria e do mistério. Em sua obra para Entre Bara e Assah, Licia Vallim aproxima essa herança simbólica de uma reflexão sobre o próprio ato de criar. A figura feminina surge como fonte e passagem, reunindo aquilo que recebe e aquilo que oferece. O movimento luminoso que percorre a composição sugere uma força em atividade contínua, uma potência que encontra sentido na capacidade de gerar, nutrir e compartilhar. Entre matéria e espiritualidade, a artista constrói uma imagem em que criar significa acolher. A água deixa de ser apenas símbolo para tornar-se medida de uma condição humana: nada floresce sem receber; nada se multiplica sem partilhar.

Across many traditions, water embodies origin, renewal, and the promise of continuity. It has accompanied humanity since its earliest narratives, associated with birth, transformation, and vitality. Its image runs through time, beliefs, and cultures, preserving its capacity to speak simultaneously of matter and mystery. In her work for Between Bara and Assah, Licia Vallim brings this symbolic legacy into a reflection on the very act of creation. The female figure appears as both source and passage, uniting what receives with what gives. The luminous movement that flows through the composition suggests a force in continuous action, one that finds meaning in its capacity to generate, nurture, and share. Between materiality and spirituality, the artist creates an image in which creation becomes an act of receiving. Water ceases to be merely a symbol and becomes instead the measure of a human condition: nothing flourishes without first receiving; nothing multiplies without being shared.

Licia Vallim Feito à Mão, 2026 mista: óleo, acrílica e gouache sobre tela 157 × 97cm

Licia Vallim Feito à Mão ( Made by Hand) , 2026 Mixed media: oil, acrylic, and gouache on canvas 157 × 97 cm

Sandra Becker

Natal, Rio Grande do Norte, Brasil | pesquisadora e artista visual

Sou artista visual e pesquisadora. Vivo e atuo em São Paulo. Trabalho com instalações, cerâmica e processos de inscrição que partem das marcas deixadas pelo corpo e pelo tempo. Argila, couro, luz, pergaminho e padrões domésticos aparecem como matéria de pesquisa e linguagem. Sou mestre em Produção, Teoria e Crítica em Artes Visuais e bacharel em Artes Plásticas pela Faculdade Santa Marcelina. Participo regularmente de exposições, residências e programas de arte contemporânea, com projetos apresentados em instituições culturais no Brasil, na China e em Israel. Minha prática se dedica às formas pelas quais a matéria registra, conserva e transforma a experiência. humana.

Natal, Rio Grande do Norte, Brasil | Researcher and visual artist Sandra Becker I am a visual artist and researcher based in São Paulo. My practice encompasses installation and ceramics while exploring forms of inscription shaped by the traces left by the body and by time. Clay, leather, light, parchment, and domestic motifs recur as both material and language within my work. I hold a Master's degree in Visual Arts (Production, Theory, and Criticism) and a Bachelor's degree in Fine Arts from Faculdade Santa Marcelina. I regularly participate in exhibitions, residencies, and contemporary art programs, with projects presented at cultural institutions in Brazil, China, and Israel. My practice is dedicated to exploring the ways in which matter records, preserves, and transforms human experience.

Durante o processo, enfrentei o desafio de transformar uma investigação sobre a Torá, a arquitetura da Unibes Cultural e a ideia de transmissão do conhecimento em uma obra visualmente simples, mas carregada de significado. A relação entre luz, pele e escrita foi surgindo aos poucos, à medida que os materiais encontravam seu lugar. Meu interesse era criar uma obra capaz de acolher essas camadas sem explicá-las por completo.

Throughout the process, I faced the challenge of transforming an investigation into the Torah, the architecture of the Unibes Cultural Center, and the idea of transmitting knowledge into a work that would appear visually simple while carrying multiple layers of meaning. The relationship between light, skin, and writing emerged gradually, as each material found its place. My intention was to create a work capable of holding these layers without fully explaining them.

Bara and Assah reveal that creation is also an act of transmission. Nothing remains unchanged, yet something always endures.

A principal solução conceitual surgiu quando compreendi que a pesquisa poderia se organizar em torno da ideia de transmissão. Esse entendimento aproximou arquitetura, linguagem, memória e tradição como partes de uma mesma continuidade. Passei a pensar o conhecimento como algo que se conserva sem permanecer idêntico, deslocando-se entre tempos, corpos e contextos. A obra nasceu da tentativa de dar forma a esse processo, onde cada passagem preserva algo do que recebeu e acrescenta algo de si.

The central conceptual solution emerged when I realized that the research could be organized around the idea of transmission. This insight brought architecture, language, memory, and tradition together as parts of a single continuum. I began to think of knowledge as something that is preserved without remaining unchanged, moving across time, bodies, and contexts. The work grew from an attempt to give form to this process, in which every act of transmission preserves something of what it has received while adding something of its own.

Há conhecimentos que permanecem porque são lembrados. Outros permanecem porque encontram onde repousar. Um pergaminho, uma parede, uma pele, uma voz. A tradição judaica compreende a transmissão como um acontecimento vivo, renovado a cada leitura. O que chega ao presente não é um conteúdo preservado em estado puro, mas algo que carregou o tempo sobre si. Entre Bara e Assah, entre aquilo que surge e aquilo que é elaborado, a criação aparece também como herança. Algo recebido. Algo transformado. Algo entregue novamente ao mundo. A pesquisa de Sandra Becker aproxima-se desse ponto delicado onde matéria e conhecimento passam a compartilhar o mesmo destino. Sua obra interroga os lugares que acolhem a memória antes que ela siga adiante. Interroga aquilo que permanece quando os corpos desaparecem, quando as gerações se sucedem, quando a origem já não pode ser alcançada diretamente. O que se apresenta ao olhar é a persistência de um ensinamento que continua encontrando novas superfícies de inscrição, novos leitores e novas formas de existência.

