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Juan José Saravia AMC - El fruto de la perseverancia
JUAN JOSÉ SARAVIA AMC
El fruto de la perseverancia
Fotogramas de ‘Matando Cabos 2’ ‘Control Z’
Casi dos décadas han pasado desde que ‘Matando Cabos’, una de las películas mexicanas más icónicas, se exhibió por primera vez en las salas de cine. La cinta de Alejandro Lozano (‘Sr. Ávila’, ‘Control Z’), se ha posicionado como una película importante en la historia de nuestra industria. Hablamos con el director de fotografía Juan José Saravia AMC sobre su labor en la tan esperada segunda entrega: ‘Matando Cabos 2: La máscara del Máscara’, cuyo estreno será el próximo 2 de octubre a través de Amazon Prime.
‘Matando Cabos’ tuvo una incidencia muy importante en México. Creo que en su momento rompió paradigmas que hoy en día se han convertido en estándares del cine comercial. En ese momento nadie creía que este tipo de películas cómicas pudieran llegar a tanta gente. Hablar de esta segunda parte me emociona porque es como regresar a casa después de tantos años de espera y valoro mucho el haberme reencontrado con amigos. Es el proyecto que lanzó mi carrera.” Juan José Saravia AMC es uno de los directores de fotografía más activos en la industria cinematográfica nacional. Con más de 20 años de trayectoria, el cinefotógrafo se ha abierto camino en el medio audiovisual aportando su visión a proyectos que van desde los comerciales hasta el cine documental y la ficción. Es miembro activo de la AMC desde 2004 y es, en gran parte, gracias a él que hoy en día tenemos la fortuna de poder entregar a ustedes este material dedicado a la labor de los cinefotógrafos mexicanos, ya que desde 2009 y hasta 2016 fungió como editor de nuestra revista. Además, se ha convertido, junto a otros colegas, en pionero de la investigación, desarrollo y educación cinematográfica en México.
Juan José habla sobre su más reciente proyecto: ‘Matando Cabos 2’, sin embargo, para hablar de este proyecto, debemos contrastarlo con su primera entrega, que de alguna u otra manera, nos invita a conocer sus inicios en la cinefotografía.
“Afortunadamente, desde muy joven me llegó la curiosidad por la imagen. A los 17 años ya tenía claro que quería fotografíar algo, lo que fuera, pero en ese momento no sabía que existía el puesto de director de fotografía en el cine. Lo más lógico para mí era hacer una carrera en foto fija.
Uno de mis hermanos estudió fotografía en la Escuela Activa y tomé la decisión de aplicar a esa misma escuela.
“Al mismo tiempo, tenía la presión familiar por hacer una carrera distinta que no estuviera relacionada a las artes y me registré en la Ibero para estudiar comunicación. En ese tiempo no existían tantas opciones para estudiar cine o algo relacionado con el medio audiovisual. Me aceptaron en la Ibero y, como lo mío era fotografiar, seguí a la par con mi carrera en la Activa. Creo que soy de los pocos estudiantes que se titularon en la Activa como profesional técnico en esa época”.
“Por azares del destino, mientras estudiaba en la Ibero, Busi Cortés (‘El secreto de Romelia’,1988), volvió a la escuela en busca de alumnos que quisieran participar como trainees en su segundo largometraje (‘Serpientes y Escaleras’, 1992). En ese proyecto también conocí a Georgina Terán, quien era productora. De casi 300 personas, pocos fuimos los afortunados en entrar a la producción. En esos años, uno de mis maestros de foto fija nos enseñó una película que me voló la cabeza: ‘Koyaanisqatsi’, de Godfrey Reggio. Recuerdo que al verla a los 18 años, quedé asombrado. Ningún diálogo, la música de Philip Glass y el poder de imágenes documentales ensambladas magistralmente, puso en evidencia que eso era lo que yo quería hacer el resto de mi vida. Me dí cuenta del poder del audiovisual”.
Dentro de la producción de la película ‘Serpientes y Escaleras’ terminé como segundo asistente de cámara y en ese momento comenzó una relación muy importante con la imagen”. “La televisión me adoptó en un principio e hice mucho trabajo de iluminación para Canal 11 y Tv Azteca. Considero que fueron muchas “horas de vuelo” que aproveché. Para los que nos tocó trabajar con fotoquímico, entendemos que la creación de la imagen no se trata de atinar sino de aprovechar; usábamos 16mm y 35mm en TV y comerciales; aprendíamos las reglas y normas para usar o no ciertas emulsiones. Hacía todo lo posible por pegarme a los ingenieros y aprender los procesos que se requieren para la creación de la imagen. Todo comenzó por entender el proceso del Telecine, después la transferencia del análogo al digital. Esto me ayudó a comprender de una mejor manera la materia prima para crear un lenguaje”.
“La televisión me dio ventaja para entrar a la miniserie a la que veo como producir cine a alta velocidad, en donde tienes que preparar y prevenir muchas cosas para no sacrificar la calidad del cuadro. Lo verdaderamente importante es definir el lenguaje y después encontrar la manera de hacerlo”.
“Participé en una de las primeras series mexicanas, ‘Camino a casa’ (1999), producida por Patricia Arriaga y Gustavo Loza. Fue una miniserie de 13 capítulos filmada en 16mm, con presupuestos de TV pero en cine. ¡Era una locura! De ahí viene el tema de la preparación exhaustiva. Creo que cuando eres el outsider tienes que prepararte mucho más que tus colegas. Luchar contracorriente me ayudó a construir mejores propuestas y, precisamente, ‘Matando Cabos’ fue mi ópera prima después de 10 años de cortometrajes, videoclips y muchos comerciales”.
‘Matando Cabos 2’ Juan José Saravia AMC
No existen coincidencias
Si bien, en gran parte las películas se encargan de regalarnos historias que pertenecen al terreno de lo fantástico o la ficción, no podemos negar que existe una magia intrínseca que rodea al quehacer cinematográfico durante su producción. Desde la energía que sentimos al entrar a un set, hasta aquellos momentos en donde lo imposible resulta capturado por el lente. Tantas historias llenas de “coincidencias” nos permiten encontrar en esta forma de arte algo más allá de lo que podemos ver.
Juan José Saravia recuerda que ‘Koyaanisqatsi’ fue una de las películas clave en su desarrollo como cineasta y comparte una anécdota relacionada a la trilogía de Godfrey Reggio que nos permite reflexionar en si acaso las coincidencias son más que solo eso.
“Para mi fue revelador que dos años después de ver ‘Koyaanisqatsi’ me topé con un director en mi escuela que estaba empezando un documental sobre la trilogía ‘Qatsi’, e inmediatamente me subí a ese proyecto. El trabajo de Reggio cimentó un precedente en el cine no narrativo, tanto así que fue un parteaguas en la carrera de muchos cineastas. Afortunadamente me integré al proyecto y nos pusimos a trabajar en él. Fuimos a filmar a Nuevo México y Nueva York al estilo “guerrillero”, con latas de 16mm y la cámara de la escuela. Ahora lo recuerdo con gusto, pero eran otras épocas. Para cargar equipo era una locura, cajas enormes y pesadas. Aún así, este proyecto fue la mejor clase de cine que tuve. Aprendí de un esquema de producción casi inexistente; todo era: “Arréglatelas como puedas y vete a filmar...””.
“No teníamos mucho equipo y el dinero que se usó era el nuestro. Tristemente, me conecté fuertemente con un documental que no pudimos terminar debido al famoso “Error del 94”. La relación peso/dólar cambió abismalmente, el proyecto se frustró y no pudimos terminarlo. Sin embargo, es la mejor clase de cine que pude haber tenido”.
‘Mientras siga sintiendo alegría en mi trabajo, continuaré, y el día en que esta se acabe y llegue la última gran soleada, me lo tomaré con calma. Tengo la luz que me hace compañía, y luz hay siempre’ Sven Nykvist
Hace ya un buen tiempo que la revolución digital se integró al mundo del cine, dejando a los cineastas la oportunidad de escoger entre los haluros de plata o el pixel como un elemento más del lenguaje cinematográfico. Si bien el cine digital ha intervenido directamente en los esquemas de producción y financiamiento, el cine análogo sigue proyectándose como uno de los formatos con mayor gusto por parte de los artistas. Ambos sistemas tienen sus ventajas y desventajas; virtudes y problemas que deben tenerse presentes a la hora de escoger el mejor para tu proyecto.
“La experiencia de lo ocurrido con Godfrey Reggio y Philip Glass me dejó una gran lección y es que hoy veo al cine digital como una gran virtud y ventaja. La evolución en los sistemas de grabación me permite cargar en una cámara, toda la fábrica de Kodak o todo el laboratorio. Para los que nos tocó trabajar con el fotoquímico y entendemos la esencia de la creación de la imagen y nos tocó el proceso de la llegada del cine digital, debemos entender que ambos tienen lo suyo. Aprovechar lo que te ofrece cada uno me abrió un panorama que me ayudó a conseguir más proyectos”. La primera parte de ‘Matando Cabos’ se filmó con 35mm y aprovechamos el momento para preguntarle al director de fotografía qué hubiera hecho diferente sí la película fuera a grabarse después de la revolución digital.