Some forms of knowledge endure because they are remembered. Others endure because they find a place to rest. A scroll, a wall, a skin, a voice. In the Jewish tradition, transmission is understood as a living act, renewed with each retelling. What reaches the present is not knowledge preserved in a pure state, but something that has carried time within itself. Between Bara and Assah, between what comes into being and what is shaped, creation also appears as inheritance. Something received. Something transformed. Something offered back to the world. Sandra Becker's research approaches this delicate point where material and knowledge come to share the same destiny. Her work questions the places that receive memory before it continues its journey. It asks what remains when bodies disappear, generations succeed one another, and origin can no longer be reached directly. What unfolds before the viewer is the persistence of a teaching that continues to find new surfaces of inscription, new readers, and new forms of existence.

Sandra Becker Or Ve Or ( Luz e Pele ), 2026 Dois pergaminhos com costura em neon, em caixa de acrílico 60 × 91 × 30 cm

Sandra Becker Or Ve Or ( Light and Skin ), 2026 Two parchments with neon stitching, in an acrylic display case 60 × 91 × 30 cm

Chris Acyoli

Natal, Rio Grande do Norte, Brasil | Psicólogo, ceramista e escultor

A escultura e a cerâmica são os principais instrumentos da minha pesquisa. Meu trabalho nasce do encontro entre ancestralidade, memória e experiência humana, com especial interesse pelas tradições africanas e pelos conhecimentos preservados em seus símbolos, saberes e práticas espirituais. Procuro compreender a diversidade das experiências humanas e os diferentes modos pelos quais culturas e povos atribuem sentido à existência. Interessa-me pensar a ancestralidade como uma fonte viva de conhecimento, capaz de iluminar questões do presente e participar da construção do futuro. A psicologia, a mitologia e o pensamento crítico ampliam esse percurso, unindo reflexão, emoção e matéria no processo de criação.

Chris Acyoli

Natal, Rio Grande do Norte, Brasil | Psychologist, ceramist and sculptor

Sculpture and ceramics are the primary mediums of my practice. My work grows from the meeting of ancestry, memory, and human experience, with a particular interest in African traditions and the knowledge preserved through their symbols, ways of knowing, and spiritual practices. I seek to understand the diversity of human experience and the different ways in which cultures and peoples give meaning to existence. I see ancestry as a living source of knowledge, capable of illuminating questions of the present while contributing to the future. Psychology, mythology, and critical thought further expand this inquiry, bringing reflection, emotion, and material together within the creative process.

O desenvolvimento desta obra começou com uma pergunta que me acompanhou durante todo o processo: como criar a partir de um tema que não pertence diretamente à minha experiência, sem abrir mão da verdade que procuro em meu trabalho? Em vez de buscar respostas fora de mim, voltei-me para memórias, leituras e referências que fizeram parte da minha infância e formação. As reflexões sobre criação, ancestralidade e espiritualidade conduziram-me ao encontro entre a palavra e a matéria. Aos poucos, compreendi que a obra não nascia da tentativa de representar uma tradição específica, mas da investigação sobre aquilo que precede as formas. Um impulso criador que se manifesta na linguagem, na imaginação e na permanente busca humana por sentido.

The development of this work began with a question that accompanied me throughout the entire process: how can one create from a theme that does not belong directly to one's own experience without abandoning the truth one seeks in one's work? Rather than looking for answers outside myself, I turned to the memories, readings, and references that shaped my childhood and artistic formation. Reflections on creation, ancestry, and spirituality led me to an encounter between word and matter. Gradually, I came to understand that the work did not arise from an attempt to represent a specific tradition, but from an inquiry into what precedes form. A creative impulse that manifests itself through language, imagination, and the enduring human search for meaning.

O processo criativo desta obra conduziu-me por caminhos inesperados. As primeiras perguntas surgiram diante da necessidade de encontrar um lugar de verdade a partir do qual pudesse dialogar com os conceitos de Bará e Assah. Durante a pesquisa, memórias da infância, leituras do Gênesis, reflexões sobre ancestralidade e referências que marcaram minha formação reapareceram sob uma nova perspectiva. Gradualmente, a investigação voltou-se para a força criadora da palavra e para sua capacidade de transformar matéria, pensamento e experiência. A instalação nasceu desse percurso, reunindo elementos que me permitiram investigar a relação entre voz, criação e forma, compreendendo que toda criação também participa de uma longa corrente de conhecimento, imaginação e memória compartilhada.

The creative process behind this work led me along unexpected paths. The first questions emerged from the need to find a place of truth from which I could engage with the concepts of Bara and Assah. Throughout the research, memories from childhood, readings of Genesis, reflections on ancestry, and formative references resurfaced in a new light. Gradually, the inquiry turned toward the creative power of the word and its capacity to transform matter, thought, and experience. The installation grew out of this journey, bringing together elements that allowed me to explore the relationship between voice, creation, and form, while recognizing that every act of creation also belongs to a long continuum of knowledge, imagination, and shared memory.

Criar pressupõe que alguma coisa aconteça antes da forma. Chris Acyoli concentra sua investigação nesse instante inaugural, quando a palavra ainda não é objeto, mas potência capaz de organizar a matéria. A voz deixa de ser apenas linguagem para tornar-se princípio criador, reunindo tempo, memória e experiência numa mesma origem. Cada elemento da instalação participa desse movimento contínuo, sugerindo que toda criação permanece em expansão muito depois do primeiro gesto. Ao reunir cerâmica, ancestralidade, espiritualidade e reflexão sobre a condição humana, o artista transforma um relato de origem numa investigação sobre o próprio ato de criar. Se toda forma guarda a memória daquilo que a antecedeu, talvez a matéria nunca deixe de responder à primeira palavra que a colocou em existência.