“Es una pregunta muy compleja y creo que debes verla desde diferentes perspectivas. El trabajar con película hoy en día es algo que, si bien no es muy lejano, sigue siendo un poco más difícil. El filmar con negativo te obligaba a mantener un rigor especial; era muy caro y el manejo apropiado del negativo es muy complejo. Irónicamente, en la actualidad tener un fotograma en 4K te obliga a respaldarlo tantas veces que cuesta casi lo mismo que si fuera 35mm, pero se ha perdido el rigor. La ventaja de la tecnología que tenemos ahora es que como director de fotografía, puedo tomar decisiones y verlas en set. ‘Matando Cabos’ y ‘Temporada de Patos’ fueron las primeras películas que se hicieron completas con Intermedia Digital en México. Yo preparé la película para hacerla fotoquímica y al último momento pudimos hacer el proceso de intermedia digital. Sobre tu pregunta, tengo mis dudas, porque si me pusiera hacer comparativos pondría por ejemplo que para ‘Matando Cabos’ nos tardamos 28 horas en corregir toda la película. Sin embargo, en ‘Matando Cabos 2’, nos llevó cerca de 150 horas la corrección de color”. “Me pongo a pensar en cuáles son las ventajas. Antes, ir al laboratorio era lanzar una moneda al aire, te encomendabas a tu santo favorito o hacías Kabbalah y esperabas a que todo estuviera bien con tu negativo”,- comenta entre risas- “Creo que con el cine digital en México y en algunos países de América Latina en donde hemos tenido una evolución importante, el cine digital nos ha permitido estandarizar y mejorar la calidad de los procesos”. “Ahora que grabamos la segunda parte, lo que extrañé fue la falta de disciplina que te exige el negativo. Tengo un par de experiencias parecidas en cuanto a la necesidad de tener un control y rigor, independientemente del formato. Cuando filmamos ‘Matando Cabos’ se dañó un rollo entero con material expuesto. Gracias a la precisión de los reportes de cámara, ya sabíamos que escenas eran las que estaban en riesgo. Recuerdo que nos hablaron del laboratorio diciendo que se había ido la luz durante el revelado y no teníamos idea de cómo quedaría el material después de esto. El asistente de dirección nos dijo qué escenas estaban comprometidas así que en ese momento decidimos hacerlas nuevamente. Lo mismo podría pasarte con una tarjeta de memoria. El material pasa por muchas manos antes de llegar a su destino. Me pasó también en una película en la que se había invertido mucho en la escena. El día siguiente al que filmamos era festivo, por lo que el material se entregaría hasta la siguiente semana. Imagina nuestra frustración al saber que la tarjeta estaba dañada, con todo el material ahí. No podíamos volver a montar el set; esa secuencia se perdió. En ninguno de los dos formatos debes confiarte, la regla es ser riguroso con tu trabajo. Podría sonar muy militar pero es poner atención en el detalle del oficio”.
La película de 2004 fue una gran oportunidad para muchos de hacer su ópera prima de largometraje, entre ellos, su director Alejandro Lozano y Juan José Saravia AMC. “Alejandro, mejor conocido como “el patas”, fue alumno mío antes de hacer la película juntos. Creo que toda la vida se quejará de que le puse 8, incluso ayer que lo ví, sigue sacando el tema..” dice Juanjo entre risas. “Básicamente, lo conocí en la Ibero. Nos asociamos en una productora y hacíamos mucho videoclip. Me atrevo a decir que no queríamos cambiar el cine en México, sino contar historias distintas. Así entramos en esta búsqueda por hacer una película diferente”.
“Tony Dalton, Kristoff Raczynski y Alejandro hacían su reunión de ‘Tortas locas’, título de trabajo de ‘Matando Cabos’. En esas reuniones contaban la película que le gustaría ver. Tenían un interés grande por contar historias y cada jueves se reunían a contar tonterías y sumaban personajes. Tony se dio a la tarea de hacer una recopilación de todas esas pláticas”.
“El patas es fan de la lucha libre y trabajamos en el tema de tomar la violencia con ironía. Al final del día, si describes la película, creo que por un lado puedes ver lo negativo de nuestro país en la trama con los secuestros, violencia,etc., pero al mismo tiempo te ríes. Los personajes están viviendo una tragedia, pero la situación en la que son presentados es lo que nos hace reír”. “Tony conectó con los Rovzar; iban pasando el guion de mano en mano y Billy dijo “Vamos a producir”. Este proyecto ha sido uno de los más rápidos en cuanto a tiempo de producción. Era diciembre del 2002 cuando las pláticas iniciaron y en julio del 2003 ya estábamos filmando. Otros productores nos dijeron: “Están locos al gastar tanto en una película mexicana””.
“A pesar de los comentarios, Billy y Fernando le imprimieron el tamaño a la película, por ejemplo, con la secuencia del Estadio Azteca. En un el guion, estaba escrito que un coche chocaba y salía de cuadro. Ellos apostaron por hacerlo enorme, mostrar lo que se podía lograr en México. Ahora, esta escena se ha convertido en una de las más emblemáticas. Aplaudo que llegara alguien a decir que podíamos hacerlo. El presupuesto era de 25 millones, el triple de lo que costaban las películas mexicanas en ese momento y la escena del Azteca, por sí sola, representó 1/3 del presupuesto total de la película”.
“Es muy bonito pensar que se juntó un equipo de trabajo con gente muy experimentada en producción y, por otro lado, estábamos nosotros, los chamacos. Y así nos aventamos a hacer una película donde cambiamos la forma de vernos como mexicanos. Para ser sincero, no sabíamos lo que habíamos logrado hasta el estreno.”
Para Saravia, no existe una ecuación para el éxito; este llega al hacer las cosas con pasión y ho-
‘Matando Cabos 2’ Fotograma. Juan José Saravia AMC
nestidad. “Yo tenía que demostrar que llevaba 10 años de saber cómo trabajar con el negativo. Lapelícula la hicimos con la misma cantidad de equipo con la que otras películas de la época se hacían, con la excepción de la escena del Estadio Azteca en la que se usaron 7 cámaras. Recuerdo la concentración de todo el equipo humano en ese momento. Sólo existía la posibilidad de hacer una toma, no podía salir mal. Una vez concluída la secuencia, salimos corriendo a liberar la tensión. Dijimos: “Todo esto está pasando porque se nos ocurrió una estupidez””. La función de la película era entretener y se logró el objetivo. A partir de ahí, me comenzaron a llegar mejores oportunidades para seguir creciendo como cinefotógrafo”.
Al director de fotografía le gustaría ver fortalecida a la industria cinematográfica mexicana, en donde la necesidad no lleve a los nuevos talentos a salir del país. Para Juan José Saravia estamos en un momento de cambio, en el que la producción de cine nacional cada vez se eleva más y los contenidos son de mejor calidad en términos de técnica e historia.
“Después de está película me invitaron a ser representado por una agencia en Los Ángeles pero le aposté a quedarme en México y no me equivoqué. Justo ahora estamos en la antesala de un nivel de producción muy grande. La cantidad de proyectos con inversión mexicana es impresionante, no sólo películas, también series, y cada vez crece más. Acá se hacen productos que trascienden”.
Debido a que varios de los personajes de la primera entrega ya no aparecen en esta nueva película, ‘Matando cabos 2: La máscara del Máscara’, es en realidad un spin-off. “Nos quedamos con la esencia de lo fársico. Ahora contamos las historias que vivieron Tony, el Canibal y el Mascarita, previo a conocer a Jaque y al Mudo. Hicimos un homenaje a las películas de los luchadores, sobre todo a El Santo. Nos preguntamos cómo podíamos resignificar el cine mexicano de antaño. Desde la entrega pasada, creo que dejamos muy claro que estamos orgullosos de nuestro cine, de nuestras raíces. En ambas ocasiones tratamos de plasmarlo en forma entretenida y divertida a través de la sátira. Nos burlamos de aquellos aspectos que no nos gustan, pero que en nuestra cultura están muy presentes”.
Una de las cuestiones que más atesora de esta experiencia, es la reconexión con la historia, con los personajes y con los compañeros de trabajo. “Dejé de trabajar con ‘el patas’ por varios años y cuando nos reunimos fue como si acabáramos de filmar otra película recientemente, nos sentíamos como peces en el agua. Lo que cambió fue que en estos casi 20 años, aprendimos el oficio. Ahora las cosas se resolvían mucho más agilidad. Sólo puedo decir que el rodaje fue increíble. Como dato curioso, justo el día que se realizó el screening para el equipo y actores, nos dimos cuenta de que 18 años atrás habíamos comenzado el rodaje de la primera entrega”.
Como muchas otras producciones, esta película pospuso su estreno en cines (planeado para 2020) debido a la contingencia sanitaria por Covid-19. “Matando Cabos 2”, tiene su estreno previsto para el 1 de octubre de 2021 a través de Amazon Prime Video.
‘Matando Cabos 2’ Juan José Saravia AMC
Con respecto a los aspectos técnicos del proyecto, Juan José nos comenta que tuvo que cambiar un par de elementos, haciendo referencia a lo que usó en ‘Matando Cabos’. “Aquella vez usamos unos lentes High Speed, pero en esta ocasión me decidí por los Cine Lens de Sony. Como su nombre lo indica, son lentes de cine, finos, con alto contraste y poder resolutivo; son como una mezcla entre los Ultra Prime y los Master Prime”.
Con el fin de tener un mejor flujo de trabajo y una mejor practicidad dentro del rodaje, Juan José decidió comprar la cámara y los lentes. De esta manera , ya estaba familiarizado con el equipo y con lo que podría ofrecer; además de poder quitarse de encima el tema del presupuesto.
“Nos fuimos con la Sony F55 en formato Raw. No contamos con los recursos para tener color grading en set, por ello me quedé con el Rec 709 básico para visualizar, e iluminé a partir del Raw. Los LUTs se mostraban en pantalla y de esta manera teníamos una aproximación del look final. De ahí sacaba still y se lo mandaba al Patas para que viera el armado”. Juan José recuerda que los mayores retos de esta película eran los numerosos efectos visuales de transiciones. “Es una película un poco más simple, en el sentido de que no hay coches en el Azteca, pero teníamos el reto de cómo lograr que se mantuviera la monumentalidad mostrada en la primera parte. Esto viene definido por la estructura de personajes; hay persecuciones y explosiones”.