Creation presupposes that something takes place before form. Chris Acyoli centers his inquiry on this inaugural moment, when the word is not yet an object, but a generative force capable of giving order to matter. The voice ceases to be merely language and becomes a creative principle, bringing together time, memory, and experience within a shared origin. Every element of the installation participates in this continuous movement, suggesting that every act of creation continues to unfold long after the first gesture. By bringing together ceramics, ancestry, spirituality, and reflection on the human condition, the artist transforms an origin narrative into an inquiry into the very act of creation. If every form carries the memory of what came before it, perhaps matter never ceases to respond to the first word that called it into being.

Chris Acyoli A Criação, 2026 cerâmica esmaltada instalação, medidas variáveis

Chris Acyoli A Criação ( Creation ), 2026 Glazed ceramic Installation, dimensions variable

Yvelise Cavalcante

São Paulo, São Paulo, Brasil | Designer e artista visual

Aprendo criando. Ao longo da vida, diferentes materiais, técnicas e experiências tornaram-se caminhos para observar, compreender e transformar aquilo que me cerca. Interesso-me mais pelos processos do que pelas certezas, por aquilo que surge durante o fazer e revela possibilidades que não estavam previstas no início. A natureza, os símbolos e o trabalho das mãos ocupam um lugar importante na minha pesquisa, alimentando uma produção construída pela experimentação, pela descoberta e pelo desejo permanente de continuar aprendendo. São Paulo, São Paulo, Brasil | Designer and visual artist Yvelise Cavalcante I learn through making. Throughout my life, different materials, techniques, and experiences have become ways of observing, understanding, and transforming the world around me. I am more interested in process than in certainty, in what emerges through making and reveals possibilities that were not apparent at the outset. Nature, symbols, and manual work occupy a central place in my practice, sustaining a body of work shaped by experimentation, discovery, and a lasting desire to keep learning.

O maior desafio deste trabalho foi transformar em imagem algo que sempre experimentei de forma difícil de definir. Queria falar sobre liberdade, convivência e acolhimento sem recorrer a respostas prontas ou mensagens fechadas. Ao longo do processo, fui reunindo referências, memórias, símbolos e fragmentos de diferentes experiências, procurando uma forma de manter suas singularidades sem perder o sentido de conjunto. Encontrar esse equilíbrio exigiu tempo, atenção e confiança no caminho que a própria obra foi revelando. Aos poucos compreendi que sua força não estava em organizar todas as respostas, mas em criar espaço para que diferentes histórias pudessem coexistir.

The greatest challenge of this work was to give visual form to something I had always experienced as difficult to define. I wanted to speak about freedom, coexistence, and belonging without relying on ready-made answers or fixed messages. Throughout the process, I brought together references, memories, symbols, and fragments of different experiences, seeking a way to preserve their individuality without losing the sense of a larger whole. Finding that balance required time, attentiveness, and trust in the path the work itself gradually revealed. In time, I came to understand that the work did not lie in organizing every answer, but in creating a place where different stories could coexist. 86

Meu processo criativo quase sempre começa sem um caminho completamente definido. Gosto de experimentar materiais, técnicas e combinações inesperadas, permitindo que a própria prática revele direções que ainda não consigo perceber no início. Muitas vezes uma imagem conduz à outra, um material sugere um novo gesto, e a obra encontra sua forma enquanto está sendo construída.

My creative process almost always begins without a clearly defined path. I enjoy experimenting with m a t e r i a l s, t e c h n i q u e s, a n d u n e x p e c t e d combinations, allowing the practice itself to reveal directions I cannot yet perceive at the outset. Often, one image leads to another, one material suggests a new gesture, and the work discovers its own form as it comes into being.

Os símbolos surgem naturalmente nesse percurso. A natureza aparece com frequência, assim como elementos associados ao crescimento, à transformação e à convivência. Não costumo partir de significados previamente estabelecidos; prefiro observar aquilo que se revela durante o fazer. Criar tornou-se uma forma de escuta e descoberta, um exercício de atenção que me permite aprender com o próprio processo.

Symbols emerge naturally throughout this process. Nature appears frequently, along with elements associated with growth, transformation, and coexistence. I rarely begin with predetermined meanings; instead, I prefer to observe what reveals itself through making. Creating has become a way of listening and discovering, an exercise in attentiveness that allows me to learn from the process itself. 87

Crescer nem sempre significa seguir na mesma direção. Algumas formas de vida encontram sua força justamente na capacidade de acolher diferenças, permitindo que percursos singulares e experiências distintas coexistam sem perder aquilo que as torna únicas. Pertencimento e liberdade deixam então de ocupar posições opostas e passam a participar de uma mesma estrutura, onde cada elemento preserva sua identidade enquanto contribui para o conjunto. A diversidade deixa de representar um desafio à unidade e transforma-se numa de suas condições. Recortes de jornal incorporados à composição ampliam essa reflexão ao aproximar a experiência íntima das questões que constituem a vida coletiva. Histórias pessoais, acontecimentos públicos e diferentes realidades compartilham o mesmo espaço, formando uma trama onde memória, afeto e convivência se entrelaçam. A presença recorrente das formigas no imaginário da artista reforça essa compreensão de que toda construção depende de vínculos, cooperação e participação. O cuidado manifesta-se precisamente na capacidade de reunir partes distintas sem apagar suas diferenças, sugerindo que construir relações exige menos semelhança do que disposição para reconhecer, acolher e valorizar trajetórias diversas.