“Fueron muchas pláticas para llegar a los acuerdos de dónde hacer cada cosa, es decir, si en set o en estudio. Nos llegó a pasar que teníamos que explotar vidrios y los dueños de las locaciones no lo permitían. Por ejemplo, se decidió que las secuencias de coches se iban directamente a un foro con green screen. El reto iba más allá que solo lograr los reflejos y efectos como si estuvieran en una calle. Dentro del lenguaje, teníamos la intención de exagerar los elementos a conciencia para que parecieran mal hechos. Tuve oportunidad de realizar secuencias en blanco y negro al estilo de las primeras películas de luchadores. Es todo un reto lograrlo desde una base de color por lo que tuvimos que alterar el color desde el vestuario y el color de la iluminación en el set. Este look era parte de nuestra propuesta para homenajear las películas de los luchadores”. Uno de los aspectos visuales que se mantuvo en ambas entregas es el aspecto de 1:89.
Juan José Saravia AMC a es un hombre interesado en la importancia de recibir una educación completa e integral. El director de fotografía se siente afortunado de haber coincidido con grandes maestros que aportaron a su desarrollo como cineasta. Como una manera de retribuir a este medio, se ha involucrado constantemente en la creación de cursos para mejorar la industria. “La educación siempre será un eje rector en mi vida profesional. Por ejemplo, en la AMC estamos empeñados en transmitir conocimiento para los que quieren dedicarse a este rubro del cine; nos ponemos a la tarea de hacer talleres en donde los alumnos puedan aprender haciendo. Además, por medio de esta revista podemos dar a conocer el trabajo de nuestros miembros y compartir nuestras experiencias detrás de cada proyecto. En este momento me encuentro trabajando junto a Guillermo Granillo AMC, AEC y Esteban de Llaca AMC, en conjunto con la AMAAC y el Conalep para crear especialidades profesionales técnicas en medios audiovisuales.”
El pasado 5 de agosto, a través de las redes sociales, se dio a conocer que que la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, y el Colegio Nacional de Educación Profesional Técnica CONALEP, llegaron a un acuerdo para que profesores del Colegio y profesionales de la industria audiovisual se unan e incorporen en sus planes de estudio asignaturas de cinematografía para que los alumnos se desarrollen en la industria audiovisual.
Habrá enfoque en diferentes áreas como vestuario, utilería, decoración, construcción y montaje e iluminación y tramoya. La persona encargada de coordinar estos talleres es la cineasta Lucía Gajá. El trayecto técnico de montaje de electricidad y tramoya está siendo diseñado por Juan José Saravia, Guillermo Granillo y Esteban de Llaca. “Buscamos que México se profesionalice más para crear una industria más fuerte, para que el nivel de trabajo sea de altos estándares”..
Juan José Saravia se encuentra grabando la tercera temporada de ‘Control Z’, una serie cuyo gran gran éxito fue igualmente inesperado. ciendo la traducción a varios idiomas, lo cual es sinónimo de que no sólo en México se está consumiendo”.
El maestro Saravia nos comparte está última reflexión con respecto al quehacer cinematográfico:
“Si haces tu proyecto como si fuera el primer proyecto de tu vida, le entras con todo. Sin duda lo peor que te puede pasar es creer que ya sabes como se hacen las cosas. Todos los días aprendemos algo nuevo. Me siento orgulloso de aportar algo al cine mexicano; igualmente me siento orgulloso de las películas que he realizado. Entre más avanzo y más aprendo, más me confirmo la necesidad de heredar lo que sé. Hay que apoyar a la industria. Observarnos; aprendemos y dejamos legado”.
Trailer ‘Matando Cabos 2’ https://www.youtube.com/watch?v=_iq1E8jLCm4
“Netflix es reservado con números, pero sabemos que está trascendiendo fronteras y ya se está ha-
‘Control Z’ Fotogramas, Juan José Saravia AMC
Sigue a Juan José Saravia AMC: https://www.imdb.com/name/nm1455782/
Cámara: Sony F55 Óptica: Cine Lens Sony Cinefotógrafo: Juan José Saravia AMC Gaffer: Leonardo Julián
CELIANA CÁRDENAS AMC
Los retos como motor
Fotogramas de: ‘Brand New Cherry Flavor’
El creador de las series ‘The ACT’ y ‘Channel Zero’, Nick Antosca, regresa con una nueva serie repleta de horror psicológico con la que busca regresar a las raíces del género. ‘Brand New Cherry Flavor’, la serie limitada de 8 capítulos, está basada en la novela homónima del escritor estadounidense Todd Grimson y, tras varios años de espera, la adaptación de Netflix ha demostrado ser un proyecto exitoso, no sólo para los amantes del género, sino para el público en general.