Growth does not always mean moving in the same direction. Some forms of life find their greatest strength precisely in their capacity to embrace difference, allowing singular paths and distinct experiences to coexist without losing what makes them unique. Belonging and freedom no longer occupy opposing positions, but become part of the same structure, where each element preserves its own identity while contributing to the whole. Diversity ceases to challenge unity and instead becomes one of its essential conditions. Newspaper clippings incorporated into the composition deepen this reflection by bringing intimate experience into dialogue with the questions that shape collective life. Personal stories, public events, and different realities share the same space, forming a fabric in which memory, affection, and coexistence are interwoven. The recurring presence of ants within the artist's visual language reinforces the understanding that every construction depends on connection, cooperation, and participation. Care reveals itself precisely in the capacity to bring distinct parts together without erasing their differences, suggesting that building relationships requires less similarity than a willingness to recognize, embrace, and value diverse paths.

Yvelise Cavalcante Subterrânea, 2026 mista: recorte, colagem e pintura 90 × 60 cm

Yvelise Cavalcante Subcutânea, 2026 mista: recorte, colagem e pintura 90 × 60 cm

Yvelise Cavalcante Subterrânea ( Under the Ground ), 2026 Mixed media: paper cutouts, collage, and painting 90 × 60 cm

Yvelise Cavalcante Subcutânea ( Under the Skin ), 2026 Mixed media: paper cutouts, collage, and painting 90 × 60 cm 89

Olinda Mota

Leiria, Portugal | Artista visual

Dedico a minha vida às artes visuais e ao ensino. Durante quarenta e quatro anos exerci atividade docente na área artística, experiência que continua a orientar o meu trabalho junto de diferentes gerações. Desde 2020 concentro-me intensamente na pintura, desenvolvendo uma investigação marcada pela expressão gestual, pela cor e pela procura de imagens capazes de traduzir inquietações humanas, espirituais e poéticas. Nos últimos anos participei em dezenas de exposições em Portugal e no Brasil, integrando também coleções particulares em diversos países.

Olinda Mota

Leiria, Portugal | Visual artist

I have devoted my life to the visual arts and to teaching. For forty-four years, I taught in the field of art education, an experience that continues to shape my work with different generations. Since 2020, I have devoted myself intensively to painting, developing a practice distinguished by gestural expression, color, and the search for images capable of giving form to human, spiritual, and poetic concerns. In recent years, I have participated in dozens of exhibitions in Portugal and Brazil, and my work has also entered private collections in several countries.

Virgílio Mota

Leiria, Portugal | Filósofo, pedagogo e escritor

A escrita acompanha-me há décadas. Depois de uma longa trajetória no ensino e na direção de escolas, continuei a dedicar-me à poesia, aos textos de reflexão e à atividade cultural. Interessame a palavra como instrumento de pensamento e de encontro. Ao longo de cinquenta anos de vida partilhada com a artista visual Olinda Mota, tenho desenvolvido projetos que aproximam poesia e pintura, explorando as possibilidades criativas do diálogo entre linguagem e imagem. Entre os trabalhos que mais me marcaram está o projeto Poem'Arte, onde o poema deixa de ser comentário e passa a integrar o próprio processo criativo da obra. Virgílio Mota

Leiria, Portugal | Philosopher, educator, and writer

Writing has accompanied me for decades. After a long career in teaching and school leadership, I continued to devote myself to poetry, reflective writing, and cultural activity. I am interested in language as an instrument of thought and encounter. Throughout fifty years of shared life with the visual artist Olinda Mota, I have developed projects that bring poetry and painting into dialogue, exploring the creative possibilities that emerge between word and image. Among the works that have marked me most is Poem'Arte, a project in which the poem ceases to be commentary and becomes an integral part of the creative process itself. 90

Há cinquenta anos, Olinda e Virgílio constroem uma vida em comum. Ao longo desse tempo, pintura e filosofia, imagem e palavra, gesto e pensamento foram encontrando formas de dialogar. Em Bara e Assah, essa relação ganha forma diante do público. O poema não surge depois da pintura, nem a pintura depois do poema. Ambos nascem do mesmo movimento de procura. Enquanto um investiga através da linguagem, o outro experimenta através da matéria. Enquanto um interroga a origem, o outro procura dar-lhe forma. Entre os dois existe uma conversa contínua, alimentada por décadas de cumplicidade intelectual, sensibilidade artística e dedicação ao ensino. Nesta obra, a criação apresenta-se como um gesto partilhado, onde duas trajetórias distintas convergem para uma mesma pergunta: como nasce um mundo? Talvez seja essa a pergunta que os acompanha há cinquenta anos e que continua, ainda hoje, a abrir espaço para novas criações.

Two Voices, One Creation. For fifty years, Olinda and Virgílio have built a shared life. Over that time, painting and philosophy, image and word, gesture and thought have gradually found ways to enter into dialogue. In Bara and Assah, that relationship takes visible form. The poem does not come after the painting, nor does the painting follow the poem. Both arise from the same movement of inquiry. While one investigates through language, the other explores through matter. While one questions origin, the other seeks to give it form. Between them unfolds a continuous conversation, sustained by decades of intellectual companionship, ar tistic sensitivity, and dedication to teaching. In this work, creation appears as a shared act, where two distinct trajectories converge around the same question: how does a world come into being? Perhaps this is the question that has accompanied them for fifty years, and that still, even today, continues to make room for new acts of creation. 91

Duas imagens espelhadas ocupam o mesmo espaço sem jamais se repetirem. Entre elas, um poema desenha uma passagem. A pintura de Olinda Mota e a escrita de Virgílio Mota aproximam-se a partir de uma mesma pergunta: como nasce um mundo? Nesse encontro, a criação expande-se para além da tela e do texto, passando a existir no diálogo que une palavra e imagem. A composição revela uma forma inesperada. O movimento circular da pintura, refletido sobre si mesmo, sugere o desenho do infinito. Uma imagem de criação contínua, de algo que não se encerra no instante inaugural. Em Bara e Assah, criar é participar de uma obra sempre inacabada. O mundo nasce, transforma-se e volta a nascer. A pintura converte-se em poema, o poema regressa à pintura e ambos reencontram o mesmo centro. Um lugar onde origem e continuidade deixam de ser momentos distintos e passam a integrar o mesmo gesto criador.