Celiana Cárdenas AMC Apertura, fue la directora de fotografía encargada de realizar la serie en su totalidad. “Los creadores de la serie, Nick y Lenore Zion, se acercaron a mi hace un par de años para que fotografiara otra serie de terror que hizo Nick llamada ‘Channel Zero’ (20162018). Lamentablemente, para Universal en ese momento yo no tenía la suficiente experiencia en series y no pude entrar al proyecto. Dos años más tarde hice la serie ‘Diggstown’. Mientras trabajaba en la segunda temporada, Nick me contactó pues quería que fuera parte del equipo de su nuevo proyecto. Estando aún en ‘Diggstown’, me mandó el guión del piloto. Cuando lo leí me gustó mucho y me emocionaba la idea de participar, sin embargo, debido a que tenía mucho trabajo, presenté un pequeño board con mis propuestas Era una visualización rápida que realicé en un fin de semana. Aún así me aceptaron y poco después me presenté con la directora del piloto, Arkasha Stevenson con quien llegué a congeniar muy bien y nuestras aproximaciones al proyecto eran muy similares”.
‘Brand New Cherry Flavor’ Fotograma. Celiana Cárdenas AMC
Ambientada en los 90, ‘Brand New Cherry Flavor’, cuenta la historia de Lisa Nova, una aspirante a directora quien, después de llegar a Los Ángeles con la esperanza de dirigir su primer largometraje, es traicionada por su productor y por un mundo que creía ser capaz de ofrecerle una carrera en la industria norteamericana. Tras los desafortunados eventos que sufre durante su estancia en el país norteamericano, Lisa Nova se embarca en una venganza sobrenatural que se le acaba yendo de las manos.
Celiana Cárdenas comparte que, aunque no ha tenido mucha relación con el género, se sentía emocionada de poder experimentar con todas las posibilidades que el guion ofrecía. “Lo que me gusta de esta historia, es que buscaba salirse de la fórmula, del típico terror o thriller que se ha estado produciendo últimamente. Es una comedia oscura pero con un trasfondo de cuento de terror. Me encantó trabajar con este género. Gracias a la confianza de Nick y Lenore, me permitió total libertad de poder expresarme gracias a Nick y Lenore creadores de la serie a través de la luz y de los encuadres, basándome en lo que Nick y el proyecto requerían”. Para la directora de fotografía, una de las cosas más importantes para un proyecto es establecer el lenguaje cinematográfico con el que se abordarán los elementos dentro del cuadro. Cada decisión es un medio del discurso que los realizadores quieren transmitir. Para esto, tanto Celiana como los directores y colaboradores, pusieron especial cuidado en cómo contar la historia.
Celiana dice que buscaron acercarse a una narrativa clásica donde la cámara permitiera transmitir la emoción que buscaban a través del encuadre y los movimientos. Se rompió con un estilo televisivo para crear algo más cinematográfico, siguiendo un poco el camino de Hitchcock, de Lynch y de Cronenberg, cuyas películas ayudaron mucho a encontrar el estilo de la serie.
Colaboraciones importantes
En el mundo de las series es común encontrarse con proyectos dirigidos por dos o más personas; sin embargo, en estos casos encontramos que los otros departamentos tienen un especial peso para mantener un lenguaje consistente y una narrativa continua durante todo el rodaje. Celiana Cárdenas fue la única directora de fotografía en ‘Brand New Cherry Flavor, por lo que su relación con las demás áreas resultó de gran importancia.
“Trabajé muy de la mano con los creadores de la serie. Entre ellos y yo mantuvimos la continuidad visual. En particular, cuando hablo con mis productores o directores sobre referencias visuales, prefiero acercarme más al trabajo de la pintura, arte conceptual y del fotoperiodismo. De este último, tengo acceso a diferentes aspectos de la realidad que puedo escoger para crear un estilo particular para mi proyecto.”
Entre los artistas conceptuales revisitados por Celiana están: el norteamericano Dan Flavin, en cuya obra se puede apreciar el uso de luces fluorescentes como instrumentos artísticos; el danés Olafur Eliasson, conocido por sus esculturas e instalaciones a gran escala realizadas con luz y el escultorMatthew Barney, cuya obra ‘Cremáster’ se centra en la transformación del cuerpo humano. “Lo particular de esta serie es que, además de tener como referencia lo fotográfico, me encontré con que mis referencias más fuertes estaban orientadas hacia la obra de artistas conceptuales que trabajan con la luz, el gore, el cuerpo humano y la sangre. Tienen una manera de demostrar el horror de una forma muy bella”.
‘Brand New Cherry Flavor’ demuestra que los proyectos audiovisuales (series, películas, cortometrajes, etc.), son un esfuerzo colaborativo, una unión de expresiones artísticas guiadas hacia un fin común. Para esta serie, además de los expertos en los departamentos de área, contaron con la participación de artistas plásticos y visuales importantes con el fin de explotar al máximo la narrativa.
En la trama, Lisa Nova es perseguida o acosada por seres paranormales, después de acercarse a Boro (interpretada por Catherine Keener). Uno de los artistas involucrados en la creación de estos monstruos, fue el pintor y escultor congolés Olivier de Sagazan, quien es reconocido por su obra ‘Transfiguración’. El trabajo de Sagazan es reconocido por la creación de personajes con los que logra producir un efecto escalofriante y grotesco. La obra mencionada es
en la que construye capas de arcilla y pintura en todo su cuerpo para transformar y desarmar su propia figura, la que aparece dentro de la serie.
“Con el diseñador de producción, Troy Hansen (Flash, 2017-2018), hubo una química muy buena porque resulta que, al igual que yo, también vivió en Los Ángeles en esa década. Teníamos muy claras las referencias y queríamos que el contexto histórico formara parte de las decisiones creativas. Todo dentro del set tenía una razón de ser”. “Utilizamos el color rosa para el departamento de Lisa por varias razones. En primer lugar, queríamos hacer sentir que su casa era un espacio “seguro”, donde podía resguardarse. El color nos ayudaba a remitirnos a un vientre; segundo, como referencia a la cultura popular de los noventa. Otra cosa interesante sobre esta locación fue que el rosa va cambiando de tono conforme se va transformando el arco dramático de Lisa y esto lo logré a través de la iluminación”.
Recursos visuales y técnicos
“Este proyecto para mi se trataba de moldear la luz, pues no es solo un elemento para iluminar un espacio, sino que nos ayuda a entender el “agujero de conejo” donde se mete Lisa. Tal como ‘Alicia en el país de las maravillas’, Lisa no se da cuenta de lo que provocó con sus acciones. Al final, se hechizó a ella misma. Haber realizado esta serie ha sido una experiencia única. Logré explorar un sinfín de recursos dependiendo del estado del viaje emocional de los personajes. Había una mezcla de elementos que podía usar en favor de lo visual y me puse como regla el no repetirlos. De esta manera jugamos con la difracción de cristales, con reflejos, filtros de cámara y con mezclas de temperatura de color. Por ejemplo, en el segundo episodio, cuando ella comienza a tomar la poción, usamos un Lensbaby. En otro momento usamos vaselina directamente en el filtro; incluso, pintamos filtros manualmente para lograr los efectos que buscábamos”.
El director de fotografía Robby Muller (‘París, Texas’), fue una gran inspiración, sobre todo por el uso de tungstenos, mientras que Cristopher Doyle (‘In the Mood for Love’) fue inspiración para la mezcla de temperaturas. “Durante los noventa en Los Ángeles, la iluminación no era con LEDs ni con sodios, era con lámparas de vapor de mercurio, justo como en ‘Paris, Texas’. Había luces fluorescentes por toda la ciudad. Todos estos tonos los busqué y estudié la forma de poder replicarlos mediante filtraje en Sky Panels y en las demás luces que llevábamos”.
La primera parte de la serie fue filmada durante cinco meses en Vancouver, donde se abordaron los interiores en locaciones y los sets construidos. “Iluminé con tungsteno y HMI. Parecía impráctico, pues le decía a mi gaffer: “Baja el 5k y ponle el filtro y la difusión”, pero para mi era muy importante. Siento que le da realismo, así era como se iluminaba en los noventa. “Los tungstenos los usamos para las noches y HMIs en el día. Por ejemplo, los tubos que se ven en ciertas
‘Brand New Cherry Flavor’ Fotograma. Celiana Cárdenas AMC
locaciones son luces fluorescentes con filtros que realmente pertenecen a aquella época; un momento de realidad entre lo que podía sentirse con la luz de los productos de esa época”.
Como muchas producciones audiovisuales del 2020, esta serie se vio afectada por la pandemia. La parte de Vancouver fue realizada en el mes de Marzo 2020, mientras que la parte de Los Ángeles, se realizó en Octubre del mismo año.
“Retomar el proyecto fue un poco difícil, sobre todo por todos los cuidados, las exigencias y los protocolos que se debían cumplir para poder estar en el set. Por ejemplo, nos hacían la prueba PCR a diario y sólo podían viajar dos personas en una misma camioneta. Por otro lado, a pesar de la dificultad, ya sabíamos y teníamos claro lo que necesitábamos de Los Ángeles; los exteriores nocturnos eran prioridad y necesitábamos congruencia y continuidad con los interiores realizados en Vancouver”.
Aprovechar la situación
Celiana Cárdenas prepara minuciosamente cada uno de los detalles dentro de sus proyectos y su experiencia como directora de fotografía, además del trabajo artístico, puede verse a la hora de tomar decisiones técnicas en relación al presupuesto. En algunas ocasiones no es posible tener la cantidad de luces que quisieras, para ello debes saber resolver en el momento aprovechando los elementos que tienes a la mano. Celiana nos comparte una secuencia en la que la locación ayudó a su iluminación.
“Hay una secuencia en la que Lisa y Lou están en un coche y la luz roja del semáforo se proyecta en la cara de ella; esa luz roja es el primer indicativo de que ella se encuentra en peligro. Más adelante va a un mirador junto con Lou y en ese mirador había una torre que emitía una luz roja. Yo no la planté ahí, pero aprovechamos ese momento y en definitiva aportaba mucho a la idea de que Lisa se encuentra en peligro al estar con ese hombre. En lugar de cubrirla, la dejamos ser parte de nuestro universo”.