Two mirrored images occupy the same space without ever becoming identical. Between them, a poem traces a passage. Olinda Mota's painting and Virgílio Mota's writing meet around a shared question: how does a world come into being? In that encounter, creation extends beyond canvas and text, finding its place in the dialogue between word and image. The composition gradually reveals an unexpected form. The circular movement of the painting, reflected upon itself, suggests the figure of infinity, an image of creation in continuous renewal, never confined to its inaugural moment. Within Bara and Assah, to create is to participate in a work that is never complete. The world comes into being, transforms, and comes into being once again. The painting becomes poem; the poem returns to painting. Both rediscover the same center, where origin and continuity cease to exist as separate moments and become part of the same creative act.

Olinda Mota e Virgilio Mota O Mundo para Ti e para Mim , 2026 Acrílica sobre tela, prova de artista (P.A.) impressão UV sobre vidro 90 × 60 cm cada Olinda Mota e Virgílio Mota O Mundo para Ti e para Mim ( The World for You and for Me ), 2026 Acrylic on canvas and artist's proof (A.P.), UV print on glass 90 × 60 cm each

Ana de Andrade

Cajuru, São Paulo, Brasil | Designer de moda, designer de interiores e artista

Sou nascida em Cajuru, interior de São Paulo, e atualmente vivo na capital. Designer de moda, designer de interiores e artista visual, encontro no desenho, na cor e na observação do cotidiano a matéria da minha pesquisa. Interesso-me especialmente pelo universo feminino, pelos afetos, memórias e detalhes que costumam passar despercebidos. Trabalho sobre telas, papéis, tecidos, lonas e suportes diversos, registrando fragmentos do tempo que vivo. Aquarelista de alma, dialogo com pintura, colagem, costura, poesia e ferramentas digitais, incluindo a inteligência artificial como parte do meu processo de investigação. Depois de uma vida inteira dedicada à criação, sigo colecionando perguntas com o entusiasmo de quem ainda acredita que o mundo guarda surpresas. Ana de Andrade

Cajuru, São Paulo, Brasil | Fashion designer, interior designer and visual artist

I was born in Cajuru, in the state of São Paulo, and now live in the city of São Paulo. Trained in fashion design and interior design, I work as a visual artist. I find the foundation of my practice in drawing, color, and the close observation of everyday life. I am especially interested in the feminine universe, in affection, memory, and the details that often go unnoticed. I work across canvas, paper, fabric, tarp, and a variety of other materials, recording fragments of the time I inhabit. A watercolorist at heart, I bring painting, collage, stitching, poetry, and digital tools, including artificial intelligence, into my creative inquiry. After a lifetime devoted to creation, I continue collecting questions with the enthusiasm of someone who still believes the world holds surprises.

Quando ouvi pela primeira vez as palavras Bara e Assah, não sabia exatamente o que fazer com elas. Em vez de procurar respostas imediatas, comecei a colecionar perguntas. Anotei pensamentos, dúvidas, associações inesperadas. Entre aulas, conversas, leituras e uma ida ao sacolão numa segunda-feira, percebi que a criação talvez não aconteça apenas nos grandes acontecimentos, mas também nos gestos mais comuns da vida. O principal desafio foi compreender como aproximar palavras tão vastas da minha própria experiência. A solução surgiu quando deixei de procurar definições e passei a observar aquilo que já fazia parte do meu universo: o tecido, o avesso, as escolhas, os percursos, os objetos que carregamos e aquilo que decidimos guardar. Aos poucos, a imagem da sacola apareceu como um lugar possível para reunir perguntas, memórias, matéria e imaginação. Esta obra nasceu desse processo. De uma curiosidade sem pressa. Da tentativa de compreender o que escolhemos levar connosco e aquilo que permanece guardado no fundo da sacola, à espera de ser encontrado.

When I first heard the words Bara and Assah, I did not know what to do with them. Rather than searching for immediate answers, I began collecting questions. I wrote down thoughts, doubts, and unexpected associations. Between classes, conversations, readings, and a trip to the local produce market on a Monday, I began to realize that creation may not happen only through extraordinary events, but also through the ordinary gestures of everyday life. The greatest challenge was finding a way to bring such vast ideas into my own experience. The solution emerged when I stopped looking for definitions and began paying attention to what already belonged to my world: fabric, the reverse side of things, choices, paths, the objects we carry, and what we decide to keep. Gradually, the shopping bag emerged as a place where questions, memory, material, and imagination could come together. This work grew out of that process. Out of an unhurried curiosity. Out of an attempt to understand what we choose to carry with us, and what remains at the bottom of the bag, waiting to be discovered.

Há objetos que acompanham a vida cotidiana cumprindo funções tão conhecidas que deixamos de interrogá-los. Um relógio marca as horas. Uma sacola recebe aquilo que decidimos levar conosco. Ana de Andrade aproxima esses dois elementos e transforma ambos em questão. O relógio fixa um instante preciso. A sacola permanece vazia. Entre eles surge uma pergunta: como teria sido a segunda-feira de Deus? O que teria sido colocado na sacola antes do primeiro gesto da criação? A obra não procura responder. Preserva a força da pergunta e lembra que toda criação começa antes da matéria, na escolha daquilo que será acolhido. O tempo deixa então de ser apenas medida e torna-se condição do criar. Algumas obras aguardam anos até encontrar o instante em que podem existir. Entre Bara e Assah, criar também significa reconhecer o momento certo, aceitar a espera e compreender que toda obra começa quando chega o seu tempo.

Some objects accompany everyday life so closely that we eventually stop questioning them. A clock marks the hours. A shopping bag holds what we choose to carry with us. Ana de Andrade brings these two familiar objects together and turns them into a question. The clock fixes a precise moment. The bag remains empty. Between them emerges a simple yet unsettling thought: what might God's Monday have been like? What would have been placed inside the bag before the first act of creation? The work offers no answer. Instead, it preserves the power of the question, reminding us that every act of creation begins before matter itself, in the choice of what will be received. Time then ceases to be merely a measure and becomes a condition of creation. Some works wait for years before finding the moment in which they can come into being. Within Bara and Assah, to create also means recognizing the right moment, accepting the necessity of waiting, and understanding that every work begins when its time has finally arrived.

Ana de Andrade Segunda-feira logo de manhã cedinho , 2026 Escultura com tela de arame, arame, linhas, crochê e relógio Escultura 65 × 85 cm; relógio Ø80 cm Ana de Andrade Segunda-feira, logo de manhã cedinho ( Monday, first thing in the morning ), 2026 Sculpture with wire mesh, wire, thread, crochet, and clock Sculpture: 65 × 85 cm; clock: Ø 80 cm

Greicy Khafif

São Paulo, São Paulo, Brasil | Designer gráfica e artista visual

Minha pesquisa parte das raízes judaicas e da relação entre memória, espiritualidade e transmissão cultural. Interessa-me investigar como tradições preservadas ao longo de milênios continuam a produzir significado no presente e a influenciar formas de compreender o tempo, a identidade e a experiência humana. Reunindo registros históricos, textos, símbolos religiosos e linguagens contemporâneas, desenvolvo obras que aproximam passado e presente como partes de uma mesma continuidade. Meu trabalho procura tornar visíveis camadas de conhecimento, valores e saberes que permanecem vivos através das gerações. Greicy Khafif

São Paulo, São Paulo, Brasil | Graphic designer and visual artist

My practice grows from my Jewish roots and from the relationship between memory, spirituality, and cultural transmission. I am interested in exploring how traditions preserved across millennia continue to generate meaning in the present and to shape our understanding of time, identity, and human experience. Bringing together historical records, texts, religious symbols, and contemporary visual languages, I create works that place past and present in dialogue as parts of a single continuum. My work seeks to make visible the layers of knowledge, values, and traditions that remain alive across generations.

O principal desafio deste trabalho foi traduzir um conceito profundamente enraizado na tradição judaica para uma linguagem visual contemporânea. Procurei aproximar elementos da cultura digital, dos ciclos incessantes de informação e das dinâmicas que organizam a vida contemporânea de uma experiência que convida justamente à interrupção e ao recolhimento. O processo exigiu encontrar um equilíbrio entre inovação e respeito, preservando a integridade dos símbolos, valores e ensinamentos que inspiram a obra, enquanto buscava formas atuais de compartilhar uma tradição que permanece viva há milênios. 98

The greatest challenge of this work was to translate a concept deeply rooted in the Jewish tradition into a contemporary visual language. I sought to bring together elements of digital culture, the relentless cycles of information, and the dynamics that shape contemporary life with an experience that invites precisely the opposite: interruption, stillness, and reflection. The process required finding a balance between innovation and reverence, preserving the integrity of the symbols, values, and teachings that inspire the work while seeking contemporary ways of sharing a tradition that has remained alive for millennia.

Ao desenvolver esta obra, procurei partir de uma experiência que faz parte da minha vida e da minha prática espiritual. A ideia de representar o Shabat levou-me a refletir sobre aquilo que deixamos para trás quando esse tempo se inicia e sobre aquilo que se torna possível quando interrompemos, ainda que temporariamente, a lógica da produção constante. A composição foi construída a partir dessa dualidade. De um lado, elementos associados ao excesso de informação, às preocupações quotidianas e aos estímulos permanentes da vida contemporânea. Do outro, uma investigação visual dedicada à luz, à contemplação e aos ensinamentos que estruturam a experiência do Shabat. A utilização de linguagens digitais, inteligência artificial, textos e símbolos permitiu-me construir uma imagem na qual múltiplas camadas convivem em simultâneo, aproximando a experiência quotidiana de uma dimensão de pausa, contemplação e encontro.