Justo en la escena del mirador, teniendo todas las luces de la ciudad de fondo, es que se nota una característica muy peculiar en el tratamiento de la imagen. “Decidí utilizar unos lentes híbridos: los Mini Hawks. Esta óptica tiene como característica un bokeh que no pertenece a los anamórficos ni a los esféricos. Es algo muy extraño y peculiar. Sólo existen 8 juegos de esta óptica en el mundo y logré trabajar con uno de ellos”.
“Probé varios lentes y desde el principio sabía que no quería lentes anamórficos. Probé con los Super High Speed -lentes construídos en aquella época-, sin embargo los Mini Hawk tienen la ventaja de ser macros”. La óptica se usó en conjunto con Sony Venice. Algo verdaderamente interesante de las primeras dos líneas narrativas mencionadas, es la manera en la que abordan los elementos de horror y terror en cada una de ellas. La más distintiva es la psicológica, el mundo interno de Lisa. En este universo el horror está presente en las alucinaciones, las sombras o los elementos escatológicos que la atormentan. Por otro lado está el mundo real, que no es precisamente mejor que el otro. En este plano el horror está presente en una forma más cruel: violencia física y psicológica, acoso y abuso por parte de su productor y la gente cercana a Lisa.
Debido a la naturaleza fantástica del guión, era necesario que en todo momento estuvieran presentes un supervisor de efectos visuales y de efectos prácticos dentro del set. “Rosa Salazar (Lisa), vomitaba gatitos como parte del hechizo que realizó. Para esto, la actriz decidió meter el material con el que se daba el efecto de pelo en su boca para hacerlo más realista. Toda esa saliva que sale en pantalla es real. Al principio se realizaron pruebas para lograr, mediante angulación de cámara, un efecto de vómito, pero ella decidió hacerlo realmente. Al final los chicos de efectos visuales apoyaban con hilos atados a las marionetas de los gatitos para darles movimiento”.
Diferentes tipos de terror
Para los realizadores era importante diferenciarse de las producciones actuales del género y encontrar una manera de homenajear el estilo de los 80 y 90, cuando el horror psicológico estaba en auge. Una característica muy peculiar de esta serie es la existencia de tres líneas narrativas: la primera es lo que le sucede a Lisa y su relación con los demás en el mundo material; la segunda es lo que vive Lisa dentro de su cabeza ( todo su mundo interno); y la tercera es la metaficción que existe en su trabajo como directora en el cortometraje ‘Lucy’s eye’.
“Para la parte de cortometraje tuve que pensar en algo que rompiera por completo con la estética visual del mundo real. Teniamos que enfatizar el hecho de que Lisa es una directora y para esto propuse que el cortometraje fuera en blanco y negro para hacerlo más puntual. Solamente se usó cámara en mano. El alto contraste fue un rompimiento total con todo lo demás de la serie”. ‘Brand New Cherry Flavor’
Cámara: Sony Venice Óptica: Mini Hawk Cinefotógrafa: Celiana Cárdenas AMC Gaffer Vancouver: Trevor Crist Gaffer L.A.: Eric Fahy
Superando Retos
La corrección de color fue un proceso muy complicado para la directora de fotografía. “Yo mandaba stills que tomaba directamente en set al colorista, pero el flujo de trabajo se vio afectado por el COVID y cuando se quiso retomar, todo esos stills se perdieron. Hubo una confusión con respecto a cómo se debería de trabajar. No me gustó hacía donde se inclinó la primera corrección y optamos por reiniciar el proceso para acercarnos lo más posible a mis stills”.
Otro reto al que se enfrentó Celiana Cárdenas fue al sufrir una fractura en el tobillo durante la filmación de la serie. “Era de madrugada y el trailer estaba estacionado incorretamente. Bajé rápido y, por el desnivel entre las escaleras, se me fracturó el tobillo. Aún con el dolor, cumplí mi jornada laboral desde las 6 am hasta las 8pm. Solo al terminar el llamado me fui al hospital a que me atendieran. Fueron 6 semanas con muletas y una bota en el pie”.
“Me gusta rodearme y trabajar con gente que entienda lo que necesitamos como directores de fotografía para poder llevar a cabo todo lo que se requiere en un proyecto audiovisual. Cuando hablo con mi equipo, espero que todos entreguen el máximo. Existe una frase que me gusta para compartirla con mis colaboradores: `I don’t do good enough, I do great´ (`No estoy aquí para hacerlo bien, sino excelente´). “A pesar de las dificultades, este ha sido uno de los proyectos más gratificantes por el simple hecho de que disfruté hacerlo; disfruté de jugar, de la libertad creativa y de experimentar con un género nuevo. Ha sido una experiencia increíble. Me recalcó la fortaleza que tengo e hizo hincapié en la gran pasión que siento por mi trabajo”.
Trailer ‘Brand New Cherry Flavor’:
https://www.youtube.com/watch?v=wOzM3c33TVg
Sigue a Celiana Cárdenas AMC:
IMDB: https://www.imdb.com/name/nm0194595/ https://www.instagram.com/celiboy22/