In developing this work, I chose to begin from an experience that is deeply rooted in both my life and my spiritual practice. Representing the Shabbat led me to reflect on what we leave behind when this sacred time begins, and on what becomes possible when we interrupt, even temporarily, the relentless logic of constant productivity. The composition grew out of this duality. On one side are elements associated with information overload, everyday concer ns, and the continuous stimuli of contemporary life. On the other is a visual inquiry into light, contemplation, and the teachings that shape the experience of Shabbat. By bringing together digital media, artificial intelligence, texts, and symbolic imagery, I sought to create a work in which multiple layers coexist, bringing everyday experience into dialogue with a space of pause, contemplation, and encounter. 99

Em grande parte da história humana, criar foi associado à ação. Construir, modificar, expandir, conquistar. O gesto criador tornou-se uma medida de valor e uma forma de marcar a própria existência no mundo. A tradição presente na pesquisa de Greicy Khafif conduz essa lógica a um ponto pouco explorado: o momento em que a criação encontra um limite escolhido. O que se revela quando a mão que transforma decide interromper o próprio movimento? Em Shabat Vainafash, o sétimo dia surge como uma das formulações mais singulares do tema proposto por Bara e Assah. Se Bara refere-se ao ato inaugural atribuído ao divino e Assah à transformação contínua realizada pelos seres humanos, o Shabat afirma o valor da interrupção consciente. Cessar não representa ausência, passividade ou vazio. Representa um gesto deliberado. Um gesto que restitui ao tempo uma qualidade frequentemente encoberta pela produtividade, pela urgência e pela sucessão ininterrupta de escolhas, respostas e movimentos. A obra aproxima-nos de uma pergunta ancestral e profundamente contemporânea: o que se torna visível quando interrompemos, ainda que por um instante, o impulso de transformar aquilo que está diante de nós?

Throughout much of human history, creation has been associated with action: building, transforming, expanding, conquering. The creative act became both a measure of value and a way of inscribing one's existence upon the world. The tradition explored in Greicy Khafif's work leads this understanding toward a rarely considered threshold: the moment when creation encounters a consciously chosen limit. What becomes visible when the hand that transforms deliberately chooses to become still? In Shabbat Vainafash, the seventh day offers one of the most singular responses to the question posed by Bara and Assah. If Bara refers to the primordial act of creation attributed to the divine, and Assah to the ongoing work of transformation entrusted to humanity, Shabbat affirms the value of conscious interruption. To cease is neither absence, passivity, nor emptiness. It is a deliberate act, one that restores to time a quality so often obscured by productivity, urgency, and the uninterrupted succession of choices, responses, and movement. The work ultimately brings us to an ancient and profoundly contemporary question: what becomes visible when, even for a single moment, we suspend the impulse to transform what stands before us?

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Greicy Khafif Shavat Vainafash, 2026 Do hebraico, em tradução livre: "Cessou e Descansou" Técnica mista 60 × 60 cm Greicy Khafif Shavat Vainafash, 2026 From the Hebrew, loosely translated as "He ceased and rested" Mixed media 60 × 60 cm

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Adriana Scartaris

São Paulo, São Paulo, Brasil | Curadora, designer de interiores e artista visual

Há mais de 40 anos desenvolvo projetos que articulam arte, imagem e espaço, aproximando criação, curadoria, formação artística e pensamento crítico. Já realizei a curadoria de mais de 100 exposições entre Brasil e Portugal e desenvolvi mais de 300 mil m² em projetos de interiores. Fundei o Clube de Artistas e a 284 Gallery, iniciativas dedicadas à formação, difusão e valorização da arte contemporânea. Minha pesquisa investiga os processos de criação, a construção da memória cultural, as relações entre linguagem e experiência humana, além de trajetórias femininas que deixaram marcas duradouras na cultura e na história.

Adriana Scartaris São Paulo, São Paulo, Brasil | Curator, interior designer and visual artist For more than four decades, I have developed projects that bring together art, image, and s p a c e, c o n n e c t i n g a r t i s t i c practice, curatorial work, arts education, and critical thought. I have curated more than one hundred exhibitions across Brazil and Portugal and designed over 300,000 square meters of interior spaces. I founded the Clube de Artistas and 284 Gallery, initiatives dedicated to the education, promotion, and advancement of contemporary art. My research explores creative processes, the construction of cultural memory, the relationship between language and human experience, and the lives of women whose contributions have left a lasting mark on culture and history. 102

Participar de Bara e Assah como curadora e artista trouxe uma questão que acompanhou todo o processo de criação. Depois de meses dedicada às obras dos demais participantes, percebi que minha peça precisaria dialogar com a exposição como um todo. O desafio estava em construir uma obra capaz de acolher múltiplas vozes sem perder a sua própria identidade. RESET surgiu dessa busca. Mais do que uma conclusão, imaginei um ponto de reinício. Um espaço onde cada encontro vivido ao longo da exposição pudesse permanecer em movimento e produzir novas perguntas. Entre as dezoito frestas da obra, escolhi a palavra Quase. Ela me acompanha como um lembrete de que a criação nunca se encerra completamente. Existe sempre uma possibilidade ainda não realizada, um aprendizado ainda por vir, um gesto que continua em construção.

Participating in Bara and Assah as both curator and artist brought with it a question that accompanied my entire creative process. After months immersed in the works of the other participating artists, I realized that my own piece would need to enter into dialogue with the exhibition as a whole. The challenge was to create a work capable of embracing multiple voices without losing its own identity. RESET emerged from that search. Rather than imagining an ending, I envisioned a point of beginning again, a place where every encounter experienced throughout the exhibition could remain in motion and continue generating new questions. Among the eighteen openings of the work, I chose the word Almost. It remains with me as a reminder that creation is never truly complete. There is always a possibility yet to be realized, a lesson still to be learned, a gesture that continues to take shape. 103

Toda criação começa muito antes do primeiro gesto. Recebemos tempo, linguagem, memória, encontros e tudo aquilo que outros criaram antes de nós. É desse patrimônio invisível que nasce RESET. As dezoito aberturas da obra aproximam diferentes pesquisas e reconhecem que nenhuma criação acontece em isolamento. Cada artista amplia o horizonte do seguinte e acrescenta uma nova possibilidade ao ato de criar.

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Every act of creation begins long before the first gesture. We inherit time, language, memory, encounters, and everything that others have created before us. From this invisible inheritance, RESET comes into being. The work's eighteen openings bring distinct artistic inquiries into conversation, affirming that no act of creation ever happens in isolation. Each artist expands the horizon of the next, adding a new possibility to the creative act.

A décima oitava abertura traz a palavra Quase. Escolhi permanecer nesse lugar porque ele representa o ponto mais próximo a que posso chegar da criação atribuída a Bara. É ali que continuo bebendo da fonte do aprendizado, da criação compartilhada e da possibilidade permanente de recomeçar. O Quase preserva viva a curiosidade, a escuta e a consciência de que toda obra permanece aberta para aquilo que ainda poderá vir.

The eighteenth opening bears the word Almost. I chose to remain in that place because it is the closest I can come to the act of creation attributed to Bara. It is there that I continue to draw from the source of learning, shared creation, and the enduring possibility of beginning again. Almost keeps curiosity, attentiveness, and the awareness that every work remains open to what is still to come.

Este trabalho também é um gesto de gratidão pelas dezessete aberturas que encontrei antes da minha. Cada uma ampliou a maneira como compreendo o ato de criar e passou a fazer parte da minha própria pesquisa. Entre Bara e Assah, escolho permanecer no Quase.

This work is also an act of gratitude for the seventeen openings that came before my own. Each one expanded my understanding of creation and became part of my own practice. Between Bara and Assah, I choose to remain in Almost.

Adriana Scartaris RESET, 2026 MDF de 10 mm com recortes a laser, manequim articulado e contadores mecânicos Acabamento laqueado 100 × 100 cm

Adriana Scartaris RESET ( RESET ), 2026 10 mm laser-cut MDF, articulated mannequin, and mechanical counters Lacquer finish 100 × 100 cm

Produção técnica AD Móveis

Technical production AD Móveis 105

MANIFESTO

Between Openings

No human achievement knows where it truly begins. What we call creation never starts with the first gesture. It begins much earlier: in the language we learned before we knew we were learning, in the questions we inherited, in images that refused to disappear, in hands that taught other hands, and in ideas that travelled across centuries before reaching us. Whenever we believe we are beginning something, we are almost always continuing something whose origin already belongs to the whole. For a long time, we believed originality was born from solitude. We imagined that creating meant breaking away from everything that came before. Yet human experience tells a different story. Everything we receive was once someone else's creation, and everything we create will inevitably become part of someone else's imagination. Between one creative act and the next lies a primordial communion that makes possible the continuity of everything we know. It is there that I discover a part of me belongs to the whole, and that the whole lives within me. Between Bara and Assah lies precisely this interval. Bara speaks of an origin beyond human experience; Assah entrusts us with the responsibility of transforming what we have received so that the world remains open to what has yet to be created. Whatever truly transforms the world refuses to end with itself. Discoveries expand discoveries, while works broaden the horizons they inherit and prepare the way for those yet to come. Generation after generation, humanity receives, transforms, and passes on. Whatever one person adds to the world reshapes what everyone else will one day be able to imagine. It is this communion that allows humanity to keep recreating itself. The eighteen openings gathered in this book were born from different journeys, different languages, and different questions. Yet they all belong to the same conversation. Each artist found a singular opening, but none exists in isolation; every one broadens the one before it and makes the next one possible. This book brings together different ways of keeping questions alive. As you reach the final page, the book comes to an end, but the question remains. The next opening was never within these pages. It has always been within you. What will you do with it?

Adriana Scartaris Curator and author 106

MANIFESTO Entre Frestas

Nenhum feito conhece o próprio início. Aquilo que chamamos de criação nunca começa no primeiro gesto. Começa muito antes, na linguagem que aprendemos sem perceber, nas perguntas que herdamos, nas imagens que permaneceram vivas, nas mãos que ensinaram outras mãos e nas ideias que venceram séculos para chegar até nós. Quando acreditamos estar começando, quase sempre estamos dando continuidade a algo cuja origem já pertence ao todo. Durante muito tempo acreditamos que a originalidade nascesse da solitude e, por isso, imaginamos que criar significasse romper com tudo aquilo que veio antes. No entanto, tudo o que recebemos já foi, um dia, criação de alguém; tudo o que criamos passará, inevitavelmente, a habitar a imaginação de outros. Entre um movimento e outro existe uma comunhão primordial que torna possível a continuidade de tudo o que conhecemos. É nela que descubro que uma parte minha pertence ao todo, e que o todo habita em mim. Entre Bara e Assah existe justamente esse intervalo. Bara recorda uma origem inacessível à experiência humana; Assah confia ao ser humano a responsabilidade de transformar aquilo que recebeu, para que o mundo permaneça aberto àquilo que ainda pode ser criado. Tudo o que verdadeiramente transforma o mundo recusa terminar em si mesmo. Descobertas ampliam descobertas, obras expandem o horizonte que herdaram e preparam o caminho para outras; geração após geração, a humanidade recebe, transforma e transmite. Aquilo que um acrescenta ao mundo modifica aquilo que todos poderão imaginar depois. É essa comunhão que permite à humanidade continuar recriando a si mesma. As dezoito frestas reunidas neste livro nasceram de trajetórias, linguagens e perguntas distintas. Ainda assim, pertencem à mesma conversa. Cada artista encontrou uma abertura singular, mas nenhuma existe isoladamente; todas ampliam a anterior e tornam possível a seguinte. Por isso, este livro reúne diferentes maneiras de manter as perguntas vivas. Ao chegar à última página, o livro termina, mas a pergunta permanece. A próxima fresta nunca esteve entre estas capas. Ela sempre esteve dentro de você. O que você fará com ela? Adriana Scartaris Curadora e autora 107

PALAVRAS QUE CRIAM MUNDOS - entre Bara e Assah